Reproductibilidad técnica: arte / industria cultural
Estética-Fundamentos estéticos 2018
Material sistematizado por Prof. Paola Belén
Escuela de Frankfurt
Grupo de intelectuales marxistas. Ligados al Instituto de
Investigación Social (1923), Universidad de Frankfurt,
Alemania (Horkheimer, Adorno, Löwenthal, Marcuse, Fromm.
Vinculación de Benjamin)
Dos ejes: superación del economicismo incorporando aportes
de psicología y psicoanálisis y cuestionamiento del
positivismo (la aceptación de hechos objetivos, “tal cual son”
sin posibilidad de crítica o transformación). Teoría crítica: la
sociedad capitalista posee una estructura que niega al
pensamiento su tarea más genuina, la crítica.
1934 cierre por el nacional socialismo. Apertura en Ginebra,
París, Nueva York y Los Ángeles. EEUU,1938: Adorno (1903-
1969) y Horkheimer (1895-1973). Benjamin (1892-1940),
cercano a miembros, permanece en Europa, suicidio en
frontera franco-española (Portbou)
1950, Adorno y Horkheimer regresan a Frankfurt y
reestablecen el Instituto.
“La obra de arte en la época de su reproductibilidad
técnica” (1936)
“A grandes intervalos en la historia se transforma al mismo
tiempo que el modo de existencia, el modo de percepción de
las sociedades humanas”.
La obra de arte y su percepción (experiencia de la mirada) no
son algo inmutable: dependen de las transformaciones
sociales y de los descubrimientos técnicos.
Descubrimientos técnicos: imprenta, fotografía, cine,
grabación de discos reproductibles, radio, film sonoro,
transmisión televisiva, etc.
Transformaciones sociales que han acompañado el
desarrollo de capitalismo industrial: Público de masas,
nuevas condiciones de trabajo y de percepción del mundo,
aumento del valor de la distracción, la transformación de la
política en espectáculo, etc.
El concepto de “aura”
• Concepto con implicancias teológicas, explica un modo de ser
histórico de la mirada. Su presencia o ausencia como punto
de inflexión.
• Existencia singular y frágil, el aquí y ahora, la manifestación
irrepetible de una lejanía (cultual) por más cercano que pueda
estar, su autenticidad en una “localización” única, el
encuentro de miradas, resalta el valor del instante único. Obra
de arte única se liga con un origen, una tradición, una trama
única de espacio y tiempo. “En los objetos queda algo de las
miradas que los han rozado.”
• Cuando las prácticas y valores artísticos dominantes fueron la
magia, la religión y el culto, el arte fue aurático-religioso.
Parte de ritual oculto. Cuando arte comienza a
autonomizarse en el Renacimiento el culto a la obra se
mantuvo, pero secularizado: culto a la autenticidad, al
original en el que aflora huella de artista genial.
Reproductibilidad y pérdida del aura
• La película es técnicamente reproductible, y fue hecha y tiene
existencia para eso. No tiene sentido preguntar por el original y la
copia. Con reproducción técnica la obra de arte pierde aura: su
unicidad y autenticidad, el aura, el “aquí y ahora”, no puede copiarse.
El momento preciso en que la obra fue producida no puede
reproducirse.
• Se pierde idea del origen, de su ligazón con una tradición, está libre
de sujeción a un tiempo y a un espacio: se ofrece a todos y en serie,
es accesible. El valor de exhibición reemplaza al valor cultual: el arte
puede mostrarse más. Desligada del valor cultual se fundamenta en
la política.
• Cine: actor se enfrenta a aparatos. El aura desaparece. Diferencia con
el teatro.
• Obras ya no están destinadas a la contemplación recogida e
individual (para unos pocos) en el museo. Pasaje del culto y la
experiencia singular, irrepetible, ritual, a la recepción y apropiación
colectiva, masiva y simultánea.
.Obra aurática
• Valor cultual
• Lejanía
• Singularidad
• Autenticidad
• Tradición
• Fundamentada en el
ritual
Obra no aurática
• Valor exhibitivo
• Cercanía
• Repetibilidad
• Reproductibilidad de
principio
• Transitoriedad
• Fundamentada en la
política
El cine: ¿la emancipación o la dominación de las
masas? ¿politización del arte o estetización de la
política?
• El arte reproductible puede
constituirse en un potencial modo
de emancipación de las masas,
pero Benjamin también señala el
peligro de utilización de los medios
reproductibles para la dominación.
El sensorium moderno y el efecto de shock
• Aceleración del tiempo: automóviles, velocidad de los
medios de transporte.
• Fragmentación del espacio: la experiencia de la línea
de montaje y de la multitud urbana es una
experiencia de bombardeo de imágenes
desconectadas y estímulos similares al shock.
