Cinemascomics: La revista. Nº 8

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Septiembre 2011. Nº 8. Año 1 www.cinemascomics.com La revista ESPECIAL SERIES JUEGO DE TRONOS ¡Descubre nuestro concurso! STUDIO GHIBLI ARRIETY CLÁSICOS DE LOS 80 NOCHE DE MIEDO Estrenos Cowboys & aliens La piel que habito Noche de miedo El árbol de la vida Arriety Los tres mosqueteros... ESPECIALES CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR… Y DEL INTERIOR (de la mente) DARTH VADER, EL VIAJE DEL HÉROE PAUL W. S. ANDERSON ENTREVISTAS HARRISON FORD COLIN FARRELL STUART CONRAN

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Cinemascomics: La revista, es una publciación de cine gratuita, especializada en adaptaciones de comics a la gran pantalla, cine fantástico, Sci-fi y animación. Este mes destacamos el estreno comiquero de septiembre que no es otro que Cowboys and aliens, película dirigida por Jon Favreau (Iron man 1 y 2) y protagonizada por Daniel Craing, Harrison Ford y nuestra querida 13, Olivia Wilde, pero como no solo de adaptaciones de comics se vive, este mes volvemos con un montón de entrevistas, artículos y especiales.

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Septiembre 2011. Nº 8. Año 1 www.cinemascomics.com

La revista

ESPECIAL SERIESJUEGO DE TRONOS

¡Descubre

nuestro

concurso!

STUDIO GHIBLIARRIETY

CLÁSICOS DE LOS 80NOCHE DE MIEDO

EstrenosCowboys & aliensLa piel que habitoNoche de miedoEl árbol de la vidaArriety Los tres mosqueteros...

ESPECIALESCRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR…Y DEL INTERIOR (de la mente)

DARTH VADER, EL VIAJE DEL HÉROEPAUL W. S. ANDERSON

ENTREVISTASHARRISON FORDCOLIN FARRELLSTUART CONRAN

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Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.

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DIRECTORCarlos Gallego

DIRECTOR DE ARTECarlos Gallego

MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓNCarlos Gallego

REDACCIÓN

Carlos GallegoDavid LarradDiego Sánchez (planta13.blogspot.com)Francisco Nieto Sánchez(www.cinedeaqui.es)Javier CalvoJosé Joaquín González(www.defanafan.com)Gerard Fossas(www.butacapreferente.com)Manuel MorosPedro PinosSergio Reina(critico-de-cine-aficionado.blogspot.com)Christian Arza(www.moonfilms.es)Enrique AbeniaGustavo Martín

COMICS

Diego Burdio(diegoburdio.blogspot.com)Moratha(moratha.blogspot.com)

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Carlos GallegoTelf. 637 52 01 [email protected]

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equi-po de Cinemascomics.Todos los derechos reser-vados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la to-talidad o parte de los contenidos de esta publica-ción, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

cinemascomicsla revista EDITORIAL

Ya estamos de nuevo con todos vosotros un mes más y espero que to-dos hayáis pasado unas vacaciones magníficas. Este mes destacamos el estreno comiquero de septiembre que no es otro que Cowboys and aliens, película dirigida por Jon Favreau (Iron man 1 y 2) y protago-nizada por Daniel Craing, Harrison Ford y nuestra querida 13, Olivia Wilde, pero como no solo de adaptaciones de comics se vive, este mes volvemos con un montón de entrevistas, artículos y especiales. Comenzamos con el repaso.

El pasado mes de agosto se celebró en Londres la primera Empire Presents Big Screen, un evento que pretende emular a la famosa Co-mic Con de San Diego, y ahí precisamente se encontraba nuestro colaborador Diego Sánchez de planta13.blogspot.com que no perdió detalle del evento y tuvo la oportunidad de entrevistar a Stuart Con-ran, profesional del maquillaje y FX que ha trabajado en películas como “Salvar al soldado Ryan” o “Zombies Party”. Aprovechando el lanzamiento en Blu-ray de la famosa saga creada por George Lucas, Star Wars, Gerard Fossas, butacapreferente.com, nos trae un intere-sante artículo que analiza la saga desde un punto de vista nunca visto anteriormente y Christian Arza de Moonfilms.com, nos hablará de la relación aliens y cine.

Este mes también llega a nuestras pantallas el último estreno del Stu-dio Ghibli y Francisco Nieto de cinedeaqui.es, nos habla de la película y nos trae la crítica del film; Sergio Reina, critico-de-cine-aficionado.blogspot.com, aprovechando el estreno de “Noche de Miedo”, nos habla del film original de los 80 en el que está basada la película y José Joaquín González de defanafan.com nos acercará a la figura del realizador Paul W. S. Anderson que este mes estrena su particu-lar visión de la novela de Alejandro Dumas “Los tres mosqueteros”. Tampoco podemos olvidarnos de nuestros artistas, Diego Burdio nos trae una página que cuenta como invitados con Jason Momoa y Arnold Schwarzenegger, y Moratha en “Gordos con Mochila” no se perderán el estreno de “Cowboys and aliens”.

Confiando en ser el mejor antídoto contra la depresión post vaca-cional, y haceros más llevaderos estos días horribles de vuelta a la rutina, aprovechamos para enviaros un fuerte abrazo y recordaros, una vez más que sin vosotros, queridos lectores, nada de esto sería posible.

Carlos GallegoDirector de Cinemascomics

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Septiembre 2011Número 8

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Entrevista:Harrison Ford

120Especial series:Juego de Tronos

contenido

comics 7│La Página de Diego Burdio

124│Gordos con MochilaPor Moratha

Actualidad8│Primera imagen ofi-cial de “Total Recal”

10│Nuevas imágenes del rodaje de “The Avengers”

criticas98│Super 8

99│ Conan el bárbaro

100│ Cowboys and aliens

101│Noche de miedo

102│Arriety y el mundo de los diminutos

92 Paul W.S.AndersonDirigiendo y adaptando a su aire

Clásicos de los 80:Noche de miedo

CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR…Y DEL INTERIOR (de la mente)

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www.cinemascomics.com Cinemascomics │Septiembre 2011 │ 5

contenidoestrenos14 │ Cowboys and aliens

2 de septiembre

44 │ La piel que habito

2 de septiembre

48│Noche de miedo

9 de septiembre

64│ El árbol de la vida

16 de septiembre

70│ Arriety y el mundo de los diminutos

16 de septiembre

76│ Los tres mosqueteros

30 de septiembre

108Darth Vader, el viaje del héroe

104Entrevista:Stuart Conran

que leer

126 │ Zona Cómic

Clásicos de los 80:Noche de miedo

118

38CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR…Y DEL INTERIOR (de la mente)

62Entrevista:Colin Farrell

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Primera imagen

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Aunque ya se pudieron ver al-gunas imágenes del remake de “Total Recall” dirigida por Paul Verhoeben en 1990, en la pa-sada Comic Con de San Diego, aquí os traemos la primera ima-gen oficial del film.

La nueva versión está diri-gida por Len Wiseman (“Un-derworld”, “La jungla 4.0”) y el reparto está encabezado por Colin Farrell (“Alejandro Mag-no”, “Minority Report”), Kate Beckinsale (“Underworld”, “Van Helsing”) y Jessica Biel (“El equipo A”, “El ilusionis-ta”).

En palabras de su director el film será más fiel al relato cor-to de Philip K. Dick “Podemos recordarlo por usted al por ma-yor” (1966), de lo que era la versión de 1990.

En el año 2084 Douglas Quaid es un hombre corriente que traba-ja como obrero de la construc-ción; un trabajador más que vive su vida atado a su trabajo en la Tierra junto a su espo-sa Lori. Está obsesionado por un sueño recurrente en el que pasea con una bella mujer en Marte. Como su esposa no de-sea ir de vacaciones al Planeta Rojo, ya que está plagado de terroristas, Quaid decide que si no puede ir en persona, lo hará en su imaginación, y decide vi-sitar Memory Call (Rekall en la versión original) una compañía especializada en implantar fal-sos recuerdos. Cuando están intentando implantarle el re-cuerdo, los técnicos de Memory Call descubren que Quaid pare-ce haber sido objeto de un pro-ceso previo de implantación de falsos recuerdos.

PRIMERA IMAGEN OFICIAL DEL REMAKE DE “TOTAL RECALL”

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“The Avengers”Imágenes del rodaje

Aquí os traemos una serie de nuevas imágenes del rodaje de “The Avengers”, en las que podemos ver a Capitán América (Chris Evans) corriendo junto a Ojo de Halcón (Jeremy Renner) y La viuda negra (Scarlett Johansson) ó al dios del Trueno “Thor” (Chris Hemsworth) junto a su malvado hermano “Loki” (Tom Hiddleston).

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F FOR FAKE

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El supertaquillero director JON FAVREAU (Iron Man, Iron Man 2) dirige a DANIEL CRAIG (Casino Ro-yale, Quantum of Solace) y a HA-RRISON FORD (la saga de Indiana Jones, la serie de La guerra de las galaxias) en una esperadísima pe-lícula para el verano de 2011 que mezcla el western clásico con las películas de invasiones alie-nígenas de una manera atrevida y deslumbrantemente original: Cowboys and Aliens.

Junto con un grupo cineastas de élite - STEVEN SPIELBERG (Tibu-rón, E.T.: El extraterrestre, Par-que Jurásico), BRIAN GRAZER (8 Millas, Una mente maravillo-sa, American Gangster) y RON HOWARD (Apolo 13, Una mente

maravillosa, El códigoDa Vinci), así como ALEX KURTZMAN (Star Trek, Transformers) y ROBERTO ORCI (Star Trek, Transformers)—, Favreau ha realizado un tipo de thriller de acción completamente nuevo que llevará a los especta-dores hasta el Salvaje Oeste, en donde un vaquero solitario lidera-rá una revuelta contra un terror que viene de fuera de nuestro planeta.

1875, Territorio de Nuevo México. Un extraño (Craig), sin recuerdos de su pasado llega dando tumbos a un pueblo del desierto. La única pista de su historia es un miste-rioso grillete que le rodea la mu-ñeca. Lo que descubre es que la gente del pueblo no da la bien-

venida a los forasteros, y nadie hace un movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la mano del coronel Do-larhydel (Ford). Es un pueblo que vive en el miedo.

Pero Absolution está a punto de experimentar algo que ape-nas puede comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por merodeadores desde el cie-lo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente inde-fensa, esos misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido hasta ahora.

Ahora, ese desconocido al que

Estreno

Cowboys & aliens2 de septiembre

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rechazaron es su única esperanza para la salvación. A medida que este pistolero comienza lenta-mente a recordar quién es y dónde ha estado, se va dando cuenta de que tiene un secreto que podría darle al pueblo la oportunidad de luchar contra las fuerzas alieníge-nas. Con la ayuda de la esquiva viajera Ella (OLIVIA WILDE: TRON: Legacy, The Change-Up), reúne una tropa formada por antiguos adversarios: la gente del pueblo, Dolarhyde y sus muchachos, y los guerreros apaches, todos en pe-ligro de ser aniquilados. Unidos contra un enemigo común, se preparan para un enfrentamiento épico por la supervivencia.

Junto a Craig, Ford y Wilde, en

este thriller de acción están tam-bién SAM ROCKWELL (Iron Man 2) como Doc, el propietario del salón, y ANA DE LA REGUERA (De culo y cuesta abajo) como su mujer, María, ADAM BEACH (Ban-deras de nuestros padres) como Nat Colorado, la mano derecha de Dolarhyde, PAUL DANO (Pozos de ambición) como Percy, el co-barde hijo de Dolarhyde, CLANCY BROWN (Cadena perpetua) como Meacham, el franco predicador de Absolution, y KEITH CARRA-DINE (Nashville) como el sheriff John Taggart y NOAH RINGER (Air-bender, el último guerrero) como su nieto, Emmett.

El guión de Cowboys and Aliens es de Roberto Orci y Alex Kurtzman

con DAMON LINDELOF (Perdidos) y MARK FERGUS (Hijos de los hom-bres, Iron Man) y HAWK OSTBY (Hi-jos de los hombres, Iron Man), a partir de una historia para la pan-talla de Fergus y Ostby con STEVE OEDEKERK. Se basa en “Cowboys & Aliens” de los estudios Platinum de SCOTT MITCHELL ROSENBERG (Men in Black). Grazer, Howard, Kurtzman, Orci y Rosenberg son los productores.

El experto equipo técnico de Cowboys and Aliens está encabe-zado por el director de fotografía MATTHEW LIBATIQUE (Iron Man, Black Swan), el director artísti-co SCOTT CHAMBLISS (Star Trek, Salt), los editores DAN LEBENTAL (Iron Man, Elf) y JIM MAY (El Equi-

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po A, G.I. Joe: The Rise of Cobra), la diseñadora de vestuario MARY ZOHPRES (Iron Man 2, Valor de ley) y el compositor HARRY GREG-SON-WILLIAMS (Ciudad de ladro-nes, Imparable).

Spielberg, Favreau, DENIS L. STEWART (Iron Man 2), BOBBY CO-HEN (Revolutionary Road, Memo-rias de una geisha), RANDY GREEN-BERG (Dylan Dog: Dead of Night, la inminente Meet the Haunteds) y RYAN KAVANAUGH (Sin límites, la inminente Immortals) son los productores ejecutivos.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓNDestino Manifiesto: Comienza el pro-yecto

La promesa implícita en el títu-lo “Cowboys and Aliens” era tan tentadora que se adquirieron los derechos cinematográficos de la novela gráfica de Scott Mitchell Rosenberg, dueño de Platinum Studios, antes incluso de que se terminara el libro. Era muy su-gerente, tal y como recuerda el productor ejecutivo Steven Spie-lberg: “Yo estaba extrañado de

que nadie hubiera hecho antes algo como esto”.

Las ilustraciones para el cómic hicieron que el productor Ron Howard creyera en ello desde la primera vez que las vio. Lo resu-me así: “Era todo cuanto yo de-seaba y más aún: la versión más genial del Oeste mezclada con unos alienígenas cabrones. Es el Oeste, con todas sus tensiones. Me pareció genial ver a unos per-sonajes que habían estado dispa-rándose unos a otros días antes, y que de repente se ven obligados a intentar sobrevivir juntos”.

La novela gráfica de Rosenberg narraba una terrorífica invasión ambientada en las misteriosas tierras del Oeste de Norteamérica a finales del siglo XIX. Repleta de pistoleros, forajidos y peleas en el saloon, el rudo entorno ofrecía un marco extraordinario para un ata-que extraterrestre contra nuestro planeta. Habiendo terminado la Guerra Civil norteamericana tan sólo diez años antes, las innova-ciones tecnológicas e industriales (desde la bombilla al telégra-fo pasando por los ferrocarriles transcontinentales) compartían su influencia con una violenta ex-pansión de ese joven país. No era raro que en esa época los gana-deros encontraran apaches chiri-cahua en el Territorio de Nuevo México, y dichos encuentros rara vez eran amistosos. Cuando esos clásicos antagonistas se dan cuen-ta de que tienen un enemigo co-mún, sus interacciones pasan de la hostilidad a la cooperación.

En los 14 años transcurridos desde que Rosenberg mostrara por pri-mera vez lo que iba a ser su nove-la gráfica “Cowboys and Aliens”, han sido muchos los que se han enfrentado al rompecabezas de cómo mezclar esos dos géneros tan clásicos en una película. Mark Fergus y Hawk Ostby, guionistas de “Iron Man”, junto con el escri-tor Steve Oedekerk, famoso por su trabajo en “Como Dios”, ela-boraron el argumento cinemato-

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Portada orginal del comic de Scott Mitchell Rosenberg

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gráfico que sería la base para el guión de “Cowboys and Aliens”. Además, Fergus y Ostby compar-ten títulos de crédito en el guión de la película.

Ostby recuerda: “Nos metieron en Cowboys and Aliens justo cuando estaba terminándose el rodaje de Iron Man, y nos ofrecieron la oportunidad de crear un univer-so argumental entero partiendo desde cero. Ya había una novela gráfica, la cual admiramos muchí-simo, pero en vez de en eso deci-dimos inspirarnos en la indeleble ilustración de la portada: un cow-boy a caballo, perseguido por una nave espacial que flota sobre él”. A Fergus le encantó el hecho de que los habitantes del salvaje Oeste no tuvieran una mentali-dad capaz de “procesar lo im-posible”. Y afirma: “Esa imagen, por no mencionar el título, para nosotros lo decía todo. Si se mez-cla el género del western clásico y las películas de invasiones alie-nígenas, los resultados en la gran pantalla pueden ser alucinantes”.

Por supuesto, sus compañeros guionistas habían tenido la mis-ma reacción que tuvo Spielberg ante el material de base. Añade Fergus: “Mientras elaborábamos el primer borrador, nos preguntá-bamos: ‘¿Por qué nadie ha hecho esto antes? Estos dos géneros es-tán hechos el uno para el otro’. Nos imaginábamos la épica gran-deza de Centauros del desierto, de John Ford, mezclada con la magia de Encuentros en la terce-ra fase de Spielberg. Todos y cada uno de los personajes de la obra se corresponden con un arquetipo del western clásico, pero todos intentan también ser personajes únicos y extraordinarios por de-recho propio”.

El proyecto tendría que espe-rar hasta 2008 para empezar a funcionar a plena marcha. Spiel-berg, quien se había reunido an-tes con Howard y Brian Grazer de Imagine, metió en el proyecto a los guionistas y productores Alex Kurtzman y Roberto Orci para de-jarlo listo para su pre-producción.

Junto con Damon Lindelof, rees-cribieron el guión para crear uno vibrante que cumpliera con las expectativas de Imagine, Spiel-berg y Rosenberg para el proyec-to.

Con los supertaquilleros éxitos de películas como “Transformers”, ”Misión: Imposible III” y la rein-vención de “Star Trek” en su ha-ber, Kurtzman y Orci habían de-mostrado más que sobradamente su excepcional valía como narra-dores a gran escala. Lo mismo podría decirse de Lindelof, con su experiencia como productor ejecutivo del fenómeno televisivo de “Perdidos”, y como productor de la película de “Star Trek” con guión de Kurtzman y Orci. Todos estaban deseando trabajar con ese grupo de influyentes cineas-tas a los que tanto habían admi-rado durante años.

Al productor Grazer, ganador de un Óscar, le pareció que finalmen-te los astros se habían conjunta-do para que el equipo hiciera ese

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“Encuentros en la tercera fase”. Steven Spielberg. 1977.

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thriller de acción. “Ron y yo ya habíamos comentado que la cul-tura maya está impregnada de la posibilidad de una visita aliení-gena”, observa. “Nos pareció un punto de partida brillante, y nos preguntábamos: ?¿Por qué no po-dría haber sucedido en el Salva-je Oeste?’ Después de haber leí-do la historia de Scott, supimos que queríamos que la película no fuera paródica, sino más bien un entretenido relato de lo que sucede cuando chocan dos mun-dos muy diferentes. El equipo de guionistas captó perfectamente esa idea”.

Spielberg reflexiona: “Lo que más respeto de Alex y Bob es que querían mantener auténtico este concepto. Han hecho que todo sea real desde el punto de vista de los personajes. Incluso aunque nunca llegaran los alienígenas en esta película, sigue habiendo una historia sensacional de personajes en conflicto en una guerra de ran-gos. Es la que comienza a aflorar a la superficie ya en las primeras escenas de Cowboys and Aliens. Si fueran sólo los cowboys, sería una historia de cowboys condena-damente buena. Y si fueran sólo los alienígenas, sería también por sí misma una historia de alieníge-nas bastante buena, pero cuando se combinan las dos...¡es maravi-lloso!”

“Cuando escuchamos el título, in-mediatamente nos evocó algunos de los títulos favoritos que nos encantaron cuando éramos pe-queños”, afirma Orci. “Nos acor-damos de películas que son de ciencia-ficción en distinto grado y que son sumamente emotivas y entrañables, como E.T., y tam-bién de películas sumamente re-pletas de acción, como Alien, el octavo pasajero. Por la parte de los cowboys, vimos buenas pers-pectivas en películas que nos ha-bían inspirado, como Sin perdón, en donde hay gente que intenta pasar página de un pasado que ha vuelto para torturarles, o que tiene que enfrentarse a crímenes

a los que intentan dejar atrás”. El compañero de Orci en el guión y la producción se sentía igual-mente atraído por el proyecto. Kurtzman recuerda: ”En un mun-do en donde los estudios frecuen-temente andan en busca de gran-des títulos, no hay muchos que destaquen, y para nosotros éste sí que lo hacía. No sólo porque tenga gancho, sino porque ofre-cía la posibilidad de mezclar los dos géneros de una manera que la gente no hubiera visto nunca. Eso nos hizo muchísima ilusión, y supimos que queríamos lanzarnos y hacer un western y una película

de ciencia-ficción a la vez”.

Los dos descubrieron que lo difícil iba a ser encontrar un equilibrio entre los mundos tan dispares del Oeste sin ley y los invasores alienígenas. Sin embargo, como dice Orci, no tardaron mucho en comprender la base racional para la larga gestación del proyecto. “Aunque escuchamos el título y dijimos: ‘¡Hagámosla!’, cuando nos pusimos a escribir nos dimos cuenta de que iba a ser mucho más difícil de lo que pensamos al principio. Sabíamos que tenía que parecer algo orgánico, y que tenía que entrelazarse de manera natural”.

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El choque de géneros le ofrecía a los autores una rica gama de per-sonajes y situaciones arquetípicos con los que jugar. Tomaron los elementos con los que están fa-miliarizados los fans del western y los reinterpretaron bajo el pris-ma de una película de invasiones alienígenas. Kurtzman observa: “Se trataba de rendir homenaje a las formas de expresión concretas de cada género, para luego idear la manera de mezclarlos. En el western, todo el mundo reconoce la figura del hombre sin nombre. Llega al pueblo y todo el mun-

do se pregunta quién será y qué querrá hacer. El toque de ciencia-ficción es que el hombre sin nom-bre lo es porque fue abducido por alienígenas y no recuerda quién es. Tiene que averiguar su identi-dad y enfrentarse cara a cara con su pasado... a la vez que se con-vierte en un héroe para la gente cuyos seres queridos han sido se-cuestrados por los alienígenas”. En julio de 2009, Kurtzman y Orci hicieron lo que para ellos (y para muchos otros cineastas de éxito de su generación) se estaba con-

virtiendo en una peregrinación anual, la visita a la Comic-Con de San Diego. Recién salido del apa-bullante éxito de la primera “Iron Man”, el director Jon Favreau era una de las estrellas de la conven-ción. Además, su trabajo como di-rector, guionista, productor y ac-tor incluía proyectos de películas independientes como “Swingers” y comedias supertaquilleras como “Elfo”. Mientras que Favreau re-gresaba a San Diego para hablar de la secuela de la odisea de su superhéroe, Kurtzman y Orci es-taban presentando las esperadísi-

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Jon Favreau dando instrucciones a DAniel Craig durante el rodaje

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mas adaptaciones de “Star Trek” y “Transformers”, así como “Frin-ge”, una de sus nuevas y emocio-nantes producciones televisivas. Durante la convención, los tres se reunieron en una fiesta.

“Oí hablar del proyecto en la épo-ca en que estaba haciendo Iron Man”, recuerda Favreau. “Pensé que parecía genial, así que cuan-do Alex y Bob me abordaron, leí el guión y firmé el contrato. Era un gran guión, uno verdaderamente absorbente”. Lo que el cineas-ta le aportaría al proyecto iba a ser un enfoque tonal perfecto del material. Quería tomarse en se-rio ambos géneros, y hacer que la historia resultara real tanto para la gente de Absolution como para los espectadores que fueran a ver la película.

De vuelta en Los Ángeles, Favreau resumió sus ideas sobre Cowboys and Aliens en una reunión con Spielberg, Howard y Grazer, y los convenció a todos. “Mi idea era asumir los dos géneros”, explica el director, “y mediante la yuxta-posición de la forma clásica tanto del western como de las películas de invasiones alienígenas crear algo nuevo y emocionante. Creo que la gente está deseando ver algo así”.

A sus productores les pareció que el enfoque único y apasionado de Favreau sobre la fusión de los gé-neros era justo lo que el proyec-to necesitaba. Spielberg resume lo que pensaba de su director el equipo de productores: “Jon ha demostrado su ecléctico enfoque

en estilo y contenido basado en los tenas que elige. Lo que le hace tan sólido es que lo aborda todo mediante un enfoque del com-portamiento. ‘¿Cómo se compor-tarían estos personajes? ¿Cómo puedo conseguir que quede más auténtico?’ Da igual las limitacio-nes que el género le imponga a un director, Jon toma esas limi-taciones y las transforma en tre-mendas ventajas.... basándose en su sólido conocimiento de la in-terpretación y de la dirección de actores y en haber sido autor de grandes obras”.

Para inspirar al equipo, Spielberg organizó una proyección de una nueva versión de “Centauros del desierto” de John Ford. Favreau estaba decidido a extraer los ele-

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mentos que hicieron triunfar a los westerns clásicos, y con Spiel-berg, Grazer y Howard tenía algo con lo que cuentan pocos cineas-tas. “El potente lenguaje visual de Steven es algo con lo que me crié, ha influido en mi trabajo”, explica Favreau. “Así que poder hablar con él en persona y que me ofreciera una lección magistral sobre el western, eso fue genial”. En sus productores, Favreau ha-lló una fuente de conocimientos cinematográficos que siempre estaba a su disposición. “En Hol-Hol-lywood andas mayormente a tien- andas mayormente a tien-tas intentando seguir adelante por tus propios medios”, dice. “Así que es maravilloso poder ha-blar con alguien por quien sientes un profundo respeto. Tener como

mentores a Steven Spielberg, Ron Howard y Brian Grazer a estas al-turas de mi carrera es un lujazo muy bienvenido”.

Kurtzman y Orci concuerdan con las afirmaciones de su director. Resumen ambos: “Encargarnos de esta película desde su concepción hasta su estreno (y no sólo como guionistas, sino como producto-res con gente de la talla de Ste-ven, Ron, Brian y Favreau) ha sido una de las grandes alegrías de nuestra carrera. Nuestra asocia-ción ha sido algo que sólo podía-mos imaginar en nuestros sueños más inalcanzables: compartir un proyecto con unos cineastas apa-sionados, que además resulta que son tus héroes”.

Para el escritor y productor Scott Mitchell Rosenberg, ha sido una gran experiencia ver cómo llega-ba finalmente a la gran pantalla su querida obra. Comenta: “Creé esta obra en el año 1997, cuan-do Platinum era simplemente un letrero de papel pegado en una puerta. Desde que se contrató como director a Jon, éste cap-tó perfectamente el sentimien-to necesario para Cowboys and Aliens. Eso se puede ver en todo lo que ha hecho antes, y cuando te sientas a charlas con él, te das cuenta de que lo tiene”.

Bond se encuentra con Solo: El casting de Cowboys and Aliens

Mientras que Daniel Craig, la es-trella de las películas de acción,

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puede que no sea el primero que a uno se le viene a la cabeza cuando se escuchan las palabras “cowboy norteamericano”, Fa-vreau, quien transformó a Robert Downey Jr. en un superhéroe en “Iron Man”, tiene un don para el casting. Vio algo a la vez familiar y emblemático en el británico que encajaba con el personaje de Jake Lonergan, el forastero soli-tario y amnésico que llega al an-taño próspero pueblo de Absolu-tion justo a tiempo para salvarlo de la aniquilación total.

“Fue el primer miembro del re-parto al que contratamos”, expli-ca el director. “Hablando con él y mirándole, me di cuenta de que tiene una cualidad ruda y atracti-va, al estilo de Steve McQueen”. Aparte de su rudo atractivo, Craig tiene el don de transmitir mucho con pocas palabras. “El lenguaje del western es la acción, no los diálogos”, dice Favreau. “Siem-pre suelo tener un repertorio de diálogos para utilizar en mis pelí-culas, pero aquí había que conse-guir que la acción fuera el diálo-go, ya sea un tiroteo o una pelea a puñetazos. Todo eso forma par-te de la personalidad de Jake, y Daniel es capaz de llevarlo a cabo realmente bien. Dice mucho con sus acciones. Se ve cuándo se ac-tivan sus mecanismos y se enfren-ta a todo”.

Fan desde hace mucho tiempo de “Dos hombres y un destino”, así como de “Alien” y “Blade Run-Blade Run-ner”, a Craig no le parecía que hubiera que esforzarse mucho para mezclar esos dos géneros. Admitiendo que “basó bastante su personaje en los silencios de Clint Eastwood”, Craig se prepa-ró para el papel viendo todos los westerns que pudo. Dice el ac-tor: “Vi muchos westerns de John Wayne, pero mis favoritos son los de los años setenta, películas como Pequeño gran hombre y los llamados westerns sucios, en don-de hay un poco más de realidad”.

Cuando llegó el momento de me-

terse en el personaje, Craig co-menta que le fue mucho más fá-cil convertirse en Jake Lonergan que en otros personajes que ha interpretado. Dice: “El cowboy simplemente sale. Estamos en un desierto, y llevo puestas unas perneras. Llevo una pistola al cinto, llevo puestos el sombrero y las botas de montar, y voy ca-balgando en un caballo. Montaba a caballo todos los días y encima me pagaban por ello, así que es-taba contento a más no poder”.

¿La situación es plausible? Craig piensa que los colonos del siglo XIX y los indios serían lo bastan-te duros como para enfrentarse a seres de otro mundo. Comenta el actor: “La idea es que la super-vivencia deja huella. Esas gentes son muy duras. Son gente de la frontera, y hay tribus de indios de una estirpe muy dura, que han sobrevivido a los del mundo ex-terior y a todo lo que ha querido enviarles la madre naturaleza”.

Uno de los últimos papeles en ad-judicarse fue el del personaje de Harrison Ford, Woodrow Dolar-hyde, el bien hechor de los gana-deros de Absolution... y él único hombre que impide que el pueblo en decadencia y sus habitantes caigan en la miseria económica. Un coronel de la Guerra Civil cuya amargura se hizo crónica des-pués de la sangrienta batalla de Antietam, Dolarhyde es un tirano frío y brutal, y le da su merecido al hombre del que piensa que le robó su oro: Jake Lonergan. Como explica Orci: “Si no fuera por los alienígenas, él sería el malo de la película”.

Aunque Spielberg y Ford tienen una larga relación de trabajo, no se daba por sentado que quisiera incorporarse al proyecto el hom-bre que está inextricablemente vinculado a Indiana Jones y Han Solo. Favreau comenta cómo con-siguió encontrar una identidad diferente para el emblemático actor: “Para mi generación, es como John Wayne. Cuando los

espectadores se sientan en sus asientos, llevan consigo todo lo que han experimentado antes al ver una película. No se puede se-parar al actor de su obra. Recuer-do que vi a Harrison por primera vez como Bob Falfa en American Graffiti, y después por supuesto en La guerra de las galaxias y En busca del arca perdida. Tiene una cualidad pícara. Es siempre en-cantador pero impredecible, nun-ca se sabía qué era lo que iba a hacer. Hay en él una sensación de peligro que pensamos que encaja-ba con este papel”.

Aunque inicialmente se sintió atraído por el proyecto, Ford también se sentía algo escépti-co. Favreau recuerda: ”Empezó a interesarse después de que yo le enseñara algunas ilustraciones y le explicara que nuestro enfoque tenía un tono serio, que no íba-mos a hacerlo como si fuera un chiste. Nuestro objetivo era yux-taponer esas dos formas clásicas para crear algo nuevo y emocio-nante”.

Según admite el mismo Ford, lo que despertó su primer interés por la película fue la parte de los cowboys de la historia. Dice: “Es interesante que aquella gente de 1875 del salvaje Oeste no tenían nuestra experiencia en viajes es-paciales ni nuestros conocimien-tos interplanetarios. Cuando tie-ne lugar la invasión, no tienen ningún contexto para entender lo que está sucediendo. El único contexto posible para ellos es el que les da el párroco del pueblo. Los alienígenas serían probable-mente unos demonios, y siguieron siendo unos demonios durante toda la película”.

Gran amante de la historia, Ford cuenta un poco cómo se cons-truyó su personaje: “El western depende de la realidad que cada hombre es para sí mismo. Estaban en el límite de la frontera y te-nían que depender de sus propios recursos. Los voluntariosos y los fuertes prosperaban. Dolahyde

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es un viejo ranchero, el tipo más rico de la ciudad, y desprecia a los indios. Es un hombre duro que tiene un hijo que no es muy buena persona...por culpa de los privilegios que su padre ha ido acumulando para él. El resultado de su dominante personalidad se expresa a través de ese hijo, que es un chulito y un flojo”.

Además de Jake Lonergan, el otro forastero de la película le aporta más misterio a los habitantes de Absolution y de las tierras circun-dantes. Ella parece la sombra de Jake mientras éste se mueve por el pueblo, pero cuando los cielos

se abren y el terror comienza a caer sobre ellos, sólo ella sabe lo que quiere ese enemigo. Para el papel de Ella, los realizadores buscaron una actriz que encarna-ra tanto el misterio como la du-reza que necesitaría la única mu-jer en una banda reclutada a la fuerza y formada por cowboys e indios.

