Dossier de prensaExposición

10.10.2016 | 10.12.2016

Yo quería ser fotógrafoLaurence Aëgerter, Antoine d'Agata, Roger Guaus, Mishka Henner, Jan Hofer & Severin Zaugg, Sherrie Levine, Michael Mandiberg, Doug Rickard, Thomas Ruff,

Oliver Sieber & Katja Stuke, Stéphanie Solinas

Exposición comisariada por Fannie Escoulen y Anna Planas

El título proviene del proyecto de Roger Guaus Jo volia ser fotògraf, presentado en esta exposición.

Fotografía de portada: Mishka Henner, de la serie “Less Americains” © Mishka Henner, cortesía Bruce

Silverstein Gallery, NY.

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Exposición coproducida por:

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Nota de prensaFoto Colectania presenta “Yo quería ser fotógrafo”, una exposición colectiva que invita a reflexionar sobre el papel del fotógrafo hoy en día

Mishka Henner, de la serie “Less Americains”

© Mishka Henner, courtesy Bruce Silverstein Gallery, NY

La exposición es un homenaje a la fotografía, a su técnica y a su estética desde la visión de once proyectos contemporáneos

Cuestiones como autoría, originalidad y materialidad de la imagen son esenciales en la creación fotográfica actual

La exposición está coproducida por la Fundación Banco Sabadell e itinerará a la Sala SabadellHerrero en Oviedo en 2017

A partir del 11 de octubre, Foto Colectania presenta, en coproducción con la

Fundación Banco Sabadell, "Yo quería ser fotógrafo", una exposición que reflexiona

sobre el papel del fotógrafo hoy en día, así como sobre el cambio del estatus de la

imagen en la sociedad actual. Se trata de once proyectos de trece autores,

seleccionados por las comisarias Fannie Escoulen y Anna Planas que cuestionan la

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propia noción de autoría y que ejemplifican los cambios profundos que se están

produciendo en el ámbito de la fotografía.

¿Dónde se sitúa la frontera entre la apropiación y la creación? ¿A partir de qué

momento podemos certificar que se trata de una fotografía original? Crear un proyecto

fotocopiando las páginas de un libro, rastrear a través de YouTube el imaginario

público o borrar digitalmente las fotografías de otro artista para crear imágenes nuevas

son algunas de las propuestas que nos ofrece esta exposición, que en definitiva, nos

muestra cómo en la sociedad actual, nociones como autenticidad, privacidad y

apropiación son cada vez más complejas y difusas.

Barcelona, lunes 10 de octubre de 2016.- A partir del 11 de octubre, la Fundación

Foto Colectania presenta la exposición “Yo quería ser fotógrafo”, coproducida por la

Fundación Banco Sabadell, que muestra una aproximación al abanico de prácticas

contemporáneas que se dan en el ámbito de la fotografía. En la era digital,

caracterizada por la sobre abundancia y la hiperaccesibilidad a las imágenes, muchos

de los autores optan por invalidar su propio estatus de creador. A partir de diferentes

herramientas creativas, como el reciclaje, la repetición, el intercambio de imágenes o

mediante el simple gesto de copiar, los trece artistas representados en la exposición

ponen de relieve cómo los nuevos mecanismos de producción, reproducción y

recepción de imágenes afectan a la sociedad actual. Los once proyectos

seleccionados por las comisarias Fannie Escoulen y Anna Planas, plasmados en

formato de instalaciones de fotografía, video o libro, vienen a analizar los cambios

profundos que se están produciendo en la propia definición de la fotografía.

Los autores

Laurence Aëgerter, Antoine d'Agata, Roger Guaus, Mishka Henner, Jan Hofer & Severin Zaugg, Sherrie Levine, Michael Mandiberg, Doug Rickard, Thomas Ruff, Oliver Sieber & Katja Stuke y Stéphanie Solinas reflejan una amplia variedad de las

prácticas fotográficas actuales. Se trata de acercamientos muy diversos, que bien

pueden ser políticos, poéticos o extravagantes, pero que de alguna manera siempre

rinden homenaje a la fotografía, a su técnica y a su estética, mostrándonos así los

límites cada vez más abiertos de la propia creación.

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De este modo, autores como Doug Rickard o Antoine d’Agata extraen sus imágenes

directamente de Internet, YouTube o de archivos contemporáneos, mientras que, por

su parte, las propuestas de Sherrie Levine, Thomas Ruff, Mishka Henner o

Stéphanie Solinas tienen una conexión directa con los grandes maestros de la

historia de la fotografía.

La obra de Sherrie Levine, pionera del apropiacionismo de los años 80, abre la

exposición. Con la serie After Walker Evans, Levine se aferra a copiar

escrupulosamente las reproducciones fotográficas de este autor, poniendo así a

prueba las categorías estéticas alrededor de las cuales la obra es constituida. Con

esta afirmación obstinadamente provocadora, Levine cuestiona firmemente el valor y

el aura de la obra fotográfica y abre la vía a un número de artistas que no pararán de

referenciarla.

