El Teatro de la Laboral presenta su segunda temporada con una muestra de losdiferentes estilos que abarcan hoy en día las artes escénicas. Esta programaciónse presenta como un espacio de maniobra para la percepción de los detalles másmínimos y las diferencias más sutiles. Queremos así detener nuestra mirada sobrela comunicación y las inevitables fronteras que colocamos entre nosotros.

Con esta programación apoyamos a los artistas en su búsqueda por las ideas, lapoesía del mundo que les envuelve, y cuestionamos la memoria, el tiempo de loscuerpos, la materia, desplazamos nuestro imaginario, exponemos nuestras con-tradicciones, nuestras diferencias, nuestras agonías y deseos. El espectador pasaasí a formar parte de un universo de duda, compartiendo el espacio escénico conel creador, que a cada instante modifica nuestra percepción: aceptarse especta-dor en diálogo con la obra, compartir la diferente mirada que tenemos de lamisma realidad.

Tal vez el arte, como forma de expresión, pueda ayudar a reflejar nuestro estadoactual en el mundo. El arte es una herramienta para comunicarse con la sociedady conducir al espectador a un nivel más elevado de conciencia. La creación artís-tica es una necesidad. Queremos descubrir nuevas audiencias, singulares,deseosas de romper con la banalidad mediática tan enfatizada por el efecto de laglobalización creciente.

Un país culturalmente normalizado es el que plantea retos y no vive sólo de lasquejas por las propias incapacidades. Por lo tanto, como hacen los creadores, nosproponemos definir nuevas formas para potenciar la creación y la investigación.Queremos que el Teatro de la Laboral sea el espacio privilegiado que nos permitaacercarnos a propuestas que nos transportan muy lejos o muy cerca de lo quesomos.

Mateo FeijóoDirector de Programación Teatro de la Laboral

Dirección: Gestión de Infraestructuras Culturales, Turísticasy Deportivas del Principado de Asturias

Equipo del Teatro de la Laboral:Dirección de programación:Mateo FeijóoCoordinación:María José ManzanequeMamen AdevaPrensa:Cristina CabezaIrene JiménezAdministración y control:Uxia RomeroJefa de sala:Susana QuirósAna IglesiasDirección técnica:Rafael Javier MojasCoordinación técnica:José Miguel DíazSonido:Eduardo EspinaJavier GarcíaRoberto LorenzoIluminación:José Félix GarmaMariano Esteban DobryszVíctor VivarFernando VegaNoelia GarcíaMaquinaria:María Jesús CañasLuís Andrés TiercínEladia Montserrat AriasRodolfo Gustavo GonzálezFrancisco Javier Andrés PeláezAdministrativo:María Teresa Quirós

Fotografía de portada:La Dama del ArmiñoErwin Olaf

Diseño y maquetación:Bitácora Grupo

Impresión y filmación:Gráficas Covadonga

Depósito Legal:AS-4942-08

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SUSO33 6“Pintura Escénica en Acción” escenoGRAFFiti. 17-18/10/2008. Gijón

Erwin Olaf 8La mirada de Erwin Olaf inspirada en los maestros de la pintura española

Ertza 10ELAGUJERODELAVESTRUZ

Anne Clark 12The Smallest Acts of Kindness

Estela Lloves 14Rastro

Matthew Herbert Big Band 16There’s Me and There’s You

Festival Internacional de Cine de Gijón 18Enfants Terribles

Sankai Juku 20Kinkan Shonen – La semilla de Kumquat

Índice

4 5

Claudia Faci 22Agnès

Sidi Larbi Cherkaoui 24Origine

Rosa Casado / Mike Brookes 26PARADISE 2. El sonido incesante de un árbol caído

Liquid Loft / Chris Haring 28Posing Project B - The Art of Seduction

Teatro de los Hermanos Forman 30Obludárium

Motus 32Rumore Rosa

Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias 36CovadongaEl Mesías

Creado y representado por: SUSO33; Compositor y diseño de sonido: Lorenzo Matellán;Human beat box: BeatMasterG; Diseño de iluminación: Miguel Ángel Camacho

SUSO33“Pintura Escénica en Acción”escenoGRAFFiti. 17-18/10/2008 Gijón

PAÍS España DURACIÓN 50-60 min. LUGAR Teatro de la Laboral

Acostumbrado a saltarse la normas establecidas por su másconocida condición de artista urbano, SUSO33 ha vuelto a sal-társelas, pero en esta ocasión de las artes, desarrollando unproyecto sin precedentes el cual es difícil de definir, inclusopara el propio creador, por su rompedora propuesta rebosan-te de vitalidad que está a caballo entre la 'performance', el'happening' o el 'work in progress'. Utiliza su larga trayectoriacomo pintor de escenografías para aprovechar las posibilida-des que ofrece la caja escénica del Teatro de la Laboral.

SUSO33 crea una obra de arte en su conjunto, al poder pintarel sonido, al sonido y con el sonido; al poder pintar la luz, a laluz y con la luz; al poder pintar la danza, a la danza y con ladanza…

Sin duda se trata de un espectáculo de gran dinamismo en elque no solamente se crea y se destruye la pintura que vadando forma a la escenografía, sino que la acción va acompa-ñada de la fusión de la experimentación plástica, junto con elmovimiento, la danza, la iluminación y el sonido.

Esta situación provoca que el público comparta en directo elproceso creativo del artista, que va desde los albores de unacreación hasta su destrucción cuando cae el telón, enfatizan-do el carácter efímero que tanto caracteriza al graffiti en unespacio y en un tiempo concreto. Nos da la oportunidad decomprender su relación con lo público y lo privado, lo toleradoy lo prohibido, lo individual y lo colectivo; un estado de puraadrenalina en la que vive de manera constante un creador quetanto amor y odio genera pero que tantas pasiones despierta.Porque…¿quién comprende realmente la obra de un pintor?

17 y 18octubre20.30 h

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Exposición Erwin Olaf

La mirada de Erwin Olaf inspirada enlos maestros de la pintura española

PAÍS Holanda HORARIO A partir del 17 de octubre coincidiendo con elhorario de espectáculos LUGAR Hall Teatro de la Laboral

Diez fotografías expuestas en el Teatro de la Laboral son el resultado deltrabajo del fotógrafo holandés Erwin Olaf. Las fotografías trasladan alespectador a las pinturas de artistas españoles como Picasso, El Grecoo Zurbarán, utilizados como referencia para este trabajo.

El proyecto de Erwin Olaf recibe la primera inspiración al ver el edificio de laLaboral y toma forma al descubrir que las personas elegidas en el casting leevocan a las que aparecen en las obras de los pintores clásicos españoles.

Las fotografías presentan una cromática que recibe la herencia de los cuadros,algo que Erwin Olaf ha querido mantener para que no se pierda la esencia.

Mezclando el fotoperiodismo con la fotografía de estudio, Olaf surge en la esce-na internacional después de ganar el primer premio en el Concurso Europeo deJóvenes Fotógrafos. Desde entonces, Olaf explora en cada fotografía cuestionescomo la sensualidad, el humor y la desesperación; primero utilizando sólo elblanco y negro, y poco a poco introduciendo el color y la manipulación digital. Además de la fotografía, Erwin Olaf ha creado películas e instalaciones de vídeoen las que utiliza los mismos modelos que aparecen en las series fotográficas.

Los trabajos de Olaf siempre han estado marcados por la controversia, por loque no sorprende que esta capacidad por atraer la atención haya sido aprove-chada por el mundo publicitario en marcas como BMW, Microsoft y Nintendo,entre otras. En 1999 su campaña mundial para Diesel Jean le otorgó el codi-ciado León de Plata en el Festival de Publicidad de Cannes. Dos años mástarde gana el mismo premio con las fotografías producidas para Heineken.Actualmente colabora también con publicaciones como New YorkTimes, The Sunday Times y Citizen K. Erwin Olaf trabaja con la GaleríaFlatland, en Utrecht; Espacio Mínimo, en Madrid; y Hasted Hunt Gallery,en Nueva York.

A partirdel 17

de octubre

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Director e intérprete: Asier Zabaleta; Ayudante: Arantza Balentziaga; Música original: BorjaRamos; Músicos: Borja Ramos (electrónica/piano), Josetxo Silguero (saxofones); Video: KepaUgarte, Iker Urteaga, Carlos Sarasola; Iluminación: Antoni Angel Alcaide; Fotografía, maqueta-ción: Iker Urteaga; Escenografía, vestuario: Asier Zabaleta; Coreografía musical: LarraitzUgartemendia; Profesora voz: Bettina Aragón; Texto: Asier Zabaleta (citas de Jose Antonio Marina,Franz Kafka, Epicteto, Rilke, Marx y la Biblia); Producción: Ertza; Distribución: Arantza Balentziaga,Larrua Creaciones.

Agradecimientos: Arriola Kultur Aretoa, Klara Intxausti, Irati Laboa, Izaskun Laboa, SorkundeZabaleta, Unai Landaberea, Mikel Serrano, Merche Prado, Lula, Victor González, Iratxe Bilbao, GotzonZabaleta, Txema Lázaro, Kizkitza Makazaga.

Es una obra subvencionada por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.

DANZA GIJÓN

Ertza

ELAGUJERODELAVESTRUZ

PAÍS España DURACIÓN 50 min. LUGAR Caja Escénica del TeatroAFORO limitado

Solo de danza que combina el movimiento del cuerpocon proyecciones audiovisuales e inteligentes monólo-gos. Asier Zabaleta muestra su amplio dominio delcuerpo y su versatilidad al cambiar de registro y provo-car la risa del espectador con la recreación de unmusical de Broadway.

Quiero retar al miedo. Al que nunca desaparece de mivida y siempre reaparece con nuevos motivos y confuerzas renovadas, hasta hacerme sentir como si fueraun superhéroe que acaba de perder todos sus poderes.Al que marca los límites de mi permisividad, acotando yreduciendo considerablemente mi campo de actuaciónen la vida. Quiero retarlo y decirle que no me da miedo.¡Qué ironía! (Asier Zabaleta)

El objetivo de Ertza es crear un nuevo espacio en el quediferentes disciplinas del arte tengan cabida junto conla danza contemporánea, y poder enriquecer notable-mente el lenguaje escénico mediante el diálogo y lainteracción de las mismas. A través de la utilización deltexto, del personaje, de la tecnología audiovisual, o decualquier otra forma de expresión que propongan losparticipantes, intentar buscar la forma más fiel, directa ybella de escenificar lo que se pretende decir. Dar espe-cial hincapié al movimiento que surge directamente dela emoción, despojándola de todo artificio y ordena-miento meramente estético.

Espectáculo programado en Danza Gijón 08.

23octubre20.30 h

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Anne Clark

The Smallest Acts of Kindness

PAÍS Reino Unido DURACIÓN 90 min. aprox. LUGAR Teatro de laLaboral

Anne Clark es el equivalente femenino de artistas comoNick Cave, John Cale o Tom Waits. Con una carrera inin-terrumpida que dura ya más de 20 años, siempre ha sidouna de las artistas más innovadoras de la escena electró-nica internacional. Siempre en la vanguardia musical, conuna voz inconfundible y un estilo propio que mezcla laelectrónica y el rock con la poesía (spoken word). El 24 deoctubre llega a Gijón con uno de los cuatro conciertosque ofrece en España (Madrid, Alicante, Gijón y Barcelona).

The Smallest Acts of Kindness incluye temas que AnneClark ha tocado en directo en los últimos años pero queno habían sido grabados hasta la fecha, así como mate-rial inédito.

Este nuevo trabajo es el resultado de la fusión entre laacústica y la electrónica y trata temas actuales como lareligión organizada –la politización de la espiritualidad–,las crisis generadas por el petróleo y la alimentación, y elabuso mundial de derechos y recursos, pero siempredesde la perspectiva de la complejidad de las emocioneshumanas y de la necesidad de tener esperanza.

24octubre20.30 h

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Interpretación, textos y dirección: Estela Lloves; Iluminación: Antón Ferreiro; Música: J.S. Bach, Anari

Estela Lloves

Rastro

PAÍS España DURACIÓN 50 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de ArteEntrada libre.

Rastro habla del paso del tiempo, de las personas que con eltiempo se van y de lo que permanece de ellas en nosotros,de aquello que siempre continúa dentro de la memoria colec-tiva; es una mirada hacia atrás para poder crear, a partir delos restos obtenidos en ese rastreo, algo nuevo, que pertene-ce por igual al pasado y al presente y posibilita un futuro.Varios actos ritualizados, que exorcizan los demonios posi-bles de ese pasado para poder seguir adelante.

