Cine a Color:

El color aparece en el cine, con el desarrollo del primer proceso de revelado de película en color

denominado Autochrome.

Por los elementos químicos utilizados en las primeras celuloides, las primeras fotografías y

fotogramas fueron en blanco y negro (B/N). La utilización del color en el cine procede,

prácticamente, desde el inicio de este arte.

En un principio, las imágenes se coloreaban, a mano, fotograma a fotograma, con lo que esto

supone para una película de tan sólo una hora de duración (más de 90.000 fotogramas). Dado el

trabajo interminable que hubiese supuesto colorear así todos los films, pronto se terminó

coloreando secciones de fotogramas para crear ambientes. Grises oscuros o azules para secciones

en oscuridad o nocturnas, rojas para incendios, etc. Finalmente, ante la avalancha

de producciones, se abandonó este método.

Después de la llegada del sonido, no podía faltar mucho para la llegada del color al cine. Este hecho ocurrió en 1935, con la Película "Vanity Fair" de Rouben Mamoulian. Se trataba de pigmentaciones especiales que se hacían sobre la cinta, aplicando únicamente dos colores: rojo y verde, que junto al blanco y al negro, permitían apreciar ya una pequeña gama de colores en la proyección.

Estudios realizados sobre los pigmentos de colores, permitieron a Hollywood producir películas con 6 colores, esto se logró en la película "El mago de Oz" (1938). Cuyo objetivo era ir dirigida a los niños. Esto alentó a Disney quien empezó a trabajar en películas a color de dibujos animados.

La llegada del color al cine se vio en su plenitud con la película "Lo que el viento se llevó" de Victor Flemming (1939). Implementaba la técnica "Technicolor", que mezcla varios colores en forma de pequeños rectángulos de colores (Lo que hoy en dia vemos en las pantallas de televisión). Esto permitía producir todos los colores que se quisieran y eran aplicados a la pantalla, no a la cinta de la película. Este aspecto dio vía libre a las producciones de dibujos animados. Disney se lanzó inmediatamente con "Blancanieves" (1940) y "Pinocho" (1941). Las otras productoras no se quedaron atrás y así nacieron los clásicos "Popeye" (1943) y "Betty Boop" (1942).

La llegada del color también representó un gran gasto para la industria cinematográfica, pues ahora, la imagen debía ser nítida, el espectador podía ahora fijar su atención en la decoración del paisaje y en el maquillaje y vestuario de los actores.

Hollywood empezó a incorporar nuevos géneros como el horror, las películas de detectives y de acción. Los directores de cine se sentían entonces libres para hacer las cintas.

Uno de ellos fue Orson Welles, quien con su película "Ciudadano Kane" (1942), libre de toda regla y prototipo cinematográfico (para empezar, planteaba una guerra ficticia entre España y Cuba), le

trajo muchos problemas. La "libertad de producción" en la que se creían envueltos con la llegada de color, tuvo que empezar a ser controlada.

CINE DE ANIMACIÓN:

En el cine de animación se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una por una, mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas, de forma que, al proyectarse consecutivamente, se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.

ANIMACIÓN: La definición correcta de la palabra animación proviene del latín, lexema «anima» que significa «alma». Por tanto, la acción de animar se debería traducir como «dotar de alma», refiriéndose a todo aquello que no la tuviera.

Según el animador norteamericano Gene Deitch, «“animación cinemática” es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»

Los pioneros de la animación cinematográfica

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart Blackton, norteamericano,Segundo de Chomón, español, y Emile Cohl, francés.

James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y periodista, rodó en 1900The enchanted drawing, una de las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizaba dibujos de rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio de trucos de sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny Faces, por algunos considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica del stop motion e se introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic Fountain Pen ,1909, en el que una pluma animada con vida

propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph.

Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes. Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir de este descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la «cámara 16», que filmaba imagen por imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado en la fábula de La Fontaine, en los que figura un cuadro de gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro que alberga la cabeza de un demonio. En La maison hantee (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y sombras chinescas, en Le Theatre du Bob (1906) utiliza muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y hacen gimnasia. En muchos otros film Chomón utilizó su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso de manivela, coloreado y otros.

Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo La casa encantada de este último, e imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, realizó Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética. Combinó personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911),La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas animadas, y una versión de Fausto con muñecos.

Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando, en The Sculptor’s Nightmare.Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, conmsiderado el primer director de fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación que hicieron avanzar el lenguaje cinematográfico.

George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma.

Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió The Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos son suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt (1907),Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser(1910), plagados de efectos de animación.

Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas. Jersey Skeeters (1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -Verdocumental animado- y The dream of a rarebit friend (1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas.

John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales del dibujo animado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy Bears. Fundó unos estudios y produjo varias películas, entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt (1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetato trasparentes superpuestas (Cel-Systems),que fue una revolución en la realización de dibujos animados y que se ha mantenido hasta la era de la informática. El cel systems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company. En 1919 dirigió el primer animado bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso comercial.

El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado en 1910 por George Herriman para una de las principales cabeceras de Hearst, el New York Journal, pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en que serealizaron varios cortos, de unos tres minutos de duración, acerca del personaje. Poco después, influidos por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía Paramount Pictures, John King, contrató a dos dibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmer para que realizaran una película protagonizada por un personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su primera película fue Feline Follies (1918).

Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, que creó la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz, en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en Francia en 1927 La cigale et la fourmi y La reine des papillons.

El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en Mutt and Jeff (en

español Benitín y Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928.

En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.

La consolidación del cine de animación en todo el mundo

El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21(1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.

Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).

Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.

En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas comoSymphonie diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.

En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó

Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou(El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka,realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés

Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película.

En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serieOut of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver,Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó enBlancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje deBetty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre

los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town(1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.

Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight(1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.

Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es elPájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización.

En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.

El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).

Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para susComicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears(1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.

Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de lasLooney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.

En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un cortoeminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica.

En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.

En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.

En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizóColor Box, una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistemaKaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). EnFree Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.

En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937.Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canarioTweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como unarevisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).

En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.

En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.

George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas porSteven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la serie de losPuppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba).

En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

LAS GRANDES PANTALLAS Y EL 3D

La utilización de grandes pantallas, cada vez mayores y de mayor grado de circunferencia, hicieron posible mejorar en gran medida las posibilidades emisoras y trasmisoras del lenguaje fílmico, al provocar resultados diferentes sobre la retina humana. Cambiaron radicalmente las leyes del encuadre así como el ritmo interno y el montaje, que han sufrido importantes transformaciones, al pasar de la pantalla casi cuadrada al formato apaisado, scope, siendo hoy día un problema de cineastas y proyectistas ajustarse a los variados formatos de proyección.

Las pruebas, ya realizadas y utilizadas en cine de exposiciones, ferias, o parques temáticos, unen los nuevos sistemas de rodaje y proyección a la utilización de pantallas esféricas, Omnimax o

similares, envolviendo totalmente al espectador, y logrando incluso otros efectos de movimiento en las butacas, los acompañamientos de sonido y otros efectos de aroma y tacto.

La holografía, aplicada a la industria cinematográfica proporciona la tercera dimensión en figuras virtuales de efecto sorprendente. Son experimentos muy avanzados en su tecnología, con muchas aspiraciones, pero todavía de imposible aplicación en cines comerciales para el gran público. Están todavía en la etapa en la que el cine comenzó, enseñándose en ferias como algo inaudito.

Los procedimientos de carácter estereoscópico, a modo del 3D, que tampoco han logrado una perfecta puesta a punto, ya en el siglo XXI tienen otra vez un nuevo auge, que las grandes empresas cinematográficas propician para competir con otros medios y volver a llenar las salas de espectadores.

Cada vez más se dispone en los hogares de sistemas de reproducción de gran calidad: pantallas de grandes dimensiones, sistemas de reproducción digital de video, sonido envolvente y otras maravillas que permiten disfrutar del cine en casa. Así que es lógico que se nos ofrezca algo diferente para poder visionar en las salas comerciales. Hay diferentes sistemas para ofrecer cine en 3D que con el paso del tiempo se han ido perfeccionando, pero todos ellos se basan en el mismo principio: la visión estereoscópica.

Y el siguiente paso parece que será el cine holográfico, aún en desarrollo, que consta de una pantalla compuesta de multitud de pequeñas unidades a las que se les puede cambiar su transparencia, brillo y color. Al incidir la luz sobre esos elementos en diferente estado, se consigue que la luz reflejada en la pantalla forme la imagen deseada. Si los cambios se realizan con la suficiente rapidez se logra la sensación de movimiento. Actualmente se trabaja encrear la ilusión de 3D sin necesidad del uso de lentes, con pantallas de plasma especiales. Ya hay a la venta sistemas caseros 3D.

