APUNTES Fundamentos del arte I TEMA 3 GRECIA

FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 3. ARTE DE LA ANTIGÜEDAD (II): EL

ORIGEN DE EUROPA. GRECIA

Ana Galván Romarate-Zabala

Fundamentos del Arte I

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TEMA 3. FUNDAMENTOS DEL ARTE I. LA ANTIGÜEDAD (II): EL ORIGEN DE EUROPA. GRECIA 1.Introducción a la antigua Grecia. 2. El arte griego. 3. La arquitectura griega. 4. La evolución de la escultura griega. 5. Las artes decorativas griegas.

1.INTRODUCCIÓN A LA ANTIGUA GRECIA La civilización de la antigua Grecia es una de las más apasionantes de todos los tiempos: es la base de la cultura occidental. Sobre ella se asienta nuestra civilización europea. Casi todas las artes y las ciencias nos fueron dadas por los griegos. Inventaron el teatro, la moneda, la filosofía, la democracia y los juegos olímpicos. Las fuentes para el estudio de la antigua Grecia son: los yacimientos arqueológicos, la literatura y la historia escrita por los griegos de aquella época. Recordemos que los griegos fueron los primeros en escribir relatos históricos y que su historiador Herodoto es llamado “el padre de la Historia”. Marco geográfico La civilización de la antigua Grecia se extendió por lo que actualmente es: * Grecia (parte continental y parte insular) *Las costas de Asia Menor (actualmente Turquía y por entonces llamada la Jonia) *Y la llamada Magna Grecia, formada por las colonias del sur de Italia y Sicilia. En tiempos de Alejandro Magno (siglo III a de C) esta civilización se expandió hasta la India, Egipto, Persia, Afganistán…. Cronológicamente podemos situar los inicios de la cultura griega en el siglo VII a.C. y finalizando en el 146 a.C., siendo ésta una fecha de referencia cuando la última polis griega independiente, Corinto, es conquistada por el Imperio Romano. No es que se acabe en ese momento pero sí empieza una nueva fase histórica donde Grecia no es sino una provincia más dentro de la civilización dominante romana. Sintetizando mucho, durante esos seis siglos podemos apreciar varias fases o etapas: *la Arcaica (siglo VIII-‐fines del siglo VI a de C). Fase de formación de las polis griegas y fase de plena expansión con la colonización mediterránea. *la Clásica (siglo V y IV a de C). Los frutos de la colonización convierten a las polis griegas en ciudades ricas y prósperas. Es la fase de plena hegemonía helena y de desarrollo cultural. A este siglo V también se le llama “el siglo de Pericles”. *la Helenística o Helenismo (siglo IV al I a de C). La colonización se ha paralizado y está en franco retroceso. Paralelamente comienzan las guerras civiles entre polis, las guerras médicas contra el vecino persa y la unificación del territorio heleno bajo la hegemonía de Macedonia. Por último, la cultura helena se extiende gracias al Imperio de Alejandro Magno, recibiendo influencias orientales.

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Organización político-‐social La antigua Grecia no llegó a ser nunca un imperio o una nación en sentido estricto, sino muchos pequeños ciudades-‐estados -‐llamados polis-‐, con una lengua común a todos –el griego-‐ y una religión-‐mitología basada en la creencia en muchos dioses. Entre las principales ciudades-‐estado destacaron Esparta y Atenas. El ideal político griego es la democracia ateniense del siglo V a.C.: el ciudadano participa de los asuntos públicos a través de la Ecclesia (Asamblea). Del derecho de ciudadanía son excluidas las mujeres, los extranjeros y los esclavos. Era una sociedad patriarcal a mayor gloria del hombre que tendía a identificarse con el ideal de valor y fuerza representado por Heracles. La mujer en la sociedad griega estaba totalmente minusvalorada. La mitología y la religión eran importantísimas en la vida cotidiana griega. Elaboraron una religión antropomórfica en la que los dioses son concebidos a imagen y semejanza humana hasta el punto de que se diferencian del hombre solamente por ser inmortales y por su mayor sabiduría y poder. Cada ciudad solía estar bajo la protección de una divinidad, como por ejemplo la diosa Atenea y la ciudad de Atenas. Las historias de la mitología griega van a ser temas favoritos de los pintores y escultores europeos durante siglos, incluso hasta la actualidad.

2. EL ARTE GRIEGO

Los griegos están considerados como los “inventores” del arte. Su ideal artístico ha predominado durante siglos en nuestra cultura occidental, es el “canon griego”. Será una referencia obligada, una fuente de inspiración en otras etapas históricas como el Renacimiento, el Neoclasicismo… El arte griego es, como su cultura, antropocéntrico, es decir, está realizado a medida del hombre. Ya decía el filósofo Protágoras que “El hombre es la medida de todas las cosas”.

Es un arte basado en la imitación de la naturaleza –mímesis-‐ Pero esa imitación de la realidad es idealizada. Buscan la belleza, que está definida por la proporción, armonía y equilibrio. El arte griego no está al servicio de un dios o de un monarca. Es un arte vinculado a la polis, presenta así, una dimensión pública (plazas públicas, santuarios…). Los clientes son fundamentalmente las comunidades urbanas, aunque también los gobernantes y los particulares.