En su momento comencé a trabajar con la única idea deenfrentarme a la muerte cara a cara; primero a la de los otros,pero inevitablemente me encontré con la mía. Al principiocomencé muy seria y me dio miedo, después deseé reírmede todo, y más tarde se despertó en mí una enorme ternurapor todo aquello que me estaba pasando en ese encuentro.Sólo deseaba que la gente a mi alrededor pudiera tener laposibilidad de, enfrentándose a un tema tan duro como pare-ce el de la muerte, comenzar a plantearse conciliar el pasado,para poder re-inventar su presente. La pregunta que me hacíaes si “Rastro” podría invitar a alguien a aproximarse a estareflexión. (Estela Lloves)

Estela Lloves nació en Vigo y su formación se desarrolló en ladanza y el teatro físico con diversas compañías para las cualesha trabajado como intérprete y co-creadora, en Santiago deCompostela, Madrid, Barcelona, Valencia y Japón.

Últimamente ha participado como coreógrafa en dos pro-yectos de colaboración internacional en Brasil y Portugal.Actualmente, y también en calidad de colaboración, estácreando conjuntamente un dúo con la bailarina Tania Arias.

13noviembre

19.00 h

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MUJERES ABANDONADAS EN UN CENTRO DE ARTE

Matthew Herbert Big Band

There’s Me and There’s You

PAÍS Reino Unido LUGAR Teatro de la Laboral

El nuevo álbum de Matthew Herbert Big Band es unareflexión sobre el poder.

Desde hace tiempo el sonido grabado es un nuevocamino en este peculiar y cambiante mundo. Así, eneste disco se puede escuchar, entre otras cosas, a cienpersonas diciendo “sí”, el sonido que produce un tan-que de petróleo, un proyectil usado en Irak, cien botellasdel perfume de Britney Spears “Curious”, un documen-to del acta de prevención de actos terroristas, cientarjetas de crédito al ser cortadas, una Biblia real y, enmemoria de la experiencia de Bisher Al Rawi, cien pilasrecargables.

Si repasamos la obra del británico Matthew Herbert, noresulta exagerado concluir que gran parte del presentey el futuro de la música electrónica pasa por sus manos.Músico versátil y compositor iconoclasta, el hombreque también se oculta tras los alias de Dr. Rockit oRadioboy se ha destacado como una de las figuras máspersonales del cambio de siglo, independientementede géneros o estilos.

15noviembre

20.30 h

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Festival Internacional de Cine

de Gijón

Enfants TerriblesLUGAR Teatro de la Laboral Precio 2 €

Horarios definitivos en la primera semana de octubre enwww.festivalcinegijon.comwww.teatrodelalaboral.com

Por primera vez el Teatro de la Laboral acoge el ciclo EnfantsTerribles, encuentro de niños y jóvenes de los centros de ense-ñanza de toda Asturias para que participen como espectadoresactivos que observan, valoran y se relacionan con profesiona-les de la industria cinematográfica. Enfants Terribles estrena enEspaña más de una docena de largometrajes con el cine máscreativo y dinámico, películas avaladas por premios enFestivales como Sundance, Cannes o Berlín y que abordantemas como la inmigración, el acoso escolar, la delincuencia, laproblemática de las drogas, la música o la poderosa y crecien-te cultura de la calle.

Todas las proyecciones se realizan en versión original subtitu-lada o con traducción simultánea.

Además, se desarrollarán diferentes actividades como:

• Talleres de cine, organizados en colaboración con el Espaciode Creación y Didáctica, experiencia lúdica y creativa que sedesarrolla después del visionado de las películas con imáge-nes, textos, documentos y juegos teniendo en cuenta elargumento, los personajes, y el lenguaje narrativo.

• Encuentros con los directores, que propician una serie depreguntas y sugerencias entre el director de la película y losespectadores.

• Oficios de Cine. Actividad de orientación profesional que elFestival desarrolla en colaboración con la Ciudad TecnológicaValnalón, y que va dirigido a alumnos de Secundaria.

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Dirección, coreografía y diseño: Ushio Amagatsu; Música original: Yoichiro Yoshikawa;Bailarines: Semimaru, Sho Takeuchi, Akihito Ichihara, Taiyo Tochiaki, Shoji Matsuo, Ichiro Hasegawa,Dai Matsuoka; Jefe de escenario: Kazuhiko Nakahara; Técnicos de iluminación: Genta Iwamura oYukiko Yoshimoto o Satoru Suzuki; Maquinistas: Satoshi Ono o Kiyonaga Matsushita; Técnicos desonido: Akira Aikawa, Junko Miyazaki.

Estreno en 1978 en el Nihon Shobo Kankan Hall, Japón. Re-creación 2005 en el Biwako hall, Siga,Japón.

Con el patrocinio de Toyota y Shiseido.

Sankai Juku

Kinkan Shonen – La semilla deKumquatPAÍS Japón DURACIÓN 100 min. LUGAR Teatro de la LaboralNo recomendado para niños.

La historia del sueño de un niño con la cabeza rapada, un pezque es macho en la primera fase de su vida y se convierte enhembra al degenerarse sus órganos. Son algunas de las his-torias que ofrece Kinkan Shonen, la primera gran producciónde la compañía. La fuerza en cada expresión, en cada movi-miento, en la emoción interior, nutre este espectáculo paramostrar la pasión por la vida, la muerte. Lo universal.

Sankai Juku significa “taller de la montaña y el mar”, dos ele-mentos básicos de la topografía japonesa. Fue creada en 1975bajo la dirección de Ushio Amagatsu, quien pertenece a lasegunda generación de bailarines de Butoh. La danza Butoh,creada por Hijikata y Kazuo Ono, transcendió las reaccionesde la generación post-Hiroshima de los 60 y logró difundir enJapón un enfoque radical dentro de esta disciplina artísticacontemporánea.

Para Amagatsu, Butoh no es meramente una técnica nueva oun estilo académico, sino una manera de llegar, a través dellenguaje corporal, a lo profundo del ser humano: al sentidocomún, a la serena universalidad, incluso a la crueldad o a labrutalidad. Sin embargo esta percepción puede ser distinta encada individuo.

Ushio Amagatsu, director y coreógrafo de la compañía, seformó como bailarín en la Classic and Modern Dance Schoolde Tokio. En 1975 empezó una serie de talleres con el fin deencontrar bailarines para su recién estrenada compañíaSankai Juku. En 1980, la compañía es por primera vez invita-da a Europa, al Festival de Nancy. Desde entonces, el grupoha hecho giras a través de toda Europa, Sudamérica, EstadosUnidos, Australia y toda Asia, desde su ciudad base en Tokio.

3diciembre

20.30 h

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Escrito, dirigido e interpretado: Claudia Faci; Luz y sonido: Oscar Villegas; Con el apoyo de: LaCasa Encendida y Aula Danza de U.A.H.; Agradecimientos: Oscar Villegas, Rafael Mejías, MartínMiguel, Eva Chinchilla, Paloma Calle, Luciana Pereyra, Rafael Gavalle, Paloma Chueca, La CasaEncendida, el Aula de Danza de la U.A.H. y, muy en especial, a Chantal Maillard, por haberme permi-tido utilizar sus textos sin saber dónde iban a parar.

Claudia Faci

Agnès

PAÍS España DURACIÓN 80 min. aprox.LUGAR LABoral Centro de ArteEntrada libre.

Una mujer sola en un escenario vacío. Un ejercicio desupervivencia. El texto, ruina y construcción a un tiem-po, como única escenografía. El espacio que crea laactuación como único espacio posible.

Esta pieza es resultado de mi relación con los escritosde Chantal Maillard, utilizados como espejos en los queme intento reflejar y acabo por romper en mil pedazosdes-cubriendo mi propio discurso. A lo largo de la piezadialogo con textos de Chantal Maillard, extraidos de doslibros de esta autora: “Filosofía en los días críticos” y“Diarios Indios”, que cayeron en mis manos fertilizandola semilla de este proyecto. (Claudia Faci)

Claudia Faci es bailarina, coreógrafa, actriz, docente yautora independiente. En 1989 estrena sus dos prime-ras obras como coreógrafa y en 1994 recibe una becadel Ministerio de Cultura para realizar estudios de post-grado en Londres. Como intérprete ha trabajado entodo tipo de producciones de danza y teatro, así comoen algunas de cine y televisión. En el año 2006 estrenaNur Für Dich en el festival Madrid en Danza, y desdeentonces Claudia centra su faceta de autora para ofre-cer una obra que supone una personal visión de lasartes escénicas con piezas que se nutren de su expe-riencia en el campo de la danza y el teatro.

11diciembre

19.00 h

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MUJERES ABANDONADAS EN UN CENTRO DE ARTE

Director/coreógrafo: Sidi Larbi Cherkaoui; Asistentes de coreografía: Nienke Reehorst, SatoshiKudo, Claire Cunningham; Creado e interpretado por: Kazutomi Kozuki, Valgerdur Rúnarsdóttir,Shawn Mothupi, Daisy Phillips Música: Hildegard von Bingen (siglo XII), canciones de la tradiciónoriental cristiana (siglos IV-XII), cantos y polifonías de las monjas cistercienses del monasterio de LasHuelgas (siglo XIII), canciones sagradas interpretadas por las mujeres de la Suecia rural. Músicosen directo: Ensemble Sarband; Voz: Fadia Tomb El-hage; Voz y arpa gótica: Miriam Andersén;Director musical, arreglos musicales, percusión y laúd Vladimir Ivanoff; Diseño de vestuario:Isabelle Lhoas, Frederick Denis; Realización de vestuario: Stéphanie Croibien; Diseño de ilumi-nación: Enrico Bagnoli; Creador de marionetas: Filip Peeters; Imágenes: Gilles Delmas y “one ofmany”, Lardux Films producción, montaje Marc Boye; Asesoramiento en dramaturgia: Guy Cools;Responsable de producción: Natalie Schrauwen; Técnicos de escenario: Patrick ‘Sharp’Vanderhaegen, Paul Van Caudenberg, Frank Hardy, Henk Vandecaveye; Taller de escenografíaToneelhuis: Leo Verlinden, Karl Schneider, Patrick Jacobs, Bruno Bressanutti, Filip Homblé;Responsable de proyecto: Karthika Nair; Distribución y promoción: Frans Brood Productions;Producción: Toneelhuis, Muziekcentrum de Bijloke Gent; Co-producción: Théâtre de la Ville deParís, Torinodanza, Tanzhaus nrw Düsseldorf.

Sidi Larbi Cherkaoui

Origine

PAÍS Bélgica DURACIÓN 70 min. aprox. LUGAR Teatro de la Laboral. No recomendada para menores de 14 años.

En Origine el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui crea unaatmósfera íntima con cuatro bailarines que dan forma alos cuatro puntos cardinales de una brújula.

A través del movimiento de los cuerpos se determinanlas relaciones y las diferencias culturales existentesentre el norte, el sur, el este y el oeste. Cherkaoui tratade desgranar en Origine temas claves de la sociedadde hoy como las divisiones y los puentes entre los lími-tes culturales y geográficos; la soledad y la compasión.

Historias de hadas islandesas, el mundo de la robóticajaponesa, el consumo americano, y el suelo africano.Cuatro elementos que se conectan y a la vez se vantransformando por medio del quinto elemento, unamuñeca de madera. Todo ello acompañado a lo largode la obra por dos voces femeninas, una arábe y otraescandinava, cuyo repertorio se basa en las místicascanciones de Hildegard von Bingen.

Sidi Larbi Cherkaoui es bailarín y coreógrafo. Su preten-sión de niño por dibujar la realidad hizo que comenzaraa bailar y de este modo sus obras se convierten encuentos en movimiento. El dibujo desaparece cuandoel movimiento se termina. Cada trabajo de Cherkaoui esun puente entre diferentes mundos y culturas, siemprecon un tema central: la igualdad de individuos, culturas,lenguas y modos de expresión.

12 . 13diciembre

20.30 h

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Concepto y desarrollo: Rosa Casado y Mike Brookes; Texto: Rosa Casado basado en el corto Ilhadas Flores; Colaboran: Magdalena Project y Luis Fernández.

Rosa Casado / Mike Brookes

PARADISE 2. El sonido incesantede un árbol caídoPAÍS España DURACIÓN 45 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de ArteEntrada libre.

El sonido incesante de un árbol caído, dibujos en elsuelo, mordiscos a una isla de chocolate y un textobasado en el documental Ilha das Flores, de JorgeFurtado, recrean la migración de los senegaleses y elviaje a Mali de Rosa Casado, todo ello reflejado en estaperformance. El efecto acústico de las acciones generaun espacio sonoro construido por la amplificación yrepetición de cada chasquido producido cuando secome parte de la isla de chocolate.

