História do Sapateado

Linha do Tempo

• 1650 - 1900: Do Clog ao Soft Shoe• 1900 - 1920: O surgimento do sapateado• 1920 - 1935: A Renascença do Harlem• 1935 - 1970: Hollywood• 1970 - 1985: Renascimento do sapateado• 1985 até agora: A influência do hip hop

1650-1900Do Clog ao Soft Shoe

Ninguém poderia ter previsto que o encontro das culturas do Novo Mundo séculos atrás, resultaria no sapateado, uma forma de dança exclusivamente americana. No entanto, a fusão da dança dos tamancos (clog) das Ilhas Britânicas e os passos de dança com os ritmos do Oeste Africano, percussão e dança na era colonial, iriam criar uma forma de arte que está em constante evolução que continua a florescer hoje em dia. Em meados de 1600, trabalhadores escoceses e irlandeses contratados trouxeram suas danças sociais para o Novo Mundo. Escravos no sul dos Estados Unidos imitavam os passos de ponta e calcanhar da dança irlandesa (Irish Jig) e a sensibilidade da percussão dos tamancos de Lancashire, e combinavam com passos de danças do oeste africano que eram conhecidos como "Juba” e “ring shouts” (gritos do anel). Como resultado, estilos de dança africanos tornaram-se mais formais e diluídos, enquanto elementos europeus tornaram-se mais fluido e rítmico o que acabou resultando em um híbrido sapateado exclusivamente americano.

Minstrel ShowO Sapateado não se tornou um estágio de dança até a ascensão do show dos menestréis no final de 1800. Dançarinos brancos (geralmente irlandeses) enegreciam seus rostos com cortiça queimada e organizavam performances com base em suas interpretações do Africano e de danças e músicas afro-americanas, competindo para ver quem tinha o mais "autêntico" material. De 1840 a 1890, os menestréis eram a forma mais popular de entretenimento americano, apresentando uma variedade de brincadeiras, canções, dança e música em um formato solto. Antes do final da Guerra Civil, os artistas negros e brancos raramente eram autorizados a aparecer no palco juntos, com exceção de Master Juba (William Henry Lane).

William Henry Lane Foi o primeiro afro-americano a ter permissão para dançar com bailarinos menestréis brancos em 1840. Lane e um irlandês chamado John Diamond foram promovidos em uma série de competições de dança encenando por todo os Estados Unidos, e Lane ganhou a grande maioria. Ele foi proclamado o maior dançarino de todos os tempos pelos críticos americanos e europeus. Recebeu a denominação de "Juba" - mestre de todos os dançarinos. Juba (também soletrado como Giuba ) é um rio / vale / cidade na Somália / Etiópia / Sudão. Também é uma palavra em Suahili / Zulu / Italiano com significados tão variados como "rei" e "pomba". A juba era também uma dança criada pelos escravos que se caracterizam por bater mãos e pés conhecido como ”patting the juba”(batendo a juba”).

1900-1920 O surgimento do Tap

O termo ”tap" entrou em uso popular em 1902. Em 1800, a dança era referida como "buck-and-wing”, “buck dancing” ou "flat-footed dancing”. Plaquinhas de metal presas a solas de sapatos não eram comumente usadas até 1910. Antes disso, a maioria dos sapatos eram feitos de couro nas partes superiores e de madeira nas solas, enquanto outros tinham cravos ou centavos coladas nas pontas e calcanhares. Observou-se que por ser uma forma de entretenimento basicamente masculina, esta forma de arte havia quase exterminado as artistas mulheres. A busca por algo novo crescia, as mulheres abraçavam a profissão e a era do Vaudeville começava.

Vaudeville

. No início do séc XX , o Vaudeville incentivava uma forma de entretenimento familiar com acrobacia, canto, dança e comédia. Infelizmente, ainda permaneceu segregacionista, artistas brancos e negros ainda não atuavam juntos. Durante as primeiras décadas do Século XX, o sapateado se tornou o auge do show business, era o número mais esperado e popular de qualquer apresentação e os menestréis deram lugar ao Vaudeville.

T.O.B.A.

• O circuito de vaudeville mais famoso de artistas negros acontecia no T.O.B.A., cuja sigla significa Theater Owners Booking Association. Oferecia entretenimento para negros, que eram proibidos de freqüentarem os teatros de brancos. Neste circuito muitos artistas negros se destacaram, entre eles, John Bubbles.

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John W. Bubbles (John "Bubber" Sublett) é conhecido como o pai do rhythm tap. Bubbles trouxe o toque para a sola dos pés golpeando os calcanhares contra o chão como um baterista. Ele acrescentou uma nova gama de acentos sincopados de suas linhas rítmicas, liberando o tap da frase oito compassos clássico que termina em uma pausa de dois compassos por "correr” os compassos, ou ligá-los mais não com frases repetitivas. Este estilo continua a ser amplamente utilizado em performances de sapateado atualmente.

1920-1935 A renascença do Harlem

O Sapateado foi a mais popular de todas as danças cênicas, no auge do Renascimento do Harlem, Broadway negra, boates e vaudeville. O melhor dançarino de tap conhecido daquela época era Bill "Bojangles” Robinson, que atuou no palco assim como em filmes. Elogiado por seu trabalho de pés limpos e por dançar na ponta dos pés, suaves e mínimos movimentos de calcanhares, suas danças foram graciosas e sutis. Seu estilo também estabeleceu novos padrões, e seu fraseado ainda é considerado a clássica estrutura do sapateado. Como pode ser visto no filme de 1935 “The Little Colonel” com Shirley Temple, Mr. Bojangles trouxe a dança da escada para um tal nível de excelência que, até hoje, permanece ligada ao seu nome.

