20 PINTORES:

1. BOTICCELI

Italia. (1445-1510)

Nació en el año 1445 en Florencia, su verdadero nombre era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi.

Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente para los Medici, para los que pintó retratos, y de los que recibió la influencia del neoplatonismo cristiano que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas.

Sus obras se caracterizan por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.

Falleció en Florencia el 17 de Mayo de 1510.

TRES DE SUS OBRAS:

EL NACIMIENTO DE VENUS.

Época:Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento.

Descripción:1484-1485. Temple sobre lienzo. 172,5 x 278,5 cm. Galería de los Uffizi. Florencia.

Autor:Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi.

LA PRIMAVERA

Época:

Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento.

Nombre:La Primavera

Descripción:1480-1482. Temple sobre tabla. 203 x 314 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia

Representa el amor idealizado, anteponiéndolo al amor carnal que se representa como algo efímero.

Autor:Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi

LA VIRGEN DE LA GRANADA

Época:Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento

Florencia (Los Seguidores)

Nombre:La Virgen de la Granada

Descripción:1485-1487. Temple sobre tabla. Diámetro 143,5 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

Autor:Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi

2 .JAN VAN EYCK

Flandes. (1390-1441)Nació en Maaseyck hacia 1390, según unos, en Maestricht, según otros. Hacia 1422 puso su arte al servicio de Juan de Baviera, conde de Holanda, y en el que permanecerá hasta 1425, cuando el conde fallece. Tras una breve estancia en Brujas se traslada a Lille llamado por Felipe el Bueno, señor de Borgoña, a cuyo servicio permanecerá hasta su muerte no sólo como pintor, sino también como diplomático, pues el artista, silencioso, sereno, discreto y hábil, posee indudables dotes humanas que su señor sabrá utilizar en embajadas tan confidenciales como secretas. Viajará a Aragón para solicitar la mano del conde Urgel; en Tournai realizará un nuevo servicio diplomático, que le permitirá conocer a Robert Campin y Roger van der Weyden. Estas misiones diplomáticas sirvieron a la maduración evolutiva de su estilo. Influyó decisivamente en toda la pintura posterior, fue alabado por Durero y suscitó la envidia y la impotencia de Van der Goes.

Fue fundador del Ars Nova (arte nuevo), movimiento que se caracterizó por su naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y por el logro de la ilusión óptica de espacios tridimensionales sobre superficies bidimensionales.

Falleció en julio de 1441.

TRES DE SUS OBRAS:

EL MATRIMONIO ARNOLFINI (1434)

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Primer Tercio (Los Iniciadores)

Nombre:El matrimonio Arnolfini 1434.

Descripción:

Óleo sobre tabla. 81,8 x 59,7 cm. The National Gallery. Londres. Inglaterra

Autor:Jan van Eyck

Es un cuadro de interior, que representa el rito nupcial. Es una pintura cargada de simbolismo. Un ejemplo de ello es la fruta (simboliza la inocencia frente al pecado) o el perrito (símbolo de la fidelidad) entre otros.

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN (1435)

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Primer Tercio (Los Iniciadores)

Nombre:La Virgen del Canciller Rolin

Descripción:Aprox. 1434/35. Óleo sobre tabla. 66 x 62 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Autor:Jan van Eyck

Retrata a uno de los personajes  más relevantes de la corte de Felipe el bueno, el canciller Rolin. No le faltan a la obra los consabidos recursos a la perspectiva geométrica en la que tiene que decir mucho la arquitectura.

LA VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE.

Época

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Primer Tercio (Los Iniciadores)

Nombre:La Virgen del Canónigo Van der Paele

Descripción:1436. Óleo sobre tabla. 141 x 176,5 cm. Staedelsches Kunstinstitut. Francfurt. Alemania.

Autor:Jan van Eyck

3. HIERONYMUS VAN AEKEN BOSCH (EL BOSCO)

Holanda. (1450-1516)

Nació en Hertogenbosch, en el seno de una familia de artistas procedentes de Aquisgrán, su infancia y juventud transcurrieron en una difícil y aborrascada época de transición entre una Edad Media que se dirigía velozmente a su ocaso y un Renacimiento que ya despuntaba poderosamente. El Bosco debió de obtener el grado de maestro hacia 1480, y poco mas tarde ingresó en la cofradía de Nuestra Señora.

Supo traducir en figura y color contenidos semejantes a los que pululaban en la literatura de su tiempo, sus obras son de temática religiosa interpretadas con gran fantasía e iconografía demoníaca, relacionando motivos astrológicos, de folklore, brujería y alquimia, así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares mostrando la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado, desafiando a Dios, la condena eterna a las almas perdidas en el infierno, como consecuencia de la locura humana.

Falleció en agosto de 1516, poco podía imaginar que llegaría a convertirse, con el tiempo y más allá de la tumba, en el pintor favorito del primer monarca absoluto de España, el poderoso Felipe II

TRES DE SUS OBRAS:

EL JARDIN DE LAS DELICIAS.

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Nombre:El Jardín de las delicias o La Pintura del Madroño

Descripción:Tríptico. Óleo sobre tabla. 220 x 386 cm. Museo del Prado. Madrid. España

Tríptico en el que se reflejan los pecados capitales. El paraíso con Adán y Eva, en la pintura de la izquierda. En el centro, el paraíso terrenal con los pecados capitales. En la pintura de la derecha, se representa el infierno en el que el autor plasma su autorretrato.

LA EXTRACCIÓN DE LA PIEDRA DE LA LOCURA

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Nombre:

La extracción de la piedra de la locura.

Descripción:1475-1480. Óleo sobre tabla. 48 x 35 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

CRUXIFICCIÓN CON DONANTES

Época:Siglo XV. Gótico Flamenco

Último Tercio

Nombre:

Crucifixión con donantes

Descripción:Aprox. 1483. Óleo sobre tabla. 70,5 x 59 cm. Brusela, Koninklijk Museum voor Schoone Kunsten

Autor:Jeroen Anthonizoon van Aeken

4. LUDOVICO CARRACCI

 Italia. (1560-1609)

Nació el 3 de Noviembre de 1560 en Bolonia, en 1585 fundó la Academia de los Incamminati, escuela de pintura cuyo objetivo era transformar el arte mediante la reinstauración de los principios clásicos utilizados por maestros del renacimiento

como Miguel Ángel y Rafael, su obra presenta influencias del Manierismo italiano, es una figura fundamental en la transición del Manierismo al Barroco. Sus paisajes destacan por su sutileza y exquisitez.

Falleció en Roma el 15 de Julio de 1609 víctima de una parálisis.

APARICIÓN DE LA VIRGEN Y EL NIÑO A SAN JACINTO

Nació el 3 de Noviembre de 1560 en Bolonia, en 1585 fundó la Academia de

Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Religión. Vírgenes

Nombre:Aparición de la Virgen y el Niño a San Jacinto

Descripción:1594. Lienzo. 375 x 223 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

Autor:Ludovico Carracci

PIETÁ

Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Religión. Vírgenes

Nombre:Pietà

Descripción:1895. Olio su tela. 34,7 x 46 cm. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma. Italia

Autor:Ludovico Carracci

HORACIÓN EN EL HUERTO

 

Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Religión. Cristo

Nombre:Oración en el huerto

Descripción:Lienzo. 48 x 55 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Ludovico Carracci

5. PEDRO PABLO RUBENS

Flandes. (1577-1640).

