C1-TEMA 05 Der Blaue Reiter

TEORIA E HISTORIA DEL ARTE Iprimeras vanguardias

Profesora: Maia Creus

TEMA V

EL GRUPO DER BLAUE REITER

Vassily Kandinsky-Gabriele Münter-Franz Marc-Alfred Kubin

DER BLAUE REITER (MUNICH, 1912)

• Munich. Tradición y reforma cultural– Rival de Berlín como centro artístico, Munich gozaba de

un gran atractivo como lugar para el estudio del arte.– La importante posición que ocupaban las artes visuales

en la ciudad, era un fenómeno consolidado gracias al mecenazgo tanto de la iglesia como de la monarquía bávara.

– Comparada con Berlín, Munich disponía de mejores espacios para exponer. En el Glaspalast (Palacio de Cristal), construido en 1854, a semejanza del Crystal Palace de Londres de 1851, se organizaban los famosos Salones donde se exhibían las obras de artistas alemanes y extranjeros.

– Como reacción ante el atractivo popular de los salones, la Secesión de Munich, fundada en 1892, se dedicó a atraer un público más selecto.


• Munich. Tradición y reforma cultural– Las grandes estructuras para la formación artística y

para las exposiciones, unidas a la relativa proximidad de Munich a París y a Europa central, atrajeron a muchos artistas de América, Rusia y Polonia.

– En 1896, el ruso Wassily Kandinsky, a la edad de treinta años, rechazó la oferta de un cargo académico en Moscú por emprender una carrera artística en Munich.

– Kandinsky no fue el único que eligió Munich para llevar hacia delante su carrera creativa. Como sus compatriotas Alexej Jawlensky, Marianne Werefkin, etc.

– Marianne Werefkin fundó la Asociación de Artistas San Lucas, donde se desarrolló un grupo de artistas preocupados por las cuestiones teóricas del arte.

DER BLAUE REITER (MUNICH, 1912)• Vassily Kandinsky (Moscú,1866-París,1944)

– En Munich Kandinsky pronto rechaza la práctica académica de dibujar a partir de un modelo. Lo consideraba una “restricción” a su libertad.

– Para Kandinsky, la negación del cuerpo en su pintura fue un modo de superar el malestar que experimentaba al ser controlado por su presencia.

– En cambio, la oportunidad de pintar un paisaje en el acto, dio a Kandinsky la oportunidad de ejercitar la experimentación.

– De hecho, el paisaje visionario será la base de su posterior pintura abstracta.

– En 1901 Kandinsky se independizó del entorno académico y fundó una sociedad de exposiciones conocida como “Phalanx”, que también funcionó como escuela privada.

V. Kandinsky, cartel para la exposición de Phalanx, 1901 (litografía en color)

Los ideales de Kandinsky se resumen en este cartel.

El color brillante y la premeditada estilización de los objetos dan un efecto ornamental (antinatural).

Las imágenes de caballeros empuñando lanzas contra columnas, sugieren una fuerza de ataque o una guardia de avance abriendo el camino a un movimiento culturalmente revitalizante.


• Vassily Kandinsky (1900-1907)– Phalanx se propone renegar del arte de carácter realista,

considerado arcaico u obsoleto.– El cartel de la primera exposición se considera un

“manifiesto” visual de las intenciones de Kandinsky.– Como presidente de la sociedad Phalanx, Kandinsky

organizó exposiciones extremadamente diversas.– Los cursos que ofrecía así mismo la escuela, también

sugerían una erosión conceptual a la división entre las bellas artes y las artes aplicadas o arte popular.

– La pintura de Kandinsky en esta época muestra un iconografía inspirada en la compleja estructura de la identidad rusa.

– Con una mezcla de creencia paganas y cristianas y una cultura donde se mezcla la cultura oral del campesino y la vida urbana de la ciudad.

V. Kandinsky, en el estudio de Munich


• Kandinsky 1900-1907. La llamada del arte– Son los años de un verdadero trabajo de búsqueda.– Kandinsky se dedica a cuatro filones diferentes:

• Pequeños estudios al óleo (colores extendidos con espátula• Dibujos coloreados (cartones pintados a témpera con temas

de inspiración medieval• Grabados, con los que inicia su actividad gráfica.

– Kandinsky quiere ir más allá del realismo y la representación del volumen.

– Por este motivo dirige su atención a épocas pasadas: “pretextos más libres para usar los colores que siento en mí”

– Centra sus experiencias en los artistas rusos y el arte medieval alemán.

– Realiza diversos viajes a a Túnez, París y Berlín.