LA ESTEROSCOPIA

Nuestros ojos son como cámaras fotográficas que obtienen imágenes planas, de dos dimensiones. Debido a la separación que existe entre ambos ojos, esta visión binocular consigue dos imágenes que son ligeramente distintas, y esa diferencia varía en función de la distancia a la que se encuentran los diferentes objetos que caen en nuestro campo de visión.

Nuestro cerebro es el encargado de interpretar esas imágenes planas de manera que construye la tridimensionalidad a la que estamos acostumbrados. Se trata de una adaptación evolutiva imprescindible para seres que, por ejemplo, necesitan moverse con seguridad dando saltos de una rama de un árbol a otra. Sin la visión estereoscópica resulta imposible calcular las distancias correctamente. También es indispensable para los depredadores, que necesitan calcular la distancia a la presa para cazar con eficiencia.

La estereoscopia nace del intento de mostrar en un plano bidimensional una imagen tridimensional, y que contrariamente a lo que se puede presuponer, la estereoscopia precede a la fotografía, con el dibujo estereoscópico. Parece que ya en el siglo XV, Leonardo da Vinci ya estudiaba este fenómeno intrigante.

Para que el cerebro pueda percibir una imagen en tercera dimensión, requiere de datos sobre la distancia de los objetos, dicha información se obtiene gracias a que tenemos dos ojos, así cada uno de ellos percibe los objetos desde un ángulo distinto, dando como resultado una triangulación de la cual el cerebro obtiene la distancia al objeto. Si tomamos dos imágenes con un ángulo ligeramente distinto (con distinto paralaje) y se la proporcionamos a cada ojo, el cerebro podrá reconstruir la distancia y por lo tanto la sensación de profundidad.

La reconstrucción de la profundidad a partir de dos imágenes se conoce como estereopsis, y esa capacidad no es la misma en todas las personas. Aproximadamente uno de cada 20 individuos no pueden realizarla y no podrán ver el efecto de 3D. El propósito de las distintas técnicas de 3D o estereoscópicas, consiste en proporcionar a cada ojo, una imagen distinta.

Visor estereoscópico

El estereoscopio es un aparato que consta de unos binoculares que permiten observar la realidad con un efecto 3D y que más tarde y unido al descubrimiento de la cámara de fotos dieron lugar a la cámara estereoscópica.

Su inventor fue Charles Wheatstone, físico experimental inglés, que fue el primero en tomar una imagen con efecto 3D apoyándose en el aparato previamente inventado por él en 1833.

Ha sido utilizado por topógrafos para hacer mediciones topográficas hasta que aparecieron los procedimientos mediante satélite observando las fotos tomadas por aviones con estereoscopios

La imagen estereoscópica

Una imagen estereoscópica es una imagen en 3D. Está compuesta por dos imágenes superpuestas con una diferencia mínima entre sí. Estas dos imágenes se pueden ver por separado con la ayuda de unas lentes especiales (lentes 3D). Las lentes lo que hacen es filtrar las imágenes haciendo que un ojo perciba una imagen y el otro perciba la otra imagen, haciendo que el cerebro mezcle las imágenes y den la sensación de 3 dimensiones.

La visión estereoscópica se basa en la visión real de los seres humanos, la visión binocular (dos ojos) que produce la sensación de una imagen en tres dimensiones, al ser procesadas por el cereb€ro, a la vez, las dos imágenes que captan las retinas oculares.

Cámara estereoscópica

Es una cámara fotográfica que toma dos imágenes normales que superpuestas en 2\3 de su superficie y observadas producen un efecto 3D en nuestros ojos

Consta de dos lentes que reflejan la misma imagen en nuestros ojos las cuales son captadas por una cámara de fotos convencional

La fotografía en tres dimensiones, nació casi con la fotografía misma. De hecho, al inventarse la fotografía en 1839, ya se sabía lo suficiente de la visión tridimensional, pero fue unos 10 años después, alrededor de 1850, cuando se toman y dan a conocer las primeras imágenes fotográficas tridimensionales. Un factor decisivo en la propagación de la fotografía tridimensional fue cuando la reina Victoria de Inglaterra, cautivada por ellas, ordenó le fueran tomadas imágenes de ese tipo. Ese hecho marca el inicio de la gran popularidad que tuvo la fotografía de tres dimensiones el siglo pasado, particularmente en los países de Europa y en los Estados.