Nació en Sieguen, estudió en Amberes, con el jesuita Rombau Verdonck hasta que, a los trece años, entra en calidad de paje al servicio de la princesa Margarita de Ligne Aremberg. En la corte de ésta Rubens, además de adiestrarse en las difíciles armas de la diplomacia, se decide por la pintura como futura profesión. Estudia en los talleres de Adam van Noort y de Otto Venius.

En mayo de 1600 marchó a Italia para perfeccionar su enseñanza. En Mantua estudió las obras de Correggio, Mategna y los venecianos y en Roma descubre a Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

Su estilo abrió nuevos caminos en la trayectoria de la pintura barroca, que en la obra de Rubens se vuelve exuberantemente sensual y cobra un movimiento irresistible, marcado por diagonales o espirales. Rubens creó un arte vibrante en el que surgen energías palpitantes a partir de la tensión entre lo intelectual y lo emotivo, entre lo clásico y lo romántico, combinando la pincelada intrépida, el color luminoso y la luz trémula de la escuela veneciana con la fuerza ferviente del arte de Miguel Ángel y el dinamismo formal de la escultura helenística. Poseyó una gran biblioteca y una sólida formación clásica.

Durante 200 años, la vitalidad y la elocuencia de su obra influyeron sobre artistas como Jean-Antoine Watteau, del siglo XVIII, y Eugène Delacroix y Auguste Renoir, en el siglo XIX.

Rubens fue el pintor de los Archiduques Isabel Clara Eugenia (hija de Felipe II) y Alberto de Austria. Por su larga relación con la Corte española, hoy conserva el Museo del Prado más de sesenta cuadros de su mano.

Falleció el 30 de Mayo de 1640.

TRES DE SUS OBRAS:

EL DUQUE DE LERMA

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela flamenca. Retratos

Nombre:El Duque de Lerma

Descripción:1603. Óleo sobre lienzo. 283 x 200 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Pedro Pablo Rubens

HELENA FOURMENT

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela flamenca. Retratos

Nombre:Helena Fourment

Descripción:1631. Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre. París. Francia.

Autor:Pedro Pablo Rubens

EL TRIUNFO DE LA IGLESIA

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela flamenca. Religión

Nombre:

El triunfo de la iglesia

Descripción:Tabla. 86 x 105 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Pedro Pablo Rubens

La composición de la escena está basada en la entrada de los emperadores en Roma.

EL JUICIO FINAL

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela flamenca. Religión

Nombre:El juicio final

Autor:Pedro Pablo Rubens

Descripción:

Óleo sobre tabla. Alte Pinakothek. Munich. Alemania.

6. REMBRANDT

Holanda. (1606-1669)

Nació en Leiden el 15 de julio de 1606. Fue un intérprete excepcional de la naturaleza humana y un maestro de la técnica, no sólo pictórica sino también del dibujo y del grabado. Su obra produjo un gran impacto en sus contemporáneos e influyó en el estilo de muchos artistas posteriores. Es probable que no exista ningún pintor que haya igualado a Rembrandt en su utilización de los efectos del claroscuro o en el empaste vigoroso.

Las obras más importantes de Rembrant pertenecen a sus dos últimas décadas. Ya no le importaban los detalles superficiales. Los autorretratos, los retratos individuales, las obras religiosas revelan su preocupación por las cualidades espirituales.

Falleció el 4 de octubre de 1669, después de haberse autorretratado en la paz final.

TRES DE SUS OBRAS:

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAE TULP

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela holandesa. Retratos

Nombre:

La lección de anatomía del doctor Tulp

Descripción:1632. Óleo sobre lienzo. 169,5 x 216,5 cm. Museo Mauritshuis. La Haya. Holanda.

Autor:Harmennsz van Rijn Rembrandt

Para rememorar una clase de este célebre médico, realiza este retrato gremial típico de escuela holandesa. Utiliza el cadáver como centro de atención de la obra.

LOS SÌNDICOS DE LOS PAÑEROS

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela holandesa. Retratos

Nombre:Los síndicos de los pañeros

Descripción:1662. Óleo sobre lienzo. 191,5 x 279 cm. Rijksmuseum. Amsterdam. Holanda.

Autor:Harmennsz van Rijn Rembrandt

Presenta seis retratos en actitudes naturales. Vestidos de negro, la nota de color la pone el tapete rojo.

RETRATO DE HOMBRE

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela holandesa. Retratos

Nombre:Retrato de hombre

Descripción:1668. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA.

Autor:Harmennsz van Rijn Rembrandt

7. FRANCISCO DE ZURBARÁN

España. (1598-1664).

Zurbarán nació en la población de Fuente de Cantos (Badajoz). Pintor conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles, las formas

Amplias y la plenitud en los volúmenes, la monumentalidad en las figuras y el apasionamiento en los rostros.

Residió en Sevilla durante más de diez años, realizando trabajos para diversos conventos. En 1629 se instaló en la ciudad durante los siguientes treinta años. La década de 1630 fue la más fructífera de su obra, incluso fue llamado a la Corte de Felipe IV, participando en la decoración del Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro, con la serie de lienzos sobre los "Trabajos de Hércules". En la siguiente década comenzó su declive, al cambiar el gusto pictórico en Sevilla. Murió en Madrid, sumido en una gran pobreza.

TRES DE SUS OBRAS:

LA CENA DE EMAÚS

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Religión

Nombre:La Cena de Emaús

Descripción:1639. Óleo sobre lienzo. 228 x 154 cm. Museo de San Carlos. Mexico city.

Autor:Francisco de Zurbarán.

BODEGÓN DE MEMBRILLOS

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Bodegones y Flores

Nombre:Bodegón de membrillos

Descripción:Óleo sobre lienzo. 35 x 40 cm. Museo de Arte de Cataluña. Barcelona. España.

Autor:Francisco de Zurbarán

 En èl da muestra de su pintura con gran plasticidad y dominio de los volúmenes.

HÉRCULES Y EL TORO DE CRETA

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Mitología y Alegorías

Nombre:Hércules y el toro de Creta

Descripción:1634. Lienzo. 134 x 153 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Francisco de zurbaràn

8. BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 

España. (1618-1682)Pintor español nacido en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente religiosa. A partir de sus primeras obras, representaciones de la Virgen María o la Sagrada Familia, evolucionó hacia un tratamiento de los temas en un tono más humano y sencillo, dentro de interiores cotidianos, en los que introduce pequeños detalles y escenas de la vida doméstica. Ejecutó lienzos de altar para conventos e iglesias de diversas órdenes monásticas en Sevilla. Sus personajes se caracterizan por una gran dulzura, acentuada por una pincelada suave y fácil y una luz dorada que los envuelve. Como pintor de escenas de género, plasmó con gran maestría y emotividad el mundo de la novela picaresca de la época.

Falleció el 3 de Abril de 1682.

TRES DE SUS OBRAS:

EL BUEN PASTOR

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Religión

Nombre:El buen pastor

Descripción:También conocida como "El niño Jesús, Divino Pastor"1660-1665. Óleo sobre lienzo. 123 x 101 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Bartolomé Esteban Murillo

Interpreta la realidad dotándola de una gracia e idealización. Pinta a niños y mujeres.

