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UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
DIVISIÓN DE ARQUITECTURA, ARTE Y DISEÑO
DEPARTAMENTO DE MÚSICA Y ARTES ESCÉNICAS
I CONGRESO INTERNACIONAL DE MUSICOLOGÍA 2019
Patrimonio musical: investigación, docencia e interpretación
PROGRAMA GENERAL
Edificio de las Artes, Sede Marfil, Campus Guanajuato,
Universidad de Guanajuato, México
09, 10 y 11 de diciembre de 2019
10:00 – 20:00 horas
@CIMUG2019
Archivo Musical de la Catedral de Jaca, Es.
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, Mx.
Casa Cuatro - Maz+ahua Espacio Cultural, Mx.
CENIDIM “Carlos Chávez”, Mx.
Conservatorio de las Rosas, Mx.
Conservatorio de Música F.A. Bonporti, It.
Conservatorio de Música y Artes de Celaya, Mx.
Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, Es.
Escuela de Música Vida y Movimiento CCOY, Mx.
Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas, Cu.
Instituto Potosino de Bellas Artes, Mx.
Música y Ceguera A.C., Mx.
UAM Unidad Iztapalapa, Mx.
Universidad Autónoma de Chiapas, Mx.
Universidad Autónoma de Querétaro, Mx.
Universidad Autónoma de Zacatecas, Mx.
Universidad de Colima, Mx.
Universidad de Costa Rica, Cr.
Universidad de Granada, Es.
Universidad de Guadalajara, Mx.
Universidad de las Artes ISA, Cu.
Universidad de Oviedo, Es.
Universidad de Quintana Roo, Mx.
Universidad de Salamanca, Es.
Universidad de Santiago de Compostela, Es.
Universidad de Sonora, Mx.
Universidad de Valladolid, Es.
Universidad La Salle CDMX, Mx.
Universidad Nacional Autónoma de México, Mx.
Universidad Nacional de Colombia, Co.
Universidad Politécnica de Valencia, Es.
Universidad Veracruzana, Mx.
Universidad de Guanajuato, Mx.
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CONTENIDO
Calendario de actividades / 04
Conferencias magistrales / 05
Ponencias in situ / 06
Comunicaciones on-line / 11
Póster científico / 11
Presentaciones editoriales / 12
Conciertos didácticos / 13
Muestras sonoras / 14
Resúmenes / 15
Reseñas curriculares / 52
Comité Organizador / 86
Comité Científico / 86
Autoridades / 87
Sedes / 88
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CALENDARIO DE ACTIVIDADES
HORAS Lunes, 09 de diciembre Martes, 10 de diciembre Miércoles, 11 de diciembre
10:00 – 10:15 INAUGURACIÓN
[Sala A]
10:15 – 11:00 Sala A – Conferencia Magistral Sala B – Conferencia Magistral Sala B – Conferencia Magistral
11:00 – 12:00 Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
12:00 – 13:00 Sala A –
Comunicaciones
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Comunicaciones
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
13:00 – 14:00 Sala A – Concierto didáctico Sala A – Presentaciones Editoriales Sala A – Concierto didáctico
14:00 – 15:00 RECESO DE ACTIVIDADES
15:00 – 16:00 Sala A – Presentaciones Editoriales Sala B – Conferencia Magistral Sala A – Presentaciones Editoriales
16:00 – 17:00 Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
17:00 – 18:00 Sala B – Ponencias Sala B – Ponencias Sala A –
Ponencias
Sala B –
Ponencias
18:00 – 18:45 Sala A – Muestra Sonora Sala A – Muestra Sonora Sala B – Conferencia Magistral
19:00 – 19:45 Concierto Didáctico
[Casa Cuatro – Maz+ahua]
Concierto Didáctico
[Casa Cuatro – Maz+ahua]
CLAUSURA
[Sala B]
20:00 – 21:00 Muestra Sonora
[Templo de la Compañía]
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CONFERENCIAS MAGISTRALES
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
10:15 horas – Música y Neurociencias. Reflexiones en torno al diálogo entre ciencias y
humanidades / Mtro. Víctor Barrera García, Director del Centro Nacional de Investigación,
Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, INBAL, México.
Martes, 10 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
10:15 horas – Tradición y perspectivas de la enseñanza superior de la música en Cuba / MSc.
María del Rosario Hernández Iznaga, Decana de la Facultad de Música, Universidad de las Artes
ISA, Cuba.
15:00 horas – Patrimonio musical, archivo y poder: una crítica pos(de)colonial / Dra. Lizette
Alegre González, Profesora - Investigadora de la Facultad de Música, Universidad Nacional
Autónoma de México, México.
Miércoles, 11 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
10:15 horas – “Una odisea musical”. Henrietta Yurchenco (1916-2007) y sus investigaciones en
México / Dra. Yael Bitrán Goren, Investigadora del Centro Nacional de Investigación,
Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, INBAL, México.
18:00 horas – Filosofía de la Música y Musicología, ¿un diálogo imposible? / Dr. Luis Jaime Cortez
Méndez, Investigador del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical
“Carlos Chávez”, INBAL, México.
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PONENCIAS IN SITU
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Historia y Lenguajes de la Música I
• El cantable In Memoriam y el Concierto de Santiago como exponentes de la perspectiva
etnomusicológica en el proyecto creador de Mario Kuri-Aldana / Renier Garnier García.
• Audición coloreada de dos conciertos para guitarra y orquesta / Clara Isabel Soto Rodríguez.
• Metodología de análisis. El primer movimiento de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler y la
síntesis de su lenguaje / Josep Jofré Fradera.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Edición Crítica de Partituras I
• Himno Sinfónico de Gustavo E. Campa, arreglado a cuatro manos por Ricardo Castro. Rescate,
reedición y difusión / Guillermo López Espinal.
• Vida y Obra de Rodolfo Campodónico Morales: rescate y divulgación de la Música del
“Champ” Mexicano del Vals / Tania Chávez Nader.
• El Thème Varié, Op. 47 de Ricardo Castro: proceso de edición crítica / Rogelio Álvarez
Meneses y Mayra Analía Patiño Orozco.
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Saberes y Culturas Musicales I
• La Canción Cardenche: Tradición, Emancipación y Transfiguración / Cruz Omar Padilla Nava.
• Revolución mediante el flamenco: Antonio Gades / Teresa de Jesús Herrero Barranco.
• Documentación histórica de la escena del rock en Nayarit / José Marcos Partida Valdivia.
12:00 – 13:00 horas / Mesa. Saberes y Culturas Musicales II
• El cuerpo del músico también se “desafina” / Rubén Rangel Salazar.
• Bandas de viento en Romita, Guanajuato. Tradición y comercio / Adrián García Alba.
• El otro México musical. Los excesos en la fiesta pública: el caso de León, Guanajuato en el siglo
XIX / Alejandro Mercado Villalobos.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Historia y Lenguajes de la Música II
• Un proyecto con visión a futuro: La creación de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de
México, 1978-1982 / Alejandra Hernández Sánchez.
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• Archivo Histórico Musical del Colegio de Santa Rosa de Santa María: Un acercamiento a la
información extra-musical como una fuente para la reconstrucción crítica y la interpretación
históricamente informada / Héctor Isaac Borges Montaño.
• La Estudiantina de la Universidad de Guanajuato: patrimonio musical y algo más… / Mireya
Martí Reyes.
17:00 – 18:00 horas / Mesa. Saberes y Culturas Musicales III
• La Bruja y sus afectos: La Xochipitzahuatl y la performatividad sexodisidente / Marusia Pola
Mayorga.
• Los xochisones como sistema de conocimiento maseual en una comunidad nahua de la Sierra
Noreste de Puebla. Un estudio desde la perspectiva local / Herminio Monterde López.
• Sones, símbolos y sexo. Cambios en la identidad femenil del son jarocho veracruzano a través
de la imagen / Randall Charles Kohl Smith.
Martes, 10 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Documentación de la Gestión Musical I
• Herramientas sociológicas para el estudio de la legitimación cultural en la música académica
occidental / Sandara Velásquez.
• Dos décadas de educación musical a nivel superior: una mirada desde la gestión cultural /
Mayra Analía Patiño Orozco y Ramón Andrade Virgen.
• Análisis comparativo de política cultural. El caso de la música contemporánea y el arte sonoro
en las ciudades Patrimonio Mundial Guanajuato y Puebla, 2008-2018 / Víctor Manuel Pedro
Marín Meléndez.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Historia y Lenguajes de la Música III
• El Movimiento de Restauración de la Música Sacra en México a finales del Siglo XIX, visto
desde la perspectiva del music revival / Antonio Moreno Pérez.
• Motecuhzoma II, la ópera indígena-posmodernista de Samuel Máynez / Laura Elizabeth
Espíndola Mata.
• Una aproximación al capital cultural, y las redes sociales, de los músicos mexicanos del siglo
XIX / Luis Díaz Santana Garza.
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Martes, 10 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Educación Patrimonial de la Música I
• Educación Waldorf y la vivencia musical / Adrián Sotelo Velázquez.
• Politemporalidad musical: Análisis auditivo aplicado a grupos de líneas simultáneas con pulsos
disímiles aplicada a la composición musical / Leonardo Solorio Reyes.
• El uso de Flat para desarrollar el sentido de la autoeficacia en la interpretación musical de
estudiantes de primaria / Saúl Alfonso Castellanos Chan.
12:00 – 13:00 horas / Mesa. Documentación de la Gestión Musical II
• Maestría en Gestión del Patrimonio Histórico-Documental de la Música: una oferta académica
singular / Claudia Fallarero Valdivia.
• Los inventarios de la «música de papeles» de la Catedral de La Habana en la segunda mitad
del XIX: una reconstrucción del repertorio musical / Margarita del Carmen Pearce Pérez.
• Base de datos de la ópera mexicana. Un proyecto en construcción / Alberto Pérez-Amador
Adam, Gabriela Rivera Loza, José Antonio Robles Cahero, Paulina Isabel Molina Díaz.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Edición Crítica de Partituras II
• METAMORFOSIS TÍMBRICA. Versión para guitarra de la Rapsodia Mexicana no. 2 de Manuel
M. Ponce / José Francisco Ramírez Rodríguez.
• La Suite Colombiana para Guitarra No 1 de Gentil Montaña (1942-2011)- Análisis de sus
ediciones y contextualización de un compositor colombiano / Jorge Edison Montoya Gómez.
• Las Variaciones de Corral, testimonio de la guitarra mexicana del periodo independiente /
Rafael Enrique Salmerón Córdoba.
17:00 – 18:00 horas / Mesa. Organología y Patrimonio Sonoro I
• Julián Carrillo y los primeros instrumentos del Sonido 13 / Mario Ernesto García Hurtado.
• Lenguaje sonoro, patrimonio de una sociedad. Las campanas / Adriana Marina Martínez
Maldonado.
• Paisaje Sonoro y Contaminación Acústica en el Centro Histórico de la Ciudad de Guanajuato.
Presentación de Resultados de Investigación / Ramón Alvarado Angulo.
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Miércoles, 11 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Historia y Lenguajes de la Música IV
• TOMÁS OCHANDO, NI MOZARTIANO NI HEREDERO DE JERUSALEM: variantes
nacionales del estilo italiano en la música fúnebre de tradición española / Gladys Andrea
Zamora-Pineda.
• Estética musical del compositor mexicano Arnulfo Miramontes (1881-1960) / Bernardo Jiménez
Casillas.
• Julián Carrillo. Entre la teoría y la praxis. Centenario de la impresión del Tratado sintético de
canon y fuga / Luis Fernando Padrón-Briones.
12:00 – 13:00 horas / Mesa. Estudios sobre Grabaciones Sonoras I
• La omisión o uso selectivo de la evidencia. Las grabaciones históricas como fuente de
identificación de las prácticas de interpretación no anotadas en las partituras de la música
alemana de la segunda mitad del siglo XIX / Claudia Pacheco Chávez.
• La música en las películas: Interstellar (El planeta de Miller) / Yvonne Quintero González.
• Cuando el soporte importa: cuestiones de formato y música en la grabación sonora / Alfonso
Pérez Sánchez.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Edición Crítica de Partituras III
• Recuperación para la escena actual de la mítica ópera Los dos gemelos o Los Tíos burlados /
Carlos Germán Vidaurri Aréchiga.
• El Fondo Villaseñor / Ramón Macías Mora.
• 1939-2019: notas sobre la historia y reconstrucción de un concierto sorprendente / Edgar
Alejandro Calderón Alcántar.
17:00 – 18:00 horas / Mesa. Saberes y Culturas Musicales IV
• El problema de lo referencial en los modos y los afectos antiguos / Yolanda Picaseño Gómez.
• Sonido autorizado y no autorizado. Cultura musical en misiones jesuitas del noroeste de la
Nueva España / Diana Brenscheidt Genannt Jost.
• Música para santos patronos de la Ciudad de México en el periodo novohispano / Bárbara Pérez
Ruiz.
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Miércoles, 11 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
11:00 – 12:00 horas / Mesa. Educación Patrimonial de la Música II
• Patrimonio Musical Universitario / Elvia Sosa Olaya.
• “Por eso las Rosas juntas, hacen hoy solemne coro”. Primeras consideraciones de un particular
repertorio vallisoletano: el corpus musical de “las rosas” / Daniel Cornejo Córdova.
• Música y Ceguera, historia y patrimonio: un caso innovador sobre gestión cultural inclusiva /
Lorena María Peugnet Díaz.
12:00 – 13:00 horas / Mesa. Historia y Lenguajes de la Música V
• María Cristina Macouzet Muñoz: novia, esposa y viuda de Miguel Bernal Jiménez. Apuntes para
una historia de las mujeres en la música / Lorena Patricia Díaz Núñez.
• El profesor de piano más satisfactorio que poseía México». Carlos J. Meneses, su legado y sus
alumnas / Maby Muñoz Hénonin.
• La Colección Sánchez Garza a la luz de una perspectiva feminista / John Swadley McCall.