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3. LA ARQUITECTURA GRIEGA La arquitectura es una de las manifestaciones más emblemáticas del alto desarrollo alcanzado por la cultura griega. Se caracteriza por la adecuación entre forma arquitectónica y función y por la simplicidad de las formas. A diferencia de los romanos no utilizaron cúpulas ni bóvedas sino primitivos entramados de vigas. Es una arquitectura de alta calidad técnica, con dominio de los materiales. En los comienzos utilizaban como materiales la madera y el adobe, después del siglo VII a C. se usó la piedra tallada (mármol) y cortada en sillares. El sistema constructivo griego es adintelado o arquitrabado. Por lo que se refiere a los elementos sustentantes, es decir, el muro y las columnas, en la arquitectura griega encontramos:

* muros muy cuidados, realizados con bloques de mármol. Los bloques se cortan en sillares y están unidos mediante grapas metálicas (plomo), no percibidas desde el exterior.

*Las columnas presentan tres órdenes: dórico, jónico y corintio. En cuanto a los elementos sostenidos, encontramos:

*Los entablamentos, formados por arquitrabe, friso y cornisa. *Y las cubiertas, que forman parte también de los elementos sostenidos, son adinteladas. En el exterior

presentan tejado a doble vertiente o a dos aguas, lo que origina en las fachadas un remate en frontón. Interiormente se utilizaron techos planos y de madera. Otras características de la arquitectura griega vienen dadas por su visión del arte. Es una arquitectura que se funde con el paisaje, busca la armonía con él. Valoran mucho las proporciones perfectas, la armonía y la belleza externa del edificio, casi más que la interna. Y es que la vida griega, dado su clima templado y mediterráneo, favorecía la vida al aire libre. Las proporciones no son colosales –como en ocasiones en Egipto-‐ sino a escala humana. Todo el edificio debe ser eurítmico, es decir, tiene que tener la justa proporción entre las partes. Recurren a correcciones ópticas de los errores visuales en los que incurre el espectador como por ejemplo un pequeño encurvamiento del entablamento para conseguir su total horizontalidad. Propugnan también la simetría, tanto en planta como en alzado. Por que respecta a los elementos decorativos son principalmente relieves y pinturas. Los edificios presentaban una rica policromía (rojos, azules…) heredada de sus antepasados cretenses. Con el tiempo, la arquitectura griega fue perdiendo el color, lo que le ha dado lugar a una “falsa” imagen de serenidad y mesura griega. Es una arquitectura que presenta fundamentalmente finalidad religiosa (hasta la época clásica sobre todo) pero

también civil. Los templos son las tipologías de edificios religiosos fundamentales en la arquitectura religiosa y por lo que se refiere a la civil destacan los teatros y los estadios. ←Urbanismo de Mileto Los griegos daban una gran importancia al diseño de las ciudades según trazados en cuadrícula, muy regulares (sistema en damero). El urbanismo griego se caracterizaba por ser muy funcional, racional y uniforme. El creador del urbanismo siguiendo el sistema en damero fue Hipodamo de Mileto como por ejemplo las ciudades de Olinto o de Mileto.

Los órdenes arquitectónicos griegos son módulos constructivos y decorativos que aparecen recurrentemente en los templos griegos y que tendrán una enorme transcendencia en la historia del arte.

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Los órdenes griegos: dórico, jónico, corintio.

Cariátides griegas, templo Erecteion, Acrópolis de Atenas; escultura romana copia de una griega que representa a Pericles, el gran y a la vez controvertido político, estratega (general) y orador ateniense Tipologías arquitectónicas griegas: templos y teatros Los TEMPLOS: son la creación más importante de la arquitectura griega. Se construyen siguiendo los órdenes arquitectónicos, dórico, jónico y corintio. El templo no es construido para cobijar a los fieles sino para albergar la estatua del dios. Esto explica que tenga más importancia el exterior que el espacio interno. En verdad, no hay fachada principal. Privilegian la visión en diagonal del exterior del mismo. Los actos religiosos se desarrollaban en el exterior del templo. Los templos griegos son de pequeñas dimensiones. Los templos griegos van a ir evolucionando con el tiempo. Al principio eran de adobe y madera. En sus orígenes presentan estructura cuadrangular y apenas se distinguen del resto de las viviendas. Predominan la planta rectangular pero también la hay circular: son los tholos. Los templos presentaban cubierta plana en el interior y a dos aguas en el exterior. Los templos solían estar aislados en lugares alejados del centro urbano. Y es importante recordar que en Grecia había santuarios que eran ciudades sagradas situadas normalmente en alto (sobre colinas o lugares montañosos), como por ejemplo Delfos, Olimpia y Delos. La Acrópolis -‐que quiere decir “ciudad en alto”-‐ se encuentra en Atenas y concentró los mejores y más conocidos ejemplos de la arquitectura griega de todos los tiempos. Son de la época clásica y se deben a la iniciativa de Pericles, un político griego apasionado por la cultura que quiso darle esplendor cultural y monumental a Atenas. Pericles quiso reconstruir la Acrópolis que había sido arrasada por los persas en el año 480 a de C y con ella algunos templos que allí había como el antecedente del Partenón, llamado “prepartenón”. La finalidad de Pericles era doble: religiosa -‐reconstruir la Acrópolis, un recinto sagrado-‐ y política, mostrar la grandeza de Grecia, en particular de Atenas, y la superioridad de los griegos frente a los persas. Para tamaña empresa contó con el apoyo del gran artista Fidias que fue el director general de las obras. El alto coste económico de las obras le acabaría pasando factura a Pericles puesto que para ello utilizó el dinero de otras ciudades –la liga de Delos-‐, lo que a la larga propició que cayera en desgracia. Aun así, el siglo V antes de Cristo, la etapa de máximo esplendor del arte griego es conocida como “el siglo de Pericles”. El templo del Partenón es el edificio más impactante de toda la Acrópolis.1