V. Kandinsky,La noche, 1903

Una de las muchas imágenes fantásticas que popularizaron los cuadros del período de Munich

V. Kandinsky,

En el bosque, Munich, 1904

La luz irreal crea un efecto de misterio alrededor de este solitario caballero medieval que atraviesa un bosque.


• Kandinsky 1900-1907. La llamada del arte– Entre los viajes de Kandinsky fue decisivo el de Berlín

(1907-1908).– Allí conoce al filósofo Rudolf Steiner, fundador de la

“Antroposofía”, cuyos principios serán parcialmente recogidos en el libro de Kandinsky “De lo espiritual en el arte”, publicado en 1913.

– Después Kandinsky viaja a Murnau.– En este período deja que estalle la fuerza primitiva del

color.– También se modifica la pincelada, cercana a la de los

Fauves, que lo habían impactado durante su viaje a París de 1906.

– Lo fundamental de este momento es la expresión del peso interior en la pintura y el desarrollo de un expresionismo lírico-cromático (unión de las impresiones recibidas de la naturaleza con las experiencias interiores)


• Kandinsky 1900-1907. La llamada del arte– En 1909, los contactos de Kandinsky con Marianne

Werefkin y Alexei Jawlensky fructificaron en la creación de un grupo con identidad colectiva:

La “Asociación de Nuevos Artistas de Munich” en la que participaron nombrosos artistas, músicos y escritores alemanes y extranjeros.

– La Asociación de Nuevos Artistas fue la primera a admitir entre sus miembros a mujeres.

– Kandinsky, Werefkin y Jawlensky alternaron su estancia en Munich con excursiones veraniegas a la villa de Murnau en los Alpes bávaros.

– Donde buscaban autenticidad tanto en el paisaje como en la carencia de sofisticación del arte popular de la región.

Kandinsky, Canción del Volga, 1906. Esta obra exalta el clima de leyenda y la tendencia ornamental propia del arte ruso. La recuperación de la cultura colectiva rusa


• Kandinsky 1900-1907. La llamada del arte

– Estos motivos pictóricos deben su autenticidad al profundo conocimiento que Kandinsky poseía de la Rusia rural y sus viajes a la misma.

– Mientras que algunas imágenes proceden de iconos ortodoxos rusos, otros motivos se inspiran en las ilustraciones de la literatura popular.

– En esta época, todas estas fuentes eclécticas se hallan subordinadas a una técnica casi puntillista, aplicada sobre un fondo negro de témpera.

– Por su aplicación rítmica y poco científica, los puntos, manchas y formas de color asumen una existencia independiente.

Kandinsky,

Kandinsky, Mujeres, 1906

Kandinsky, Iglesia de la aldea de Riegsee, 1908. El color arbitrario de los fauves es una de las novedades más importantes que incorpora a su vuelta de Paris en 1908

Kandinsky, Casas de Murnau, 1908

Kandinsky, Munich con la iglesia de Santa Úrsula, 1908

Gabrielle Munter, Escuela de Murnau, 1908

Gabrielle Munter, Paisaje con cabañas, 1908

Marianne Werefkin, Las mujeres negras, 1908

Kandinsky, Paisaje con torre, 1908. La persistencia del acorde rojo y amarillo de la torre de ladrillo, los tejados y el campo del ángulo inferior cobra un aire espectral en la combinación con el ambiente nocturno de la escena

Kandinsky, Paisaje con torre, 1908 (detalle)

Kandinsky, La montaña azul, 1908

El azul, según el poeta Novalis, es el color del espíritu, ya que conduce a la materia al nivel de la trascendencia.

Los jinetes ascendiendo la montaña azul es una imagen del claro contenido alegórico.

El triangulo azul-rojo-amarillo plantea una de las armonías cromáticas clásicas de la pintura de Kandinsky en estos años.

Kandinsky, Iglesia de Murnau, 1908

El contenido narrativo retrocede a favor de la pura combinación de los colores.