16:00 – 17:00 horas / Mesa. Organología y Patrimonio Sonoro II
• Instrumentos musicales prehispánicos de la Cultura Diaguita chilena, una revisión a los
vestigios arqueológicos y sus reinterpretaciones en el mundo actual / Ana Gabriela Céspedes
Alfaro.
• La marimba como patrimonio musical en educación básica en el Estado de Chiapas / Alejandra
Concepción Hernández Aguilar.
• Aproximaciones iniciales para la catalogación de los instrumentos musicales de Carlos Chávez
/ Jimena Palacios Uribe.
17:00 – 18:00 horas / Mesa. Documentación de la Gestión Musical III
• Los Coros profesionales en el México contemporáneo: propuesta de definición, búsqueda y
resultados / Judith Arellano Pérez.
• La Banda de Música del gobierno del Estado de Guanajuato, periodo 1950-1957. Dirección de
Julián Espinosa y formación de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato / Luis
Gerónimo Saucedo Valadez.
• Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Creación y trayectoria / Patricia Chávez
Quijano.
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COMUNICACIONES ON-LINE
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
12:00 – 13:00 horas / Mesa I
• Al tránsito de María. Villancico a la Asunción. Sor Juana Inés de la Cruz (México, 1685), Joseph
Conejos Igual (Jaca, España, 1745). Un ejemplo de circulación y reutilización de villancicos en
las catedrales hispánicas durante el Barroco / Sara Escuer Salcedo.
• Las tonadas campesinas. Análisis de su práctica en el occidente de Cuba / Amaya Carricaburu
Collantes.
• Las zarzuelas de Manuel Fernández Caballero en Ciudad de México / Nuria Blanco Álvarez.
Martes, 10 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
12:00 – 13:00 horas / Mesa II
• Edición práctica, edición crítica, ¿edición múltiple? de la música antigua / Manuel del Sol.
• El rescate del patrimonio musical de Enrique Lens Viera (1854-1945) / Leslie Freitas de Torres.
• La virtud del coleccionista: Harold Gramatges y sus programas de mano de la Orquesta
Filarmónica de La Habana (1945-1958) / Ana Lizandra Socorro Torres.
PÓSTER CIENTÍFICO
Exposición itinerante en los diferentes espacios del evento
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
Martes, 10 de diciembre de 2019 / Entrada Principal del Edificio de las Artes
Miércoles, 11 de diciembre de 2019 / Sala B. Héctor Quintanar
• Lo-fi: la estética musical de la intimidad / Veda López Báez.
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PRESENTACIONES EDITORIALES
Lunes, 09 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
15:00 – 16:00 horas / Mesa I
• La investigación musical en las regiones de México (2018) / Luis Díaz Santana Garza.
• Música y fiesta en Guanajuato. Notas sobre la vida cotidiana en dos ciudades del Bajío
porfiriano (2017) / Alejandro Mercado Villalobos.
Martes, 10 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
13:00 – 14:00 horas / Mesa II
• Panorama de la música popular mexicana (2018) / Luis Díaz Santana Garza.
• El compositor mexicano Ricardo Castro (1864-1907). Vida y obra (2019) / Rogelio Álvarez
Meneses.
Miércoles, 11 de diciembre de 2019 / Sala A. Manuel de Elías
15:00 – 16:00 horas / Mesa III
• El editor de partituras en Cuba: una aproximación (2018) / Karina Rumayor Hernández.
• Paisajes Musicales. Investigación del origen y desarrollo de la música popular de Banda de
Viento en el Estado de Guanajuato (2018) / Mireya Martí Reyes.
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CONCIERTOS DIDÁCTICOS
Lunes, 09 de diciembre de 2019
13:00 – 14:00 horas / Sala A. Manuel de Elías, Edificio de las Artes, Universidad de Guanajuato
• Retratos de Colima de Simone Iannarelli: acercamiento a nuevos repertorios de música / Ramón
Andrade Virgen y Simone Iannarelli.
19:00 – 19:45 horas / Casa Cuatro – Maz+ahua Espacio Cultural, Centro Histórico de
Guanajuato
• Libertad, patriotismo y progreso: la opinión del pueblo mexicano a través de sus canciones,
mañanas y corridos / Sonia Medrano Ruiz.
Martes, 10 de diciembre de 2019
19:00 – 19:45 horas / Casa Cuatro – Maz+ahua Espacio Cultural, Centro Histórico de
Guanajuato
• Reinvenciones: acercamiento a estilos musicales históricos desde un nuevo repertorio regional
para piano / Manuel Matarrita Venegas.
Miércoles, 11 de diciembre de 2019
13:00 – 14:00 horas / Sala A. Manuel de Elías, Edificio de las Artes, Universidad de Guanajuato
• Octaviano Yáñez. Un guitarrista orizabeño en una corte porfiriana / Randall Charles Kohl
Smith.
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MUESTRAS SONORAS
Lunes, 09 de diciembre de 2019
18:00 – 18:45 horas / Sala A. Manuel de Elías, Edificio de las Artes, Universidad de Guanajuato
• Ensamble de Percusiones PercUG / Dir. Iván Manzanilla Rahal.
20:00 – 20:45 horas / Templo de la Compañía, Centro Histórico de Guanajuato
• Coro de Estudiantes del Departamento de Música y Artes Escénicas de la Universidad de
Guanajuato / Dir. Ramón Alvarado Angulo.
Martes, 10 de diciembre de 2019
18:00 – 18:45 horas / Sala A. Manuel de Elías, Edificio de las Artes, Universidad de Guanajuato
• Arte sonoro y nuevas tecnologías / Dir. Roberto Morales Manzanares.
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RESÚMENES
“Por eso las Rosas juntas, hacen hoy solemne coro”. Primeras consideraciones de un particular
repertorio vallisoletano: el corpus musical de “las rosas” – Daniel Cornejo Córdova / Con una
actividad musical a la par de la Capilla Musical catedralicia, el Colegio de Niñas de Santa Rosa de
Santa María de Valladolid, Michoacán, fomentó el quehacer musical en favor de las fiestas del
calendario litúrgico propio del colegio. Como testigos de esta actividad, a la fecha se conserva un
acervo de alrededor de 250 obras manuscritas. Atendiendo a la ineludible necesidad del conocimiento
histórico-contextual (en la mayor medida posible) de la vida activa musical de dicha institución, es
necesaria la delimitación de las fuentes manuscritas para su estudio. En este sentido, este trabajo tiene
como objetivo la presentación de un corpus de obras basado en la selección de aquéllas en cuyos
textos poéticos se encuentra expresamente la mención de las colegialas como intérpretes en común o,
incluso, particularmente alguna de ellas. Teniendo como último fin la interpretación musical, los
criterios de selección de este repertorio atienden a la búsqueda de elementos que nos ayuden a
entender la vida musical propia de la institución, es decir, a partir de los manuscritos, crecer en
conocimiento de la música compuesta desde el colegio y para el colegio, su función y las diferentes
posibilidades de interpretación.
“Una odisea musical”. Henrietta Yurchenco (1916-2007) y sus investigaciones en México – Yael
Bitrán Goren / Henrietta Yurchenco, née Weiss, fue una pionera de la investigación
etnomusicológica. Sus expediciones en distintas regiones de México y Guatemala entre los años 1942
y 1946 permitieron la obtención de registros de la música de los pueblos zoque, tzotzil, tzeltal,
chiapaneco tojolobal, cora, huichol y seri de México, y de los pueblos quiché, kekchí, ixil y zutujil
de Guatemala. Parte de estas expediciones se llevó a cabo gracias al acuerdo que se firmó entre el
Instituto Interamericano Indigenista (III) y la Secretaría de Educación Pública (SEP) de México y la
Library of Congresss (LOC) de Washington. Las grabaciones, realizadas en disco de corte directo, se
preservan en la Fonoteca Nacional de México, donde han sido completamente digitalizadas, y fueron
reconocidas con la distinción Memoria del Mundo de la UNESCO en 2015. Se conservan 132 discos
con cientos de piezas de estas culturas, que tienen un alto valor como patrimonio cultural de México.
Este texto da cuenta de las expediciones de la etnomusicóloga en México y Guatemala a través de sus
Memorias, publicadas tanto en español como en inglés, así como de artículos que la investigadora
escribió sobres sus expediciones etnomusicológicas. Yurchenco estuvo en pos de encontrar rastros de
la música prehispánica. Este objetivo la impulsó a internarse a lugares recónditos de la geografía
mexicana. Su obra está, en su vasta mayoría, aún por estudiarse.
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«El profesor de piano más satisfactorio que poseía México». Carlos J. Meneses, su legado y sus
alumnas – Maby Muñoz Hénonin / Carlos J. Meneses (1863-1929) fue uno de los músicos más
influyentes de su tiempo cuya labor musical contribuyó de manera determinante en la transformación
de las prácticas musicales del México de finales del siglo XIX y principios del XX. La poco estudiada
biografía de este personaje tiene cierto aire mítico: se cuenta que el único maestro que tuvo fue su
padre y que de esas enseñanzas, sumadas a un celebrado autodidactismo, resultó un músico
talentosísimo que pareciera que hizo todo bien. Fue considerado el mejor director de orquesta de su
tiempo, un destacado pianista y un importante maestro de piano. Su fama en este rubro fue tal que se
le nombró «el profesor de piano más satisfactorio que poseía México», «fundador de la Escuela
Mexicana del Piano» o «innovador en el mecanismo pianístico». En suma, Meneses parece haber
cambiado el modo de enseñar piano en México y, en todo caso, el mérito de su gran labor pedagógica
se acredita por haber tenido como alumnos a buena parte de los mejores y más influyentes músicos
de la generación posterior. Dimensionar la verdad de tales afirmaciones es lo que nos ocupará en esta
ponencia. Entre las decenas de alumnos que pasaron por su cátedra, muchos tuvieron una importante
actividad como pianistas, educadores o críticos. Sin embargo, de sus alumnas, «una pléyade de
pianistas y maestras de piano», se sabe muy poco. Ellas son el centro de la investigación en la que se
enmarca esta ponencia sobre quién era y qué enseñaba el maestro Meneses.
1939-2019: notas sobre la historia y reconstrucción de un concierto sorprendente – Edgar
Alejandro Calderón Alcántar / Miguel Bernal Jiménez descubrió el Archivo Musical del Colegio
de Santa Rosa y publicó una monografía sobre la historia del colegio. Una innovación importante fue
el catálogo del archivo de música y el programa de un concierto celebrado el 30 de mayo del mismo
año, con un repertorio selecto del fondo en cuestión, con lo que el ilustre músico moreliano se
convirtió en pionero de la musicología mexicana enfocada en el periodo virreinal. A 80 años de aquél
legendario concierto, el estado de la investigación de música novohispana ha cambiado notablemente,
así también el contenido y estado de conservación del propio Archivo Musical, pues buena parte de
los papeles originales del repertorio del mencionado concierto se ha perdido. No obstante, es fortuito
que las partituras de las versiones que transcribieron Miguel Bernal y sus colaboradores se hayan
logrado localizar. Esto permite hacer una revisión parcial de los criterios de edición e interpretación
que aquella generación de músicos tuvo para llevar al público un repertorio absolutamente
desconocido y, al mismo tiempo, plantear una comparativa con los cánones actuales de edición e
interpretación musical. Esta ponencia tiene como objetivo fundamental trazar un recuento histórico
de los aportes musicales de Miguel Bernal Jiménez al repertorio del archivo de “Las Rosas”, a través
de la revisión bibliográfica, hemerográfica y epistolar de fuentes de su época y, al mismo tiempo,
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mostrar una impronta del proceso de reconstrucción, edición práctica y montaje, de aquél
sorprendente concierto.
Al tránsito de María. Villancico a la Asunción. Sor Juana Inés de la Cruz (México, 1685), Joseph
Conejos Igual (Jaca, España, 1745). Un ejemplo de circulación y reutilización de villancicos en
las catedrales hispánicas durante el Barroco – Sara Escuer Salcedo / El archivo musical de la
catedral de Jaca (España) conserva entre sus fondos un importante número de obras pertenecientes a
compositores ajenos a su capilla de música, consecuencia de una intensa importación de repertorio
durante el siglo XVII y en las primeras décadas del s. XVIII. Esta recepción de materiales musicales
y literarios, favorecida tanto por relaciones institucionales como por vínculos personales entre
músicos, se convirtió, en primer lugar, en un medio de transmisión que permitió a la capilla de música
jaquesa estar al día de las corrientes estilísticas del momento y, en segundo lugar, en una fuente de
enriquecimiento de los fondos del archivo que permanecería con el paso de los años y cuyo estudio
nos permite recrear la evolución de la capilla musical y las vías a través de las cuales se desarrolló la
ampliación constante del archivo. Fruto de esa recepción de repertorios, se registran villancicos
compuestos por los maestros de capilla que ejercieron en la catedral jaquesa en los siglos XVII y
XVIII cuyos textos presentan similitudes con los utilizados unos años antes en otras sedes musicales
del país, como la Capilla Real de Madrid o las catedrales de Zaragoza, Lérida o Segovia, entre otras,
así como textos recogidos en antologías poéticas de Sor Juana Inés de la Cruz (y puestos en música
en la catedral metropolitana de México), o de los poetas zaragozanos Vicente Sánchez y Joseph
Tafalla Negrete. La reciente catalogación de los fondos musicales del archivo catedralicio jaqués, así
como su incorporación en la base de datos internacional del RISM –lo que hará accesible su consulta
por parte de la comunidad científica internacional–, supondrá, sin duda, una interesante aportación
para el desarrollo de futuras investigaciones multidisciplinares.