• En la producción industrial, en la guerra moderna, en
las multitudes en las calles, en parques de
diversiones y en casinos, el shock es la esencia
misma de la experiencia moderna. El ambiente
tecnológicamente alterado expone el sensorium
humano a shocks físicos que tienen su
correspondencia en el shock psíquico.
Anestesia y fantasmagoría
• La adicción a drogas como contraparte del shock.
Utilización de remedios, drogas -opiáceos, cocaína,
inhalación de óxido nitroso-, hipnosis, electroshock
contra el agotamiento nervioso o patologías. (Uso de
anestesia en operaciones).
• La realidad misma deviene fantasmagoría. El mundo
de las mercancías como mundo de ensueño, ilusiones
distorsionantes: anestesiar el organismo a través de
una inundación de los sentidos. Distracción sensorial
colectiva. Pasajes de París, florecimiento de
perfumerías, grandes tiendas de telas como orgía de
erotismo táctil, gusto por comidas. Producen la ilusión
de ser la realización de los deseos y anhelos de la
humanidad.
El arte reproductible y su potencial para la emancipación
de las masas
• La percepción a modo de shock cobra en el filme vigencia
como principio formal. El cambio de imágenes no permite la
contemplación de una única imagen. El cine corresponde a la
forma receptiva de público disperso (no contemplador).
• El montaje reacomoda fragmentos de la realidad como
unidades semánticas: imágenes discontinuas se superponen
unas a otras en una serie continua
• La tecnología industrial, por un lado, provoca una
fragmentación de la experiencia, pero, por otro lado,
proporciona los medios para volver a reunirla bajo una forma
nueva. Pasado el efecto del shock, la conciencia del
espectador se abre a la actividad del pensamiento.
Politización del arte
• Le exige al arte la tarea de deshacer la alienación del
sensorium corporal, restaurar la fuerza de los sentidos
corporales y hacer esto no evitando las tecnologías, sino
atravesándolas.
• Para Benjamin se trata ya no de entrenar el ojo para la
contemplación de la belleza sino de restaurar la
perceptibilidad. En ese sentido el cine reconstituye la
experiencia. La cámara detiene el flujo de la percepción y
puede capturar el gesto más sutil.
• La forma misma de este nuevo arte reproducido técnicamente
es revolucionaria en la medida en que incita nuevos modos de
percepción. Puede convertirse en una forma de provocar un
distanciamiento necesario entre el espectador y la proyección,
lo que propiciaría la adopción de una actitud crítica hacia la
realidad. Brecht y el teatro del distanciamiento. Fotografía de
Atget y fotografía surrealista.
Actitud crítica y fruitiva de las masas
• La desaparición del aura trae consigo la disolución de la
figura del experto. El público que se aproxima al cine se
siente experto, tanto como el público del deporte que conoce
los detalles del juego que observa. Así lo hace también
cuando se siente “autor” y escribe para la sección Cartas de
lectores de diarios y revistas. “Ilusión” de poder ser filmado
apareciendo en filmes documentales hasta desdibujarse
distinción actor-espectador.
• Las masas que asumen actitud regresiva y conservadora
frente a las obras cubistas de Picasso por considerarlas
incomprensibles (crítica reservada a expertos), son capaces
de responder con actitud progresista frente a una película de
Chaplin (Tiempos Modernos, 1936)
• La risa tendría además efecto catártico-político. Despertar de
la conciencia crítica de las masas. Esa visión nueva que
permite el cine revelaría las determinaciones de las que
depende nuestra existencia.
Imágenes dialécticas
• Benjamin postula que concebir la historia como progreso
infinito, implica concebirla como tiempo homogéneo en el
que una masa de hechos concatenados deja caer en el olvido
todo lo que la historia tiene de fallido, de fracasado, de
destiempo o de sufrimiento.
• Sobre el concepto de historia. Tesis en torno a la exigencia de
concebir la historia como una historia cargada de la idea de
redención. Judaismo mesiánico: la catástrofe es el punto de
partida para el momento mesiánico. Iluminación profana.
• El mesianismo profanamente interpretado ve en la caída del
aura, la oportunidad singular de liberar al arte de la relación
cultual, de convertir la obra en algo cotidiano. Es una chance
revolucionaria.
El arte reproductible como elemento de dominación de
las masas
• Aniquilación del aura reemplazada por construcción artificial
de la “personalidad”: Star System. El culto a la estrella de cine
conserva la magia de la personalidad, de lo irrepetible, pero
atravesada por carácter de mercancía. Como el actor, el
político actúa para las cámaras, posa, se maquilla para captar
mayor audiencia.