Olivia Wilde, quien ha sido desde 2007 uno de los pilares de la cé-lebre serie de televisión “House” y que ha venido realizando una carrera cinematográfica cuando no rodaba esa serie, fue contra-tada por la producción antes de

que nadie la hubiera visto en el trailer de “TRON: Legacy”. En aquel momento, los realizado-res no podían estar más seguros de su decisión. “Aparece sólo un instante”, dice Favreau, “pero su actitud y su aspecto (lo atractiva e interesante que resultaba) me hicieron tomar nota. Y no sólo yo, sino que los fans y un montón de gente se quedaron con aquella imagen del trailer y lo notaron. También tiene los pies en el sue-lo, es conmovedora y auténtica, y una persona muy amable y cáli-da. La dicotomía era interesante, y contenía todo lo que queríamos para Ella”.

A la actriz le sedujo el enfoque diferente de los guionistas sobre un personaje que podría haber evolucionado fácilmente hacia la típica damisela en apuros. “Ella me resultó inmediatamente fas-cinante”, recuerda Wilde. “Leí el guión y me encantó. Pensé: ‘Tengo que interpretarla’. En los westerns, los personajes femeni-nos tienden a ser la mujer de la pradera o la vaquera, a menudo muy fuertes y estoicas pero ge-neralmente sin formar parte de la banda, y rara vez tan impor-tantes para la historia como lo es Ella. Tiene un vínculo con Jake y un cierto poder sobre él que na-die más tiene”.

Favreau no sólo se trajo consigo a algunos miembros clave del equi-po técnico de “Iron Man 2”, sino también a algunas de las estrellas de esa película. El casting con-tinuó con Sam Rockwell, quien interpretó a Justin Hammer, el impredecible competidor de Tony Stark en ese taquillazo mundial de 2010. En “Cowboys and Aliens”, Rockwell interpreta a Doc, el pro-pietario del saloon que es como un pulpo en un garaje y que, jun-to a su esposa María, se ha muda-do desde la ciudad al árido y de-sértico pueblo de Absolution para buscarse la vida. Cuando los alie-nígenas secuestran a María, Doc se une a la banda para intentar salvarla de los demonios... aun-

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que no es en absoluto un animoso aventurero”.

Para Rockwell, “Cowboys and Aliens” le recordaba sensacio-nes fascinantes de su infancia. “Me recuerda a las historias que contábamos cuando éramos unos chavales”, confiesa el actor. “Ju-gábamos con nuestros muñecos de cowboys, y entonces cogíamos nuestros dinosaurios, nuestros soldados y nuestros indios y los mezclábamos todos, y hacíamos nuestras películas imaginarias”. Adam Beach se incorporó para in-terpretar a Nat Colorado, el ran-chero de origen indio muy devoto de su inflexible padre adoptivo, el coronel Dolarhyde. Segundo de a bordo del jefe de los ganaderos, Nat se encarga también de cuidar del insolente y engreído vástago del hombre más poderoso de Ab-solution. A Beach, un indio saul-teaux canadiense, le gustó la idea de darle la vuelta a las tornas con este papel. “Nunca antes había interpretado a un cowboy”, dice el actor, criado en la reserva in-dia Dog Creek First Nations Reser-ve del Lago Manitoba. “Siempre he sido el indio, lanzando flechas

y tirando el hacha. Me encantó filmar desde esta otra perspecti-va”.

El papel de Percy Dolarhyde, tai-mado matón e hijo único del hom-bre más rico de la zona, fue para Paul Dano, quien había aparecido previamente como un atribulado predicador junto a Daniel Day-Lewis en “Pozos de ambición”. Dano explica su personaje: “In-terpreto al hijo malcriado, borra-cho e insolente del mayor gana-dero del pueblo. Mi personaje se siente con derecho a actuar como quiera, y así lo hace porque el pueblo no sería nada sin el dinero de su padre. Viendo muchos de los grandes westerns, te das cuenta de que hay muchos grandes pa-peles y muchos grandes actores de carácter. En esta película, me pareció que todo el mundo tenía la oportunidad de aportar algo”. Noah Ringer, quien interpretó al personaje homónimo de la pelícu-la de M. Night Shyamalan “Airben-der, el último guerrero”, consiguió el papel de Emmett Taggart, nie-to del sheriff del pueblo. Cuando su abuelo es abducido, Emmet se une al grupo de cowboys en bus-

ca de sus parientes. El joven ac-tor confiesa: “Emmett es el único chaval de la película, así que es el que expresa la emoción y hace que la sienta el público. Es muy fuerte por dentro, pero también es la persona más pequeña. Crece mucho durante este periplo”.

No hubo ningún problema para incorporar al proyecto a un rico plantel de inconfundibles actores para todos los papeles de Cowboys and Aliens. En la década de 1870, muchos hombres tenían largas barbas, como signo de virilidad, mientras que las mujeres se de-jaban el pelo largo y no se teñían las trenzas. “En la tradición del western clásico”, explica Orci, “no había papeles pequeños, por-que cada personaje era como un alto en el camino de ese género. Sacamos a alguna gente de su retiro para que estuvieran en la película, y terminamos reuniendo un reparto impresionante”.

Completando el reparto princi-pal están RAOUL TRUJILLO, de “Sangre fresca”, como el jefe de los indios apache chiricahua , Cuchillo Negro, ABIGAIL SPENCER de Mad Men como Alice, el amor

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perdido de Jake, DAVID O’HARA de Los Tudor como Pat Dolan, antiguo miembro de la banda de Lonergan, y WALTON GOGGINS de La ley de Raylan y JULIO CESAR CEDILLO de Los tres entierros de Melquíades Estrada como los ban-didos Hunt y Bronc, respectiva-mente. Y finalmente, ¿qué sería de un western sin algún guiño al propio Duque? BRENDAN WAYNE, nieto de John Wayne, se une al reparto como Lyle, el ayudante del sheriff.

Cavernas y Armamento:

Al director artístico Scott Cham-bliss le encargaron la tarea de mantener el equilibrio entre los dos mundos visualmente tan dife-rentes de “Cowboys and Aliens”, y lo logró con sus inconfundibles diseños. “Cuando uno oye el títu-lo”, dice Orci, “es fácil conjurar imágenes de tipos a caballo con fusiles Stetson huyendo al galope de unos platillos volantes. Pero el enfoque de Scott fue fundir esos dos mundos, haciendo referencias subliminales al Viejo Oeste en su diseño de los alienígenas y de su mundo”.

Para mantener la integración de los dos géneros, toda la quinca-llería alienígena, como armas, vehículos, etc. (así como la to-rre alienígena y sus obras) tenía que estar hecha a la medida de la sensibilidad y la imaginación de la gente del siglo XIX. Favreau pidió una ambientación en los umbrales de la Revolución Industrial... una con ferrocarriles, barcos de va-por, telégrafos y máquinas con un montón de piezas en movimien-to. Eso es el futuro, visto desde el punto de vista de finales de la época victoriana.

Inspirándose en las esculturas del artista norteamericano Lee Bon-tecou y en las formas angulosas y abruptas de la arquitectura Bru-talista, la quincallería alienígena está muy lejos de los aparatos de alta tecnología o las asépticas armaduras de gran parte de la

imaginería de la ciencia-ficción. Cruda y siniestramente biológi-cas, las tecnologías de pesadilla de los alienígenas van desde las aeronaves alienígenas con forma de insecto de 10 alas (y que ex-tienden sus largos tentáculos me-tálicos parecidos a látigos para capturar a sus presas) hasta las gigantescas mesas de vivisección, con sus enormes abrazaderas y su decrépita superficie parecida a una piel, con incrustaciones de la sangre de sus víctimas.

Enterrados muy por debajo de la superficie de la Tierra están los seres queridos de Absolution, las víctimas de los alienígenas... y el auténtico motivo del ataque de los alienígenas. Los laberínticos túneles donde los alienígenas ex-traen el valioso recurso que han encontrado, y donde guardan como rehenes a sus especíme-nes humanos, se construyó con el nombre de “plató de la cueva”. Eso equivalía a una serie de espa-cios subterráneos que se corres-pondían con la remota zona deba-jo del desierto de Nuevo México en donde ha aterrizado la nave alienígena, y donde tiene lugar la batalla final.

Después de pasar varios meses preparando las localizaciones en Nuevo México, Chambliss aban-donó al grupo, que siguió filman-do en ese estado, mientras que él regresaba a los estudios 6 y 27 del

complejo de Universal Studios. Allí, él y su equipo pasaron me-ses construyendo dos asombrosos entornos. Chambliss explica así ese plató de más de 6.000 metros cuadrados: “Queríamos que pare-ciera que la cueva está a varios kilómetros bajo tierra y que no se acaba nunca. Esos diminutos tú-neles desembocan en unos espa-cios enormes e imponentes, para luego volverse a cerrar en zonas donde hay que reptar y en donde los alienígenas les hacen cosas in-decibles a sus cautivos humanos”. Además de la serie de túneles por donde corren Jake y Ella para li-berar a los rehenes humanos y poner fin a la invasión alienígena, la caverna incluía la cueva donde los prisioneros son colgados como animales en el matadero... por no mencionar la sala de cirugía en donde los alienígenas llevan a cabo vivisecciones de los huma-nos.

El director artístico encontró una manera innovadora de crear la ilusión de un vasto espacio sub-terráneo para el periplo que ini-cian Jake y Ella tras penetrar en la torre alienígena. Chambliss y su equipo crearon un plató modu-lar...un intrincado rompecabezas de rocas enormes y oscuras y de suelos con piezas intercambiables que se podían colocar en distintas configuraciones para acomodar a los actores y al equipo de filma-ción. Gigantescos “icebergs de

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piedra” que medían hasta 5 me-tros de alto eran izados median-te un sistema de poleas o trans-portados cuando Favreau quería cambiar los platós.

Bajo el plató de la caverna, en el estudio 27, Chambliss elaboró un ambiente muy diferente pero no menos terrorífico para una de las escenas anteriores de la película: el primer encuentro cara a cara con los alienígenas. Para centrar la escena, Jake, Dolarhyde, Ella, Doc, Meacham y el joven Emmett han partido en persecución de sus atacantes. Mientras cabalgan por las altiplanicies del desierto, ven algo raro a lo lejos: un barco de paletas vuelto cabeza abajo. Preocupante, ya que no hay nin-gún río en cientos de kilómetros. Algo ha cogido a ese barco fluvial y lo ha tirado en mitad del desier-to como si fuera un juguete roto. Nuestros héroes buscan refugio contra una tormenta cuando se tropiezan con el barco volcado. A medida que Emmet deambula por la nave explorando los escom-bros, el espacio se va volviendo más amenazador. En ese lugar al

revés, atraviesa un arco y entra en el casino principal. Sus mesas de juego y el piano yacen rotas por los suelos, mientras que las sillas cuelgan de las vigas y unas grandes rocas sobresalen del cas-co. En un rincón, una sombra ace-cha.

Tras documentarse sobre los bar-cos fluviales de la época, los artis-tas conceptuales realizaron algu-nas ilustraciones para mostrar el aspecto que debería tener el bu-que intacto. Comenzando con mo-delos de poliuretano de un barco intacto, los artistas destrozaron el diseño para ver el aspecto que tendría el escenario si un barco hubiera volcado. “Es una combi-nación entre crear algo basado en un objeto real y que es, al mis-mo tiempo, una escultura muy abstracta”, dice Chambliss, “te-niendo a la vez siempre en mente que necesitábamos conseguir que fuera un espacio dinámico y poco corriente para los actores”.

Basándose en los modelos de los artistas, el equipo de Chambliss construyó el armazón del plató

del revés. Con sus ventanas rotas, superficies irregulares y pare-des destrozadas, el barco fluvial incluía algunos trofeos de caza en las paredes, así como espe-jos rotos y lámparas de querose-no. Cuando llegó el momento de montar el escenario, comenzó la diversión. Dice riendo Chambliss: “Teníamos unos muebles precio-sos, mesas de casino, sofisticados candelabros, sillas, pinturas en-marcadas... y entonces tuvimos que destrozarlo todo. Los miem-bros del equipo y yo nos diverti-mos mucho tirando cosas por ahí, pateando esto y destrozando lo de más allá, viendo dónde aterri-zaban y decidiendo qué era lo que funcionaba”.

RUSSELL BOBBITT, encargado de atrezzo de Iron Man y Star Trek, se unió al equipo con el reto de elaborar un mundo del siglo XIX con utillería, desde las armas hasta las botellas de whisky. Él y su equipo mezclaron los trabajos de documentación sobre la época con fantasías de su invención para crear una batería de elementos de atrezzo de tres mundos dife-rentes pero convergentes.

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Ella le dice a Dolarhyde y a Cu-chillo Negro, el jefe apache chi-ricaua, que, independientemente de la historia sucedida entre los indios y los hombres blancos, tie-nen que unirse para luchar contra un enemigo común. Los chiricaua son una fuerza formidable que se une a una ya de por sí insóli-ta alianza de cowboys, cuatreros y barones del ganado para luchar contra los alienígenas. Histórica-mente, esa tribu fue una de las úl-timas tribus indias resistentes que lucharon contra las incursiones en sus tierras. Su terca resistencia a la colonización blanca les llevó prácticamente a la extinción, de-jando tras ellos pocos datos sobre su forma de vida.

Los pocos registros escritos o fo-tográficos de los chiricauas se crearon años después de la épo-ca en la que se desarrolla nuestra historia, y a menudo resultaban poco fiables. Los sujetos de las fotos tomadas casi en tiempo real tenían por lo general una pose muy elaborada creada por fotó-grafos europeos, quienes cambia-ban sus ropas y los objetos que portaban para que encajaran con la imagen que los blancos tenían

de los indios y de lo que pensaban que debían representar los indios. Lo que está claro es que los apa-ches eran guerreros diestros y bien armados. Utilizaban sus arcos y sus flechas, hachas y escudos con una precisión increíble, y conse-guían rifles y pistolas mediante tratos con los colonos europeos o robándoselos. Bobbitt y su equi-po colaboraron estrechamente con los asesores técnicos apaches en el tema del armamento tradi-cional, desde letales garrotes y piedras talladas a lanzas, pasan-do por escudos hechos de varias capas de cuero crudo entretejidas alrededor de un armazón y luego puestos a secar hasta que se vol-vían duros como piedras.

Bobbitt explica: ”Aprendimos las clases de plumas que hay que usar (pavo), la longitud que tie-nen que tener los arcos (nunca más de un metro ni menos de 75 centímetros), y todo, desde las lanzas hasta los carcaj, se hizo correctamente bajo la supervi-sión de nuestros asesores”.

OLIVER ENJADY, asesor técnico apache, y asesores de los apaches mescaleros llegaron incluso a pin-

tar para el equipo de Favreau va-rios escudos utilizados durante la ceremonia de la danza guerrera. Recuerda Enjady: “”Les dije que los dibujos no eran apaches, y fueron y me trajeron un poco de pintura. Saqué a cuatro hombres del grupo, y pintamos los escudos que aparecen en la película”.

Como Nuevo México está lleno de historia del antiguo Oeste, equi-par a los cowboys y colonos de la película fue una labor mucho más fácil. La pequeña Biblia que lee Meacham después de que los alienígenas ataquen al pueblo es realmente un ejemplar antiguo de alrededor de 1860. Bobbitt y su equipo tuvieron la suerte de encontrar a un herrero local que utilizaba herramientas de aquella época (forjadas en un horno cons-truido por el propio herrero) para fabricar las chapas del sheriff Taggart y sus ayudantes. Además, el equipo encontró a uno de los pocos fabricantes de daguerroti-pos en activo para que creara la misteriosa fotografía de Alice que Jake descubre oculta en su som-brero.

Aparte de su sombrero y su caba-

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llo, la pistola de un cowboy es su más preciada posesión. El coronel Woodrow Dolarhyde es uno de los pocos hombres ricos de nuestra historia y su arma, un Colt Uberti del ejército de 1873, su ricamen-te adornada funda y sus cartuche-ras reflejan su historia y su posi-ción social.

THELL REED, un pistolero de wes-terns y uno de los mejores entre-nadores en armamento de Ho-llywood, colaboró estrechamente con los actores en las semanas anteriores al rodaje. Reed no sólo les enseñó a manejar sus armas de época, sino que también les ense-ñó algunas de las florituras carac-terísticas del uso de las armas en los westerns. “Thell les enseñó a voltear el arma, a apretar correc-tamente el gatillo”, dice Bobbitt, “y les enseñó algunos movimien-tos alucinantes, como por ejem-plo a poner de nuevo derecha el arma antes de volver a enfundar-la en la cartuchera”.

Mientras que el Colt con mango de nácar encajaba perfectamente con un coronel retirado y además acaudalado ganadero, Jake des-pierta al principio de la película sin pistola. Eso no está bien, así

que les quita un arma a los tres hombres que caen sobre él en el desierto... y al final termina con un Colt Navy de 1851 que le quita a un chófer de diligencia muerto. Sin embargo, para Jake no es una pistola, sino la extraña pulsera de metal que lleva en una muñeca la que se convierte en su arma más característica (y más letal).

El “detonador” es el nombre que el grupo le dio al grueso brazalete de metal que nuestro héroe en-cuentra en su muñeca cuando se despierta al principio de la histo-ria. Durante el letal ataque de los alienígenas contra Absolution, la banda de metal se transforma, y Jake (y también todos los demás) se da cuenta de que tiene el arma más poderosa para protegerles frente al ataque alienígena. Crear esa pieza futurista sujeta al brazo de Jake les planteó a los realiza-dores un gran reto de diseño.

“Queríamos un objeto que no hi-ciera que todo el mundo se parara a mirar cuando lo viera”, explica Bobbitt, “así que se diseñó para que pareciera algo que les pudie-ra resultar familiar, una especie de esposas, algo que podría ha-berse utilizado para apresarle”.

Al igual que muchos de los ele-mentos alienígenas de la pelícu-la, el detonador es una mezcla de documentación histórica e in-vención fantástica. Con su bruñi-da superficie de acero marrón y un mecanismo parecido al de un reloj, se hizo con la intención de que pareciera algo que se pudie-ra encontrar en el Oeste en 1875. Aunque algunos de los movimien-tos del arma han sido retocados con gráficos por ordenador, gran parte de ella (con sus luces y sus piezas en movimiento) es real. Se necesitaron duplicados de las armas, sobre todo de las viejas pistolas, para el rodaje, pero se crearon en total más de 30 deto-nadores para adaptarlos a distin-tos tipos de escenas, de acción y de meteorología.

Apaches chiricaua: Aprendiendo de la historia Los indios norteamericanos des-critos en la historia son los apa-ches chiricaua, quienes hacia 1886 contaban tan sólo con menos de tres docenas de hombres, mu-jeres y niños. Sin embargo, bajo el mando de Jerónimo, ese pe-queño grupo opuso una de las más fieras resistencias a la continuas

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incursiones de los mejicanos y los estadounidenses en sus tierras. Los que no fueron asesinados fue-ron deportados a la fuerza de sus tierras, y realojados o encarcela-dos en la otra punta del país, don-de muchos de ellos perecieron. Para “Cowboys and Aliens”, los realizadores querían que la repre-sentación de los indios norteame-ricanos fuera histórica y cultural-mente lo más ajustada posible. Para conseguir información sobre los chiricaua, recurrieron a SCO-TT RUSHFORTH, un erudito de la Universidad Estatal de Nuevo Mé-xico, y a Oliver Enjady, un apache de la reserva de los apaches mes-caleros.

Los realizadores sabían que que-rían que sus interpretaciones fueran respetuosas y auténticas. Rushforth, que asesoró a los pro-ductores Grazer y Howard en Des-apariciones, y Enjady fueron un recurso valiosísimo para la pro-ducción. Los asesores ofrecían su consejo para todo, desde las ceremonias tradicionales de los

indios hasta los atuendos locales y los wikis, las chozas de paja que construían las mujeres chiri-caua a base de matojos, hojas y ramitas. Se les consultaba acerca de todo, desde el guión hasta el plató, la utillería y el diseño del vestuario... hasta el tipo de ca-ballo para los indios. Asesoraron sobre las sutilezas de la danza de la guerra y el canto de la canción en el wiki cuando Jake toma un remedio medicinal para recordar quién es y qué es lo que le ha pa-sado. Esa canción pertenece a los mescaleros, y está interpretada por ellos.

Enjady era el enlace principal entre los mescaleros y la produc-ción, y éste sentía que su respon-sabilidad hacia esa gente pasaba por asegurarse de que la repre-sentación cinematográfica que se hiciera de ellos fuera lo más exac-ta posible. De hecho, además de los mescaleros que trajo para que hicieran de extras o bailaran en la película, también se trajo a cua-tro chamanes o líderes tribales. La ceremonia de la danza de la

guerra, con los actores y docenas de mescaleros cantando y bailan-do alrededor del fuego, se rodó en el transcurso de varias noches en el desierto de Nuevo México. Los mescaleros diseñaron la cere-monia, los bailes y las canciones. Aunque es una ceremonia som-bría, tanto la música como el bai-le son muy vivaces.

Rushforth y Enjady también di-rigen Ndé Bizaa, el programa de la lengua apache-mescalero que trabaja para mantener vivos su lenguaje y su cultura. Raoul Tru-jillo, el actor contratado para in-terpretar al jefe Cuchillo Negro, es un apache de verdad, pero no hablaba ese idioma cuando co-menzó la producción. Trujillo tra-bajó incansablemente con archi-vos digitales de sonido que habían creado Enjady y Rushforth para perfeccionar su dicción y su acen-to. Comenta Enjady: “Se ocupó realmente de hacerlo bien”.

La ayuda de Enjady abarcaba to-dos los aspectos del personaje del jefe Cuchillo Negro. “Ayudó

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a elaborar el personaje, y lo que tiene que encarnar el jefe”, co-menta Trujillo. “Cada vez que yo iba a entrar en una escena, tenía en mi cabeza una lista de aspec-tos del personaje que Oliver me había dado, y que le vinculaban con la armonía, el equilibrio, la confianza y la benevolencia. Hice que eso impregnara mi cuerpo y mi interpretación”.

“Me siento muy honrado de que lo que aportamos haya ayudado al proyecto”, dice Enjady. Él y Rushforth se sintieron muy com-placidos cuando vieron cómo al-gunas de sus primeras sugerencias sobre ciertos cambios en el guión cobraban vida ante las cámaras. En pre-producción, Enjady y Rus-hforth mantuvieron conversacio-nes con los realizadores acerca de cómo debía interactuar Ella con los apaches cuando ella, Jake, Dolarhyde y los otros son hechos prisioneros por los indios. Sugi-rieron que, para mantenerse a tono con su carácter, ella revela-se que hablaba apache, e incluso le dieron a los realizadores algu-nas frases que ella podría decir. “Creí que estaba olvidado”, dice

Enjady sobre las conversaciones que habían mantenido meses an-tes, “y entonces, de repente, ella estaba diciendo todas las frases que pensábamos que tenía que decir”.

Además de invitar a los mescale-ros del sur de Nuevo México, la producción contrató indios proce-dentes de todo EEUU. Descubrie-ron que era bastante difícil con-seguir gente capaz de montar un caballo a pelo a todo galope por el medio del desierto, y después de un largo proceso de casting, quedaron representadas muchas naciones indias de Norteamérica.

Nuevo México, 1875: Localizaciones y Rodaje

El lugar donde aterriza el ejército de hostiles invasores en Cowboys and Aliens es el Territorio de Nue-vo México alrededor de 1875. La Guerra Civil norteamericana ha terminado hace poco, y en el Oes-te del país tenían lugar sangrien-tas batallas al enfrentarse los na-vajos, los apaches y otros indios norteamericanos a la expansión de los colonos hacia sus tierras.

La tensión iba en aumento entre los colonos. La incertidumbre, el temor y la desconfianza reinaban en el país.

Más que una simple localización, el Salvaje Oeste norteamericano es un paisaje emblemático, un vasto terreno que se ha conver-tido en una parte tan grande de la historia cinematográfica como la propia historia norteamerica-na. Lugares como Monument Va-lley, El Álamo o Dodge City están grabados en las mentes de los cinéfilos. Teniendo en mente el trasfondo histórico del Oeste, los realizadores buscaron una loca-lización para hacer la suya, una que pudiera acogerlo todo, desde el primer enfrentamiento con los alienígenas en un pueblecito, has-ta las largas persecuciones a toda velocidad a lomos de caballo. Encontraron eso y más en Nuevo México, el lugar ideal para que el director de fotografía Matthew Libatique filmara la idea de Fa-vreau.

El antaño pujante y vibrante pue-blo de Absolution apenas es una sombra de lo que fue. Todas las

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oportunidades que atrajeron a la gente al Oeste se han esfumado, y la vida transcurre entre un saloon en donde pueden ahogar las pe-nas y la cárcel, el último reducto frente a la anarquía total. Todas las escenas que tienen lugar en el polvoriento pueblo del Oeste fue-ron rodadas al suroeste de Santa Fe, en el rancho Bonanza Creek, un rancho ganadero en activo que abarca un par de miles de hectá-reas.

“Allí había las ruinas de un pue-blo, y construimos Absolution sobre ellas”, dice Orci del plató de exteriores. De hecho, y como puede atestiguar el actor que interpreta al sheriff Taggart, los westerns han hecho de esa parte de Nuevo México su hogar desde hace años. Keith Carradine hizo una de sus primeras películas (un western llamado El gran duelo y protagonizado por Kirk Douglas y Johnny Cash) a un par de kilóme-tros de Bonanza Creek en 1970.

Fue en el rancho Bonanza Creek en donde la productora rodó las

primeras escenas de Cowboys and Aliens, incluido el ataque contra el pueblo. El equipo de Favreau trabajó por la noche y seis días a la semana para crear las escenas que luego proyectarían ante una multitud entusiasta en la Comic-Con de julio de 2010

La producción estableció su cuar-tel general en Santa Fe, capital del estado, mientras que el equi-po técnico y los actores estuvie-ron filmando durante tres meses a lo largo de miles de hectáreas de tierra al norte de Nuevo México. Aprovecharon el impresionante y variado paisaje, desde estrechos arroyos encajonados en cañones con peñascos de basalto de 100 metros de alto a cada lado, hasta grandes franjas de terreno abier-to cubiertas de artemisa y otros arbustos del desierto.

Con sus grandes extensiones de suaves dehesas en las afueras del desierto, el rancho San Cris-tóbal, a unos 50 kilómetros al sur de Santa Fe, fue donde se roda-ron algunas de las escenas cla-

ves de la película. Allí, el equipo rodó el campamento de la banda donde Jake tiene una tensa reu-nión con su antigua partida, y el campamento apache donde Jake, Dolarhyde, Ella, Doc, Nat y Em-mett son hechos prisioneros por los indios. Sus enormes espacios abiertos ofrecieron también el escenario para algunas partes de la persecución a toda velocidad entre nuestros héroes a caballo y las aeronaves alienígenas volando justo encima de ellos.

Además de los impresionantes paisajes de San Cristóbal, el Pue-blo Santa Clara, las orillas del Río Grande, el lago Abiquiu y las roji-zas colinas de arenisca a lo largo del sendero de Kitchen Mesa en el Rancho Ghost, había localizacio-nes en Nuevo México que parecían hechas a medida para un western en donde atacan unos invasores alienígenas. Con sus extrañamen-te bellas formaciones rocosas, Plaza Blanca fue uno de esos lu-gares que ofrecieron el escenario ideal para el enfrentamiento final dela historia.

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Plaza Blanca está en un pequeño valle dentro de una finca priva-da en las colinas de valle del Río Chama, al norte del estado. Du-rante miles de años, los elemen-tos han venido tallando las colinas de arenisca blanca hasta conver-tirlas en unas agujas tremendas que se alzan a más de cien metros a ambos lados del arroyo. Es ahí donde nuestro héroe se tropieza con una extraña estructura de metal de unos 25 metros de altu-ra, el hogar temporal de los seres extraterrestres a quienes han ve-nido a aniquilar.

Rodar en ese estrecho valle re-quirió una coordinación estricta para un grupo de más de 200 per-sonas... sin mencionar los más de 50 trailers, camiones y caravanas. Además de ocultar todos los vehí-culos y equipamientos de la vista de las cámaras de Libatique, el director de fotografía, al equipo se le pidió que redactara un plan de evacuación detallado que sa-case a todo el mundo de la zona en cuestión de minutos en caso de

inundación repentina. El plan de contingencia no fue una labor inútil. Tan sólo unas se-manas antes de que el equipo lle-gara a rodar a Plaza Blanca, el de-partamento de vegetación estuvo preparando la zona para introdu-cir temporalmente árboles y ar-bustos autóctonos para decorar el arenoso valle. En unos pocos mi-nutos, una tormenta se abalanzó sobre ellos. A los encargados de la vegetación les habían dicho que se subieran inmediatamente a las zonas altas en caso de tormenta. Fue una decisión inteligente, ya que en cuestión de 10 minutos el fondo del valle era literalmente un río rugiente, que se llevó con-sigo todos los decorados del equi-po con un torrente de agua.

Una vez que el equipo hubo termi-nado el rodaje en Nuevo México, volvieron todos a Los Ángeles. Allí continuó el trabajo en estudio en el plató de exteriores de Univer-sal Studios, utilizando múltiples estudios para el mundo subterrá-neo de los alienígenas y para el plató del barco fluvial, así como

para las hectáreas de terreno que remedarían los territorios del Su-roeste.

Los alienígenas se encuen-tran con los cowboys: El diseño de las criaturas

Incluso teniendo la más sofistica-da tecnología de generación de imágenes por ordenador a su dis-posición, los pensamientos de los realizadores se volvían una y otra vez hacia las películas clásicas de invasiones alienígenas que habían visto en su infancia. La tecnolo-gía cinematográfica ha avanzado rápidamente en los 34 años trans-curridos desde que Spielberg lle-vase a sus criaturas a la pantalla en Encuentros en la tercera fase, y las posibilidades para los cineas-tas han aumentado exponencial-mente.

Favreau se preguntaba si en ese proceso no se habría perdido par-te de la dimensión subconsciente del género. “Hay una cierta in-temporalidad en la forma en la

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que se presenta Encuentros en la tercera fase”, dice, “cierta cua-lidad desconocida de los aliení-genas. Hemos tomado prestadas muchas descripciones clásicas de alienígenas, y se les ve a través de los ojos de nuestros protago-nistas... se les ve fugazmente. Acuérdate de Predator, acuérda-te de Alien: esa es la imagen que tenemos de los alienígenas. Son peligrosos, está claro, tienen una tecnología mucho más avanzada, y sin embargo tienen una brutali-dad muy primitiva”.

El deseo del equipo de crear sus-pense y terror se extendía tanto a la creación como a la revelación de los antagonistas de la película. “Queríamos jugar a los mismos juegos a los que jugábamos antes de que hubiera efectos generados por ordenador”, dice el director, “utilizar el miedo, las tinieblas y la imaginación cuando aparece el alienígena, hacer que se desa-rrollara de una forma que tuviera cierta elegancia”.

Una vez más, recurrió a las pelí-

culas de su juventud en busca de inspiración. “Buscábamos la es-tética, las sensaciones y el tono de películas de antes de los efec-tos digitales como Encuentros en la tercera fase, Predator, Alien. Esas películas jugaban con la mente, son películas donde hay una interacción entre los espec-tadores y el realizador, y eso pre-cisamente forma parte del hecho de contar una buena historia de monstruos”.

Dice Favreau de su inspiración: “Ha sido impresionante ponerse en la piel de Steven Spielberg y preguntarse: ‘¿Cómo se puede utilizar la tecnología actual para ofrecer la imaginería y las sen-saciones que yo sentí con tanta fuerza cuando vi Encuentros en la tercera fase?’ Hay una fuer-za sobrenatural e inefable que aparece. Y, aún con lo buenos que son los efectos especiales de Parque Jurásico, me acuerdo de aquel vaso de agua en el salpica-dero del coche. Depende de cómo presentes el suceso, de cómo lo construyas cuando ese dinosau-

rio se acerca y solamente se ve el agua que ondula. Así que la primera vez que nos encontramos con los alienígenas es dentro de unos parámetros nocturnos en ese pueblecito del Suroeste, y está a punto de haber una refriega. Es-tán nuestros protagonistas, y len-tamente, el horizonte comienza a iluminarse. Antes de que puedan reaccionar, los alienígenas están sobre ellos, destruyendo el pue-blo y capturando a la gente”.

Para diseñar y construir a los alie-nígenas, la productora recurrió a SHANE MAHAN, director del Stan Winston Studio, y a su compañía, Legacy Effects. En menos de dos semanas, su equipo había dibuja-do 50 diseños para los realizado-res.

Además de crear un sucesor de algunas de las otras criaturas ci-nematográficas de Mahan, ya sea la Reina Alienígena o el Predator, el equipo se propuso crear una criatura que fuera única tanto en su diseño como en su mecanismo. “No es solamente algo que no se

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ha visto nunca”, explica Mahan, “sino que además intentamos construir algo que fuera innova-dor a nivel mecánico, y algo que la gente no se pueda ni imagi-nar”.

Su alienígena (en parte insecto, en parte anfibio, en parte animal marino) era claramente diferente de sus predecesores. En lugar de crear simplemente un traje para que alguien se lo pusiera, Mahan creó un conjunto de equipos com-plejos y multifuncionales con pie-zas intercambiables. El resultado fue un impresionante monstruo de casi tres metros de altura con una cabeza manejada por control remoto, una cara completamente articulada y unos brazos horrible-

mente malformados que sobresa-len de su torso durante algunos de sus encuentros más perturba-dores con los humanos. “Es una de las obras orgánicas más sofistica-das a nivel técnico que he hecho en mucho tiempo”, dice Mahan. Cuando nuestros héroes buscan guarecerse de la lluviosa noche en el barco fluvial volcado que ha aparecido misteriosamente en el desierto, la curiosidad impulsa a Emmett a echar un vistazo. Vaga-bundea por un espacio cada vez más opresivo, oye algo y se queda quieto, y de repente, está frente a frente con un alienígena. Su ho-rrible cabeza se inclina hasta que el monstruo y el humano se miran a los ojos.