Análisis comparativo de política cultural. El caso de la música contemporánea y el arte sonoro en
las ciudades Patrimonio Mundial Guanajuato y Puebla, 2008-2018 – Víctor Manuel Pedro Marín
Meléndez / De acuerdo con Zygmunt Bauman, vivimos en un mundo líquido, inmersos dentro de una
realidad social de estructuras inasibles. Ante este panorama, la cultura se antoja como alternativa
viable para generar un efecto multiplicador de desarrollo estético, social y económico. La ponencia
que se propone, corresponde a una investigación de doctorado, que indaga en el análisis de la política
cultural bajo el enfoque de políticas públicas del modelo anglosajón y la batería de indicadores de
cultura para el desarrollo propuestas por la UNESCO, de las ciudades Patrimonio Mundial:
Guanajuato y Puebla. Ambas capitales estatales poseen infraestructura cultural importante, una vida
universitaria activa en la docencia, la investigación y la extensión, articulación con la dimensión
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económica a través del turismo cultural y una tradición por el desarrollo artístico y cultural desde
finales de los años 80. En las últimas décadas diferentes líneas de investigación se han inclinado por
el estudio de la complejidad social desde el ámbito local, por lo que se eligió el periodo 2008-2018
para abarcar tres períodos de gobierno con alternancia. Dentro de este proyecto se analizarán con una
perspectiva cualitativa los casos de la música contemporánea y el arte sonoro, resaltando su potencial
en cuanto a creatividad e innovación cultural.
Aproximaciones iniciales para la catalogación de los instrumentos musicales de Carlos Chávez –
Jimena Palacios Uribe / El legado del compositor Carlos Chávez continúa siendo uno de los objetos
de estudio de mayor interés para la musicología en México. Como resultado de estos trabajos se sabe
que su música y los múltiples proyectos institucionales en los que estuvo involucrado destacan como
sus más grandes aportaciones. Así como su obra, la cultura material que se conserva –como su
biblioteca, hemeroteca, música escrita y grabada, correspondencia o fotografías– demanda una
investigación a profundidad. En este trabajo presentaré algunos avances del estudio sobre los
instrumentos musicales del compositor, los cuales forman parte de dicho legado. La mayoría se
encuentra en el acervo personal de Chávez y en la colección del Centro Nacional de Investigación,
Documentación e Información Musical (Cenidim), del Instituto Nacional de Bellas Artes. Los más
de cien instrumentos que a la fecha se han registrado, entre los que se encuentran flautas, sonajas,
maracas, bules, ludidores, teponaztli y huehuetl, se emplearon en diferentes etapas compositivas del
músico; algunos fueron diseñados por él para usarse en obras específicas, otros para llevar a cabo
investigaciones acústicas y otros son fundamentalmente artesanías. En cualquier caso, estos objetos
son testimonio de los procesos de invención, las investigaciones y los intereses sonoros que
impulsaron a Chávez a experimentar con diversos materiales y a integrar objetos de culturas
prehispánicas para crear la obra que hoy en día es trascendental para la cultura mexicana. Por lo tanto,
este proyecto tiene la finalidad de hacer un registro histórico-organológico que señale las
particularidades de cada instrumento, así como el valor de la colección. El trabajo final será un
catálogo que constituya una fuente de información para un público general y especializado.
Archivo Histórico Musical del Colegio de Santa Rosa de Santa María: Un acercamiento a la
información extra-musical como una fuente para la reconstrucción crítica y la interpretación
históricamente informada – Héctor Isaac Borges Montaño / Dentro de las múltiples tendencias
metodológicas de la Musicología Crítica utilizadas para analizar una fuente musical; la recolección
de datos a partir de manuscritos y su posterior análisis con fines de reconstrucción e interpretación,
derivan en la comprensión de distintos hechos históricos y sociales que rodean al fenómeno musical,
estos datos —antes obviados— permiten una comprensión más amplia del mismo. El Archivo
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Histórico Musical del Colegio de Santa Rosa de Santa María con las siglas RISM Mex-MOcr, resulta
ser una fuente muy amplia de información acerca de la vida musical vallisoletana de los s. XVIII y
XIX, en particular, la música sacra (misas, salmos, etc.) formó parte de las actividades cotidianas de
las infantas del colegio. El presente trabajo busca denotar las posibilidades interpretativas que surgen
a partir de la información “extra-musical” (nombres de intérpretes, indicaciones interpretativas
(agógicas y técnicas) y anotaciones de interpretación estructural) existente en diversos cuadernillos,
copias manuscritas, resguardadas en dicho archivo; indicaciones que resultan ser fundamentales en el
desarrollo de la interpretación históricamente informada, denotando la intención de una
reconstrucción, en la medida de lo posible, de las actividades musicales del colegio.
Audición coloreada de dos conciertos para guitarra y orquesta – Clara Isabel Soto Rodríguez / La
sinestesia es una forma de funcionamiento cerebral inusual que se concreta en la percepción de dos
realidades sensoriales simultáneas en respuesta a un solo estímulo (Melero, 2019), la audición
coloreada es una de muchas modalidades que tiene la sinestesia, y consiste en que el sonido actúa
como estímulo inductor del color, logrando una unión sensorial automática. El objetivo de esta
investigación es generar una herramienta didáctica a partir de la sinestesia y que funcione como
sistema aumentativo para la apreciación musical así, distinguir visualmente desde una percepción
sinestésica, mejorando así la experiencia. Con respecto a la metodología, se aspira a llevar a lo visible
las percepciones sinestésicas que despierta la música, en concreto, un fragmento del Concierto de
Aranjuez y un fragmento del Concierto del Sur mediante un video que se ha hecho en colaboración
con artistas visuales basándose en la visión sinestésica de la investigadora, con esto se busca ampliar
la percepción musical en los espectadores y dar a conocer esta otra forma de entender la música. Los
productos de estas investigaciones tienen utilidades varias como musicogramas, procesos creativos,
partituras gráficas, recurso compositivo y partitura aural.
Bandas de viento en Romita, Guanajuato. Tradición y comercio – Adrián García Alba / En
Romita, el sonido de banda se percibe como una voz musical, evocando múltiples asociaciones en el
individuo, especialmente recuerdos de las muchas fiestas de diciembre vividas y experimentadas en
honor a las imágenes religiosas. La preferencia de la gente de Romita por la música de banda es al
grado generar la identificación con esta música. Las bandas de viento son agrupaciones
instrumentales de viento metal, viento madera y percusiones, que están presentes en actividades
religiosas y de festejo en general. Romita es un municipio que aún conserva sus raíces culturales, que
se manifiestan en su vida cotidiana, en sus rituales de adoración, en sus danzas, en su música
tradicional, cuenta con un desarrollo histórico amplio, que explica la creación de bandas de viento
tradicional, impulsadas fuertemente por la religión y sus fiestas patronales. En la década de los 90´s
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las bandas de viento tradicionales se refugiaron en el ámbito rural, con ello mantuvieron su dinámica
forma popular y su función ritual, acompañando procesiones, siendo parte de bautizos, matrimonios,
entierros, participando como un eje articulador de las fiestas patronales, de los bailes, los castillos, en
sí manteniendo en interacción al conjunto de elementos que configuran la tradición y lo popular en
lo rural. En este punto se genera una bifurcación en cuanto al uso de las bandas de viento, dependiendo
del contexto donde se contrate.
Base de datos de la ópera mexicana. Un proyecto en construcción – Alberto Pérez-Amador Adam,
Gabriela Rivera Loza, José Antonio Robles Cahero y Paulina Isabel Molina Díaz / La propuesta
consiste en presentar el proyecto colectivo Base de datos de la ópera mexicana (BDOM), iniciativa
impulsada desde el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través del Centro Nacional de Investigación,
Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, y en colaboración con la Universidad
Autónoma Metropolitana, unidad Iztapalapa. El objetivo del proyecto es generar y publicar en internet
una herramienta digital sobre ópera mexicana que contenga información sistematizada para la
investigación académica y artística relacionada con obras, participantes, organismos y espacios.
Además, dicho instrumento integrará fuentes de información sobre este tema que se encuentran
dispersas en distintos repositorios de México. Entre los objetivos particulares de la BDOM se
encuentran localizar partituras y libretos de ópera mexicana desde el siglo XVIII hasta la actualidad,
reunir en un solo lugar diferentes fuentes de información sobre ópera mexicana y ofrecer una
herramienta con posibilidades de actualización permanente. Lo anterior con la visión de fortalecer las
investigaciones sobre la ópera del país, y además, que sea un proyecto de utilidad para los interesados
en interpretar, editar o llevar a escena óperas mexicanas, ya que ofrecerá facilidades de consulta de
información vía internet, de uso público y gratuito.
Cuando el soporte importa: cuestiones de formato y música en la grabación sonora – Alfonso
Pérez Sánchez / La tecnología de grabación ha tenido una influencia en la concepción, realización,
producción y recepción de la música, eso ha ocurrido desde su aprovechamiento comercial a finales
del siglo XIX hasta nuestros días. Estudios en este sentido, indican que la capacidad del formato
condicionó el modo en que los intérpretes grabaron repertorio canónico que no había sido considerado
para el estudio de grabación sino para la sala de concierto; así como propuestas de compositores que
dejaron versiones duales para satisfacer tanto la interpretación en público como la grabación
comercial. Incluso, eso llevó a modificaciones temporales y dinámicas cuando no era posible cortar
la música por otros medios en aquellas obras cuya textura musical no tenía barras de repetición ni
trozos que pudieran ser omitidos, lo que derivó en tiempos que se amoldaron al soporte sonoro del
momento y que recobraron su plasticidad cuando el formato sonoro tuvo mayor capacidad. Utilizando
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como caso de estudio las piezas de Iberia de Albéniz se hace un recuento actualizado de la influencia
del soporte en algunos extractos de dicha obra para explicar las limitantes y virtudes de los distintos
soportes sonoros que se sucedieron a lo largo del siglo XX.
Documentación histórica de la escena de rock en Nayarit – José Marcos Partida Valdivia / Este
trabajo consiste en una investigación aún en desarrollo que pretende documentar la historia del rock
en Nayarit, recurriendo a diversas fuentes de información: testimonios (músicos y promotores),
planfletos, notas periodísticas, etc. tomando como referencia tres ejes temáticos de interés: orígenes
de la escena local, trayectoria de las agrupaciones, aprendizaje musical de los artistas, espacios
representativos y medios de difusión en el estado sobre la música de rock. A nivel metodológico en
esta investigación se plantea un acercamiento desde la fenomenología de la actitud natural, la
heurística, la etnografía y la teoría fundamentada. Como resultados preliminares se presenta una lista
actualizada de las agrupaciones de rock que en Nayarit han surgido desde aproximadamente la
segunda mitad de la década de los años 60. Se exponen algunas tendencias en cuanto al desarrollo
artístico de las bandas de rock nayaritas, espacios representativos que han tenido un peculiar arraigo
dentro de la escena local y los espacios de difusión que han contribuido a preservar la cultura musical
del rock en Nayarit.
Dos décadas de educación musical a nivel superior: una mirada desde la gestión cultural – Mayra
Analía Patiño Orozco y Ramón Andrade Virgen / A partir de la fundación del Instituto
Universitario de Bellas Artes de la Universidad de Colima en 1981, comienza la tarea de vincular la
profesionalización de las artes, al desarrollo cultural del contexto, sus opciones de consumo en
términos artísticos y la construcción de posibles mercados laborales. Las condiciones que se dan, sin
embargo, para el establecimiento de una Licenciatura en Música, son tan adversas como generosas;
de ahí que la labor de gestión en este caso, cobre un valor determinante, enfrentando las voluntades
políticas, elementos de cohesión cultural, resistencia al cambio, e incluso la comprensión y adaptación
de formas, normas y procesos propios del ámbito universitario, por tanto ajenos a la tradición de
enseñanza musical “conservatoriana”, de modo tal que consideramos pertinente el registro,
comparación y difusión de esta gestión, toda vez que algunas de las formas empleadas en estas
latitudes, bien podrían servir de ejemplo para allanar el camino de otras instituciones de educación
musical, que pudieran verse reflejadas. Este estudio tiene como punto de partida, por lo tanto, la
documentación de los procesos, estrategias y participantes fundamentales en la gestión cultural;
posteriormente, se definen las principales áreas de influencia de la misma en un proyecto de educación
musical a nivel superior en el contexto de la provincia del occidente del país. Finalmente, se formulan
algunas reflexiones orientadas a poner en valor la labor de la gestión académica aplicada a la
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educación musical en el marco de las Instituciones de Educación Superior de nuestro país,
presentando una propuesta de estructura académica, así como la caracterización de los roles que, en
el caso de una Facultad de Música, se requieren para impulsar la calidad de la misma, rescatándola
del marasmo burocrático en el que muchas veces naufragan las mejores intenciones de
profesionalización de esta disciplina en nuestro país.
Edición práctica, edición crítica, ¿edición múltiple? de la música antigua – Manuel del Sol / Los
modelos centroeuropeos dominantes de edición musical (como la edición Urtext, ediciones prácticas
o meras transcripciones), junto a la introducción de la crítica textual filológica moderna en la Era de
la nueva musicología (edición crítica), han condicionado sobremanera el modo y forma de recuperar
los repertorios de la música antigua culta occidental. Estos prototipos de edición, apenas discutidos,
han sido ampliamente aceptados por estudiosos e intérpretes desde comienzos del siglo XX,
convirtiéndose en dogmas centrales de la disciplina musicológica actual; sin embargo, el estudio de
particular fuentes musicales de la Edad Moderna pone en tela de juicio el tema central de lo que debió
de significar “hacer música” desde finales del siglo XV hasta el siglo XIX. Un ejemplo ilustrativo
está relacionado con la creación de una ontología de la obra musical distinta a los marcos de referencia
actuales. Existen obras muy importantes del canon histórico de la música española e
hispanoamericana; por ejemplo, el emblemático del himno Pange lingua (4vv) de Johannes de
Urrede, el responsorio de difuntos Ne recorderis (4vv) de Francisco de la Torre o el invitatorio Regem
cui omnia (4vv) de Cristóbal de Morales, que plantean serias dificultades a la hora de recuperar su
contenido según los modelos tradiciones de edición musical. Es aquí donde surge una dificultad
específica que es origen de esta investigación: la búsqueda de un modelo alternativo de edición
musical que puede definirse como edición múltiple; precisamente, porque muchos de los testimonios
conservados de las grandes obras maestras de la historia de la música no encajan dentro de los límites
propios de las tipologías dominantes de edición práctica o crítica.