Sherrie Levine nos lleva a la obra de Michael Mandiberg, titulada

AfterSherryLevine.com y AfterWalkerEvans.com. Se trata de una página web que

ofrece la posibilidad de descargar e imprimir libremente las reproducciones de las

imágenes (en este caso, las fotografías escaneadas de un catálogo), junto con su

certificado de autenticidad. Este trabajo de Mandiberg muestra un cambio en el

concepto de autoría en plena era digital.

En la misma línea, Mishka Henner se apropia de las 83 imágenes (en la exposición se

muestran 50) del clásico libro de Robert Frank, The Americans (publicado en Francia

por primera vez en 1958 bajo el título de Les Americains), y elimina gran parte del

contenido original, dejando contornos en blanco donde una vez hubo rostros, edificios,

paisajes y personas. A través de esta serie, titulada Less Americains, Mishka Henner

cuestiona el rol de la fotografía en nuestra cultura, citando una vez más la historia del

medio y los iconos americanos. Aquí, la obra histórica se diluye ella misma en favor de

una obra contemporánea.

La propuesta de Laurence Aëgerter, Cathédrales, se compone de ocho fotografías

que muestran una imagen de la catedral gótica de Bourges extraída de un libro de los

años 50 comisionado por el Ministerio de Turismo francés. Laurence reproduce la

imagen del libro en su estudio, en intervalos diferentes mostrando así la intervención

del sol y la luz en la catedral, en lo que sería un “pequeño monumento al tiempo”.

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La instalación Fax From the Library de Oliver Sieber y Katja Stuke incluye junto a sus

propias fotografías (copias de gran formato en blanco y negro), dos vídeos que

muestran imágenes de otros autores, escaneadas de libros de su propia biblioteca

personal. En un monitor, el vídeo muestra cómo las imágenes van desapareciendo

lentamente a través de una máquina de fax, mientras van reapareciendo impresas en

el vídeo que muestra el otro monitor. Mediante un acto de reapropiación, Oliver Sieber

y Katja Stuke copian sus propias fotografías -los dos artistas desisten de su autoría- y

firman las imágenes juntos.

La exposición presenta también una serie de proyectos que muestran la apropiación

de archivos contemporáneos e imágenes encontradas. Es el caso de Antoine d’Agata y Doug Rickard, que coleccionan obsesivamente imágenes documentales de Internet

como declaración política, reevaluando de este modo el rol de la fotografía en la

actualidad.

La serie Fractal de Antoine d’Agata parte de un libro de artista, realizado a partir de

miles de fotografías policiales de prostitutas anónimas arrestadas en los Estados

Unidos. Las imágenes fueron recogidas de Internet en 2012 en un momento en el que

el autor declaró no poder hacer más fotografías. La lógica de esta serie encaja con la

perspectiva de Antoine d’Agata en relación a la naturaleza escondida de la violencia

institucional en las sociedades democráticas modernas, que él describe a través de su

trabajo como una forma mutante de genocidio económico.

Por su parte, Doug Rickard ha pasado los últimos tres años inmerso en YouTube,

mirando vídeos subidos a la red por ciudadanos americanos a través de sus teléfonos

móviles. Estos vídeos, que documentan una vertiginosa variedad de actividades,

desde lo que podrían parecer actos criminales o semilegales hasta cómicas

excentricidades, dieron acceso a Rickard a unos escenarios a los cuales de otra

manera difícilmente hubiera podido acceder.

Thomas Ruff, con sus series de Retratos, pone en cuestión la tradición clásica del

retrato (remarcada por Sherrie Levine). Como respuesta a los retratos antianónimos de

los años 80, Ruff produjo la serie Otros Retratos, utilizando una cámara análoga a la

que utilizaba la policía berlinesa durante los años 70 para crear imágenes completas

de las descripciones de testigos. De este modo, Ruff hace referencia explícita a la

vigilancia policial en la Alemania dividida de las violentas décadas de los años sesenta

y setenta.

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La artista francesa Stéphanie Solinas deconstruye la identidad de Alphonse Bertillon,

inventor de la fotografía de identidad. Con el fin de ofrecer tributo a su protagonista,

Solinas genera una problemática en la representación del fotógrafo, y ofrece diversas

pistas al visitante (un libro, un vídeo, unas fotografías) para cuestionar la identidad del

personaje.

En su caso, los dos jóvenes artistas suizos, Jan Hofer y Severin Zaugg, ceden el

control de la imagen a la máquina policial, y el poder al visitante (al coleccionista) para

continuar su proyecto. Equipada con radar, cámara, flash y trípode, la policía de Zúrich

hace regularmente controles móviles de velocidad. Los artistas descubrieron el

potencial de estas fotografías de calles vacías y paisajes urbanos y han puesto estas

fotografías a la venta, iniciando de este modo la serie fotográfica. Los coleccionistas y

compradores de arte juegan un papel crucial en esta tarea, dado que sólo a través de

sus compras, los agentes policiales entregan una nueva fotografía, impresa y

declarada pieza fotográfica independiente.

La exposición culmina con el libro de artista de Roger Guaus, que muestra su archivo

fotográfico personal mediante un libro de más de 300 páginas, y traslada la cuestión

de su propia práctica al visitante. Su sólido título, Yo quería ser fotógrafo, cuestiona su

rol como fotógrafo en el contexto actual y da nombre a esta exposición.