Sistema anaglifo

Se denomina a la técnica que utiliza filtros de colores para separar las dos imágenes. Si vemos a través de un filtro rojo, los colores verde o azul se ven como negro y si utilizamos un filtro verde, azul o cían, el rojo parece negro. A partir de este principio podemos mezclar dos imágenes en una foto o video y utilizar lentes con filtros de color para separar las imágenes y ver el efecto estereoscópico.

Cine estereoscópico

Así que los diferentes sistemas de cine tridimensional intentan reproducir la forma en que nuestros ojos registran imágenes del mundo real, para que percibamos la imagen proyectada en un pantalla plana como si no fuera bidimensional.

En 1853 Hollman ideó la proyección en tres dimensiones sobre una pantalla, siendo perfeccionada cinco años después en 1858 por Charles D´Almeida, A. Molteni en 1890. desde 1891 a 1893, Louis-Arthur Ducos du Hauron, que experimentó con los anaglifos, mejorando el invento de Wheastone, junto con Charles D’Almeyda y A. Molleni . Los anaglifos es la proyección de dos imágenes simultáneas separadas 65 milímetros una de la otra, y se proyectan las placas por dos proyectores, uno verde y otro rojo, mientras el espectador debe colocarse lentes bicolores, también rojos y verdes, para finalmente obtener una sola imagen, en blanco y negro y en relieve. Fueron en 1937-1938, por vidrios polarizados experimentados por los ópticos alemanes Stterkon y Zeiss, y por el ingeniero norteamericano John Norling, quien en 1939 presentó el sistema Polaroid.

En 1935, Pierre Couvier y Louis Lumière presentaron alguna de sus películas en en relieve. Ivanov, en 1938, logró un sistema de relieve sin anteojos a partir de una modificación de la pantalla.

Nacimiento del cine en 3D

Antes del cine ya se había logrado la visión estereoscópica en la fotografía, por lo que inmediatamente después del nacimiento del cine, se comenzó a pensar en dotar al cine de la tercera dimensión. Investigar para lograr una solución técnica que lograra que los espectadores cinematográficos crearan en su cerebro la sensación de 3D sumando las dos imágenes recibida, una a través del ojo izquierdo y la otra a través del derecho, era cuestión de tiempo.

Gracias a la invención de la estereoscopía (1838), William Friese-Green realizó en 1899, los primeros experimentos de cine en 3D. Patentó el primer sistema cinematográfico en 3D, y se convirtió en pionero, pero no tuvo éxito debido a lo complejo del mecanismo.

A pesar de que estaba filmada y proyectada en dos dimensiones, L’arrivée du train filmada en 1895 por los hermanos Lumière, inventores del cine, hizo levantar a muchos espectadores de sus asientos pensando que el tren se les echaba encima.

El siguiente paso dado por Frederick Eugene Ives llegó diez años después, 1900, con su cámara de dos lentes, que no tuvo tampoco ninguna repercusión práctica. También experimentaron en 1915 con 3D, sin éxito, Edwin S. Porter y William E. Waden, que se basaban en imágenes un sistema basado en la separación de imágenes basada en los colores rojo y verde, donde cada color era «leído» por sólo uno de los ojos, gracias a unas gafas con cristales rojo y verde.

La primera proyección con ese sistema fue el 10 de junio de 1915, en el Teatro Astor, de New York. Se proyectaron tres cortometrajes, uno de escenas rurales, una selección de escenas de la película Jim the Penman (El rey de la estafa, 1915), película de cinco rollos de la Famous Players, con John Mason y Margerite Leslie, dirigida por Hugh Ford y Edwin S. Porter, y un documental sobre las cataratas del Niágara. El experimento estuvo destinado al fracaso, porque las imágenes se difuminaban bastante y los asistentes a la función acababan con dolores de cabeza.