Rosa Casado es una de las artistas de performancemás interesantes en la actualidad. Su trabajo se centraen la acción y el arte como medios de transformación.Ha participado en los festivales de performance másimportantes a nivel nacional así como en galerías ybienales de arte europeas.

Mike Brookes es artista y diseñador a nivel internacio-nal. Su actividad artística se centra en la producción deobjetos e intervenciones duracionales, y en la creaciónde context specific performances en las que apuestapor el uso experimental de tecnología y por propuestasinnovadoras en dramaturgia y documentación.

8enero

19.00 h

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MUJERES ABANDONADAS EN UN CENTRO DE ARTE

Dirección artística y coreografía: Chris Haring; Coreografía e interpretación: Luke Baio,Stephanie Cumming, Alexander Gottfarb, Katharina Meves y Anna Maria Nowak; Composición yacústica ambiente: Glim (Andreas Berger); Escenografía e iluminación: Thomas Jelinek; Puestaen escena: Aldo Giannotti Textos: Katherina Zakravsky; Asesor: Roderich Madl Producción:Marlies Pucher; Representante internacional: Line Rousseau

Una coproducción de Liquid Loft, La Biennale de Venecia, ImPulsTanz Festival Wien y TanzquartierWien. Con el apoyo del MA 7 / Ciudad de Viena y Bundesministerium für Unterricht, Kunst y Kultur.Gracias a Spielboden Dornbirn.

Estreno en junio de 2007 en la Biennale de Venecia Arsenale, Teatro Tese delle Vergini.

Liquid Loft / Chris Haring

Posing Project B - The Art ofSeductionPAÍS Austria DURACIÓN 60 min. AFORO limitado LUGAR CajaEscénica del Teatro. No recomendado para niños.

The Art of Seduction es la segunda parte de la trilogíaPosing Project, concebida como una serie de instala-ciones de danza que versan sobre la imaginación y elpoder de seducción. Con ironía, Chris Haring ha trans-formado la imagen pública del erotismo en una piezaque comunica el gusto contemporáneo por la exposi-ción del cuerpo. The Art of Seduction es una obra en lacual el sonido, las luces, las texturas y el ambiente sesubordinan a la inmediatez de la coreografía y la inter-pretación.

Posing Project B fue reconocida como la mejor perfo-mance con el premio Golden Lion del 5º FestivalInternacional de Danza Contemporánea de la Biennalede Venecia de 2007.

La compañía Liquid Loft fue creada en 2005 por el coreó-grafo austríaco Chris Haring en colaboración con elmúsico Andreas Berger, el dramaturgo Thomas Jelineky la bailarina Stephanie Cumming.

La compañía creó su propio lenguaje corporal, intere-sándose por la fusión de la danza contemporánea conel trabajo de los artistas visuales. Actualmente la com-pañía está considerada como una de las másimportantes a escala internacional.

16 . 17enero

20.30 h

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Teatro de los Hermanos Forman

Obludárium

PAÍS Rep. Checa. DURACIÓN 120 min. aprox. LUGAR Iglesia de laLaboral AFORO limitado.No recomendada para menores de 6 años.HORARIOS Viernes, sábado y domingo a las 19:30 h.Lunes y martes a las 11:30 h. para grupos escolares previa petición.

Actos teatralmente sorprendentes, historias cortas uni-das por un tema común y atmósfera de cabaret. Todoello en un espacio poco convencional, en esta ocasiónla Iglesia de la Laboral. Así es la nueva performance delos hermanos Forman, Obludárium.

Obludárium personifica nuestro deseo de dibujar locotidiano en diversión a través de titiriteros, viejascomedias, circos, pregoneros atrevidos y héroes decabaret. La tarde culmina con la apertura de la barra delbar cuyo personal está formado por un director de tea-tro, actores y bailarines.

Obludárium nace en el año 2007 y con el tiempo vaadquiriendo nuevos personajes y escenas. Desde abrilde 2008 el espectáculo viaja por Francia, Bélgica, Italia,República Checa, Dinamarca y España.

Del 23 al 27enero

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Dirección: Enrico Casagrande y Daniela Nicolò; Interpretación: Silvia Calderoni, Nicoletta Fabbri,Emanuela Villagrossi; Con la colaboración de: Dany Greggio; Ilustraciones: Filippo Letizi;Composición visual: p-bart.com; Dirección técnica: Giorgio Ritucci; Sonido: Roberto Pozzi;Producción: Motus, Festival delle Colline Torinesi, Drodesera Centrale Fies, L’arboreto di Mondaino;Promoción: Sandra Angelini, Federica Savini; Organización y logística: Elisa Bartolucci, ValentinaZangari; Colaboración administrativa: Cronopios.

Con el soporte técnico-creativo del Instituto Europeo de Diseño de Milán y la ayuda de la RegioneEmilia Romagna, Provincia de Rimini.

Motus

Rumore RosaPAÍS Italia DURACIÓN 60 min. AFORO limitadoLUGAR Caja Escénica del Teatro.No recomendada para menores de 14 años.V.O. en italiano con subtítulos en español.

Tres mujeres solas, de diferente edad. Tres mujeres que hablan,que cantan al amor y al abandono. Tres mujeres que lo intentan.Tres mujeres cuyas palabras se han ido en lágrimas amargas.

Inspirada en la película Las amargas lágrimas de Petra von Kant,del director alemán Rainer Werner Fassbinder, Rumore Rosa esuna performance dedicada a las figuras femeninas y aborda laproblemática de la soledad en el individuo actual. El amor, elengaño, la soledad, la elección errónea de la pareja y la pérdidadel sentimiento con el tiempo son las pautas que marcan estaobra.

Sus directores Enrico Casagrande y Daniela Nicolò construyen unmagistral paralelo entre la opresión en la sociedad capitalista y laopresión sexual.

La compañía Motus fue fundada en Rimini (Italia) en el año 1991por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, actuales directores de lacompañía. Su trabajo mezcla las diferentes formas que adquierenlas artes escénicas, la performance, el happening, con las tenden-cias más clásicas de la representación y con una predilección porlos lugares insólitos.

La compañía, representante de la emergencia teatral europea, creóOcchio Belva, (1994), Cat rame (1996), Orlando Furioso (1998) yOrpheus Glance (1999). En 2001 recibió el premio Ubu por segun-da vez y presentó Visio Gloriosa en el Théâtre Argentina de Roma.Ahora la compañía está trabajando en una nueva producción X(ics)- racconti crudeli della giovinezza-, un proyecto de contaminaciónteatral y video sobre los jóvenes, que se desarrolla en tres etapas,en tres ciudades diferentes europeas: Rimini (I), Valence (F), Halle(D), a las cuales corresponden tres espectáculos o movimientos.

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Orquesta Sinfónica del Principadode Asturias

PAÍS España PRECIO Por confirmar LUGAR Teatro de la Laboralwww.ospa.es

La Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, OSPA, está compuestapor profesores de 20 nacionalidades procedentes de varios países de laUnión Europea, Rusia, EE.UU., y Latinoamérica, con la dirección titular deMaximiano Valdés. Su actividad musical abarca todo tipo de programacio-nes, realizando más de 70 conciertos sinfónicos al año.

El Coro Universitario de Oviedo ha mantenido una trayectoria con un nivelartístico reconocido a lo largo de cada una de las etapas de su existencia,siendo el coro ovetense vivo con una trayectoria musical más dilatada. ElCoro Universitario de Oviedo ha actuado en Francia, Italia, Alemania,EE.UU. y México - en su primera etapa -, y entre los conciertos más impor-tantes destacan los ofrecidos en Nueva York.

Director: Miquel Ortega; Solistas: Ana Nebot (soprano), Mª José Suárez (mezzo),Alejandro Roy (tenor), Iñaki Fresán (barítono), Alfonso Echevarría (bajo), Enrique SánchezRamos (barítono), Juan Noval (tenor); Coro: Universitario de Oviedo

El Mesías se ha convertido en el oratorio más célebre de Georg FriedichHaendel para soprano, alto, tenor y bajo solistas, coro a cuatro voces yorquesta. Esta obra fue compuesta entre el 22 de agosto y el 14 de sep-tiembre de 1741, con libreto de Charles Jennes. La primera audiciónpública de El Mesías se celebró el 10 de abril de 1742, cuatro días antesde su estreno en el Music Hall de William Neal en Dublín.

El Coro de la Fundación Príncipe de Asturias está considerado como unade las formaciones amateurs más importantes de Europa y tiene unaamplia experiencia en el ámbito internacional.

Director: Paul Mann; Solistas: Laura Alonso (soprano), Natalie Stutzman (contralto),Jochen Kupfer (barítno), Robin Tritschler (tenor); Coro: Fundación Príncipe de Asturias

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LABORAL CIUDAD DE LA CULTURA

C/ Luis Moya Blanco 261

33203 Gijón. Asturias

Teléfono información Laboral Ciudad de la Cultura:

902 306 600

AUTOBUSES URBANOS HASTA LA LABORAL:

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• Línea 18: Nuevo Gijón-Hospital de Cabueñes

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TELÉFONO TAXIS:

985 141 111985 164 444

Información práctica

Los usuarios podrán comprar sus entradas:

· En la web de CajAstur: www.cajastur.es

· En el teléfono de CajAstur: 902 106 601

Posteriormente las entradas adquiridas se podrán retirar en los cajeros dela entidad bancaria

· En Laboral Ciudad de la Cultura:

Centro de Recepción –TiendaHorarios: lunes a viernes de 8:00 h. a 20:00 h. y sábados y domingosde 10:00 h. a 19:30 h.

Taquilla del Teatro de la Laboral: el día del espectáculo dos horas antesdel inicio de la función

Precio de las entradas:· General: 10 €· Reducida: 6 € (venta sólo en tienda y taquilla)

Para más información:· 902 306 600 · www.teatrodelalaboral.com

Teatro de la LaboralC/ Luis Moya 26133203 GijónAsturias

Otra información:

- No se admiten devoluciones ni cambio de entradas- Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el acceso a la sala- No se permite la grabación de vídeos ni la realización de fotografías- Hay habilitados lugares para personas de movilidad reducida- La organización se reserva el derecho de modificar la programación siempre que seapor causas ajenas

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Dirección: Gestión de Infraestructuras Culturales, Turísticasy Deportivas del Principado de AsturiasEquipo del Teatro de la Laboral:Dirección de programación:Mateo FeijóoCoordinación:María José ManzanequeMamen AdevaAlmudena OlallaPrensa:Cristina CabezaIrene JiménezMediación cultural:Borja IbasetaAdministración y control:Uxía RomeroJefa de sala:Susana QuirósAna IglesiasDirección técnica:Rafael Javier MojasCoordinación técnica:José Miguel DíazSonido:Javier GarcíaRoberto LorenzoIluminación:José Félix GarmaVíctor VivarMaquinaria:Luís Andrés TiercínMontserrat Arias

Fotografía de portada:Julio Calvo

Diseño y maquetación:Grupo BittiaRosana Cabal Sevilla

Impresión y filmación:Gráficas Covadonga

Depósito Legal:AS-6803-08

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Enrique Morente 8Pablo de Málaga

Paloma Calle 10100 cosas que hacer mejor que ver este espectáculo

Victoria - Tim Etchells 12That Night Follows Day

Jan Lauwers & Needcompany 14Isabella’s Room

Marc Rees 16En Residencia

S.P.A.C.E. UK 20Showcasing Performance in Alternative Creative Environments

Michael Nyman Band & Marie Angel 22Mozart 252 & I Sonetti Lussoriosi

PALABRA Y MÚSICA 24V FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD

La Maison du Sourd (La Casa del Sordo) 26Catherine Diverrès

Centro Coreográfico Galego 28Giseliña

Rachid Ouramdane 30Loin...

Christian Rizzo / l’association fragile 32b.c, janvier 1545, fontainebleau

Índice

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L.E.V. Festival 34

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Marina Abramovic 388 Lessons on Emptiness with a Happy End

Philip Glass 40Una velada de Música de Cámara

Rodrigo García 42Versus

Mugatxoan 2009 44

Edurne Rubio 48desde . La Laboral

Gisèle Vienne 50Jerk

KODÔ 52ekkyo: trans-border

TALLERES

Taller de Danza e Improvisación con Músicos 56Principios de Unidad y AcumulaciónImpartido por Catherine Diverrès

INFORMACIÓN PRÁCTICA

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Enrique Morente

Pablo de MálagaPAÍS España DURACIÓN 75 min. LUGAR Teatro de la Laboral

Morente homenajea a Pablo Picasso en su faceta más desconocida, la deescritor, en Pablo de Málaga. Del deseo de indagar, Morente recupera poe-mas, textos y escritos del genial pintor y pone melodía y voz a losrecuerdos de la Málaga natal de Picasso, al olor a puchero, al sabor decasa, a los recuerdos de la infancia que Morente transforma en gotas dearte, en alientos sonoros avanzados para su tiempo.

