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EL LENGUAJE DEL ARTE HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
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EL LENGUAJE DEL ARTE
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
1. EL LENGUAJE DEL ARTE
Entendemos por lenguaje artístico aquél que utiliza un
medio específico para expresar y representar ideas y
sentimientos estéticos.
Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente
visual.
El arte se expresa por medio de la armoniosa
combinación de los elementos que representan a la
imagen:
Formas, colores y espacios: en dibujo y pintura;
Volumen, en escultura y arquitectura.
LA ARQUITECTURA y
EL URBANISMO
LA ESCULTURA
LA PINTURA
LAS ARTES DECORATIVAS
(mosaico, vidriera, etc.)
FOTOGRAFÍA
COMIC
CINE
CARTEL
TELEVISIÓN
VIDEO – ARTE
ARTE DIGITAL
Formas universales Formas contemporáneas
1. EL LENGUAJE DEL ARTE
ARQUITECTURA: Tipo de edificio, materiales,
estructura: planta, muros, pilares bóveda,
decoración, estilo
PINTURA: técnica (fresco
óleo, acuarela…), soporte,
motivo o temática,
características de la
representación
ESCULTURA: tipo
(bulto,
relieve…), técnica,
material, motivo,
rasgos estilísticos
Elementos para el análisis del lenguaje
visual
1.1. Arquitectura
La arquitectura se anticipó a las demás disciplinas
artísticas desde la aparición del Neolítico, y
particularmente desde que se construyeron los primeros
asentamientos urbanos. Por consiguiente, de ella han
dependido la pintura y la escultura, además de otras obras
muebles. De esta manera, la arquitectura se convirtió en
un campo de experimentación constante que
directamente influyó en la evolución del arte en general.
1.1. Arquitectura
Elementos:
La representación del edificio: el estudio de la planta y el
alzado.
Los materiales constructivos.
Los elementos sustentantes.
Los tipos de cubierta.
La incidencia de la luz y el color.
El volumen.
La proporción y la armonía.
La planta o alzado (Dibujo arquitectónico de un edificio
representado en sección horizontal).
El alzado (dibujo de la representación vertical del
edificio).
La sección (dibujo de un corte transversal del alzado de
un edificio).
planta
alzado
sección
La representación del edificio
La representación del edificio
Planta, sección y alzado de un tholos griego
Escaleras
Soportes
Muros
Espacio interior
Planta de un templo griego
El templo griego
Plantas de iglesias
Iglesia románica
Adobe, madera, piedra, mármol,
ladrillo, hierro, vidrio etc.
Condicionan la factura del edificio y la
percepción interna y externa del
mismo.
ELEMENTOS QUE
CONFORMAN EL EDIFICIO
SUSTENTANTES
(soportes)
SOSTENIDOS
(cubierta)
• MUROS (soporte y cerramiento lateral)
• MACIZOS (aparejo) y VANOS
(ventanas y puertas)
• PILARES (sección poligonal)
• COLUMNAS (sección circular)
• DINTEL (arquit. adintelada
o arquitrabada)
* ARCOS (Arquit. abovedada)
* Entablamento clásico
a doble vertiente
* Bóveda de cañón, de
crucería
* Cúpula de 1/2 naranja,
sobre trompas o pechinas
• LA INCIDENCIA
DE LA LUZ Y EL
COLOR
• EL VOLUMEN
• LA PROPORCIÓN
Y LA ARMONÍA
Los materiales constructivos
Los materiales constructivos
Condicionan la factura del edificio y la
forma en que lo percibimos, tanto en el
interior como en el exterior.
La diversidad de materiales es notable a
lo largo de la historia: adobe, madera,
piedra, mármol, ladrillo, hierro,
hormigón, cristal, acero, etc..
Los elementos sustentantes
Muros y tipos de aparejoSoportes: pilar, pilastra, columna,
pie derecho, ménsula, estribo, dintel
El muro
El muro
El muro
Contrafuertes
La columna
El pilar y la pilastra
Los elementos sustentantes
Hacen posible la construcción del
edificio, permitiendo la elevación de
muros, pisos y cubiertas.
Columna (soporte vertical de sección
circular).
Dinteles (pieza horizontal que soporta
una carga).
Pilar (soporte vertical de sección
poligonal).
Arcos (pieza curva de variada tipología).
El más común es el de “medio punto”.
El Muro (diferentes formas de aparejo).
Los tipos de cubiertas
La cubierta: Es el elemento sustentado del edificio. Según
utilice el plano o la curva recibe el nombre de
adintelada o abovedada.