Fue el 27 de septiembre de1922, en el Ambassador Hotel, cuando llegó la primera película en 3D a las salas comerciales de Los Ángeles. La Perfect Pictures presentó Power of Love (El que ella quiere, 1922), dirigido por Nat C. Deverich y protagonizado por Elliott Sparling, Barbara Bedford y Noah Beery (padre), sobre un capitán de navío en California, Terry O´Neill, enamorado de María, hija de Don Almeda, arruinado en sus negocios, que la ofrece a Don Álvarez, al que María no ama. Una confusión y una denuncia hacen que O´Neill sea acusado del asesinato de Almeda. Todo se resuelve, Álvarez es descubierto como ladrón y asesino y finaliza felizmente para María y ONeill. El productor Harry K. Fairall y el cámara Robert F. Elder, para lograr el efecto tridimensional, utilizaron la doble proyección a partir de 2 tiras de película y, de nuevo, separando la imagen mediante los colores rojo y verde, proyectada con los lentes anaglifos (cartón rojo y azul).

Ese mismo año, se estrenó Radiomanía, de R. William Neill, con Grant Mitchell, Margaret Irving y Gertrude Hillman, sobre un un inventor que logra hacer contacto con Marte a través de un sistema de televisión.

En 1934, tras la gran depresión que frenó también los experimentos en 3D, la Metro Golden Mayer realizó algunos cortos y Louis Lumière presentó el remake tridimensional de su película Llegada del tren, rodada con una cámara estereoscópica.

Los primeros pasos del cine 3D sonoro y en color

Entre los años 1920 y 1930 se produjeron numerosos cortometrajes en tres dimensiones, lo que contribuyó a investigar las técnicas y a afianzar el sistema de filmación y proyección.

Sin embargo, la primera película hablada en tires dimensiones fue una película italiana, Nozze vagabonde (Bodas vagabundas) realizada en 1936 por Guido Brignone, interpretada por Leda Gloria, Maurizio D'Ancora y Ermes Zacconi. El director de fotografía fue Anchise Brizzi.

Audioscopiks (1935), de Pete Smith fue el primer film en relieve, cortometraje documental de 8 minutos, nominado para los Oscar.

En 1937 se proyectó el primer filme 3D en color Zum greifen nah (1937), producido en Alemania, en la que seutilizaron filtros Polaroid. En 1939 se presentó en la Exposición Mundial de Nueva York In Tune with Tomorrow, un cortometraje inicialmente en blanco y negro, que alcanzó tal éxito que al año siguiente se hizo un remake en color.

En 1938 comenzaron a experimentar los rusos con su Stereokino, un sistema en relieve sin gafas coloreadas, que tuvo su primera demostración pública en enero de 1941. En 1946 se estrenó Robinzon Kruzo, de Aleksandr Andriyevsky, primer largometraje en 3D, sonoro y en color, protagonizado por Pavel Kadochnikov como Robinson Crusoe y Y. Lyubimov como Viernes, utilizando el Stereokino de S.P. Ivanov. Los espectadores tenían la sensación de estar ellos mismos en medio de la selva, entre pájaros y monos salvajes que les rozaban la cabeza. Se proyectaba sobre una pantalla de metal, con unas aristas que reflejaban dos imágenes separadas, una para el ojo derecho y otra para el izquierdo, dando la sensación de relieve.

La revolución de las técnicas en 3D (hasta el año 2000). Ferias temáticas y cine de animación

En la década de los 80 del siglo XX, el IMAX, un nuevo formato iba a hacer furor entre los espectadores, sobre todo en ferias internacionales y parques temático. Los espectadores participaban de la acción, pues tienen un panorama muy completo de todas la imágenes al ampliar el campo de vista. Los nuevos lentes polarizados y los equipos de sonido, que rodean al espectador, le ayudan a crear un ambiente en el que se ve totalmente inmerso.

En 1986, en la Exposición Universal de Vancouver, el film Transition, del canadiense Colin Lowse, que se proyectó enImax 3D, o Captain Eo (1986), cortometraje de 17 minutos, dirigido por Francis

Ford Coppola y producido por George Lucas, protagonizada por Michael Jackson y Angelica Houston, que se exhibía en el parque temático de Disney, Epcot Center,son un ejemplo de ello.

Wings of Courage (1995) de Jean-Jacques Annaud, se filmó usando cámaras especiales de formato ancho. En 2002, se realizó en IMAX 3D el documental Space Station, de Toni Myers, de 47 minutos en donde Tom Cruise puso su voz en off.