Esta obra surge del contacto del genial cantaor con los textos escritos porPablo Picasso, textos que, redactados de su puño y letra, cuentan cómofue la infancia del gran pintor.

Pablo de Málaga son trece colores que componen la imagen de un grangenio, trece sabores que recuerdan al sur, a una ciudad que vio crecer alpintor y que nos llega reconstruida en imágenes geométricas superpues-tas. Trece ofrendas sonoras, trece regalos que nos deja una vozprodigiosa y nos evoca la belleza en sí misma, en los que aparece la vozdel pintor en uno de los temas, Autorretrato, dando forma así a todos esostextos originales e inéditos hasta el momento.

Enrique Morente, cantaor granadino, es el icono actual de la cultura fla-menca tras la muerte de Camarón. Nació en tiempos en los que lassacudidas de la post-guerra convertían a los españoles de a pie en super-vivientes del orden, expertos en la vergüenza ajena, y enigmáticoscompañeros de la carencia.

La enfebrecida espiral de aprendizaje y autoafirmación le llevan a Madridcon 14 años de edad. Su debut tiene lugar en la Peña Flamenca Charlot,que tantas veces fue refugio de voces desamparadas y tantas otras aulamagna de clases magistrales; pero debemos considerar su salto a la pro-fesionalidad cuando es contratado por el ballet de Mariemma, con el queactúa en el pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en laEmbajada Española en Washington.

El Morente de ahora es el Morente de siempre, aquel al que iba a visitar eldesaparecido Camarón acompañado de un joven Tomatito en Madrid:“Tomate, vamos a acercarnos a la casa de Enrique, a ver en qué andaahora…”

Pieza de: Paloma Calle; Proyecto original: Paloma Calle + monoperro; Adaptación: Paloma Calle;Iluminación: Iván Martín; Fotografías: Maite Camacho; Distribución: Paloma Chueca Management

Paloma Calle

100 cosas que hacer mejorque ver este espectáculoPAÍS España DURACIÓN 150 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de ArteEntrada libre

Poco hay que decir sobre esta pieza puesto que el título lo dice todo. Setrata de profundizar en lo banal, en lo cotidiano, lo de andar por casa, lonaif, lo que nadie en general consideraría actos artísticos, y elevarlos a lacategoría de tal.

¿Elevarlos? ¿Desde cuándo es más elevado ir a un centro de arte que pin-tarse las uñas? ¿Y qué pasa cuándo te pintas las uñas como parte de unaobra de arte? Al fin y al cabo no deja de ser eso, pintarse las uñas, ¿o esque hacerlo en un museo cambia la esencia de la acción por el simplehecho del contexto en el que ésta viene realizada?

Esta pieza se organiza en torno a este tipo de reflexiones y lo hace desdeun punto de vista irónico y ligero. En realidad lo que le está diciendo alespectador a lo largo de las cuatro horas de duración es: mira todo lo quepodrías estar haciendo en lugar de venir a verme a mí hacerlo.

Se trata de una propuesta que se va definiendo en el tiempo al azar, ya queel orden de lo que se hace, las 100 acciones, viene definido por números quevan saliendo de un bombo de esta manera, al azar. Y de una manera cóm-plice con el espectador se va desgranando esta pieza que repite una mismaestructura que nunca es igual para todas y cada una de las 100 acciones.

Ganadora del 9º Premio de Artes Escénicas del Teatre l’Escorxador y Ayun-tamiento de Lleida con el proyecto hello myself, Paloma Calle se forma ytrabaja durante más de diez años en España, Alemania e Italia como intér-prete para diferentes compañías de teatro y de danza experimental.Comienza, a partir del año 2004, a trabajar en su propias creaciones den-tro del ámbito de la performance, las artes escénicas y el vídeo.

La pregunta y experimentación sobre la convención espacial está siemprepresente; esto da lugar a piezas de diferentes formatos pensadas paraespacios absolutamente diversos, desde un teatro a un paseo con elpúblico por la periferia de una ciudad.

12febrero16.30 h

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MUJERES ABANDONADAS EN UN CENTRO DE ARTE

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Victoria - Tim Etchells

That Night Follows DayPAÍS Bélgica DURACIÓN 70 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitadoEspectáculo subtitulado en inglés y en español

'Vosotros nos alimentáis. Vosotros nos laváis. Vosotros nos vestís.Vosotros nos cantáis. Vosotros nos miráis cuando dormimos. Vosotrosnos hacéis promesas que pensáis que no recordaremos. Vosotros noscontáis historias con finales felices, historias con finales infelices e his-torias con finales inacabados. Vosotros nos explicáis en qué consiste elamor, cuáles son las causas de la enfermedad y las que provocan unaguerra. Vosotros nos susurráis pensando que no nos enteramos.Vosotros nos explicáis que la noche sigue al día'

Dieciséis niños de edades entre los ocho y los catorce años se alineandelante del gimnasio de la escuela. Silenciosos. Tranquilos. Disciplina-dos. Hasta que se abren sus bocas para desvelar cómo los adultostransforman a los niños con sus palabras. Para mejorar, para empeorar.Ternura, ansiedad, intrusión, dominación, abuso, educación.

¿Por qué tratamos a los niños de la manera en que lo hacemos? ¿Porqué les protegemos tanto? ¿Por qué les enseñamos del modo que lohacemos? That Night Follows Day refleja el mundo infantil desde elpunto de vista de la influencia de los adultos. Con gran claridad yhumor, Tim Etchells, director y creador de la obra, trata de reflejar,mediante un espectáculo ingenioso e inquietante, la situación real, lasexpectativas y los problemas del mundo infantil y adolescente, asícomo la proyección que hacen los adultos sobre los niños.

Victoria es una plataforma de producción polivalente dedicada a lasartes escénicas con sede en Gante; un lugar donde los artistas puedencrear y experimentar, un semillero de nuevas tendencias internaciona-les y una residencia para los artistas.

A principios de 2008, Victoria se unió a Nieuwpoorttheater. La experien-cia artística de ambas organizaciones se consolida en un nuevo centrode arte llamado CAMPO. CAMPO se define como un amplio paraguasartístico que abarca la producción, la creación, la muestra de espectá-culos y la formación.

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Director: Jan Lauwers; Actores: Viviane De Muynck, Anneke Bonnema, Benoît Gob, Hans PetterDahl, Maarten Seghers, Julien Faure, Yumiko Funaya, Tijen Lawton, Ludde Hagberg; Guión: JanLauwers; The Liar´s Monologue fue escrito por Anneke Bonnema; Música: Hans Petter Dahl, MaartenSeghers; Letra de las canciones: Jan Lauwers, Anneke Bonnema; Coreografía: Julien Faure,Ludde Hagberg, Tijen Lawton, Louise Peterhoff; Vestuario: Lemm&Barkey; Escenografía: JanLauwers, Lieven De Mayere o Ken Hioco; Diseño de sonido: Dré Schneider; Subtítulos: ElkeJanssens; Responsable de producción: Luc Galle; Producción técnica: Lieven de Meyere; Auxi-liares técnicos: Jelle Moerman, Dorus Daneels; Introducción dramatúrgica: Erwin Jans;Fotografía: Eveline Vanassche, Maarten Vanden Abeele; Producción: Needcompany; Coproduc-ción: Festival d´Avignon, Théâtre de la Ville (París), Théâtre Garonne (Toulouse), La Rosa des Vents(Scéne Nationale de Villeneuve d´Ascq), Brooklyn Academy of Music (Nueva York) y Theatre FestivalWelt in Basel

Con la colaboración de: Kaaitheater (Bruselas). Con el apoyo de: Flemish Authorities.

Jan Lauwers & Needcompany

Isabella’s Room

PAÍS Bélgica DURACIÓN 120 min. LUGAR espacio por confirmarEspectáculo subtitulado en español

La habitación de Isabella contiene un secreto. Una mentiraque domina la existencia de Isabella. Esta mentira es unaimagen. Una imagen exótica. La imagen de un príncipe deldesierto.

Isabella es hija de un príncipe del desierto desaparecidoen una expedición. Ésta es la historia que sus padresadoptivos, Arthur y Anna, le han contado y que ha marca-do su vida. La muerte de sus padres adoptivos, y labúsqueda de su verdadero padre la conducen a una habi-tación de París llena de objetos antropológicos, etnológicosy exóticos traídos de África y Egipto. A lo largo de la obraIsabella relata su historia, pero no lo hace sola; la acompa-ñan cantando todos los que han sido importantes para ella.

Needcompany es una compañía de performance que,desde su inicio en 1986, ha destacado por ser una com-pañía internacional, multilingüe y multidisciplinaria.Durante una trayectoria de más de 20 años, Needcom-pany ha creado una gran cantidad de producciones quehan viajado por todo el mundo.

Jan Lauwers y Grace Ellen Barkey forman el núcleo deNeedcompany. Jan Lauwers, artista visual y creador escé-nico, es el director artístico, considerado como uno de losartistas más multidisciplinares del momento. Aunque seaconocido por su trabajo teatral, siempre compagina lasartes escénicas con la soledad de su estudio, donde seconcentra en el arte visual y en la escritura. Grace Ellen Bar-key ha estado implicada con la compañía desde sufundación.

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Concepto/Comisario/Director artístico: Marc Rees; Colaborador creativo/Dramaturgo:Benedict Anderson; Artistas: Nel Amaro, John Collingswood, Holly Davey, Fiumfoto, Mónica García,Melville Mitchell, Richard Morgan, Montse Penela, Tanja Råman, John Rowley, Avelino Sala, Orson SanPedro, Anthony Shapland, Cai Tomos, Pelayo Varela, Simon Whitehead; Productora creativa: SiânThomas; Jefe Técnico: Dean Woolford; Ayudante técnico: Richard Robinson; Diseño gráfico:Smorgasbord

Marc Rees

En ResidenciaFECHAS 28 de febrero, 1, 3, 4, 5, 6, 7 y 8 de marzo, a las 12.00 hPAIS Reino Unido / España DURACIÓN 120 min.LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura

En Residencia es un proyecto especialmente concebido y comisa-riado por Marc Rees en colaboración con su socio creativo ydramaturgo, Benedict Anderson. Consta de una serie de accionesperformativas y espaciales creada por una veintena de artistas plás-ticos y del movimiento, procedentes de Gales y Asturias, bajo ladirección artística de Rees.

Esta instalación ‘site-specific’ es el resultado de un laboratorio detrabajo in situ, donde el grupo de artistas ha tomado como punto departida los entornos interiores y exteriores de una zona medio aban-donada de la Laboral. Las intervenciones de cada artista se inspiranen este entorno único y los objetos particulares del lugar: materialesdel archivo, artefactos abandonados y la extraordinaria historia deledificio. La parte central del ala meridional del complejo de la Labo-ral permanece sin restaurar y muchas de sus zonas (aulas,escaleras, oficinas, recibidores, descansillos, etc.) están sembradasde objetos tirados y de centenares de muebles en diferentes confi-guraciones, algunos ordenados, otros esparcidos por doquier.Estos espacios han sido asignados a los artistas por Rees y Ander-son con la tarea de re-imaginar y re-animarlos para crear EnResidencia.

Muchas de las zonas accesibles al público durante las presentacio-nes han estado, hasta ahora, cerradas y algunas de ellas hanpermanecido intactas durante años. Para contemplar y experimentarlas intervenciones multimedia, el público navegará y descubrirá losespacios guiado por un plano y por señalización orgánica en los sue-los, paredes y otras superficies.

Con esta residencia temporal, el proyecto pretende explorar los pro-cesos en los que el arte, la historia, el cuerpo y el comportamientoespacial se entrecruzan para establecer nuevas formas y territorios.Para Rees y Anderson, no es el espacio lo que define el cuerpo, sinoel cuerpo lo que define el espacio, su presencia y su resonancia;este concepto constituye la propia esencia de En Residencia.

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Marc Rees es uno de los mayores expo-nentes de la performance y lainstalación contemporáneas de Gales.Sus obras, innovadoras e interdiscipli-nares, son célebres por susinterpretaciones exuberantes, humorísti-cas y a menudo extremas, de la historia,la cultura y la experiencia personal.Benedict Anderson es un creador inter-disciplinar nacido en Australia quetrabaja en los campos de la arquitectu-ra, las artes visuales, el cine y ladramaturgia de la danza. Los dos crea-dores han colaborado en numerososproyectos, centrándose, ante todo, en lainvestigación del espacio, del lugar y dela identidad, construyendo nuevosentornos espaciales, instalaciones yobras escénicas.