1 Está dedicado a la diosa Atenea Partenos. En su interior albergaba la estatua de esta divinidad realizada por Fideas, hoy perdida. El Partenón fue construido El edificio se remata con un frontón decorado con esculturas exentas. La rica policromía del templo se ha ido perdiendo. La naos está dividida en tres naves, separadas por columnas, de las cuales la central es más ancha que las otras dos. Adosada a la naos se construye una habitación cuadrada, cuyo techo está sostenido por cuatro columnas: es el “partenón” o habitación de las vírgenes. Esta habitación sirve para guardar las donaciones al templo. El sistema constructivo es adintelado. La cubierta estuvo formada por armadura de madera con techo plano en el interior y exteriormente presentó un tejado a dos aguas lo que provoca la existencia de frontones en la fachada anterior y posterior. La belleza de este edificio radica en la relación de todas las partes con el todo; es una arquitectura basada en la geometría y las matemáticas que se refleja en la utilización de los órdenes arquitectónicos. Todo se ha estructurado en función de la escala humana. El Partenón responde a los reajustes ópticos para corregir las deformaciones de la visión humana: no hay líneas rectas en todo el edificio. Ha



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Acrópolis de Atenas; el Partenón; Templo de Atenea Niké, Tholos de Delfos

Por lo que se refiere a la arquitectura civil, entre los griegos de los siglos V y IV a de C, la arquitectura privada no tuvo especial importancia. La formación de los jóvenes, la discusión filosófica o política, el comercio y en general todas las actividades públicas sucedían en un espacio común, el ágora, donde los edificios públicos se levantaban y embellecían con orgullo ciudadano, si bien el clima favorecía que muchas de las reuniones se hicieran al aire libre. El ágora era la plaza pública, no tenía una forma definida y se multiplicaba al crecer la ciudad; era frecuente que se rodease de pórticos de columnas denominados stoas, en las que los ciudadanos se cobijaban del sol o de la lluvia. Las stoas que han llegado hasta nosotros son ya de época helenística. El ágora en época de los romanos se llamará “foro”. Los antiguos griegos crearon estadios, que eran recintos alargados para las carreras que se rodeaban de sencillas gradas al aire libre. Los TEATROS El género literario del teatro es un invento griego como el edificio que crearon para sus representaciones. Orígenes y función. El origen del teatro griego está íntimamente ligado al culto que los griegos rendían a Dionisos (dios del vino y lo irracional llamado Baco en Roma) y alcanza su plenitud durante el siglo V a.C. con las obras de Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes. En consecuencia, el teatro puede entenderse casi como un edificio religioso. En las fiestas dionisíacas tenían lugar representaciones que dieron lugar a la tragedia y comedia griegas. Pero el teatro evolucionó desde estos inicios, en los que el coro tenía un protagonismo absoluto. Poco a poco personajes concretos se independizaron hasta convertirse en el centro de las representaciones que terminaron apartándose del culto a Dioniso. El teatro desempeñó un importante papel en la vida de los griegos: era una invitación para reflexionar sobre la condición humana a la vez que se realizaba una dura crítica de las costumbres y personajes del momento. El teatro griego era un espectáculo total que integraba en su desarrollo las más variadas artes, no solamente la literatura. Acompañando al texto escrito, se desarrollaron e integraron la música, la actuación, la danza, la escenografía y el vestuario. Todo ello se unía para conformar un espectáculo que apasionaba al público que acudía a su representación en Atenas.

sido un edificio que ha pasado por todo tipo de avatares históricos: fue una iglesia católica con los bizantinos; con los turcos fue una mezquita; en el siglo XVII sufrió diversos ataques, fue usado como polvorín y fue víctima de una terrible explosión que destruyó casi completamente todo el centro del edificio, incluyendo partes del friso y de las metopas, y dañó gravemente otras zonas. Entre 1801-‐1803 el embajador inglés en Turquía, Lord Elgin, compró la mayor parte de las esculturas que quedaban en el templo y por eso hoy se conservan en el Museo Británico de Londres.

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Arquitectura: los teatros se situaban en una colina inclinada, no hay ninguno sobre un terreno plano. En sus orígenes se realizaban de madera antes de levantarse en piedra. Todo teatro constaba de cuatro partes claramente diferenciadas:

Gradas o graderío: Es el lugar destinado a los espectadores. Tiene planta ultrasemicircular. Los pasillos generan un espacio en cuñas o triángulos llamados: cuneos. Los asientos no tenían respaldo exceptuando los destinados a los personajes públicos más importantes que podían tener respaldo y apoyabrazos.

Orquestra: espacio de planta circular situado en el centro del teatro destinado a acoger los coros. En el centro se alza la estatua dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta.

Proscenio: es el lugar donde se representan las obras teatrales. Se alza sobre una plataforma. Escena: es el decorado.