Sobre el diseño, Mahan recuerda: “Steven dijo que la cara del alie-nígena debía tener personalidad, unos ojos, una boca y un entrece-jo reconocibles, algo con lo que la gente se pudiera identificar”. Escondidas dentro de la cabe-za multicanal de control remoto hay varias sorpresas. “A la hora de diseñar una criatura, hay que mantener la atención de los es-pectadores. Hay que incluir mu-chas revelaciones”. Al principio, el alienígena muestra curiosidad, buscando la cara de Emmett, exa-minándole de la misma manera en que uno examinaría a un insecto que se acaba de encontrar. Pero luego, en un instante, se transfor-ma. Sus ojos sobresalen, y abre la boca para mostrar unas espanto-sas filas de dientes como agujas y una baba pastosa.

Como explica Mahan, hay muchas ventajas en tener criaturas físicas con las que trabajar en lugar de basarse exclusivamente en seres que se añaden por ordenador. “Hay una ventaja psicológica en el hecho de ver algo que ha sido fotografiado realmente. Está cho-rreando, y hace unas cosas raras. La gente reacciona de verdad ante eso, y se puede sentir esa intimidad. Eso contribuye a darle credibilidad al trabajo digital que viene después”.

Para complementar el trabajo del equipo de efectos visuales estaba Industrial Light & Magic, de Lucasfilm. Bajo la supervisión de ROGER GUYETT, supervisor de efectos especiales con diversos premios en su haber, este grupo se llevó la parte del león en cuanto a los efectos visuales y la animación del proyecto. Equipos de élite de The Embassy Visual Effects, Ghost FX, Fuel VFX, The Garage VFX y Shade FX crearon efectos visua-les adicionales en Cowboys and Aliens. New Deal Studios y Kerner Optical fabricaron modelos y mi-niaturas y aportaron efectos es-peciales a la producción.

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¿Cúal fue tu primera impresión del proyecto cuando escuchaste Cowboys and aliens?

Bueno leí 30 páginas, y luego lo tire al extremo del cuarto y llamé a mi agente y le dije, “No lo en-tiendo. Quiero decir, que no hay nada para mí. ¿Por qué me pides que haga esto?”. Y él dijo, “Ten un poco de fe. Esta es la nueva forma en la que el mundo fun-ciona. Eres una persona mayor. Es posible que no entiendas cómo funcionan las cosas. Lee, lee el resto del guión.” Así que leí el resto del guión. Y dije. “No lo entiendo. Aquí no hay nada para mí.” Y, luego dije, “¿Por qué no voy a ver a Jon Favreau?” Así que fui a verlo para hablar de la pelí-cula, porque evidentemente esto es algo que no he hecho antes. Por mucho que haya sido parte de lo que llaman películas de ciencia ficción, siempre las habia abor-dado como si fueran un cuento de hadas. No había pensado real-mente sobre las cosas de ciencia ficción. Así que Jon me convenció de que había una historia huma-na que era tan importante como cualquiera de los otros elementos de la película. Y fue esa oportu-nidad, y la oportunidad de traba-jar con alguien que parecía ser inteligente, colaborador y tenía detalles sobre la oportunidad de narrar esta historia.

¿Qué es lo que más le interesó de Cowboys and aliens?

Lo que más me interesaba since-ramente era la parte de la historia de los cowboys y afortunadamen-te es el componente principal. Sí son cowboys y aliens, pero cuan-do aparecen los extraterrestres y empieza la acción, vuelve a ser inteligentemente una película de vaqueros. Por eso resulta fresca.

Lo interesante de esta gente, en el año 1875, en el antiguo Oeste, no tenían nuestra experiencia con viajes espaciales y entendimien-to planetario. Cuando esto suce-de, carecen de un contexto para entender lo que está pasando. El único contexto posible es el que les ofrece el predicador del pue-blo. Son posiblemente, demonios, y siguen siendo demonios durante toda la película.

Tiene sentido porque es una opor-tunidad de aprovechar la huma-nidad del western, su naturaleza elemental y su conexión e impor-tancia en la cultura americana. Y añadirle intereses contemporá-neos y la oportunidad de rodar un western con un estilo cinemato-gráfico contemporáneo.

¿Conocías a Daniel Craing antes de trabajar con él en Cowboys and aliens?

No conocía a Daniel. Conocía su trabajo y me impresionaba. Tan-

to como protagonista como en otros papeles que ha hecho y que son realmente impresionantes. Estaba encantado de tener esta oportunidad de trabajar con él y ha resultado ser una persona muy generosa en el trabajo. Extre-madamente capaz, muy serio en su trabajo y muy divertido como amigo.

¿Qué tal es Jon Favreau como di-rector?

Jon es, sobre todo, un actor, así es como se hizo camino en la in-dustria del cine y, como actor, es muy sensible y específico. Tiene un gran sentido de la historia que hace entender muy bien que cada elemento es una pieza de la histo-ria en su conjunto.

¿Cómo ha sido interpretar su per-sonaje?

La oportunidad de interpretar a un personaje como Woodrow Do-larhyde, que no se disculpa por sus debilidades, es muy satisfac-torio en este punto de mi carre-ra. Es un personaje muy bien articulado, con la posibilidad de ser aún más interesante a lo largo del proceso. Estos profesionales tenían la ambición de hacer que el personaje fuera más interesan-te de lo que ya me pareció en el guión. El personaje me engan-chó, la oportunidad de interpre-tar a un personaje distinto de los que he hecho en el pasado.

ENTREVISTA

HARRISON FORD

JON ME CONVENCIÓ DE QUE HABIA UNA HISTORIA HUMANA QUE ERA TAN

IMPORTANTE COMO CUALQUIERA DE LOS OTROS ELEMENTOS DE LA PELÍCULA

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Los alienígenas son un recurso que ha dado mucho juego en el cine y en la televisión, regalándonos criaturas excepcionales venidas del espacio exterior y del inte-rior de la mente, muchas de ellas con intenciones poco amigables que se pueden adivinar sólo con ver su aspecto. En cambio, otros han llegado a nuestro planeta con objeto de conocer más a la raza humana, nuestras costumbres e incluso quedarse aquí a vivir. Pa-rece ser que vivimos en un buen sitio, incluso con la enorme can-tidad de planetas con que cuen-ta el universo. Aprovechando el inminente estreno de la película “Cowboys & Aliens” hacemos un pequeño homenaje a esas fantás-ticas criaturas surgidas de la ima-ginación de unos cuantos hombres y mujeres dispuestos a jugar con nuestros miedos y nuestros sen-timientos, dándonos personajes inolvidables que se quedan gra-bados en nuestra retina y, a ve-ces, en nuestro subconsciente. A la mente nos viene el genial Or-son Welles y la adaptación de la obra “La guerra de los mundos” de H.G. Wells, una fábula que inspiró tensión y miedo en el año 1938. Su difusión en radio provocó que una gran parte de la población creye-ra que los extraterrestres habían llegado a la Tierra, y no preci-samente en son de paz. En gran medida supuso la primera piedra

en este entramado de películas y series que han llegado posterior-mente, y un magnífico ejemplo de cómo el ser humano tiene miedo a todo lo que le es desconocido; es decir, a todo lo que vaya más allá de uno mismo. Tenemos tam-bién la obra de Robert Wise “Ul-timátum a la tierra”, estrenada en 1951, en donde el extraterres-tre Klaatu era enviado a la Tierra para alertar a los humanos del peligro que suponemos para nues-tro propio planeta. En contrapo-sición de lo establecido, Klaatu era un ser benévolo que nos aler-taba de lo que éramos capaces de hacer. Película con un Globo de Oro honorífico por promover el entendimiento internacional. Más tarde vendría la película “La guerra de los mundos”, de Byron Haskin en 1953, reinterpretación, esta vez visual, de la obra de Wells en donde se seguía mante-niendo el espíritu de la original, con los alienígenas mitad araña mitad calamar invadiendo la Tie-rra para destruirla y colonizarla. Le seguirían en esa época las pe-lículas “Planeta Prohibido” (Fred M. Wilcox, 1956), en donde un joven Leslie Nielsen (sí, el mismo de Agárralo como puedas) lidera-ba una expedición enviada desde la Tierra al planeta Altair IV para descubrir lo que había ocurrido con una anterior, de la que solo quedan dos supervivientes, el

doctor Morbius y su hija Altaira, acompañados de su robot domés-tico, Robby. El carismático robot llegó a robar protagonismo a los actores y se colaría en otras pro-ducciones a modo de guiño, como en “Gremlins” y “Star Wars: Epi-sodio I”. Le seguirían “La inva-sión de los ladrones de cuerpos” (Don Siegel, 1956), donde se con-taba en una invasión alienígena en la que esporas provenientes del espacio crean vainas para hacer copias idénticas de los se-res humanos. Un recurso que se utilizó en más de una película, y que sirvió de inspiración para otras producciones posteriores.. En 1968 se estrenó una de las obras más aclamadas en la his-toria del cine: ”2001: Una odi-sea en el espacio”, el primer film de ciencia ficción “adulto” de la historia del cine que reinventó el género al alejarlo de los pa-rámetros paranoides e ingenuos que lo habían caracterizado en la década de los cincuenta, que encumbró a su director Staley Kubrick como uno de los mejores realizadores de todos los tiem-pos y que nos legó el imponente monolito, el enigmático motor de la evolución humana que escapa a todo intento de interpretación (¿objeto extraterrestre o divi-no?), parodiado en series como “Los Simpsons” o “Futurama”.

CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR…

Y DEL INTERIOR (de la mente)

Por Christian Arza

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Sin duda, llegamos a la época que marcaría un antes y un después en lo que se refiere a alienígenas en pantalla, los años 70. En 1977, el gran George Lucas inició su pe-riplo galáctico con “Star Wars: Episodio IV”. Todo un universo para explorar y compartir desde los ojos de un muchacho humano, procedente de un planeta muy, muy lejano, que debe abandonar para convertirse en la nueva es-peranza de un sistema corrompi-do y tiránico. El señor Lucas creó y desarrolló un trabajo titánico, al que aún le saca beneficios, todo sea dicho, para contarnos la eterna historia de la lucha entre el Bien y el Mal, desde el punto de vista humano pero con todo un sinfín de personajes alieníge-nas (Jabba, Chewbacca, los mo-radores de las arenas) y criaturas extrañas (esos burros blancos del planeta Hoth) que acompañan al joven Luke Skywalker en su viaje. Película de culto para muchos y sobrevalorada para otros, inven-tó el concepto de merchandising, otorgó protagonismo a los efec-tos especiales y convirtió rápida-mente a sus personajes en iconos de la cultura popular occiden-tal. Le seguiría Steven Spielberg, otro rey Midas de Hollywood, en 1977, con su “Encuentros en

la tercera fase” en donde un enorme ovni hacía migas musi-cales con los seres humanos. Un tema, el ser de otro planeta, que Spielberg revisitaría en mu-chos de sus trabajos posteriores. En 1978, se estrenó “La invasión de los ultracuerpos” de Phillip Kaufman, el espléndido remake de la anteriormente citada “La inva-sión de los ladrones de cuerpos”.El final de los 70 nos trajo diferen-tes versiones de alienígenas, unos con malas intenciones y otros con buenas, como en el caso de “Su-perman” de Richard Donner, don-de un alienígena de otro planeta, Kal-El, era enviado a la Tierra para salvarle de la destrucción de su planeta natal y que aquí se con-vertía en héroe mundial e icono de una sociedad que necesitaba una esperanza. La contrapartida vino de la mano de Ridley Scott con su “Alien, el octavo pasajero”, de 1979, donde la nave Nostromo, con la teniente Ripley (Sigourney Weaver) en ella, se las veía cara a cara, por decir algo, con un ente alienígena de lo más feo que ha podido verse en la gran pantalla, cuya imagen nos viene a la mente cada vez que se pronuncia o lee la palabra “alien” gracias a Sco-tt. Hay que destacar también que

en 1979 la película “Star Trek” llegaba a las pantallas precedida por la mítica serie de televisión de los años 60, en la que la tri-pulación de la Enterprise, con el legendario capitán James Tiberius Kirk al frente, tienen que hacer frente a un ente nuboso, como los que vemos en la meteorolo-gía, que quiere destruir la Tierra. Esta película inició otra serie de secuelas, paralelas al fenómeno de Star Wars en fans y críticas. Los 80 reafirmaron el buen estado de salud del género mostrado en la década predecesora con títu-los como “E.T. El extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), en la que se nos contó la lacrimógena historia de un alienígena atrapa-do en la Tierra al que un niño de-cide ayudar a volver a su planeta, enfrentándose a un gobierno que se propone destruir todo aquello que no entiende o que escapa a su control. A pesar de ser nominada a varios Oscars, entre ellos mejor director y mejor película, no llegó a ganar ninguno. También contó con el favor del público “Cocoon” (Ron Howard, 1985), en la que unos ancianos rejuvenecen como por arte de magia gracias a los ex-traterrestres (seguro que más de uno querría que le pasara esto). En “Dune” (David Lynch, 1984), un joven debe sobrevivir en un desierto poblado de gusanos de arena, entre otras cosas, mien-tras prepara una venganza para recuperar su lugar en el planeta Arrakis. En “Abyss” (James Came-ron, 1989), un grupo de la armada investiga el choque de un subma-rino con un objeto no identifica-do. Durante la misión establecen contacto con un ente que les vi-gila y les observa sin que sepan sus intenciones. También pudimos ver la película cuya criatura com-pitió con el Alien de Ridley Scott, “Depredador” (John McTiernan, 1987), en la cual un joven Arnold Schwarzenegger se las veía con un monstruo maquiavélico en la selva que va matando a todo su escuadrón. Dicho sea de paso, es-

Imagen de Alien el 8º pasajero. (Ridley Scott, 1979).

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tas criaturas, aliens y depredado-res, se juntarían luego, años más tarde, en una franquicia propia: “Alien vs Predator”. En 1986 vol-vió la gran criatura, y la tenien-te Ripley, en “Aliens: El regreso” continuación de la primera, di-rigida por James Cameron, que devolvió al xenomorfo a nuestras vidas y de paso dotó de forma a todo un universo de conocimiento que habíamos adquirido con la pri-mera entrega. Ya se sabe que una vez presentado el personaje en la primera entrega, la segunda te da manga ancha para desarrollarlo. Llegamos a la época de la gran ex-pansión del género. Los 90 fueron clave para la supervivencia y la proliferación de los alienígenas. Durante estos años muchas fueron las producciones que se llevaron a cabo y que fueron muy bien aco-gidas tanto por parte del público como de la crítica. En 1994, en “Stargate”, Roland Emmerich nos mostró una puerta estelar a otro mundo en el que los alienígenas parecían los humanos, al ir a un planeta que no es el suyo, donde descubren que el origen de la hu-manidad ha podido estar en otro sitio diferente a la Tierra. Ese argumento se exploraría en las diferentes versiones que se han realizado de la película, tanto en series de televisión “Stargate: SG1”, o “Stargate: Atlantis” como

en sucesivas continuaciones en forma de películas que han ido di-rectamente a la estantería del ví-deo club: “Stargate: El continuo” o “Stargate: El arca de la verdad”. “Species”, de Roger Donaldson, nos cautivó con la actriz Natas-ha Henstridge, convertida aquí en una alienígena con ganas de perpetuar su especie y que esco-ge nuestro planeta para nutrirse de hombres que la ayuden en tal tarea. Algo que no es complicado debido a su excepcional belleza, salvo cuando la da por mostrar su verdadera cara, momento en el que es demasiado tarde para decir: “No, gracias”. También contó con varias secuelas, eso sí, perdien-do protagonistas por el camino. En 1996, Emmerich continuó su periplo extraterrestre con “In-dependence Day”, película que encumbró al actor Will Smith a su estatus de estrella, y que des-plegó toda una serie de efectos visuales que serían marca de la casa del propio director en las sucesivas películas que realiza-ra. En esta ocasión, nos veríamos las caras con una flota de aliens tecnológicamente más avanzados que nosotros y con una capacidad destructiva enorme, (muestra de ello es la secuencia de la des-trucción de la Casa Blanca), que me lleva a cuestionarme algo tan

simple como, ¿por qué siempre que nos invaden empiezan por América? Si hay invasión…primero en América, que destruyen edi-ficios…primero en América, que hay supervivientes… primero en América, que saben como des-truirlos… primero en América, eso sí, si hay que ayudar a destruir lo que queda, para eso está el resto del mundo. Aceptémoslo; somos como un Watson para ese Sherlock Holmes que es el continente Ame-ricano. Pero eso es otra historia...

Seguimos. Paul Verhoeven en 1997 nos mostró en su “Starship Troopers” unas brigadas del es-pacio que luchaban en diversos planetas invadidos por una espe-cie de arañas sacadas de la radia-ción y unos gusanos enormes que no paraba de soltar gases lumi-nosos por la parte de atrás. Algo que no pasó desapercibido para nadie que no pudo evitar hacer chistes sobre ello; yo también los hice. Eso no frenó las secue-las que salieron tiempo después, eso sí, directamente en dvd. Finalmente llegó “Contact” de Robert Zemeckis, que nos contaba la historia de una científica, inter-pretada por la siempre estupenda Jodie Foster, intentando desci-frar las señales extraterrestres procedentes de la estrella Vega.

Imagen de Independence Day (Roland Emmerich, 1996)

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La década del 2000, nos deparó todo un entramado de géneros, subgéneros, remakes de películas y especies extraterrestres con di-ferentes temáticas e intenciones. Desde “Misión a Marte” de Brian De Palma en el 2000, con una tri-pulación encargada de rescatar a la primera expedición a Marte que ha desaparecido a “Inteligen-cia Artificial” en el 2001, de Ste-ven Spielberg, en el que el niño de “Sexto sentido” inicia un viaje “pinochesco” para convertirse en humano. También le cogió el pul-so a estas historias M.Night Shya-malan que en 2002 dirigió “Seña-les”, film en la que se explicaban los extraños dibujos aparecidos en los campos de maíz y se mos-traba a una familia encabezada por Mel Gibson, un cura retirado, que hacía frente a algo más inex-plicable que su propia fe. Algo de otro mundo. Steven Spielberg volvió en 2005 con un remake de-bajo del brazo, “La guerra de los mundos”, en la que nuevamente se volvía a medir con los extra-terrestres, esta vez, con la ayuda de Tom Cruise que quiere salvar a sus hijos de la inminente amenaza de los alienígenas con tentáculos.

Otro remake, “Invasión”, de Oli-ver Hirschbiegel en 2007, recrea-ba de nuevo los hechos mostrados en la película “La invasión de los ladrones de cuerpos”, esta vez con Nicole Kidman y Daniel Craig haciendo frente al ataque de estas “esporas” que nos controlaban y nos minaban los sentimientos. De nuevo otro remake, “Ultimátum a la Tierra”, de Scott Derrickson en 2008, con Keanu Reeves como un rejuvenecido Klaatu, el humanoi-de haciendo labores pacifistas en nuestro planeta y alertándonos de su inminente destrucción debido a nuestra falta de control sobre el mismo. En “Señales del futuro”, de Alex Proyas, Nicolas Cage se metió en la piel de un astrofísi-co que prevé el fin de los días, y cuya única preocupación es salvar a su hijo de unos extraños seres parecidos a los humanos que le persiguen. En “Distrito 9”, de Neil Blomkamp o cómo hacer una bue-na película de extraterrestres, con un presupuesto limitado, se nos contó una historia de inmigración y exclusión con tintes fantásticos. Algo no tocado con anterioridad en este tipo de género y que des-de luego merece la pena visionar.

En el 2009, llegaría la esperada “Avatar”, de James Cameron o cómo vendernos un Titanic en el espacio exterior pero con criatu-ras azules y sin barco. Si algo se puede decir es que el señor Ca-meron es un visionario. No sólo por darnos un espectáculo visual de fauna y flora alienígena, sino por dárnosla además en 3D para poder disfrutarla todavía más. La película, prevista como una trilogía, se ha convertido en la más taquillera de la Historia, lo cual no hace sino confirmar lo que ya sabemos: la ciencia fic-ción vende. Y el espectáculo más. Y en el 2010, llegó la película “Skyline”, o cómo meter la pata creando un tráiler espectacular en el que unos aliens vienen a la Tierra y nos succionan en sus naves para utilizarnos de pilas de energía. Esta nueva década, empezando por el 2011, no se va a quedar atrás y nos ha dado y seguirá dán-donos excelentes películas en las que los extraterrestres estén bien presentes. Muestra de ello son las cintas que nos han llegado en

Avatar. (James Cameron 2009)

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lo que va de año: “Invasión a la Tierra”, de Jonathan Liebesman, en donde Los Ángeles es el últi-mo reducto de unos soldados para detener una invasión alienígena; “Soy el número cuatro”, de D.J Caruso, en el que unos seres me-dio humanos persiguen a un pe-queño grupo de extraterrestres, con diversos poderes, de aparien-cia humana y afincados en la Tie-rra para matarlos. En la gamberra “Paul”, de Greg Mottola, un alien un poco peculiar y muy divertido, se las hace pasar canutas a los protagonistas poniéndoles en si-tuaciones inverosímiles y embara-zosas. La excelente “Super 8”, de J.J Abrams, cruce entre E.T y Los Goonies (no en vano su productor es Steven Spielberg) que ha cauti-vado a público y crítica por igual, que cuenta la historia de unos chavales que hacen lo que pueden para sobrevivir al ataque de un extraterrestre en su pequeño pue-blo mientras filman una película. El próximo estreno que nos llega a las pantallas, “Cowboys & Aliens” de John Favreau, cuenta con un

Daniel Craig desmemoriado y un Harrison Ford ejerciendo la ley en el Lejano Oeste unidos para detener a una amenaza que nun-ca habían visto: unos aliens con muy mala leche y ganas de pelea. Y nos quedan más, muchas más por ver: “Apollo 18” con un di-rector español en Hollywood mostrándonos por qué no hemos vuelto a la luna, el remake de “La cosa”, de John Carpenter, donde nos contarán qué es lo que pasa cuando descubres algo en el hielo de la Antártida que lle-va dormido miles de años y no es humano; y “Extraterrestre”, de Nacho Vigalondo, o cómo el cine patrio va a responder a la llama-da de la ciencia ficción, son sólo algunos ejemplos de lo que nos deparará este año que llevamos. ¿El año que viene? De momento, sólo sabemos que Ridley Scott volverá al género que tantos éxi-tos le dio con “Prometheus”, que tendrá el universo alienígena que creo en 1979 de punto central y

que a partir de ahí desarrollará una historia que seguro será bue-na y esperemos que original. Ve-remos “John Carter de Marte”, las aventuras de un hombre transpor-tado a Marte para luchar contra una raza marciana y seguro que llegarán muchas más. Al final, el ser humano es curioso por natura-leza y quién sabe la de cosas que quedan por imaginar y crear, la de mundos y criaturas que están guardados en la mente de miles de personas. La imaginación no tie-ne límites, y poco a poco, el cine tampoco. Quién sabe, igual un día de estos, cuando se demuestre que hay vida inteligente en otro planeta y tengamos contacto con ellos nos digamos a nosotros mis-mos, “Hey, te pareces mucho a un alienígena de una película que he visto”...Puede que sea mejor que el tópico “Vengo en son de paz”. Por lo menos, rompe más el hielo.

Imagen de Super 8 (J.J. Abrams 2011)

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Estreno

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Desde que su mujer sufriera que-maduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el Doctor Robert Ledgard, eminente ciru-jano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivar-la en su propio laboratorio, una piel sensible a las caricias, pero una auténtica coraza contra to-das las agresiones, tanto externas como internas, de las que es víc-tima nuestro mayor órgano. Para lograrlo ha utilizado las posibili-dades que proporciona la terapia celular.

Además de años de estudio y ex-perimentación, Robert necesitaba una cobaya humana, un cómplice y ningún escrúpulo. Los escrúpu-los nunca fueron un problema, no formaban parte de su carácter. Marilia, la mujer que se ocupó de él desde el día que nació, es su cómplice más fiel, nunca le falla-rá. Y respecto a la cobaya huma-na…

Al cabo del año desaparecen de sus casas decenas de jóvenes de ambos sexos, en muchos casos por voluntad propia. Uno de es-tos jóvenes acaba compartiendo con Robert y Marilia la espléndi-da mansión, El Cigarral. Y lo hace contra su voluntad…

Notas del director

Hay procesos irreversibles, ca-minos sin retorno, viajes sólo de ida. “La piel que habito” cuenta la historia de uno de estos proce-sos. La protagonista recorre invo-luntariamente uno de esos cami-nos, es obligada violentamente a emprender un viaje del que no puede regresar. Su kafkiana histo-ria corresponde al dictado de una condena cuyo jurado está com-puesto por una sola persona, su peor enemigo. El veredicto, por lo tanto, no es sino una forma de venganza extrema.

“La piel que habito” narra la his-toria de esa venganza.

Las primeras imágenes de la pe-lícula muestran una mansión ro-deada de árboles, un lugar idílico. Se llama “El Cigarral” y está pro-tegido por una muralla y una alta puerta con rejas. A través de una de las ventanas de la mansión, también enrejada, vislumbramos una figura femenina en movimien-to. Una vez dentro de la habita-ción, la mujer parece estar des-nuda mientras lleva a cabo unas complicadas posturas de yoga; en los planos cortos descubrimos que está totalmente cubierta por un body color carne, pegado al cuer-po como una segunda piel. En la

La piel que habito2 de septiembre

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cocina, Marilia, el ama de llaves, le prepara el desayuno que des-pués le envía en un torno que se abre directamente en el interior de la habitación. Desde el princi-pio El Cigarral se muestra como una cárcel en medio de la natu-raleza. Un lugar aislado e inac-cesible a la mirada exterior. Las primeras acciones que nos mues-tran a Vera, la mujer cautiva con-centrada en sus posturas de yoga, y a Marilia, su carcelera, resultan extrañamente cotidianas, exen-tas de tensión. Pero no siempre la vida en El Cigarral fue tan apaci-ble.

En los seis años de reclusión obli-gada, Vera ha perdido, entre otros, el miembro más exten-so del cuerpo humano, la propia piel. Literalmente se ha dejado la piel en el camino.

La piel es la frontera que nos se-para de los demás, determina la raza a la que pertenecemos, re-fleja nuestras raíces, ya sean bio-lógicas o geográficas. Muchas ve-ces refleja los estados del alma, pero la piel no es el alma. Aunque Vera haya cambiado de piel, no ha perdido con ella su identidad. (La

identidad y su invulnerabilidad es otro de los temas de la película). De todos modos, es una pérdida terrible, algo atroz. Ésta es sólo una de tantas pérdidas que sitúan a Vera al borde de la muerte, por voluntad propia o en el quirófa-no, a manos del Dr. Robert. Pero ella es una superviviente nata y, después de muchas vicisitudes, decide que “debe aprender a vi-vir dentro de la piel que habita”, aunque sea una piel impuesta por el Dr. Robert. Una vez aceptada su segunda piel, Vera toma la se-gunda decisión más importante para sobrevivir: saber esperar.

Elías Canetti, en sus notas sobre “El enemigo de la muerte” (un título que define muy bien la ac-titud de Vera frente a la vida) del “Libro de los muertos”, escribe: “… el ininterrumpido ir y venir del tigre ante los barrotes de su jaula para que no se le escape el único y brevísimo instante de la salvación”.

Curiosamente, ese breve instan-te al que alude Canetti le llega a Vera en forma de tigre, me-jor dicho, de hombre disfrazado de tigre. Un día de carnaval, un

hombre disfrazado de tigre se las ingenia para llegar hasta la puer-ta cerrada de la habitación don-de vive Vera cautiva. Este hecho rompe el impasse en el que viven los tres personajes que habitan en El Cigarral. Paradójicamente a los usos del Carnaval, éste es el momento en que los personajes se despojan de sus máscaras y la tragedia final proyecta su negra sombra sin que ninguno de ellos pueda hacer nada para evitarla.Una historia de estas caracte-rísticas me hacía pensar en Luis Buñuel, Alfred Hitchcock, todos los Fritz Lang (desde el gótico al noir). Pensé también en la estéti-ca pop del terror de la Hammer, o en el más psicodélico y kitsch del giallo italiano (Dario Argento, Mario Bava, Umberto Lenzi…). El lirismo de Georges Franju en “Los ojos sin rostro” también me vino a la memoria. Después de valo-rar todas estas referencias me di cuenta de que ninguna de ellas se ajustaba a lo que yo necesita-ba para “La piel que habito”. Así que decidí tomar mi propio cami-no y dejarme arrastrar por la in-

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tuición, al fin y al cabo es lo que siempre he hecho. Sin la sombra de los maestros del género (entre otras razones porque no sé a qué género pertenece esta película) y renunciando a mi propia memoria cinematográfica; sólo sabía que la narración debía ser austera y so-bria, exenta de retórica visual y nada gore, aunque en las elipsis que no vemos se haya derramado mucha sangre.

Me han acompañado en esta tra-vesía José Luis Alcaine, el direc-tor de fotografía, al que no le ex-pliqué lo que quería sino lo que no quería, y él ha sabido propor-cionar a la foto la densidad, el brillo y la oscuridad que más le convenían. El músico Alberto Igle-sias, el único artista que conozco sin ego, incansable, versátil, pa-ciente, capaz de buscar en una dirección para después buscar en la dirección opuesta si yo no es-

taba satisfecho, siempre supedi-tado al dictado de la historia y de mi modo de sentirla. Y unos acto-res generosos y precisos, a pesar de la incomodidad evidente de al-gunas de sus escenas. Los nombro a todos: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cor-net, Roberto Álamo, Blanca Suá-rez, Eduard Fernández, Susi Sán-chez, Bárbara Lennie y José Luis Gómez.

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¿Qué ocurre cuando el mal mero-dea en el cuarto de al lado y na-die te cree?

Cuando el adolescente Charley Brewster no encuentra a nadie que lo escuche –ni siquiera su ma-dre o su novia- decide que ha lle-gado el momento de deshacerse por cuenta propia de la amenaza que aterroriza su pacífico vecin-dario del extraradio. Este verano, la terrorífica y divertida película de DreamWorks Pictures NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) les pondrá los pelos de punta.

Charley (Anton Yelchin) es uno de los estudiantes más populares y

novio de la chica más guapa del instituto. De hecho, se siente tan importante que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo Ed (Christopher Mintz-Plasse). Pero las cosas se complican cuando Jerry (Colin Farrell) se muda al lado de su casa. Al principio, su nuevo vecino parece genial, pero con el paso del tiempo, algo en su comportamiento resulta raro. Desafortunadamente, nadie, ni siquiera la madre de Charley (Toni Collette), parece notarlo.

Después de observar que en la casa de al lado pasan cosas ex-trañas, Charley llega a una in-eludible conclusión: Jerry es un

vampiro que se sirve del vecin-dario para cazar sus presas. Ante la incredulidad de los demás, el protagonista acude al reconoci-do ilusionista de Las Vegas Peter Vincent (David Tennant) para que lo ayude y guíe antes de tomar el tema en sus propias manos y así deshacerse del monstruo.

NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) está dirigida por Craig Gillespie y producida por Michael De Luca y Alison Rosenzweig; cuenta ade-más con la producción ejecutiva de Ray Angelic, Josh Bratman, Michael Gaeta y Lloyd Miller. El guión es de Marti Noxon, basado en una historia de Tom Holland y

Estreno

Noche de Miedo9 de septiembre

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en el film original NOCHE DE MIE-DO.

Dada la actual fascinación socio-cultural por los vampiros, el mo-mento parecía perfecto para un hacer un remake de NOCHE DE MIEDO, el amado clásico de te-rror estrenado en 1985. Tal como señalan la productora Alison Ro-senzweig y el productor ejecutivo Michael Gaeta –grandes fanáticos del horror, de las películas de vampiros y de ésta en particular-: “Hacía dos años que intentábamos conseguir los derechos de esta pe-lícula. Cuando nos dimos cuenta de que estarían disponibles, ¡nos abalanzamos sobre ellos!”. El dúo

inmediatamente llevó el proyec-to a Michael De Luca (Red social, El vengador), otro aficionado del género e ingenioso creador que reconoció muy rápidamente la re-levancia del material.

De Luca, Gaeta y Rosenzweig pre-sentaron la idea en DreamWorks y, a partir de allí, las cosas em-pezaron a moverse muy rápido. “DreamWorks realmente respon-dió al concepto y también ellos eran fans del film original”, dice De Luca.De Luca es un reconocido produc-tor que cuenta con una envidiable lista de éxitos cinematográficos y una reputación impecable. Con

entusiasmo, Rosenzweig comenta “Para mí, no hay mejor productor que Michael de Luca. Conoce el género mejor que nadie y tiene una increíble memoria fotográ-fica, especialmente para los de-talles más imperceptibles. Tengo un enorme respeto por eso. Esta-mos muy orgullosos de que haya aceptado trabajar con nosotros y lo adoramos. No sólo es un pro-ductor extraordinario: también es una persona maravillosa”.

Uno de los aspectos de la pelícu-la que interpela directamente al equipo de producción tiene que ver con que NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) también cuenta

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la historia de un hombre joven que se está convirtiendo en adul-to. “El asunto del ciclo vital da lugar a una identificación necesa-ria”, dice el productor ejecutivo Gaeta. “El viaje de Charley, desde la adolescencia hasta la madurez e incluso el heroísmo, logra una resonancia en todos los especta-dores, porque todos hemos pasa-do por ese proceso. No sólo vemos cómo un niño se transforma en un adulto, sino también cómo des-cubre quién es él y, sobre todo, quién desea ser”.