• Radio y cine modificaron función del actor tradicional y de los
gobernantes. Parlamentos y teatros desplazados por la
pantalla: ante las cámaras triunfa el dictador. Crisis de las
democracias en paralelo a fortalecimiento de las dictaduras.
• Fortalecimiento apoyado en exhibición de la figura del
gobernante a través del cine y la radio, haciendo llegar a un
número ilimitado de espectadores los discursos políticos.
El fascismo y la estetización de la política
• Los movimientos de masas (asambleas, desfiles, eventos deportivos y la
guerra) pueden ser captados por la cámara más adecuadamente el que
las masas quedan sometidas al culto al dictador.
• Benjamin denuncia la auratización de la imagen del Führer y de las
masas en la propaganda radial fascista, en los noticiarios
cinematográficos de actualidades y en las películas de Leni Riefensthal
(1902-2003)
• El triunfo de la voluntad (Riefensthal,1935): masas ordenadas a la
manera de escuadrones en Estadio de Nüremberg. Atractivo estético-
formal (planificación y diseño): la guerra deviene espectáculo
placentero. Negación del interés humano primario: la conservación de
la vida. Placer al contemplar la destrucción de la humanidad en
imágenes bélicas: goce en la propia autodestrucción.
• Contestar a la estetización de la política con la politización liberadora
del arte.
T. Adorno-M. Horkheimer. Dialéctica del
Iluminismo (1942-1947)
• ¿Qué sucedió con las promesas modernas de la libertad
humana y la felicidad? Parálisis del Iluminismo.
• Lo que no se adaptaba al criterio del cálculo y de la
utilidad era sospechoso. La realidad convertida en
cálculo y cifras fue violentada, reducida y el afán por
develar todo misterio, actitud propia de la ciencia,
liquidó la magia y el animismo.
• En su cuestionamiento de lo inconmensurable y de lo
particular de cada hombre y su creencia en que todo se
debía mensurar, el iluminismo obligó a los hombres a la
conformidad con lo real. Paradoja: el iluminismo
prometía la realización del individuo.
.• Abandono de la negatividad, la crítica, del pensar que
reflexiona sobre sí mismo, sobre su accionar.
• Despliegue de la razón instrumental o técnica, la
razón del capitalismo: no como disposición con
capacidad crítica sino como instrumento para el logro
de fines. Eficacia en medios-fines. Actúa como
coacción. Razón-antirrazón.
• La razón instrumental no se cuestiona, como no se
cuestiona el mito.
• La tarea del filósofo es desmitificar la sociedad
capitalista: valor de la filosofía reside en su
negatividad dialéctica, en su crítica constante.
Industria cultural afirmativa y arte negativo
crítico.
• A diferencia de Benjamin, Adorno separa el arte de lo
que considera las industrias culturales (cine, periódicos,
radio, música jazz) y sólo al arte autónomo (música de
vanguardia), signo de libertad, asigna una función crítica
y liberadora.
• El nazismo y la democracia estadounidense comparten
una misma estructura fundada en la perpetuación del
orden jerárquico, la explotación, el control, la
dominación y la represión ideológica.
• Diferencias en cuanto a los medios para someter a las
masas. Nazismo: terror, propaganda política y
disciplinamiento social. Democracia estadounidense:
manipulación a través de las industrias culturales. (Pato
Donald)
.• Industria cultural: contradicción en los términos. Da
cuenta de producción en serie de la cultura. Sistema
homogéneo, estandarizado, uniforme integrado en ese
momento por el cine, la radio, los libros, las revistas.
Industrias y negocios a los que ni se les exige aparentar
ser arte ya que las ganancias que producen hacen que
no necesiten justificación. Quienes poseen la técnica son
quienes tienen el dominio económico.
• Carácter afirmativo de la IC: apología del mundo tal cual
existe.
• La IC sacrifica la autonomía de las obras de arte, las que
ingresan en el sistema de los medios y la cultura de
masas se convierten en mercancías perdiendo su
carácter autónomo y crítico.
• La cultura es mercantilizada y el juicio de valor acerca de
sus productos está fundado cuantitativamente: películas
con mayor número de espectadores, el libro best-seller,
etc.
.• Cliché- fórmulas. Neutralidad de bienes estandarizados
garantiza aceptación general. Tendencia a la homogeneidad,
el esquematismo y la estandarización. Los films, la radio,
las publicaciones periódicas, más que una variedad
desordenada de expresiones culturales, constituyen un
sistema tendiente a la uniformidad. Todo tiene un aire de
semejanza. Eliminación de lo diferente, heterogéneo,
autónomo bajo leyes y principios abstractos y cuantitativos
de equivalencia e intercambio.
• Posibilidad aparente de elegir: falsedad de la IC al promover
una libertad donde opciones a tomar ya fueron tomadas por
el mercado, el que verdaderamente elige.