Educación Waldorf y la vivencia musical – Adrián Sotelo Velázquez / Vivir la música libremente,
como un medio de expresión de la voluntad, de las emociones y del intelecto, hace manifiestas las
virtudes del ser humano; ya desde la antigüedad los grandes filósofos y pedagogos reconocieron este
valor único que tiene el ejercicio cotidiano de la música. En el ámbito educativo el tener la
oportunidad de que los niños y adolescentes vivan la música activamente en sus entornos escolares,
no solo recibiendo Educación Musical como una clase, sino normalizando su hacer en las diversas
materias de la malla curricular pareciera algo muy lejano en los tiempos que actualmente vivimos.
Sin embargo, las escuelas que ejercen la Educación Waldorf lo han hecho posible desde hace un siglo,
en septiembre de 1919 inició en Stuttgart Alemania la primera escuela Waldorf, desde entonces hasta
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la fecha han surgido por todo el mundo más de 1,100 escuelas. La Pedagogía Waldorf está enfocada
en el desarrollo integral del ser humano desde distintos puntos de observación, en las escuelas que la
ejercen, los alumnos viven en un entorno rodeado de arte completamente vivencial que se
interrelaciona con todas las materias, se incluye en su currículum general la Educación Musical como
un medio para el despertar de facultades humanas; en la práctica, la música es elemental en la vida
diaria de las actividades escolares, ya que desde el preescolar hasta la preparatoria todos los alumnos
y docentes de cada grado cantan y tocan diversos instrumentos todos los días, construyendo un
patrimonio musical a través de los años.
El compositor mexicano Ricardo Castro (1864-1907). Vida y obra (2019) – Rogelio Álvarez
Meneses / Ricardo Castro Herrera (1864-1907) es el compositor más relevante del siglo XIX en
México. Desde su etapa formativa en el Conservatorio Nacional de Música de México, alcanzó
notoriedad como pianista virtuoso y como compositor. Su trayectoria como pianista compositor le
sitúa como el primer gran concertista nacional, cuyas capacidades interpretativas le permitieron
ofrecer conciertos con éxito también en Europa, donde estuvo entre 1903 y 1906. Este viaje fue
auspiciado por el gobierno mexicano y, además del propio perfeccionamiento de Castro, tenía por
objetivo la observación de los sistemas de enseñanza musical europeos para su posterior aplicación
en México. La composición y la interpretación fueron las actividades que desarrolló de manera
continua; sin embargo, tuvo otras áreas de influencia como el periodismo de temática musical y la
docencia. Además de la música para piano solo, que es la más abundante dentro de su catálogo, su
producción comprendió también canción de concierto, obra sinfónica, conciertos para instrumentos
solistas y orquesta, teatro lírico y música de cámara. Su obra en general revela una absoluta
asimilación y dominio del lenguaje musical internacional de finales del siglo XIX. Se presenta un
estudio detallado de Ricardo Castro y su obra en la historiografía musical mexicana. Además de una
detallada biografía se ha realizado una labor de análisis musical de toda su producción aplicando
diversas metodologías. Como resultado se han identificado las características musicales de su obra:
períodos compositivos, géneros y formas, desarrollo temático y lenguaje armónico, así como las
particularidades de su escritura pianística, música de cámara, orquestal y vocal. Asimismo, se ha
realizado un catálogo sistemático y una propuesta de datación de las composiciones. Además de
estudiar el fenómeno musical de manera inmanente, se ha considerado el contexto sociocultural del
compositor con el objetivo de valorar su legado en su justa dimensión y reivindicar la importancia de
Castro en la historia de la música mexicana.
El cuerpo del músico también se “desafina” – Rubén Rangel Salazar / Ser músico, es ser un
profesional que está expuesto a varias enfermedades por el simple motivo de ejercer la actividad
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musical. El instrumento de trabajo del músico es su propio cuerpo y al referirme a que el cuerpo del
músico se puede desafinar, es para hacer referencia a que debido a la actividad propia del músico, el
cuerpo podría tener pequeños desajustes que si no son arreglados o “afinados” a tiempo, podrían
desencadenar un problema mayor que comprometa la salud y actividad profesional del
artista. Estudiar por horas en el instrumento muchas veces sin descanso por periodos prolongados
puede ocasionar algunas molestias que si no se detectan a tiempo podrían tener impacto en la
ejecución del instrumento o peor aún, en su actividad profesional si no se corrigen en etapas
tempranas. Los movimientos repetitivos realizados por horas y horas en los ensayos o en el periodo
de estudio, pueden ocasionar diversas anomalías del sistema locomotor, dependiendo del instrumento
que se ejecute.
El editor de partituras en Cuba: una aproximación (2018) – Karina Rumayor Hernández / Recoge
los resultados de una investigación que estudia al editor como sujeto indispensable en este sector de
la industria cultural cubana. La incidencia de ese profesional en la preservación y divulgación del
patrimonio musical de la Isla se constata a lo largo del texto. En el libro se establece una periodización
del desarrollo de la actividad editorial en el país, se identifican los perfiles profesionales y
ocupacionales de los editores de partituras, se determina la relación de dichos perfiles con los tipos
de ediciones resultantes, se definen los métodos empleados durante el proceso de edición y se
proponen recomendaciones para potenciar el funcionamiento de este ámbito. Para lograr todo lo
anterior se trianguló la información obtenida mediante: el estudio documental de diversas fuentes, la
realización de entrevistas a personalidades vinculadas a la actividad editorial y el análisis comparativo
de cinco ediciones cubanas de una obra del compositor y pianista Ignacio Cervantes. La selección de
este compositor se debió a que cuenta con obras publicadas durante los siglos XIX, XX y XXI, las
más antiguas de las cuales se localizan en los fondos del Museo Nacional de la Música. Este es el
primer título de la Colección Premio de Investigación Musical del sello Contracanto Ediciones,
perteneciente a la Asociación de Músicos de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac).
El Fondo Villaseñor – Ramón Macías Mora / Consiste en un importante legado de arreglos y
trascripciones elaborados por el maestro originario de la ciudad de Ameca, Jalisco. Miguel Villaseñor
García. Se compone de obras para guitarra sola, dúos y conjuntos de cuatro guitarras. El fondo
Villaseñor se compone de más de mil partituras con arreglos de música popular, tradicional, clásica
[trascripciones] realizados a lo largo de su existencia. La propuesta de la presente ponencia consiste
en la presentación de 22 arreglos de música mexicana, perfectamente digitalizados, estudio crítico y
breve introducción bibliográfica.
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El Movimiento de Restauración de la Música Sacra en México a finales del Siglo XIX, visto desde
la perspectiva del music revival – Antonio Moreno Pérez / En su libro sobre la música del siglo
XIX, Carl Dahlhaus (1989) expuso que este periodo atestiguó el resurgimiento de la música
eclesiástica a través del renacimiento de la música de Palestrina. Este renovado interés en la música
del compositor italiano, así como su emulación por parte de los compositores del siglo XIX dieron
lugar a lo que James Garratt (2002) denominó como Palestrina Revival. La profunda secularización
de la música eclesiástica motivó el interés por restaurar esta música renacentista (Jedin, 1978). Los
planteamientos restauradores encontraron una rápida difusión por distintas regiones del mundo
cristiano. El Movimiento de Restauración de México fundado por el obispo de Querétaro Rafael
Camacho y los compositores Agustín González y José Guadalupe Velázquez a finales del siglo XIX,
debe incluirse dentro de los movimientos surgidos en este periodo que lucharon por renovar las
prácticas musicales de la Iglesia. Esta investigación busca explorar al Movimiento desde la
perspectiva de los Music Revival propuesta por Tamara Livingston (1999), Juniper Hill y Caroline
Bithell (2014). Dicho concepto señala a los movimientos que buscan restaurar la música identificada
con el pasado y que se encuentra relegada o a punto de desaparecer. Esta perspectiva ayudará a
comprender cómo se desarrolló el proceso de restauración de la música sacra a finales del siglo XIX
en México y cuáles fueron las motivaciones que llevaron a sus integrantes a considerar que la música
eclesiástica basada en el canto llano y la polifonía en el estilo de Palestrina debía ser restablecida en
la Iglesia.
El otro México musical. Los excesos en la fiesta pública: el caso de León, Guanajuato en el siglo
XIX – Alejandro Mercado Villalobos / Los estudios sobre música y músicos en la ciudad
decimonónica han revelado un México musical extraordinario, en el cual ocurrió un desarrollo
importante de músicos y las músicas por ellos formadas, que ejecutaron el repertorio local y
especialmente —por imposición de las elites políticas y culturales—, el vasto repertorio de música
de concierto europea. Esto se dio en diversos espacios de fiesta y celebraciones, públicas y privadas,
de los desfiles a las audiciones en plazas y jardines, conciertos en teatros o en salones dispuestos ad
hoc. El asunto es que el festejo colectivo también implica reconocer otra realidad social, aquella
donde la fiesta urbana precisaba problemas derivados, por ejemplo, de los excesos por el consumo de
alcohol, drogas o situaciones relacionadas de los juegos de azar, lo que conducía a delitos en los que
en no pocas ocasiones están inmiscuidos músicos, sin olvidar el aumento de inseguridad en los sitios
de fiesta o aledaños a esta. Esta parte del festejo permanece pendiente en la historiografía sobre la
música y la fiesta en México, por lo que en esta ponencia se pretende explorar el tema tomando como
ejemplo la ciudad de León, Guanajuato, durante el siglo XIX.
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El problema de lo referencial en los modos y los afectos antiguos – Yolanda Picaseño Gómez / El
presente proyecto es un subtema de una investigación más amplia y con interés por Filosofía de la
Música, mismo que busca resolver la justificación entre los modos (escalas musicales) y su
correspondencia con un afecto determinado. La presente propuesta es un fragmento que busca de
exponer y dialogar algunas de las limitantes musicológicas que se presentan para en las teorías
afectivas, principalmente tomando a Leonard B. Meyer, para poder definir lo que determina un afecto
en la música. El principal problema es que las afecciones, según teorías contemporáneas, es que el
afecto recae en el sujeto, quitando así cualidades a la música y dejando huecos argumentativos. Lo
que se pretender explorar es cuáles son las limitantes de lo referencial2, según llama Meyer, y de qué
manera podría ser válido y necesario retomar lo referencial desde el mundo antiguo griego, dígase
desde Pitágoras y parte de su tradición. De esta manera podríamos tener una compresión afectiva más
complementaria, esto sería: tomando cualidades del sujeto y de la música. Este estudio resulta de
importancia para aquello que se dedican a estudiar Estética Musical o Filosofía de la Música, pues
las cualidades afectivas no solamente recaen en el sujeto, sino que también es necesario reconocer las
cualidades que tiene la música, a pesar de que pueda ser complicado justificarlas. Es por esa razón
que se pretende un acercamiento a estos límites desde otra postura que no es la musicológica, sino
desde la filosófica, planteando así un diálogo con los musicólogos.
El rescate del patrimonio musical de Enrique Lens Viera (1854-1945) – Leslie Freitas de Torres
/ Si existe una cualidad que podría definir a Enrique Lens Viera (A Coruña/España – 1854/
Lincoln/Argentina – 1945) no es otra que una personalidad prolija: profesor, director, compositor y
pianista. Su trayectoria musical está dividida en dos fases: la primera, que engloba gran parte de su
vida (1854 – 1908), se dio en Galicia; y la segunda, que empezó en 1908, a los 54 años, cuando se
trasladó a Argentina y fue a vivir en la ciudad de Lincoln, donde estuvo hasta su fallecimiento, en
1945. Su vertiente más sobresaliente, en ambos países, fue como compositor pues, por su calidad
musical, sus obras son unas de las más representativas del folclore gallego de su época, en que
utilizaba las melodías folclóricas como fuente de inspiración para sus composiciones. En sus textos
empleaba el idioma gallego y alteraba las composiciones características de las habituales danzas de
la época, y las convertía en obras virtuosas, buscando siempre aprovechar de los recursos
instrumentales del piano. Esta investigación, abordada desde la perspectiva de la musicología
histórica, está basada en fuentes primarias y secundarias, y pretende dar a conocer las composiciones
de Lens, encontradas hasta el presente momento, tanto en España como en Argentina. Así como
proporcionar una breve semblanza de su biografía en ambos países, para que, de esta manera,
rescatemos el patrimonio musical de uno de los músicos claves de la emigración gallega.
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El Thème Varié, Op. 47 de Ricardo Castro: proceso de edición crítica - Rogelio Álvarez Meneses
y Mayra Analía Patiño Orozco / El compositor y pianista Ricardo Castro Herrera (1864-1907) no
solamente es el músico más notable de su generación, sino de todo el siglo XIX mexicano. Su legado
comprende obra para piano solo, canción de concierto, teatro lírico, obra concertante y sinfónica, así
como música de cámara. Compaginó su actividad como pianista virtuoso con la composición, la
docencia, la gestión y el periodismo musical. Su producción pianística supera el centenar de obras en
las que demuestra un profundo conocimiento de los recursos idiomáticos del instrumento. El Thème
Varié, Op. 47 (1907) es una obra de madurez notable tanto a nivel formal como por su demandante
escritura pianística. Al ser publicada póstumamente en 1908, la edición no estuvo bajo el cuidado del
autor, por lo que la partitura presenta algunos errores que hacen pertinente la edición crítica de la
obra. Teniendo como punto de partida la contextualización y el análisis de la obra, se presentan los
principales casos de intervención del texto en el proceso de edición y los criterios para la toma de
decisiones en el proceso. Finalmente se formulan algunas reflexiones en torno a la importancia del
rescate y puesta en valor del repertorio mexicano de música de concierto.
El uso de Flat para desarrollar el sentido de la autoeficacia en la interpretación musical de
estudiantes de primaria – Saúl Alfonso Castellanos Chan / La autoeficacia musical es un elemento
de estudio que incide directamente con los factores involucrados con la interpretación instrumental.