“Charley era un geek pero se lo niega a sí mismo constantemen-te”, Rosenzweig concuerda con Gaeta. “Evita a sus viejos amigos e intenta incorporarse al gru-po de los estudiantes populares. Charley se convertirá en un hom-bre cuando enfrente al vampiro e intente derrotarlo”.

La adolescencia es una encrucija-da. Es el momento en el que em-pezamos a definir quiénes somos realmente. “Charley está confun-dido, no sabe si las elecciones de sus amistades son correctas, está tratando de entender la relación con su madre, de entender un poco más todo”, dice Craig Gilles-

pie (Lars y la chica real y “United States of Tara”). “Curiosamente, el vampiro lo ayudará a ver todo con más claridad y le mostrará qué es importante en la vida”.

NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT): TÁC-TICAS PARA ATEMORIZAR

“El desafío con las películas de vampiros – porque ha habido una gran cantidad de películas de vampiros en la historia de Ho-llywood – está en poder agregar algo original, en añadir una mar-ca distintiva a ese género que ha sido profundamente trabajado durante siglos”, señala el produc-tor Michael De Luca. La respues-ta, por supuesto, comienza con el guión.

La idea de una buena historia siempre atrae a guionistas crea-tivos capaces de usar su imagi-nación para darle vida a ese con-cepto. La productora Rosenzweig dice: “NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es uno de esos títulos más populares entre la gente que ama el terror, por ello recibimos muchas llamadas de excelentes guionistas y agentes, buscando sumarse al proyecto”.

Entre todos estos escritores se encontraba la guionista Marti No-xon, mejor conocida por su enor-me éxito como guionista y pro-ductora de la serie de televisión “Buffy la cazavampiros”, entre otros programas y largometrajes.

De Luca recuerda: “El agente de Marti Noxon nos sugirió que ella era una excelente candidata para el puesto de guionista, y pensa-mos ‘muy bien, pero ella ya es-tuvo demasiado involucrada con el asunto de los vampiros en ‘Bu-ffy’, así que probablemente no le interese nuestra propuesta’. Afortunadamente, nos equivocá-bamos. Marti se reunió con noso-tros y entendió enseguida la his-toria que queríamos filmar”.

Noxon comprende que, incluso en la vida real, hay situaciones que pueden pasar de ser profunda-mente oscuras a ser ligeras y di-vertidas. Ése era el concepto de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) que los creadores, los producto-res y Marti Noxon estaban buscan-do. Como dice el productor eje-cutivo Gaeta: “Creo que cuando el público vea el resultado de la imaginación de Marti encontrarán muchas cosas temibles y oscuras,

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pero también cosas hermosas y maravillosas. Tiene una enorme capacidad y ha logrado dar con el tono de la historia, con la im-portancia de la relación entre los personajes. Le ha añadido al guión la profundidad emocional justa, es muy buena conductora de los elementos dramáticos. Fue muy divertido ver el trabajo que hizo con su interpretación de NO-CHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT)”.

Los realizadores supieron desde el comienzo que deseaban man-tener la historia básica y ese de-licado balance entre comedia y terror que posee el film original. “Lo que más me gustó del guión es que contiene ciertos momentos horripilantes y otros muy huma-nos”, comenta el director. “No se trataba simplemente de una pelí-cula lineal. Y Marti se las ingenió para balancear perfectamente el suspenso, el humor y el horror”.Pero dejando de lado el humor y los momentos emotivos, el ele-mento terrorífico de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) no debe ser minimizado. Este vampiro no está compungido ni enfermo de

amor: es un depredador insacia-ble e imparable, como el tiburón de Tiburón. Marti Noxon explica: “En un momento en el que los vampiros son parte central del interés de los espectadores de cine y TV, parte del impacto y del misterio que los rodeaba se ha ido. Hay un nuevo vampiro ro-mántico que prevalece en la cul-tura en estos días. Nosotros nos alejamos de ese concepto. Creo que nos mantuvimos muy fieles al espíritu de la película original”, concluye.

Colin Farrell añade: “No hay in-clinaciones románticas. Este vampiro es un asesino. Tiene más de cuatrocientos años. Probable-mente esté un poco aburrido, pero se alimenta. Simplemente se alimenta. Y sobrevive”.

EL ELENCO: VAMPIROS, VÍCTIMAS Y HÉ-ROES

Con el éxito logrado como di-rector del largometraje Lars y la chica real y de la serie origi-nal de Showtime “United States

of Tara”, no había duda de que Craig Gillespie aportaría su inte-gridad como realizador a NOCHE DE MIEDO(FRIGHT NIGHT). Tras leer el guión creado por Noxon, Gillespie no podía dejar de pensar en la película. Estaba entusiasma-do y listo para involucrarse por completo en el proyecto. “En ese momento no estaba buscando una película de vampiros para dirigir, pero el guión estaba tan bien es-crito que me cautivó totalmen-te”, afirma.

Colin Farrell (Última llamada, Triage, Camino a la libertad), quien interpreta el papel de Jerry, el vampiro, admite que al princi-pio se sintió algo escéptico acer-ca de hacer una remake de este clásico debido a su enorme apre-cio por la versión original. “Tenía 11 o 12 años de edad la prime-ra vez que vi NOCHE DE MIEDO”, recuerda el actor. “No quisiera decir que es una película ‘sagra-da’”, afirma con ironía, “pero en cierto sentido es perfecta en su propio estilo”. “Así que me sentí frustrado cuando leí el guión de Marti”, continúa, mientras guiña

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un ojo. “¡Era tan bueno que real-mente alimentó mis ganas de su-marme al proyecto! Tal como la original, parecía seguir a la vez la línea del horror y la de la come-dia con ese humor particular, en tono de burla”.

El elenco en su totalidad parece salido de una hipotética lista de ‘actores soñados’, comenzando por Farrell, quien fue desde el primer momento la elección de los realizadores para interpretar a Jerry, el añejo vampiro. “Me entusiasmo mucho poder sumarlo al proyecto”, cuenta el director, acerca de contar con Farrell para interpretar el complejo rol prota-gónico. “No podía pensar en al-guien más perfecto que él. Jerry tiene una personalidad increíble-mente carismática pero, a la vez, hay algo siniestro en su aspecto. Para mí, Colin podía encarnar am-bas cualidades a la perfección”.

Colin Farrell, delirado por sus col-millos de vampiro, dice: “Cuando conocí a Craig estaba muy entu-siasmado y tenía una idea muy clara de cómo quería contar esta

historia. Quiero decir que no tuve que pensar mucho si quería for-mar parte del film. Fue una deci-sión realmente fácil”.

Con grandes largometrajes en su haber, como Star Trek y Termina-tor – La salvación, Anton Yelchin fue elegido para el especial rol de Charley, el adolescente que con-fronta con la fuerza del mal cor-porizada en su vecino de al lado.

Yelchin también era la primera elección de los realizadores para este papel, a causa de sus habi-lidades histriónicas para crear personajes ricos, de complejas y completas personalidades. Yel-chin se entusiasmó con la convo-catoria para interpretar a Char-ley. “Me gustaron las relaciones que hay en esta historia”, expli-ca. “Charley versus Jerry; Char-ley y su novia, a quien debe pro-teger; Charley y el amigo a quien ha rechazado; todos son elemen-tos muy interesantes. Con Craig Gillespie a la cabeza, llegamos a desarrollar todos los matices de esas relaciones”.

Otro de los vínculos de Charley en la historia es con su mamá, Jane. El papel fue para Toni Collette, quien ya había trabajado con el director en la serie “United Sta-tes of Tara”. Reflexionando acer-ca de ello, la actriz señala: “Ado-ro trabajar con Craig Gillespie. Cuando me ofrecieron este film, pensé que si era otro director quien estaba al frente, no sé qué hubiese contestado. ¡Confío en él tan plenamente! Creo que hará la película aún más tenebrosa por su sentido de la realidad y su gran honestidad. Lamentablemente –agrega con nostalgia y humor- a mí nunca me ofrecen el papel del vampiro o de la chica seducida por uno de ellos”.

La admiración mutua entre Co-llette y Gillespie es evidente. El director le rinde similar tributo a su amiga y colega: “Tenía muchas ganas de conseguir a Toni para este papel”, dice. “Tiene la ma-ravillosa capacidad de fusionar el humor y la tragedia, algo que es difícil de lograr, y ella lo hace de un modo hermoso. Además, el fuerte lazo que se establece en-

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tre Toni y Anton es insoslayable, eso facilitó mucho mi trabajo”.

El papel de Peter Vincent, el mago e ilusionista de Las Vegas a quien Charley acude en busca de ayu-da, fue para David Tennant (“Dr. Who”, Harry Potter y el cáliz de fuego), un muy formado actor bri-tánico cuya actuación en la serie “Dr. Who”, de la BBC, le valió el reconocimiento del público. “Nos encantó firmar a David Tennant para este rol”, asegura Gillespie. “Él no ha actuado mucho en Esta-dos Unidos y ésta será una gran plataforma en su carrera. Tiene excelentes dotes como comedian-te y también posee formación dramática”. Tennant define la historia como una mezcla entre esas antiguas películas de monstruos y la sen-sibilidad del siglo XXI. “Los vam-piros en el film son de esos bien tradicionales, capaces de cortar-te la cabeza y de hacer que cual-quiera salga huyendo despavorido al verlos. Me gusta eso”, dice.

Acerca de Peter Vincent, Tennant comenta: “Este personaje es sen-cillamente delicioso. Está arriba del escenario, montando un es-pectáculo impresionante, que es ligeramente absurdo y que, al mismo tiempo, tiene sus raíces en el tipo de show de magia que uno podría encontrarse en Las Vegas. Y mientras está arriba del escena-rio su vida parece estrafalaria y expansiva, pero cuando se saca la peluca se convierte en personaje lastimero, pequeño y amargado. Es magnífico interpretar un per-sonaje que se mueve entre esos dos límites y llega a realizar co-sas extremas y extraordinarias”.

Encontrar a la actriz perfecta para interpretar a Amy, la hermo-sa y popular novia del protagonis-ta, tomó un tiempo. Después de buscar aquí y allá, los realizado-res finalmente hallaron la perfec-ta mezcla de juventud, belleza y algo de inocencia con grandes habilidades actorales en la ac-

triz británica Imogen Poots (Jane Eyre, Waking Madison).

“Cuando leí el guión por primera vez me encantó esa real combi-nación de terror y humor”, afir-ma Poots. “No es simplemente un film de horror; tiene mucha personalidad. La relación entre Amy y Charley es muy dulce. La historia se desarrolla y, obvia-mente, ambos están implicados en esta aventura. Creo que se trata acerca de lo que aprenden uno del otro y de la situación en sí”, afirma.

De Luca agrega: “Imogen le brin-

da un rostro fresco y una perso-nalidad efervescente a la prime-ra parte del film, donde las cosas son luminosas y amables antes de sumirse en la oscuridad absolu-ta. Pero de ningún modo es una damisela en apuros. En la segun-da parte, lucha codo a codo con Charley. Hacen una pareja memo-rable”.

Ed, quién después será conocido como Evil Ed, es el amigo de la infancia traicionado y segregado por Charley. El personaje es tan icónico para los fans de la pelí-cula original que los realizadores sintieron que necesitaban una

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nueva versión, que rindiera tri-buto a su predecesor aunque sin imitarlo. Así, eligieron a Christo-pher Mintz-Plasse (Super Cool, Kick Ass: Un superhéroe sin súper poderes) para el papel.

“Aunque sea la remake de una película tan popular, es novedosa y alucinante porque Craig, nues-tro director, mantiene la vibra-ción espeluznante, misteriosa y escalofriante de la versión origi-nal”, se entusiasma Mintz-Plasse. “Y Marti Noxon, la guionista, hizo un trabajo increíble. Logró llegar al fondo de las relaciones entre los personajes. A diferencia de otros films de vampiros, en don-de hay más de cincuenta criaturas que pueden caminar a plena luz del día y brillar con ella en vez de prenderse fuego y desintegrarse, nuestro film tiene un único vam-piro. Es muy sencillo: no tiene re-flejo, las cruces lo destruyen, las estacas en el corazón y la luz del día lo desintegran. Es genial”.

“Sabía que Christopher sería ca-paz de expresar todo el humor que contiene su papel”, apunta Gillespie. “Aunque lo que más me impresionó de él es la historia emotiva por la que está atrave-sando y cómo logra transmitirlo

en la pantalla. Eso es lo que hace que el público quiera verlo a lo largo de toda la película”.

EL HORROR... DIRECTO Y PERSONAL

Los films 3D han alcanzado la ma-durez. Ya no se trata de simples artimañas visuales. Hoy, las dis-tintas técnicas permiten que el público experimente las imágenes de un modo más sutil, a través de la incorporación de una capa di-mensional. En NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT), los espectadores sentirán una inmersión absoluta en los momentos más terroríficos.

“Las películas de terror son todas acerca del miedo y de cómo éste se construye”, afirma Michael De Luca, quien ha producido varias películas realizadas en 3D. “El uso de la tridimensión aquí ayu-da a la audiencia a meterse en la escena y acompañar el miedo que sienten los personajes cuando lle-ga algo terrorífico”.

Una de las autoridades indiscuti-das en el mundo de la tecnología 3D es Max Penner, que comenzó a trabajar con esta técnica hace 20 años. No sólo es un pionero, sino que es uno de los estereógrafos más reconocidos de la industria

cinematográfica. Era el indicado para trabajar con Gillespie en NO-CHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT).

¿En qué consiste el trabajo de un estereógrafo en la creación de una experiencia 3D? Penner describe su trabajo: “Me encar-go de controlar la profundidad del espacio 3D utilizado y dónde se colocará. Esto se logra utili-zando una plataforma 3D que es una combinación de dos cámaras o dos sensores, y dos sets ópticos que trabajan simultáneamente y en sincronía registrando dos pun-tos diferentes a la vez, tal como el ojo humano”.

En colaboración con el director, Penner utilizó su conocimiento para crear imaginarios 3D, que en ciertos casos resulta muy sutil pero sirve para reforzar los mo-mentos más emotivos. “Los con-troles remotos estereográficos permiten modificar la geometría de la plataforma 3D y crear una experiencia dimensionalmente distinta”, explica. “Esto es nue-vo, hace algunos años no tenía-mos esta posibilidad; pero los controles y la formación digital de imágenes permite crear am-bientes más dinámicos, recepti-vos e inmediatos”.

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Para NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT), Penner y Gillespie dis-cutieron en profundidad el punto de vista que había que adoptar para el film. Gillespie apunta: “La tridimensión hace sentir que uno forma parte del universo que está mirando. Hemos logrado que el público viaje a través de ese espacio. No les recordamos cons-tantemente que están viendo 3D, pero le damos otra profundidad a la escena”.

“Estamos creando nuevas téc-nicas y modos de explorar el 3D que son realmente interesantes”, dice Peter, en la misma línea de pensamiento que el director. “En general, trabajo en colaboración con los directores y los directores de fotografía para expandir los lí-mites de este horizonte creativo y técnico”.

Christopher Mintz-Plasse agrega: “¡Esto es 3D real! No es uno de esos films en los que el efecto se transfiere luego de haber filma-do en 2D. El 3D fluye por todos lados”.

MAQUILLAJE SFX: AGREGANDOLE MIEDO A NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT)

El maquillaje de NOCHE DE MIEDO

(FRIGHT NIGHT) es esencial para la experiencia. Gillespie no sólo buscaba que el maquillaje fuera abundante y maravilloso, sino que también quería guardar cierta re-lación con la película original.

Los especialistas en maquilla-je Howard Berger (Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario, Kill Bill) y Greg Nicote-ro (La ciudad del pecado, “The Walking Dead”), de KNB Effects Group, son héroes para los faná-ticos del género gracias a sus ma-quillajes y efectos ganadores del premio Oscar®®. A ellos se les en-comendó la misión de transformar a la versión seductora de Colin Farrell como Jerry en un vampiro salvaje y vicioso. NOCHE DE MIE-DO (FRIGHT NIGHT) no hubiese podido estar en mejores manos.

“Fue una oportunidad para que KNB reviviera un film que tanto Greg como yo hemos adorado des-de siempre”, dice Berger. “Vimos el film cuando se estrenó, en los 80, y aún hoy la miramos con ca-riño. Nos enfrentamos a un gran desafío: debimos trabajar a par-tir de un film de culto y preservar la esencia que lo hizo tan enorme y, al mismo tiempo, actualizar la narración a partir de los efectos

visuales. Utilizamos una combi-nación de efectos de maquillaje reforzados con efectos digitales para ofrecerle al público algo que nunca hubiera visto en un cuento de vampiros. Es la fusión justa de las dos técnicas, un truco de ma-gia moderno”.

Según Berger y Nicotero, el traba-jo consistió en lograr creaciones realistas, por ese motivo utiliza-ron materiales prostéticos de si-licona transparente. Querían que las pieles de los vampiros tuvie-ran una calidad carnosa específi-ca. “Necesitábamos ver más allá de las capas de piel de los vam-piros, observar cómo la sangre negra circulaba por sus venas, de modo cada vez más veloz ante la emoción de la muerte”, explica Nicotero.

“Craig Gillespie nos dio mucha li-bertad de acción, pero estuvo in-volucrado 100% en cada decisión que tomábamos”, agrega Berger. “Tiene un gran respeto por la versión original y quería mante-ner esa esencia viva, conservando una determinada línea estética que no se alejara demasiado del universo de los 80. Nos encanta trabajar con Craig. Disfrutamos de su energía y su forma de mi-

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rar las cosas. Es un gran narrador. Además, logró incorporar algo que muchos otros films del géne-ro no consiguen: una importante dosis de humanidad”.

Berger y Nicotero descubrieron que muchas cosas debían ser dife-rentes a causa del proceso 3D. “El equipo de Paradise Effects nos fa-cilitó la tarea”, dice Berger. “De-bíamos tener mucho cuidado con la aplicación del maquillaje; en 3D-HD todo se muestra en sumo detalle, por eso debíamos arre-glar manualmente, uno a uno, los pelos de las pelucas y las cejas. Pasamos horas peinando dete-nidamente las cejas de Colin y Christopher”.

Para el personaje vampiro que interpreta Farrell, Jerry, Berger y Nicotero diseñaron seis etapas distintas de maquillaje con pros-tético: lentes de contacto, denta-duras, orejas, manos y máscaras completas. Berger dice: “Craig Gillespie nos dijo que él realmen-te quería algo grandioso. Así que fue una enorme diversión para nosotros”.Los realizadores deseaban que las trasformaciones de Jerry fue-sen acordes a las situaciones que atravesaba. A medida que su ira

aumenta, sus rasgos físicos son cada vez más demoníacos. Sutiles al principio, infernales al final.

“Es maravilloso poder trabajar con Howard y Greg, que tienen una vasta experiencia en ma-quillaje cinematográfico”, dice Gillespie. “Ésta fue mi primera experiencia, de modo que su guía fue muy valiosa. En las prime-ras reuniones hablamos sobre los motivos que generaban las trans-formaciones en Jerry, y cómo la adrenalina afectaba su aparien-cia. Así que, inicialmente discu-timos puntos de vista puramente filosóficos”.

El dúo de maquilladores asegura que conseguir el maquillaje ade-cuado para Colin Farrell fue una tarea ardua. “No es fácil con un actor como Colin, porque de gol-pe te encuentras trabajando con uno de los seres humanos más apuestos del planeta y necesitas transformarlo en un asesino se-ductor y al mismo tiempo horri-ble”, asegura Nicotero. “Sabía-mos que debíamos crear distintas etapas y que todas debían ser geniales, manteniendo el sem-blante de Colin. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es uno de los me-jores films de horror y comedia

de la historia. Una de nuestras tareas más importantes consistía en convencer al público de que Colin era un personaje seguro y, al final, invertir esa situación y asustarlos espantosamente”.

Farrell debió lucir las seis etapas diferentes de maquillajes de vam-piro de Jerry. “Eso es algo bastan-te inusual entre los actores”, dice Berger, “Pero Colin es un soldado y creo que vivió todo el proceso como si fuese Noche de Brujas to-dos los días. Además de ser uno de los actores que más me gusta maquillar, es una gran persona”.

Las distintas etapas que Jerry tuvo que atravesar fueron una experiencia que Farrell disfru-tó mucho, especialmente por la maestría del equipo de maquilla-je. Con evidente entusiasmo, el actor dice: “Hicieron un trabajo maravilloso. Son artistas muy ta-lentosos, ganadores del Oscar®, y además, son muy divertidos. Las jornadas eran largas, pero todo fue increíble desde el principio”.

“¡Trabajar con los actores de la película me produjo una enorme alegría!”, enfatiza Berger. “Colin Farrell es el mejor de los mejo-res. El último día fue muy triste,

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no sabía cuándo lo iba a volver a ver, todos los días eran extraor-dinariamente divertidos con él. Christopher Mintz-Plasse es ma-ravilloso y le dio vida al maqui-llaje de Evil Ed. Utilizó todos los elementos que le brindamos de un modo impecable, ¡es una es-trella!”.

DISEÑO DE PRODUCCIÓN: CONQUISTAN-DO LAS VEGAS Uno de los principales objetivos de Craig Gillespie fue que el pú-blico sintiera la autenticidad de lo que estaba viendo. Por ejem-plo, era muy importante que los espectadores realmente experi-mentaran la sensación de habitar una comunidad en las afueras del desierto de Las Vegas, o de visitar el terrorífico santuario privado de un vampiro.

Este arduo trabajo creativo quedó a cargo del reconocido diseñador de producción Richard Bridgland Fitzgerald (El sicario de Dios, Roc-knRolla), que aceptó la oportuni-dad de crear un estilo imaginativo para NOCHE DE MIEDO (FRIGHT

NIGHT) .

Fitzgerald buscaba que su dise-ño de producción lograra el ba-lance adecuado entre comedia y horror. “Queríamos que el diseño no se centrara exclusivamente ni en la comedia ni en el horror”, dice Fitzgerald. “Gran parte de la comedia de este film es muy sutil – lo que llamo ‘la comedia de la gente’ –, no tiene grandes pases cómicos. De modo que todo lo que creamos en el mundo pe-riférico debía mimetizarse con el escenario general. Sin embargo, cuando fuimos hacia Las Vegas, e ingresamos en el escenario del ilusionista Peter Vincent, tuve mi oportunidad para ser descarado y mostrar el maravilloso espacio en el que ensaya sus espectáculos”.

El director Gillespie dice: “Peter Vincent es el experto en vampiros del film. Es un mago en las Vegas que convive con toda la mitología de los vampiros, y es un persona-je que se desprecia a sí mismo, auto-destructivo”.

Fitzgerald imaginó a Peter Vin-

cent como un hombre que, qui-zás 15 años atrás, había sido un gran éxito en Las Vegas. Pero, lentamente, su carrera y también su vida han ido en declive, hasta quedar al borde del abismo. So-lía tener una enorme cantidad de dinero, pero probablemente se lo gastó todo en la construcción de aquel magnífico penthouse. “Quise darle a su espacio un esti-lo retro”, dice Fitzgerald acerca de la especie de casa-museo en la que vive Vincent. “Creo que su espectáculo ha invadido hasta tal punto su vida real que su mismo hogar luce como una extensión del escenario”.

Otro espacio que supuso un de-safío para Fitzgerald y funcionó como catalizador de su imagina-ción y creatividad fue la guarida de Jerry, en el sótano de su hogar en los suburbios de Las Vegas. Ese espacio funciona como la cripta y el comedor del vampiro, pero también como el santuario priva-do en el que encierra a sus víc-timas. Fitzgerald recuerda haber consultado a Gillespie y haberle

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sugerido que ése era el lugar que podía brindar alguna información sobre la historia de Jerry y mos-trar lo viejo que es. “Decidí que la bóveda de Jerry debía tener un estilo medieval. Cuando duerme, durante el día, la pone sobre su cripta, y cada vez que se mueve la lleva consigo”.

UTILERÍA: EL ARSENAL DE LOS CAZA VAM-PIROS

La versión original de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) ocupa un lugar muy especial en las mentes y los corazones de los fanáticos de los films de terror en todo el mundo, por ese motivo, Gillespie y los demás realizadores quisieron rendirle tributo a aquel trabajo fundacional. Al material inicial se le agregaron ciertos elementos que los fanáticos no dejarán de notar y disfrutar.

Uno de los homenajes a la versión original consiste en que la man-díbula de Jerry se disloca para mostrar líneas y líneas de dien-tes, similares a las de un tiburón. Gillespie dice una de las escenas

incluida en su película, en la que Jerry muerde una manzana, fue “muy paradigmática en la versión original”. Luego agrega: “Habrá algunos elementos de la prime-ra versión y muy probablemente aparezca alguno de los personajes de la mítica NOCHE DE MIEDO”.

Las distintas armas que utilizan los héroes Charley y Amy a lo lar-go de la persecución de Jerry por el penthouse-museo de Peter Vin-cent fueron creadas por el dise-ñador de producción Fitzgerald y Ben Lowney, el maestro de la uti-lería. “Ben ha estado trabajando sobre los distintos tipos de esta-cas durante meses”, dice Fitzge-rald con admiración. “Esculpió la estaca St. Michael en madera y hueso y le colocó una cobertu-ra de metal en la parte superior. Tomamos algunas de nuestras ideas de los relicarios católicos, que son, francamente, obras de arte”.

Ben Lowney, que es uno de los maestros utileros más solicitados de Hollywood, explica que la idea de trabajar en NOCHE DE MIEDO

(FRIGHT NIGHT) lo entusiasmó especialmente porque le ofrecía la posibilidad de incorporar su pasión personal por la escultura y la orfebrería para producir mu-chas de las piezas de utilería. Por ese motivo, el trabajo en el film le pareció tan fascinante como divertido.

Lowney admite que la estaca de hueso fue su pieza preferida –pero también la más complicada –. “Lo peor de todo el proceso fue que después de cortar el hueso quedaba un olor tan nauseabundo que debía abandonar de inmedia-to el lugar en el que estaba tra-bajando”.

Afortunadamente, Lowney sobre-vivió la experiencia y logró darle un sentido aún más profundo a la pieza. Explica que agregó en la cobertura de metal una ins-cripción críptica en griego y latín antiguos. Lowney explica: “Me estoy guardando el significado de las palabras para mí mismo y, en cierto punto, esperando a que al-guien disminuya la velocidad de la película y averigüe qué quieren

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decir las palabras que inscribí en la estaca”.

Lowney también fue el respon-sable de crear el crucifijo que el personaje de David Tennant guar-da en un armario y finalmente uti-liza para alejar a Evil Ed. “Debía lucir antiguo y un poco erosiona-do, de modo que lo remojé en áci-do durante una semana. Después de eso, lucía exactamente igual a las piezas romanas del British Museum”.

Lowney también debió fabricar varios de los crucifijos de made-ra más importantes del film. El maestro utilero explica, “Aunque no lo crean, me resultó realmen-te difícil encontrar cruces de ma-dera bonitas. Busqué por todos lados, pero ahora sólo fabrican cruces de plástico, elementos muy poco estéticos”.

Cuando una estaca de madera, o un chorro de agua bendita, o una cruz de madera encendida no lo-gran derrotar a un vampiro, muy probablemente tampoco tenga ningún sentido utilizar a un arma de fuego.

Pero no necesitan explicarle nada

de esto a la novia de Charley, Amy. Para crear su revólver, Lowney utilizó un arma antigua, le agregó un mango perlado para darle más personalidad y lo convirtió en una perfecta réplica del arma que el General George S. Patton utilizó para luchar en la Segunda Guerra Mundial.

Anton Yelchin agrega con perspi-cacia: “No puedes obtener una buena película de vampiros si no hay estacas y ataúdes, y creo que esta película logra mejorar las ar-mas de lucha contra los vampiros sin perder el foco – desde pistolas que disparan estacas hasta elabo-rados crucifijos. Y es realmente genial. Es muy divertido jugar con todos esos aparatos”.

DISEÑO DE VESTUARIO: EL VAMPIRO ME-JOR VESTIDO

Hace mucho tiempo que la di-señadora de vestuario Susan Matheson (Atracción peligrosa, Sólo para parejas) había decidido que, en cuanto se diera la opor-tunidad, ella trabajaría junto con Craig Gillespie, de modo que reci-bió con mucho entusiasmo y ale-gría la propuesta de formar parte del equipo de NOCHE DE MIEDO

(FRIGHT NIGHT) . Como explica la reconocida diseñadora, “Craig tiene un estilo muy particular y reconocible, y aunque simultá-neamente me habían ofrecido otro trabajo, NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) era lo único que me interesaba”.

La principal tarea de Matheson consistió en crear un look fresco para la nueva versión del film sin dejar de lado el estilo original de los personajes. Ella recuerda que fue muy importante tanto para Gillespie como para ella misma mantener el color crema del ves-tido de Amy en la segunda parte del film. “Fue un elemento icóni-co de la NOCHE DE MIEDO origi-nal”, asegura. “Inicialmente, el vestido debía ser una prenda que pudiese haber sido utilizada por una estudiante secundaria, pero hacia el final debía transformarse en una pieza onírica, atemporal. Hice muchos bocetos: el diseño y las proporciones debían ser per-fectas”.

Matheson comparte un gran secre-to que deleitará a los cinéfilos. Si uno mira detenidamente el film, se dará cuenta de que el vestido de Amy se va transformando muy

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sutilmente a lo largo de la pelí-cula. “El escote se pronuncia y la falda se acorta”, señala Mathe-son.

Pero la diversión de la diseñadora no se agotó con el vestuario del vampiro, también fue la encar-gada de diseñar el vestuario que utiliza David Tennant como Peter Vincent. El vestuario del ilusionis-ta puede ser definido como “Fe-llini conoce Las Vegas”, e incluye un conjunto de cuero para Peter y unos vestidos negros góticos fabu-losos para sus ninfas.

“Ésa fue una de mis partes pre-feridas de todo el proceso de diseño”, asegura Matheson con entusiasmo. “David Tennant es delgado, por eso, para su espec-táculo, quise crear una pieza que acentuara su porte sofisti-cado pero que al mismo tiempo fuese lo suficientemente dramá-tico para su show en Las Vegas”.

Con esa intención diseñó una clá-sica levita con un cuello de cue-ro muy pronunciado. “La parte

trasera de la levita es exagera-da y voluminosa, y se ondea li-geramente cada vez que Vincent camina por el escenario”, dice. “Decidí que el personaje debía llevar muchos anillos y panta-lones de cuero de tiro bajo muy ceñidos, y botas. Si se agregan to-dos esos elementos a la brillante actuación de David, el personaje cobra vida”, se entusiasma.

Mientras que Jerry habita un mundo subterráneo, en su casa suburbana, y desciende hasta el sótano para apresar a sus víctimas y guardar su cripta; Peter Vincent vive en las alturas de su penthou-se, en el último piso de un hotel de Las Vegas.

Matheson concluye: “Cuando está en su penthouse, utiliza una bata de seda con unos motivos muy fe-meninos, y después, en el final del film, luce un tapado de cuero con el que lucha contra el vampi-ro. Es una especie de revisionis-mo de los años ‘80, lo utiliza con vaqueros, una camiseta y unas zapatillas”.

NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) LLEGA A LA CIUDAD

Cuando la oscuridad llegue a las salas, NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) –también disponible en 3D- morderá a toda una genera-ción entera de fanáticos de los films de terror gracias a un crea-tivo remake de una película de culto de los años 80. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es un viaje de entretenimiento y espeluznan-te diversión, que hará también reír a los espectadores.

Tal como concluye el director, Craig Gillespie, “NOCHE DE MIE-DO (FRIGHT NIGHT) es una gran incorporación al canon de pelícu-las de vampiros. Algunas de las escenas serán difíciles de mirar, en el mejor sentido posible, pero también hay momentos cálidos y sinceros, además de puro hu-mor”.

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COLIN FARRELL (Jerry) nació en Ir-landa; su interpretación en la co-media negra In Bruges le valió un premio Globo de Oro®. La pelícu-la sigue los pasos de una pareja de sicarios que, tras una compli-cada misión en Londres, debe es-conderse en la ciudad de Brujas, Bélgica.

Más recientemente protagonizó la comedia de New Line Cinema Cómo acabar con tu jefe . Ac-tualmente se encuentra rodando el largometraje de Sony Pictures Total Recall para el director Len Wiseman. La película se está ro-dando en la ciudad de Toronto, y es también protagonizada por Kate Beckinsale, Jessica Biel y Bryan Cranston. Farrell recientemente finalizó el rodaje de la película de Peter Weir The Way Back, que protagonizó junto con Ed Harris y Jim Sturgess. La película narra la historia de un grupo de soldados que huyen de un gulag de Siberia en 1942. Además concluyó el ro-daje de la película de William Mo-nahan London Boulevard, basada en la novela de éxito editorial de Ken Bruen, sobre un criminal del sur de Londres, recién liberado de prisión, que intenta dejar atrás su vida pasada, cuidando a una so-litaria joven actriz interpretada por Keira Knightley.