Autores griegos de tragedias; asiento para personaje importante en el teatro de Dionisos de Atenas

La acústica era perfecta desde cualquier lugar del teatro. El teatro más antiguo es el de Dionisos, excavado en la ladera rocosa de la Acrópolis de Atenas (siglo V a de C). El mejor conservado se encuentra en Grecia, en Epidauro. Fue construido por Policleto el Joven a finales del siglo IV a.C. Se utilizó un desnivel natural del terreno de 24 metros para edificar una concha de 120 metros de diámetro que se divide en dos zonas. La parte inferior del hemiciclo está dividida en 12 cuneus (:forma de triángulo o cuña) con una treintena de gradas cada uno mientras que en la zona superior se hallan 22 cuneus con 20 gradas cada uno. En total podía albergar hasta 15.000 espectadores que disponían de dos tipos de asientos: los del pueblo consistente en las propias gradas y los de las personalidades políticas, con respaldo y brazos. Los teatros griegos están presentes en toda la Grecia continental e insular, así como en Magna Grecia y Asia Menor. La influencia del teatro griego en el teatro actual



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Los actores griegos llevaban coloristas túnicas, impactantes máscaras y llamativas pelucas; en la segunda y tercera imagen se pueden apreciar los zapatos con plataformas muy altas llamadas COTURNOS que llevaban los actores griegos para elevar su altura e impresionar al público. La suela era de corcho. Se empezaron a usar en el periodo helenístico. Con el tiempo, quienes lo llevarían serían las meretrices (prostitutas). En las tragedias griegas se trataban temas de alcance universal que han influido muchísimo en la literatura europea, especialmente en Shakespeare (Hamlet, Otello…). Entre los dramas tratados podemos destacar el mito de Edipo2, el de Medea3 etc. En las tragedias era muy importante el destino fatal que acompañaba a los personajes y era habitual que los dioses intervinieran en él. En el teatro actual permanece la influencia de la tragedia y la comedia griega: en ocasiones se representan obras teatrales griegas pero contextualizadas en la época actual. Además, aún hoy se representan las obras griegas en nuestros teatros, como por ejemplo en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida (Extremadura) que se celebra todos los veranos. 4. LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA La escultura en Grecia alcanzó un extraordinario desarrollo, comparable e incluso superior al de la propia arquitectura. El punto de partida de la escultura griega es la naturaleza. El hombre fue el eje de la misma, consecuencia lógica del carácter antropocéntrico de esta cultura. Su principal modelo será el joven atleta masculino, "imagen y medida del hombre". La temática, por lo tanto, gira en torno al ser humano. Las referencias a figuras mitológicas son constantes y abundan también los retratos. Encontramos tanto esculturas exentas o de bulto redondo como relieves. En un principio debieron realizar las piezas en madera, más tarde se harán en piedra, mármol fundamentalmente, siguiendo una evolución similar a la de la propia arquitectura. En menor medida usaron también el bronce. También utilizaron la terracota (: barro cocido) y materiales preciosos como el oro y marfil (las piezas realizadas con oro y marfil se llaman criselefantinas y consistía en sobre un alma de madera montar elementos de marfil esculpido, que representaban el cuerpo y placas de oro para la vestimenta. Esta técnica la utilizó Fidias para realizar la estatua de Atenea Partenos que se conservaba en el Partenón). El escultor griego busca plasmar en la escultura la belleza ideal, el canon. La escultura griega se basa en el concepto de mímesis o imitación de la realidad, pero idealizada. La mayor parte de la escultura griega la conocemos a través de copias romanas, ya que los originales se han perdido. Toda la escultura, a excepción de los bronces, se policromaba. La estatua blanca nace en el Humanismo, al creer, erróneamente, que las clásicas habían sido así. Es importante también recordar que casi todas las piezas estaban firmadas, el arte, por tanto, deja de ser anónimo, demostrando con ello la valoración de la creación artística individual.

2 Este mito inspiró a Sigmund Freud su teoría del complejo de Edipo. En términos generales, Freud define el complejo de Edipo como el deseo inconsciente de mantener una relación sexual (incestuosa) con el progenitor del sexo opuesto y de eliminar al padre del mismo sexo (parricidio). 3 Medea: personaje desequilibrado por la infidelidad de su marido y desquiciada por los celos y la amargura hasta el punto de matar a sus hijos en un ataque de desesperación.

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La escultura griega influirá decisivamente sobre civilizaciones y estilos posteriores: el arte romano, renacentista (Miguel Ángel), barroco (Bernini), neoclásico (Thorvaldsen y Canova)… Al igual que en la arquitectura, existen diversas etapas:

·∙ Período arcaico: del S.VII al 500 a.C. ·∙ Período de transición o Estilo Severo: del 500 al 475 a.C.·∙ ·∙ Período Clásico: del 480 al 313 a.C. ·∙ Período Helenístico: del 313 al 146 a.C.

La escultura griega va a experimentar una profunda evolución, desde el ETHOS (serenidad, armonía, rigidez) al PATHOS (explosión de sentimientos, composiciones abiertas y dinámicas). Los orígenes de la escultura griega son orientalizantes: en sus primeros momentos reflejan la influencia de la escultura egipcia (hieratismo, geometrización, frontalidad, estatuas bloque, ojos almendrados), sin embargo, su evolución constante dio lugar al desarrollo de formas originales que se apartan de los primeros modelos. Existe además, cierta conexión con los relieves persas. *En la PREHISTORIA griega encontramos ya unos ejemplares interesantísimos de escultura llamados los "ídolos de las Cícladas". Son estatuillas del tercer milenio antes de Cristo, hechas fundamentalmente en mármol y otras en terracota pintada como el famoso tañedor de lira de aproximadamente el 2700-‐2300 a de C. Acompañaban a los muertos en sus tumbas y presentaban los aspectos físicos y atributos sexuales poco marcados.