La cubierta: techumbre plana o adintelada
Bóveda de cañón
La cubierta: techumbre arqueada o
abovedada
Bóveda de arista
Las cubiertas
El arco y sus partes
Tipos de arco
Tipos de arco
Tipos de arco
Bóvedas
Partes de una cúpula
Partes de una cúpula
Partes de una cúpula
La cúpula
Los sistemas constructivos
La luz y el color como elementos
arquitectónicos
Contribuyen a modelar el espacio interior y exterior del
edificio.
Pueden provocar diferentes sensaciones en el espectador:
agitación, tensión, serenidad; por otro lado, en ocasiones
juegan un papel simbólico que subraya determinados
significados de la obra arquitectónica.
El volumen en la obra arquitectónica
El juego de masas y volúmenes
es un elemento poderoso en
arquitectura pues contribuye a
subrayar aspectos como la
grandiosidad del edificio o su
carácter simbólico. Desde
siempre la monumentalidad
arquitectónica ha sido un valor
muy estimado por todos los
poderes de la tierra.
Museo de Arte Contemporáneo de
Río de Janeiro
Coliseo de Roma
1.2. Escultura
¿Qué es esculpir?
Esculpir es dar forma a la
materia, cualquier tipo de
materia, destacando los valores
táctiles de la misma para
transmitir ciertas sensaciones.
El Doríforo. Escultura en mármol del siglo I, de
2,12 metros de altura. Copia romana de un
original en bronce de Policleto, del año 450-
440 antes de Cristo.
Primeras diferencias
En una primera diferenciación:
Escultura exenta o de bulto
redondo.
Relieve (altorrelieve, mediorrelieve,
bajorrelieve), cuando la obra está
adherida a un plano, del que
sobresale en mayor o menor medida.
Escultura (dar forma a la materia)
MÉTODOS
AÑADIENDO BLANDOS (barro, yeso, cera…)
MODELADO
DUROS metales SOLDADURA
madera ENCOLADO
TÉCNICASMATERIALES(determinan la calidad
táctil de la obra)
Escultura (dar forma a la materia)
MÉTODOS TÉCNICASMATERIALES
SUSTRAYENDO PIEDRA (mármol, caliza) ESCULPIDO
CINCELADO
MADERA TALLA
Escultura (dar forma a la materia)
MÉTODOS TÉCNICASMATERIALES
VACIANDO METALES, ESCAYOLA VACIADO/
HORMIGÓN, PLÁSTICO MOLDEADO
(a la cera perdida)
BULTO REDONDO
Ó EXENTA
(aislada, en tres
dimensiones)
• Estatua: escultura exenta
de un ser humano.
• Cabeza, Busto, Torso.
• Cariátide, Atlante.
• Postura: yacente,
sedente, orante, ecuestre
RELIEVE
(labrada en un muro o
fondo, del que sobresale)
• Alto relieve (sobresale
+50%)
• Medio relieve (50%)
• Bajo relieve (-50%)
• Bajo relieve esbozado:
scchiacciato
• Hueco relieve: rehundido
Tipología en escultura
Escultura exenta o bulto redondo: tipologías
ESTATUA
CABEZA
BUSTOTORSO
CARIÁTIDE
ATLANTE
YACENTE
ORANTE SEDENTE
ECUESTRE
Escultura: tipología según la postura
El relieve es la modalidad escultórica en la que lo
representado no aparece aislado, sino adherido a una
superficie que le sirve de fondo, poseyendo unas
características que lo acercan a la pintura. Según el
porcentaje de figura que sobresalga del fondo
distinguimos varios tipos:
BAJORRELIEVE
MEDIORRELIEVE ALTORRELIEVE
El relieve: tipologías
El relieve: tipologías
UNA MISMA OBRA
PUEDE CONTENER
TODAS LAS
TIPOLOGÍAS
LOS MATERIALES
EL
VOLUMEN
EL MOVIMIENTO
LA
COMPOSICIÓN
LA
PROPORCIÓN
LA MASA
LA
LUZ
EL
COLOR
LA
EXPRESIÓN
FORMALLA TEMÁTICA
LA FUNCIÓN
Y EL SIGNIFICADO
DE LA OBRA
Elementos formales que se interrelacionan
en cualquier obra escultórica
madera
terracota
bronce
mármol
Su tratamiento y naturaleza determinan la
calidad táctil de la obra y las sensaciones que
ésta transmite.
Los materiales
Los materiales ofrecen diversas calidades:
dureza, compacidad, ductilidad, frialdad,
suavidad, etc. y sus contrarios, a través del
tacto.