Lugar: IglesiaArtistas: Benedict Anderson, TanjaRåman, John Collingswood.El enorme volumen de la Iglesia sellena con la recreación vertical de unbosque natural creado por Anderson,interpretado y animado por la bailari-na Råman y el artista sonoroCollingswood.

Lugar: Pasillo de la criptaArtistas: Anthony ShaplandLa cripta es el punto de vigilancia cen-tral de todo el complejo de la Laboral.Shapland crea una vídeo instalaciónbasada en los recuerdos y la experien-cia de algunos de los guardias deseguridad que han trabajado en laLaboral durante los últimos treintaaños.

Lugar: PlazaArtista: Cai TomosEvocando memorias de exhibicionesgimnásticas en la plaza de la Laboralen 1957, el artista toma frases y accio-nes del material fílmico original delarchivo y construye nuevos movimien-tos, interpretándolos en solitario en elespacio enorme y abierto de la plaza.

Lugar: PasilloArtista: Simon WhiteheadAcompañado por niños y padresasturianos, Whitehead se inspira enun manual de educación física de1952 y en juegos tradicionales de lazona para explorar la exuberancia dela infancia masculina a través delmovimiento.

Lugar: ParaninfoArtista: John RowleyRowley se instala en un paraninfodesierto para impartir una improvisadaconferencia-demostración, empleandocintas de sonido encontradas yextraños artefactos y curiosidadesprocedentes del archivo.

Lugar: Aula y AlmacénArtistas: Montse Penela y Mónica GarcíaDos bailarinas trabajan juntas paraelaborar una coreografía compartidaque explora e intercambia elementosentre espacios totalmente opuestos.Inspirándose en la historia del lugarcomo un antiguo convento, las artis-tas referencian, abstraen y destilansus intervenciones conjuntas y suvocabulario del movimiento paracrear un lenguaje común.

Lugar: Pasillo del archivoArtista: Pelayo VarelaInventándose su propio archivo fílmi-co, Varela capta la velocidad y elpoder mediante una película de for-mato Súper 8 titulada ‘Quemandorueda’.

Lugar: ComunidadArtista: Richard MorganMorgan interviene en las antiguasdependencias sacerdotales, incor-porando bicicletas y otros objetosabandonados en la estancia. Unabicicleta estática genera sonido,música y texto al ponerse en mar-cha.

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Lugar: ArchivoArtista: Nel AmaroInstalado en una caótica sala de archivo, el poeta de acción Amaro remueverecuerdos asociados al propio espacio, al complejo de la Laboral y su entrama-do político.

Lugar: HerbarioInspirado en el trabajo del Padre Laínz, quien recogió semillas por todo elmundo y creó el herbario de la Laboral, dos jardineros ancianos se ocupan deplantas germinadas a partir de semillas autóctonas y cultivadas en el JardínBotánico Atlántico de Gijón.

Lugar: Aula de ArteArtistas: Fiumfoto Fiumfoto ocupan un aula de arte salpicada de maquetas y modelos abandona-dos donde la memoria y la tecnología se funden para crear una instalación devídeo y sonido que juega con la representación y la nostalgia de antiguos sis-temas y prácticas educativas.

Lugar: Pasillo / porcheArtista: Avelino SalaUna figura solitaria juega reflexivamente con una pelota de fútbol en llamas enun espacio estrecho y con poca luz. La intervención se presenta simultánea-mente en dos espacios como presencia en vivo y virtual, como performance yproyección.

Lugar: AulaArtistas: Melville MitchellEn este ala deportiva inventada, este dúo interactúa obsesiva y competitiva-mente dentro de una performance de alto impacto empleando parafernaliadeportiva procedente del archivo.

Lugar: PiscinaArtista: Holly DaveyOcupando la piscina abandonada y deteriorada, Davey está conectada a un aulade artesanas locales que elaboran encajes y tejidos mientras charlan y cantan.Un sistema de poleas les sirve para transportar materiales desde el aula hastala piscina.

Lugar: DespachoArtista: Marc ReesRees crea una instalación audiovisual que examina las escaleras, pasillos ypasadizos laberínticos de la Laboral, incorporando un destartalado sillón deorejas y una serie de zapatos desechados.

Lugar: Despacho del OrientadorArtista: Orson San PedroOrson San Pedro ofrece apoyo y consejo para el futuro a quienes entren en suoficina de orientación vocacional, compartiendo con ellos fragmentos de suexperiencia y sus propios recuerdos como antiguo alumno de la Laboral.

S.P.A.C.E. UK

Showcasing Performance in Alternative Creative EnvironmentsPAIS Reino Unido HORARIO por confirmar LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura

El British Council y el Teatro de la Laboral presentanS.P.A.C.E. UK, una muestra que dialoga con el espacioa través de su programación y que se vincula a las par-ticularidades y posibilidades que éste presenta. Sonmúltiples los espacios que hacen de la Laboral un lugarúnico para programar proyectos de site specific y paragenerar trabajos vinculados al edificio y a su memoriahistórica.

La idea del Teatro de la Laboral y del British Council escrear lazos y generar redes que faciliten la movilidad y lacreación de vínculos entre artistas de diferentes discipli-nas y países. S.P.A.C.E. UK es una muestra de la últimageneración de artistas británicos contemporáneos quedesarrollan su trabajo en el ámbito de la performance.Todos ellos son creadores cuya obra está pensada paraser vista en una variedad de espacios y no sólo en elescenario teatral convencional.

Las propuestas que el público y los programadorespodrán ver en el Teatro de la Laboral durante dos inten-sos días comparten diferentes formas de expresión. Ellive art, action art, intervenciones, manoeuvres, se nospresentarán de la mano de artistas como Kira O’Reilly,Rajni Shah, Peter Reder, Marc Rees…

S.P.A.C.E. UK será además un lugar de discusión paralos profesionales que dialogarán sobre los usos de losespacios públicos para las artes escénicas a la vez queservirá como catalizador y punto de encuentro para loscreadores locales.

6 . 7marzo

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Michael Nyman Band

& Marie Angel

Mozart 252 & I Sonetti LussoriosiPAÍS Reino Unido DURACIÓN 90 min. aprox. con intermedioLUGAR Teatro de la Laboral

Michael Nyman es pianista, musicólogo y compositorminimalista, conocido sobre todo por las obras escritasdurante su larga colaboración con el cineasta británicoPeter Greenaway. Su popularidad se disparó despuésde componer la banda sonora de la galardonada pelí-cula de Jane Campion, El piano (1993).

Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para supropio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976para una producción de Carlo Goldoni. Compuesto origi-nalmente por instrumentos antiguos como el rebec y lachirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón,pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxo-fones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sidomodificada para algunos trabajos.

Reconocido por haber sido el primero en aplicar el térmi-no "minimalismo" a la música, en 2005 crea su propio sellodiscográfico, MN Records, con el que ha editado obrasinstrumentales, óperas y bandas sonoras originales, asícomo re-ediciones de sus más célebres bandas sonoras.

En 2008 edita su álbum más reciente, Mozart 252, comoresultado del encargo realizado por la BBC con motivodel 250 aniversario de Mozart, y ahora lo presenta en elTeatro de la Laboral.

Michael Nyman siempre se ha caracterizado por ser unartista abierto y colaborativo, con un marcado sentido delhumor y una enorme imaginación literaria, lo cual le hapermitido conectar con una gran audiencia en todo elmundo.

14marzo

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Concepto: Colis&Jalbas Entertainment; Dirección: Silvia Grijalba y Javier Colis; Producción: JoanVich y Sebastián Rosselló (Primeros Pasitos); Comunicación: Lorena Jiménez (La Trinchera) y JoanVich; Coordinación: Bárbara Sanzano; Diseño Web: www.lapielsuave.com

PALABRA Y MÚSICAV FESTIVAL INTERNACIONAL DESPOKEN WORDPAÍS España LUGAR Teatro de la Laboral

Tras cuatro ediciones que han visto momentos estelares como los prota-gonizados por Alessandro Baricco y Leonor Watling, Julian Cope o BlixaBargeld, entre otros, el Festival Internacional de Spoken Word Palabra yMúsica se ha consolidado definitivamente como una de las citas esencia-les de este género en Europa. En su quinta edición, la segunda que secelebra en el Teatro de la Laboral de Gijón, da un paso más allá, siguien-do las líneas maestras de su filosofía, en la que grandes pioneros de estegénero híbrido, artistas esenciales dentro de la experimentación de van-guardia y escritores de culto que pocas veces han visitado nuestro país,se unen en un cóctel que desgrana otra forma de entender la literatura, lamúsica, el videoarte y las artes escénicas.

Este año, el “repaso” por la historia del spoken word llega con la grandama del género, Diamanda Galás, quien ofrecerá un espectáculo centra-do en la palabra, sin olvidar sus canciones de terror y pasión. La granapuesta literaria corre a cargo del escritor Irvine Welsh, un autor esencialdentro de la literatura con tintes pop y contraculturales de los últimos tiem-pos. La visita del autor de Trainspotting coincide con la publicación del librode relatos If you liked school, you’ll like work. Y la querencia por leyendasde la experimentación y la música y literatura de vanguardia llega de lamano del miembro de Einstürzende Neubauten Alexander Hacke y deDanielle de Picciotto, con su espectáculo Ship of Fools, un show basadoen la obra del autor del siglo XV Sebastian Brant. Estas tres son las prime-ras confirmaciones de un festival por el que han pasado artistas míticosquienes, en muchos casos visitaban por primera vez nuestro país. Tal es elcaso de Jello Biafra, Henry Rollins, John Sinclair o Richard Hell, sin olvidara Lydia Lunch, John Cooper Clarke, Julian Cope, Lee Ranaldo, David J conRoberto Mendoza, Jarboe, Blixa Bargeld o Nick Hornby con el grupo nor-teamericano Marah. Pero en este encuentro también se ha apostado porproducciones propias como la de Barry Gifford con Strand, Baricco conMarlango o John Giorno con Nacho Vegas.

Este año, la presencia asturiana se materializa con la producción "Per-formance lírica-recital trifásico” dirigida por el poeta Carlos BarralÁlvarez (poesía y recitado), en colaboración con el músico SergioRodríguez (corpus sonoro) y el vídeojockey Rob Loren (visuales).

20 . 21 . 22marzo

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Coreografía: Catherine Diverrès; Colaboración artística/escenografía: Laurent Peduzzi; Bailari-nes: Fabrice Dasse, Julien Fouché, Emilio Urbina, Thierry Micouin, Mónica García, Pilar AndrésContreras; Músicos: Seijiro Murayama (percusiones), Jean-Luc Guionnet (ordenador), Mattin (ordena-dor y voz); Artistas invitados: Mónica Valenciano (coreógrafa), Chus Domínguez (videasta);Iluminación: Marie-Christine Soma; Vestuario: Cidalia da Costa; Producción: CentreChorégraphique National de Rennes et de Bretagne; Coproducción: Théâtre National de Bretagne,Teatro de la Laboral de Gijón (España), DeMon - Ambassade de France en Madrid, Ville de Lorient /Grand Théâtre. Con el apoyo de: Cultures France / Ministère des Affaires Etrangères / Ville de Rennes(Francia), INAEM – Ministerio de Cultura (España). Agradecimentos al Institut Français de Madrid.Estreno el 12, 13, 14 y 15 noviembre 2008 Festival Mettre en Scène – Théâtre National de Bretagnesalle Vilar.

La Maison du Sourd(La Casa del Sordo)

Catherine DiverrèsUna producción del Centre Chorégraphique National de Rennes et deBretagne en coproducción con el Teatro de la Laboral.

PAÍS Francia-España DURACIÓN 80 min.LUGAR por confirmar AFORO limitado

Esta pieza se articula a partir de intérpretes coreográfi-cos franceses y españoles y de tres músicos: unfrancés, un japonés y un español con el propósito deconseguir la relación entre la danza y la música, niescrita ni erudita, sino imprevisible e insolente.

En este sentido, el escenario se convierte en un espa-cio de intercambio de artistas invitados que podránestar presentes o no en la representación, elegir o no eltrabajar con el núcleo de intérpretes, o intervenir a par-tir de otros medios: textos, imágenes…

El título de la pieza hace referencia a Goya, a sus pintu-ras negras realizadas en Madrid hacia el final de suvida, en el momento de quedarse sordo. A partir de estareflexión, Catherine profundiza en las diferentes simbo-logías relacionadas con la sordera, se pregunta quédesarrollamos cuando perdemos uno de nuestro senti-dos. La Maison, la Casa, considerada como sitio deintimidad, del sueño inconsciente, lugar de interrupcióno al menos de límite con el rumor del mundo.