Farrell recientemente interpretó la película del director irlandés Neil Jordan Ondine, que gira en torno a un pescador irlandés que descubre una mujer a la cual con-sidera una sirena. Entre sus otros créditos cinematográficos se in-cluyen: Cuestión de Honor de Ga-vin O’Conner; El sueño de Cassan-dra de Woody Allen; Miami Vice; Alejandro Magno de Oliver Stone; El Nuevo Mundo de Terrence Ma-lick; Pregúntale al Polvo, basada en la novela de John Fante; La

prueba, con Al Pacino; Una casa en el fin del mundo, basada en la novela de Michael Cunningham; y Última llamada y Tigerland de Joel Schumacher. Además Farrell intervino en las películas Minority Report, Daredevil, American Out-laws, S.W.A.T. e Intermission.

Nacido y criado en Castleknock, en la República de Irlanda, Fa-rrell es el hijo del ex jugador de fútbol Eamon Farrell, y sobrino de Tommy Farrell. Tanto Tommy como Eamon jugaron para el equi-po irlandés Shamrock Rovers en la década de 1960.

En los primeros años de su ado-lescencia, Farrell aspiraba seguir los pasos de su padre y de su tío. Pero pronto comenzó a intere-sarse por la actuación, e ingresó en la Gaiety School of Drama de Dublín. Antes de completar sus estudios, Farrell obtuvo un papel principal en la miniserie de Dier-de Purcell Falling for a Dancer, un papel protagonista en la serie de la BBC “Ballykissangel” y quedó seleccionado para protagonizar la película The War Zone, que sig-nificó el debut de Tim Roth como director. Farrell actualmente reside en Du-blín, Irlanda.

Colin, ¿qué fue lo que más te atrajo del proyecto?

Llevo tres o cuatro años seguidos realizando películas dramáticas e interpretando papeles dramá-ticos. De manera que, literal-mente, le dije a mi agente: “Me gustaría hacer algo bien diferen-te, con algo de comedia, que sea divertido”.

Entonces surgió este proyecto. Al principio tenía mis dudas porque

había visto la película original cuando tenía 11 o 12 años y me había fascinado. En particular, me había encantado la caracte-rización que Chris Sarandon hizo de Jerry, y sentía ese típico ena-moramiento de niño hacia él; así que no estaba seguro de querer que me agradara el guión. Pensé: “Una nueva versión de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT). Puede ser una muy mala idea”. Pero enton-ces, el guión sencillamente me fascinó, y comprendí que ésta po-día ser una versión muy divertida de la película original”.

Claro que iba a depender mucho de quién la dirigiera, dado que eso determinaría que la película funcionase o no. Cuando me en-teré de que Craig Gillespie esta-ba involucrado y nos sentamos a conversar, me di cuenta de que sería lo máximo poder interpre-tar un personaje que no posee sentimientos humanos como el miedo, el remordimiento, el arre-pentimiento o la compasión. La guionista Marti Noxon diseñó el personaje de un modo muy par-ticular. Deseaba que Jerry fuera un vampiro mucho más malvado, violento y cruel que los vampiros representados en la pantalla en los últimos años.

¿Intentaste conscientemente in-fundir cierto sentido del humor a tu papel, Colin?

No, en ningún momento sentí pre-sión por traer humor a la pelícu-la. Creo que eso quedó reserva-do a David Tennant y Christopher Mintz-Plasse. La mayor parte del diálogo humorístico está reser-vado a sus dos personajes y esos muchachos definitivamente saben explotarlo. Yo era el terror y ellos el humor.

ENTREVISTA

COLIN FARRELL “Me gustaría hacer algo bien diferente, con algo de

comedia, que sea divertido”

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De la mano del director Terrence Malick (“MALAS TIERRAS”, “DÍAS DEL CIELO”, “LA DELGADA LÍNEA ROJA”, “EL NUEVO MUNDO”) nos llega una experiencia cinemato-gráfica provocativa. Su quinta pe-lícula, EL ÁRBOL DE LA VIDA, es un canto a la vida. Busca respuestas a las preguntas más inquietantes, personales y humanas; a través de un caleidoscopio de lo íntimo y lo cósmico, que va de las emociones más descarnadas de una familia de un pequeño pueblo de Texas a

los límites infinitos del espacio y del tiempo, de la pérdida de ino-cencia de un niño a los encuentros transformadores de un hombre; y lo hace con sobrecogimiento, asombro y trascendencia. Una historia impresionista de una familia del medio-Oeste ameri-cano en los años cincuenta, que sigue el transcurso vital del hijo mayor, Jack, a través de la ino-cencia de la infancia hasta la des-ilusión de sus años de madurez,

en su intento de reconciliar la complicada relación con su padre (Brad Pitt). Jack (como adulto, interpretado por Sean Penn) se siente como un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas sobre el origen y sig-nificado de la vida, a la vez que cuestiona la existencia de la fe. A través de la imaginería singular de Malick, vemos cómo, al mismo tiempo naturaleza bruta y gra-cia espiritual construyen no sólo nuestras vidas como individuos y

Estreno

El árbol de la vida16 de septiembre

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familias, sino toda vida. River Road Entertainment presen-ta “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, escrita y dirigida por Terrence Malick y protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain. Los pro-ductores son Sarah Green, Bill Po-hland, Brad Pitt, Dede Gardner y Grant Hill. El productor ejecutivo es Donald Rosenfeld, el co-pro-ductor es Nicolas Gonda y los co-productores ejecutivos son Steve Schwartz y Paula Mae Schwartz.

El equipo artístico está formado por expertos artesanos del medio, que ya han colaborado con Malick en el pasado, incluyendo al direc-tor de fotografía, cuatro veces nominado a los Premios de la Aca-demia, Emmanuel Lubezki ASC, AMC (“EL NUEVO MUNDO”, “HIJOS DE LOS HOMBRES”); la diseñadora de vestuario, nominada a los Pre-mios de la Academia, Jacqueline West (“EL CURIOSO CASO DE BEN-JAMIN BUTTON”); el productor de diseño, nominado a los Premios

de la Academia, Jack Fisk (“PO-ZOS DE AMBICIÓN”, “DÍAS DEL CIE-LO”) y un equipo de montaje que incluye a Hank Corwin ACE (“EL NUEVO MUNDO”), Jay Rabinowitz (“I’M NOT THERE”, “8 MILLAS”), el nominado a los Premios de la Academia Daniel Rezende (“CIU-DAD DE DIOS”), el dos veces nomi-nado a los Premios de la Academia Billy Weber (“LA DELGADA LÍNEA ROJA”, “DÍAS DEL CIELO”) y Mark Yoshikawa (“EL NUEVO MUNDO”). Alexandre Desplat, tres veces no-

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minado a los Premios de la Aca-demia por “EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON”, “THE QUEEN (LA REINA)” y “EL DISCURSO DEL REY”, compuso la música origi-nal.

LOS COMIENZOS

Terrence Malick siempre ha creado películas que hacen re-flexionar, intensamente visuales y emocionales, cada una es una experiencia distinta llena de mis-terio y profundidad. Su nueva pe-lícula, “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, puede que sea simultáneamente su obra más íntima y épica hasta

el momento – una búsqueda que va de las torres corporativas urba-nas al jardín trasero de una fami-lia de Texas de los cincuenta y, a la vez, va del comienzo de la vida en la tierra al fin del universo co-nocido, en busca de lo verdadero, lo duradero, lo infinito. La historia se desarrolla de ma-nera sinfónica, como una pieza musical dividida en movimientos, o las ramas de un árbol altísimo que traza la evolución de una úni-ca vida – la de Jack O’Brien, quien está intentando encajar una serie de preguntas persistentes sobre la ira de su padre, el amor de su

madre, la muerte de su hermano y sus propias luchas con la fe y el sentido de las cosas. Pero la histo-ria de Jack discurre dentro de la enorme belleza y el ritmo recursi-vo del universo mismo. Sus luchas humanas pasan a formar parte de los poderes inmensos de creación y destrucción del cosmos, según comienza a sentir sus conexiones con el polvo de las estrellas, con las criaturas prehistóricas que en el pasado deambulaban por el mundo y con su destino final. Es una historia de amor profunda so-bre cómo el amor emerge de la vida y la vida emerge del amor. EL ÁRBOL DE LA VIDA es un viaje de final abierto hacia un territorio inexplorado para una audiencia de cine contemporánea, una que sin duda impactará a cada perso-na de una manera única. Según Malick entra en semejante nebu-losa, mundos llenos de imagina-ción como la memoria infantil, la historia prehumana y el reino de las estrellas centelleantes, la historia se desarrolla tanto a un nivel microscópico del corazón como a un nivel masivo, inabarca-ble, de eones y eones de tiempo, con ambos niveles en continuo movimiento. Sarah Green, que también pro-dujo “EL NUEVO MUNDO”, estaba asombrada y emocionada en su encuentro inicial con el proyecto. “Terry me mostró una aproxima-ción temprana y recuerdo haber pensado inmediatamente que esta película tenía que hacerse – y que yo haría todo lo posible para llevarla a cabo,” recuerda. Green dice, “El mismo título de la película sugiere tanto. El “árbol de la vida” es un concepto clave un muchas de las religiones ma-yoritarias y también en el darwi-nismo. Sugiere naturaleza, sugie-re espíritu. Todo el mundo tiene una reacción a esas palabras.” “Terry tiene su propio lenguaje cinematográfico,” declara el pro-

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ductor Grant Hill, que ha traba-jado con Malick en “LA DELGADA LÍNEA ROJA”. “En cierto sentido, nadie más habla el lenguaje cine-matográfico que él ha inventado. Tiene el maravilloso don de ser capaz de hacerte sentir que real-mente estás ahí, que conoces a sus personajes. Y con “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, lleva ese lenguaje fílmico a un terreno nuevo, para llevar al público a un viaje ori-ginal, a dar un salto de fe, y les permite traer parte de sus pro-pias experiencias vitales al lienzo de la historia – una historia que es sobre una única familia pero, a la vez, también trata de la crea-ción del cosmos.”

El guión también pasó su propio proceso de evolución, desarro-llándose de maneras nuevas en cada giro y, sin embargo, siempre permanece abierto a otras posi-bilidades como parte del proceso de Malick. Rápidamente atrajo a productores adicionales que ha-bían estado en contacto con Ma-lick, deseando trabajar con él en proyectos inminentes: Bill Pohlad

de River Roads y los socios de PLAN B, Brad Pitt y Dede Gardner. Pohlad dice sobre su reacción a este guión increíblemente incon-vencional: “Era una pieza de es-critura asombrosa, no tenía nada que ver con nada que haya leído antes. Básicamente era un poe-ma. No sé qué esperaba cuando empecé a leerlo, pero me afec-tó a un nivel muy emocional. Era un guión increíble, poderoso, que equilibraba una intimidad pro-funda con una dimensión épica.” Pohlad continúa: “Hay una co-nexión poderosa entre lo uni-versal y lo personal. La belleza de “EL ÁRBOL DE LA VIDA” es el entramado orgánico de esos dos aspectos.” Gardner, quien sostiene que el ha-ber visto “DÍAS DEL CIELO” hace años le emocionó y le inspiró en su propia carrera en cine, añade “estaba sorprendida por lo mucho que me emocionó el guión y me aportó algo muy particular en mi interior, pero creo que distintas

personas sacarán cosas distintas de ella, y esa es la verdadera be-lleza de lo que hace Terry en “EL ÁRBOL E LA VIDA”. Sigue: “Para mí, esta historia de familia y lo que nos cuenta sobre el ego, la vergüenza, la humildad y la gracia se convierte en algo mucho más accesible porque está hecho de una manera tan her-mosa, se inscribe en un contexto mayor, de un mundo sin tiem-po, sin fronteras. Lo que resul-ta asombroso es ver cómo Terry puede crear estas capas inmensas de perspectiva – tan enormes en tamaño y alcance – en la película, sin nunca alterar la sensación de que ésta es una historia familiar increíblemente íntima y doloro-sa.”

Según la película discurre a lo lar-go del tiempo y del espacio, crea imágenes raramente vistas en el panteón de la historia del cine: imágenes del universo y de la tie-rra según se va formando tras un caos explosivo, cómo crece y evo-luciona hasta llegar a las impre-

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sionantes estructuras de la vida. Malick consultó con una selección de científicos de todas partes del mundo para entender mejor to-das las fuerzas en funcionamiento – la Física, la Astronomía y la Bio-logía – en lo que estaba intentan-do capturar y, por primera vez en su carrera, trabajó de manera ex-tendida con efectos visuales. Hizo esto en conjunción con el consu-mado equipo de Douglas Trumbell de “2001 UNA ODISEA DEL ESPA-CIO”, el afamado y veterano su-pervisor de efectos visuales Dan Glass (“MATRIX RELOADED”, “V DE VENDETTA”).

“No creo que nunca haya visto ningún director intentar presen-tar el comienzo del universo de una manera tan auténtica en una película antes,” dice Gardner. “Creo que es mágica. Podría verla durante horas. Pero más allá de su belleza y maravilla, lo que es tan impresionante es la manera en que Terry entreteje todo ello en la película, dejándote ver que esta familia, el ego de este pa-dre, estas luchas que Jack siente en su interior, son tan minúsculas y temporales en medio de todo.” Green resume: “Es una experien-cia extraordinaria y una que el

público no ha tenido antes, parti-cularmente la manera en que Te-rrence Malick trae la naturaleza a la pantalla, en toda su grandeza y gloria extrema.” A pesar de que un hilo de temas específicos se entretejen a lo lar-go de todas las películas de Ma-lick – el contraste de inocencia y violencia, naturaleza y espíritu, cruda realidad y belleza trascen-dental – hay algo más que las une: no son tanto películas que uno ve, sino experiencias que uno habita.

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El 16 de septiembre llega a nues-tras carteleras “Arriety y el mun-do de los diminutos”, penúltimo trabajo en formato largometraje del Studio Ghibli, lo que supone un auténtico acontecimiento para los amantes del cine de anima-ción en general y de las películas de este estudio en particular. La salida de una película de este Stu-dio es siempre un acontecimien-to en si mismo, y en este caso no es una excepción. Arrietty y el mundo de los diminutos cuenta la historia de una familia de peque-ños seres, de apenas 10 cms. de longitud, que viven en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre. Estos diminutos seres tienen la norma de no dejarse ver nunca por los

humanos; sin embargo, su tran-quila existencia cambia cuando la joven Arrietty, una audaz ado-lescente, es vista accidentalmen-te por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Entre ambos sur-girá una fuerte amistad, pero a la vez la existencia de estos seres se verá peligrosamente amenazada. Desde CineAsia hemos querido sa-ber un poco más de todo lo que rodea a un estreno de estas ca-racterísticas, y desde aquí desea-mos que el estreno sea un verda-dero éxito. Así, que todos al cine a ver Arriety, porque desde luego la propuesta no os va a defraudar en absoluto.

El debut en la dirección de Hiro-

masa Yonebayashi.

Con el inapelable logro de ser el director más joven de una pelícu-la de la factoría Ghibli, pues tan sólo cuenta con treinta y ocho años de edad, Hiromashi Yone-bayashi, también conocido como Maro, firmó su primer trabajo para Ghibli con La princesa Mo-nonoke (Mononoke-hime, 1997), donde ocupó labores de “inbet-weening”, o intercalado, que es el proceso de generar marcos intermedios entre dos imágenes para dar la apariencia de que la primera imagen se desarrolla sin dificultad dentro de la segunda imagen. Los “inbetweens” son los dibujos entre fotogramas que ayudan a crear la ilusión de mo-

Estreno “Oriental Express”

Arriety y el mundo de los diminutos

16 de septiembrePor Francisco Nieto

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vimiento. Este mismo trabajo lo llevó a cabo en otros films poste-riores como Jin Roh: The Wolf Bri-gade (Jin-Ro, 1999) y Mis vecinos los Yamada (Hohokekyo tonari no Yamada kun, 1999). Con la expe-riencia acumulada, sus siguientes trabajos fueron como “key ani-mation” en films como El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no ka-mikakushi, 2001); el cortometra-je Mei and the Kittenbus (Mei to Koneko basu, 2003) y El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro, 2004), para pasar luego a ayudan-te del director de animación Goro Miyazaki en Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006). Después de este más que aceptable debut en la dirección con Arriety, su si-guiente proyecto también lo va

a unir con el hijo del gran Hayao Miyazaki. Llevará por título From up on Poppy Hill (Kokuriko-zaka kara, 2011), algo así como Des-de la colina de las amapolas, la historia de una adolescente que, tras perder a su padre y a su ma-dre en sendos accidentes, descu-brirá el amor al sentirse atraída por dos compañeros de clase, un reportero del diario de la escuela y el presidente del consejo estu-diantil.

La novela Arriety y el mundo de los dimi-nutos está basada en la novela fantástica The Borrowers (algo así como Los que toman prestado), publicada en 1952 por la escritora

británica especializada en litera-tura infantil Mary Norton. No es la primera adaptación que el Studio Ghibli lleva a cabo tomando como base escritos de autores de len-gua inglesa; El castillo ambulan-te es una adaptación libre de la novela del mismo título de Diana Wynne Jones y Cuentos de Terra-mar estaba basada en una mezcla entre el tercer libro de la serie Terramar, la costa más lejana, y el cuarto Tehanu, escritos por la norteamericana Ursula K. Le Guin. The Borrowers fue la primera de una saga de novelas a las que si-guió The Borrowers Afield (1955); The Borrowers Afloat (1959); The Borrowers Aloft (1961) y The Bo-rrowers Avenged (1982). Las an-danzas de Pod, Homilia y su hija

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adolescente Arriety, personas di-minutas que viven en los sotanos de las casas tomando pequeños utensilios “prestados” para poder sobrevivir recibieron multitud de distinciones, destacando entre ellas la Medalla de Carnegie, ga-lardón establecido en 1936 por The Library Association en 1936 y que se entrega anualmente al libro infantil/juvenil más desta-cado. En 2007, esta misma presti-giosa institución reconoció a The Borrowers como una de las nove-las más importantes escritas para niños en los últimos 70 años. Al igual que ocurre en el film de Yonebayashi, el personaje de Arriety es el que mueve la mayor parte de la acción. Sus continuas y curiosas incursiones en el mun-do de los seres humanos tienen como consecuencia efectos caóti-cos debido al egoísmo de éstos, lo que repercute en mudanzas cons-tantes de lugar de residencia ante el temor de los padres porque algo malo vaya a ocurrir. En es-tos numerosos traslados será don-de aparezcan nuevos y coloridos personajes que se irán añadiendo a las sucesivas novelas (en el film por ejemplo aparece Spiller el te-rrible, que vive a la intemperie. Por lo que respecta a la autora de

la serie, Mary Norton era hija de un médico, y se crió en una casa de estilo georgiano de la Calle Mayor en Leighton Buzzard, lugar que le inspiró para escribir sus novelas. Comenzó a escribir mientras tra-bajaba para la Comisión de Com-pras británica en Nueva York du-rante la Segunda Guerra Mundial. Su primer libro fue The Magic Bed Knob (El botón de la caja mágica o Cómo convertirse en una bruja en diez lecciones fáciles, publi-cado en 1943. Esta novela junto a Bonfires and Broomsticks sirvió a Disney de base para su pelícu-la La bruja novata (1971). Norton murió de un ataque al corazón en Devon, Inglaterra, el 29 de agosto de 1992.

¿Una compositora francesa para la banda sonora?

Si hay algo que en especial brilla con luz propia entre las innume-rables virtudes que atesoran las producciones del Studio Ghibli es el destacadísimo apartado musi-cal con el que cuentan siempre sus encantadoras películas, un auténtico deleite para los senti-dos de sus devotos aficionados. Si bien durante largos años he-mos podido disfrutar de las obras

maestras creadas por el genial compositor Joe Hisaishi (con ban-das sonoras absolutamente me-morables como las de El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke o El castillo ambulante, entre mu-chas otras), en esta ocasión Ghi-bli se ha inclinado por darle un nuevo aire su nueva producción, apostando por un cambio radical de estilo en la figura de la talen-tosa artista francesa Cécile Cor-bel, gran admiradora del trabajo de Ghibli. Corbel, ni corta ni pe-rezosa, envió a Ghibli su segun-do disco como regalo en 2009. Al productor de la película le gustó tanto su estilo que se puso de in-mediato en contacto con la artis-ta y le encargó la partitura sonora completa del proyecto. Tanto los temas instrumentales como muy especialmente los vocales son una auténtica maravilla (con temas tan apasionantes y cautivadores como Goodbye My Friend); una banda sonora tan original como alejada del estilo habitual de Ghibli. Seguro que os sorprenderá muy gratamente.

Algunas curiosidades

-La BBC se encuentra actualmen-te preparando una nueva adap-tación en imagen real para tele-

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visión interpretada por Stephen Fry, Victoria Wood y Christopher Eccleston. -Pero sin duda, la adaptación televisiva que nuestros usuarios recordarán con más cariño es la americana Los diminutos (The littles), emitida en la televisión de nuestro país de 1983 a 1986 (¿quién no recuerda su pegadiza cancioncilla de entrada?). La serie fue dirigida por el prestigioso ani-mador francés Bernard Deyries, conocido por series tan populares como Ulises 31 o Las nuevas aven-turas de He-Man. -En Japón, donde la película ya se estrenó el 17 de julio del año pasado, los encargados de poner las voces originales a los distin-tos personajes fueron Mirai Shida (Kabe) como Arriety; Tomokazu Miura (Outrage) como Pod y Shin-obu Otake (Surely Someday) como Homily.

-Aunque todavía desconocemos quiénes serán los encargados de llevar a cabo el doblaje al caste-llano de la película en su estreno en EEUU, previsto para el 17 de febrero de 2012, los actores en-cargados serán Bridgit Mendler (Alvin y las ardillas 2) como Arrie-ty; Will Arnett (Jonah Hex), como Pod y Amy Poehler (Saturday Night Live) como Homily. Mientras tanto, en Inglaterra se han con-firmado en estos mismos roles a Saoirse Ronan (Expiación), Mark Strong (Sherlock Holmes) y Olivia Colman (Arma fatal). El film llegó a las carteleras inglesas el pasado 29 de julio de 2011. -En lo que llevamos de 2011, Arriety ya ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Premio de la Academia Japonesa a la mejor película de animación y el Premio del Público en el Nippon Connection 2011.

-Hayao Miyazaki interviene en el film en funciones de guionista y productor, labor esta última que comparte con Toshio Suzuki. Con estos padrinos el éxito estaba asegurado. Precisamente fue Mi-yazaki quien comenzó la etapa de desarrollo de la película en 2008. Sus planes originales incluían una duración de ochenta minutos, y el título que se barajaba por en-tonces era “Chiisana Arriety” (La pequeña Arriety) -La historia tiene lugar en 2010 en Koganei, un vecindario situado al Oeste de Tokio. Koganei es justa-mente el lugar donde se encuen-tra ubicado el Studio Ghibli.

-Siete millones y medio de per-sonas vieron Arriety en Japón mientras se mantuvo en cartel, lo que supone el récord de todos los tiempos en este país para una pe-lícula con un director debutante.

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concurso y gana uno de los dos

DVD’s de la película quesorteamos.

Tan solo tienes que enviar un e-mail a

[email protected] y responder a la siguiente pre-

gunta antes del 1 de octubre, en que famoso personaje interpre-

tado por Johnny Deep está inspirado RANGO.

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Estreno

30 de septiembre

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Basada en la clásica novela de Alejandro Dumas, llega la aventu-ra de acción para la gran pantalla de Los tres mosqueteros, conce-bida y rodada con la tecnología 3D más avanzada.

Son conocidos como Athos, Por-thos y Aramis, tres guerreros de élite que sirven al rey de Fran-cia como sus mejores mosquete-ros. Tras descubrir una malévola conspiración para derrocar al rey, los mosqueteros se cruzan con un joven que aspira a convertirse en héroe, D’Artagnan, y lo toman bajo su tutela. Juntos, los cua-tro emprenden una peligrosa mi-sión para frustrar el complot que amenaza no solo a la Corona de Francia, sino al futuro de la pro-pia Europa.

ACERCA DE LA PELÍCULA

El rodaje de Los tres mosquete-ros comenzó el 26 de agosto de 2010 en exteriores de Baviera, en Alemania. La película, producida para Constantin Film e Impact Pictures por Jeremy Bolt y Robert Kulzer, está dirigida y producida por Paul W.S. Anderson. Martin Moszkowicz, de Constantin Film, ejerce de productor ejecutivo.

El filme, basado en la novela his-tórica de Alejandro Dumas, ha sido adaptado para la gran pan-talla por Andrew Davies (El diario de Bridget Jones) y Alex Litvak (Predators). Otros miembros cla-ves del equipo creativo incluyen al diseñador de producción Paul Austerberry (La Saga Crepúsculo: Eclipse), al diseñador de vestuario Pierre Yves Gayraud (El perfume: historia de un asesino) y al direc-tor de fotografía Glen MacPherson (Resident Evil: Ultratumba).

El estelar reparto está encabe-zado por Logan Lerman (Percy Jackson y el ladrón del rayo), que interpreta al joven e idealista D’Artagnan, Matthew Macfadyen (Orgullo y prejuicio, Robin Hood), Ray Stevenson (“Roma”, El libro de Eli, Thor) y Luke Evans (Immor-tals, Furia de titanes) interpretan a los tres veteranos mosqueteros,

ya cansados de la guerra, Athos, Porthos y Aramis, respectivamen-te. El ganador del Oscar® Christo-ph Waltz (Malditos bastardos, The Green Hornet (El avispón verde)) interpreta al intrigante cardenal Richelieu, Milla Jovovich (Resi-dent Evil, El quinto elemento) es la hermosa pero letal agente triple Milady de Winter, y Orlan-do Bloom (Piratas del Caribe, El Señor de los Anillos) interpreta al duque inglés de Buckingham.

El reparto se completa con las estrellas en alza Juno Temple (Las hermanas Bolena, Diario de un escándalo) y Freddie Fox (St. Trinian’s 2: The Legend of Fritton’s Gold) como la reina Ana y el rey Luis, respectivamente. Gabriella Wilde (St. Trinian’s 2: The Legend of Fritton’s Gold) interpreta a la bella e ingeniosa Constance. Ja-mes Corden (Los viajes de Gulli-ver), cómico británico y estrella de la televisión en su país, es Planchet, el criado del joven mos-quetero. Mads Mikkelsen (Casino Royale, Furia de titanes) inter-preta a la némesis de D’Artagnan, Rochefort, el implacable capitán de la guardia del cardenal.

UN NUEVO REPARTO PARA UN RELATO CLÁSICO

Robert Kulzer y Jeremy Bolt se reúnen con el director y su socio en la producción Paul W.S. Ander-son para crear Los tres mosque-teros. Como los propios persona-jes que dan nombre a la película, estos tres realizadores vuelven a trabajar juntos, esta vez para abordar una ficción histórica, algo muy distinto a lo que nos tienen acostumbrados en sus últimas co-laboraciones.

Según explica Kulzer: “Paul y yo hemos hecho muchas pelícu-las juntos, en general llenas de zombis, monstruos y fuerzas del mal. Sin embargo, creo que por fin estamos empezando a madu-rar, Paul se ha casado e incluso ha tenido una hija, Ever. Paul es un padre muy dedicado y, en mi

opinión, Ever ha influido sin duda alguna en su intento de diversifi-carse y probar algo nuevo. Pero creo que todos opinábamos que esta era una oportunidad fantás-tica para que Paul mostrara un aspecto de su obra y de sus habi-lidades que va más allá de ser un mero director de cine de acción y demuestra que es realmente al-guien que puede contar una his-toria de amor con humor y mucho espíritu”.

La selección del reparto de cual-quier película es siempre un ele-mento crucial para asegurar el éxito de la misma, pero el proceso adquiere una especial importan-cia cuando se trata de encarnar a personajes tan populares, que protagonizan una historia clásica y sobradamente conocida por to-dos.

“Esta película supuso un gran de-safío por lo que respecta al re-parto, porque todos los actores tienen que ser graciosos, deben ser encantadores y también nece-sitan ser capaces de afrontar los respectivos problemas amorosos de cada uno de sus personajes. La historia también exige que mu-chos de ellos vuelen por los aires, luchen a espada, monten a caba-llo, en aeronaves, etc. De modo que cada actor tenía que ser ca-paz de exhibir un amplio espectro de habilidades y talentos”, obser-va Kulzer.

Logan Lerman fue el primer actor en ser elegido para el papel pro-tagonista de D’Artagnan. Lerman señala: “D’Artagnan es el perso-naje simbólico lleno de juventud y valores morales que sirve para reavivar la pasión de los mosque-teros y hacerlos salir de su retiro. Al principio de la película, cuan-do se marcha de su pueblo natal, es un chico ingenuo y algo gallito. Recibe una buena dosis de reali-dad cuando llega a la gran ciudad y se topa con gente de lo más in-moral”.

Bolt aporta: “Decidimos mostrar a D’Artagnan tal como se represen-ta en el libro, donde es un chico

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de 17 o 18 años. Es muy listo y, no solo es físicamente un gran atle-ta y un gran espadachín, sino que también es sumamente inteligen-te y tiene don de gentes. Logan es un joven muy listo y sumamente entregado. Lo pusimos a trabajar con un excelente maestro de es-grima/coreógrafo y se ha conver-tido en un gran atleta. También tiene un aspecto muy simpático y nos parecía muy importante que nuestro D’Artagnan poseyera esa cualidad de ‘hombre de la calle’. Es un chico de pueblo de Gascuña; básicamente, es un don nadie que cambia el mundo”.

Lerman estaba encantado por la oportunidad de trabajar con el director, Paul W.S. Anderson. Se-gún señala: “Trabajar con Paul y su equipo ha sido una experiencia de mucha colaboración. Resulta agradable tener voz y voto en lo referente a tu personaje y poder realizar pequeños ajustes para poder sentirte cómodo con cada escena. Paul siempre se mostró muy accesible y receptivo a nue-vas ideas”.

También estaba igualmente en-

cantado de poder trabajar con los actores que acabarían eligiendo para ser sus coprotagonistas, los tres mosqueteros. Pero el primer encuentro de su alter ego con ellos no sale precisamente como esperaba. “Cuando conoce a los tres mosqueteros, al momento se lleva una gran desilusión con ellos. Creía que serían tipos he-roicos, pero en realidad no son más que borrachos aburridos y sin rumbo en la vida. D’Artagnan cambia sus vidas, se gana su res-peto y los vuelve a juntar”.

Elegir a los tres mosqueteros fue en realidad un proceso bastante sencillo, porque cada uno de los personajes se describe de forma muy clara y característica en la novela de Dumas; el misterioso Aramis, el inconmensurable Por-thos y el melancólico Athos.

“Tenía que existir un buen equili-brio entre estos actores, porque los mosqueteros son todos igua-les, incluso cuentan aproximada-mente con el mismo número de páginas cada uno en la novela. Matthew Macfadyen está sensa-cional en el papel de Athos, po-

see una cierta gracia y elegancia, con una inquietante violencia subyacente. Porthos se muestra lleno de pasión y exuberancia, te estrecha fuertemente entre sus brazos y está siempre con cer-veza y vino, y Ray [Stevenson] aporta esa presencia física. Luke Evans como Aramis es sumamente apuesto, pero posee a la vez una cualidad oscura y misteriosa”, apunta Bolt.

Matthew Macfadyen fue el elegi-do para interpretar al desconso-lado pero desbordante de talento Athos. El productor Robert Kulzer señala sobre el actor: “Interpre-ta magníficamente el papel de Athos, con elegancia y dignidad, pero también con un trasfondo apenas contenido de violencia y brutalidad”.

Macfadyen aprecia a su personaje y valora especialmente su profun-didad: “Athos ha sido traicionado por su amada, Milady, que los ven-dió tanto a él como a sus amigos al duque de Buckingham. Como consecuencia, Athos se muestra muy malhumorado y poco comu-nicativo. Es un personaje bastan-

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te oscuro, que bebe para ocultar su desengaño”.

Pero, cuando D’Artagnan llega a París, Athos reconoce en él todos los ideales de su propia juventud. “Se encariña instintivamente con D’Artagnan porque creo que ve ecos de sí mismo en este joven, creo que todos los mosqueteros lo hacen. D’Artagnan está lleno de vida y exuberancia, cosa que no le pasa ya a Athos, que ya lo ha visto y hecho todo, está de capa caída. La relación que desarrolla con D’Artagnan se vuelve muy pa-ternal, es una historia conmove-dora”.

A pesar de ser amigos íntimos, cada uno de los mosqueteros tie-ne una personalidad muy distinta. Luke Evans, elegido para interpre-tar a Aramis, y un gran fan de la historia desde niño, habla de los personajes de los mosqueteros y de las respectivas relaciones que establecen cada uno de ellos con el joven D’Artagnan en la pelícu-la. “Todos tenemos nuestra pro-pia relación con D’Artagnan. Mi personaje, Aramis, se convierte en una especie de hermano ma-yor para él. Ve a este joven mo-coso que se cree invencible y que puede dominar el mundo y lo ve cometer sus errores. A Aramis le cae bien D’Artagnan y se preocupa por él de manera muy fraternal, aunque a veces la bravuconería juvenil de D’Artagnan le resulte algo crispante. Athos es la figura paterna, un padre perdidamente enamorado y desengañado, que se ve reflejado en D’Artagnan. Y luego tenemos a Porthos, que es como el tío de gran corazón, siempre despeinándolo y dándole palmadas en la espalda un poco más fuertes de lo debido. Todos tenemos nuestro lugar”.

“Tras llegar a París y conocernos a los mosqueteros, D’Artagnan empieza a crecer como persona. Progresa mucho a lo largo de la película, es su rito de transición. Un jovencito que tiene sus miras puestas muy alto y recibe una lección. Se enamora locamente y se da cuenta de que tiene que to-mar decisiones muy importantes,

así que madura muchísimo. Todos maduramos a lo largo de la pelí-cula. D’Artagnan resucita el espí-ritu de camaradería, fraternidad y orgullo por quiénes somos. En definitiva, D’Artagnan se gana su lugar, trabaja duro para conse-guirlo y, al final, se acaba convir-tiendo en el cuarto mosquetero”.