*En la ÉPOCA ARCAICA (hasta el siglo V a de C) dominan las representaciones de Kuros (Kuroi en plural) y Koré (Korai en plural). Los Kuroi representan a jóvenes desnudos de aspecto atlético. Son estatuas funerarias que conmemoraban al vencedor de los juegos olímpicos, el atleta o héroe. Suponen el ideal de belleza masculino. Tienden a formas rígidas, geométricas y hieráticas acusando la ley de frontalidad de influencia oriental. Presentan influencias de la escultura egipcia como demuestra el carácter de bloque con el que es concebida la obra, por la posición de los brazos, pegados al cuerpo, las manos cerradas, el tratamiento del cabello en forma de peluca, la geometrización del cuerpo y la inexpresividad. El torso tiene forma triangular. Una de las piernas está adelantada en un intento inútil por sugerir el movimiento. Los rostros son de líneas duras, en ellos los ojos son de forma almendrada y se pintan el iris y las pupilas. Presentan la llamada sonrisa arcaica, algunas veces más que sonrisa parece una mueca. Los rasgos anatómicos son muy esquematicos. Son figuras arquetípicas, no se pueden considerar retratos. Estas esculturas están realizadas en mármol. Las Koré (Koroi en plural) son el equivalente femenino de los kuroi. A diferencia de los kuros aparecen vestidas, envueltas en una larga túnica, encima de la cual se coloca un largo manto o un corto chal. En Grecia el desnudo femenino es tardío, de ahí la importancia del vestido y la ornamentación.



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Ejemplos de kuroi, se aprecia claramente cómo fueron evolucionando hacia un mayor naturalismo; Koré.

*ÉPOCA CLÁSICA (siglo V a. C)

Es el momento de mayor esplendor de la escultura griega: perfección anatómica, búsqueda de un canon4 o belleza ideal según cálculos matemáticos, se pierde la rigidez y se alcanza el dinamismo… La composición predilecta será el contraposto: la figura descansa sobre una pierna y flexiona la otra dejándola en reposo; la descarga del peso sobre un lado produce un desnivel en las caderas y en el eje vertical de la estatua. Se rompe así, la ley de la frontalidad. Esta será la postura predilecta en el arte clásico. Otra característica será el idealismo y el equilibrio: se tiende a la creación de figuras humanas idealizadas. Los escultores más destacados del Clasicismo fueron Mirón, Fidias y Policleto. Mirón Fue un gran broncista, aunque conocemos sus obras a través de las copias realizadas en mármol por los romanos. Los estudios de Mirón se centran en el estudio de la anatomía en movimiento. Sin embargo, sus esculturas son un tanto inexpresivas. Su obra más relevante

es el Discóbolo, copia romana en mármol del original en bronce. Policleto Policleto, contemporáneo de Fidias, fue, a la vez que escultor -‐sobre todo broncista-‐, un gran teórico: fijó la proporción, el ritmo y la simetría del cuerpo humano en un canon o prototipo investigando las proporciones más armónicas. Él instauró el canon de las siete cabezas (la altura del cuerpo debe ser siete veces mayor que la de la cabeza). Las principales esculturas de Policleto son el Doríforo, el Diadumeno, Héracles y la Amazona herida. Al Doríforo se la llama también el “canon”. Marca el contraposto y al inclinar hacia la derecha la cabeza, describe una suave curva en forma de "S" invertida, sistema muy apreciado en el período gótico y utilizado para conferir armonía a las estatuas de la Virgen.

El Doríforo, también llamado “el canon”; el Diadumeno. Ambas obras realizadas por Policleto.

4 Los griegos emplean como módulo la cabeza: en las esculturas de Policleto (1/7), en las de Lisipo (1/8), etc.

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Fideas Atenas impone en el siglo V a de C su liderazgo cultural en escultura a través de la figura de Fidias, cuya influencia marcará el arte griego durante toda su época. Es el gran escultor del Clasicismo. Su actividad se centra en torno a la Acrópolis, pues Pericles lo convirtió en el coordinador de las obras del Partenón. Lo que más destaca en Fidias es su tratamiento de los ropajes. Es la técnica llamada de “paños mojados” que deja traslucir la anatomía a través de las vestimentas. Con esta técnica acentúa el juego de la luz y dinamiza las figuras. Los principales ejemplos de Fidias son las esculturas de la Atenea Promacos, Atenea Partenos, el Zeus de Olimpia y las esculturas del Partenón (frontones, frisos y metopas). Los temas que representa en el Partenón son episodios mitológico-‐religiosos en los que simboliza el triunfo del orden y la racionalidad frente a las pasiones y el caos, aluden al triunfo de los griegos sobre los persas en las guerras médicas. Los relieves fueron pintados en vivos colores.

Impresionantes esculturas del Partenón realizados por Fideas Praxíteles Praxíteles es un escultor del siglo IV a de C. Trabaja preferentemente el mármol. Entre sus obras destaca la Venus de Cnido. Nos ha llegado por una copia romana. Representa a la diosa del amor saliendo de las aguas del mar de cuya espuma nació según el mito más conocido. Fue una escultura famosísima en época de Praxíteles y tuvo una enorme influencia en el arte griego y romano posterior. Aparece ensimismada, algo ausente. No eran frecuentes los desnudos femeninos en el arte griego anterior y sólo a partir del siglo IV a de C es concebible una visión sentimental y sensual del cuerpo femenino.