Catherine Diverrès hace su aparición en el mundo de ladanza contemporánea a mediados de los años 80. Comootros coreógrafos de su generación, crea su propio len-guaje, inventa un universo. La trayectoria de Catherineestá marcada por obras de visiones fulgurantes y portomas de posición polémicas. Melancolía, sentimiento trá-gico, enfoque del vacío, abstracción, terrenos escarpados.Todo esto y una profunda interioridad marcan su danza ysu carrera artística y están presentes en todas sus piezas.

27 . 28marzo

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Concepción, coreografía y dirección: Cisco Aznar; Composición Musical: Pablo Palacio; Asis-tente de coreografía: Laure Dupont; Iluminación: Antón Vázquez; Escenografía: Luis Lara;Vestuario y máscaras: Luis Lara; Asistentes en vestuario y máscaras: Estefanía FernándezGarcía, José Fernández Lago y Noelia Pose Antelo; Cámara y montaje de video: Andreas Pfifnner;Banda de sonido y ambientes: Andreas Pfifnner y Cisco Aznar; Repetidor: Erick Jiménez; Baila-rines: Noemi Alberganti, Jorge Brea, Katja J. Geiger, Álvaro Esteban, Alba Fernández, CarmelaGarcía, Satoko Kojima, Amparo Novás, Ana Beatriz Pérez, Miguel Ángel Ponte, Julio César Quintanilla,Hannah Shakti y Jordi Vilaseca; Coproducido por: Teatro de la Laboral

Centro Coreográfico GalegoDirección y coreografía: Cisco Aznar

GiseliñaPAÍS España LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado

Giseliña es una libre adaptación de Giselle, del coreó-grafo catalán residente en Suiza Cisco Aznar, quien conesta obra pretende insuflar algunos de los ideales delromanticismo a la época cargada de racionalismo snoben la que vivimos. En Giseliña se mezclan los idealesrománticos como la demanda de libertad de expresiónpara su sensibilidad, el culto a los estados primitivos, ala inspiración espontánea y las pasiones violentas, conciertos códigos de la cultura popular gallega.

Cisco Aznar trabaja como bailarín, coreógrafo y profe-sor a nivel internacional. Profesional de reconocidoprestigio, en el 2003 fue galardonado con el PremioJeunes Créateurs pour la Danse de la Fondation Vau-doise y en 2007 obtuvo el contrato de confianza deLausanne, en el estado de Vaud e Pro Helvetia, para for-mar parte del equipo del Project Danse. Desarrollatambién su actividad en el ámbito pedagógico. Fue pro-fesor de danza clásica y contemporánea y director dediversos talleres coreográficos en la Academie Nationa-le d'Art Dramatique et de Cinema de Sofia, en elConservatorio de Bienne (Suiza), y en diversos espa-cios de Barcelona y Brasil.

3 . 4abril

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Concepto y performance: Rachid Ouramdane; Música: Alexandre Meyer; Video Aldo Lee; Diseñode luces: Pierre Leblanc; Escenografía: Sylvain Giraudeau; Producción L’A: Théâtre BonlieuScène nationale Annecy, Théâtre de la Ville París, Biennale de danse de Lyon with the support of theFanal, Scène nationale de Saint-Nazaire, dans le cadre d’une résidence de création; Con el apoyode: Cultures France, Wonderful district à Hô-chi-minh (Vietnam), La embajada de Francia en Vietnam,L’Espace, Centre culturel à Hanoï et le service de coopération et d’action culturelle à Hô-Chi-Minh,Théâtre 2 Gennevilliers.

Rachid Ouramdane

Loin...PAÍS Francia DURACIÓN 60 min. LUGAR Caja Escénica del TeatroAFORO limitado

El viaje es a menudo una ocasión para revisitarse, el momento para haceruna revisión de nuestra identidad o, más bien, de nuestras identidades: lasque heredamos, las que llevamos en la mirada del otro y las que nos proyec-tamos, las que intentamos emancipar. El viaje cuestiona estos estratosidentitarios que se reconfiguran en todos nuestros desplazamientos. Enestos movimientos es cuando aparece el sentimiento de ser EXTRANJERO.

Durante un viaje reciente a Vietnam y a Camboya descubrí otra manera deahondar en este sentimiento de ser extranjero. En el curso de una conver-sación sobre la violencia de los conflictos que sacudieron estos paísesrecordé las páginas de la cartilla militar de mi padre, que tuvo que pisar elsuelo de esa antigua Indochina. A medida que la conversación avanzaba,veía que por el hecho de mi nacionalidad francesa me asignaban el papeldel hijo de un antiguo colono, aunque lo que vinculó a mi padre con aque-lla Indochina fue el legado de otra colonización, la suya en Argelia.

Me sorprendió que la conmoción y la devastación provocada por la violen-cia de los conflictos armados nos llevara a reflexionar sobre la imagen de“el extranjero” en muchas partes del mundo. ¿De qué manera la violenciade los conflictos armados nos convierte en extranjeros? ¿Qué sensibilidadnace de esa violencia? Esa es la pregunta que aborda este proyecto itine-rante, siguiendo los pasos de un viaje realizado hace más de 50 años.(Rachid Ouramdane)

Rachid Ouramdane vivió su infancia en un humilde barrio de la localidadde Annecy, donde bailaba en la calle y aprendía de los mayores. A los 15años empezó a ir a clases de baile contemporáneo y continuó hasta quese incorporó al prestigioso Centre National de Danse Contemporaine enAngers. Desde entonces ha trabajado como bailarín y asesor artístico. Enla actualidad está considerado como un artista multimedia. En 2007,Rachid Ouramdane crea L'A. como lugar para la exploración artística enla creación contemporánea. De forma paralela a la creación de proyec-tos, Rachid Ouramdane está involucrado en la educación mediante laimpartición de talleres artísticos y de investigación, y como moderador deencuentros artísticos internacionales.

17 . 18 abril

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Christian Rizzo / l’association

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b.c, janvier 1545, fontainebleau

PAÍS Francia DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja Escénica del TeatroAFORO limitado

Solo de danza que se materializa en una suntuosa cajablanca que contiene objetos, materiales reciclados deotras obras, y algunos nuevos… una caja que relucebajo la suma de la iluminación de Caty Olive, el paisajesonoro de Géromé Nox y la danza de Julie Guibert.Todo ello configura una danza proyectada en el espa-cio, nocturna, que ahonda en la idea de lentitud. Losgestos estilizados de la bailarina, sus lentos pasos, suscurvas conforman la única humanidad visible en la blan-cura de este vacío. Todo esto resuena con la plasticidadde la estructura, el sonido y la iluminación en el juego.

Para b.c, janvier 1545, fontainebleau, Christian Rizzo hareunido a Caty Olive, creadora de la iluminación de lapieza, y Géromé Nox, creador del sonido del singularproyecto. El coreógrafo vuelca su talento en la creaciónde un universo adaptado a Julie Guibert, bailarina clási-ca a la que conoció en el Ballet de la Ópera de Lyon.

En 1996 Christian Rizzo fundó l’association fragile ycomenzó a presentar eventos, solos y piezas de grupo,además de varios proyectos y trabajos por encargo enel campo de la moda y artes visuales. Desde entonces,más de treinta proyectos han surgido de esta asocia-ción, sin contar sus actividades pedagógicas. ChristianRizzo imparte clases en escuelas de arte en Francia yen el extranjero, así como en los lugares dedicados a ladanza contemporánea.

24 . 25abril

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L.E.V. FestivalPAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro de Arte,Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias, Iglesia de laLaboral.

L.E.V., o Laboratorio de Electrónica Visual, es el espacio en el que la músi-ca electrónica y las artes visuales y escénicas se unen como nueva formade expresión artística con el objetivo de acercar al público una selecciónde los trabajos más interesantes de creadores locales e internacionales,tanto de jóvenes talentos como de artistas ya consagrados.

El Festival, diseñado y concebido por el colectivo asturiano Datatrón 0x3F,coproducido por el Teatro de la Laboral y con LABoral Centro de Arte yCreación Industrial como patrocinador principal, vuelve con su tercera edi-ción a Laboral Ciudad de la Cultura.

Continuando con la línea iniciada en la pasada edición, tanto a nivel deprogramación como de intervención sobre nuevos espacios, L.E.V. 09repartirá sus actividades entre el Teatro de la Laboral, LABoral Centro deArte, la Iglesia y la Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias.

Las pasadas ediciones contaron con el directo audiovisual de Plaid & BobJaroc, Alexander Hacke & Danielle de Picciotto, los directos de Mouse onMars, Bugge Wesseltoft o Apparat, y las muestras de nuevos talentoscomo Lego my Ego, .tape. o Fuss! L.E.V. 08 significó la consolidación delproyecto gracias a propuestas como Kindertotenlieder de Gisèle Vienne,KTL y Dennis Cooper, Siren de Ray Lee o los directos de M83, Frank Brets-chneider, The Black Dog, Monolake & Deadbeat y Clark, entre otros.

L.E.V., cuyas siglas rinden homenaje a Lev Thermen (científico ruso padrede los sintetizadores actuales) presenta en esta tercera edición propuestascomo Tulse Luper Vj Performance de Peter Greenaway, el showcase deRaster-Noton con directos de Alva Noto, Byetone y el proyecto Signal.Esta edición también contará con el último trabajo del coreógrafo portu-gués Rui Horta junto con el grupo Micro Audio Waves, artistas como laalemana AGF o el holandés Kettel, la performance LOSS LAYERS, creaciónde Fabrice Planquette con las coreógrafas japonesas Yoko Higashino yYum, así como el nuevo proyecto de la coreógrafa griega Apostolia Papa-damaki, Electric Girl, con música en directo de Blaine Reininger (miembrode Tuxedomoon).

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Concepto, Coreografía: Anouk van Dijk; Interpretación: Nina Wollny, Birgit Gunzl, Philipp Fricke,Angie Mueller; Música: Robert van Heumen; Diseño de luces: Isabel Nielen/Koen van Oosterhout/Anouk van Dijk; Dramaturgia: Jerry Remkes; Equipo técnico: Koen van Oosterhout, Anton Abbes;Producción: Erin Coppens

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STAU

PAÍS Países Bajos DURACIÓN 65 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado

¿La cabeza sudorosa de un bailarín en su regazo? ¿uncuerpo que hace un aterrizaje forzoso en su rodilla?¿una mujer que baila a pocos centímetros de su espal-da? Todas estas sensaciones se pueden experimentaren STAU.

STAU disuelve fronteras tradicionales teatrales para exa-minar la relación entre el espectador y el artista ytransformar la experiencia de la danza contemporánea.Gestos íntimos, exactos, se transforman en movimien-tos dinámicos, espectaculares, rápidos y precisos.Mientras STAU desarrolla el cambio de espacios y demovimientos, el espectador y el artista viven una rela-ción cada vez más estrecha. Humor, movimiento… todoello conduce al espectador de STAU hacia una emocióníntima.

La coreógrafa Anouk van Dijk puso en marcha su pro-pia compañía de danza en 1998 y ha adquirido famainternacional durante los últimos cuatro años, con giraspor Europa, América del Norte, Asia, Rusia y Australia.Anouk van Dijk entrena a sus bailarines en su propioestilo de baile: la Countertechnique.