El productor Robert Kulzer con-sidera a Luke Evans el candidato ideal para Aramis. “Es un tipo apuesto, pero también aporta un lado oscuro y misterioso a su pa-pel”.

Evans explica: “Aramis fue anta-ño sacerdote y se le puede ver a menudo leyendo la Biblia o usan-do su rosario. Es un tipo fiel y un gran amigo, en los libros no traiciona nunca a nadie. Reza por todas y cada una de las personas a las que ha matado en combate. Como mosquetero, Aramis es un individuo muy tranquilo y, cuan-do lucha, es letal pero grácil y ágil. Es como un Batman del siglo XVII”.

Ray Stevenson interpreta al in-

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conmensurable mosquetero Por-thos. Sobre la labor de docu-mentación que realizó durante la preproducción y cómo eso le ayu-dó a dar forma a su versión del personaje, Stevenson comenta: “En esta película teníamos cierta licencia creativa para idear cier-ta historia pasada de nuestros personajes. Porthos tiene un es-tilo de lucha diferente, tiene una forma particular de vestir y una actitud distinta ante la vida, pero en el fondo tiene cierto ADN que lo convierte en un mosquetero; ese algo indefinible que mantie-ne unidos a los mosqueteros. Fue muy divertido tener la oportuni-dad de jugar con esas ideas”.

Como mosquetero, Stevenson te-nía que tomar parte en muchas de las secuencias de lucha de la película, para las que se estu-vo preparando con la campeona alemana de Europa y medalla de oro, Imke Duplitzer. Stevenson se-ñala sobre su instructora: “Imke fue maravillosa y tuvimos mucha suerte al poder contar con ella. Al rodar escenas en 3D, la cámara lo abarca todo, de modo que todo lo que hagas durante una pelea

tiene que estar muy medido. La disciplina de las secuencias de lu-cha cuando ruedas en 3D está a un nivel muy superior. No puedes olvidar que estás empuñando una gran pieza de metal que intentas clavarle a alguien, así que tienes que estar mucho más concentra-do que si estuvieras filmando en las 2D normales”.

Las estrellas internacionales de cine Orlando Bloom, Milla Jovo-vich y Christoph Waltz se incorpo-raron también al reparto. Según admite Bolt: “a Paul y a mí nos encanta subvertir las expectati-vas del espectador y hacer que un actor interprete un papel com-pletamente distinto al tipo de personaje que se espera de él, así que aquí se puede ver a Or-lando interpretando a un villa-no: el astuto y canalla duque de Buckingham. Esperas encontrarte al típico santurrón, pero te vas a encontrar a un tipo sumamente pícaro y ladino. Creo que somos los primeros en hacer algo así con Orlando”.

Orlando Bloom es el taimado du-que de Buckingham. “La historia

de los mosqueteros es muy fa-mosa y ciertamente excepcional. Siento que toda mi carrera ha sido como una especie de viaje en el que he ido haciendo realidad todos los sueños de mi infancia, y esta película sin duda contri-buye a ello. Una de las cosas que más me atrajo del proyecto fue que el personaje de Buckingham era un tipo de papel muy distin-to para mí. Tengo ocasión de ser un bribón canalla. Buckingham no es el archienemigo, pero no deja de ser igualmente un verdadero granuja. En cuanto leí el guión, supe que iba a ser muy diverti-do y un gran espectáculo. Creo que siempre hay sitio en las salas de cine para una película que la gente pueda ir a ver y disfrutar-la sin más. Se trata de una pelí-cula para maravillarse y dejarse llevar. Además, estaba deseando trabajar con Paul Anderson tras oír las ideas que tenía para la pe-lícula”.

Bloom describe a su personaje en los siguientes términos: “El duque de Buckingham era el cortesano más rico durante el reinado de su majestad Jacobo I y se comporta

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como un mocoso consentido. Es como un pavo real al que le gusta presumir y lucirse. Cuando Paul y yo estuvimos hablando del papel, me decía que pensara en las es-trellas de rock más enrolladas de nuestros tiempos: David Bowie, Jim Morrison, Mick Jagger... Buc-kingham es como una estrella de rock. Esta no es la típica película de los mosqueteros que el públi-co espera encontrarse, porque no se toma en serio a sí misma. Hay mucho humor, ingenio y desenfa-do en esta versión. Buckingham aparece, tiene unos momentos estupendos en los que arma un buen jaleo con todos los persona-jes clave y se vuelve a marchar. Ha sido muy divertido”.

Milla Jovovich es una gran fan de las historias de Dumas desde que era niña. Sobre su atracción por el papel de larga tradición de Mi-lady de Winter explica: “Para mí, Los tres mosqueteros es el clásico libro divertido y lleno de acción que no puedes dejar de leer una vez lo empiezas. Dumas era un escritor fantástico, cada capítulo te deja colgando, deseando saber qué va a pasar a continuación”.

“Estuve involucrada desde el pri-mer momento, cuando Paul [An-derson] empezó a trabajar con Andrew Davies para escribir el guión de la película. Milady es uno de mis personajes favoritos de la literatura histórica. Estaba encantada con el hecho de que Paul estuviera intentado probar algo distinto como realizador y que además yo pudiera tener la oportunidad de interpretar a un personaje tan representativo”.Jovovich habla sobre Milady como personaje y sobre cómo perso-nifica las cualidades de la mujer fuerte e independiente actual: “Siempre he visto a Milady como una de las mujeres más moder-nas de la literatura. Está soltera, es increíblemente inteligente y capaz de entrar y salir de dife-rentes sociedades sin aparente esfuerzo. Hace falta ser una mu-jer muy fuerte y muy lista para poder moverse en un mundo de hombres, sobre todo en el siglo XVII, cuando a una mujer la po-dían encerrar en un convento o en un manicomio por mostrarse respondona con su marido. Ser una mujer lo bastante inteligente para manipular a esos hombres es

todo un logro”.

Sobre el aspecto más oscuro de Milady, Jovovich señala: “Me sien-to muy orgullosa de interpretar este papel, para mí, no se trata simplemente de hacer de mala. Es cierto, no siempre juega según las reglas, pero es que ella no es una mujer normal. No es solo una cara bonita que se queda senta-da, esperando que los hombres le hagan las cosas. No cabe duda de que miente, engaña y roba, ¡pero eso es lo que hacen también to-dos los hombres! La única dife-rencia es que ella es una mujer. Simpatizo mucho con ella. La ta-chan de malvada, pero yo respeto cómo vive su vida”.Bolt afirma: “Milla transmite una fuerza increíble, tiene una gran presencia. No podría imaginarla interpretando jamás a una perso-na corriente, y Milady de Winter no tiene nada de corriente. Es una agente triple, que trabaja encubierta bajo múltiples pseu-dónimos, una mujer muy adelan-tada a su tiempo. Milla sentía que podía aportar algo muy nuevo y distintivo a este personaje y se ha metido de lleno en el papel. Los

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fans de sus trabajos anteriores no se sentirán decepcionados”.

Gracias a todo el trabajo realiza-do en la franquicia de Resident Evil, Jovovich se siente comple-tamente cómoda haciendo esce-nas de acción. “Me encanta hacer mis propias escenas arriesgadas”, asegura. “Es una oportunidad que siempre aprovecho y algo que mis fans agradecen, así que siempre me gusta hacer yo misma todo lo que me sea posible”.

“Tengo una gran secuencia de ac-ción que pretendo hacer yo mis-ma, en la que hay mucha esgri-ma, que me encanta, así que va a ser muy divertido. Tengo que en-frentarme a diez guardias mien-tras llevo puesto el traje comple-

to de Milady. No creo que nadie haya hecho nunca una secuencia de acción con esta clase de vesti-do de enormes faldones, enaguas y corsés, así que va a suponer todo un reto. Está bien, porque Milady es un personaje innovador, siempre la primera en hacer algo, así que estoy encantada de que le toque a ella realizar la primera secuencia de acción de una mujer con corsé y un gran vestido; se lo merece”.

Christoph Waltz interpreta al tai-mado y todopoderoso cardenal Richelieu. “Richelieu tiene el po-der, tiene más poder que nadie en Francia. Simplemente, tiene que organizar el asunto para que todo vaya como la seda. No se trata de una cuestión existencial, sino

más bien de algo diplomático. Es un juego de poder”.

Como tantos otros grandes ac-tores, su manera de abordar el papel fue documentarse y saber apreciar la época en la que está ambientada la película. “Leí bio-grafías y me documenté un poco sobre Richelieu; es importante hacer esa labor para poder inspi-rarse, pero, en última instancia, la interpretación que ofrezco no tiene nada que ver con el verda-dero Richelieu. Es mi verdadero Richelieu”, reconoce Waltz.

“Esta es una interpretación ficti-cia dramática“, prosigue. “Nece-sita estar al servicio de la inten-ción dramática, y no al servicio de la Historia. Recurres a la docu-

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mentación porque es un buen lu-gar donde empezar pero, con fre-cuencia, al fantasear sobre ello, se te ocurren cosas infinitamente más valiosas con las que traba-jar de las que obtendrás jamás al documentarte sobre hechos históricos. Además, contábamos con un asesor de etiqueta, un historiador y un teólogo que nos asesoraban en materia de etique-ta real histórica. Podrías pasarte año y medio estudiándola hasta ser perfecto, pero en realidad esta película no trata de eso. Es importante tener los conocimien-tos, pero también es importante saber dejar los hechos históricos en el lugar adecuado”.

“Resulta fascinante ver trabajar a Christoph Waltz, es un verda-

dero maestro”, afirma Bolt. “No deberíamos subestimar la bri-llantez de la novela de Dumas. Es una obra maestra y los personajes son fenomenales, así que necesi-tábamos a actores que pudieran estar a la altura del material. Con Christoph, se han superado las expectativas. Creo que he-mos tenido muchísima suerte de haber podido contar con él en la película”.

Sobre su experiencia de trabajar con el director, Paul W.S. Ander-son, Stevenson comenta: “Paul siente verdadero entusiasmo por este proyecto, una pura alegría por rodar cada parte de esta pelí-cula, que resulta contagiosa. Es un director muy visual y su dominio a la hora de contar una historia en una película no tiene igual. No me sorprende lo más mínimo que haya decidido entrar en la escena 3D. Lo que me resulta interesan-te es cómo quedará esta historia tan clásica en un escenario 3D. Sabemos lo que el 3D puede apor-tar visualmente, pero ¿permite seguir una narración dramática en ese sentido, cuando no está movida por la acción? La acción es resultado de la narración, en lu-gar de suceder al revés. Creo que va a funcionar sumamente bien. Los espectadores van a necesitar masajes cuando salgan de la sala de cine, porque se sentirán como si hubieran estado metidos en las peleas con nosotros, es muy emo-cionante”.

Macfadyen comenta: “Paul tie-ne un entusiasmo y una energía inagotables, y no lo digo en un sentido ridículo. Simplemente tiene una energía muy constante. Esa cualidad es tremendamente importante para un director por-que, como mínimo, como actor, te apoyas en él para mantenerte animado”.

LOCALIZACIONES

Los tres mosqueteros se rodó en exteriores de Alemania, en algu-nos de los pueblos y ciudades más impresionantes de toda Baviera, y en el Studio Babelsberg, de Pots-dam.

El rodaje se inició en exteriores de Bamberg, en un patio histórico situado en la Domplatz. Este lu-gar hace las veces del escenario elegido por D’Artagnan para ba-tirse en duelo con Athos, Porthos y Aramis. Pero el duelo queda in-terrumpido por la llegada de Ro-chefort y la guardia del cardenal, que son posteriormente aplasta-dos por los tres mosqueteros y su joven y nuevo amigo. Según opina Lerman, “para mí, arrancar con esa gran pelea es decididamente una forma interesante de empe-zar, pasando directamente a una gran escena de acción. Recuerdo que fui el primero de los cuatro que rodó su parte de la pelea. Estaba realmente de los nervios, por no decir más. Soy muy com-petitivo, así que quería demos-trar de qué pasta estaba hecho, además de empezar a sacar de verdad provecho a todo el tiempo que pasamos de intensa prepara-ción”.

La Domplatz se transformó en la Calais del siglo XVII, donde nues-tros héroes descubren que la ruta hacia Inglaterra está bloqueada. También se rodaron algunas es-cenas en Obere Brücke (puente superior) y bajo el ornamentado edificio que otrora fuera el ayun-tamiento. El equipo trabajó toda la noche para filmar las escenas ambientadas fuera del aparta-mento de los mosqueteros, donde llega Rochefort acompañado de sus guardias para arrestarlos por la fuerza si se niegan a entregar-se. El ayuntamiento se construyó a mediados del siglo XIV. Además de la imponente arquitectura y el interior de estilo rococó y barro-co, los frescos son especialmente impresionantes por su plastici-dad.

“Personalmente, me encantó Bamberg”, recuerda Lerman, “Me dejó alucinado. Además, nos lo pasamos muy bien allí. Tanto el reparto como el equipo estába-mos alojados en el mismo hotel de ese pueblecito, así que pasa-mos mucho tiempo juntos a dia-rio, al terminar de trabajar, así como los fines de semana. Estre-chamos muchos lazos”.

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La siguiente parada de la gira fue Burghausen, para rodar tras las históricas murallas del castillo. Una zona que hacía las veces de Meung, donde D’Artagnan hace un alto en su viaje a París y recibe una lección sobre cómo funciona el mundo real de manos de Ro-chefort. Burghausen también fue el lugar elegido para hacer las veces del bullicioso mercado de París, en el que D’Artagnan per-sigue a Rochefort, pero se topa en su lugar con Athos, Porthos y Aramis. Burghausen cuenta con el complejo de castillos más amplio de Europa, que se extiende a lo largo de 1 km de longitud. El cas-tillo, que data del siglo XII, está pintorescamente situado entre el río Salzach y el lago Wohrsee, en las estribaciones de los Alpes.

“Cada localización tenía su pro-pio carácter”, recuerda Steven-son. “La forma en que estaba decorado el plató de Burghausen [el mercado parisino] era increí-ble, no había un hueco libre, lo que se verá realzado gracias a las 3D. También rodamos en lugares como la Residenz y el Antiqua-riam de Múnich, donde nunca se

había rodado antes”.

A continuación, el equipo se des-plazó hasta el extremo septen-trional de Baviera para rodar el esplendor del Louvre en la Würz-burg Residenz y sus jardines. Se reunían multitudes de gente a diario para intentar ver al repar-to de Los tres mosqueteros, in-cluidos Christoph Waltz, Orlando Bloom y Milla Jovovich.

Jovovich comenta la importancia de rodar en exteriores reales, en ciudades y pueblos históricos de Baviera: “Las localizaciones rea-les son lo que dota a la película de autenticidad y grandiosidad. Podríamos haber elegido rodar en Francia, pero la campiña france-sa está tan modernizada que no habríamos podido filmar esos pla-nos generales de los castillos del mismo modo que nos permitía Ba-viera. Paul y el resto del equipo pudieron encontrar esos palacios y castillos históricos increíbles que nos permitían retroceder con la cámara y ofrecer un impresio-nante panorama. Es especialmen-te importante en esta película, porque la profundidad y el campo

visual son cruciales para las 3D”.

El palacio de Weißenstein, en Pommersfelden, fue la residen-cia palaciega que se utilizó para simular el interior del decorado del piso franco de Venecia. Aquí es donde la celebración de los mosqueteros se ve interrumpida por la llegada de Buckingham y la traición de Milady. La sala utiliza-da para el rodaje estaba intrinca-damente decorada con conchas y espejos incrustados en las pare-des, lo que dota a la sala de una cualidad casi acuática.

El palacio, construido entre 1720 y 1780, es la antigua residencia de los obispos príncipes de Wurz-burgo. Durante la 2ª Guerra Mun-dial, sufrió graves daños, pero se sometió a un amplio proceso de restauración y reabrió sus puertas en 1987. En la actualidad está in-cluido en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

Rodar en exteriores de Baviera fue un verdadero placer para Ma-cfadyen, según sus propias pala-bras: “Parecía no tener fin, era una hermosa localización detrás

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de otra, cada una más maravillo-sa y asombrosa que la anterior. Mi favorita fue el palacio del siglo XVII de Pommersfelden. Allí roda-mos la escena del piso franco de Venecia, donde Milady traiciona a los tres mosqueteros. La sala en la que estábamos filmando era enorme y exquisita, con las pare-des decoradas con conchas y pe-queños espejos. El departamento artístico colocó bañeras llenas de agua fuera para que se reflejara el agua y creara un efecto de luz en el techo. Daba un efecto ver-daderamente precioso. Me siento muy afortunado de haber tenido el privilegio de trabajar allí”.

Después, el equipo de rodaje se estableció en Chiemsee y se veían obligados a coger todas las maña-nas un taxi acuático hasta la isla donde se hallaba el palacio real de Herrenchiemsee. Este palacio es probablemente el más deca-dente de todos los que se usaron durante el rodaje en exteriores de Los tres mosqueteros. Fue obra del rey Luis II de Baviera, su intención era crear una copia

del palacio de Versalles, pero Luis murió en 1886, antes de termi-nar la construcción. Sin embargo, todavía cuenta con un gran dor-mitorio que incluye una enorme cama de 3 metros, y la galería de espejos, que mide unos 100 me-tros de longitud y está decorada con más de 1.800 velas.

Se utilizaron varias salas impre-sionantes y los famosos jardines franceses de Herrenchiemsee como localizaciones para la pelí-cula. El lugar hizo las veces del Louvre francés, residencia del rey Luis y la reina Ana.

De vuelta en Múnich, el equi-po se preparó para su última lo-calización en el gran salón de Schleißheim. Esta magnífica sala blanca sirvió como despacho del cardenal Richelieu, ya que refle-jaba a la perfección el frío y duro corazón del personaje.

En el día 33, tras seis semanas en exteriores, el equipo hizo las ma-letas y se trasladó a Berlín, para terminar el rodaje en el Studio

Babelsberg, de Potsdam.

VESTUARIO

Entre los numerosos aspectos en que esta película ofrece una nue-va versión de la clásica historia, se encuentra una completa puesta al día del vestuario de todos los per-sonajes de Los tres mosqueteros. Al diseñador de vestuario Pierre-Yves Gayraud no le faltó trabajo a la hora de encontrar una forma nueva y diferente de vestir a per-sonajes tan conocidos, a la vez que se mantenía fiel al vestuario de la época.

Según explica Gayraud: “Cuando hablé por primera vez con Paul, me dijo que no quería que los tra-jes resultaran muy tradicionales, quería que tuvieran una actitud rockera, sobre todo para Milady y los mosqueteros. Sin embargo, a medida que fuimos avanzando, Paul se fue interesando cada vez más en buscar referencias histó-ricas. Le gustaron, así que el re-sultado es una completa mezcla, no es exactamente del siglo XVII, pero tampoco van exactamente como estrellas de rock”.

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“El diseñador de vestuario hizo un trabajo asombroso”, lo alaba Stevenson. “Ha diseñado unos trajes realmente maravillosos, que encajan todos muy bien en este ambiente tan llamativo y ex-travagante. Ha logrado crear un vestuario que tiene el grado justo de teatralidad, va a ser una pe-lícula de increíble riqueza visual para disfrutar en 3D”.

Gayraud prosigue: “Utilizamos mucho color y, por supuesto, tra-bajar en 3D suponía que teníamos una excelente oportunidad de jugar con las texturas y darle a todo mucho volumen extra”.

Al tener ya experiencia traba-jando en el mundo de la moda, Jovovich disfrutó trabajando con Pierre-Yves Gayraud en los trajes del vestuario de Milady: “Me en-canta la moda, siempre he senti-do gran interés por ella. Trabajar en el vestuario de los personajes

es muy importante, porque es el momento en el que tu personaje cobra realmente vida”.

Gayraud observa: “La verdad es que la ropa del siglo XVII no era nada sexy, era bastante sosa y pesada, sobre todo la de las mu-jeres, así que sabíamos que no queríamos resultar demasiado tradicionales. Para los hombres era un poco más fácil lograr que lo tradicional resultara moderno, porque la silueta seguía siendo la misma; todavía seguían llevando básicamente botas, vaqueros y cazadoras de piloto. Las mujeres de la época eran muy estrictas y no especialmente glamurosas. Así que decidimos cambiar el vo-lumen del corsé, y lo mezclamos con la silueta de Christian Dior de la década de 1950 al bajar el ex-tremo superior de las faldas has-ta justo debajo de las caderas”.

“Guardo más recuerdos de pe-

queña de llevar disfraces que otra cosa, aunque nunca fui de reina. Esta es la primera vez”, comenta riendo Juno Temple, que interpreta a la reina Ana. “Esos trajes eran extraordinarios, te sientes maravillosamente con un corsé y una bonita falda, luciendo escote, clavículas y cuello, y con un porte muy regio”.

Gabriella Wilde, que interpreta a Constance, dama de compañía de la reina Ana, se muestra de acuer-do: “Cuando te pones uno de es-tos vestidos, te sientes distinta al momento. Esa ropa te obliga a ir erguida y moverte de una deter-minada manera, sientes de ver-dad cómo debía de ser para estas mujeres. Aunque también tengo ocasión de vestirme de chico en esta película, así que fue diverti-do”, asegura.

Dada la imagen estilizada que ha-bían creado, Pierre-Yves Gayraud

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y su equipo tuvieron que producir a mano más de 400 prendas de vestuario diferentes. Según ex-plica: “Contamos con tres sitios distintos para crear el vestuario. Empezamos con un taller en París, donde hicimos nuestros prototi-pos y trabajamos en las siluetas que queríamos para los hombres y las mujeres. Cuando esa parte quedó definida, pasamos a Ru-manía para empezar a producir el vestuario. Hasta la primera semana de agosto no llegamos a Múnich para que se pusieran a probárselos los actores que iban a llevarlos en la película. Fue un desafío tremendo conseguir cum-plir con el calendario previsto. Estuvimos trabajando en ciertas prendas hasta el mismo momento en que las necesitaban para rodar una determinada escena”.

Otro reto para Gayraud fue el elemento de acción de la pelícu-la, que explica en los siguientes

términos: “Normalmente, usaría retales viejos de películas en las que he trabajado antes pero, en este caso, no era posible, por la cantidad de duplicados necesarios para cubrir las escenas de acción. En vez de eso, decidimos usar te-jidos modernos y luego trabajar en ellos. Hicimos muchos borda-dos y añadimos estampados para hacerlos diferentes. A veces ne-cesitábamos cinco o seis duplica-dos de un mismo vestido, así que habría sido prácticamente impo-sible encontrar materiales anti-guos en semejantes cantidades”.

Bloom habla sobre su original ves-tuario y cómo le ayudó a que el personaje cobrara vida: “Conta-mos con una excelente fase de ensayos y ya había estado traba-jando en el dialecto, la voz, el movimiento y la presencia física de mi personaje... y entonces me dieron mi traje. ¡No te andas con tonterías cuando llevas un traje

como el del duque! Para una pelí-cula así, es desde luego una gran ayuda, pero también fue algo con lo que tuve que aprender a sentir-me cómodo. Esta ropa no es algo que lleves todos los días. Mis tra-jes no tienen nada de cómodos, pero tienen una pinta increíble”.

“Este vestuario hace que se te salten los ojos y se te vuelen las pupilas”, afirma Freddie Fox. “A Luis le interesa la moda, pero no es un esclavo de la misma. Quie-re tener el mejor aspecto posi-ble, porque debe ser el centro de atención. Le interesa especial-mente lucirse delante del duque de Buckingham, que tiende a ir un paso por delante de él en cues-tiones de moda”.

El productor Jeremy Bolt se hace eco de los elogios del reparto: “Pierre-Yves me ha demostrado cómo el vestuario puede resultar tan importante para una película

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como una buena iluminación. La ropa es un tema recurrente en Los tres mosqueteros; al rey le interesa mucho la moda y Buc-kingham es como el icono de la moda del siglo XVII, así que lo pa-samos muy bien con la idea de la moda a lo largo de la película”, señala.

DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Paul Austerberry comenta sobre el aspecto y el ambiente de la película: “Es una versión moder-na de una película de época. Se supone que está evidentemente ambientada en el siglo XVII, pero hemos incorporado un montón de elementos modernos; es estiliza-da, con líneas limpias y sencillas y una paleta de colores muy vi-vos. Es más como una película de época de cómic que un verdadero drama de época”.

Prosigue hablando sobre el esti-lo del director y cómo influyó en las decisiones que había que to-mar en cuanto al elemento del rodaje en exteriores de la pelí-cula: “A Paul Anderson le encan-

tan los planos generales. Eso es fantástico para el departamento artístico, porque siempre quiere mostrar todo el trabajo que hace-mos. A Paul le gusta que las cosas queden muy simétricas, lo que lo dota todo de un aspecto muy esti-lizado. Todo lo que hacemos utili-za una lente de gran angular, nor-malmente una lente de 18 mm, y todo se ve más grande de lo que realmente es. Hemos ido a todos esos lugares asombrosos, que ya son enormes, y hemos usado una lente de gran angular, cercana al suelo, que permite captar todo el mundo. Es fantástico, porque puedes mostrar todo el ambien-te que rodea a estos maravillosos decorados, y resulta más realista para los actores. Lo que hace Paul es algo sutil, pero consigue que lo tengas todo ahí, justo delante de ti”.

Como diseñador de producción, Austerberry formó parte del equi-po de localización de exteriores que se decidió por Baviera para la mayor parte del rodaje en es-cenarios reales de Los tres mos-queteros. “No estaba seguro de qué esperar de las localizaciones,

pero son fantásticas. Andába-mos buscando lugares italianos y franceses y, naturalmente, Bavie-ra posee mucha arquitectura de influencia italiana. Mucha gente quería por aquel entonces sus Schloßes [palacios] diseñados al estilo italiano, o tener parte de una gruta italiana construida en su terreno, así que logramos en-contrar muchos edificios del esti-lo adecuado en el sur de Alema-nia”.Sin embargo, rodar en escenarios reales presentaba toda una serie de complicaciones, como Auster-berry explica: “Para empezar, ne-cesitábamos conseguir permisos para rodar en estos lugares pro-tegidos. Algunos de los sitios en los que queríamos filmar estaban muy protegidos por su sociedad histórica, así que era difícil acce-der a ellos. Cuando lo logramos, tuvimos que decorar cada escena-rio. Muchos de nuestros artículos eran objetos auténticos del siglo XVII de Francia. Por cada mue-ble que llevábamos a los edifi-cios, teníamos que presentar un certificado que declarara que no tuviera un pasado cuestionable, para asegurar que no metiéramos

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termitas en los Schloßes”.En cuanto al uso del color, Auster-berry señala: “Hemos intentado forzar los límites del color y el estilo en todos los aspectos posi-bles. Por ejemplo, el despacho de Richelieu es una enorme sala de techos altos, completamente pin-tada de blanco, con detalles muy pequeños de negro y dorado. Es increíblemente fría y austera, lo que supone un marcado contras-te con el rojo sangre de la sotana del cardenal y los uniformes de sus guardias, que van vestidos de rojo, con lustrosas armaduras ne-gras”.

Austerberry comenta sobre la creación de las aeronaves de la película: “Lo cierto es que los dirigibles no existieron hasta el siglo XVIII. No obstante, hay mu-chas ilustraciones del siglo XVII de aeronaves, y solían represen-tarse como navíos normales que cuelgan bajo un enorme globo de aire. Supongo que, así, si ameri-zaban, podían mantenerse a flo-te. Llevamos esa idea al extremo y basamos nuestra aeronave en un galeón de la época, ligera-mente modificado, y suspendido bajo un enorme globo. La visión que tenía Paul de estas aeronaves era que venían a ser como una Es-trella de la muerte del siglo XVII, la primera vez que la viéramos cernirse sobre el Louvre en París tenía que parecer enorme. Nos tomamos grandes libertades con la gravedad y la física, lo que nos permite convertirlo en un vehícu-lo impresionante”.

Austerberry explica cómo trabajar en un plató 3D afecta a su traba-jo como diseñador de producción: “Esta es mi primera película en 3D. No es radicalmente distinto, porque siempre me gusta ofrecer un primer plano, un plano medio y un fondo. Sin embargo, en 3D tengo que pensarlo un poco más. No puedo acercar demasiado las cosas a la cámara; tenemos que dejar espacio para el equipo ex-tra en el plató, porque las cáma-ras son mucho más grandes y pre-cisan a más personas trabajando en ellas. Esto fue especialmente cierto en el interior de la aerona-

ve, donde tuvimos que ampliar el plató para hacer hueco para que la cámara, el equipo técnico y los actores pudieran entrar todos en el casco del barco”.

“También he tenido ocasión de jugar con las capas”, prosigue Austerberry. “Es especialmente impresionante cuando la cáma-ra atraviesa las capas, y objetos que no sabías que estuvieran ahí de repente saltan en 3D. Ha sido muy divertido”.

MOSQUETEROS EN 3D

Para el equipo de realización, la decisión de rodar en 3D resul-tó muy sencilla: “Rodamos en 3D porque Paul no quiere rodar en ningún otro formato”, afirma Bolt. “Tras haber filmado Resi-dent Evil: Ultratumba en 3D, es un completo converso. Para él, viene a ser equivalente a cuando se introdujo el sonido en el cine, a principios del siglo pasado. No puedo plantearle proyectos a Paul a menos que pueda rodarlos en 3D. Paul tiene un estilo suma-mente visual, le encanta la sime-

tría, los objetos en primer plano, plano medio y de fondo. El 3D no funcionaría con un director mu-cho más interesado en la palabra escrita, es un medio que entraña un tremendo reto visual, y el di-rector tiene que ser visualmente brillante para sacarle el máximo partido”.

Aunque Paul W.S. Anderson ya es conocido por sus trabajos en 3D, se trataba de un nuevo medio para el joven Lerman, en su labor ante las cámaras. “No había esta-do nunca antes en un plató 3D, así que todo el mundo de la tecnolo-gía 3D me sonaba a chino cuando empezamos. Estaba entusiasma-do por aprender cómo se hacían las películas en 3D. La verdad es que, como actor, yo diría que en ciertos aspectos es más sencillo, porque puedes ver una reproduc-ción digital, de gran calidad y en 3D, es alucinante poder ver exac-tamente lo que se está rodando”.

Jovovich, que ya tiene experien-cia rodando en 3D, explica lo que el medio aportará a Los tres mos-queteros: “Creo que Paul va a al-canzar nuevas cotas con el 3D en

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esta película. Nadie había filma-do hasta ahora una obra histórica en 3D y sin embargo encaja per-fectamente con la época. Cuando veas esos asombrosos castillos, paisajes, jardines y vestuario en 3D, será como meterse en un cuento. Los espectadores podrán ir al cine y meterse de lleno en un tiempo pasado, lleno de riqueza y belleza. Hasta ahora no se había visto nada así en 3D”.

Lerman se muestra de acuerdo: “Mucha gente me ha preguntado por qué queríamos hacer una nue-va versión de Los tres mosquete-ros en 3D. Lo cierto es que hoy día disponemos de una tecnología verdaderamente impresionante y el 3D te transporta directamente a esa época de una manera que no lo había conseguido ninguna otra versión de Los tres mosque-teros hasta ahora. Te ves comple-tamente inmerso, te pones las gafas y te sientes allí, en medio de la acción”.

El productor Robert Kulzer agre-ga: “Creo que todas las grandes películas de aventuras se rodarán a partir de ahora en 3D. Todos teníamos la clara sensación tras Resident Evil: Ultratumba de ne-cesitar encontrar el próximo gran espectáculo que pudiéramos ro-dar en 3D. Esta película es per-fecta, porque tenemos esas obras de arquitectura increíblemente simétricas, esos hermosos edifi-cios, castillos y parques, que se prestan perfectamente a la foto-

grafía en 3D. Creo que aportará mucho valor al filme, no solo para los aficionados al cine de acción, sino también para los aficionados a los edificios históricos o de la belleza en general. Experimenta-rán estos lugares de una manera que no lo habían hecho nunca, a través de la magnífica fotografía en 3D”.

LO QUE PUEDEN ESPERAR LOS ESPECTA-DORES

Jeremy Bolt nos cuenta lo que po-drán encontrarse los espectado-res cuando Los tres mosqueteros en 3D llegue a las salas de cine: “Pueden esperar algo que no han visto nunca, las espadas se move-rán más rápido de lo que han visto jamás en una película con espa-das, el vestuario será más vistoso de lo que puedan imaginar, la ac-ción parecerá más propia de una película de ciencia ficción, los es-cenarios serán impresionantes y la historia es inolvidable”.

“No es que tengamos intención de ser unos mosqueteros diferen-tes”, señala Macfadyen, “sino más bien unos mosqueteros para una nueva generación. Contamos con un gran guión, unos maravillosos equipos técnico y artístico, esce-narios extraordinarios, y creo que todos esos ingredientes nos per-mitirán crear de manera natural una versión diferente de lo que ya es de por sí una excelente his-toria sumamente divertida. Con sus temas universales de amor,

lealtad y amistad, espero que sea tan pertinente y relevante como sea posible”.