INMACULADA CONCEPCIÓN DEL ESCORIAL

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Religión

Nombre:Inmaculada Concepción del Escorial

Descripción:También conocida como "La Virgen entre nubes acompañada de Ángeles". 1660-1665. 206 x 144 cm. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Bartolomé Esteban Murillo

 LA COCINA DE LOS ÁNGELES

Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Religión

Descripción1646. Lienzo. 180 x 450 cm. Museo del Louvre. París. Francia.

9. VELÁZQUEZ

 España. (1599-1660) Nació en Sevilla en junio de 1599, inició su aprendizaje en casa de Francisco Pacheco, pintor y humanista, el 1 de diciembre de 1610. A cargo de éste corrió la formación técnica y humana de Velázquez. Tanto intimó con la nueva familia que en ella se insertó: el 13 de Abril de 1618 casó con la hija de su maestro, Juana. Ella tenía quince años; él dieciocho. Un año antes, el 14 de marzo, había sido aprobado por los alcaldes veedores de Sevilla como maestro pintor.

Con veintidós años se trasladó a Madrid, en la primavera del año siguiente una carta del valido Olivares, rector de los destinos de España y por un momento de Velázquez, le abrió las puertas del Alcázar real.

Las obras más importantes de Velázquez las realizó entre1617 y 1623; pueden dividirse en tres categorías: el bodegón, retratos y escenas religiosas. Muchas de sus primeras obras tienen un marcado acento naturalista, los magistrales efectos de luz y sombra, así como la directa observación del natural, llevan a relacionarlo inevitablemente con Caravaggio. Para sus pinturas religiosas utilizó modelos extraídos de las calles de Sevilla.

Falleció el 6 de Agosto de 1660 en Madrid.

FRANCISCO  DE QUEVEDO

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 Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Retratos

Nombre:

Francisco de Quevedo

  Descripción:1631-1635. Óleo sobre lienzo. Colección Privada.  Autor:Diego Rodríguez de Silva y Velázquez 

LAS MENINAS (1656) 

  Época:Siglos XVI y XVII. Barroco  Escuela española. Retratos

Nombre:Las Meninas

Descripción:También conocida como "La familia de Felipe IV". 1656. Óleo sobre lienzo. 318 x 276 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Es su obra cumbre. En él supera el tema de los retratos representados dando una nueva interpretación de la pintura al presentar lo acontecido "al otro lado del cuadro" ya que las figuras ocupan el lugar del pintor. Hace al espectador partícipe de la escena desarrollada.

LAS HILANDERAS

 

 Época:Siglos XVI y XVII. Barroco

Escuela española. Mitología y Alegorías

 Autor:

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

 Las Hilanderas

Descripción:También conocida como: "La fábula de Aracne". 1657. Óleo sobre lienzo. 220 x 289 cm. Museo del Prado. Madrid. España

En este cuadro consigue fundir el tema mitológico con la escena de género. El lugar donde se desarrolla la escena (taller) no es más que el nexo hacia lo mitológico. 

           

10. TIZIANO    Italia. (1487-1576)Nació en el año 1477 en Pieve di Cadore, fue condiscípulo de Giorgione en el taller de los Bellini, es por eso que a veces sus obras se confunden.

Tiziano dota a las figuras de un sentimiento de aflicción convincente, de vida impulsiva, al tiempo que ordena los hechos con realismo en el marco de paisajes de gran viveza.

 

En 1516 fue nombrado pintor oficial de la República Veneciana y trabajó en las cortes de Mantua y Ferrara, allí realizó numerosos retratos que destacan por la captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención que presta a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada. Trabajó para Carlos V y para Felipe II.

 Falleció el 27 de agosto de 1576 en Venecia, víctima de la peste. 

RETRATO DEL PAPA JULIO II

 Nombre:Retrato del Papa Julio II

Autor:Tiziano Vecellio di Gregorio

Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Religión. Otros Temas

 

Descripción:1545-1546. Óleo sobre tabla. 99 x 82 cm. Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia

  DANAE

 

Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Mitología y Alegorías

Nombre:Danae

Descripción:1552-1553. Óleo sobre lienzo 120 x 187 cm Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia

Autor:Tiziano Vecellio di Gregorio

BACANAL

 

  Época:Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo

Mitología y Alegorías

Descripción:1518-1519. Óleo sobre lienzo. 175 x 193 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Tiziano Vecellio di Gregorio

Nombre:La Bacanal

En esta composición el tema principal es una alegoría al dios Baco.

 

11. PICASSO  España. (1881-1973) Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su

rapidez e intuición: un desnudo masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista, aquella horda de rebeldes, hedonistas y vitales, que leen a Nietzsche y escuchan a Wagner. Se llaman Rusiñol, Casas, Utrillo. Se traslada a París y elige, como maestros a Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne. Acierta al escoger su nombre de guerra (con dos eses, como Matisse, Poussin o Rousseau), y acierta al emigrar a otra patria.

La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó en cientos de litografías; se interesó por la cerámica, realizando unas dos mil piezas, además de importantísimas esculturas y grabados con los que retornó a los temas primitivos: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

Falleció el 8 de abril de 1973, sus restos fueron trasladados al castillo de Vauvenargues, al pie de la montaña Sainte-Victoire, la amada de Cézanne que asistió a su derrumbe final. Una tormenta de nieve, inesperada y anómala en aquella época del año, acompañó el entierro, como si la naturaleza, cuyo fruto tempestuoso había sido el artista, quisiera participar en el adiós.

DESNUDO FEMENINO DE ESPALDAS

Época:Siglo XIX. Realismo

Desnudos

Autor:Pablo Ruiz Picasso

Descripción:Desnudo femenino de espaldas según (Arcadi Mas i Fontdevilla). 1895. Óleo sobre madera. 22.3 x 13.7 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

LA MUERTE DEL ARLEQUIN

Nombre:La muerte del arlequín

Época:Siglo XIX. PostimpresionismoCostumbres Descripción:1906. Aguada sobre cartón. 68.5 x 96 cm. Colección particular.  Autor:Pablo Ruiz Picasso  AUTORRETRATO MAL PEINADO

Época:Siglo XIX. Realismo

Nombre: Autorretrato mal peinado

Descripción: 1896. Óleo sobre lienzo. 32.7 x 23.6 cm. Museu Picasso. Barcelona. España.

Autor:

Pablo Ruiz Picasso

12. RAFAEL SANZIO DE URBINO

Italia. (1483-1520)

Nació en Urbino el 28 de marzo de 1483, era hijo de un modesto pintor cercano a los Montefeltro, duques de Urbino. Ingresó en el taller de Perugino, compañero de Leonardo junto al maestro Verrocchio, allí Rafael lo aprendió todo del maestro

que junto con Botticelli, Signorelli y Guirlandaio había trabajado en la Sixtina.

A los veintiún años viajó a Florencia, recomendado por Giovanna della Rovere, su protectora, a fin de sumergirse en el río del arte florentino, inundado por Leonardo y agitado por Buonarroti. Cuando ya lo ha aprendido todo dirige sus pasos hacia la meta ambicionada: Roma.