Esta investigación tiene como objetivo determinar la contribución de una intervención basada en la
teoría de la autoeficacia y el uso de la plataforma Flat en la calibración del sentido de autoeficacia
musical de estudiantes de primaria. El diseño metodológico de esta investigación es el cualitativo con
diseño de investigación-acción. Para la recolección de los datos, se llevaron a cabo encuestas, prueba
de desempeño, videograbaciones, diarios de campo y entrevistas. De manera preliminar, los hallazgos
indican que el sentido de autoeficacia en la interpretación musical que los estudiantes señalaban al
inicio de la intervención fue calibrado al término de ésta. Algunos factores que promovieron una
correcta calibración del sentido de autoeficacia fue la experiencia de desempeño real, la exposición a
modelos resilientes, la retroalimentación evaluativa y un ambiente de aprendizaje positivo. Cabe
señalar que uno de los aspectos que más influyó fueron las presentaciones musicales en un contexto
real. Con este trabajo se pretende de identificar factores individuales que inciden en la interpretación
musical para su inserción en la educación musical.
Estética musical del compositor mexicano Arnulfo Miramontes (1881-1960) – Bernardo Jiménez
Casillas / Arnulfo Miramontes fue un compositor jalisciense de estética y principios conservadores
con los cuales fue coherente a lo largo de toda su vida. Músico renuente a abrirse a aquellas corrientes
o ideas compositivas que, desde las primeras décadas del siglo XX, pretendían una ruptura con el
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pasado musical romántico que el porfiriato había asentado, su obra siempre estuvo subscrita a una
tradición académica de corte europeizante. En la ponencia se mostrará, a partir tanto de la lectura de
textos de la autoría de Miramontes –preservados por el actual heredero de sus documentos personales
y obra musical– como de la escucha de algunos fragmentos de la obra para piano de este compositor
jalisciense, cuáles son los rasgos distintivos que definen la estética musical de Miramontes.
Filosofía de la Música y Musicología, ¿un diálogo imposible? – Luis Jaime Cortez Méndez /
Desde sus orígenes, la musicología y la filosofía de la música han dialogado poco: los pioneros de la
primera no escucharon ni a Schopenhauer ni a Nietszche, y los filósofos posteriores, a su vez,
guardaron sus mejores páginas temerosos de la censura terrible de las certezas de los exactos
musicólogos. El siglo XXI, en el marco del arte sonoro, de los estudios culturales y de las estéticas
de la recepción, hacen indispensable y actual ese diálogo, conduciéndolo a su origen más profundo:
la ontología de la música. Todo ello conduce, a su vez, al ejercicio de una filosofía de la musicología,
así como existe una filosofía de las matemáticas o de la ciencia.
Herramientas sociológicas para el estudio de la legitimación cultural en la música académica
occidental – Sandara Velásquez / El patrimonio cultural de la tradición musical académica de
occidente es resultado de procesos sociales entre agentes e instituciones cuyo propósito primordial es
la legitimación de bienes y prácticas. Por lo tanto, para comprender a fondo la formación, el fomento
y conservación del patrimonio musical es fundamental explicar antes los nexos sociales estructurales
de la música académica que los hacen posibles. Esta ponencia abona a tal estudio desde una
perspectiva sociológica que gira en torno a la incorporación reflexiva de conceptos clave provenientes
de la sociología cultural y teoría del campo desarrolladas por Pierre Bourdieu. La conceptualización
sociológica de determinados aspectos del ámbito musical académico nos permitirá realizar un análisis
detallado de los procesos de producción, distribución y consumo de bienes culturales tanto tangibles
como simbólicos. Asimismo, podremos poner el enfoque de la investigación en la intelección de la
música académica como un campo relativamente autónomo donde los bienes y prácticas forman parte
medular del capital cultural que le confiere legitimidad y prestigio. Con ello se amplía la deliberación
sobre los procesos de legitimación cultural que fundamentan a los patrimonios musicales existentes
y en construcción.
Himno Sinfónico de Gustavo E. Campa, arreglado a cuatro manos por Ricardo Castro. Rescate,
reedición y difusión – Guillermo López Espinal / La presente ponencia da a conocer el contexto
histórico, político y social que enmarcan al arreglo del Himno Sinfónico de Ricardo Castro, basado
en el original compuesto por Gustavo E. Campa; sitúa este arreglo dentro del desarrollo que ha tenido
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en México la música para dúo de piano a cuatro manos; muestra los resultados de la comparación
entre el manuscrito original, tanto con su primera edición publicada, como con una nueva versión en
la que ambas partes (primo y secondo) se incluyan en una misma hoja a diferencia del original; por
último presenta las características melódicas, rítmicas y armónicas del Himno Sinfónico
Campa/Castro, obtenidas tras su proceso de estudio y análisis, a fin de sugerir una interpretación
apegada al estilo y estética con que fue compuesto.
Instrumentos musicales prehispánicos de la Cultura Diaguita chilena, una revisión a los vestigios
arqueológicos y sus reinterpretaciones en el mundo actual – Ana Gabriela Céspedes Alfaro / En
esta ponencia presento un avance de la investigación titulada “Instrumentos musicales prehispánicos
de la Cultura Diaguita chilena” la que tiene por objetivo describir, catalogar y analizar los
instrumentos musicales de origen prehispánico que están adheridos a la cultura diaguita, visualizando
además los usos contemporáneos de estos artefactos en expresiones rituales religiosas y sus
apariciones en la música popular. Ha sido formulado por la necesidad de contribuir al conocimiento
de las culturas indígenas, sistematizando datos aislados de artefactos sin clasificación o carentes de
contextos, todo esto a la luz de recientes descubrimientos de sitios arqueológicos, los que
inevitablemente han generado una discusión sobre el cuidado del patrimonio material y el qué hacer
con él. Estos escasos vestigios expresados a través de la cultura material sumados a algunas
tradiciones de la cultura expresiva, nos develan una ligera línea de continuidad desde la época
prehispánica hasta nuestros días. En este sentido, desde un punto de vista organológico se presentan
avances en cuanto a la catalogación de instrumentos musicales, análisis morfológico, físico, acústico,
musical, y contextual. Desde el punto de vista performativo, se presentarán recopilaciones
etnográficas de los contextos rituales y populares en donde se generan acciones artísticas que
presumen ser una reinterpretación de la cultura prehispánica en cuestión. Aquí, es posible observar
que a partir de la utilización de réplicas de los instrumentos se van a emplear en un sistema musical
y visual que toma por definición “lo diaguita” más solo son conjeturas realizadas a partir de la cultura
material presente en museos.
Julián Carrillo y los primeros instrumentos del Sonido 13 – Mario Ernesto García Hurtado / El
15 de febrero de 1925 Julián Carrillo (1975-65) presentó en el Teatro Principal de la Ciudad de
México el primer concierto del Sonido 13. En este concierto Carrillo tuvo la oportunidad de mostrar
la practicidad de sus teorías microtonales, nombradas por él mismo como Sonido 13, a través de
distintas composiciones. Sin embargo, uno de los mayores problemas que enfrentó el compositor para
ejecutar su música fue la ausencia de instrumentos suficientes para ejecutar los microtonos, así como
de los intérpretes necesarios para este fin. Por lo que a partir de este momento Carrillo, junto con sus
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colaboradores y alumnos, comenzó a plantear la creación y modificación de instrumentos musicales,
así como de la preparación de intérpretes para su música. En esta ponencia se presenta la organología
de sus primeros instrumentos microtonales creados o modificados por el compositor y sus
colaboradores: arpa-cítara, octavina, corno francés en cuartos, octavos y dieciseisavos de tonos, así
como de la guitarra en cuartos de tono. Se mencionan las características de estos instrumentos:
antecedentes, desarrollo que tuvieron a partir de los primeros prototipos, así como información para
futuras reproducciones y ejecución de estos.
Julián Carrillo. Entre la teoría y la praxis. Centenario de la impresión del Tratado sintético de
canon y fuga – Luis Fernando Padrón-Briones / En 1919 Julián Carrillo regresó de los Estados
Unidos de Norteamérica tras una estancia de tres años, los cuales aprovecho para escribir sus textos
sobre la enseña práctica de la teoría musical. En uso de una lógica propia de un individuo con una
predisposición sonora muy específica pero que llegó tarde en edad al estudio de la misma, Carrillo
trató siempre de simplificar todas las cuestiones teóricas que él estudió hasta llegar al Conservatorio
Nacional de México a los veinte años, cuando se utilizaban viejos tratados decimonónicos que volvían
prácticamente encríptica toda la teoría del sonido. Una de las mayores lagunas que encontró fue la
explicación de la fuga, por lo cual se propuso escribir de manera simple y más enfocada a la práctica
un método o manual al respecto. En el centenario de la edición de este trabajo se propone una relectura
musicológica a la misma.
La Banda de Música del gobierno del Estado de Guanajuato, periodo 1950-1957. Dirección de
Julián Espinosa y formación de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato – Luis
Gerónimo Saucedo Valadez / Durante el periodo de dirección de Julián Espinosa al frente de la
Banda de Música del Gobierno del Estado de Guanajuato, que ocurre entre el 9 de noviembre de 1950
y el 13 de junio de 1957, se crea la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, circunstancia
por la cual disminuye la importancia que se daba a la Banda en las políticas culturales del gobierno
del estado. En el año de 1951 Julián Espinosa contempla llevar a cabo la organización de la Orquesta,
no obstante, esto será encomendado a José Rodríguez Frausto. Con la fundación de la Sinfónica, la
Banda experimenta un declive significativo en su actividad artística; la separación de sus mejores
músicos para integrar el grupo de la universidad, afecta notablemente su desempeño. Adicionalmente,
José Rodríguez Frausto solicita al secretario de gobierno instrumental propiedad de la Banda, para
conformar lo requerido por la Orquesta, hecho que merma significativamente el instrumental de la
Banda de Música.
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La Bruja y sus afectos: La Xochipitzahuatl y la performatividad sexodisidente – Marusia Pola
Mayorga / Al interpretar la música popular con una perspectiva de género, es posible ahondar en las
marcas socioculturales que se inscriben en cuerpo y las reconfiguraciones estéticas evocadas por este.
Un acercamiento al potencial performativo de cuerpos disidentes expone la arbitrariedad del género
como una construcción social inestable y pone la atención sobre el cuerpo del artista y las políticas
asociadas a su entorno. En esta ponencia analizare una presentación de la Bruja de Texcoco, cantante
mexicana transgénero, realizada en mayo del 2017 en el marco de una exposición dedicada a Fancy
Lupe, personaje creado por el dramaturgo mexicano Pepe Romero que resignifica los símbolos
asociados a las diferentes advocaciones de la virgen de Guadalupe para reflexionar acerca de la
violencia ejercida sobre comunidades sexo-disidentes en México. Utilizando el imaginario sonoro de
la artista y aplicando la desidentificación como marco metodológico, (la teoría de la desidentificación
es un marco metodológico propuesto por el académico Cubano-americano, José Esteban Muñoz, para
analizar el trabajo de artistas queer cuyas identidades se encuentran atravesadas por múltiples
marcadores como la raza, el cuerpo y la clase), reflexionare sobre los afectos y las capas de sentido
que operan desde la performatividad musical y conectan con la música tradicional mexicana, la
historia afectiva de la Bruja y la memoria colectiva que se construye en torno a las genealogías
artísticas sexo-disidentes en México.
La Canción Cardenche: Tradición, Emancipación y Transfiguración – Cruz Omar Padilla Nava
/ La ponencia analiza la interpretación del canto cardenche -del que se tiene dato- y cómo se transmite
de una generación a otra. Se estudia lo que representa para los portadores de la tradición, desde los
primeros registros y cómo ha llegado a ser una de las tradiciones más auténticas del noreste de
México. Su situación actual frente al constante riesgo del olvido, la ignorancia, y la finitud humana.
Sus nuevos alcances debido a la intercomunicación, la divulgación académica y los promotores
culturales de gran parte del país y el mundo. Así mismo, se analiza la postura con la cual recibe y
asimila el canto una nueva generación de intérpretes y, su indeleble acercamiento con las nuevas
tecnologías.
La Colección Sánchez Garza a la luz de una perspectiva feminista – John Swadley McCall / En el
año 1974 Robert Stevenson escribió en su edición/estudio Christmas Music from Baroque Mexico
sobre la Colección Sánchez Garza, que este importante patrimonio musical era “destinada para voces
femeninas con acompañamiento instrumental tocado por mujeres”. Aunque Stevenson y más tarde
Aurelio Tello notaron ciertos aspectos de interés feminista en la Colección, la literatura ha ignorado
grosso modo la estrecha relación entre los compositores poblanos y las monjas músicos del convento
de la Santísima Trinidad. De suma importancia para la historia de la música en el virreinato, la música
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escrita para las monjas refleja las vicisitudes del villancico, motete y misa durante el periodo de 1650
a 1776. A la vez, la Colección da muestra de los cambios estilísticos que sufrió la música sacra en la
transición del siglo diecisiete al nuevo siglo borbónico del dieciocho, cambios en que participaron las
mujeres músicos del convento como ejecutantes. La evolución del vocalismo en el convento es
evidente en las composiciones que forman la Colección, desde el pseudo folklore de Juan Gutiérrez
de Padilla hasta la policoralidad de Antonio de Salazar; desde la teatralidad de las jácaras de Nicolás
Riva Pastor hasta el naciente pre-clasicismo de Joseph de Lazo Valero. La misa para cuatro sopranos
de este último compositor, del año 1776, es una obra emblemática de la Colección. Mientras que los
prelados españoles Lorenzana y Fabián y Fuero trataron de prohibir el “canto figurado” en los
conventos, siguió la simbiosis entre los maestros poblanos y las monjas músicos.