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Producción: Igor Kecman; Productor Ejecutivo: Film House Bas Celik, Belgrado Serbia; Director deFotografía: Alexandar Ilic, Belgrado Serbia; Cámara: Dragan Rakicevic, Belgrado Serbia; Sonido:Goran Stipanic, Belgrado Serbia; Luz: Living Films Entertainment, Siamlite, Bangkok Tailandia; Edición:Ramon Coelho - Netherlands Media Art Institute, Montevideo, Ámsterdam Holanda; Fotografía: Director:Attilio Maranzano, Berlín Alemania; Ayudante: Gaia Bartolini, Berlín Alemania; Coordinación de Proyec-to: Outh Litthavong; Arquitectos: Tei Carpenter, Jolie Kerns, Toshiko Mori Studio, Nueva York;Construcción de la casa y del mobiliario: Jean-Pierre Cuomo, Naturaliamoulage, Luang PrabangLaos; Participantes de Luang Prabang: Alanya Keovonglar, Aliya Khamsy, Bounlom, ChanthasoneChaleunsinh, Chonny Seangta, Dalakham Suphanthong, Houmphan Philavan, Khamlah Manisuk, LindaPhommavong, Melita Chanthavong, Ninthana Mungkurdet, Nitta Phommavong, PhatthanavongSitthiphong, Phetoulay Souphanthong, Phetsuda Vannapha, Philarda Keodala, Phonesanit Vonechit,Piksavanh Parignathong, Saiyavong Tandala, Salinthip Phouangmalay, Sitthikone Keomanithieng,Sonethavy Vilaysak, Suvanny Sisuphan, Tatun Seangra, Vannavong, Visanon Paseurhkun y VithanaLattana; Con el agradecimiento especial a: France Morin, Directora de Proyectos - The Quiet in theLand, Nueva York EE. UU; Sr. Bounkhong - Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos;Lee Nortoua - Chamán, Luang Prabang Laos; Francis Engelmann, Consultor - The Quiet in the Land -Luang Prabang Laos; beaumontpublic gallery / Luxemburgo y París; Chanpheng Singpheth, Director -Centro Cultural Infantil, Luang Prabang Laos; Sr. Sengkeo Pasertkoun, Coordinador de Programas yEducador - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Sra. Noukham Sisuphanh, Coordinadora deProgramas y Educadora - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Restaurante L'Elephant, LuangPrabang Laos; Le Café Ban Var Sene, Luang Prabang Laos; Restaurante 3 Nagas, Luang Prabang LaosProducido en colaboración con "The Quiet in the Land"Con el alto patrocinio del Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos, UNESCO(Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura). Con la colaboraciónde Galerie Guy Bärtschi, Ginebra; Teatro de la Laboral, Ciudad de la Cultura, Gijón España.

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Marina Abramovic

8 Lessons on Emptinesswith a Happy End PAÍS Serbia / Países Bajos LUGAR Iglesia de la LaboralHORARIOS VISITA VÍDEO-INSTALACIÓN de 11:00 a 14:00y de 16:30 a 19:30Inauguración el 29 de mayo: presentación del making off en elTeatro de la Laboral

La obra más reciente de Marina Abramovic, 8 Lessons on Emptinesswith a Happy End (Ocho lecciones sobre el vacío con final feliz), trans-mite una profunda preocupación por los excesos de lasrepresentaciones contemporáneas de la violencia. Abramovic nos llenade impactantes imágenes de personas sufriendo a través de una com-pleja video-instalación que debe entenderse como contrapunto a lasincontables atrocidades que vemos representadas constantemente. Esla recreación de una guerra representada por niños.

La obra surge de la experiencia de Marina Abramovic en Laos, al obser-var que todos los niños tenían armas de juguete. A partir de ahí creauna compleja obra de vídeo multicanal. Abramovic inyecta calma en elpaisaje a través de “tomas estáticas” de una cascada, una isla y unÁrbol del espíritu; y después, introduce un conflicto estilizado: las nego-ciaciones, la batalla, el transporte de los cautivos, el de los heridos, laejecución, etc.

Junto con la instalación, Abramovic realiza una serie de fotografías quetituló Family, en las que posa con niños del lugar armados con sus jugue-tes de plástico. Trece fotografías de gran formato que reflejan, en todos loscasos, diferentes fases de la guerra de una manera esencialmente distin-ta a la utilizada por la fotografía documental al uso.

Marina Abramovic es una artista que defiende que, en la creación, hayque enfrentarse a las propias limitaciones y ella lleva su arte hasta losmismos límites de resistencia de su propio ser.

Del 29 mayoal 30 junio

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Philip Glass

Una velada de Música de Cámara

PAÍS Estados Unidos DURACIÓN 80 min. aprox.LUGAR Teatro de la Laboral

Compositor estadounidense de música minimalista,Philip Glass estudió Filosofía en la Universidad de Chi-cago pero su interés pronto se orientó hacia el estudioobsesivo de la música y la exploración de caminosmenos convencionales, colaborando con músicosorientales como Ravi Shankar.

Revolucionario de la música de su tiempo, es un hito enel panorama musical de los 70. Pionero en distintosámbitos, desde la gran ópera, la ópera de cámara o lassinfonías, a las bandas sonoras de películas comoKundun, de Martin Scorsese, El show de Truman y ElIlusionista, Philip Glass ha sido galardonado en nume-rosas ocasiones y es Doctor Honoris Causa por tresuniversidades.

En este concierto le acompañan Wendy Sutter (chelo) yMick Rossi (percusión). Wendy Sutter se ha labrado unaexcelente reputación internacional por su dominio delrepertorio clásico y contemporáneo. Tanto como solistacomo intérprete de cámara ha actuado en las mejoressalas de conciertos de todo el mundo. Mick Rossi espianista, compositor y percusionista; conocido por suscolaboraciones en el circuito musical de downtown deNueva York y descrito como uno de los músicos conmás talento y carisma de Nueva York.

30mayo

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Creación: Rodrigo García; Produce: Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC);Con la colaboración de: Gobierno del Principado de Asturias y el Teatro de la Laboral; Estreno enCádiz organizado por Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), Consorcio para laConmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812; Participa: Festival Iberoamericano deTeatro de Cádiz; Una propuesta de: Rodrigo García; Intérpretes: Patricia Álvarez, David Carpio,Amelia Díaz, Rubén Escamilla, Juan Loriente, Nuria Lloansi, Isabel Ojeda, David Pino, Daniel Romero,Víctor Vallejo; Iluminación: Carlos Marquerie; Animación: Cristina Busto; Vídeos: Ramón Diago;Música: .tape., Chiquita y Chatarra, David Pino, David Carpio; Director técnico: Roberto Cafaggini;Sonido: Marc Romagosa; Producción: Mónica Cofiño, Mariate García; Fotografías: JavierMarquerie; Vestuario: Belén Montoliu

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Rodrigo García

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PAÍS España DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja Escénica del TeatroAFORO limitado

Un equipo de artistas en escena se unen para repudiarnacimientos y exaltar la muerte. Y para exaltar naci-mientos y repudiar la muerte. Y de camino admitir LADUDA como la esencia del ser, hasta confundir conoci-miento con ignorancia. Esta anti-conmemoración de laguerra es a su vez una ingenua –pero no por eso des-deñable– celebración de la vida.

Celebrar la vida y reconocer sus zonas oscuras puedeser la única contribución del arte, y es lo que ofrecen enesta pieza a una sociedad que agoniza, entretenida yjocosa.

Moralista paradójico, Rodrigo García vuelve a los oríge-nes del rito teatral activando todos los sentidos delespectador, en el transcurso de una experiencia a la vezíntima y pública. Rodrigo García no sólo es “el autor detextos que estallan como bombas”; es también videas-ta, performer y director de escena. Creador atípico,conjuga en sus espectáculos elementos del pasado yde la cultura popular de hoy en día. Junto con su com-pañía La Carnicería Teatro, elabora un lenguaje teatralsorprendente donde los cuerpos en movimiento dibu-jan los nuevos rituales de lo cotidiano. Pero la granfuerza de García está en ser un hombre de a pie y dehacer circular con pasión las ideas y las emociones queagitan a la nueva generación. Esta última no se ha equi-vocado al apreciar sus espectáculos corrosivos einteligentes.

12 . 13 junio

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Mugatxoan 2009

Mugatxoan es un proyecto artístico generado por Entrecuerpos-MugatxoanAsociación Cultural activo desde 1998. Mugatxoan, en euskera quieredecir “en la fronterita”. Su sentido confirma la voluntad de situar nuestroproyecto en un territorio conceptual sin vocación de constituirse en unespacio cerrado.

Mugatxoan se construye a partir de la idea de espacio intermedio comolugar de circulación de códigos, redefinido por los continuos movimientosy desplazamientos a los que está sometido. Por esta razón, alcanza suplena significación cuando recorre las tres ciudades en las que se realiza.Desde el inicio, Arteleku (Donostia-San Sebastián), ha apoyado esta inicia-tiva y ha sido productor y lugar en el que se desarrolla Mugatxoan. Lanecesidad de crear relaciones en lugares singulares de experimentaciónmotiva la colaboración en 2001 con la Fundaçao de Serralves (Oporto) yen 2008 se incorpora el Teatro de la Laboral de Gijón.

La edición Mugatxoan 09 plantea un programa de tres semanas, una encada ciudad, con varios ejemplos representativos de las artes contempo-ráneas (performance, artes visuales, danza, teatro) dejando lugar para lainvestigación, la reflexión y la producción de nuevas piezas.

En el Teatro de la Laboral se presentarán, por vez primera con una tempo-ralidad común, doce de las piezas de artistas que se han producido entre2001 y 2006. Estas jóvenes artistas fueron seleccionadas a través de lasdistintas convocatorias internacionales realizadas en las últimas ediciones,participando en los talleres y desarrollando sus proyectos individuales.Proyectos, que han contado con el seguimiento de Mugatxoan, paraseguir adelante con su proceso y presentación.

Sepropone un recorrido a través de estos trabajos, con la idea de re-visitarla memoria cercana para situar el presente y pensar el futuro que comien-za en Gijón. El programa de actividades se completa con conferencias yencuentros.

Del 17 al 21junio

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PAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro deArte, C.I.F.P. de los Sectores Industrial y Servicios de la Laboral,Paraninfo

Dora Dream de Sandra CuestaDora transforma su imagen en relación a unos objetos que utiliza para sos-tenerse. Considerando que alguien la observa, su comportamiento estádetalladamente compuesto. Explora el espacio donde todo ocurre y pre-senta su comportamiento al público. Todo está pensado para evitar lapérdida.

El Eclipse de A. de Amaia UrraLa espera es el motor del Eclipse de A., eso y el deseo de dialogar con unfilm. Un suceso con un final y un principio. No se trata de perder el tiemposino de perderse en el tiempo, en el tiempo de una película donde los des-encuentros se vuelven encuentros y los aterrizajes, despegues. Centra suinterés en cómo se articula y se transforma el tiempo dentro de un sucesofílmico, y como éste puede confrontarse o relacionarse con lo cotidiano ycon un suceso inscrito en un espacio y un tiempo teatrales.

A space odyssey 2002 de Cuqui JerezEspacios construidos en espacios reales donde las leyes espaciales y losmarcos de referencia están invertidos, manipulados o distorsionados a travésde la propia naturaleza del espacio. El reconocimiento a través de la memo-ria. La distorsión del orden de la realidad a través de la propia realidad. Elmomento justo antes del reconocimiento, donde la realidad no está todavía enel sitio adecuado.

Plastificción de Larraitz TorresElla: En un trabajo anterior, utilicé varias series de autorretratos para hacerun trabajo escénico. Fue un trabajo muy solitario, yo era más joven (...)(suena una música nostálgica y la imagen se desvanece como en unsueño)Ella joven: ...de algo aparentemente funcional puede surgir una ficción. Y¡vaya! creo que estas partes no sirven para avanzar y tampoco para reite-rar, son puntos de vista diferentes sobre un mismo tema...Ella, un poco después: ¡Mira! en este libro lo pone... el estilo indirecto... undiscurso que permite moverse libremente entre la voz del autor y la del per-sonaje.

El caso del espectador de María JerezUn sillón (de espaldas al espectador), unos libros, una televisión y unacámara. Una mujer crea una película en directo de la cual ella misma esespectadora. El espectador observa a una espectadora observada. Através del uso de la cámara aparecen dos realidades que transcurrenparalelamente, que no establecen algo absoluto. Desdoblando así larealidad en una situación escénica y una situación cinematográfica, pro-poniendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos quetranscurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infi-nito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Es la simultaneidadde ambas situaciones lo que crea el suceso...

Los cuerpos cuando caen hacen ruidode Alejandra PomboSigo los rastros frágiles de mi experiencia a tra-vés de animales inaccesibles y gestosexcesivamente simbólicos y deseados que mepermiten escapar de las verdades e identidadesfijas, a la frontera del continuo movimiento, vaci-lación de una certeza que corre y que nunca sedeja atrapar ni revelar en un fin concreto, deján-dose sólo visionar bajo el presentimiento y laintuición de una existencia en la mejor formaque en cada ocasión se me aparece.

200 gr. de António Júlio200 gr. no es una forma de decir yo. Es unaforma de exhibición pero no asumida. 200 gr., es una forma de decir uno. Si en unembalaje sólo existiera la designación de peso,nada podríamos saber acerca de la naturalezade su contenido, esperaríamos para su revela-ción, ansiaríamos abrir el embalaje y conocer elproducto. Y podría suceder que el producto delinterior fuera otro embalaje con otra designa-ción de peso que nos instigase a continuar.200 gr., representa una verdad escondida,muchas veces revelada, muchas veces distor-sionada. Es un lugar de la existencia.