Venus de Cnido de Praxíteles; El Apoxiomeno de Lisipo; Ménade de Scopas.



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Lisipo Lisipo: fue el mejor broncista de Grecia. Fue un artista de renombre, retratista oficial de Alejandro Magno, pero su tema preferido eran los atletas. Pertenece al clasicismo tardío (la primera mitad del siglo IV a de C). Perfeccionó el canon (alargamiento de los miembros, reducción de la cabeza). Es un canon más naturalista que el de Policleto. Scopas Scopas: Escultor y arquitecto del siglo IV a de C. En sus esculturas muestra los distintos estados anímicos: amor, pasión, desesperación, tragedia y patetismo. Realizó esculturas de Ménades: las Ménades o bacantes eran las mujeres adeptas a los ritos dionisíacos que danzaban de manera desenfrenada, fruto del alcohol. Vemos un cuerpo en movimiento que se arquea tanto que casi llega a la convulsión. El dinamismo y la violencia de esta figura se alejan de los presupuestos clásicos y se acercan más al helenismo. *ETAPA HELENÍSTICA (siglo IV al I a de C) Denominamos Helenismo o etapa helenística a la etapa final de la civilización griega. Durante este periodo la cultura helena se extiende gracias al Imperio de Alejandro Magno, recibiendo influencias orientales. Esta etapa se prolonga hasta época romana. Con el Helenismo se produce la universalización de la cultura griega. Durante el Helenismo la escultura abandona ya definitivamente el equilibrio clásico y adopta otras características: la representación del dolor, el movimiento, la grandeza, el dramatismo e incluso la fealdad. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas. Es el triunfo del pathos. Mientras que en el clasicismo los temas eran religiosos y sólo al final se introduce con Lisipo el retrato, con el helenismo se amplia, los temas son infinitos.

Esculturas helenísticas: Venus de Milo; torso Belvedere; Victoria de Samotracia; el Laocoonte.

Hay varias escuelas helenísticas: ESCUELA DE ATENAS: Niño de la espina, Venus de Milo y el torso Belvedere. ESCUELA DE RODAS: la Victoria de Samotracia, el Laocoonte. El Laocoonte es un grupo escultórico de mármol del siglo II a de C. Se conoce esta obra a través de una copia romana, pero el original debió estar realizado en bronce con la técnica de la cera perdida. Recoge un episodio de la guerra de Troya en el que Laocoonte, sacerdote de Apolo, muere estrangulado por serpientes marinas enviadas por Poseidón para que no revelara el secreto del caballo de Troya (los griegos, escondidos en el interior de un caballo de madera, pretendían engañar al enemigo y entrar en la ciudad asediada). Influyó muchísimo en la escultura del Renacimiento, Barroco… ESCUELA DE PERGAMO: Altar de Zeus (parte se conserva en un Museo de Berlín). Era un altar al aire libre para hacer sacrificios a los dioses. Otras esculturas de esta escuela son Afrodita agachada y El niño de la oca: representa a un niño atrapando una oca, una especie de versión cómica de las clásicas esculturas de luchas que eran frecuentes desde el arcaísmo. ESCUELA DE ALEJANDRÍA en Egipto: Figuras grotescas, enanos contrahechos, pícaros, tanagras, etc. (influencia de Egipto y Praxíteles).

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5. LAS ARTES DECORATIVAS GRIEGAS

Artes decorativas de la antigua Grecia: cerámica, vidrio –Vaso Portland-‐ y mosaicos

Las artes decorativas en Grecia alcanzaron un gran esplendor, sobre todo por lo que se refiere a cerámica, vidrio, mosaicos, joyería… La casi total desaparición para la posteridad de la gran pintura mural griega ha reservado a la CERÁMICA de la antigua Grecia una gran importancia, pues junto con el MOSAICO nos permiten informarnos de cómo serían aquellas obras.

Pinturas de la GRECIA PREHELÉNICA: Creta, Palacio de Knossos, c. siglo XV antes de Cristo

Pintura GRECIA ANTIGÜEDAD: pintura mural de Paestum, siglo V a de C, Paestum (Magna Grecia, sur de Italia). En las tumbas de Paestum se

encontraron ejemplos de pintura mural griega. Hoy se conservan en su Museo Arqueológico. La CERÁMICA GRIEGA presenta un carácter totalmente utilitario -‐en parte hoy olvidado por la forma meramente ornamental en que la contemplamos en museos y colecciones-‐ y funcional. La cerámica griega es una fuente histórica fundamental para conocer la forma de vida de la antigua Grecia. La temática era muy variada: motivos mitológicos, históricos, vida cotidiana, grotescos e incluso obscenos. Los motivos ornamentales presentan carácter geométrico, vegetal, figurativo, animalístico, etc. A las piezas cerámicas se las suele denominar “vasos” (en inglés vase y en francés vase).