Los materiales
El tratamiento de la
superficie exterior de los
materiales: finas y pulidas,
aristadas, rugosas, etc.
Los materiales
En el siglo XX se utilizan gran variedad de nuevos
materiales en escultura : acero, hormigón, hierro, yeso,
tela, cartón, plástico, acrílico, etc.
Acabado, textura y policromía
La escultura se percibe a través
de la superficie exterior, su
forma-superficie y su completa
percepción debería ser mediante
el tacto a la vez que la vista. La
vista nos da la información del
color, la luz que refleja, los
añadidos, etc., pero mediante el
tacto se obtiene una mejor
sensación de la textura y del
acabado de la obra.
Acabado, textura y policromía
El acabado de una obra es muy
personal para el artista ya que
hay obras que pueden presentar
un aspecto “inacabado” y sin
embargo el artista considera
concluida la escultura. Por otra
parte los distintos acabados de
las partes pueden reflejar la
textura de los materiales que
representan de forma que la piel
humana puede aparecer muy
pulida y un vestido rugoso.
La expresión formal
La escultura, igual que las demás
artes plásticas, es representativa
en el aspecto formal. Sin embargo
no siempre las formas de la
escultura son reconocibles en la
naturaleza sino que pueden
aparecer volúmenes inexistentes
o irreconocibles.
La expresión formal
Escultura figurativa es aquella
que representa temas y formas
reconocibles (personas,
animales, objetos,...).
La expresión formal
A su vez podría ser:
Naturalista: si las formas se parecen a como
existen en la naturaleza. Podemos distinguir entre:
Realista: si las personas, objetos,... aparecen con sus
características peculiares y presentan, también, sus
deformidades.
Idealizada: si no se representa a un individuo concreto
con detalles específicos sino a uno genérico, perfecto.
Esquemática: si las formas están simplificadas y
no contienen todas las partes de los objetos sino
sólo aquellas que los identifican.
La expresión formal
Escultura abstracta es aquella que no representa
temas convencionales sino volúmenes, formas
geométricas, signos,... Se le denomina también escultura
no figurativa.
Temática y expresión de la escultura
El escultor no ha sido siempre
autónomo a la hora de elegir tos temas
que iba a representar sino que,
frecuentemente, el cliente
imponía el tema que deseaba bien
fuera un retrato, una imagen
devocional o una escultura
decorativa. Precisamente son la
iconografía y la iconología las
encargadas del estudio de la temática
representada y su significación
simbólica.
Temática y expresión de la escultura
También se le ha impuesto al
escultor a menudo la expresión
formal de los temas representados
bien sea para inspirar piedad,
mostrar la dignidad y autoridad
del representado o cualquier otra
manifestación expresiva.
Reposo y movimiento
Durante la mayor parte de la Historia del Arte la
escultura ha sido estática, es decir los objetos y figuras
representadas no se mueven realmente salvo en casos
excepcionales. Sólo desde el comienzo del S. XX se han
realizado de forma sistemática esculturas con movimiento
real: los móviles de A. Calder, por ejemplo, o la escultura
cinética actual.
Reposo y movimiento
A pesar del estatismo tradicional los
escultores han buscado la forma de
representar las formas y las personas
simulando un cierto movimiento
interno por distintos medios.
Reposo y movimiento
Podemos decir que el MOVIMIENTO se
puede conseguir:
Real: móviles.
Sugerido mediante:
El ritmo:
Por multiplicación de líneas.
Por ritmos ondulantes.
Por las posiciones inestables.
La tensión: indicando un movimiento en
potencia.
La acción: movimiento en el acto por la propia
acción que se realiza.
Reposo
La concentración y el reposo son el
resultado de las líneas verticales que
dominan la composición.
Movimiento
La disposición de las figuras es la
variable que logra trasmitir
movimiento o reposo.
La disposición de una figura o de
todo un grupo escultórico
determina la composición de la
obra.
El predominio de líneas diagonales o
curvas imprime a la obra
dinamismo.
Masa
Determinado por la
sensación de peso que
transmite la obra. O la
ausencia de la misma, jugando
con el vacío, el hueco, la anti-
masa.
Situación del espectador respecto a la
escultura exenta
Para la completa percepción de
la escultura deberíamos tocarla
ya que la sensación táctil puede
ser tan importante, y en
ocasiones más, que la percepción
visual. Sin embargo nos debemos
conformar con la mera
contemplación visual de la obra
para evitar con nuestro contacto
el deterioro de la misma.