A la muerte de Bramante, en 1514, Rafael se convierte en el segundo arquitecto de San Pedro, cuyas trazas para la planta y fachada realizó al fin de su vida, ayudado por Sangallo, su heredero.

Falleció el 6 de abril de 1520, un Viernes Santo, como el día en que nació.

TRES DE SUS OBRAS:

LA VIRGEN CON EL NIÑO

Época:Siglos XV y XVI. Renacimiento

Religión. Vírgenes

Nombre:La Virgen con el niño

Descripción:1502. Poplar. 52 x 38 cm. Gemäldegalerie. Berlín. Alemania.

Autor:Rafael Sanzio de Urbino

LA VIRGEN DEL JILGUERO

Época:Siglos XV y XVI. Renacimiento

Religión. Vírgenes

Nombre:La Virgen del jilguero

Descripción:También conocida como:"Madonna del Cardellino" y "La Virgen con San Juan y el Niño"1505-1506. Óleo sobre tabla. 107 x 77,2 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

Autor:Rafael Sanzio de Urbino

Esta obra de Rafael presenta una de sus principales características que es la composición piramidal. Vemos como

la virgen, su hijo y bautista están situados de manera que ofrecen forma piramidal a la obra.

LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN

Época: Siglos XV y XVI. Renacimiento

Religión. Vírgenes

Nombre: Los Desposorios de la Virgen

Descripción:1504. Óleo sobre tabla. 174 x 121 cm. Pinacoteca de Brera. Milán. Italia.

Autor:Rafael Sanzio de Urbino

Esta obra presenta una de las características de la pintura renacentista, en la composición aparecen personajes pero también tiene un lugar la arquitectura.

13. GUSTAV KLIMT

Austria. (1862-1918)

Nació en Viena en 1862 y realizó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena.

Su arte, liberado del academicismo, se vio influenciado por pintores simbolistas como Böcklin, que lo marcan por sus representaciones de escenas oníricas y misteriosas, de alegorías mitológicas, y por sus visiones de una mujer de quien todos captan la naturaleza ambivalente, hecha de carne y de quimera, como si Klimt, contemporáneo de Freud, también quisiera recorrer esos nuevos territorios que son el sueño y el inconsciente.

En 1897 fundó la Secesión Vienesa, un movimiento del Art Nouveau, de la que es nombrado presidente. La consigna de sus miembros es ".... No conocemos diferencia entre el arte mayor y menor, entre el arte de los ricos y el de los pobres. El arte os pertenece.......

En un principio se dedicó a pintar grandes murales para teatros realizados en un estilo naturalista, pero después se inclinó hacia un estilo mas decorativo y simbólico.

Falleció en 1918.

CASTILLO SOBRE EL AGUA

Época:Siglos XIX y XX. Simbolismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Castillo sobre el agua

Descripción:1908. Óleo sobre lienzo. 102,5 x 102 cm. The National Gallery. Praga. República Checa.

Autor:Gustav Klimt

DANAE

Época:Siglos XIX y XX. Simbolismo

Nombre:Danae

Descripción:1907-1908. Óleo sobre lienzo. 77 x 83 cm. Colección Privada. Graz. Austria.

Autor:Gustav Klimt

EL BESO

Época:Siglos XIX y XX. Simbolismo

Costumbres

Nombre:El beso

Descripción:1907-1908 Óleo y oro sobre lienzo. 180 x 180 cm. Österreichische Galerie. Viena. Austria

Autor:Gustav Klimt

14. CEZZANE

Francia. (1839-1906)

Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto se fue a estudiar arte a París donde se empezó a sentir atraído por la obra de Delacroix, Courbet y Manet.

Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros recordando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores.

Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. .

Considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

DALIAS

Época:Siglo XIX. Impresionismo

Bodegones y Flores

Nombre:

Dalias

Descripción:1875. 73 x 54 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Autor:Paul Cezanne

GARDANE

Época:Siglo XIX. Postimpresionismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Gardane

Descripción:1885-1886. Óleo sobre lienzo.

92 x 74,5 cm. The Brooklyn Museum. USA.

Autor:Paul Cezanne

PAISAJE

Época:Siglo XIX. Postimpresionismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Paisaje Azul

Descripción:1903. Óleo sobre lienzo. 102 x 83 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

Autor:Paul Cezanne

15. SALVADOR DALI

España. (1904-1989)Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904; Pintor y escultor, es uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.

En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes.

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

Falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras.

DESNUDOS BLANDOS

Época:Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo

Abstracto

Nombre:Desnudos blando

Descripción:1928. Óleo y arena sobre lienzo. 50 x 40 cm. Propiedad particular.

Autor:Salvador Dalí

ÀNGEL

Época:Siglo XX. Vanguardias Históricas/SurrealismoReligiónNombre:Nombre:Ángel

Descripción:1950. Acuarela. Medidas desconocidas. Propiedad particular.

Autor:Salvador Dalí

CRUCIFIXIÓN

Época:Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo

ReligiónNombre:

Nombre:Crucifixión

Descripción:1954. Óleo sobre lienzo. 194.5 x 124 cm. Propiedad particular

Autor:Salvador Dalí

16. VAN GOHG

Holanda. (1835-1890)

Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia.

En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses, campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fue en esa época cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent, decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del huésped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo hasta que al fin estalla la crisis. Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con el oído vendado en una casa de salud que protege su locura.

El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.

Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

CAMPESINA CAVANDO

Época:Siglo XIX. Realismo

Costumbres

Nombre:Campesina cavando

Descripción:1885. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 41.5 x 32 cm. Colección privada.

Autor:Vincent Van Gogh

ALAMEDA CERCA DE NUENEN

Época:Siglo XIX. Realismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Alameda cerca de Nuenen

Descripción:1885. Óleo sobre lienzo. 78 x 98 cm. Museum Boymans-van Beuningen. Rotterdam. Holanda.

Autor:Vincent Van Gogh

CASAS DE CAMPO

Época:Siglo XIX. Realismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Casas de campo

Descripción:1883. Óleo sobre lienzo. 35 x 55.5 cm. Rijksmuseum Vicent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

Autor:Vincent Van Gogh

17. PEDRO BERRUGUETE

España. (1450-1504)

Pedro Berruguete nació en la localidad palentina de Paredes de Nava hacia 1450. No existen datos sobre sus inicios como pintor, ni sobre quién pudo ser su maestro, ni del lugar de su aprendizaje. No obstante, es más que probable que se formara en el estilo hispano-flamenco que imperaba en su juventud en el ámbito artístico de castilla imperaba en su juventud en el ámbito artístico

Actualmente se da por cierta la estancia de Berruguete en Italia, concretamente en la corte de Urbino, donde se le ha identificado con un pintor, denominado en sus archivos notariales Pietro Spagnuolo, que desde 1477 se hallaba trabajando para el gran duque Federico de Montefeltro. Allí debió enriquecer su formación pictórica inicial con las aportaciones del Quattrocento italiano.

A partir de 1483 está documentada la actividad de Berruguete en España: primero en Toledo, y después en tierras de Palencia, Burgos y Segovia. Los años finales de su vida los dedicó a la realización de tres grandes retablos destinados al convento de Santo Tomás de Ávila, obra que dejó inconclusa a su muerte en 1504.