Motivos ornamentales de la cerámica griega: vegetales, figurativos, geométricos



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Alfareros y pintores trabajaron juntos en el mismo taller. En las grandes ciudades como Atenas o Corinto, los talleres se concentraban en determinados barrios como el llamado Cerámico de Atenas y reunían a un gran número de artesanos, maestros y aprendices. En algunos vasos griegos aparecen las firmas de alfareros y pintores. Los alfareros utilizaban la fórmula “ha hecho” y los pintores “ha pintado”. Todas las ciudades griegas fabricaron vasos cerámicos a lo largo de los siglos. Algunos centros alfareros adquirieron tal maestría en la creación de productos refinados y de alta calidad que lograron un lugar preeminente en la historia artística del mundo antiguo: fue le caso de Atenas, Corinto, Laconia, Mileto, la Magna Grecia… Algunas de estas producciones, protegidas e impulsadas por los gobernantes de sus ciudades, alcanzaron un volumen casi industrial y convirtieron la fabricación y exportación de vasos cerámicos en un rentable negocio. La cerámica griega se exportó por todo el Mediterráneo desde el siglo VIII a de C hasta el IV a. de C.

Firma del famoso pintor Sófilos: Sófilos me pintó; lekito de fondo blanco; grabado del siglo XIX que reproduce un detalle de un vaso

cerámico en el que aparecen Atenea y Poseidon. Va firmado: Amasis me hizo; El lécito es una tipología cerámica de carácter funerario. Suele tener fondo blanco. También se podía utilizar para perfumes.

EVOLUCIÓN de la cerámica griega: *ETAPA PREHELÉNICA: dentro de este antiquísima etapa destaca la denominada CERÁMICA DEL PERIODO GEOMÉTRICO ( c. siglos XVIII a de C): en el cementerio de Dipilón aparecieron muchas piezas cerámicas con decoración geométrica y figuras muy esquemáticas. Presentan en su decoración puntos, líneas paralelas, triángulos, círculos, rombos, espirales, etc., ordenados en bandas de distinta anchura. En el centro de la vasija –llamada panza-‐ puede aparecer alguna escena con idéntico esquematismo y estilización. Generalmente son escenas funerarias. El tamaño de estos vasos es grande, de entre 1.5 y 2 metros.

Ánfora de Dipilón, Museo Nacional de Atenas. 1,55 cms. Hacia el 750 a. C.

*En la época ARCAICA encontramos la técnica cerámica llamada de FIGURAS NEGRAS SOBRE FONDO ROJO. En estos vasos cerámicos lo narrativo tiene más importancia que lo decorativo, adquiriendo cada vez más protagonismo la figura humana. Van desapareciendo las bandas hasta llegar a un tema único, una especie de cuadro

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pintado en el centro de la vasija. Normalmente se trata de una cerámica de lujo. Solía usarse como urna cineraria, gracias a lo cual han llegado a nuestros días. Ejemplos: Vaso François (570 antes de C) del ceramista Ergotimos; o el Vaso de Ajax y Aquiles pintado por Exequias.

Ejemplos de cerámica griega de figuras negras sobre fondo rojo: Crátera Vaso François, Vaso de Ayax y Aquiles

*La época CLÁSICA: en este momento se invierte la policromía, apareciendo la técnica de las FIGURAS ROJAS SOBRE FONDO NEGRO. Las escenas irán ganando naturalidad, expresividad y movimiento, con un paulatino dominio de la perspectiva. El estilo se supone que fue inventado por un pintor cerámico del Ática (la región de Atenas) llamado Psiax, al que se le llama PINTOR DE ANDÓCIDES porque solía trabajar con el ceramista ANDÓCIDES. Andócides habitualmente firmaba sus obras, algunas de las cuales se conservan en el Museo Arqueológico Nacional (Madrid). El ceramista Andócides y el pintor de cerámica Psiax realizaron vasos de estilo “bilingüe”: son aquellas que presentan por una cara figuras rojas sobre fondo negro y por otra figuras negras sobre fondo rojo. Este tipo de vasos, que surgieron en el siglo VI a de C son valiosísimos. Las figuras en color negro permitían un mayor detallismo que las realizadas con color rojo.

Ejemplo de ánfora de estilo bilingüe, c. 510 a de C. Es de estilo bilingüe porque por un lado aparece Apolo y otras figuras rojas sobre fondo negro y en el otro lado aparece Dioniso con otros personajes de figuras negras sobre fondo rojo. Esta ánfora está firmada por el ceramista Andócides en el pie de la pieza. La pintura se debe al artista Psiax en cuyo taller se inventó el estilo de figuras rojas. Aparecen frisos o bandas de motivos ornamentales de carácter vegetal enmarcando las escenas. Ramas de hidra decoran las asas. Museo Arqueológico Nacional, Madrid. *La época HELENÍSTICA o HELENISMO: a lo largo del V antes de Cristo se irán añadiendo otros colores, hasta llegar a la cerámica polícroma que es la característica de la etapa helenística. De este periodo destacan las tanagras, que aunque surgidas en épocas anteriores, alcanzan en el helenismo un gran desarrollo.



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*Las FORMAS de la cerámica, bien creadas en Grecia o recibidas de culturas anteriores y perfeccionadas hasta alcanzar su aspecto definitivo son principalmente: el “ánfora”, muy usada en la antigüedad y caracterizada por el cuello estrecho y largo y dos asas verticales; se utiliza para contener agua, vino o aceite. La “crátera” sirve para mezclar vino con agua y puede presentarse con boca más ancha que el cuerpo y asas casi horizontales o con la boca más estrecha y asas verticales formando volutas en su remate superior, en la unión con la boca. Se utilizaba en los banquetes llamados “simposios”. La “hidria” para agua, de forma ovoide y cuello más estrecho, suele presentar tres asas, dos horizontales y una vertical. El “lécito”, una de las vasijas más elegantes, empleado con fines funerarios o para tocador, es de forma alargada con asa vertical desde la panza al borde del cuello. El “kylix” y “el skifos” son dos formas de tazas con asas horizontales.