Asumir el papel de Porthos re-sultó muy divertido para Steven-son: “Cuando iba al cine de niño, siempre había esta clase de aven-turas épicas en la gran pantalla y encontrarte haciendo una de ellas en la vida real es como vi-vir un sueño. Hemos tenido que cabalgar a caballo y luchar con espadas, es una forma increíble de vivir tu vida y de ganarte la vida. Si vamos a trabajar todos juntos y queremos a entretener a la gente, hay que dejarse lle-var por ese espíritu de aventura. Todo el mundo necesita sentirse encantado, a veces tienes que de-jarte llevar en un inspirador viaje de emociones y aventuras, y esa es la esencia de Los tres mosque-teros”.

Stevenson explica lo que le entu-siasma de la versión de Los tres mosqueteros de Paul W.S. An-derson: “Espero que sirva para proporcionar una gran aventura a esta generación. Demostrarles que todavía hay sitio para la au-téntica emoción y ese espíritu de salir y experimentar la vida y po-nerte en marcha de buen corazón. Sería estupendo si esta película sirve para que al menos una per-sona diga: ‘Basta de videojuegos, voy a subir a la cima de esa mon-taña, voy a hacer una travesía en barco, voy a construir una escue-la en esa selva tropical’. Todavía se pueden vivir aventuras, están todas ahí fuera, esperando”.

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Paul W.S. AndersonDirigiendo y adaptando

a su airePor José Joaquín González

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Amado por unos y despreciado por otros, Paul W.S. Anderson si-gue siendo a día de hoy un claro ejemplo del estilo de cine que ha predominado desde que a prin-cipios de los 90 los videojuegos y el Séptimo Arte emprendieran su truculenta amistad con cintas tan ridículas como “Mario Bros” y “Street Fighter: La última bata-lla”. Y es que aunque los inicios de este tipo de adaptaciones no fueron aceptadas con agrado, el señor Paul W.S. Anderson puede presumir de, además de haber realizado una de las primeras adaptaciones de videojuegos al cine, convertirse en el primer di-rector que sacó rentabilidad a un género (el de las adaptaciones de videojuegos) que desde entonces iría acumulando títulos con más o menos acierto. En este mes de septiembre Paul W.S. Anderson vuelve a la gran pantalla estrenando su parti-cular adaptación del clásico de Alejandro Dumas “Los tres mos-queteros”, y aprovechando que su nombre sonará bastante en las

próximas semanas hemos decidi-do dedicarle un especial en el que repasaremos un poco de su vida y su filmografía. Británico de nacimiento, Paul Willian Scott Anderson (1965) comenzó su carrera en el mundo del cine y la televisión creando el guion para algunos episodios de la serie “El C.I.D.”, una curiosa pro-puesta inglesa protagonizada por Alfred Molina que, jugueteando con el nombre de uno de nuestros héroes patrios medievales, pre-sentaba a un militar jubilado que se traslada a España con la misión de controlar a un grupo de gáns-teres exiliados de Gran Bretaña. Gracias a este trabajo su nombre empezó a ganar relevancia en el mercado inglés y se le dio la opor-tunidad de dirigir su primera pelí-cula: “Shopping: de tiendas”. Protagonizada por un joven y bas-tante novato Jude Law (“Sherlock Holmes”), “Shopping” (1994) nos contaba la historia de un grupo de ladrones que asaltaban tiendas empotrando sus coches contra los

escaparates. La cinta, que en nuestro país no es especialmente conocida, fue prohibida en algu-nas salas de cines de Inglaterra y supuso el paso previo a la con-sagración del Paul W.S. Anderson como realizador de cine comer-cial. Poco más tarde y gracias a la re-percusión de su primera cinta, Paul era seleccionado para diri-gir la adaptación al cine del vi-deojuego “Mortal Kombat”, una franquicia que por entonces se consideraba la rival directa de “Street Fighter” y como tal tam-bién debería tener su versión ci-nematográfica. Christophert Lam-bert (que comenzaba a ver cómo su carrera entraba en un declive importante) fue elegido para li-derar a un grupo de actores más o menos conocidos que tendrían que dar vida a este videojuego que se había hecho famoso princi-palmente por su violencia. La cin-ta, sin ser ninguna maravilla, cap-taba la esencia de un producto en boga por entonces y sorprendió con una recaudación de taquilla

Imagen de Mortal Kombat. 1995.

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que permitiría a su director em-pezar a elegir los proyectos en los que quería trabajar.

Lamentablemente para Paul, su primera elección, “Soldier”, una cinta protagonizada por Kurt Rus-sell, tendría que esperar a que el actor estuviera libre, con lo cual y para no perder el tiempo, aceptó dirigir “Horizonte Final” (1997), un thriller de ciencia ficción es-crito por Philip Eisner (“Las Cró-nicas Mutantes”) y protagonizado por Sam Neill (“Parque Jurásico”) y Laurence Fishburne (“Matrix”) en el que una nave de rescate de-berá investigar la reaparición del “Event Horizont”, una nave cien-tífica desaparecida hace años, en una misión que desvelará los peligros de los viajes a través de agujeros negros. Aunque el film fue masacrado por la taquilla obtuvo unos réditos importantes en el mercado domestico, con-virtiéndose con el tiempo en un producto de culto que conseguía cautivar a seguidores del genero.

Un año más tarde, y con la libera-ción de proyectos de Kurt Russell, Anderson emprendía la dirección del que sería su mayor fracaso, “Soldier” (1998), una película de la que no se pueden resaltar mu-chas virtudes y de la cual su guio-nista (David People, co-autor de guiones tan reseñables como los de “Doce monos”, “Sin perdón” o “Lady Halcón”) tuvo la poca ver-güenza de decir que estaba am-bientada en el mismo universo que “Blade Runner”. El argumen-to giraba en torno a Todd (Rus-sell), un soldado que entrenado desde la infancia queda obsoleto por la aparición de una nueva ge-neración de guerreros creados ge-néticamente en laboratorios. La cinta perdió más de cincuenta y tres millones de dólares y se con-virtió en una lacra para Anderson y la sentencia de muerte para la carrera del guionista que ideó tal despropósito. Después de este tropiezo y con la confianza de los productores

por los suelos, Anderson volvió a la televisión con un guion propio para un telefilm británico titula-do “Pulsión” (2000) en el que el realizador y guionista intentó ale-jarse por completo de la ciencia ficción (dos malas experiencias en ese terreno le harían aprender... ¿o no?) para contar una historia sobre un joven arquitecto (An-drew McCarthy, “Las crónicas de Spiderwick”) que se ve atormen-tado por siniestras e inquietantes visiones. Tras esta pausa en su carrera ho-llywoodiense, recibiría la ofer-ta de dirigir y escribir su propia adaptación del videojuego “Resi-dent Evil” (2002) con la cual ade-más de recuperar la confianza de las productoras (la cinta costó 38 millones y recaudó más de 100) y volver a convertirse en un direc-tor agraciado por la fama, cono-cería a Milla Jovovich, protagonis-ta absoluta de la saga y musa de este director, con la que comen-zaría un romance que le llevaría a

Fotograma de “Horizonte Final” 1997, film protagonizado por Sam Neill (“Parque Jurásico”) y Laurence Fishburne (“Matrix”).

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los altares en 2008. La adaptación de Resident Evil interpreta de for-ma bastante liberal los sucesos narrados en los videojuegos y es-tuvo rodeada de polémica ya que el guion original (Paul se encargó de reescribirlo) estaba escrito por George A. Romero (¿de verdad no sabes que es el creador del zombi moderno y director de “La noche de los muertos vivientes” y demás clásicos del cine Z?) y según los que tuvieron acceso a él, parece que además de ser mucho más in-teresante, era más fiel al espíritu del videojuego. En 2004 el protagonista de nues-tro articulo volvería a dirigir una adaptación, aunque en este caso no se trataría de un videojue-go sino de una más que solvente saga de comics de la compañía “Dark Horse” que se vio bastan-te humillada por el trabajo rea-lizado en su traspaso al mundo del celuloide. Estamos hablando por supuesto de “Aliens vs Preda-

tor” una mezcla que en el mundo del tebeo funcionó bastante bien pero que en cines solo contentó a sectores poco exigentes, siendo vapuleada por la crítica y los afi-cionados pero consiguiendo una recaudación mas que solvente (172 millones de dólares frente a los 60 que costó producirla). Curiosamente, (supongo que de-bido a compromisos adquiridos previamente) en 2006 Anderson volvería al mundo de los telefil-mes para dirigir una producción de Touchstone Television protago-nizada por Jason O`Mara (Albert Wesker en “Resident Evil: Extin-ción” y próximo protagonista de la serie “Terra Nova”, que cuenta con Steven Spielberg como pro-ductor) y de titulo “Drift”, cuya trama gira alrededor de un policía aquejado por el insomnio. Tras dicho telefilme, y con los pro-ductores bien satisfechos por el éxito de “Alien vs Predator”, em-

prendería la dirección de “Death Race” (“La Carrera de la Muer-te”, 2008), un remake de la cinta que en 1975 protagonizara David Carradine (“Kung-Fu”) y Sylves-ter Stallone bajo el titulo “Death Race 2000”. En la nueva versión, protagonizada por Jason Statham, el argumento se repetía mostrán-donos un futuro no muy lejano en el que las carreras a muerte en-tre reclusos se convertían en un macabro “reality” que hace furor entre la población de una socie-dad con problemas de superpo-blación reclusa. La recepción no fue del todo mala, y aunque re-caudó prácticamente el doble de lo invertido hay quienes la tachan de haber perdido el humor negro que desprendía la original (cinta que en 1975 lucia como atracción el siguiente lema: “En el año 2000 atropellar conduciendo no es un crimen, es el deporte nacional”). Y poco a poco llegamos al año 2010, año en el que Anderson re-

Paul W. Anderson junto a su esposa la actriz Milla Jovovich en el rodaje de “Resident Evil: Ultraumba” 2010.

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gresaría a la franquicia “Resident Evil” para dotarla de la tecnolo-gía de moda en el mercado cine-matográfico: la filmación en 3D. Bajo una campaña publicitaria en la que aseguraban que la nueva entrega de las aventuras de Ali-ce estaba grabada con el mismo sistema que la superventas “Ava-tar”, “Resident Evil: Ultratumba” lograba obtener la mayor recau-dación de la franquicia (296 millo-nes de dólares) originada a partir del mítico videojuego de Capcom, y del cual cada vez quedaban me-nos elementos reconocibles.

Ahora en el año 2011, y tras once títulos plagados de altibajos, el autor vuelve a la carga con una versión que seguramente hará que Alejandro Dumas se retuer-za en su tumba al ver en qué han convertido su novela “Los tres mosqueteros”. Y es que aunque aún no he visto más que el trailer y algunos clips (la cinta se estre-na el 30 de septiembre en nues-

tro país), puedo asegurar que lo único que conserva esta cinta de la novela original son los nombres de los protagonistas. Sé que aún es pronto para juzgarla (y since-ramente no sería justo) pero ver a D’Artagnan, Porthos, Aramis y Athos sumidos en esta versión steampunk (ese universo plagado de avanzadas maquinas de vapor) no hace otra cosa más que pasar-se por el forro una de las obras clásicas de la literatura universal del siglo XIX. La cinta está protagonizada por Milla Jovovich (¡cómo no!), quien se verá acompañada por actores tan populares como Logan Ler-man (“Percy Jackson y el ladrón del rayo”), Juno Temple (“El ca-ballero oscuro: La leyenda rena-ce”), Christoph Waltz (“Maldi-tos bastardos”), Ray Stevenson (“Thor”), Luke Evans (“Furia de Titanes”) y Orlando Bloom (“El Señor de los Anillos”) en esta, sin lugar a dudas, excesiva moderni-

zación del clásico que probable-mente recibirá una buena acogida por parte del público, posibili-tando de esa manera llevar a un nuevo nivel la próxima entrega de “Resident Evil”, titulada de mo-mento como “Retribution”, y que de nuevo volverá a estar dirigida por este semi-exitoso director, que a través de estos años parece haberse especializado en adaptar historias ya conocidas, eso sí qui-tando y poniendo lo que a él le parece hasta el punto de que al fi-nal casi siempre nos encontramos con algo muy distinto a lo que es-perábamos.

Paul W. Anderson dando instrucciones a Luke Evans (Aramis) en su particular versión de “Los tres mosqueteros” de Alejandro Dumas

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criticas

“Super 8” es un homenaje a los films de nuestra infancia que tan-to nos gustaron en su época, esta-mos hablando de “Los Goonies”, “E.T.” y demas productos de Amblin Entertaiment como “Gre-mlins” o “Regreso al Futuro”.

Cine de aventuras con mayúscu-las, con una historia entrañable, unos protagonistas desconocidos pero muy solventes y que si eli-gen bien sus próximos proyectos pueden tener mucho futuro en el mundillo de Hollywood.

Además se le añade unos buenos efectos especiales y un par de es-cenas de acción de mucho mérito, como por ejemplo el choque del tren o la invasión del pueblo por parte del ejercito americano.

“Super 8” trata sobre un grupo de jóvenes que quieren rodar un cor-tometraje sobre zombies, cuando

están grabando en una estación, un tren pasa a toda mecha pero una camioneta se interpone en su camino y descarrila, los jóvenes lo presencian todo y la cámara sigue rodando. Empiezan a pasar cosas raras en el pueblo, los perros des-aparecen, la luz viene y va, y los electrodomésticos son robados. El ejercito toma el pueblo, mientras la policía solo quiere compren-der lo que pasa, los únicos que saben los sucedido son el grupo de jóvenes que están dispuestos a todo por desenmascarar la ver-dad. “Super 8” es una gran pelí-cula que une una buena historia de el típico monstruo-alien que amenaza con el pueblo con unas subtramas que le da riqueza como la muerte de la madre de uno de los jóvenes y la relación que tiene este con su padre después de lo sucedido. Así que los protagonizas se hacen reales y puedes empa-tizar lo suficiente con ellos para

que te interese lo que les ocurre y las aventuras que viven.

Puede que la película se haga en varios tramos un tanto lenta, pero eso lo ameniza con escenas de ac-ción y el suspense de las incógni-tas que van surgiendo, como que son las piezas metálicas o cual es el verdadero aspecto del mons-truo, que solo veremos al final.

El casting es muy acertado tanto por parte de los jóvenes como los adultos, ya que son buenos acto-res pero no súper estrellas que podrían acaparar la atención aquí el verdadero protagonista es la historia en si y no hay nadie que le haga sombra. Hay que tener una mención especial para la pa-reja protagonista Joel Courtney y Elle Fanning, que están fantásti-cos.

Super 8 «««««Ciencia Ficción / Fantástico / EEUU / 2011 / 112 minutos / Paramount Pictures / Amblin Entertainment / Bad Robot / Relativity MediaDirector: J.J.Abrams. Actores: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka. Guión:J.J. Abrams. Música: Michael Giacchino.

Por David Larrad

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“Conan: El Bárbaro” es de esas películas que vas a ver al cine para entretenerte, ver mucha ac-ción y pasar un buen rato, pero el director Marcus Nispel y el guio-nista Dean Donnelly han hecho una mezcla chapucera de otros films, ya sabíamos que en cuan-to a banda sonora jamás podrían alcanzar el nivel de “Conan el bárbaro” de John Milius, pero es que el resto tampoco esta ni a la altura de sus zapatos.

Dos problemas fundamentales que hacen que la película no llega a ser atractiva; el primero es la historia, siendo el mundo creado por Robert E. Howard tan grande y basto, han cogido una parte que ya esta muy vista y resulta poco innovadora, por tanto culpa del guionista.

Pero el segundo problema es de realización, la cámara está todo el rato en movimiento, pero como

si tuviera tembleque el que la maneja, las escenas de acción son demasiado rápidas y descontrola-das, lo que hace que no puedes recrearte en ellas ni admirarlas, lo único bueno de todo esto es que la película tiene un ritmo de vértigo, van a una zona y luchan, acto seguido aparecen en otra zona y vuelven a luchar, para ir a otro lugar y que casualidad se ponen a luchar otra vez.

Los decorados son un poco indig-nos de la época actual en la que vivimos, además de pasar por va-rios templos en ruinas, vamos que se supone que los habitantes, en especial los monjes de la ciudad donde vive Tamara no tienen co-sas más importantes que hacer que adecentar el lugar donde viven, ya que todas las paredes están llenas de maleza seca y en ruinas. Algunos malos son de chiste como el que no tiene nariz o el que con-

trola al pulpo en la fortaleza, si se hubieran intentado hacer un poco más realistas los espectadores lo hubiéramos agradecido, pero en vez de eso te quedas dicien-do venga cargártelo ya y pasa a la siguiente zona a luchar con el siguiente.

Los actores básicamente hacen lo que pueden, eso si Jason Momoa es un autentico héroe de acción, con la espada no tiene rival, siem-pre y cuando no abra la boca, ya que al pésimo y forzado doblaje, no ayuda nada los diálogos que tiene. Rose McGowan esta senci-llamente horrible, los únicos que se salvan podrían ser Ron Perl-man, que suele ser un seguro de vida ya que suele estar siempre correcto y Stephen Lang ese actor que nos gustó tanto de Coronel en “Avatar” ahora también hace un papel parecido.

Conan el bárbaro «««««Comics / Fantástico / EEUU / 2011 / 112 minutos / Lionsgate Films / Nu Image Films / Paradox EntertainmentDirector: Marcus Nispel. Actores: Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose Mcgowan, Ron Perlman, Bob Sapp, Leo How-ard, Saïd Taghmaoui, Steve O’Donnell, Raad Rawi, Nonso Anozie, Milton Welsh. Guión: Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenhe-imer (Personaje: Robert E. Howard). Música: Tyler Bates.

Por David Larrad

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“Cowboys & Aliens” trata sobre un hombre que despierta en el desierto sin recordar nada de su pasado, lo único que sabe es que tiene un extraño brazalete en el brazo, después de un encontro-nazo con unos malechores llega a un pueblo donde tiene problemas con la ley, cuando están a punto de trasladarlo para que lo juz-guen unas naves espaciales llegan y raptan a la gente, un grupo de cowboys se junta para ir a resca-tarlos.

Crítica: “Cowboys & Aliens” es una mezcla de géneros que son bastante diferentes entre ellos como es el western y la ciencia ficción, lo que en principio podría ser una buena idea enseguida ve-

mos que el guión flojea un poco, ya que no acaban de cuajar ningu-no de los dos géneros.

Aunque es una adaptación de un comic, vemos que ni siquiera se lo habrán leído por que solo toman el nombre y la idea, ya que las di-ferencias son demasiadas, sobre todo en la parte de los aliens ya que no tienen nada que ver unos con los otros, mientras que en la novela gráfica hablaban, tenían un líder y unos ideales, lo que es la película tan solo atacan, matan y roban el oro. Se podría haber hecho que tuvieran mas persona-lidad y no que solo fueran unos monstruos aniquiladores.

La otra diferencia mas signifi-

cativa es el personaje de Olivia Wilde, en la película interpreta a Ella Swenson una joven con un misterioso pasado que no desve-laremos, pero su equivalente en el comic seria una mezcla entre el oficial técnico Kai y la intrépi-da Verity, es decir han cogido un alien renegado que se apiada de los humanos y una vaquera para hacer una mezcla en la película.

Los efectos especiales están bas-tante bien hechos, eso si los efec-tos sonoros están cogidos de la base de datos de Star Wars ya que cuando las pequeñas naves ata-can tienen el mismo audio que las naves de la saga de George Lucas.

Cowboys and aliens «««««Ciencia Ficción / Comics / Western / EEUU / 2011 / 118 minutos / DreamWorks SKG / Imagine Entertainment / Kurtzman/Orci / Platinum Studios / Universal Pictures Director: Jon Favreau. Actores: Daniel Craig, Olivia Wilde, Harrison Ford, Noah Ringer, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Keith Carradine, Ana de la Reguera, Clancy Brown, Walton Goggins. Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby (Cómic: Fred Van Lente, Andrew Foley) Música: Harry Gregson-Williams.

Por David Larrad

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La cinta cuenta la historia de Char-ley Brewster (Anton Yelchin) uno de los estudiantes más populares y novio de la chica más guapa del instituto. De hecho, se siente tan importante que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo Ed (Christopher Mintz-Plasse). Pero las cosas se complican cuando Jerry (Colin Farrell) se muda al lado de su casa. Al principio, su nuevo vecino parece genial, pero con el paso del tiempo, algo en su comportamiento resulta raro. Desafortunadamente, nadie, ni siquiera la madre de Charley (Toni Collette), parece notarlo.

Después de observar que en la casa de al lado pasan cosas ex-trañas, Charley llega a una in-eludible conclusión: Jerry es un vampiro que se sirve del vecin-dario para cazar sus presas. Ante

la incredulidad de los demás, el protagonista acude al reconoci-do ilusionista de Las Vegas Peter Vincent (David Tennant) para que lo ayude y guíe antes de tomar el tema en sus propias manos y así deshacerse del monstruo.

Noche de Miedo. Realmente me he llevado una grata sorpresa con el film, parece que cuando ves una película que trata de un re-make llegas condicionado con el recuerdo de la película original, pero finalmente me ha resultado entretenida de principio a fin, te-niendo un buen equilibrio entre las escenas de acción y sangre con la de comedia, y actualizando muy bien a nuestros tiempos el tí-tulo de los 80.

Una buena peli de vampiros, lejos de la imagen de los vampiros que

tan de moda está ahora, como la saga crepúsculo o la serie “Cróni-cas Vampíricas”, con cantidades de sangre suficiente comop para contentar a los amantes del géne-ro y un vampiro interpretado por Colin Farrell que da mucho mie-do toda la peli, realmente esta sorprendente, se nota que se lo paso en grande durante el rodaje, y que el mismo ha reconocido ser fan de la película de los 80, Jó-venes ocultos o Los viajeros de la noche. También destacar al resto del elenco desde Anton Yelchin (Star Trek) a David Tennant (Dr. Who) que resulta muy acertado y como no la aparición de Christo-pher Mintz-Plasse, que aunque repite el rol de Frikie de otras pe-lículas suyas siempre es un placer verlo en pantalla.

Noche de Miedo «««««Terror / Comedia/ EEUU / 2011 / 106 minutos / DreamWorks SKG / Gaeta / Rosenzweig Films / Michael De Luca Productions / Reliance Big EntertainmentDirector: Craig Gillespie. Reparto: JAnton Yelchin, Colin Farrell, David Tennant, Imogen Poots, Toni Collette, Christopher Mintz-Plasse, Dave Franco. Guión: Marti Noxon (Remake: Tom Holland). Música: Ramin Djawadi

Por Carlos Gallego

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Arriety y el mundo de los diminutos «««««Animación / Japón / 2010 / 94 minutos / Studio Ghibli / Dentsu Inc. / Hakuhodo DY Media Partners / Mitsubishi Corporation / NTV / TOHODirector: Hiromasa Yonebayashi. Voces V.O.: Mirai Shida, Shinobu Ohtake, Tatsuya Fujiwara, Kirin Kiki. Guión: Hayao Miyazaki (Novela: Mary Norton) Música: Cécile Corbel.

Por Francisco Nieto

El Studio Ghibli sigue demostran-do a golpe de calidad que hoy por hoy se encuentra a años luz de sus competidoras en cuanto a cine de animación se refiere. Seguramen-te sus proyectos no superarán el equipo humano y económico de estudios tan potentes como Píxar o Dreamworks, pero sus acabados son tan perfectos, tan incontesta-bles, que sólo nos queda levantar-nos del asiento y aplaudir por los buenos ratos que nos hacen pasar en el cine.

Arriety y el mundo de los dimi-nutos es el penúltimo trabajo de

esta fábrica contínua de ilusiones que está a punto de estrenarse entre nosotros (el último, que aún tardará un tiempo en llegar a las plateas hispanas es Kokuriko-Zaka Kara, dirigido por Goro Miyazaki). Partimos de la base de dos per-sonajes principales con discapaci-dades manifiestas que les colocan en oposición al mundo: Arriety es liliputiense, lo que la limita a la hora de descubrir lo que hay más allá de las cuatro paredes del so-tano en el que habita junto a sus padres y Sho, que está aquejado de una grave dolencia cardíaca que le impide relacionarse con los

demás niños de su edad. Ambos se encontrarán y desarrollarán una efímera amistad que se verá trun-cada por los universos tan distan-tes a los que pertenecen. A partir de ahí el debutante Hiromasa Yo-nabayashi nos ofrece un auténtico regalo teñido en verde que se im-pregna en las pupilas del atónito espectador. Escenas como aquélla en la que la pequeña protagonista acompaña a su padre por primera vez en una peligrosa expedición con el objetivo de coger prestado un terrón de azúcar, o la diverti-da secuencia en la que Haru, la perversa cuidadora de Sho inten-

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ta explicar la presencia de Los Borrower en la casa, valen por sí solas el precio de la entrada. Si Hayao Miyazaki se ha caracte-rizado siempre por significar una elegía a la gloria de la Naturale-za, el director de Arriety le añade un salpicón de suntuosos colores, brillantes, que nos recuerdan en ciertos momentos a Los Sueños de Akira Kurosawa o los cuadros de Renoir o Monet. Es innegable que Yonabayashi ha creado su propio estilo bajo la influencia de los maestros del Studio Ghibli, sa-biendo incorporar a su narrativa el tributo sus maestros sin dejar de imponer su propia personali-dad. Con él y con Goro, el hijo de Hayao Miyazaki, el futuro del Stu-dio está más que garantizado, lo que presupone un auténtico alivio para todos los que somos acérri-mos de estas pequeñas joyas de orfebrería. Otro acierto que cabe reseñar en este film es la intimista

y maravillosa banda sonora com-puesta para la ocasión por Cecile Corbel, una música que nada tie-ne que envidiar a la compuesta por Joe Hisaishi para tantos y tan recordados clásicos de Miyazaki. Esta representante privilegiada del arpa compone una sucesión de melodías de arraigue celta que combinan perfectamente con la armonía y calma que impregna cada fotograma. La consonancia es tal que no tienes más remedio que dejarte arrastrar por la co-munión de música e imágenes. En este aspecto hay que agradecerle a Hayao Miyazaki, que es quien firma el guión del film, que los diálogos se adapten con nitidez al sosiego y el silencio que impera en el conjunto. Se utilizan las frases precisas para crear una atmósfera emocional irrepetible, que tienen su punto culminante en toda la parte postrera, aquélla en la que las despedidas rezuman tristeza y

melancolía y se nos enseñan valo-res como puños. Aquí no se trata ni de acumular acción y aventu-ra ni de recrear la estética des-enfrenada de un videojuego. Se trata sólo de darnos una lección de buen cine, un cine enhebrado en pequeños detalles, en sutiles recuerdos de una infancia que se nos fue y que nunca volverá. Una auténtica obra maestra que el tiempo colocará donde merece, y un debut más que prometedor de un director del que esperamos con ferviente voracidad su próxi-mo trabajo.

Lo mejor: Sus apabullantes elec-ciones estéticas.

Lo peor: Que pase desapercibida por culpa de un estreno limitado.

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Cuando la mayoría de niños de su edad dormían y soñaban con ser vaqueros, él se deslizaba entre las sombras de la madrugada para ver vampiros, muertos vivientes y criaturas del más allá. El cine de terror de la Hammer fue su inspi-ración en una edad en la que la mayoría de niños daba patadas a una pelota en el jardín. Aho-ra, Stuart Conran puede decir que ha trabajado en la creación de algunos de los momentos más sangrientos y divertidos del cine reciente y junto a oscarizados directores como Peter Jackson y Steven Spielberg.

¿Cuando empezó tu interés por el maquillaje?

Creo que fue cuando tenía unos siete años. Empecé con los más grandes, con los filmes de terror de la Hammer. Los domingos de madrugada me escabullía por las escaleras de mi casa y bajaba al salón para ver las películas a las dos de la mañana. Era un poco pequeño todavía y me asustaban muchísimo, pero al mismo tiem-po me atraían tanto que no po-día parar de verlas… Me llamaban mucho la atención los calores os-curos, la sangre y todo el mundo que rodeaba a esas criaturas…

Eras un poco joven para ese tipo de cine, ¿no?

Si, demasiado, también me inspi-raron mucho las criaturas de Star Wars pero estaba enganchado al cine de la Hammer.

¿Tienes alguna película favorita de la compañía?

Quizá El cerebro de Frankestein (Frankestein must be destroyed – 1969). Tiene todos los elementos del horror clásico. Es una buena historia, muy buenas interpreta-ciones y buenos maquillajes. Lo tiene todo.

¿Cómo te introduces en el mun-do profesional del maquillaje?

Empecé a trabajar en el teatro de la escuela, haciendo los primeros maquillajes a mis amigos. Un día me propusieron trabajar en un proyecto de película hecho por estudiantes y acepté. Después, el chico que me contactó para ese proyecto consiguió un hueco en Aliens, de James Cameron, y cuando terminó me llamó y me dijo que necesitaban alguien para el siguiente proyecto; que me ha-bía recomendado. Así que empe-cé con una especie de training. La película se convirtió en un clási-co del género, Hellraiser, aunque realmente yo me dediqué a hacer cafés, ayudando a los de maqui-llaje con pequeños detalles casi todo el rodaje, al final, eso si, conseguí hacer algunos efectos en

aquel proyecto. Fue todo gracias a estar en el lugar oportuno en el momento adecuado.

Y así llegas a trabajar con Peter Jackson en Braindead o Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan…

Si… Los trabajos llegan de reco-mendación en recomendación. Llegas de un trabajo a otro y no te paras a pensar en lo que está pasando. A alguien de un proyecto le gusta tu trabajo y te recomien-da para algo concreto en otro y al final, miras atrás, y te das cuen-ta de haber trabajado con Peter Jackson y Spielberg. Es entonces cuando te das cuenta de la evolu-ción que has conseguido.

¿Cuáles son las diferencias entre esos dos proyectos?

La diferencia principal entre am-bos proyectos es la escala, aun-que los dos eran producciones considerablemente grandes para mi. La diferencia estaba en que Braindead era el primer gran pro-yecto en el que trabajaba. Para mí era una gran producción en un país pequeño. Claro que Salvar al soldado Ryan tenia una escala enorme desde el principio y sabía que iba a ser algo muy, muy gran-de… Todos los trabajos son dife-rentes y depende más del número de personas con las que trabaje.

ENTREVISTA

STUART CONRAN

¿HORDAS INFINITAS DE ZOMBIS? UNA GRAN EXPERIENCIA

Por Diego Sánchez

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A veces son equipos de diez o más personas, como en Zombis Party (Shaun of the dead) y el filme de Spielberg, donde cada persona hacía un trabajo concreto y espe-cífico. Otras veces estoy yo sólo o con un par de compañeros y hace-mos todos de todo.

¿Cómo definirías tu trabajo?

Bueno, nos es tan fácil como pa-rece. Me encargo de todo lo que envuelve al cuerpo de un actor, todo lo que se le puede añadir o quitar para la película: nariz fal-sa, perder brazos, añadir alguno de más, o pequeñas partes del cuerpo, pequeños detalles. Y cla-ro, también grandes efectos espe-ciales de maquillaje. Hago partes del cuerpo, prótesis, efectos es-peciales… Mi trabajo es un cruce entre varios departamentos: ma-quillaje, efectos especiales e in-cluso efectos visuales….

¿Cuanto se tarda en crear un zombie?

Unos 45 min. En Zombis Party tar-dábamos una hora y media. Pue-des hacerlo rápido si no requiere primeros planos, pero también tardar mucho y darle muchos de-talles si vas a necesitar acercar la cámara al maquillaje y que se vea bien.

¿Cual es la diferencia entre ha-cer zombis o un trabajo “más serio”, como Las Horas?

En esa película trabajé en próte-sis. Modelamos y esculpimos dife-rentes añadidos y partes del cuer-po de los actores, como la nariz de Nicole Kidman. Es un trabajo relativamente pequeño, creo que éramos cuatro en total en el equi-po. Por ejemplo en Zombis Party éramos diez personas haciendo todos de todo…

¿Como fue esa experiencia? ¿Es más divertido trabajar en una película con efectos gore?

Fue muy divertida, la verdad. To-dos éramos amantes de los zombis

y disfrutamos de ello. No paraban de venir. Eran hordas infinitas de zombis. Y nosotros queríamos más para maquillar. Son experiencias que dan más opción a divertirse y bromear, el trabajo en Las Horas era más estricto y serio, pero se aprende mucho de ello también.

Ahora mismo , ¿en qué estas tra-bajando?

Acabo de terminar Attack the block, Básicamente hemos traba-jado en salpicaduras de sangre, cortes de navaja, heridas y de-más. No es muy gore pero lo justo para dar un efecto realista sin ser desagradable.

¿Hay algún director con el que no hayas trabajado pero desea-rías hacerlo?

Soy un gran admirador de las pe-lículas de Michael Mann. Trabajar en una película de Michael Mann seria increíble. Hace películas impresionantes, es un director in-creíble y creo que sería fantástico trabajar con él.

Y tras la entrevista, Stuart Con-ran se zambulló entre el público que asistía al Empire Presents Big Screen en el O2 de Londres, eligió a un aficionado de entre el público que le esperaba e hizo un zombi de él. Demostrando así en vivo cómo se crean las criaturas más aterradoras y de moda de los últimos años del cine de terror: los zombis, una obra de arte que lleva horas de trabajo y que mu-chas veces no se valora en su jus-ta medida.

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ESPECIAL STAR WARS

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Qué decir de Star Wars que no se haya dicho ya? Hace más de 30 años que George Lucas sigue ex-pandiendo y modificando el uni-verso que dio a conocer en 1977 con La Guerra de las Galaxias – Episodio IV: Una Nueva Esperan-za, su última película como direc-tor hasta que en la década de los 2000 volvió tras las cámaras para mostrarnos la parte del camino omitida de inicio, el que lleva a Anakin Skywalker a convertirse en el malvado Darth Vader. Una maniobra muy hábil, sin duda, tanto narrativa como comercial porque resulta muy diferente y más atractiva la conexión con el público conocer primero al villa-no como tal en vez de conocer-lo como el héroe caído que es en realidad.