En un impulso político, poético, ético, cubierto de nostalgia o melancolía, o por la

simple resignación frente a un mundo saturado de imágenes, los artistas aquí

presentados buscan otras prácticas con el objetivo de inventar nuevas alternativas de

lenguaje.

La exposición itinerará a la Sala SabadellHerrero en Oviedo durante 2017

(próximamente se confirmarán las fechas exactas, más información en:

www.fundacionbancosabadell.com).

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Información práctica“Yo quería ser fotógrafo”Del martes 11 de octubre al sábado 10 de diciembre de 2016

Rueda de prensa:Lunes 10 de octubre a las 12h

Actividad pre-inaugural:Lunes 10 de octubre a las 18h Mesa redonda con las comisarias, Anna Planas y Fannie Escoulen, y cinco de los autores participantes: Laurence Aegerter, Roger Guaus, Stéphane Solinas, Jan Hofer y Severin Zaugg.

Inauguración:Lunes 10 de octubre a las 20h

Imágenes disponibles en: http://www.mahala.es/public/YoQueriaSerFotografo

Próximas actividades:

Martes 18 de octubre, 19.30h Presentación del libro de Erik Kessels, IMAGE TSUNAMI

Martes 15 de noviembre, 19h Conferencia de Antoine d'Agata

Octubre – Diciembre:CORRESPONDENCIAS: Joan Fontcuberta y Geoffrey Batchenhttp://correspondencias.fotocolectania.org/

#SerFotografoHoy | #PeroQueEsLaFotografia

Fundació Foto ColectaniaJulián Romea, 608006 Barcelonawww.colectania.es

Horarios:De lunes a sábado de 11h a 14h y de 16h a 20h. Festivos cerradoEntrada: 3 € (Reducida: 2 €. Primer sábado de mes, entrada gratuita)

Colaboradores principales de Foto Colectania:

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Patrocinadores Institucionales:

Para más información:

Neus Fornells / Patricia Fernández-DeuM +34 663 37 38 16 Barcelona +34 93 412 78 78 ext. 2035Madrid + 34 91 826 17 22neus@mahala.es / patricia@mahala.es /www.mahala.es

 

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Imágenes de prensaImágenes disponibles en: http://www.mahala.es/public/YoQueriaSerFotografo

Laurence Aegerter, de la serie Cathédrales, 2014

© Laurence Aegerter / Vegap

Roger Guaus, del proyecto Yo quería ser fotógrafo, 2016

© Roger Guaus

Mishka Henner, de la serie Less Americains, 2012

© Mishka Henner, cortesía Bruce Silverstein Gallery, Nueva York.

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Jan Hofer & Severin Zaugg, de la serie Digital Radar Camera System , 2015

© Jan Hofer & Severin Zaugg, Stadtpolizei Zürich

Sherrie Levine, de la serie African Masks After Walker Evans, 2014

© Sherrie Levine, cortesía Jablonka Maruani Mercier Gallery, Bruselas

Doug Rickard, del proyecto N.A. (National Anthem), 2016.

© Doug Rickard

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Katja Stuke & Oliver Sieber, del proyecto Fax from the library. Do you never feel the need to be another, 2015.

© Katja Stuke & Oliver Sieber

Stéphanie Solinas, Sin título (M. Bertillon) – Deux faces, 2011-2012.

© Stéphanie Solinas

Antoine D’Agata, de la serie Fractal, Internet, 2014.

© Antoine D’Agata / Magnum Photos

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Texto curatorial y descripción de los proyectos

“Igual que Bouvard y Pécuchet, eternos copistas, sublimes y cómicos a la vez, cuya profunda absurdidad designa precisamente la verdad de la fotografía, el fotógrafo solamente puede

imitar un gesto siempre anterior, nunca original…”.

Elisabeth Tonnard, “La muerte del fotógrafo”; variación del texto de Roland Barthes, “La muerte del autor”.

Esta exposición reúne la obra de trece artistas que nos invitan a reflexionar sobre la

propia noción de autoría. En la era de Internet, caracterizada por la sobreabundancia e

híperaccesibilidad a las imágenes, muchos de los autores optan por invalidar su propio

estatus de creador frente a nuevas estrategias de producción.

A través de la distorsión, la repetición, el desplazamiento, las referencias a los grandes

maestros de la historia de la fotografía o mediante el simple gesto de copiar, los

autores cuestionan la originalidad y la autenticidad de una obra a la vez que analizan

los mecanismos de producción, reproducción y recepción de imágenes en la sociedad

contemporánea. ¿Qué define una fotografía original? ¿Dónde se sitúa la frontera entre

el acto de apropiación y el acto de creación?

Pionera del género en los años ochenta, Sherrie Levine abre la exposición. Con la

serie After Walker Evans, Levine se aferra a copiar escrupulosamente las

reproducciones fotográficas de este autor, poniendo a prueba las categorías estéticas

a partir de las cuales se constituye la obra. Con esta afirmación obstinadamente

provocadora, Levine cuestiona firmemente el valor y el aura de la obra fotográfica y

abre la vía a una serie de artistas que no dejarán de referenciarla.