• Entretenimiento y diversión-estafa: la risa no es felicidad. La
distracción promueve la resignación y las masas terminan
reclamando la ideología que las esclaviza. Paradoja: se
produce la conformidad con una sociedad profundamente
injusta.
.• Si la técnica tiene cada vez más poder, se trata del
poder de los económicamente más fuertes. Sobrevive
el más fuerte o el que renuncia y se adapta. El
consuelo que ofrece la IC: adaptándose a la coerción
el individuo puede seguir sobreviviendo. Su astucia (y
el engaño o estafa que implica): realiza en el plano
simbólico la promesa de lo que está impedido
• Trabajo y ocio inscriptos en la misma racionalidad: el
descanso es prolongación del trabajo, libera en un
sentido poco liberador.
• Fantasía, imaginación y espontaneidad atrofiadas y
adiestradas: “El espectador no debe trabajar con su
propia cabeza: toda conexión lógica que requiera
esfuerzo intelectual es cuidadosamente evitada”
• La IC sólo reclama disposición al entretenimiento y
esto se reduce a prestar acuerdo.
La negatividad del arte autónomo
• Presenta auténticas innovaciones que provocan
resistencia del público masivo: extrañamiento. Piensa
en la vanguardia musical, las composiciones
dodecafónicas de Schönberg.
• Schönberg: Toma el material de la tradición para
introducir innovaciones: la suspensión de la tonalidad y
la invención del método de composición con 12 tonos.
Dialéctica entre la técnica musical y la libertad
constructiva.
• Ruptura del discurso musical tradicional a causa de las
disonancias de la música de Schönberg. Destruye la
tonalidad burguesa, lo que implica un cambio en la
función social de la música, era una música “liberada”
(liberación de los 12 tonos del tono dominante)
.• Provoca extrañamiento, requiere escucha activa situada por fuera
de las convenciones dadas. “La resistencia a la sociedad es la
resistencia a su lenguaje”. La forma sonora rompe con la
tradición, es revolucionaria. La complejidad de sus
composiciones y la extrañeza de la construcción formal del
sonido hace que su recepción sea dificultosa para la sociedad de
masas.
• El arte funciona como instancia de resistencia frente a la
pretensión de una racionalización total del mundo. Es el
depositario último de la negación en el mundo administrado.
En lo estético Adorno ve la posibilidad de un antídoto contra la
reificación (alienación, transformación de los seres humanos en
cosas que se comportan de acuerdo a las leyes del mundo de las
cosas).
• El arte transforma la realidad para que sea leída como expresión
de la verdad social. Lo importante es sacar a la luz el contenido
de verdad que posee el arte, algo que únicamente puede
hacerse por medio de la crítica filosófica. La experiencia
estética necesita, en último término, de la iluminación de una
filosofía crítica que saque al exterior la verdad que ella
manifiesta.
De la industria cultural a las industrias
culturales/ creativas
• A partir de la década del ‘70: Institucionalización del
concepto en relación con la expansión de la comunicación y
la toma de conciencia por parte de los Estados nacionales
de vehiculizar a la cultura como medio para el desarrollo.
• UNESCO: “Aquellos sectores de actividad organizada que
tienen como objeto principal la producción o la
reproducción, la promoción, la difusión y/o la
comercialización de bienes, servicios y actividades de
contenido cultural, artístico o patrimonial”, “…combinan la
creación, producción y comercialización de contenidos que
son inmateriales y culturales en su naturaleza. Estos
contenidos suelen ser protegidas por el derecho de autor y
pueden tomar la forma de bienes o servicios. Esta doble
naturaleza -cultural y económica- construye el perfil
distintivo de las industrias culturales.”
Las Industrias Culturales/ Industrias
Creativas:
creadoras de valor simbólico,
generadoras de desarrollo económico
y de puestos de trabajo
Definición del concepto
Industria:
organización, serialización, de la producción masiva de bienes y
servicios
Cultura:
actividades creativas generadas por individuos y/o grupos que
expresan estética / cognitivamente sus ideas, valores y creencias
Es un sector de la economía que se caracteriza por
generar bienes y servicios de contenido “simbólico”
(ideas, valores, creencias, etc.)
Las Industrias Culturales adoptan un lugar estratégico en:
• La economía (PBI, comercio exterior)
• La inserción social (generación de empleo)
• La diversidad cultural (preservación y
proliferación de las culturas/identidades locales)
• Esta dualidad cultural y económica es el punto de foco
de los Estados para construir las políticas culturales. El
rol de las políticas culturales pasa a ser fundamental,
bajo una concepción de desarrollo, sin desdeñar su
carácter económico, junto a su potencialidad educativa,
social y cultural .