Situación del espectador respecto a la
escultura exenta
Esta diapositiva no se refiere a la posición en la que está colocada la escultura en el espacio: una escultura exenta puede haberse colocado junto a una pared y no por eso se convierte en un relieve. Además debemos tener en cuenta al observar una reproducción de una obra que no debemos dejarnos llevar por la posición que adoptó el fotógrafo al realizar la fotografía; ésta puede tener un encuadre oblicuo en la que se vea parte de frente y parte de un lateral y no por eso la obra tiene escorzo. Se trata de comprender si la escultura está hecha para verla desde un punto de vista concreto y si tiene un único punto de vista o hay que girar en torno a ella.
El volumen
El carácter tridimensional de la escultura comporta volumen.
La obra debe ser capaz de crear espacio a su alrededor, de modo que pueda ser contemplada desde diversos ángulos.
Cuando la escultura está ligada a la arquitectura (ya sea por ser un relieve o por estar inserta la obra en un espacio cerrado) la calidad volumétrica de la misma se halla limitada (lo cual ha ocurrido durante gran parte de la historia).
El volumen De forma breve podríamos reducir la
cuestión observando que una escultura puede estar hecha para verse de frente, en escorzo o se debe girar alrededor de ella. La frontalidad no significa que no podamos rodear la obra, ya que ésta es exenta, sino que está pensada para que se vea totalmente de frente y ése es su principal punto de vista. Hay esculturas que presentan cierta torsión y que, si la vemos totalmente de frente, no la percibimos íntegramente. Finalmente hay épocas en las que la escultura tiene un movimiento muy fuerte y se debe contemplar girando alrededor de ella; en ocasiones, como en el manierismo, además ese desplazamiento debe ir acompañado de una visión helicoidal.
La composición
Puede adoptar, a partir del movimiento de la obra o la ausencia del mismo, diferentes soluciones.
Destacan dos tendencias: composiciones cerradas, recogidas sobre sí mismas; o composiciones abiertas, cuando la obra se abre hacia el exterior, potenciando su movimiento.
La proporcionalidad
La proporción o su ausencia,
forman parte de la búsqueda de
determinadas sensaciones o
ideales de belleza.
Las propuestas responden, en
consecuencia, a lo que se
entiende por clasicismo o
anticlasicismo.
Factores visuales: luz y color
El uso de la luz, de cómo incide
sobre la superficie de la obra, sirve
al artista para modelar, crear
volumen y movimiento.
El color ha sido utilizado para
subrayar determinados aspectos de
la obra: realismo, simbolismo, etc.
El uso de diferentes materiales y
texturas contribuye a subrayar
estos aspectos.
Función y significado de la escultura
Actualmente existe cierta tendencia a considerar a la escultura como un elemento decorativo, pero generalmente se ha utilizado con otros fines independientemente de su carácter ornamental. Entre ellos se pueden señalar la función mágico-religiosa y simbólica de las imágenes en todas las religiones (salvo en la musulmana que no las utiliza); algunas han sido representativas con un carácter ideológico o de ostentación; han servido como cauce a la expresión del ideal de belleza en distintas culturas; y, sobre todo en el caso del relieve, han tenido una importante función narrativa y conmemorativa.
1.3. La pintura
¿Qué es pintar?
Lo específico de la pintura:
Representación plástica en
superficie de dos dimensiones.
Intento de simular “una ventana
abierta”.
La pintura es la más popular de las “artes
visuales”, la más democrática, por cuanto su
apreciación o percepción no requiere,
aparentemente, un gran esfuerzo intelectual.
Pintar es, en definitiva, atrapar la imagen sobre la
materia, mediante la técnica del dibujo y el uso
del color. Pero todo esto es sólo en apariencia.
Los aspectos materiales de la pintura: la
materia pictórica
Soporte: muro, lienzo, madera, papel, etc.
Elementos aglutinantes para el color: aceite, clara de huevo, agua, etc.
En la época contemporánea: arena, trapos, metal, y cualquier otro material…
La materia pictórica o cantidad de pasta determina, en cierto modo, la textura, es decir, las sensaciones táctiles que la obra pictórica transmite (lisa, pastosa, rugosa, mate, brillante, etc.).