En un impulso político, poético, ético, cubierto de nostalgia y melancolía, o por simple

resignación frente a un mundo saturado de imágenes, los artistas aquí presentados

buscan otros dispositivos con el objetivo de inventar nuevas alternativas de lenguaje.

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Laurence AegerterCathédrales, 20148 impresiones por inyección de tinta sobre papel baritado

En un proceso en curso, que oscila entre proyectos en el espacio público, fotografías y libros de artista, el trabajo de Laurence Aegerter (Francia, 1972) aborda la permanente transformación que se encuentra en la esencia de las cosas. Aegerter examina el archivo que da forma a nuestra memoria colectiva, siendo el desplazamiento y la traslación signos característicos de su trabajo.

Cathédrales es un facsímil de Cathédrales et Eglises de France, un libro comisionado por el Ministerio de Turismo francés con la intención de promover el patrimonio arquitectónico de Francia, publicado en 1950. El libro artístico de Aegerter está formado por 126 fotografías entendidas como una extensión de una de las imágenes del mencionado libro. Así, Cathédrales se centra en una fotografía en blanco y negro del lado oeste de la catedral gótica de Bourges, en el centro de Francia. Aegerter fotografía esta imagen durante dos horas con un intervalo de un minuto, mientras las líneas oscuras causadas por la sombra del marco de la ventana de su estudio van pasando lentamente por encima de la reproducción del libro, hasta el punto de dejar las fotografías resultantes completamente cubiertas de oscuridad. Del mismo modo que Cathédrales lleva al observador a interactuar con el paso del tiempo, la gran escala de las fotografías de Aegerter subraya la monumentalidad del sujeto fotografiado. Todas y cada una de las imágenes transmite la idea que cada fotografía del libro es, con palabras de la artista, “un pequeño monumento al tiempo”.

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Antoine d’AgataFractal, Internet, 2014 | Migrants, Internet, 2013 Impresiones por inyección de tinta sobre blueback

Confrontando las inherentes contradicciones del uso de la fotografía documental, Antoine d’Agata (Francia, 1968) documenta aquello que vive, y vive las situaciones que documenta. Estructura una ruta física y psíquica eclipsada por el riesgo, el peligro, el deseo y el inconsciente en una búsqueda frenética de la sensación de estar vivo, perteneciendo a la vida.

Fractal es un libro de artista, hecho a partir de miles de fotografías policiales de prostitutas anónimas arrestadas en los Estados Unidos. Las imágenes fueron recogidas de Internet en 2012 por Antoine d’Agata, que llevó a cabo esta investigación en un momento en el que, según él, no podía hacer más fotografías. La lógica de estas series encaja con la perspectiva del autor en relación a la naturaleza escondida de la violencia institucional en las sociedades democráticas modernas, que él describe como una forma mutante de genocidio económico. Al mismo tiempo, para su proyecto Migrants, Internet, d’Agata recogió instantáneas en línea de videovigilancia de inmigrantes en Melilla, el enclave español al norte de Marruecos, con el objetivo de experimentar, documentar y entender la a menudo dura realidad de sus días.

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Roger Guaus Yo quería ser fotógrafo, 2005-2016Libro, edición de coleccionista con 5 fotografías originales (tiraje de 5 ejemplares)Ca l’Isidret Edicions, 2016

La obra de Roger Guaus (Barcelona, 1972) se basa en la utilización de la fotografía como instrumento de crítica a partir de la indagación de lo personal y la exploración del yo, una investigación que no deja de ser un ensayo autoetnográfico que busca siempre el balance entre una vertiente poética y otra conceptual a partir de aspectos tan compartidos como el recuerdo, la intimidad, la identidad o la relación con los otros. En 2012 creó el proyecto Ca l’Isidret Edicions junto con los fotógrafos Aleix Plademunt y Juan Diego Valera, como plataforma para difundir la obra de los tres autores, y como laboratorio para facilitar todo tipo de experiencias fotográficas y editoriales.

Yo quería ser fotógrafo es una compilación de casi cuatrocientas fotografías que Roger Guaus ha realizado entre los años 2005 y 2016. Esta selección es el testimonio del trabajo que ha llevado a cabo para llegar a ser fotógrafo. El título Yo quería ser fotógrafo surge a partir de un trabajo suyo anterior, Lo inalcanzable (Ca l’Isidret Edicions, 2012), donde el autor manifestaba “Yo quiero ser fotógrafo” sobreimprimiendo el texto en un autorretrato. A partir de este deseo de ser fotógrafo, ya sea ahora un objetivo logrado o bien un anhelo inalcanzable, tendrá que ser el lector quien dé el sentido final a la sentencia “Yo quería ser fotógrafo” que da nombre a este trabajo.