V. Kandinsky, Murnau. Vista con vía férrea y castillo, 1909. El aplanamiento de las figuras y su tratamiento en forma de siluetas recuerda a las xilografías de los primeros años en Munich

DER BLAUE REITER (MUNICH, 1912)• Kandinsky. El arte como valor espiritual

– La pintura no debe imitar las formas de lo visible.– Kandinsky lucha para conquistar una distancia radical entre

las formas del arte y la realidad empírica.– Frente a la tradición figurativa y realista del arte que ha

perdido des del siglo XVIII su energía vital y su sentido profundo, Kandinsky nos devuelve la conciencia del carácter vivencial del arte

– Kandinsky propone una comunicación no intelectual ni discursiva entre su pintura y el público basada en la emoción y la fruición de la experiencia estética

– El sentimiento es para Kandinsky la esencia y el ser último de toda realidad, por lo que el arte se convierte en un doble proceso de conocimiento: entre el pintor y el mundo (natural y cultural) que comunica a través de la pintura al público receptor


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Según Kandinsky las formas del arte no representan los

objetos exteriores del mundo ni sus esencias interiores, sino la identificación vital entre sujeto (el pintor) y su obra portadora de fuerzas compositivas congruentes

– Esta identificación entre sujeto y objeto nos permite acceder a los dominios compartidos de lo invisible

– De este modo, la experiencia artística (del pintor y el receptor) se convierte en una experiencia iniciática de transformación

– El arte pues surge de una raíz universal común:• la vida siempre reciente, el flujo de la vida propia, el

devenir misterioso de la vida del cosmos, la inagotable vitalidad de la vida que busca eternamente la manera de expresarse a sí misma


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Desde 1909 Kandinsky divide su trabajo entre:

• Improvisaciones: “Son expresiones inconscientes de sucesos de carácter interior, y por tanto impresiones de la naturaleza interior”.

• Impresiones: “Impresiones directas de la naturaleza exterior, que preceden a la expresión en forma gráfico-pictórica”.

• Composiciones: Son las obras más alejadas del mundo objetivo. Son las obras que investiga más intensamente y las compara, en términos musicales, a “estructuras sinfónicas”.

– Kandinsky está convencido del obstáculo que representa la naturaleza y la forma exterior para la elevación espiritual del alma humana. Deben por tanto ser eliminadas.

Kandinsky, Improvisación n. 3, 1909

Kandinsky,Improvisación, n. 6, 1909

Kandinsky, El muro rojo. El destino, 1909

Kandinsky, Paseo en barca, 1910. El tema de la barca y los remeros se repite con frecuencia en estos años en los que el pintor se acerca a la abstracción absoluta.

Los remeros se en adentran aguas ignotas en un viaje iniciático hacia “la mirada inetrior” que el artista no dejará nunca de perseguir.

Las sombras en primer plano y la luz crepuscular del fondo tienen también una dimensión simbólica, casi un emblema de la propuesta artísitca de ésta época.

Kandinsky, Improvisación n.7, 1910

Kandinsky lleva muy lejos su desinterés por la representación.

La disposición del color sin apenas estructura lineal que lo delimite, disuelve por completo el espacio del cuadro, transformándolo en una espiral que tiende hacía un vértice situado en la parte superior derecha.

Kandinsky, Composición n. 2, 1910. La confusión de figuras sin aparente conexión en una vorágine de color, es la muestra del momento crítico de la evolución del pintor, a punto de romper con la figuración.


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Kandinsky deja constancia de sus reflexiones entorno al

arte en el libro “De lo espirutual en el arte”, redactado entre 1908-1909 y publicado en 1911.

– En el libro, Kandinsky reclama un lenguaje moderno relacionado con los cambios provocados por las formas modernas de vida.

– Más que negar el arte del pasado, Kandinsky quiere expandir su potencial y posibilidades.

– Por ello elabora la idea de un arte total, expresión de la adhesión del hombre con el universo mediante un juego de resonancias y analogías.

– Kandinsky quiere encontrar un lenguaje nuevo fundamentado en la experiencia.

– Dejar que el espíritu pueda alcanzar la perfecta libertad del flujo de la vida, que con sonidos y colores alimenta de continuo la imaginación.

Kandinsky, Primera acuarela abstracta, 1910

Kandinsky, Lírica, 1911


• Kandinsky 1900-1907. La llamada del arte– En enero de 1911, Kandinsky conoce a Franz Marc.– En octubre de 1911 Kandinsky y Marc fundan el grupo:

“Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul) y publican un almanaque con el mismo nombre.

– Der Blaue Reiter es considerado en la historia del arte como una de las más importantes experiencias del siglo XX.

– Sirven de estímulo dos grandes pasiones: los caballos y el azul.

– El grupo Der Blaue Reiter se propone difundir y oficializar una visión intimista del arte, concebido como experiencia existencial.

– Para el artista creador que quiere expresar su universo interior, la imitación de la naturaleza no puede ser su objetivo.


Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) – Mientras que el núcleo activo de Die Brücke era alemán y

masculino, la Asociación de Munich era cosmopolita y abierta a las mujeres.