La Estudiantina de la Universidad de Guanajuato: patrimonio musical y algo más… – Mireya
Martí Reyes / La Estudiantina de la Universidad de Guanajuato constituye una de las manifestaciones
del patrimonio musical popular más representativa y de mayor arraigo, principalmente en la capital y
Estado homónimos. Se trata de una agrupación vocal-instrumental que proviene de una tradición
española desde la Edad Media, donde fueron integradas originariamente por estudiantes con afán de
diversión (de ahí su nombre). Se distingue por el predominio de instrumentos de cuerda pulsada, el
repertorio que interpreta y su vestimenta; y, aunque existen muchas agrupaciones similares, la que es
objeto del presente estudio se ha convertido en uno de los símbolos de la Universidad y de la ciudad,
por su participación en las famosas “callejoneadas”. Este trabajo forma parte de una investigación de
gran envergadura, dedicada al estudio de la música popular en la entidad, con el propósito de integrar
antecedentes históricos, función musical y social, aspectos organológicos, así como el análisis del
repertorio. Debido a su amplitud, sólo se pretende un primer acercamiento a esta problemática, en
particular, a la historia de esta agrupación, con base en el trabajo de archivo, en la historia oral y en
una revisión documental. Partiendo de la hipótesis de que es innegable la importante presencia de la
música popular en la vida guanajuatense, y de lo que representa la Estudiantina, no sólo para la
Institución sino para la región donde también pululan agrupaciones musicales similares, es que se
ofrecen estos apuntes que permitirán, como dijo Manuel M. Ponce, comenzar a “penetrar en los
vericuetos oscuros de la Historia”.
La investigación musical en las regiones de México (2018) – Luis Díaz Santana Garza / Este
trabajo arbitrado se compone por 17 artículos que versan sobre la historia musical, la etnomusicología
y la tecnología de la música. Son textos de música regional redactados desde las mismas regiones
mexicanas, que fueron presentados como ponencias en el coloquio internacional del mismo nombre
que realiza anualmente la Unidad Académica de artes de la Universidad Autónoma de Zacatecas.
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La marimba como patrimonio musical en educación básica en el Estado de Chiapas – Alejandra
Concepción Hernández Aguilar / En el estado de Chiapas la marimba es un instrumento que forma
parte del patrimonio inmaterial del estado, la música de marimba se produce y reproduce desde
distintos espacios de socialización como parques y diversos lugares de convivencia, pero el espacio
más importante y el que nos concierne; es la escuela. Desde mi experiencia a través de mi formación
en educación básica en el estado de Chiapas, puedo plantear que ha sido generalizada la realización
de honores a la bandera entonados con la armoniosa marimba; este protocolo nacional constituye un
espacio de construcción colectiva de la identidad y aunado a esto, la marimba surge como un símbolo
de pertenencia, que logra profundizar y generar un proceso asociativo a la cultura local. En el marco
de nuestra sociedad actual, fuertemente influenciada por procesos globalizadores, donde la música
tradicional ha ido disminuyendo en sus expresiones, es importante replantear la función de las
escuelas para lograr impulsar la enseñanza de la marimba en los alumnos de educación básica, ya que
es en edades tempranas donde se pueden adquirir con mayor facilidad aprendizajes significativos que
perdurarán por mucho tiempo; la música de marimba es pues un medio colectivo de expresión que
refleja la historia, tradiciones e incluso cosmovisiones particulares del estado de Chiapas y que debe
replantearse su utilización dentro de la normativa escolar para lograr espacios de aprendizaje
contextualizados.
La música en las películas: Interstellar (El planeta de Miller) – Yvonne Quintero González / Breve
análisis de la música de la película: ‘Interstellar’ (de Christopher Nolan): escena del planeta Miller.
Será un análisis de cómo fue hecha la música (recursos y elementos compositivos e interpretativos
del autor, Hans Zimmer) y su relación con la escena de la película, para enfatizar la cohesión de estos
dos.
La omisión o uso selectivo de la evidencia. Las grabaciones históricas como fuente de
identificación de las prácticas de interpretación no anotadas en las partituras de la música alemana
de la segunda mitad del siglo XIX – Claudia Pacheco Chávez / Durante los primeros años del
movimiento de interpretación con intenciones históricas, conceptos como la «autenticidad» eran el
bastión de los intérpretes que se anunciaban como poseedores de una ejecución liberada de las
prácticas modernas; sin embargo, debates musicológicos posteriores provocaron una nueva
perspectiva, según la cual la ejecución históricamente informada representa una forma de
interpretación nueva, que obedece más a los gustos del siglo XX que a las prácticas que se pretendían
recrear. Por lo anterior, en esta ponencia se argumentará que la interpretación histórica no debería
limitarse a la adopción de instrumentos adecuados o a la aplicación de sólo aquellas prácticas que no
desafían las nociones actuales de buen gusto o no nos llevan fuera de nuestra zona de confort.
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Enumeraremos algunas prácticas interpretativas de la música alemana de la segunda mitad del siglo
XIX presentes en grabaciones realizadas en la primera mitad del siglo XX, y señalaremos las posibles
razones por las que el conocimiento de esas prácticas no ha motivado a los artistas modernos a
utilizarlas. Escucharemos cuán similares a las prácticas estándar de ejecución contemporánea son
aquellas que pretenden ser históricas, y porqué, en el caso de los investigadores de las prácticas de
interpretación de la música del siglo XIX, las grabaciones realizadas durante la primera mitad del
siglo XX son piezas clave para la revelación de un estilo de ejecución diferente al asumido como
«romántico» por la mayoría de los intérpretes.
El cantable In Memoriam y el Concierto de Santiago como exponentes de la perspectiva
etnomusicológica en el proyecto creador de Mario Kuri-Aldana – Renier Garnier García / Mario
Kuri-Aldana (1931-2013) constituye una de las voces creadoras imprescindibles en el ámbito de la
composición musical en México durante la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, más allá de
algunas canciones de amplio arraigo como Página blanca, su obra es prácticamente desconocida en
el contexto de la recepción musical y la investigación musicológica del país. Esta carencia cobra
especial relevancia si se tiene en cuenta que su postura activa como investigador le condujo a
cuestionarse las bases teóricas y técnicas que sostenían los lenguajes académicos que le fueron
contemporáneos y la pertinencia de vocabularios compositivos anclados en los saberes de los pueblos
latinoamericanos. A la par de su labor como compositor, pedagogo y director de bandas, desarrolló
un intenso trabajo de campo por América Latina que le permitió dimensionar las músicas de nuestros
pueblos como un acervo heterogéneo y vivo susceptible de ser aprovechado en el ámbito académico.
Como parte de su periplo por la región llega el compositor a Cuba en 1972 y se refuerza su interés
por la cultura de la Isla, fruto de lo cual surgen el cantable In Memoriam, para barítono y banda, y el
Concierto de Santiago, para flauta, orquesta de cuerdas y percusiones. Mediante las herramientas
analíticas de la semiótica de la música, específicamente de la teoría de la cultura musical (Stefani,
1997) se persigue trazar la ruta de construcción de significado en ambas piezas, a partir de la práctica
analítica, cuyos códigos recurrentes detectados son triangulados con los propios criterios del autor y
la bibliografía que los aborda.
La Suite Colombiana para Guitarra No 1 de Gentil Montaña (1942-2011)- Análisis de sus
ediciones y contextualización de un compositor colombiano – Jorge Edison Montoya Gómez / La
guitarra es probablemente el instrumento más popular dentro de la música occidental. Introducida en
América latina desde los diferentes procesos de conquista de los españoles, portugueses y franceses,
se insertó en las manifestaciones musicales del nuevo mundo. Uno de los estilos que más definen este
instrumento es el de la guitarra clásica, que, gracias a sus años de desarrollo y evolución, ha generado
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una técnica, un repertorio y un campo de acción, que produce alrededor de ella grandes intérpretes y
compositores en todo el mundo. Latinoamérica ha hecho su aporte con grandes exponentes y Gentil
Montaña (1942- 2011) es un referente para la guitarra clásica en Colombia y el continente, que
desarrolla su carrera en las facetas interpretativa y compositiva. La “Suite Colombiana No 1”, fue la
primera de cinco que Montaña escribió para guitarra; esta obra tuvo un camino evolutivo evidenciado
en ediciones posteriores. En esta Ponencia, propongo contextualizar al compositor en la Colombia de
los años 1970, época en la cual fue escrita esta obra y contextualizar al compositor junto a otros
referentes de la guitarra y la composición latinoamericana como Heitor Villa-lobos, Manuel María
Ponce y Antonio Lauro, quienes también escribieron suites para guitarra y tomaron los ritmos
latinoamericanos y adaptaron este esquema compositivo europeo. Por último, haré una comparación
de las ediciones (tres ediciones), mediante ilustraciones musicales en vivo, las cuales señalaran los
cambios realizados por el compositor.
La virtud del coleccionista: Harold Gramatges y sus programas de mano de la Orquesta
Filarmónica de La Habana (1945-1958) – Ana Lizandra Socorro Torres / Los programas de mano
han sido utilizados con frecuencia como fuentes secundarias de información. Sin embargo,
constituyen evidencias clave para la investigación musicológica y puede afirmarse su participación
en los procesos de construcción de significados en torno a la música de concierto como práctica
cultural. La colección de programas de mano de la Orquesta Filarmónica de la Habana, ubicada en la
Mediateca del Lyceum Mozartiano de La Habana que fuera compilada por Harold Gramatges,
contiene más de cien documentos correspondientes a las décadas del cuarenta y cincuenta del pasado
siglo. La intervención se propone demostrar el valor de estas fuentes primarias y testimoniales para
el estudio de la historia de la interpretación sinfónica en la ciudad. En específico, para abordar la
trayectoria de esa agrupación, su inserción y significación en su contexto sociocultural. Se abordan
las estrategias para la preservación y sistematización de la agrupación documental y además su
relación con el coleccionista, cuya ideología de avanzada lo enfrenta al mundo conservador burgués
que encarna su colección.
Las tonadas campesinas. Análisis de su práctica en el occidente de Cuba – Amaya Carricaburu
Collantes / Las tonadas campesinas son un elemento esencial del punto cubano, práctica cultural que
identifica al sector campesino de Cuba desde hace al menos dos siglos, y que se caracteriza por la
improvisación oral de décimas mediante el canto y el acompañamiento musical. Los estudios al
respecto que datan ya de hace más de cincuenta años, abordan la caracterización de las tonadas de
forma general en el país, no conociéndose estudios específicos sobre comunidades, regiones o
provincias. Un análisis en profundidad de la bibliografía generada al respecto, evidencia la falta de
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un enfoque en los estudios -a pesar de existir varias grabaciones y transcripciones musicales de
investigadores y estudiosos-, que permita determinar cómo se han ido definiendo las tendencias a las
variantes o invariantes, proceso que pudiera ser de gran utilidad para vislumbrar las posibles
tendencias de desarrollo de esta expresión artística en la actualidad. La presente comunicación, está
basada en una investigación dirigida muy especialmente a continuar el estudio de los aportes que el
sector campesino ha realizado a la música cubana y a la verificación del estado que este importante
patrimonio cultural reviste en el momento actual, pretende ofrecer una mirada a la práctica específica
de las tonadas en la occidental provincia Mayabeque, sirviéndose para ello del análisis comparativo
entre diferentes versiones de una misma tonada, con el objetivo de determinadas las posibles variantes
o invariantes que pueden haber sufrido; así como la exposición de los rasgos actuales de las tonadas
cantadas en dicha provincia.
Las Variaciones de Corral, testimonio de la guitarra mexicana del periodo independiente – Rafael
Enrique Salmerón Córdoba / Una de las obras del México decimonónico que mayor número de
manuscritos se han localizado es el Andante con variaciones del compositor español Manuel Corral
(1790 - ¿?). Hasta la fecha he conjuntado cinco versiones provenientes de diferentes archivos o
colecciones. A partir de estos manuscritos trabajé una edición crítica de la versión para dos guitarras
de la Biblioteca Sutro. El corpus de investigación está integrado por el contexto histórico y musical
de Corral y la presente obra; se complementa con un estudio historiográfico del manuscrito para dos
guitarras y su relación guitarrística con otras composiciones del virreinato y del periodo independiente
mexicano. Las fuentes primarias que se revisaron para el análisis musical comparativo, fueron los
manuscritos de los archivos del Colegio de Vizcaínas y el perteneciente al septimista Martín Valencia,
obteniendo una obra normalizada que enriquece el repertorio de la guitarra mexicana del ochocientos.
Las zarzuelas de Manuel Fernández Caballero en Ciudad de México – Nuria Blanco Álvarez /
Manuel Fernández Caballero (Murcia, 1835 - Madrid, 1906) es una de las figuras más relevantes del
teatro lírico español de la segunda mitad del siglo XIX. Durante su vida gozó del reconocimiento de
público y crítica por zarzuelas como El dúo de La africana (1893) y Gigantes y cabezudos (1898),
aún vigentes en los escenarios. Su enorme corpus lírico le convierte en uno de los más fecundos
compositores de la España de su época, con casi dos centenares de títulos, entre los que cultivó
zarzuela grande, género bufo, género ínfimo y género chico en todas sus variantes. Desde muy joven
sintió una especial atracción por Hispanoamérica, llegando a vivir un año en Argentina y siete en
Cuba, lo que hizo que su música se viera influida en numerosas ocasiones por los ritmos propios de
estos lugares e incluso que se incluyeran personajes de esas tierras en sus zarzuelas. Durante el último
tercio del siglo XIX, numerosas compañías de zarzuela españolas hacían giras por América, y no
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pocas llegaban a México, a veces vía Cuba. Incluían en su repertorio las obras que se habían hecho
más populares en España, algunas inmediatamente tras su estreno y otras que, a pesar del transcurso
de los años, se mantenían vivas en los escenarios. Muchas de ellas, eran zarzuelas compuestas por
Caballero, sobre todo de género bufo y de género chico, conocido en México como “zarzuela por
tandas”. Tenemos constancia de más de 50 zarzuelas suyas que llegaron a estrenarse en los Teatros
Principal, Nacional y Arbeu de Ciudad de México.