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Mishka HennerLess Americains, 201250 fotografías, gelatina de plata, cortesía de la galería Bruce Silverstein, Nueva York

Mishka Henner (Bélgica, 1976) se sitúa entre la nueva generación de artistas que busca redefinir el rol de la fotografía en la era de Internet. Él entiende la toma de imágenes que hacemos a través de un abanico infinito de automatismos y de cámaras manuales como una representación unificada del mundo, infinitamente detallada, accesible a todo el mundo que disponga de conexión a Internet. La mayor parte de su trabajo discurre alrededor del extenso terreno digital para centrarse en elementos clave de interés cultural y geo-político.

Como el extenso país que representa, la influencia y el poder de la serie The Americans de Robert Frank se ha extendido en todo el mundo durante los 55 años desde su publicación. Pero del mismo modo que el concepto de América ha cambiado inmensamente durante estas cinco décadas, la noción de fotografía se ha transformado también de manera impensable. El 1953, Robert Rauschenberg borró una obra de Willem de Kooning. Con su obra, Mishka Henner hace referencia al impulso de Rauschenberg y basa su trabajo en el hecho de borrar las imágenes de un coloso de la historia de la fotografía. Henner se apropia de las 83 fotografías del clásico libro de Robert Frank The Americans (publicado por primera vez en Francia en 1958 bajo el título de Les Americains), suprimiendo gran parte del contenido original de la imagen, y dejando en blanco los contornos donde en su momento hubo rostros, edificios, paisajes y personas.

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Jan Hofer & Severin Zaugg Digital Radar Camera System, en curso desde 20153 impresiones por inyección de tinta, material de vitrina

Jan Hofer & Severin Zaugg (nacidos los dos en 1988, en Zúrich y Basilea) estudiaron juntos en la Universidad de las Artes de Zúrich entre 2009 y 2013. Han realizado diversos proyectos colaborativos en los que suelen incorporar una gran variedad de métodos de comunicación utilizados en publicidad con el objetivo de promover nuevas ventas. Actualmente, viven y trabajan en Zúrich.

Equipada con radar, cámara, flash y trípode, la policía de Zúrich hace regularmente controles móviles de velocidad. Los agentes operan siguiendo estrictas instrucciones; el ángulo y los ajustes de la cámara están previamente definidos con precisión con el objetivo de obtener fotografías legalmente válidas, que puedan testimoniar claramente y de forma verídica cualquier infracción. Para garantizar los resultados, los agentes hacen fotografías de control de las calles vacías. Posteriormente, estas imágenes sirven de referencia para demostrar que la cámara no ha sido movida en ningún momento durante la toma de imágenes.

Hofer & Zaugg descubrieron el potencial de estas fotografías de calles vacías y paisajes urbanos. Restricción y pragmatismo, en lugar de decisiones estéticas, dan como resultado unas fotografías de singular peculiaridad y dudosa autoría. Los artistas han puesto estas fotografías a la venta, iniciando de este modo contínuas series de fotografías. Los coleccionistas y compradores de arte juegan un papel crucial en esta tarea, dado que sólo a través de sus compras, los agentes policiales entregan una nueva fotografía, impresa y declarada pieza fotográfica independiente.

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Sherrie Levine African Masks After Walker Evans, 201424 impresiones giclée, cortesía de la galería Jablonka Maruani Mercier, Bruselas

Sherrie Levine (Estados Unidos, 1947) trabaja en una variedad de medios, desde fotografía, grabado, pintura, hasta escultura e instalación. Levine fue una de las pioneras del arte de la apropiación a finales de los años setenta y comienzos de los ochenta. Utiliza técnicas fotográficas que alcanzan desde la repetición hasta imágenes múltiples para exponer y complicar los mecanismos de la industria de medios de comunicación de masas, y cuestionar las nociones establecidas de autoría y autenticidad.

Su famosa serie After Walker Evans (1979) está formada por veintiuna imágenes refotografiadas de las legendarias fotografías de Walker Evans de los Burroughs, familia de aparceros del sur de Estados Unidos. Al tomar posesión del material de su predecesor, Levine debilitó su estatus como figura principal en la historia de la fotografía y puso en cuestión el concepto de originalidad. Treinta y cinco años después, en otra serie basada en Walker Evans, Levine aborda cuestiones similares que adquieren una nueva importancia. En esta ocasión, la artista eligió su motivo a partir de la extensa colección de más de 400 fotografías de arte africano que Walker Evans realizó por encargo del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

La exposición “Negro Art” fue una de las primeras exposiciones de Estados Unidos que mostraba esculturas africanas como obras de arte y no tanto como objetos etnográficos. La selección de Levine de 24 fotografías para African Masks After Walker Evans apuntaba a la cuestión de la identidad del creador de arte. Las fotografías de Walker Evans también indicaban la primacía estética de los objetos representados en las imágenes: sólo por el hecho de ser fotografiados, su estatus de

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artefacto de rituales foráneos se transformaba en estatus de escultura moderna.