Precisamente Anakin/Vader es el protagonista de mi artículo. Todos sabemos que George Lucas miró más al frente que a los lados para concebir Star Wars, juntó cosas que le gustaban como el western, el cine bélico, las novelas de ca-ballería, los relatos épicos de Ku-rosawa, la space opera de Flash Gordon o la Trilogía del Imperio de Tolstoi; pero sin duda la obra

que le sirvió de Piedra Rosetta no es ninguno de estos referentes, sino un libro titulado “El héroe de las mil caras”, del mitólogo Jose-ph Campbell. Se trata de un estu-dio en el que Campbell unifica un sinfín de mitos, leyendas, cuentos y relatos para trazar una línea co-mún en lo que se conoce como el “viaje del héroe” y profundizar un poco en el psicoanálisis del héroe.

A continuación repasaremos la saga de Star Wars rehaciendo el camino de George Lucas y siguien-do los pasos del héroe principal, Anakin Skywalker/Darth Vader, en su tortuoso viaje hacia su destino y el cumplimiento de la profecía por la que traería el equilibrio a la Fuerza.

La partida

El héroe de una historia siem-pre es un individuo especial, que por sus habilidades, su talento o sus ideas tiende a alejarse de la masa, de lo que podríamos lla-mar el “arquetipo”, y convertir-se en un individuo solitario con la misión y el destino de combatir y triunfar sobre las limitaciones

históricas y sociales que someten al resto. El inicio de este viaje es lo que se conoce como fase de partida, en la que el héroe asume su condición, acepta la llamada y emprende el viaje.

En este sentido es normal que el héroe tenga un trato divino, como si de un dios se tratara, ya que al desmarcarse del arquetipo y gozar de poderes especiales, es decir, el dibujarse como un ser extraordi-nario, resulta a la vez admirado y temido, y dependiendo de la influencia que el amor o el odio de los otros ejerzan sobre él, el héroe se verá empujado hacia el bien o hacia el mal.

Anakin Skywalker, como tantos héroes, tiene un nacimiento sim-bólico, casi mesiánico (otro ras-go común en la mitología heroi-ca), cuando es engendrado por la Fuerza en el vientre de su madre y con una situación inicial en sus primeros años de vida de extrema humildad. Su destino inmediato original es ser un esclavo para siempre, una situación contraria en la que no puede explotar todo su talento y su poder, pero tam-bién una situación de privilegio

Darth vader, el viaje del

héroePor Gerard Fossas

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que se forja con el tiempo y que le permite vivir tranquilo junto a su madre con un trabajo que no le disgusta.

La llegada de Qui-Gon Jinn es la llamada del héroe, y esta llama-da implica varias cosas además de una invitación a la aventura. En primer lugar, representa una primera prueba que se resuelve en un despertar del Yo del héroe, algo que ocurre en “La Amenaza Fantasma” cuando Anakin tiene que echar mano de sus habilida-des innatas con la Fuerza para ganarse su propia libertad en la carrera de Pods para poder aban-donar Tatooine y emprender el

camino hacia su destino. Ahora bien, la llamada del mensajero es una arma de doble filo ya que, por otro lado, la libertad implica abandonar el entorno seguro y un salto al vacío, ya que abrirse al mundo también es abrirse a la os-curidad y a los peligros que allí se esconden, unos peligros sobre los que el héroe tiene que triunfar para no convertirse en un villano.

El camino hacia el umbral

“La Amenaza Fantasma” está centrada en su totalidad en la llamada del héroe y la respues-ta de éste para comenzar su via-

je. En “El Ataque de los Clones”, con Anakin adulto y su formación como Jedi iniciada, se produce la fase de la negación, cuando Ana-kin empieza a sufrir pesadillas cada vez más perturbadoras en las que ve a su madre sufriendo y al borde de la muerte. Enton-ces se encierra de nuevo entre las paredes de su infancia y tie-ne la tentación de volver al pun-to de partida empujado por un sentimiento de culpabilidad por el abandono de su madre. El ele-mento protector, personificado en su maestro Obi-Wan, que a su vez lo heredó del fallecido Qui-Gon, abandona su función sobre Anakin por centrarse en otra misión, de

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modo que el joven padawan que-da expuesto a las consecuencias de sus propias decisiones y, debi-do a su inmadurez, se aproxima por primera vez al lado oscuro y atraviesa, simbólicamente, lo que Campbell identifica como el pri-mer umbral.

Este umbral, en “El Ataque de los Clones”, es la suma de tres fases distintas: La primera es la respuesta de Anakin a sus instin-tos más oscuros, cuando asesina despiadadamente a los que han secuestrado y matado a su ma-dre. Esta explosión de violencia, en principio comprensible, supo-ne un primer ataque visceral que

difiere totalmente de la doctrina Jedi y descubre el placer de Ana-kin por mostrar su superioridad con un abuso de poder y por la venganza. La segunda fase es la decisión unilateral de rescatar a Obi-Wan cuando éste es apresa-do, a pesar de avisar también al Consejo Jedi para que manden refuerzos y, finalmente, la terce-ra fase del cruce del umbral es su aproximación libidinosa prohibida con Padme, con la que acaba ca-sándose a escondidas.

El vientre de la ballena

Al cruzar el umbral el héroe no

obtiene ninguna victoria, sino que es engullido por lo desconocido y es expuesto a las consecuen-cias de sus acciones, y al final del “Ataque de los Clones” quedan al descubierto todas las debilidades del joven Skywalker: En un com-bate desigual contra el Conde Dooku, Anakin pierde la mano y evidencia su inexperiencia como guerrero, una mano que luego es sustituida por otra de mecánica y que simboliza un primer paso hacia la transformación en Darth Vader. Por otro lado, se entrega a sus deseos y contrae matrimonio con su amada, adviniendo una re-petición del episodio ocurrido con la pérdida de su madre pero con

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unas consecuencias mucho más terribles. Además, es también al final del Episodio II cuando el Canciller Palpatine se aproxima tentadoramente a Anakin para potenciar su ego y conseguir que sus sentimientos negativos y su ímpetu lo lleven al lado oscuro de la fuerza y se convierta en su alia-do más poderoso.

El fracaso del hé-roe: nace Darth vader

“La Venganza de los Sith”, Episo-dio III de Star Wars, narra el des-censo de Anakin a los infiernos y su conversión final en Darth Va-der. En su fase de iniciación, teó-ricamente como Jedi, Skywalker se aproxima cada vez más hacia al

lado oscuro y su camino de prue-bas están orientadas, en realidad, hacia su nacimiento como Sith. De este modo, logra ganar al Conde Dooku, al que acaba asesinando sin titubear, y en su misión de es-piar al Canciller Palpatine para el Consejo Jedi termina decantando la balanza de fidelidad hacia el primero. El clímax de la transfor-mación se produce cuando el jo-ven aprendiz irrumpe en un duelo entre Palpatine, ya descubierto como Darth Sidious, y Mace Win-du y Anakin toma la decisión que decide el destino de la galaxia con el estómago, dejándose lle-var por sus sentimientos. Elige el lado oscuro por la falsa promesa de alcanzar un poder que le servi-rá para proteger a Padme y evitar que se repita el episodio ocurrido

con su madre, volviendo a caer en el error de retroceder hacia su pasado en vez de enfrentarse al futuro. De esta decisión surge Darth Vader y su prueba final, que cumple con mano de hierro, es asesinar a todos los jóvenes Jedis que están en formación.

La reconciliación con el padre: héroe vs. elegido

Al final del Episodio III se produ-ce el acontecimiento, para mí, más relevante de toda la saga de Star Wars porque se reedita lue-go en “El Imperio Contraataca”: El combate entre padre e hijo. En “La Venganza de los Sith” Obi-Wan (que ejerce como padre

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simbólico, tal y como lo recono-ce Anakin) y Anakin se enfrentan en un duelo fratricida que se re-suelve con el maestro, el padre, en una posición de fuerza y con el aprendiz, el hijo, derrotado. Obi-Wan le alarga su mano para decirle que el combate está ter-minado, que se rinda y vuelva con él al lado positivo de la Fuerza. No obstante, Anakin, en un último acto de arrogancia, ataca sin pen-sarlo y es vencido, despedazado y quemado en un solo ataque de la espada de Obi-Wan, y será sobre este cuerpo mutilado y lleno de odio donde el Emperador creará el icono malvado de Darth Va-der, un villano más máquina que hombre, que ha dejado su pasa-do humano y Jedi completamente atrás.

Si os fijáis bien, la situación es exactamente la misma en “El Im-perio Contraataca”, cuando Luke ha perdido la mano, el arma y está en una posición de desventa-ja respecto a Darth Vader, que le confiesa que es su padre y le alar-ga la mano, como en su día lo hizo Obi-Wan, para ofrecerle clemen-cia y llevarlo, en esta ocasión, al lado oscuro. Luke, tomando exac-tamente la misma decisión suici-da que su padre (en su caso un salto al vacío), emprende el cami-no opuesto al de su padre y en vez de terminar derrotado y quemado por las llamas, sobrevive envuelto en un simbólico y revelador cielo azul, con sus amigos acudiendo a su rescate.

Aquí se produce la distinción en-

tre dos conceptos distintos para Campbell, el de héroe y el de elegido, ambos un triángulo de trayectorias con el vértice común en el punto conocido como “gra-cia última”. El elegido, al igual que el héroe, atesora habilidades especiales y emprende el mismo viaje del héroe, pero allí donde el héroe fracasa y gira hacia la os-curidad, el elegido no repite los mismos errores y sale vencedor.

Luke sigue un camino calcado al de Anakin cuando es joven y aban-dona Tatooine para ser entrenado por Obi-Wan primero y por Yoda después, a pesar de las reticen-cias de este último, que teme que Luke pueda seguir los pasos de su padre. Luke Skywalker cae en su particular vientre de la ballena

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cuando se introduce impetuosa-mente en el bosque embrujado de Dagobah y se encuentra con sus propios miedos y lucha contra su yo oscuro enfundado en el traje de Darth Vader sin haber comple-tado su formación por la misma razón que Anakin: tiene visiones de sus seres queridos en peligro y quiere acudir apresuradamente a salvarlos.

Apoteosis y palingenesia

La palingenesia es la teoría del nacimiento. Aplicándola en el discurso narrativo del viaje de héroe, la palingenesia nos dice que cada nuevo cambio es una trampa, pues el cambio implica

el nacimiento de algo nuevo que, según futuras decisiones, se con-vertirá en bueno o malo.

En una de las etapas finales de la fase de iniciación, la apoteo-sis, encontramos un punto de in-flexión catártico en el desarrollo de la historia de Star Wars. El final de “La Venganza de los Sith” es el relato de un doble nacimiento que George Lucas nos cuenta de manera simultánea para acentuar la poética del momento de relevo generacional. Anakin Skywalker muere y renace en Darth Vader, mitad hombre y mitad máquina, consumido por el odio y ocul-to tras una máscara impersonal completamente negra. Este pri-mer nacimiento contrasta con el

de Luke y Leia, nacidos del vien-tre de Padme justo antes de que ella también muera por el dolor de haber perdido a Anakin. Am-bos nacimientos son la catarsis de una nueva historia, una en la cual, como hemos comentado, el elegido toma el relevo del héroe y debe completar el viaje que el primero había iniciado.

La palingenesia se produce en su máxima esplendor con dos naci-mientos y dos trayectorias que discurrirán en paralelo pero des-tinadas a encontrarse. El fin de la República y el nacimiento del Im-perio, la era de los Jedis termina para dar paso a la de los Sith y surge el villano más terrible en el mismo instante en que nace una

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nueva esperanza en Luke y Leia, fruto precisamente del último acto bueno de Anakin antes de ser engullido por el lado oscuro.

El regreso

Llegamos finalmente al último tramo del viaje del héroe, el que se da en el Episodio VI: “El Re-torno del Jedi”. El título de por sí ya resulta revelador si enten-demos que no se refiere a Luke Skywalker sino a Anakin, que en su duelo final con Luke se reen-cuentra con su lado humano y sale de la oscuridad para completar su viaje y su misión.

En este caso, el elegido y el hé-

roe completan sus trayectos a la par, enfrentándose entre sí para terminar uniéndose y derrocar el mal. El combate final entre Jedis y Sith en la nueva Estrella de la Muerte está concebido por el Em-perador para arrastrar a Luke ha-cia el lado oscuro y convertirlo en su aliado, de la misma forma que hizo antes con Anakin, e incluso está dispuesto a pagar el precio de perder a Darth Vader (una si-tuación parecida al sacrificio del Conde Dooku) para conseguirlo.

Sin embargo, las intenciones de Luke son muy distintas. Luke protagoniza la fase de “rescata del mundo exterior” que descri-be Campbell, siendo el elemento externo que acude al rescate del

héroe y lo ayuda en su huida de las garras del mal. Skywalker hijo vence a su padre y luego planta cara al Emperador, esquivando el destino que Darth Sidious ha pre-parado para él. Entonces, el Em-perador estalla y ataca a Luke con su fuerza oscura con la intención de matarlo si no se une a él. En este punto, Darth Vader revive la misma situación que en el comba-te entre Mace Windu y el propio Darth Sidious y, de nuevo, tiene la oportunidad de inclinar la balan-za y decidir con sus actos el desti-no del universo.

En este punto se produce el “cru-ce del umbral de regreso”, pues es el instante en el que el héroe está en posesión de los dos mun-

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TM & © 2011 Lucasfilm Ltd. All Rights Reserved. Used Under Authorization.Star Wars and all characters, names and related indicia are trademarks of and © Lucasfilm Ltd.Twentieth Century Fox, Fox, and associated logos are trademarks of Twentieth Century Fox Film Corporation and its related entities.

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dos, del bien y del mal, completa su viaje saliendo de la oscuridad y alzándose como vencedor. Darth Vader vuelve a ser Anakin y cum-ple la profecía le señalaba como salvador de la galaxia lanzando al vacío al Emperador, acabando con el último Sith y recuperando el equilibrio en la Fuerza, aunque esto implica su propia muerte.

Al final de “El Retorno del Jedi”, Luke ha cumplido también su mi-sión y se reconcilia con su pasado, con su padre y con su legado (fo-tografiado en este simbólico en-cuentro generacional entre Yoda, Obi-Wan, Anakin y el propio Luke), mientras que la nueva esperanza, esta palingenesia que esta vez parece que desemboca en algo positivo, es la unión definitiva entre Han Solo y la Princesa Leia, la hermana de Luke que también tiene sangre Jedi corriendo por sus venas.

Tragedia y comedia

En este último punto me gustaría remarcar un punto muy interesan-te sobre el que reflexiona Joseph Campbell en su libro, y se trata de la ambivalencia entre comedia y tragedia o, dicho de otro modo, del final feliz o del final trágico.

Tradicionalmente la tragedia ha sido mucho más prestigiosa que

la comedia porque refleja de un modo más fidedigno la cruda rea-lidad de la vida. La muerte en la tragedia representa el éxtasis re-dentor, un sacrificio final del hé-roe que paga sus errores con su vida pero que a la vez completa su viaje culminado con una victo-ria. El final no evoca a un positi-vismo directo debido a su trági-ca resolución, aunque siguiendo con la teoría de la palingenesia, la muerte del héroe y la derrota del mal son la llave que abre la puerta a un futuro esperanzador sin cicatrices del pasado. No obs-tante el final de Star Wars, a pe-sar de la muerte del héroe, Ana-kin Skywalker, no es trágico. ¿Por qué?

Evidentemente la saga de Star Wars no es una comedia, pero sí que incorpora un final manifies-tamente feliz y esperanzador. El hecho de que sea así resta épica al final del tortuoso viaje del pro-tagonista, pero otorga un énfasis perdurable al conjunto del relato que va más allá de la muerte del protagonista. La incorporación del elegido, su supervivencia y su continuidad como estandarte de la nueva esperanza le dan otra magnitud a la historia y hace que el mito de Star Wars perdure y supere la figura de su icono prin-cipal, que no es otro que Darth Vader.

En el fondo el viaje del héroe es una travesía interior en la que tiene que vencer su propia os-curidad y, una vez derrotada, ya puede encontrar la paz en la muerte. Éste es el viaje de Anakin y lo completa con éxito, pero el cambio de roles con la irrupción de Darth Vader y Luke a medio camino cambia la orientación del espectador y nos coloca en el tra-yecto del segundo hasta el desen-lace.

El equilibrio en la Fuerza y la paz en la galaxia a efectos prácticos los consigue Anakin, pero la vi-gencia de la esperanza, la que da título al Episodio IV, es la que abandera Luke y es la que noso-tros seguimos hasta el final posi-tivo, el que trasciende sobre el héroe y da lugar al mito.

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Cine de los 80

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Buen momento para recuperar este clásico, convertido ya en una peli de culto, de la cual se ha rea-lizado su pertinente remake, cuya crítica podréis leer también en las páginas de esta nuestra/vuestra revista. Su director es Tom Ho-lland, que se propuso revitalizar el terror vampírico de una forma clásica, con un aire de serie B, e introduciendo unas gotas de hu-mor bien dosificadas.

Noche de miedo, tiene como pro-tagonistas a William Ragsdale, Chris Sarandon y Roddy McDowall. William es Charlie, un adolescen-te enamorado de las películas de terror y fiel seguidor de Noche de Miedo, un programa de televisión donde se proyectan películas del género protagonizadas casi todas ellas por el presentador, Peter Vincent (Rody McDoWall). Charlie lleva una vida muy tranquila has-ta que se convence de que su nue-vo vecino, Jerry Dandridge, es un vampiro y el responsable de una serie de asesinatos ocurridos en la ciudad, cuyas víctimas apare-cen desangradas. Ante la incredu-lidad de los que le rodean y de la misma policía, Charlie recurrirá a Peter Vincent para salvar a su amada de los mortales colmillos de Jerry.

La película es puro cine de los años 80, que tanto me gusta. Des-de su banda sonora hasta su ar-gumento y, por supuesto, el de-sarrollo de los personajes. Pero es que además, es un claro ho-menaje a las películas clásicas de los 50 y 60, y sobre todo a las de la resucitada Hammer. Partiendo del nombre del personaje de Rody McDowall, Peter Vincent, que cla-ramente es una mezcla de Peter Cushing, y Vincent Price. Además ,Rody le pilló muy bien el punto al personaje, dotándolo de todo lo que estos dos actores daban a sus personajes en las clásicas pe-lícula de terror, hasta los clichés

más típicos de los vampiros: agua bendita, cruces, estacas de ma-dera, …

La acción y la tensión no decaen en ningún momento, y el guión (trabajo también realizado por su director Tom Holland) aunque se trate de una película dirigida a un público adolescente, inter-viene en gran manera en ello. Las escenas se suceden una tras otra con gran sentido, y entre ellas te-nemos alguna memorable, como en la que cuando Charlie, acaba de enterarse de que un vampiro no puede entrar en una casa si no es invitado (y por lo tanto respira más tranquilo), al llegar a casa, se encuentra que su madre aca-ba de hacer pasar a su vecino a casa, para darle la bienvenida al vecidario. O cualquiera en la que intervienen los efectos especiales de Richard Edlund, que merecen una mención especial pues están maravillosamente creados, dan-do lo que tiene que dar, miedo, y además a la vieja usanza, con mucho látex, maquillaje y cosas asquerosas y pegajosas. Está cla-ro que para el futuro del género vampírico, estos efectos de ma-quillaje tuvieron mucha influen-cia. Pensando me vienen a la ca-beza Abierto hasta el amanecer (Robert Rodríguez), donde clara-mente se le da un buen homena-je a Edlund, dotando a los vam-piros que allí salen con el mismo aspecto que el de la película que estamos hablando, o la segunda parte de Blade (Guillermo del toro), donde también está clara la influencia.

En cuanto a curiosidades en la pe-lícula, la que más puede llamar la atención es la del actor secunda-rio Stephen Geoffreys, que tuvo un bache en su carrera (sí así se le puede llamar), ya que poco tiem-po después de aparecer en esta película como el amigo loco de Charlie, paso a interpretar cine X

gay. Además, es el protagonista del cartel de la película, pues el rostro que se ve en las nubes es el suyo tras la transformación.

La película, tuvo más éxito del esperado, llegando a convertirse en una película de culto, a la al-tura de, por ejemplo, de Un hom-bre lobo americano en Londres, a cuyo lado podría compartir la es-tantería de un buen cinéfilo, aun-que, desgraciadamente, no hayan tenido un mismo trato.

Este éxito le permitió que se ro-dara una segunda parte, esta vez, dirigida por Tommy Lee Wallace, que también tuvo gran repercu-sión, aunque no llegó a los niveles de la primera parte. Si se hace su pertinente remake, aquí me ten-dréis hablando de ella.

Realmente, no se trata de una pe-lícula de una calidad excepcional, pues ni el presupuesto ni el con-junto de la película daban para ello. Pero sí la suficiente, para que pueda haber permanecido en las retinas de mucha gente tras más de 25 años, y que además se haya pensado en un remake (aun-que no le hacía ninguna falta esto ultimo).

Espero su vuelta a la escena con otros actores, director y ambien-tación hayan merecido la pena, pues es difícil superar a una pelí-cula de culto que además cuenta con tantos seguidores.

Por Sergio Reina

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Especial series

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En esa indefinida pero recurrente época histórica que nos ha toca-do vivir, el posmodernismo, una de las máximas principales en la creación artística es la revisión de viejos lenguajes. Por eso, Jue-go de Tronos no podía quedarse en ofrecer una mera historia de fantasía épica medieval. La ex-plotación de los lugares comunes de este género ha tenido gran-des representantes a lo largo de la historia audiovisual, aunque casi circunscritos con exclusivi-dad al mundo del cine (¿quién no recuerda al pre-V Marc Singer en la ochenterísima El señor de las bestias como modelo ideal de guerrero épico?). En televisión, el terreno perfecto para los espa-dachines y dragones había sido la animación, con notables produc-tos tan conocidos como Dragones y Mazmorras (1983) o la adapta-ción de Conan el Bárbaro (1982, transmutada en español como Co-nan “el Aventurero”). Si obviamos los dibujos animados, sin embar-go, no podemos hablar de una ex-plotación seriada de tan popular universo imaginario.

Juego de Tronos parte de la saga literaria Canción de hielo y fuego, creada por el novelista (y guionis-ta) George R.R. Martin a media-dos de los 90. Compuesta por cin-

co tomos -el último de los cuales, A dance with dragons, todavía no se ha publicado en nuestro idio-ma-, la historia ha acumulado un enorme éxito de público, gracias en parte a su particular revisión de los códigos de la fantasía me-dieval. Frente a una estereotípica lucha del Bien contra el Mal, que suele estar representada por la fi-gura de un héroe en su viaje con-tra el destino oscuro, Canción de hielo y fuego proponía un elenco coral de reyes, soldados y diplo-máticos en sus luchas internas por el control del codiciado Trono de Hierro al que hace referencia el título. Unas directrices que Juego de Tronos (nombre, también, del primer tomo de la saga) ha here-dado y plasmado en imágenes.

La serie utiliza un registro más adulto que el que suele encuadrar a las clásicas historias de aventu-ra medieval, y se decanta por una sucesión de intrigas políticas y palaciegas propias, más bien, de un thriller de espionaje. De este modo, se acerca más a la lección de historia que al género de ac-ción, si bien es ésta un elemento muy presente en sus capítulos. Es, de hecho, un producto que sorprende por la madurez que re-side tras sus imágenes de fanta-sía, que podrían confundirse con

las propias de una historia ado-lescente. Juego de Tronos aborda temas como la gestión política, el adulterio, la traición, la táctica, el incesto o la homosexualidad. Al desaparecer el confrontamiento maniqueo entre las dos vertien-tes de la moralidad, Bien vs. Mal, cada personaje puede esconder multitud de registros e intere-ses que se entrecruzan paralela-mente con líneas de argumento más fantásticas. En Poniente, el continente ficticio donde se desa-rrolla la trama, existen misterios

EN MEDIO DEL

“JUEGO DE TRONOS” Por Javier Calvo

Hace años, El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001, 2002 y 2003) se convirtió en el referente cinematográfico de la fantasía medieval. Basada en una obra magna de la literatura, generó una legión de aficionados –y de dinero- y estableció un referente mental a la hora de pensar en enanos, elfos y guerreros. Ahora, también con el respaldo de una saga literaria, llega un posible equivalente en la pantalla pequeña. O quizá no tanto, si tenemos en cuenta que “Juego de Tronos” ofrece, más que una serie de ficción, una película por semana.

Portada de Canción de hielo y fuego. (George R.R. Martin)

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de carácter mágico que también interesan a sus habitantes.

Calidad como marca

Puede afirmarse que Juego de Tronos es un producto represen-tativo de la línea empresarial que su productora, HBO, abandera desde hace ya tiempo. Basada en la idea de la calidad como iden-tidad de marca, la cadena pre-tende desmarcarse del resto de canales mediante la cuidada fac-tura de sus ficciones en todos los niveles. Aunque la idea de calidad televisiva se encuentra todavía a

debate, existen factores que pue-den acercar los programas hacia este limbo indefinido, y lo cierto es que la crítica mundial les ha dado la razón.

Entre los argumentos que esgri-men los estudiosos de la calidad, se encuentra la idea de utilizar componentes narrativos arriesga-dos y poco frecuentes en la pro-gramación, como la violencia o el sexo, y de dar vía libre al compo-nente autoral de las series. Desde los orígenes de la cadena, este aspecto resultó muy conveniente a la hora de captar suscriptores,

puesto que HBO es una televisión de pago: la plataforma tenía que ofrecer un producto apetecible y sustancioso que justificara el abo-no mensual de sus clientes. Por otro lado, el favorable abrazo de los expertos otorgaba un toque de distinción extra al consumo de sus series, por lo que se establecía un elevado nivel cualitativo de pro-gramación que debía ser mante-nido en sus sucesivas creaciones.

En Juego de Tronos, como hemos visto, el uso de temas adultos, entre los que abundan la violen-cia y el erotismo, son una cons-tante para desarrollar una histo-ria que debe resultar creíble para un público al que se considera –sin ser lo habitual- “inteligente”. Por otro lado, los ideólogos que se en-cuentran detrás del concepto de la serie son David Benioff, autor del texto de filmes como Troya, y D.B. Weiss, guionista experimen-tado en el género fantástico y con importantes trabajos en el campo de los videojuegos.

Para Juego de Tronos, además, HBO realizó desde el principio una fuerte apuesta con el presu-puesto de producción, uno de los más elevados para una serie de ficción, y necesario si se quería construir con veracidad el vasto mundo de los reinos de Poniente. Al igual que en otras series de la cadena como Roma o Boardwalk Empire, aquí se extremó el cuida-do en la dirección artística hasta tal punto que el capítulo piloto, de más de una hora de duración, parecía una película en sí misma. Por eso, es posible que experien-cias como Juego de Tronos desdi-bujen de una vez las barreras de género entre películas y series, y se otorgue a ambos formatos la misma importancia, como fruto que son de la creación audiovi-sual.

El mundo de Poniente

Juego de Tronos sigue las andan-zas de varias familias nobiliarias en su lucha por el control del Tro-no de Hierro. En este contexto, el

Sean Bean (Boromir del El señor de los anillos) es Eddard Stark señor de invernalia y Mano del Rey.

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protagonista es un efectivo Sean Bean (Boromir en El Señor de los Anillos) como líder de la región de Invernalia y de la casa Stark, que debe aceptar el cargo de Mano del Rey por petición del propio monarca, Robert Baratheon (Mark Addy, el gordito de Full Monty), ante el misterioso asesinato de su predecesor en ese puesto. Así, de paso, el cabecilla de los Stark puede investigar los extraños su-cesos que se están dando en la corte y que amenazan la existen-cia del mismo rey.

Una corte, para más inri, que en un principio ocupaba el clan de los Targaryen, pero cuyo lugar usurpó Baratheon en un pasado reciente. Abiertas todavía las he-ridas, los exiliados tratan de for-jar una alianza que pueda hacer frente a los traidores con la co-laboración del bárbaro pueblo de los dothraki.

Los diferentes clanes de Juego de Tronos responden de alguna ma-nera a los modelos de personaje habituales en la fantasía medie-val. Los Targaryen recuerdan en gran medida –sin serlo- al pue-blo élfico, de formas armoniosas

y estilizadas maneras, pero con una gran capacidad de maquina-ción. En el extremo opuesto, los dothraki se asemejan a los bár-baros, de enorme fuerza bruta y deudores de la violencia guerrera vikinga, y su posición como arma de presión es el contrapunto per-fecto que necesita el clan exilia-do para recuperar su poder. En un término medio se encuentra la línea más “humana” de otras familias nobles como los Stark o los Lannister, provenientes de una raza genérica que equilibra su ca-pacidad de ataque con la táctica política.

En cualquier paso, la construcción de los personajes resulta suficien-temente intrincada como para conformar una segunda parte de Hamlet. Caracteres como Tyrion Lannister, el hermano enano de la reina, tan aficionado a las prosti-tutas como al alcohol, o la frágil Daenerys Targaryen, moneda de cambio en un pacto político que obvia sus sentimientos pero la fuerza a evolucionar, resultan tan magnéticos como interesantes.

Más allá de la ambientación (atención a los vastos paisajes de

Poniente, rodados en localizacio-nes de Malta o Irlanda), el com-ponente fantástico se encuentra dosificado para centrar el argu-mento en el interés de los juegos de poder. La magia y los dragones aparecen, sí, pero de forma mino-ritaria, de modo que, para buscar referentes directos, habría que acercarse más a El Silmarillion que a El Señor de los Anillos, si asumimos a Tolkien como una in-evitable presencia en toda trama medieval.

Todo ello ha conformado un sólido producto que renovó para una se-gunda temporada con sólo haber emitido el piloto de la primera. En abril del 2012 Juego de Tronos volverá a la pantalla, tras haber dejado un sabor de boca sobresa-liente en crítica y público. Si la recesión económica lo permite, la ingente labor de producción y ar-gumento que abandera retornará para demostrar una vez más por qué HBO está ocupando el estre-llato en el mundo de la ficción au-diovisual, sin importar el género del que hablemos. La pantalla pe-queña nunca fue tan grande.

En Juego de Tronos abundan la violencia y el erotismo.

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BATMAN: CIUDAD ROTAContiene Batman Broken City USAGuión: Brian AzzarelloDibujo: Eduardo RissoFormato: Libro rústica, 144 págs. a color. PVP: 14,95 €Editorial Planeta DeAgostini

El equipo creativo responsable de la edición del año con 100 Balas, afronta ante sí el reto de hacer una historia del Caballero Oscuro.

En este volumen, la serie negra en estado puro llega a Gotham gracias a Brian Azzarello y Eduar-do Risso, con una clásica historia de “¿Quién es el asesino?” en el que implican a la gran mayoría de villanos de Batman. Una oportunidad única para ver el enfoque de Azzarello y Risso sobre persona-jes clásicos de DC Comics.

12 DE SEPTIEMBRELA AMÉRICA DE DESPUÉSEdición original: 12 SEPTEMBRE l’Amérique d’après BELGuión: Varios autoresDibujo: Art Spiegelman, Joe Sacco, Muñoz,SampayoFormato: Libro cartoné, 208 págs. a color. PVP: 20 €Editorial Planeta DeAgostini

Basado en los hechos del lamentable episodio del 11 de Septiembre de 2001.

El día después visto a través de los ojos de gran-des autores reconocidos del sector como Art Spie-gelman (Maus), Joe Sacco (Palestina, Gorazde, Notas al pie de Gaza) o Muñoz y Sampayo (Alack Sinner), entre otros.

Con una portada de Enki Bilal (Fin de siglo), este libro aparece con motivo del décimo aniversario de los terribles atentados contra EEUU.

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NEMESISGuión: Mark MillarDibujo: Steve McNivenEdición original: Contiene Nemesis 1-4 USAFormato: Libro en tapa dura. 120 páginas.PVP: Por determinarEditorial Panini

¿El viejo Logan? Poquita cosa. ¿Civil War? No tuvoimportancia. ¿Kick Ass? Fue un mero calentamien-to.

Ahora llega la más atrevida obra de Mark Millar y Steve McNiven. ¿Qué pasaría si el enmascarado más inteligente y poderoso del mundo fuera un auténtico villano? Te presentamos a Némesis. Ha pasado los últimos tiempos aplastando a todo jefe de policía de Asia, y ahora ha vuelto la mirada ha-cia Washington. Y si quieres que te diga la verdad, los polis no tienen ni una sola oportunidad contra él. No puedes perderte el cómic del que todo el mundo hablará.

100 % CULT. LA JUNGLA DE CRISTAL:AÑO UNOGuión: Howard ChaykinDibujo: Stephen ThompsonContiene Die Hard: Year One 1-4 USAPrecio: 19,95 €Formato: Libro en tapa dura. 192 páginas.Editorial Panini

El mayor héroe americano de acción aterriza en el arte secuencial por primera vez desde su naci-miento. Cada historia tiene su comienzo: también para John McClane. La acción se sitúa diez años antes de los acontecimientos de la primera en-trega de La jungla de cristal. John no es más que un policía de Nueva York que trabaja en las calles durante los fastos del segundo centenario de la fundación de Estados Unidos. Y es entonces cuan-do las cosas se complican…

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