Ejemplos de tipologías cerámicas griegas: Hidria, Kylix, Skifos

TANAGRAS: figuritas de terracota femeninas. Suelen presentar restos de policromía (rojos, negros, naranjas, púrpuras, pero nunca verde porque era muy caro ya que procedía de la gema malaquita. En la primera imagen hay trazas de color rojo en el pelo. Las tanagras solían ir elegantemente “envueltas” en sus túnicas (himation). En ocasiones presentan curiosos tocados y cabelleras recogidas. El pelo corto era señal de duelo o de esclavitud. El origen de las tanagras se halla en Tanagra, Beocia (Grecia). La misma calidad excepcional que encontramos en la cerámica griega, se aprecia también en las otras manifestaciones de las ARTES DECORATIVAS. La mayoría de los ejemplos más notables corresponden al periodo helenístico. Influirán muchísimo en el arte romano. La JOYERÍA en Grecia se utilizaba para eventos públicos u ocasiones especiales, no eran de uso común. Se solían ofrecer como regalos y era un símbolo de estatus social y económico. Solían tener función apotropaica para evitar el mal de ojo y propiciar poderes sobrenaturales. Con frecuencia tenían simbolismo religioso y de hecho se regalaban a los dioses. La mayor producción procedía del norte de Grecia y Macedonia. Entre los motivos apotropaicos destacan los nudos de Hércules, las victorias aladas o Niké, las serpientes…. Aunque la mayor parte de la joyería griega era hecha con oro y plata, así como márfil y gemas, se hacían también copias en bronce y arcilla. Se han encontrado pequeñas piezas talladas en VIDRIO (contenedores de perfumes, etc) y entre todas las piezas de vidrio destaca el famosísimo Vaso Portland (Museo Británico de Londres, siglo I d de C), obra que aunque data de la época romana debe considerarse griega ya que coincide con los años de afluencia a Roma de artistas de esa procedencia.

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Por otra parte los griegos decoraban suelos y revestimientos murales con MOSAICOS. Propiamente dicho, el mosaico es de origen griego y su difusión y acabado más perfecto llegó con los romanos. Su técnica es muy cercana a la pintura y reflejo de ella. Presentaban motivos mitológicos, históricos o de género entre encuadramientos ornamentales geométricos o vegetales, con predominio de los colores blanco y negro. Ej. mosaicos de Olinto, Pella, Alejandría, Delos.

Anillo de oro con el salto de toro. Joyería cretense, c. 2000 a de C; la llamada “máscara de Agamenón”, orfebrería de Micenas.; vasos de Vafio, realizado en oro (c. 1500-‐1450 a. de C).

Brazalete con el nudo de Hércules, la victoria alada y las serpientes, etapa helenística; anillo con el nudo de Heracles o Hércules: era llamado

también nudo de matrimonio, una especie de amuleto apotropaico para prevenir el mal y propiciar el bien. Era un símbolo de unión y enlace. También propiciaba la fertilidad. Lo encontraremos también en la civilización romana. Está realizado en oro y lapislázuli.

Los datos que tenemos sobre el MOBILIARIO GRIEGO se han obtenido a través de estudios realizados sobre piezas cerámicas, bajorrelieves y relieves funerarios. Sin embargo, hoy en día, uno de los diseños más conocidos de la silla es debido precisamente a esta civilización. Se trata de la silla klismos. A través de este diseño se puede concluir que la estructura de los muebles griegos era sencilla y muy pensada para la comodidad del cuerpo humano (ergonomia). Otros diseños griegos son el kliné o lecho de descanso, y el triclinio ("triple kline"), camas donde los griegos almorzaban y cenaban y recibían a sus visitas.

Silla Klismos; reconstrucción silla Klismos; Kline o lecho de descanso con escabel; triclinios.



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Otros OBJETOS de la vida cotidiana de la antigua Grecia:

ESTRÍGILE: instrumento de bronce o hierro que utilizaban los atletas para limpiarse después de realizar deporte. De esta manera el atleta retiraba la mezcla de aceite, polvo y sudor que recubría su cuerpo; MONEDA griega: la moneda fue un invento griego (de Lidia, Asia Menor). En la imagen vemos la lechuza, símbolo de la sabiduría de la diosa Atenea, protectora de Atenas; INSTRUMENTOS MÉDICOS de la antigua Grecia.

CASCO griego de bronce; TRÍPODE de bronce del siglo VI a de C: entre los motivos ornamentales aparecen palmetas, esfinges, caballos, flor de loto (debajo de cada caballo). Las patas en este caso terminan en garra de animal, como en muchos muebles egipcios. El trípode era una tipología de mueble multifuncional: podía usarse como mesita, o para poner encima un vaso cerámico, o como altar de sacrificio en rituales religiosos. También podían ser regalos o premios en competiciones olímpicas.

Entre las artes decorativas griegas también destacan las ARTES DEL METAL de pequeño tamaño, generalmente de bronce, donde podemos encontrar muchas figuritas, animales, etc. En la imagen: una bailarina velada de la etapa helenística que se conserva en el MET de Nueva

York; estatuilla de Eros de bronce de la etapa helenística, MET, Nueva York. Jinete y caballo de bronce.

APUNTES Fundamentos del arte I TEMA 3 GRECIA

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