Harlem RenaissenceO Harlem Renaissance foi um movimento cultural que se estendeu entre 1920 e 1930. Na época, ele era conhecido como o "Movimento do Novo Negro", em homenagem a antologia 1925 por Alain Locke. Apesar de ter sido centrado no bairro do Harlem, New York City, muitos francófonos escritores negros de colônias Africano e do Caribe que viviam em Paris também foram influenciados pelo Renascimento do Harlem. Muitas de suas idéias viveram por muito tempo. O auge deste "florescimento da literatura negra", como James Weldon Johnson preferiu chamar o Renascimento do Harlem, foi colocada entre 1924 (ano em que Oportunity: A Journal of Negro Vida organizou uma festa para os escritores negros, onde muitos editores brancos estavam presentes ) e 1929 (o ano do crash da bolsa e o início da Grande Depressão).

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Com a ascensão do cinema e o desaparecimento de vaudeville durante a década de 1930, os artistas se voltaram para rotinas flashs, com toque de acrobacias cada vez mais perigosas. The Nicholas Brothers (Harold e Fayard Nicholas) foram os artistas mais respeitados de sapateado que usaram técnicas de flash. Flash Tap refere-se a truques espetaculares incorporados nas frases de sapateado . Saltando de plataformas e escadas de até dez metros, pousando em splits, pulando de volta para cima, e continuando a sapatear. Flash e toque acrobático implicam em sincronismo e precisão para não sair do tempo da dança.

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• O Vaudeville deu espaço para o “Presentation” que eram shows das big bands dos anos 30 e 40 (Cab Calloway; Duke Ellington, entre outros). Mas quando estes shows eram para grandes platéias eles acrescentavam um ato chamado de “Unit” que consistia em uma linha de garotas (chorus line), um cantor, um cômico e um ato de dança – de sapateado.

Do Vaudeville aos filmes

1935-1970 Hollywood

Alguns dos melhores sapateadores podem ser vistos nos filmes de Hollywood através do talento de Hal Leroy, Ann Miller, Ebsen Buddy, Ray Bolger, Eleanor Powell, Donald O'Connor, Vera Ellen, Ginger Rogers e Gene Kelly. Suave e atlético, Kelly incorporou movimentos de dança moderna e ballet em suas danças. Fred Astaire, sapateador mais famoso da América, sem dúvida, prolongou a vida do sapateado através da popularidade de seus filmes. Caso contrário o sapateado poderia ter desaparecido de meados dos anos 1950 a meados dos anos 1970 nos Estados Unidos.

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Uma forma do Class Act foi apresentado por Cole e Atkins em 1939 no Harlem em um show business de um hotel. Durante os anos 30, Coles foi conhecido pelos pés mais rápidos do ramo, diziam que ele fazia tudo o que Bubbles fazia, só que mais rápido. Em 1947 eles apresentaram o famoso Soft Shoe, definitivamente o melhor número de Class Act já apresentado.

Cholly Atkins e Honi Coles

1970-1985O sapateado renasce

Felizmente, o sapateado experimentou um renascimento na Broadway na década de 70 e 80, com shows como: The Wiz (1975), Sugar Babies (1979), 42nd Street (1980), Sophisticated Ladies (1981) and The Tap Dance Kid (1982). Tap também chegava aos salões de dança moderna, concertos, ganhando novos públicos e respeitabilidade no mundo da dança. O tap sempre foi tratado como entretenimento, mas agora ele estava sendo considerado como arte. De meados dos anos 70 até meados dos anos 80, muitos dos coreógrafos de sapateado eram mulheres brancas com experiência em dança moderna que aprenderam com antigos mestres afro americanos. Elas coreografavam com uma fusão de tap e jazz tradicional, porém com uma estética de dança moderna.

1985 até hoje: A influência do HIP-HOP

No final da década de 1980, inspirado pelo sucesso da Broadway de Black and Blue (1989) e os grandes talentos de Gregory Hines, que estrelou Sophisticated Ladies (1983) e no Jelly's Last Jam com Savion Glover, bem como nos filmes White Nights (1985) and Tap (1989), muitos jovens homens afro-americanas se interessaram em sapatear. O mais famoso e influente é Savion Glover, que se tornou o líder de uma nova geração de rhythm tappers. A influência hip-hop-funk causou uma revolução estilística dentro da área e trouxe o tap aliado com a música moderna. Às vezes chamado de "tapping power", este estilo caracteriza-se por densos e contundentes ritmos. Masculino pesado e rápido foi visto no drama musical Bring in’ da Noise, Bring in' da Funk (1996) por Glover e George Wolfe. Glover inovou também no cimena ao ser plugado a um monte de sensores que o transformaram num pinguim sapateador no filme Happy Feet (2006)

O FUTURO

•O sapateado continua a evoluir como uma tradição cultural variada tanto entre as gerações quanto multirracial. Deixou de ser considerado mero entretenimento.• O TAP está finalmente recebendo o seu devido valor como uma forma de arte dinâmica que compreende uma variedade de estilos ecléticos e individuais.

Fonte: International Encyclopedia of Dance: A Project of Dance Perspectives Foundation, Inc., founding editor, Selma Jeanne Cohen; area editors, George Dorris...[et.al.] (New York: Oxford University Press, 1998).