Finalmente, ¿con o sin título? (título provi-sional) de Loreto Martínez-Troncoso.Nota de partida: “Llevo entonces casi 6 añoshablando. Y casi 2 diciendo: … 1 año, 4 mesesy 19 días diciendo que… 7 meses y 21 díasdiciendo: … 5 meses y 4 días… 2 meses y 7…”Así terminaba yo Por el momento sin título, hacehoy exactamente 2 años, 4 meses y 11 días.Montrouge, martes 18 noviembre 2008.

Précipité de Bénedicte ZanonMiradas de reojo desde la esquina de la imagen“Paso la mano, a través y a media altura. Elcuerpo gira lentamente alrededor de esamano manteniéndose muy concentrado. Latrayectoria se desvía ligeramente hacia laizquierda.”Nuestro trabajo se construye a partir de ins-talaciones, de estados del cuerpo, de

sonoridades íntimas, de líneas y de perspec-tivas. Dos cuerpos en un mismo espacio escénico.Un cuerpo ligado a las instalaciones sonoras,el otro ligado a las instalaciones plásticas ycoreográficas. Activamos un espacio lo más familiar posibleque permita desarrollar una especie de “nave-gación a vista” entre construcción en directo,atención a la imagen del pasado/montaje y dul-zura de lo cotidiano.

Proyecto (algún día llevará un subtítulo)de Amaya González ReyesNo sé si puedo llamarlo de otro modo que nosea proyecto, y proyecto quizá no sea lo másadecuado tampoco, quizá método estaríamejor, y podría hablar de qué método sigo, por-que un proyecto parte de una idea proyectada,pero yo trabajo con varias a la vez, o trabajosiguiendo un método pero no una idea, másbien, de método voy a la idea, no sé si eso esun proyecto, no sé si esto es un proyecto.

Escala de Marta BernardesCuestiones de escala: No quería abrir la bocapara decir el vacío. Lo que quería era un díaclaro y poder mostrar lo que se esconde entreel deseo y el decir.Si el lenguaje es cultura , ¿cómo puedo traba-jar con ella y ser contra-cultura? ¿Puedo decirel silencio hablando de él? Si cada códigoimplica una pérdida, una distancia, ¿cómopuedo expresar eso que se pierde? ¿Existealguna cosa fuera de código?

desde . La Laboral de Edurne Rubio“desde” es un proyecto artístico con las carac-terísticas de un site-specific y con la posibilidadde desplazarse a diferentes espacios. El forma-to final puede cambiar en función del lugar, peroel concepto y el proceso de trabajo se articulande la misma manera. Mugatxoan 2004 produjoy presentó “desde . Arteleku”, en San Sebastiány “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Teatrode la Laboral me invita a realizar “desde . LaLaboral”, en Gijón.

Edurne Rubio

desde . La LaboralPAÍS España / Bélgica HORARIO por confirmar

“desde” es un proyecto artístico con las características de unsite-specific y con la posibilidad de desplazarse a lugares cuyouso original se transformó para convertirse en centros de arte.

El formato final puede cambiar en función del lugar, pero el con-cepto y el proceso de trabajo se articulan de la misma manera.Mugatxoan 2004 produjo y presentó “desde . Arteleku”, enSan Sebastián y “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Tea-tro de la Laboral me invita a realizar “desde . La Laboral”, enGijón.

La Laboral, con un pasado más reciente de lo que aparenta,posee una fuerte carga emocional quizás debido, más que asus orígenes políticos, al hecho de que sus habitantes fueron,y son, principalmente, niños y adolescentes; La Laboral, esteenorme lugar del que todo el mundo tiene opiniones tan rotun-das, vive, una vez más, época de cambios.

Tras un año de entrevistas realizadas a un amplio abanico depersonas que han formado y forman parte del edificio,“desde . La Laboral” se presenta como una audio-guía,como un recorrido espacial y temporal guiado a través de lasvoces de estudiantes, profesores, artistas, políticos, guardia-nes, vecinos… Un documental en el que la imagen filmada noes necesaria porque el espectador tiene la oportunidad devivir en presente los espacios descritos por los testimoniossonoros. El discurso se desarrolla a partir del ámbito delrecuerdo o de la interpretación, y a la mirada del entrevistadose añade la del espectador, creándose así una superposiciónimaginaria de espacios mentales.

Desde significa tiempo y espacio: “desde entonces… hastaahora…” o “desde aquí… hasta allí…”

Gracias a todas y a todos los entrevistados y especialmente aLuis Fernández por su inestimable ayuda.

22, 23 y 25junio

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Gisèle Vienne

Jerk Basado en la novela de Dennis Cooper

PAÍS Francia DURACIÓN 55 min. aprox. LUGAR Caja Escénica delTeatro AFORO limitado

Un hombre, una silla, y cinco títeres. La experiencia íntima deun asesinato, basada en un hecho real.

Jerk es una reconstrucción imaginaria - extraña, poética,divertida y triste - de los crímenes perpetrados por el asesinoen serie americano Dean Corll quien, con la ayuda de los ado-lescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más deveinte niños en el estado de Texas a mediados de los años 70.

Mientras David Brooks cumple su condena de cadena perpe-tua en la cárcel, aprende el arte de los títeres, y escribe unespectáculo que reconstruye los asesinatos cometidos porDean Corll. En la propia cárcel, y ante una clase de estudian-tes de psicología, estrena su pieza. Aunque el protagonistaprincipal es David, uno de los adolescentes que terminó enla cárcel, la pieza presenta a todos los personajes en unafracción de segundo, sobre todo a las jóvenes víctimas.

El trabajo de Gisèle Vienne se centra en la relación entrecuerpos naturales y artificiales. Coreógrafa, directora, artistavisual y de performance, realiza la coreografía y la puesta enescena de piezas como Splendid’s de Jean Genet (2000),Showroomdummies (2001), Stéréotypie (2003), y TranenVeinzen (2004) con Etienne Bideau-Rey.

Desde 2004, dirige y realiza la coreografía de I Apologize yde Une belle enfant blonde / A young, beautiful blonde girl(primera producción en 2005), y de Kindertotenlieder (2007).Para el 2009, está ya trabajando en una nueva creación lla-mada Eternelle Idole (estreno en febrero de 2009) con unpatinador sobre hielo y un artista de performance. Tambiénestá trabajando con Etienne Bideau-Rey en la piezaShowroomdummies (estreno en febrero de 2009).

26 . 27junio

20.30 h

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Director artístico: Ryutaro Kaneko; Director técnico: Mattias Ternoot; Jefe de escenario:Masafumi Kazama; Diseño de luces: Katsuhiro Kumada; Asistente de escenario: TatsuyaDobashi; Manager grupo: Takashi Akamine; Asistente manager: Juan Akimoto, Gen Matsui; Entre-nador psíquico: Mitsunaga Matsuura; Músicos: Kenzo Abe, Kazunari Abe, Takeshi Arai, YoshikazuFujimoto, Yuichiro Funabashi, Tsubasa Hori, Kazuki Imagai, Mitsuru Ishizuka, Tomohiro Mitome,Yosuke Oda, Natsuki Saito, Masayuki Sakamoto, Yoshie Sunahata, Shogo Yoshii.

Diorama Arts Centre/UK y KODÔ son asociaciones culturales.

KODÔ

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PAÍS Japón DURACIÓN 120 min. con intermedio de 15 min.LUGAR Teatro de la Laboral

Explorando las ilimitadas posibilidades del tambor tradi-cional japonés, el taiko, Kodô presenta una forma dearte viva y brillante. En japonés, la palabra Kodô conlle-va dos significados, por una parte quiere decir “latidodel corazón” –la fuente primaria de todo ritmo– y porotro lado quiere decir “niños del tambor”, un reflejo deldeseo de tocar sus tambores de manera sencilla, con elcorazón de un niño.

Kodô procura a la vez preservar y reinventar las repre-sentaciones de arte tradicional japonés utilizando eltambor como un arte marcial, un arte de circo lleno deprofundo espiritualismo.

Los miembros de Kodô viven, entrenan, y trabajan jun-tos como un colectivo en la isla japonesa de Sado; ycon un total de 3.000 actuaciones en 44 países intentansiempre recordar al público su pertenencia a otro colec-tivo mucho más grande: el mundo.

En 2001, Kodô fueron los primeros japoneses en haceruna aparición en el concierto del premio Nobel de laPaz, televisado en todo el mundo. En 2002, Kodô con-tribuyó en el himno oficial del mundial de fútbol enCorea/Japón.

4julio

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Impartido por: Catherine Diverrès; Músicos: Seijiro Murayama (percusión), Jean–Luc Guionnet(saxo); Bailarín: Emilio Urbina.

Taller de Danza e Improvisación con Músicos

Principios de Unidad y AcumulaciónImpartido por Catherine Diverrès

PAÍS Francia / España PRECIO 40 € (20 € para alumnos y personalde la ESAD-Gijón y Universidad de Oviedo con acreditación)LUGAR Sala de Ensayos 1 – Teatro de la Laboral Ciudad de la CulturaPLAZAS 12 participantes mayores de 18 años. Bailarines profesiona-les o al menos establecidos en una trayectoria coreográfica.

Los seis principios del libro de mutaciones chino “YiKing”: Unidad, Transformación, Tierra, Cielo, Acumula-ción y Oposición; y las asociaciones semánticas propiasa nuestra cultura europea serán la base para la improvisa-ción de los alumnos con dos músicos de saxo ypercusión.

En este taller se trabajará el principio de Unidad y el deAcumulación. El principio de Unidad comprende la relación con el Espa-cio, fundado en la Escucha, el “actuar juntos”, laidentidad, las unidades de medida, el coro…El principio de Acumulación es más técnico, se trabajarála memorización, la energía, la invención, la resistenciafísica, siempre teniendo en cuenta a los demás, la escu-cha, la alerta.

El taller será impartido por Catherine Diverrès, coreógra-fa que hace su aparición en la danza cotemporánea amediados de los 80, desmarcándose y dándole la espal-da a las concepciones de la danza postmodernaestadounidense que domina la escena. Como otroscoreógrafos de su generación, crea su propio lenguaje,inventa un universo.

El taller va dirigido a bailarines profesionales o al menosestablecidos en una trayectoria coreográfica, mayores de18 años. Catherine Diverrès y varios profesionales quecolaboran habitualmente con ella, realizarán la selecciónde los 12 bailarines que finalmente participarán en el taller.

23 . 24 . 25 . 26marzo

11.30 a 17.00 h

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Los usuarios podrán comprar sus entradas:

· En cajeros CajAstur Tiquexpress

· En la web de CajAstur: www.cajastur.es

· En el teléfono de CajAstur: 902 106 601

Posteriormente las entradas adquiridas se podrán retirar en cajeros Tiquexpress de la entidadbancaria.

· En Laboral Ciudad de la Cultura:

Centro de Recepción – TiendaHorarios: lunes a viernes de 8:00 h. a 20:00 h. (días con espectáculo hasta las 20:30 h)

sábados y domingos: febrero y marzo de 10:00 h. a 19:00 h.; de abril a junio de 10:00 h. a 19:30 h.; julio de 10:00 h. a 21:00 h.

Taquilla del Teatro de la Laboral: el día del espectáculo dos horas antes del inicio de la fun-ción. Las entradas se podrán retirar hasta 15 minutos antes del espectáculo

· Kiosco situado en el Campo Valdés (frente a la Iglesia de S. Pedro en el Paseo del Muro deS. Lorenzo)

Precios:Precios desde 5 euros hasta 20 euros dependiendo del espectáculo.Habrá abonos para ciclos específicosConsultar precios en la web del teatro www.teatrodelalaboral.com

Para más información:· 902 306 600 · www.teatrodelalaboral.com

Teatro de la LaboralC/ Luis Moya 26133203 GijónAsturias

Información práctica

Otra información:- No se admiten devoluciones ni cambio de entradas- Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el acceso a la sala- No se permite la grabación de vídeos ni la realización de fotografías- Hay habilitados lugares para personas de movilidad reducida- La organización se reserva el derecho de modificar la programación siempre que sea por causas ajenas

LABORAL CIUDAD DE LA CULTURA

C/ Luis Moya Blanco 26133203 Gijón. Asturias

Teléfono información Laboral Ciudad de la Cultura: 902 306 600

AUTOBUSES URBANOS HASTA LA LABORAL:

• Línea 1: Cerillero-Hospital de Cabueñes

• Línea 18: Nuevo Gijón-Hospital de Cabueñes

• Línea 2: Roces-Hospital de Cabueñes

TELÉFONO TAXIS:

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