SAGRADA FAMILIA

Época:Siglos XV y XVI. Renacimiento

Religión. Vírgenes

Nombre:Sagrada Familia

Descripción:1500. Panel. Colección Privada. Parades de Nava. Palencia. España.

Autor:Pedro de Berruguete

NACIMIENTO DE CRISTO

Época:Siglos XV y XVI. Renacimiento

Religión. Cristo

Nombre:Nacimiento de Cristo

Descripción:Santa María. Becerril de Campos. Palencia.

Autor:Pedro de Berruguete

LA RETÒRICA

Época:Siglos XV y XVI. Renacimiento

Retratos de Mujer

Nombre:La Retórica

Descripción:National Gallery. Londres. Inglaterra.

Autor:Pedro de Berruguete

18. FRA ANGÉLICO

Italia. (1390-1455)

Nació en el año 1400 en Vicchio (Toscana), siendo su verdadero nombre Guido di Pietro da Muguello

En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiesole y alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole.

Su obra combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de lineal lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer renacimiento.

Falleció el 18 de Marzo de 1455 en el convento dominico de Roma

LA ANUCIACIÒN

Época:Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento

Florencia (Los Iniciadores)

Nombre:Anunciación

Descripción:1430-1432.Temple sobre tabla. 194 x 194 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

Autor:Guido di Pietro da Mugello

Pintura gótica, de colores muy brillantes con una escena desarrollada bajo una columnata, y otra que se desarrolla simultáneamente donde se representa a Eva y Adán.

RETABLO DE SAN PEDRO MÁRTIR

Época:Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento

Florencia (Los Iniciadores)

Nombre:Retablo de San Pedro Mártir

Descripción:1428-1429. Temple sobre tabla. 137 x 168 cm. Museo de San Marcos. Florencia. Italia.

Autor:Guido di Pietro da Mugello

LOS DEPOSORIOS DE MARIA

Época:Siglos XIV/XV. Gótico/Renacimiento

Florencia (Los Iniciadores)

Nombre:Los desposorios de María

Descripción:Predela de la Anunciación. 1432-1434. Temple sobre tabla. Museo Diocesano. Cortona. Italia.

Autor:Guido di Pietro da Mugello

19. GIOTTO

Italia. (1267-1337)

Nació en Colle di Vespignano, cerca de Florencia, en 1266

Toda su obra gira en torno a la religión, realizando sobre todo retablos y frescos para diversas iglesias.

Su obra se adelantó a su tiempo siendo sobre todo muy realista, mientras que sus seguidores se dedicaron a una pintura mas decorativa

Falleció en Florencia en 1337.

EL ENCUENTRO EN LA PUERTA AUREA

Época:Siglos XIII y XIV. Gótico

Italia. Escuela de Florencia

Nombre:El encuentro en la Puerta Áurea

Descripción: 1302-1305. Fresco. 200 x 185 cm. Capilla de los Scrovegni. Padua. Italia.

Autor:Giotto di Bondone

En esta obra de Giotto muestra su capacidad para crear volúmenes y la sensación de peso de de sus figuras.

LA EXPULSIÒN DE LOS DEMONIOS DEL AREZZO

Época:Siglos XIII y XIV. Gótico

Italia. Escuela de Florencia

Nombre:La expulsión de los demonios de Arezzo

Descripción:Antes de 1300. Fresco. 270 x 230 cm. Basílica Superior. San Francisco de Asís. Asís. Italia.

Autor:Giotto di Bondone

VISIÓN DEL CARRO DE FUEGO

Época:Siglos XIII y XIV. Gótico

Italia. Escuela de Florencia

Nombre:Visión del carro de fuego

Descripción:Antes de 1300. Fresco. 270 x 230 cm. Basílica Superior. San Francisco de Asís. Asís. Italia.

Autor:Giotto di Bondone

20. MONET

Francia. (1840-1926

Nació en París el 14 de Noviembre de 1840, en el seno de la familia de un comerciante de ultramarinos venido a menos que se vio obligado, cuando el hijo tenía cinco años, a trasladarse a las costas atlánticas de Le Havre

En 1855 conoció a Boudin, quien le animó a acometer con mayor seriedad su arte. Al año siguiente se trasladó a París y se inscribió en la Académie Suisse, donde conoce a Pissarro con quien acudirá a la Brasserie de Martyrs. Trabajó junto a Bazille, Sisley y Renoir; juntos, por disensiones con el académico, abandonan París por la aldea de Chailly-en-Biére, cerca de Barbizon en el bosque de Fontainebleau

Sus obras están compuestas de pequeños toques de trazos yuxtapuestos que, al mezclarse en la retina, consiguen el efecto pretendido. En 1872 pinta la obra que bautizará el movimiento que él representa: "Impression, soleil levant" un paisaje de Le Havre que, expuesto en el salón de Nadar, suscitará el desdén de un crítico de Le Charivari, que motejó a Monet y a sus amigos con un adjetivo: "Les impressionistes". Poco podía sospechar el sorprendido periodista que con aquella palabra desdeñosa se introducía una de las glorias máximas de la pintura, tan fugaz como inolvidable

Pintó hasta casi el momento de su muerte acaecida el 26 de diciembre en 1926 en Giverny

COMIDA EN LA HIERBA

Época:Siglo XIX. Realismo

Costumbres

Nombre:Comida en la hierba

Descripción:1866, Óleo sobre lienzo. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú. Moscú. Rusia.

Autor:Claude Oscar Monet

ALMIAR EN GIVERNY

Época:Siglo XIX. Impresionismo

Paisajes y Vistas

Nombre:Almiar en Giverny

Descripción:1886. Óleo sobre lienzo. 60,5 x 81,5 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

Autor:Claude Oscar Monet

EL ESTANQUE DE LOS NENÙFARES

Época:Siglo XIX. Impresionismo

Paisajes y Vistas

Nombre:El estanque de los nenúfares

Descripción:También conocido como. "Los nenúfares blancos". 1899. Óleo sobre lienzo. 89 x 93 cm. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú. Moscú. Rusia.

Autor:Claude Oscar Monet

10. ESCULTORES

1. BERNINI

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en mármol, es de un realismo exuberante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura.

APOLO Y DAFNE

La escultura de Apolo y Dafne refleja todo el movimiento característico de la escultura barroca, la escena está captada en un instante. Apolo intenta alcanzar a Dafne en el instante en que su cuerpo se está convirtiendo en corteza de árbol. Los rostros reflejan el dramatismo del momento.

DAVID

Escultura que representa de nuevo la instantaneidad, la fugacidad de un momento que caracteriza la escultura barroca.

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA.

El éxtasis de Santa Teresa (1645-1652), en Santa María Della Victoria , de Roma. Pertenece al periodo medio de su etapa como escultor. Una escena de puro dramatismo donde las

figuras parecen flotar en una nube. La santa es captada en el instante en el que el ángel ejecuta la acción.