El IMAX 3D, es superior a cualquier otra proyección en 3D pues se utilizan dos lentes de la cámara para representar a los ojos derecho e izquierdo. Esa grabación queda almacenada en dos rollos de película por separado para los ojos derecho e izquierdo, y luego se proyecta de forma simultánea.

Es el cine de animación el que ha sido más beneficiado con las 3D. Varias películas que ya fueron éxito en su momento, se van realizando gradualmente en 3D, como Toy Story, 1995, Shrek, 2001, o Los Increíbles, 2004.

El cine 3D en el siglo XXI. Nuevas tecnologías, nuevos impulsos

El cine se reinventa constantemente para llenar las salas de espectadores, se proponen y comercializan nuevas tecnologías, y, lo que en ocasiones no tiene el guión se suple con efectos especiales. El cine en tres dimensiones, que ya surgió en varios momentos de la historia, revive en con nuevos estímulos visuales para competir con el pirateo de películas y la pereza de muchos espectadores de acudir a las salas cinematográficas. Lo positivo es, que se siguen investigando y aplicando nuevas técnicas digitales y, en buenas manos cinematográficas, pueden producirse magníficos productos. El objetivo de productores y cineastas es ofrecer una experiencia espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que difícilmente puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del ordenador.

El director James Cameron editó en formato 3D-IMAX, en 2003, Ghosts of the Abyss, Misterios del Titanic, sobre el legendario trasatlántico hundido Titanic y las inmersiones submarinas que descubrieron su estado actual bajo el mar. Fue el primer largometraje en editarse con el sistema «Reality camera», una cámara de vídeo muy ligera que podía llevarse en el hombro, con formato HDTV en lugar de película. Ghosts of the Abyss marcó un antes y un después en el cine 3D. Más tarde realizó el documental Aliens of the Deep, inspirado en conceptos del campo de la astrobiología, para mejorar resultados y creó nuevos modelos de cámara e introdujo la posibilidad de rodar primerísimos planos.

En 2004 se presentó Polar Express, el film de animación dirigido por €Robert Zemeckis, que ha sido reprocesado por completo para que pueda disfrutarse en tres dimensiones y que se considera el primer largometraje de animación en formato 3D-IMAX. La recaudación fue 14 veces superior a la versión en 2D, lo que reavivó nuevamente el interés por el cine en 3D.

Interesantes películas de esta etapa son Spy Kids 3D - Game Over (2003), de Robert Rodriguez, Chicken Little (2005), primer film de animación digital en 3D enteramente producido por Disney, y Monster House (2006), nueva apuesta de Steven Spielberg como productor además de trabajar en colaboración con productores como Robert Zemeckis, Steve Starkey y Jack Rapke, el reestreno de Nightmare Before Christmas 3D (2006), Superman Returns (2006) entre otras muchas más.

Sin embargo, el verdadero avance se produjo en la proyección digital, la primera Chicken Little (2005), antes citada.Ya no es necesario sincronizar dos proyectores, uno para cada ojo. La primera película de animación stop-motionplanificada y fotografiada directamente en 3-D es Coraline, Los mundos de Coraline, de Henry Selick, 2009.

A pesar de que la reconversión de las salas para el nuevo sistema digital en 3D es de precio muy elevado, el cine 3D abre un nuevo camino. Algunas de las películas ya exhibidas, has superado hasta el momento, como Avatar, todos los record de taquilla. Disney, por ejemplo, está preparando nuevas versiones de sus clásicos en 3D.

Películas significativas son, aparte de la citadas:

Monstruos contra alienígenas, Monsters vs. Aliens, 2009, de Rob Letterman y Conrad €©Vernon, de la factoría Dreamworks

UP, de Pete Docter, 2009, producida por Disney y Pixar

Avatar, de James Cameron, 2009.

Cuento de navidad, A Christmas carol, de Robert Zemeckis, 2009, producida por Disney

Alicia en el País de las Maravillas, Alice in Wonderland, 2010, de Tim Burton.

Hubble es un documental realizado con una cámara IMAX 3D, que registra a bordo del trasbordador espacial Atlantis, junto con los paseos espaciales, los esfuerzos de 7 astronautas para reparar el telescopio espacial Hubble. Con el apoyo de la NASA, la producción se rodó bajo las órdenes de Toni Myers. Leonardo DiCaprio aporta la voz como narrador.