Michael Mandiberg AfterSherrieLevine.com, 2001Proyecto en formato de página webImpresión por inyección de tinta, equipo de impresión cortesía de FUJIFILM

Michael Mandiberg (Estados Unidos, 1977) se apoya en Internet como medio. Su trabajo combina múltiples disciplinas con el objetivo de trazar las líneas del poder político y simbólico tal como toma forma en Internet. Basándose en la tradición conceptual, Mandiberg clasifica y reclassifica la información, recombinando las formas en que ésta se manifiesta y solidifica. A la vez que tecnológicamente sofisticada, su obra rehúye el exceso de innovación de las nuevas tecnologías, en favor de una exploración de la apropiación de lo vernáculo digital, de la forma en que estas nuevas tecnologías impactan sobre nuestras vidas, y de la política y poética de las subjetividades tecnológicas.

En 1936, Walker Evans fotografió a los Burroughs, una familia de aparceros en Alabama durante la depresión. En 1979, Sherrie Levine refotografió las imágenes de Walker Evans a partir del catálogo de la exposición “First and Last”. En 2001, Michael Mandiberg escaneó las fotografías del catálogo y creó los webs Afterwalkerevans.com y Aftersherrielevine.com para facilitar su difusión, y como reacción a la manera de asimilar la información en la creciente era digital.

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Doug RickardN.A. (National Anthem), 201618 impresiones por inyección de tinta, cortesía de FUJIFILMVídeo de 10’

Doug Rickard (Estados Unidos, 1968) lleva años desmontando el “sueño americano” a través de las imágenes colectivas de una sociedad tecnológica. Trabajando con extractos de Google Street View para su proyecto A New American Picture, y ahora con YouTube para N.A., Rickard rastrea los amplios depósitos del imaginario público de Internet buscando áreas urbanas, en particular aquellas que reflejan los efectos de los grupos marginales y la injusticia social.

Para la serie N. A., Doug Rickard ha pasado los últimos tres años inmerso en YouTube mirando vídeos que han subido a la red ciudadanos americanos a través de sus teléfonos móviles. Estos vídeos, que documentan una vertiginosa variedad de actividades, desde lo que podrían parecer actos criminales o semi legales hasta cómicas excentricidades, dieron acceso a Rickard a unos escenarios a los cuales de otra manera difícilmente hubiera podido acceder. “El hecho de apropiarme de sus teléfonos móviles”, escribe él, “me ofrecía panorámicas muy especiales y me daba acceso a situaciones íntimas”. Rickard selecciona imágenes específicas y se las apropia, interrumpiendo el metraje y avanzando segundo a segundo. El resultado ofrece un retrato oscuro y dinámico de la América urbana más conflictiva, involucrándose con temas de raza, política, tecnología, videovigilancia, y el cambio cultural hacia la omnipresente cámara.

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Thomas RuffRetratos (doce fotografías con fondo de color), 1981-1985Retratos (doce fotografías con fondo neutro), 1986-1991Otros Retratos (quince fotografías), 1994-199539 copias cromogénicas. Portfolio Two Women editado por Toluca Editions, París, 2013Colección particular

La obra de Thomas Ruff (Alemania, 1958) evidencia la riqueza de prácticas, objetos y formas disponibles para los fotógrafos de hoy en día. Durante más de dos décadas, Ruff ha estado probando los límites de su medio, produciendo fotografías en series, sobre temas que alcanzan desde interiores domésticos hasta planetas, desde arquitectura modernista hasta psicodelia abstracta, desde retratos específicos hasta pornografía genérica de Internet. Ruff se apropia de imágenes procedentes de varias fuentes, incluyendo archivos científicos, prensa y, más recientemente, Internet.

La serie de Retratos en color de hombres y mujeres de Thomas Ruff está hecha con una iluminación directa, incluso intensa y neutral, que evita todo indicio de sombra y reproduce cualquier marca o impureza facial. Ruff no da instrucciones a sus retratados; por el contrario, el fotógrafo les sugiere que se proyecten tal como se ven a ellos mismos o como les gustaría ser vistos. Como respuesta a estos retratos antianónimos, Ruff desarrolla la serie Otros Retratos, utilizando una máquina similar a la que la policía de Berlín utilizaba durante los años setenta para crear una imagen completa de las descripciones de testigos, haciendo una referencia explícita a la vigilancia policial en la Alemania occidental durante las violentas décadas de los sesenta y setenta. Ruff reconstruye rostros artificiales, superponiendo dos caras al mismo tiempo, hombre con hombre, y hombre con mujer. Las fotografías de Ruff pierden su inocencia, y su reciente autenticidad, si es que la tienen, se encuentra en una realidad convenida, fiel a la visión de Ruff.

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Oliver Sieber & Katja Stuke Fax from the Library. Do you never feel the need to be another, 201518 impresiones por inyección de tinta pigmentaria sobre papel de oficinaVídeos de 13’15”

Katja Stuke y Oliver Sieber, alias Böhm/Kobayashi (Alemania, 1968/1966), son fotógrafos que hacen frente al mundo, la cultura y la sociedad que les rodea en diálogo con otros artistas, su propia obra y su lenguaje visual. Juntos, llegan a un gran número de personas: fotógrafos y artistas, comisarios y organizadores de exposiciones, diseñadores y editores de libros de artista. Por eso, mientras los dos se mueven en su cosmos fotográfico, no siempre es fácil determinar dónde finaliza una identidad y dónde empieza la otra. A pesar de todo, con su obra y actividad como artistas y facilitadores de arte, se han convertido desde hace tiempo en moderadores de una cultura fotográfica muy específica.