2. MIGUEL ÁNGEL.

Miguel Ángel escultor

Es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista que prefirió este género por encima de los demás. Descubrió su arte con Donatello, donde empezó a impresionarse por las obras clásicas que no eran copiadas, sino que desarrollaban su imaginación.Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y presentando nuevas soluciones.Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus composiciones originales, novedosas, fruto de una gran reflexión.Toma posesión del espacio, el volumen es una preocupación de su escultura, da siempre el volumen adecuado. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la propia vida.Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos. Suele trabajar sólo por lo que es un maestro del cincel, realiza desde el vaciado grueso hasta la pulido del mármol.Es un perfeccionista, sus obras pasan la mayor de las exigencias, la suya personal. Si no está satisfecho la destruye, aborrece la chapuza.Distingue como nadie las figuras dentro de los bloques de mármol, tiene una visión escultórica donde los demás solo ven una roca. Miguel Ángel dota a sus obras de una gran espiritualidad, cobran vida interior, nos transmiten pasiones y sentimientos humanos, unidos a su gran perfección física.La escultura de Miguel Ángel no es lineal sino que presenta una evolución, pudiendo distinguir en el autor 3 etapas:a) Una juvenil, en donde destacan "Relieve de la virgen de la escalera", "Piedad del Vaticano" y "David de Florencia".b) Madura entre las que resaltan todos los relacionados con el Mausoleo del papa Julio II ("Moisés" y "los esclavos"). Los relacionados con las capillas mediceas ("retrato de los Medici", "las alegorías").c) Vejez, donde destacaremos "La Piedad rondanini".

Su primera etapa transcurre en Florencia y Roma. En ellos el nexo común es la búsqueda de la belleza ideal. En esta etapa es ya un maestro del cincel, técnica aprendida en la escuela de Donatello. Está preocupado por la profundidad, por la perspectiva. En su etapa de Bolonia le influyo Jacobo della Quercia que le ayudó a forjar su personalidad escultórica y a liberarse de la influencia de Donatello. Sus primeras obras fueron "la batalla de los centauros" y "la virgen de la escalera"(bajorrelieve). A finales del siglo se siente atraído por Roma, nueva cuna del arte, gracias al mecenazgo de los papas. Aquí realiza una de sus obras más famosas, por encargo de un cardenal, es su famosa Piedad.

PIEDAD

Es una de las obras de las que se muestra más satisfecho. Obra de una sola pieza en la que representa todo el ideal de belleza masculina y femenina en la que se ha criticado la juventud que muestra la virgen con respecto a su hijo.

DAVID

El David es una escultura de mármol blanco de 517 cm.1 de altura realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia.

Moisés

Es una de las 5 obras monumentales que llevaría el mausoleo, situada en la actualidad en lo que quedó del proyecto del mausoleo de Julio II en la iglesia de San Pedro encadenado. Es quizá una de las mejores obras de Miguel Ángel, muestra de un sentimiento sublime y trascendental de su autor. Nos presenta al mismo tiempo a un hombre pensativo y sereno.

3. MARTINEZ MONTAÑES

Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real (Jaén),1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español a caballo entre el arte del Renacimiento y el barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería. Nació en la ciudad jienense de Alcalá la Real, siendo bautizado en la

Iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos, el 16 de marzo de 1568.1 Sus padres fueron Juan Martínez, de oficio bordador y conocido con el sobrenombre de "Montañés", y su madre Marta González. El matrimonio tuvo seis hijos de los cuales Juan era el único varón Mantuvo una profunda relación con las dos únicas de sus hermanas que llegaron a la edad adulta. La menor de ellas, Thomasina, fallecida en 1619, convivió con el escultor, hasta su muerte, su pérdida impulsó una época de decaimiento anímico de Montañés. En Alcalá conoció probablemente al que sería posteriormente su mentor, Pablo de Rojas, casi veinte años mayor que él.

CRISTO DE LA CLEMENCIA

Escultura del Cristo de la Clemencia o de los Cálices (1603-1604), sacristía de la catedral de Sevilla. Fue realizada por encargo del arcediano hispalense Mateo Vázquez de Leca

SAN IGNACIO DE LOYOLA

Detalle de "San Ignacio de Loyola" (1616) Capilla de la Universidad de Sevilla

RELICARIO

Relicario de pequeño tamaño (sólo 30 cm) destinado a contener un hueso de un mártir. Museo de Bellas Artes. Budapest

4. JUAN DE MESA

Juan de Mesa y Velasco nace en Córdoba, siendo bautizado en la Iglesia de San Pedro de esta ciudad el 26 de junio de 1583.

En el año 1606 se translada a Sevilla, e ingresa en el taller del afamado imaginero Juan Martínez Montañés, donde realiza o completa su formación. En la metrópolis hispalense crea lo mejor de su valiosa producción artística, en una vida profesional intensa pero corta, ya que muere en esta ciudad el 26 de noviembre de 1627, con solo cuarenta y cuatro años de edad, víctima de la tuberculosis.

Tras su muerte, Juan de Mesa y Velasco fue enterrado en la Iglesia de San Martín de Sevilla, según se hace saber a través de una lápida conmemorativa existente en el exterior del muro lateral de esta iglesia, y que fue colocada a instancias de la ciudad y la Academia de Buenas Letras de Sevilla, en el año 1937.

SANTÍSIMO CRISTO DEL AMOR

ESTATUA DE SAN JUAN BAUTISTA

Estatua de San Juan Bautista (1623), Museo de Bellas Artes de Sevilla

JESÚS DEL GRAN PODER

Potente imagen que capta a Jesús en el momento de dar una zancada.

5. GREGORIO FERNÁNDEZ

Gregorio Fernández (1576 - 22 de enero de 1636), escultor español, máximo exponente de la Escuela de Valladolid, heredero, pues, de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, pero también recoge el refinamiento de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe.INMACULADA CONCEPCIÓN

Inmaculada Concepción, La Redonda, Logroño

CRISTO YACENTE

Cristo yacente de Gregorio Fernández. Iglesia de San Miguel y San Julián, Valladolid.RETABLO MAYOR DE LA IGLESIA DE LAS DESCALZAS REALES

6. JUAN DE JUNI

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 10 de abril de 1577) escultor franco-español. Junto con Alonso Berruguete formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como "maestro de hacer imágenes" o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.

DETALLE DE LA CABEZA DE CRISTO EN EL SANTO ENTIERRO

Detalle de la cabeza de Cristo, en El entierro de Cristo, Museo Nacional Colegio de San Gregorio de Valladolid.

EL ENTIERRO DE CRISTO (OBRA COMPLETA)

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

LA VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS

Detalle del rostro de la Nuestra Señora de las Angustias con cierta semejanza a la escultura italiana de Miguel Ángel.

PIEDAD DE MEDINA DEL CAMPO

Piedad de Medina del Campo, de Juan de Juni.

6. ALONSO BERRUGUETE

Alonso González Berruguete (Paredes de Nava, Palencia, España c.1490 — Toledo, España, 1561), escultor castellano del Manierismo, hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del RenacimIento. También realizó obras pictóricas.

EL SACRIFICIO DE ISAAC

Museo Nacional Colegio de San Gregorio:Sacrificio de Isaac

EL MARTIRIO DE SAN SEBASTIAN

Museo Nacional Colegio de San Gregorio: Martirio de san Sebastián

ADORACIÓN DE LOS MAGOS

7. DONATELLO

Donatello, (Donato di Betto Bardi) 1386-1466.Nació en Florencia, Italia. Escultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador Della Robbia, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando marmol, metal, madera, terracota y piedras nobles

DAVID

GATTAMELATA

MADONNA

8. RODIN

Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la expresión más libre e individual. Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para los artistas de la escultura moderna que vinieron.Rodin fué contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Ángel.