– El grupo Der Blaue Reiter creó una revista con el mismo nombre como plataforma de difusión de sus actividades y teorías.

– En la revista “Blaue Reiter Almanac” se publicaron obras de arte popular ruso, bávaro, objetos étnicos de Asia y África, esculturas medievales y numerosa obra gráfica.

– El “Almanac” lanzó una serie de ensayos sobre el arte, la música y el teatro modernos y fue editada por Kandinsky y Franz Marc durante el año 1912.

– La revista supuso un hito en el ejercicio de la creación colectiva y en la promoción de la teoría expresionista.


Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) – En comparación con la retórica del Brücke, los escritos

de V. Kandinsky, Marianne Werefkin y F. Marc eran más teóricos y llenos de un intenso sentido místico.

– Imbuidos del legado del romanticismo y el simbolismo, cuestionaron la representación impresionista del mundo exterior, sustituyéndolo por un arte que responda a la “necesidad interior”.

– Los artistas del Blaue Reiter sostenían que el arte no debe estar condicionado por la observación de las sensaciones de la naturaleza.

– Defendían que el arte tiene su propia naturaleza intrínseca: una interacción entre los diversos elementos de línea, color y forma.


• Kandinsky, Tradición y Reforma Cultural– En particular, el impacto psicológico y emocional del

color, fue considerado como un medio efectivo para llegar al alma del espectador, comparable a las “vibraciones” del sonido que llegan al oído del oyente.

– Tales conceptos de la expresión, basados en las interrelaciones entre las artes, son el resultado de una herencia compleja de ideas que incluye la poesía de Baudelaire, las teorías de la ópera de Wagner y el arte sintético de Gauguin.

– Además Kandinsky aludió a fuentes esotéricas, tales como los teosofistas y los Rosacruz, que explican las fuentes ocultistas en su importante tratado: “De lo espiritual en el arte”, publicado en 1911.

Kandinsky, Estudio para la portada del Almanaque, 1911

Kandinsky, Almanaque Der Blaue Reiter, 1911

El azul, investido de connotaciones espirituales como el motivo del jinete, eran símbolos vivamente evocativos.

Tenían una amplia gama de significados, desde las virtudes aguerridas de los belicosos caballeros medievales a los santos guerreros cristianos.

Kandinsky, Almanaque Der Blaue Reiter, 1911

Para la imagen del Almanaque, se inspiró en la imagen de San Jorge, santo patrón de Murnau y de Rusia, como emblema de la misiónespiritual del artista.

Franz Marc, El sueño, 1912

Franz Marc, Vaca amarilla, 1912. Marc formuló teorías complejas que otorgaban a los colores atributos psicológicos y los distinguían por géneros: masculino y femenino (azul=principio espiritual y masculino) (amarillo=cualidades terrenas y femenino)

Franz Marc, Pequeños caballos amarillos, 1912

Franz Marc, Los destinos de los animales, 1913

Franz Marc, Formas cambiantes, 1914

La desconexión entre las esquemáticas figuras humanas, transcritas mediante someros trazos negros, en relación con el fondo del cuadro, permite hablar de dos estructuras independientes, casi sin conexión entre sí.

La naturaleza armónica y musical del acorde de color sería igualmente inteligible si no existiera el apunte figurativo.

La débil presencia de las figuras es apenas un ancla para el espectador, una manera de subrayar la tensión establecida en los bordes del cuadro.

Kandinsky, Improvisación n.9. 1911

Kandinsky, Los cosacos, 1911

Kandinsky, Composición n. 5, 1911

Kandinsky, Improvisación, 1911

Kandinsky, Composición n. 4, 1911. El arco iris, que despunta entre las montañas, proporciona la clave cromática: un acorde azul, amarillo y verde con breves apuntes rojos. Las figuras apenas son una plantilla superpuesta a las armonías de color

Kandinsky, Diluvio I, 1912. Una catarata de formas se gradúa, sin apenas orden, desde la máxima vibración de los amarillos a los tonos casi blancos y verde-rojizos del fondo. La alusión al diluvio es una de las metáforas de regeneración tan comunes en la época

Kandinsky, Cuadro con el arco negro, 1912

Kandinsky, Improvisación, n. 28, 1913. Kandinsky entiende el proceso crítico de los años de El Jinete azul, como la liberación de los espiritual en el mundo de la materia. Esto explica la apariencia caótica de los cuadros, como si el artista dejara fluir fuerzas y tensiones

Kandinsky, Pintura con forma blanca, 1913. La idea de un núcleo pictórico, a modo de vértice, al que tienden las tensiones del cuadro, es uno de los primeros principios de ordenación que aparecen en la pintura de Kandinsky. En este caso, la mancha blanca desempeña este papel condensador de energías


– Kandinsky elaboró una teoría original de la forma, según la cual:

• Cada forma esconde una sonoridad interior que confluye con la sonoridad del color.