Fax From the Library es una instalación que incluye copias en gran formato en blanco y negro de las fotografías de los artistas, elegidas de entre diferentes series y expuestas en un nuevo contexto. Las fotografías van acompañadas de dos vídeos, que muestran reproducciones de las imágenes de otros fotógrafos, escaneadas desde la biblioteca particular de los artistas. En uno de los monitores las fotografías van desapareciendo lentamente a través de la ranura de una máquina de fax, mientras que en el otro monitor van reapareciendo. Aquí, Katja Stuke y Oliver Sieber juegan con sus referentes y enturbian su identidad como fotógrafos.

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Stéphanie SolinasSans titre (M. Bertillon), 2011-2012

A través de diferentes proyectos, Stéphanie Solinas (Francia, 1978) ha desarrollado una práctica de trabajo variada, incluyendo libros e instalaciones, para investigar en profundidad el medio fotográfico. Con su trabajo, explora el concepto de identidad como área de contacto entre uno mismo y el otro, y el proceso de pensamiento involucrado con el acto de “ver”.

Al definir la forma de la identidad, Alphonse Bertillon, el inventor de la antropometría judicial, las fotografías de perfil, la modernización de los archivos policiales y la ciencia forense, modificó nuestros rostros. A partir de un elemento eminentemente personal, construyó un instrumento de identificación que se consolidaría como una herramienta de estado. A partir de entonces, en la superficie de cada uno de nuestros rostros contemporáneos, establecidos como interfaz entre individuo y sociedad donde la identificación se convierte en una máquina de gobierno, subsiste débilmente el rostro escrutador de Alphonse Bertillon.

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Biografía de las comisarias

Fannie Escoulen

Nacida en 1978 en Valence (Francia). Vive y trabaja en París.

Licenciada en la Escuela Nacional de Fotografía de Arles en 2000, es comisaria de fotografía e imágenes en movimiento.

Desde 2007 hasta 2014 ha sido codirectora de Le Bal en París, centro independiente de exposición, edición, producción, reflexión y pedagogía, dedicado a las diferentes formas de la imagen documental: fotografía, video, cine y nuevos medios. En 2013 fue comisaria de la exposición “Anticorps” de Antoine d'Agata, con imágenes tomadas entre 1990 y 2012.

Es directora artística del City of Levallois Photography Award, premio de fotografía que apoya la creación contemporánea de fotógrafos menores de treinta y cinco años.

Junto a Anna Planas, actualmente es responsable de programación de fotografía y video en Silencio, club parisino dedicado a las comunidades creativas, concebido por David Lynch.

Anna Planas

Nacida en 1980 en Barcelona (España). Vive y trabaja en París.

Comisaria independiente, ha sido gerente de la Magnum Gallery entre 2007 y 20013.

Es cofundadora de Temple en París, una galería dedicada a la nueva generación de artistas franceses e internacionales dedicados a la fotografía y medios alternativos.

Paralelamente, desarrolla proyectos y publicaciones editoriales en colaboración con artistas y diferentes instituciones.

Junto a Fannie Escoulen, es responsable de programación de fotografía y video en Silencio, club parisino dedicado a las comunidades creativas, concebido por David Lynch.

www.templeparis.com

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Actividades paralelas a la exposición#SerFotógrafoHoy

Antoine D’Agata, de la serie Fractal, Internet, 2014 (2016)© Antoine D'Agata / Magnum Photos

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Presentación del libro de Erik Kessels, Image TsunamiMartes 18 de octubre, 19.30h

EL LIBRO > Vivimos en medio de un renacimiento fotográfico donde nos hemos acostumbrados a consumir imágenes con la misma voracidad y deleite con los que devoramos la comida basura. Para soportar el diluvio de imágenes que inundan nuestras retinas día tras día, las consumimos sin digerirlas adecuadamente o simplemente nos las tragamos sin más. Rara vez hacemos una pausa para ver más de cerca; para leer, apreciar o cuestionar una imagen.

Image Tsunami constituye una mirada panorámica de la enorme colección de imágenes con las que Erik Kessels convive, editándolas y mezclándolas. Es una representación del torrente de imágenes que hay dentro de su cabeza (y que aumenta sin cesar).

EL AUTOR > Erik Kessels es coleccionista y fotógrafo holandés (nacido en 1966). Su trabajo como fotógrafo se ha recogido en varios libros y exposiciones. Kessels es director creativo en su agencia de comunicación KesselsKramer Amsterdam. Además, es editor de la revista de fotografía alternativa Useful Photography,  Ha comisariado exposiciones como “Loving Your Pictures” en el Centraal Museum de Utrecht, Holanda, y en Rencontres Internationales de la Photographie de Arles.

Actividad realizada en colaboración con la editorial RM y la Fundació DAMM

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Conferencia de Antoine d'AgataMartes 15 de noviembre a las 19h

Antoine D’Agata, de la serie Odysseia, 2013© Antoine D'Agata / Magnum Photos

Coincidiendo con la exposición “Yo quería ser Fotógrafo”, el reconocido fotógrafo de Magnum, Antoine d’Agata, impartirá una conferencia en la que hablará de su trayectoria y de las diferentes series que ha realizado.