EL PENSADOR

LOS AMANTES

EL BESO

9. FIDIAS

Fidias (498-432 Antes de Cristo)Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica. Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el marmol en forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más refinadas. De estos esculpidos con escenas históricas, religiosas y mitológicas aun se guardan fragmentos. Fidias ejecutó sus obras en marmol, bronce y también materiales de alto valor como marfil y oro. Existen varias réplicas de sus estatuas, que otros artistas griegos de la antiguedad esculpieron para mantener vivo su magnífico legado. La escuela de escultura griega es sin duda parte fundamental del inicio y desarrollo universal de este arte. De ella nace la

corriente inspiradora que llevó a otros pueblos europeos a conferir a esta plástica una importancia mayor que a otras artes, a veces incluso cercana a lo divino, y que sólo fueron logradas por escultores de máximo nivel.Fidias es un perfeccionista innato y la gracia presente en sus figuras consigue inmortalizar el sentimiento filosófico y espiritual en el arte de su época cuyo propósito principal era plasmar los aspectos imperecederos y permanentes de la belleza humana más que los detalles inherentes del modelo específico.

ESCULTURA DEL PARTENÓN

ATENEA

5 FOTÓGRAFOS

BAJORRELIEVE

10. CELLINI

Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfebre de estilo manierista. Junto al destacado Giambologna, fueron herederos artísticos de Miguel Ángel, a fines del Renacimiento. Cellini ocupa un sitial destacado en la historia de la escultura por la

excelencia y perfeccionismo de sus obras, las que han servido de ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él. Trabajó en Roma, durante el pontificado de Clemente VII y de Pablo III. Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes en su país. Cellini residió en Paris durante tres años y allí creó sus obras más destacadas. En esa época se pensaba que después de Miguel Ángel no existiría nadie que lo superara. Sin embargo, aunque no alcanzó la misma fama, Cellini demuestra en sus esculpidos que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.

PERSEO Y LA MEDUSA

JÚPITER

GANÍMEDE

5 FOTÓGRAFOS1. Henri Cartier Bresson

Nacido en el año 1908 en Chanteloup, en Francia, no fue sino hasta cumplir los 23 años cuando empezó con la fotografía. Una Kodak Box Brownie fue su primera cámara fotográfica, y

fue un año después cuando adquirió la que le hizo famoso: una Leica.

Empezó con la fotografía deportiva, que le encantaba, pero pronto se dedicó al fotorreportaje, y así, junto al también famosísimo Robert Capa, fundó la agencia Magnum Photos.

Tuvo el honor de ser el primer fotógrafo que vio expuesta su obra en el Museo del Louvre, en París.

Y es que fue un artista en el arte de saber captar el instante preciso. El “momento decisivo” como él lo llamaba. Nunca recortó los negativos, siempre los utilizaba completos y viajó por todo el mundo para hacer muchas de sus maravillosas fotografías.

En el año 1974 se dedicó a la pintura, y junto a su mujer creó la Fundación Henri Cartier Bresson en la que recopiló la obra de toda su vida.

Henri Cartier Bresson murió el 4 de agosto de 2004 a los 95 años.

Au Bord de la Marne – Henri Cartier Bresson

2. Larry Fink

Larry Fink, es considerado uno de los grandes fotógrafos sociales del siglo. Nació en Nueva York en 1941, hijo de profesionales judíos de clase media, activistas políticos progresistas que apoyaron —sobre todo Sylvia, su madre— las inquietudes artísticas que tuvo desde chico”.

A pesar de ello el joven Larry abandonó la universidad donde estaba estudiando arte y, en 1958, fiel al espíritu de la época, se unió a un grupo de poetas, ladronzuelos y drogadictos que vivían en un sótano en Greenwich Village. De ese entonces son sus primeros trabajos conocidos que juguetean con un pictorialismo bohemio y romántico, y que le dieron la fama de "el Jack Kerouac de la fotografía".

Más adelante, cuando a instancias de su madre empezó a tomar clases particulares con Lisette Model —tutora de Diane Arbus, y con quien militaba contra el macarthysmo— su estilo empezó a tener el sabor surrealista de la fotografía europea de la década del ’30. Desde entonces, fuese retratando la vida en la pasarela (como quedó en evidencia en su libro Runway del 2000), en sus célebres fiestas, en las fotos de boxeadores que le encomendaron para revistas o en las imágenes de sus vecinos granjeros de la zona rural de Pennsylvania donde vive actualmente, la obra de Fink es fácilmente reconocible por una mezcla de comentario social con una exquisita composición pictórica.

. "Saxophonist Albert Ayler plays free jazz with his brother Donald"

"Square=image"(1956)

3. ADAMS, Ansel Easton

1902-1984) nació en San Francisco (Estados unidos) y murió en Carmel (Estados Unidos), tomó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. En 1916 realizó sus primeras fotografías en Yosemite, California, en donde captó en blanco y negro la grandeza de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías muestran, con un enorme contraste de luces y de sombras, montañas peladas, desiertos áridos, nubes gigantescas y enormes árboles

4. DAVID PEART

Después de comenzar de forma profesional en fotografía submarina en el año 2000, David Peart estudió durante dos años con el reconocido periodista fotográfico Morten Hvaal, ampliando su campo a sujetos que se encontraban en tierra. En la actualidad Peart trabaja para varias agencias de imágenes y su cartera de clientes es amplia y variada. Ha publicado su trabajo en Vanity Fair, Maxim y Geo, entre otras, y es el principal proveedor de fotografías submarinas de la editorial Dorling Kindersley (DK Books, Eyewitness Travel Guides, Top Ten Travel Guides).

5. MARK HUMPAGE

Mark dirige MH Global Services Ltd, una empresa que ofrece numerosos servicios de consultoría especializados, incluida la fotografía y servicios de comunicación. Comenzó a trabajar con fotografía digital con la Olympus E-10. La progresión natural le llevó hasta el Olympus E-System.

"Utilizo la E-1 y varios objetivos Zuiko del sistema Cuatro Tercios. Para mis aventuras necesito un sistema que rinda al máximo en cualquier situación. Exigo calidad, rendimiento y resistencia a la lluvia".

Mark está escribiendo un libro basado en las aventuras fotográficas de sus viajes

5. LIBRES

1) Nace en la ciudad de Barcelona en 1915, estudió en el Colegio La Salle de grácia. Un pintor, amigo de su padre, le enseña los fundamentos del Arte de la Pintura. Su experiencia en el ámbito de la edición se inicia, dibujando en clave de humor, para el semanario CHOLITO y para la editorial El Gato Negro. Llega a trabajar en otros semanarios como BOLICHE.