Lenguaje sonoro, patrimonio de una sociedad. Las campanas – Adriana Marina Martínez
Maldonado / Se ha recurrido a la antropología social para la descripción y el análisis de los grupos
sociales en su organización social y características culturales dentro del marco al que pertenece. El
lenguaje, la religión y los rituales, son algunos de los campos que abarca el estudio de la antropología
social. Los cambios manifestados durante el siglo XIX modificaron inevitablemente el pensamiento
de la sociedad y significaron una transformación en el modo de percepción. El fonógrafo, por ejemplo,
viene a contribuir con la memoria sonora, y a consecuencia de ello los sonidos del entorno empiezan
a ocupar un lugar en el mundo de lo visual. En este sentido, gracias al interés que se ha mostrado por
el rescate etnológico, el paisaje sonoro ha venido a contribuir y complementar de manera relevante a
la historiografía. El querer rescatar, el lenguaje sonoro de los toques de campanas en la esencia de
una comunidad pone énfasis en la relación de la comunidad con su medio sonoro. En consecuencia,
las expresiones sonoras de las campanas, como objeto de estudio, podrán servirnos para comprender
su articulación con la población y tomarlos como documentos históricos referenciales. Contar con los
manuscritos de los toques de campanas como una evidencia textual nos permite leer y analizar con
mayor detenimiento su sentido y significado en relación con la sociedad. En última instancia, significa
la posibilidad de reconstruir un pasado, irrepetible si consideramos a los toques de las campanas como
patrimonio inmaterial.
Libertad, patriotismo y progreso: la opinión del pueblo mexicano a través de sus canciones,
mañanas y corridos – Sonia Medrano Ruiz / En la expresión popular mexicana son evidentes las
ideas vinculadas a los signos de progreso y desarrollo industrial. Por tal motivo, a través de una
muestra sonora, se expone parte de la música zacatecana del período comprendido entre 1810 a 1914.
Contar y cantar la historia es factible en nuestros días gracias a ese patrimonio olvidado, producto de
filarmónicos de distintos estratos sociales y adscritos a facciones liberales y conservadoras, quienes
protagonizaron acontecimientos históricos como la presencia de Hidalgo o Juárez en nuestro estado,
la ingenua visión de un campesino ante la «máquina extranjera aventando jumadera», de tragedias
como la pérdida del territorio, el descarrilamiento, incendios en las minas o los estragos de las
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batallas. Revivir ese legado en escenarios académicos, es un primer paso en el reconocimiento de la
grandeza musical de México.
Lo-fi: la estética musical de la intimidad – Veda López Báez / Lo-fi (low fidelity) es un término
que sugiere una calidad de sonido deficiente, es una característica percibida en ciertas grabaciones de
música de aficionados con deficiencias técnicas, sin embargo, este breve ensayo rechaza la suposición
de que lo-fi equivale únicamente a un modo de producción, sino que conlleva una construcción y una
estética dentro del discurso de la música. Se propone una apreciación positiva de lo que se interpreta
normativamente como imperfecciones en una grabación; varios efectos de lo fi como el ruido, la
distorsión y las imperfecciones fonográficas son decisiones de producción y no consecuentes de una
falta de acceso a una mejor tecnología o equipo de grabación. El lo-fi ha tenido un impacto innegable
en la creación musical, por lo que hacer un análisis de su devenir permite comprender el panorama
actual, se desafía la suposición de que hay música y hay grabación, como algo externo hecho a la
música; la grabación es en sí misma es una forma de hacer música y crea una estética propia.
Los Coros profesionales en el México contemporáneo: propuesta de definición, búsqueda y
resultados – Judith Arellano Pérez / La investigación se centra en la búsqueda que se ha realizado
para localizar un tipo de colectivo artístico de menor popularidad en los organismos culturales de
México: el coro profesional. No obstante, primero ha sido necesario realizar una propuesta de
definición para el término, en tanto que se observa cómo la actividad coral mexicana es diletante en
gran medida y no se ha consolidado una plataforma o red coral nacional de manera oficial donde se
definan -al menos para el gremio- los criterios de categorización las las distintas conformaciones que
a priori se conocen en la cultura y tradición musical de occidente. Hasta el momento se ha encontrado
que las políticas culturales en México no se han valido de esta actividad para impulsar el desarrollo
profesional musical como sí lo han hecho a través de orquestas o agrupaciones instrumentales; es por
ello que a través de esta investigación se pretende formar parte activa del trabajo que en la música
mexicana se realiza para el desarrollo de la actividad coral profesional, en el entendido de que su
existencia es parte del bien cultural y por ende se verá reflejado en el procomún.
Los inventarios de la «música de papeles» de la Catedral de La Habana en la segunda mitad del
XIX: una reconstrucción del repertorio musical – Margarita del Carmen Pearce Pérez / La
actividad musical de la Catedral de La Habana en la segunda mitad del XIX es un tema que ha sido
muy poco abordado, entre otras razones porque no se existe un fondo musical que permita su estudio
(Carpentier, 1946). Hasta el momento solo se han conservado algunas partituras sueltas de Cayetano
Pagueras, Francisco de Asís Martínez Lechón y una misa incompleta de Juan Luna, copiadas por el
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organista Narciso Aguabella entre 1888 y 1892 (Escudero, 1998). No obstante, se han localizado siete
inventarios manuscritos de la «música de papeles» de esta institución, tres en la Biblioteca Provincial
Elvira Cape de Santiago de Cuba (1803, 1806, 1808) y el resto en el archivo de la catedral habanera
(1854, 1861, 1872 y 1893). De estos documentos los más significativos son los dos últimos, debido
al grado de detalle e información que brindan, ya que reflejan un nuevo sistema de organización y
descripción del fondo. El análisis histórico-comparativo de estos dos inventarios realizados por el
maestro de capilla Martínez Lechón (1872) y el primer sochantre Gabriel Morales (1893) ha permitido
identificar los rasgos de continuidad y cambio con respecto a sus antecesores, así como los
compositores y referentes musicales que primaron en la catedral habanera en la segunda mitad del
siglo XIX. De ahí que en esta ponencia propongo un acercamiento al corpus musical de esta
institución a través de estas fuentes documentales, para determinar las funciones y prácticas del
repertorio interpretado por la capilla de música.
Los xochisones como sistema de conocimiento maseual en una comunidad nahua de la Sierra
Noreste de Puebla. Un estudio desde la perspectiva local – Herminio Monterde López / La música
tradicional indígena de México está en constante cambio. Mucha de su riqueza es aún desconocida,
por lo que es necesario investigar y difundir sus variantes. En la música tradicional se expresa el
pensamiento y la perspectiva de las diferentes culturas. En este mismo contexto Brotherston (1997),
reconoce a las producciones culturales como textos del cuarto mundo. Los tejidos, los relatos, los
códices, la música, entre otros, son parte de la textualidad de las culturas. La música tradicional
también es discriminada, y puesta como elemento distinto que la música de moda (Armijo, Leticia,
2016). Armijo destaca que la música incluye aspectos de la praxis de la vida diaria. En esta propuesta
se busca hacer un diálogo con las teorías y métodos occidentales con las perspectivas amerindias que
han surgido en los últimos años con un enfoque intercultural e inclusivo respetando la visión de las
minorías. Se usa el perspectivismo amerindio como un medio ideológico para conectar con la visión
maseual y la “oralitografía” (Rocha, Miguel, 2014), como medio para ubicar la música tradicional
como un componente de conocimientos. Así mismo, a los conceptos locales para posicionar la
intelectualidad de la comunidad de San Miguel del Progreso. El xochison o son florido antiguo es
ejecutado por dos personas con violín y con guitarra huapanguera y no se canta. Los xochisones
forman un baile-ritual conocido como pakilis o alegría en donde el son o pieza musical determina las
fases de dicho baile.
Maestría en Gestión del Patrimonio Histórico-Documental de la Música: una oferta académica
singular – Claudia Fallarero Valdivia / La Maestría en Gestión del Patrimonio Histórico-
Documental de la Música, implementada desde 2015 como oferta educativa del Colegio Universitario
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San Gerónimo de La Habana (Universidad de La Habana), es una propuesta de estudios sobre gestión
del patrimonio cultural que toma como fundamento la experiencia en acciones de preservación que
lleva adelante la Oficina del Historiador de La Habana en su Centro Histórico. Esta titulación
académica de posgrado se centra específicamente en el estudio de los soportes documentales de la
música, portadores de información directa sobre el hecho musical y del contexto que condicionó su
composición y ejecución. Entendido como documentos musicales —bienes culturales que constituyen
parte del capital simbólico de los pueblos— cualquier documento que informe sobre una actividad
musical y sobre cualquier soporte, convencional o no a partir de seis tipologías: música anotada
(partituras, impresas o manuscritas); música programada o grabada (discos, cilindros, CD); relativo a
la gestión de la actividad musical (correspondencia, actas, inventarios); relativo a la difusión de la
actividad musical (críticas, difusión); organológico (instrumentos musicales) y musical iconográfico
(representación visual). La maestría tiene como premisa la enseñanza patrimonial —disciplina
emergente que en lugar de abordar el tradicional análisis del objeto patrimonial se basa en la
conjunción de una interdisciplinariedad que permite la comprensión integral de la cultura— que
enfatiza en el contexto en el que se sitúa el proceso que dio lugar al objeto o documento, en este caso
musical. Con dos ediciones culminadas y más de una veintena de tesis defendidas junto a las
filiaciones institucionales de los egresados y la mediación de estos en dichas instancias se garantiza
desde ya un nuevo tipo de gestión del patrimonio musical replicable en la región latinoamericana.
María Cristina Macouzet Muñoz: novia, esposa y viuda de Miguel Bernal Jiménez. Apuntes para
una historia de las mujeres en la música – Lorena Patricia Díaz Núñez / Me ocupo en esta ponencia
de María Cristina Macouzet Muñoz, la compañera de vida del compositor nacido en Morelia en 1910.
Para Cicerón, la historia es “la vida de la memoria”; ahora diríamos de una memoria no sólo para
recordar los grandes acontecimientos y las hazañas de ilustres varones, sino para recordar también la
vida de las mujeres. En la historiografía sobre músicos mexicanos difícilmente abundamos acerca de
su vida amorosa, pero muchas veces ésta marcó el camino en la actividad creativa de los
compositores. Tal es el caso de Kitty, como la llamaba Miguel Bernal Jiménez, quien le brindó una
sólida estructura familiar, apoyo incondicional, compañía constante, amor e inspiración. Ella nos ha
dejado valiosas fuentes primarias que documentan el devenir de una vida a dúo: cartas, diario
personal, fotografías, libros y entrevistas, que dan cuenta no solo del quehacer polifónico de Miguel
Bernal Jiménez, sino de una familia y una pareja católicas en la primera mitad del siglo XX. Fuentes
que construyen, asimismo, la “historia social del recuerdo”, de la que habla Peter Burke. Sería difícil
imaginar la vida del compositor, padre de once hijos, sin la presencia cotidiana de Kitty. Me parece
indispensable hablar de una mujer asombrosa que vivió entre un delicado silencio y un comprometido
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catolicismo. “El silencio y las fuentes”, uno de los temas planteados por Michelle Perrot en el libro
Mi historia de las mujeres me dio la pauta para la presente reflexión. Esta ponencia es solo una
modesta contribución para la historia de las mujeres en la música de Hispanoamérica.
METAMORFOSIS TÍMBRICA. Versión para guitarra de la Rapsodia Mexicana no. 2 de Manuel
M. Ponce – José Francisco Ramírez Rodríguez / Manuel M. Ponce es uno de los compositores
mexicanos más reconocidos de la primera mitad del siglo XX, en catálogo de obras se encuentran un
gran número de composiciones tanto para el piano como a la guitarra, por lo que surge la siguiente
pregunta ¿es posible trasladar una de sus obras del piano a la guitarra? El presente proyecto de
investigación expone las definiciones y diferencias existentes entre Transcripción, Adaptación e
Intervención en el contexto musical, para posteriormente demostrar cómo dichas herramientas han
sido empleadas para la realización de una nueva versión de la Rapsodia Mexicana no. 2 para guitarra.
Metodología de análisis. El primer movimiento de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler y la
síntesis de su lenguaje – Josep Jofré Fradera / En esta ponencia se pretende mostrar una tipología
de análisis formal basado en la esquematización de los procesos articuladores del discurso musical a
partir del análisis del primer movimiento de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler, que según Alban
Berg, “es lo más extraordinario que ha hecho nunca Mahler”. Así, partiendo de una aproximación
general de la figura y de la obra del compositor austríaco, se ofrecerá una visión detallada de la estética
y de la construcción del Andante comodo y de la novedosa y excepcional manera con que articula
aquí el tejido discursivo y cómo aparecen en él características de diferentes esquemas formales de la
tradición musical de occidente. Usando como fundamento estructural la forma-sonata, se irán
desgranando los materiales usados y la relación que hay entre ellos para comprender las soluciones
nuevas y convincentes que propone Mahler para dar sentido al plan formal del movimiento.
Motecuhzoma II, la ópera indígena-posmodernista de Samuel Máynez – Laura Elizabeth
Espíndola Mata / La ópera Motezuma del compositor Antonio Vivaldi estrenada el teatro
Sant’Angelo de Venecia en 1733, redescubierta en Berlín 2002 es considerada uno de los hallazgos
del siglo presente. Siendo una de las primeras obras que expone al emperador Moctezuma II como
protagonista de la ópera exótica, que influenció a dramaturgos y músicos como Voltaire, Rameau y
Charpentier. Samuel Máynez, Dr. en Estudios Mesoamericanos por la UNAM, se contrapone a
Motezuma de Vivaldi y reelabora la ópera a manera de pasticcio creando Motecuhzoma II (2009)
bajo la estética indígena-posmodernista, que apela al profundo dialogo estético-afectivo. En el ensayo
“Motecuhzoma II…” analizaré el lenguaje musical de Máynez quien se propone una labor
etnomusicológica, yuxtapone instrumentos prehispánicos (como parte de la cosmovisión sonora de
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los pueblos originarios) a la música sobreviviente de Motezuma. Omite el italiano para dar paso a las
lenguas: náhuatl, maya yucateco y castellano como nuevos fonemas del canto, redefiniendo así la
musicalidad y caja de resonancia de la ópera. Expondré archivos históricos inéditos que establecen a
Girolamo Giusti como el verdadero dramaturgo que escribió el libreto de la ópera Motezuma,
resultado de mi reciente investigación que se llevó a cabo en los archivos históricos reservados de la
ciudad de Venecia y Berlín. Motecuhzoma II del mexicano Máynez es pionero en su género
diferenciándose de entre las dos reconstrucciones anteriores, de Federico Sardelli (2005) y Alan
Curtis (2005) por considerarse un acto de justicia que refuta el eurocentrismo, con el fin de conceder
un espacio a la réplica indígena sobre su propia conquista.