• Cada forma, pues, esconde un contenido interior. La forma es la manifestación externa de este contenido.

• Además, la forma depende de una experiencia sensible que define “el sonido” o sea, su color.

– Por tanto, la forma es una potencia que fusiona la vida psíquica y el espectáculo de la realidad.

– Kandinsky propone el concepto de “necesidad interior” para expresar el contenido espiritual de la forma artística.

– De esta manera Kandinsky ofrece un fundamento sistemático a la abstracción.

Kandinsky, Composición VII, 1913

Kandinsky, Improvisación, n. 31, 1914

Kandinsky, Pintura con tres manchas, 1914

Kandinsky, Improvisación barranco, 1914

Kandinsky, Improvisación, 1914

Alexej Jawlensky, Soledad, 1912


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Para Kandinsky la forma no tiene realidad propia.– Toda su razón de ser se halla en la “necesidad interior”.– Pero tampoco es la expresión pura de la sensibilidad.– La propia paleta de colores es un modelo de creación y

un soporte de sensaciones.– Como en el arte de los grandes maestros clásicos, su

pintura es un trabajo “in progres” que avanza en un dialógo de la mente con la materia (los colores).

– Para Kandinsky, la pintura es un pensamiento en acción• La línea es síntesis• El color resonancia• Y ambas, se funden en el lenguaje de la pintura

– Kandinsky escribe con su paleta palabras que son los colores de los sentidos.


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Según Kandinsky “la necesidad interior” se dibuja como

un medio de percepción y de aprensión de la realidad.– La imagen o forma del arte surge de las profundidades

de la percepción.– Y la percepción no es neutral sino que se comporta una

alquimia de las profundidades.– La percepción produce encadenamientos analógicos,

solicita la memoria, reavive los recuerdos.– Así, la percepción está sometida a los pliegues de cada

psique humana.– Y es en la percepción subjetiva e intrínseca donde tiene

lugar el surgimiento de la forma.– Y el color es el que le da el tono o “vibración” específica.


• Kandinsky. El arte como valor espiritual– Kandinsky ha roto definitivamente con el principio

mimético del arte.– El observador ha de aprender a mirar sus cuadros como

una representación grafica de un estado del alma y la mente.

– Las ideas de Kandinsky circulan a través de sus escritos, sus exposiciones y los comentarios de sus contemporáneos.

– Entre tanto, Der Blaue Reiter, al que se ha unido el artista vienés Paul Klee, ha tenido dos importantes exposiciones en Munich.

– La segunda de las exposiciones en la que participan artistas del Die Brücke, viajó a Berlín.


– Berlín es una ciudad con una ardiente vida cultural.– En 1913 Kandinsky termina un texto autobiográfico de

gran interés, “Miradas sobre el pasado”, sobre su experiencia artística de los años anteriores.

– Sin embrago, esta fase de su vida está concluyendo.– Cuando estalla la Primera Guerra Mundial, considerado

enemigo por su nacionalidad, deja Alemania y regresa a Moscú.

– A comienzos de 1914 el sistema político europeo está cerca de su destrucción.

– También dentro del mundo del arte los cambios son muchos.

– Y deben en buena parte, su transformación y dinamismo al arte y teorías estéticas de Kandinsky y su amigo Paul Klee.

Kandinsky, Moscú I. La plaza Roja, 1916

Kandinsky, San Jorge IV, 1917

Kandinsky, Agitación, 1917

DER BLAUE REITER (MUNICH, 1912)• Kandinsky. Años de revolución en Moscú

– Al estallar la Revolución de Octubre (1917), la vida de Kandinsky cambia drásticamente.

– A partir de 1918 contribuye a las instituciones revolucionarias.

– Kandinsky instituye el Departamento de Artes, donde imparte un taller libre de arte que le permite recuperar sus preocupaciones teóricas.

– Después de la Revolución de Octubre los acontecimientos se suceden en Rusia de un modo vertiginoso. El nuevo régimen se concentra en la reorganización de la industria, la economía y la cultura.

– Kandinsky pronto entrará en desacuerdo con las nuevas directrices del Partido.

– En 1922 decide abandonar para siempre su país y retorna a Berlín.

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