MATERIALES TÉCNICAS SOPORTES
DETERMINAN EXIGEN
COLORES
(pigmentos)
AGLUTINANTES
(adherentes y
protectores
de los colores)
FRESCO
ACUARELA
TÉMPERA
AGUADA (GUACHE)
TEMPLE
ÓLEO
ENCÁUSTICA (en caliente)
ceras, lápices de colores
PASTEL
ACRÍLICO
MOSAICO
VIDRIERA
MURO
PAPEL
PAPEL
ESTUCO
TABLA
TELA
METAL
MADERA
CARTÓN
SUELO
VANOS
La técnica pictórica
Las técnicas más frecuentes en la historia
FRESCO
(PIGMENTOS CON AGUAL Y CAL COMO AGLUTINANTE)
Técnica propia de la
pintura mural
Las técnicas más frecuentes en la historia
TEMPLE
(PIGMENTOS CON YEMA DE
HUEVO O GOMA ARÁBIGA
COMO AGLUTINANTE)
Es toda aquella pintura que utiliza un diluyente
acuoso. Se puede aplicar sobre madera, lienzo
o pared. Al contrario que el fresco se seca más
lentamente y corre el riesgo de
descascarillarse.
Las técnicas más frecuentes en la historia
ÓLEO
(PIGMENTOS CON ACEITE
REFINADO DE LINAZA
COMO AGLUTINANTE)
Utiliza aceite para disolver los colores, dando
brillo al lienzo o a la madera sobre la que se
aplica (permite retocar y corregir).
Las técnicas más frecuentes en la historia
MOSAICO
(PEQUEÑAS TESELAS DE PASTA VÍTREA O PIEDRA DE
COLORES)
Las técnicas más frecuentes en la historia
VIDRIERA
(VIDRIO DE COLORES)
Otras técnicas pictóricas
Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca
cantidad de aglutinante (goma, baba de caracol, glicerina...).
Pastel: Es una pintura seca, se utiliza para la confección de
lápices de colores, por ello sus soportes habituales son tela y
papel. La propia grasa de la piel funciona como diluyente.
El gouache: Utiliza como aglutinante agua gomosa, lo que da
texturas más pastosas y gruesas de mayor contenido
expresivo. Su soporte habitual es la tela.
Polímeros o acrílicos: son pinturas plásticas o acrílicas, cuyo
aglutinante es cola o resinas sintéticas. Tiene gran densidad,
por eso seca con rapidez.
La línea (el dibujo)
Permite la identificación y el reconocimiento de las
formas pictóricas.
Según el trazo varía su expresión plástica:
Trazo continuo y cerrado (propósito descriptivo).
Trazo grueso y vehemente (expresivo).
Trazo abierto (imaginativo y poético).
Trazo curvilíneo (sensualidad).
La línea (el dibujo)
El trazo predominante le confiere a la obra una
significación simbólica:
Líneas verticales: elevación mística.
Líneas triangulares: equilibrio.
Líneas circulares: perfección.
El volumen
A pesar del carácter
bidimensional de la
pintura, el autor puede
conseguir transmitir
efectos de
tridimensionalidad, es
decir, de volumen
mediante el uso
adecuado de la línea, el
color, la perspectiva y la
luz.
La perspectiva
Esta técnica permite simular la
profundidad (la tercera dimensión de la
que carece la pintura), creando la ilusión
del espacio en el conjunto de la obra.
Diferenciar: la perspectiva medieval, la
perspectiva lineal del Renacimiento y la
perspectiva aérea.
El color
Es la esencia de la pintura, y tiene valor
por sí mismo.
Diferenciar colores:
Primarios o puros (amarillo, rojo y azul).
Secundarios o binarios, surgen cuando los
primarios se mezclan entre sí (anaranjado,
violeta, verde).
Los colores pueden ser:
Cálidos (amarillo, anaranjado, rojo), que
expanden luz y avanzan hacia el espectador
Fríos (violeta, azul, verde), que absorben
luz y se alejan del espectador.
El color
En la paleta del pintor los colores
se pueden asociar y mezclar de
manera infinita, a la búsqueda de
efectos visuales o
sensoriales…
Existe, además, un componente
simbólico en algunos colores que
varía según la época o la cultura.
La luz
O su ilusoria representación dentro del cuadro, ya sea como un elemento de la composición o como un elemento expresivo.
El tratamiento que el autor haga de la misma determina ambos valores:
Luz diáfana y homogénea: equilibrio y armonía.
Luz contrastada: dinamismo y expresividad.
Luz cenital: orden y estatismo.
Luz oblicua: movimiento y profundidad.
La composición
Es la articulación, ordenación, de todos los elementos de la expresión plástica y de las sensaciones que en conjunto nos produce.
Las posibilidades compositivas son infinitas y vienen determinadas por aspectos como la perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, las interrelación expresiva, la disposición general, etc.
La composición
Predominan las composiciones cerradas y las
abiertas.
Composiciones piramidales, oblicuas, centrífugas,
centrípetas, simétricas, etc.