Igualmente en MICKEY y en las publicaciones de Bruguera: CALDERILLA, CAMARADAS y LA ALEGRIA INFANTIL. Pasados los primeros años de la postguerra, empieza a dibujar colecciones monográficas o unitarias de cómics, tanto en dibujo humorístico como realista. El periódico LA VANGUARDIA, durante un tiempo, publica un chiste diario del dibujante Bruguera, (después Ediciones "B"), compra el T B O, incluye nuevos episodios de LOS GRANDES INVENTOS DEL T B O y de EL PROFESOR FRANZ, obras que el dibujante ya acometió en épocas anteriores. Sabatés colabora en EL PERIÓDICO DE CATALUNYA y en TV-3; también desarrolla, de manera festiva, parodias de los divos de la ópera su gran pasión en la revista musical. Fallece el 10 de enero, a los 87 años, en un asilo de ancianos de Sant Just Desver , en Barcelona.

2) Filippo Brunelleschi

BIFilippo Brunelleschi (Florencia, 1377 - id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Leon Battista Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Gozó del mecenazgo de la familia Médicis.

Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera como escultor, participando en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, tras de Lorenzo Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento.

A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura. Pero su fama está asociada, sobre todo, a

la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada.

A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc. También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.

Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco. Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada. Sin embargo, quien sin duda se inspiró de algún modo en él para sus realizaciones arquitectónicas fue Miguel Ángel. LA CAPILLA PAZZI

SANTA MARIA NOVELLA

3) JUAN CARLOS ROMERO

Juan Carlos Romero es un artista plástico argentino, profesor del Departamento de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredon y de la Dirección de Posgrado en Artes Visuales Ernesto de la Carcova del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA). Editor de las revistas de poesía visual Vortex y La Tzara. Se ha orientado fundamentalmente a la creación de obras de arte plásticas no convencionales, en especial el arte correo y el trabajo en la calle. Ha integrado diversos grupos de creación artística. Desde 1988 y hasta 1964 formó parte del Grupo Escombros. Realizó sus estudios secundarios en una escuela industrial, trabajando como técnico telefónico de la empresa ENTEL a partir de 1954. Realizó su primera exposición en 1956. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata de donde egresó como profesor superior de grabado. Allí ejerció la docencia hasta 1975.

En sus primeros trabajos expuestos en la Galería Lirolay en 1964 expuso obras creada a partir de las ideas de Víctor Vasarely sobre el arte cinético, en las que Romero encontró múltiples posibilidades de participación del público en la obra, que fue uno de sus objetivos centrales a través de toda su producción.

En 1970 junto a otros artistas fundaron “Arte Gráfico-Grupo Buenos Aires”, grupo que se mantuvo hasta 1975. El grupo combinó el rescate de tradiciones gráficas con formas experimentales, tanto de producción como de difusión de las obras de artes plásticas, dándole importancia a la extensión del arte hacia la calle. A lo largo de su carrera Romero ha buscado desarrollar técnicas de arte plástico no convencionales, como el arte correo y las intervenciones urbanas a las que le prestó una especial dedicación.

En 1971 presentó su obra en una muestra internacional denominada “Arte de sistemas”, organizado por el Grupo CAYC (Centro de Arte y Comunicación), en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

En 1972 junto a otros artistas participo en el Grupo de los Trece, creado por Jorge Glusberg allí se relaciona con Luis Pazos y Horacio Zabala y conoce y comienza a trabajar con Edgardo Vigo, director de la revista de poesía visual de

Diagonal Cero, editada en La Plata. De esa época data su grabado “En homenaje a los caídos el 25/5/73 en la lucha por la liberación”, actualmente expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. La obra tiene un doble mensaje de homenaje de los militantes políticos y al grabador Adolfo Belloq.

En 1988, luego de la dictadura militar instalada entre 1976 y 1983, participó en La Plata, del Grupo "Escombros: Artistas de lo que queda", junto a Horacio D’Alessandro, David Edward, Héctor Puppo y Luis Pazos. Su objetivo básico era buscar medios para sacar el arte a la calle y convertirlo en un mecanismo de amplificación de la conciencia colectiva. El grupo impulsó ampliamente la utilización de diversas técnicas de difusión no convencionales, como la fotografía de las obras de arte y su difusión masiva, la construcción de instalaciones y ambientaciones, la realización de performances, el arte correo, los libros de artista, etc.

En la década del 90, integró el staff editorial del Observador Daltónico, primera revista en CD ROM publicada en Argentina, y de la revista de poesía visual Dos de Oro. Luego codirigió la revista de poesía visual La Tzara con Hilda Paz y, desde 1997 hasta la actualidad, la revista Vortex de gráfica experimental junto a Fernando García Delgado.

Autorretrato 2000infografía(núm.2/50)74x60cmIngresa al museo en el año 2003

4) KSENIYA SIMONOVA

Kseniya Simonova (nacida en 1985 como Ксения Симонова) es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine's Got Talent. Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.

Simonova ganó 1.000.000 Hryvnias ucraninanos (cerca de USD125.000) al obtener el primer lugar en el concurso. Un

video de su performance en YouTube ha recibido más de 9 millones de visitas.http://www.youtube.com/watch?v=518XP8prwZo

5) SANTIAGO CALATRABA.

A los ocho años, Calatrava ya ingresó en una escuela de arte para aprender dibujo y pintura, actividad que compaginaba con sus estudios escolares. A los 13 años su familia le envió a París a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso en Valencia, terminó sus estudios escolares y se matriculó en la Escuela de Arquitectura, donde se graduó como arquitecto y donde realizó un curso de post-graduado en urbanismo. A continuación, Calatrava, que se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zurich, donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, en el cual se graduó con un doctorado.

Finalizada la etapa de estudios, trabajó como profesor auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología, donde comenzó a aceptar pequeños encargos y a participar también en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicada su primera obra de cierta importancia, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen,

ciudad cercana a Zurich donde también había establecido su despacho. Al año siguiente, Calatrava diseñó el Puente de 9 de Octubre en Valencia, que marcó el inicio de numerosos puentes que se le irían encargando a partir de entonces.

En 1989 Calatrava abrió su segundo despacho en París, mientras estaba trabajando en el proyecto de la Estación de Ferrocarril del Aeropuerto de Lyon. Dos años después creó su tercer despacho, esta vez en Valencia, donde trabajaba en un proyecto de grandes dimensiones, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias. Su prestigio internacional fue rápidamente en aumento.

Estilo:Hoy se considera a Calatrava como uno de los arquitectos especializados en grandes estructuras que se caracterizan por una extraordinaria estética y armonía. Contrariamente a lo que es habitual en muchos arquitectos, que ocultan las estructuras de sus edificios, Calatrava las convierte en elementos esenciales y en obras de arte.

Calatrava ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo y ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce ocasiones.

ALGUNAS DE SUS OBRAS:

Edificio BCE (Toronto, Canadá) Complejo Deportivo Olímpico (Atenas)Ciudad de las Artes y de las Ciencias (Valencia):L'Hemisfèric (Cine IMAX y planetario)Museo de las Ciencias Príncipe FelipeL'Umbracle (Paseo cubierto)Palau de les Arts Reina Sofia (Edificio con tres auditorios para ópera, música y danza)Estación de Ferrocarril (Lieja, Bélgica)"La Peineta" (Puente) (Valencia)

EXPOSICIÓN: LA MITOLOGÍA EN EL ARTE

BOTICELLI

ZURBARÁN

VELAZQUEZ

TIZIANO DANAE

BACANAL

DANAE

PICASSO DANAE

DALÍ DAFNE: la mujer árbol

LAS TRES GRACIAS DE RUBENS