D'Agata dejó Francia en 1983 para empezar una serie de viajes. Estudió fotografía en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York en 1990, bajo el tutelaje de Larry Clark y Nan Goldin. El trabajo de Antoine d'Agata trata sobre adicción, sexo, obsesiones personales, oscuridad, prostitución, y otros temas ampliamente considerados tabú. Sus propias experiencias son además la fuente de su trabajo: “Mi intimidad está muy unida a mi trabajo, y mi trabajo depende de mis experiencias con el mundo. Todo está entremezclado”.

Desde 2005, Antoine d'Agata no reside de forma estable en ningún lugar, pero ha trabajado por todo el mundo.

Esta actividad cuenta con la colaboración de la Fundació Damm

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CorrespondenciasAbril – diciembre 2016

Correspondencias es un proyecto on-line que quiere reflexionar sobre la relevancia que ha tomado la fotografía en la cultura visual contemporánea sin perder la perspectiva histórica y sus contextos originales de creación y difusión.

http://correspondencias.fotocolectania.org

El programa Correspondencias se extiende a lo largo del año al hilo de tres conversaciones que se desarrollan a partir de los siguientes ejes temáticos:

- el CUÁNDO de la fotografía, que hace énfasis en el concepto temporal que vincula fotografía e historia;

- el DÓNDE, que explora los lugares donde habita la fotografía y los cambios de significado que adopta en sus diversos procesos de recontextualización;

- y finalmente el QUIÉN, que explora las diversas prácticas fotográficas desde el punto de vista del hacedor de imágenes así como otras cuestiones vinculadas al concepto de autoría.

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Parte 1: CUÁNDOParticipantes: Abigail Solomon-Godeau | Æsa SigurjónsdóttirCalendario: Abril-Mayo

Parte 2: DÓNDEParticipantes: Urs Stahel | Hester KeijserCalendario: Junio-Julio

Parte 3: QUIÉNParticipantes: Joan Fontcuberta | Geoffrey BatchenCalendario: Octubre –Noviembre - Diciembre

Este proyecto forma parte de una serie de programas que Foto Colectania está llevando a cabo en 2016 bajo un tema común recogido en el enunciado “Pero, ¿qué es la fotografía?”. Más que tratar de aportar una respuesta única, el objetivo será mostrar cómo la fotografía, entendida como conjunto de tecnologías y prácticas, de discursos y lenguajes y como archivo en constante expansión, se resiste a ser fijada en un único lugar y tiempo. La diversidad de análisis y la multiplicidad de perspectivas han convertido la fotografía no sólo en un medio más de representación sino en una herramienta esencial para explorar el mundo contemporáneo.

Este programa cuenta con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell

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Fundació Foto ColectaniaFoto Colectania es una entidad sin ánimo de lucro, creada en Barcelona el año 2002, con el objetivo de difundir la fotografía y darla a conocer en el ámbito social, artístico y educativo de nuestro país. Los programas que se llevan a cabo, desde exposiciones hasta actividades y publicaciones, entre otros, se basan en la creación de un proyecto innovador, participativo e integrador que tenga como eje principal el pensamiento entorno a la imagen y de su idoneidad para generar un pensamiento crítico.

Foto Colectania trabaja muy especialmente a dos niveles: en primer lugar, en el contexto de la ciudad de Barcelona, presentando una oferta cultural de calidad buscando la excelencia; y en segundo lugar, en el contexto internacional, produciendo y difundiendo proyectos de artistas catalanes y españoles alrededor del mundo.

Su sede en el centro de la ciudad alberga una de las más importantes colecciones de fotografía de nuestro país, además de una sala de exposiciones y de una biblioteca especializada en fotografía.

Foto Colectania se trasladará al número 14 del Paseo Picasso, en pleno barrio del Born, en marzo de 2017.

Fundación Banco SabadellLa Fundación Banco Sabadell se constituyó como fundación privada en 1994 con la intención de estimular la excelencia y promover el conocimiento y la cultura.

El objetivo de la Fundación es promover actividades de divulgación, formación e investigación en los ámbitos educativos, científicos y culturales, así como fomentar y apoyar el talento joven. A lo largo de su trayectoria, ha contribuido a impulsar actividades en estos ámbitos y también se ha consolidado como organizadora de los prestigiosos galardones Premio Fundación Banco Sabadell a la Investigación Biomédica y Premio Fundación Banco Sabadell a la Investigación Económica.

La Fundación Banco Sabadell tiene dos ámbitos de actuación que permiten cumplir sus objetivos y proyectar su estrategia a medio plazo, siempre acordes con los valores de la Fundación, que son la proximidad, la excelencia y la innovación. Por un lado, Talento joven tiene el fin de reconocer y acompañar a las personas con talento apoyando la innovación y la excelencia en la investigación y el conocimiento. Por otro lado, el ámbito de la Cultura tiene el objetivo de fomentar y difundir las artes y el conocimiento científico y técnico, social y humanístico.

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