Música para santos patronos de la Ciudad de México en el periodo novohispano – Bárbara Pérez
Ruiz / El culto católico a los santos, incrementado en el periodo de la contrarreforma, tuvo un impulso
acentuado en los dominios de la corona española en América, entre otras razones, por constituir una
eficaz herramienta de adoctrinamiento y de creación de identidad en la fundación de un nuevo sistema
religioso y de un nuevo orden social en las regiones conquistadas. En Nueva España, las principales
corporaciones que regían el virreinato promovieron desde temprano el desarrollo local de estas
devociones, en buena medida como mecanismos de control social. Cada iglesia, ciudad, parroquia,
gremio, de acuerdo con sus necesidades como colectivo, determinaba o asumía a un santo patrono,
en el cual depositaba su fe y al cual rendía culto. Esta figura se erigía como un factor aglutinante y
un emblema de identidad para la comunidad que representaba. La importancia y valoración de estas
fiestas se veía reflejada en su aparato ceremonial, cuya solemnidad prescribía la celebración de la
liturgia oficial (misa y oficio divino) y la realización de procesiones en las que se trasladaba y se
exponía públicamente la imagen del santo o sus reliquias. Estos recorridos, en cuya subtrama estaba
la “santificación” del espacio urbano, eran acompañados con música, danzas, bailes, cantos, toques
de instrumentos, juegos y representaciones, a cargo de los diversos grupos que participaban en su
realización. De tal forma, la dimensión sonora del culto era incluyente y transitaba de un espacio
eclesiástico a uno civil, y viceversa. Esta investigación busca aproximarse a ese complejo espacio
devocional a través del estudio de sus fuentes y repertorios musicales −y sus consustanciales
componentes litúrgicos, literarios y poéticos−, vistos como posibles vehículos de expresión y
construcción de discursos en la creación de los diversos cultos.
Música y Ceguera, historia y patrimonio: un caso innovador sobre gestión cultural inclusiva –
Lorena María Peugnet Díaz / Esta ponencia expone el innovador proyecto de producción cultural
inclusiva basado en las investigaciones que la clavecinista e investigadora mexicana Lorena Peugnet
Díaz ha realizado en torno al fuerte vínculo que existe entre música y ceguera desde la época barroca
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hasta la actualidad con casos específicos en México y España En 2016 crea Música y Ceguera
teniendo como principal misión promover el interés y la conciencia social en torno a la diversidad
visual y la inclusión a través de la música y otras artes. Cada año realiza el Festival Internacional en
el que se realizan conciertos, talleres para todas las edades, conferencias y demás actividades
creativas, inclusivas y artísticas, a cargo de destacados artistas ciegos y visuales de la escena
profesional del mundo. Las sedes con las que cuenta son espacios emblemáticos de la arquitectura
mexicana y su historia, como el Palacio de Bellas Artes, el Complejo Cultural Los Pinos, la Biblioteca
Vasconcelos o el Centro Nacional de las Artes. Actualmente Música y Ceguera da visibilidad a
intérpretes ciegos; recupera y difunde el patrimonio histórico musical de compositores ciegos de otras
épocas; fomenta la enseñanza integral de música con recursos especializados como la musicografía
braille y propicia el respeto, la solidaridad y la unión social desde el arte.
Música y fiesta en Guanajuato. Notas sobre la vida cotidiana en dos ciudades del Bajío porfiriano
(2017) – Alejandro Mercado Villalobos / Se hace un examen de las diversas formas de diversión de
la sociedad guanajuatense, en particular durante la época de gobierno de Porfirio Díaz (1876-1911).
A lo largo del libro podrán verse detalles particulares de la manera en que ciertos sitios urbanos —
jardines, plazas, calzadas y hasta zonas arboladas y cuerpos de agua, verbigracia la Presa de la Olla
en la capital del estado—, se convirtieron en sitios de reunión social, donde se desarrolló la vida
cotidiana de los guanajuatenses toda vez que, en cada evento social, la música fue un elemento
indispensable. En las páginas del libro podrán encontrarse las diversas formas de festejo urbano
ocurridas en diversas ciudades. Principalmente se analiza la realidad de las ciudades de Guanajuato
y León —aunque otras también aparecen en el recuento—, en tanto a los diversos festejos colectivos.
Así, el lector podrá dar cuenta de la fiesta religiosa y la cívica con toda amplitud, y de las
conmemoraciones derivadas de ellas, tales como conciertos, audiciones y serenatas, paseos en
calzadas y cuerpos de agua, desfiles, carreras de caballos, corridas de toros y otros más, como
funciones de circo y espectáculos de ascensión de globos aerostáticos. En el entramado festivo, podrá
conocerse también de grupos musicales y músicos que los formaron, no solo varones sino también
mujeres, que para el porfiriato se integraron y muy bien, a la sociedad mexicana, en actividades como
la música. En suma, Música y fiesta en Guanajuato recoge de fuentes de primera mano —
especialmente periódicos antiguos—, el carácter festivo de los guanajuatenses que vivieron en la
gloriosa época de don Porfirio.
Música y Neurociencias. Reflexiones en torno al diálogo entre ciencias y humanidades – Víctor
Barrera García / Las investigaciones neurocientíficas han desarrollado modelos explicativos de
cómo el cerebro procesa y codifica la música, ya que por su naturaleza, la música es el arte que mayor
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información biométrica ofrece sobre la actividad neuronal, si bien estos modelos arrojan luz sobre
cómo funciona el cerebro, pareciera que los descubrimiento ocurridos en los últimos años de los
alcances de la neuroplasticidad han dejado atrás muchos paradigmas que permiten comenzar a
conocer y considerar el potencial de la funcionalidad de las redes corticales que procesan la
información sonora de manera mas precisa, así como de la creación de nuevos circuitos y conexiones
neuronales que responden a estímulos y experiencias que derivan en cambios funcionales. Mientras
las investigaciones neurocientíficas logran avances significativos gracias a las nuevas tecnologías y
las posibilidades de observar la actividad neuronal en tiempo real por medio de la resonancia
magnética activa o la estimulación magnética transcraneal permiten conocer la gestión y
comportamiento de redes neuronales y árboles dendríticos multifuncionales, tales conocimientos nos
conducen a los orígenes de la revolución cognitiva ocurrida hace unos 70,000 años. El análisis de la
estructura de las frases y las propiedades fonológicas de las expresiones musicales y lingüísticas
sugieren que la música y el lenguaje evolucionaron a partir de un ancestro común denominado
“musilenguaje” que observa las características estructurales que comparten la música y el lenguaje:
tono, léxico, formación de frases combinatorias y mecanismos de expresión de frases. Así pues,
música y lenguaje son resultado del surgimiento de un precursor evolutivo conjunto y no de un
azaroso paralelismo o de una función engendrada por la otra.
Octaviano Yáñez. Un guitarrista orizabeño en una corte porfiriana – Randall Charles Kohl Smith
/ Poco se sabe hoy sobre el guitarrista Octaviano Yáñez (1865-1921), originario de la ciudad de
Orizaba en el Estado de Veracruz, México. La información más notable sobre él se encuentra en la
revista El Arte Musical que lo declaró, en 1905, el guitarrista mexicano más importante de su tiempo.
También es significativo el hecho de que Yáñez fue uno de los primeros guitarristas grabados, ya que
las compañías discográficas Edison y Victor lo hicieron durante los primeros años del siglo XX. Sin
embargo, a pesar del gran reconocimiento que recibió mientras vivía, durante sus últimos años y hasta
nuestros tiempos, se ha prestado muy poca atención a la interpretación, grabación o distribución de
su música. En este concierto didáctico, interpretaré composiciones seleccionadas de Yáñez, hablaré
sobre lo que sabemos sobre su vida y su música, y mencionaré su impacto en los guitarristas clásicos
de hoy en México. Al escuchar las contribuciones de este guitarrista al repertorio del instrumento,
será evidente que merece un mayor reconocimiento del que recibe actualmente. Además, los eventos
de su vida nos ayudarán a comprender cómo fue víctima de las circunstancias políticas en México y,
como resultado, cayó en desgracia entre sus contemporáneos, una situación que continúa hasta
nuestros días. Todas las piezas interpretadas provienen de los manuscritos de Yáñez que fueron
redescubiertos en Guanajuato en 1936.
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Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Creación y trayectoria – Patricia Chávez
Quijano / La indagación efectuada de 62 años de labores de la Orquesta Sinfónica de la Universidad
de Guanajuato (OSUG), permitió conocer a fondo los movimientos artísticos y musicales que, desde
su inició en 1952 hasta el año 2014 conformaron las actividades de dicha agrupación. La propuesta
de estudio abarcó seis diferentes directores titulares; cada uno de ellos, con características y objetivos
peculiares, y cuyo trabajo fortaleció la experiencia orquestal y contribuyó a enriquecer el repertorio
orquestal. De igual forma, se destacan la participación de las composiciones de autores nacionales, lo
que nos permite conocer la difusión y el compromiso que la OSUG ha asumido ante la creación de
obra musical nacional. El legado discográfico que se ha documentado de la OSUG muestra la
responsabilidad que se asumió a favor de la música mexicana. La trayectoria del conjunto sinfónico
en el ámbito cultural nacional ha dado muestras constantes de superación e interés por medio de sus
constantes actuaciones y la integración de eventos multidisciplinares, acorde a las tendencias de
vanguardia.
Paisaje Sonoro y Contaminación Acústica en el Centro Histórico de la Ciudad de Guanajuato.
Presentación de Resultados de Investigación – Ramón Alvarado Angulo / Este trabajo de
investigación surge de la observación cotidiana del paisaje sonoro de la cañada, peculiar y
característica. Las formas y costumbres tradicionales han experimentado una notable transformación
en los últimos tiempos, dada la presencia constante de contaminación acústica, lo que ha llevado a la
desaparición de ambientes sonoros ligados a las mismas. No obstante, todavía existen importantes
muestras de comunicación sonora heredadas del pasado, que pueden resultar una importante herencia
cultural que debe ser recogida, estudiada y protegida.
Paisajes Musicales. Investigación del origen y desarrollo de la música popular de Banda de Viento
en el Estado de Guanajuato (2018) – Mireya Martí Reyes / Resulta innegable la trascendencia que
tiene la música en la vida de los seres humanos y su importante papel en la comunicación y
entendimiento entre ellos, al ser considerada como el lenguaje universal. Y, dentro de los medios
sonoros que propician que la música suene y sea escuchada se encuentran las Bandas de Viento de
Guanajuato, a las que está dedicado este libro, que abarca desde mediados del siglo XVI hasta la
época actual. En sus cinco capítulos, se aborda: la caracterización general de las bandas de viento,
antecedentes históricos, cuestiones del repertorio, aspectos de las bandas como centros de educación
musical y de formación para la vida, y la proyección de estas agrupaciones, como epílogo. Este libro
se publicó en 2018, y es resultado de un proyecto de investigación de largo aliento, dedicado al estudio
de la música popular en Guanajuato, y que se ha denominado Paisajes Musicales porque “los
‘paisajes’ nos remiten a la noción de ese panorama, a ese terreno que se observa desde cierta
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distancia… y que se utiliza de diferente manera de acuerdo con el área disciplinar o a la manifestación
artística específica; […] paisaje del cual se resaltan sus principales rasgos en diversas dimensiones.
Estos paisajes no sólo son visuales sino, esencialmente, sonoros […] porque son paisajes que se
perciben con todos los sentidos y con el corazón…” Aún queda mucho camino por recorrer en el
estudio de las bandas de viento las cuales, deben y llegarán a inscribirse en la historia de Guanajuato.
Panorama de la música popular mexicana (2018) – Luis Díaz Santana Garza / Este libro es
propiamente un breve diccionario de la música popular mexicana, que busca abarcar compositores e
intérpretes de los diversos géneros tradicionales y urbanos, por medio de más de 500 entradas, y
también incluye fotografías.
Patrimonio Musical Universitario – Elvia Sosa Olaya / El presente trabajo busca dar respuesta a la
siguiente pregunta ¿Por qué la Banda de Marcha Universitaria Minerva debe ser considerado un
patrimonio musical universitario? La Benemérita Universidad Autónoma de Puebla cuenta con
diferentes grupos artísticos, en este caso hablaré de la banda de Marcha Universitaria Minerva (MMB)
y su importancia en los estudiantes universitarios. La MMB acepta a chicos interesados en aprender
música, tocar un instrumento, a generar una identidad universitaria; cuenta con 3 grupos (banda de
música, grupo de banderas y banda de guerra), estos aceptan a hombres y mujeres sin importar su
edad. “En ocasiones el término patrimonio musical se emplea en un sentido tan amplio que engloba
casi cualquier tema relacionado directa o indirectamente con la música”. El “Patrimonio Musical
español es el conjunto de bienes y manifestaciones musicales materiales e inmateriales producido por
la sociedad” (Gembero, 2005). Con lo descrito anteriormente considero que esta banda es un ejemplo
de un patrimonio musical universitario porque estamos hablando de estudiantes pertenecientes a esta
universidad y “a instalarse en su modo de vida, en sus prácticas cotidianas, adquiriendo un valor
simbólico” (Londoño,2012) para ellos se crea este patrimonio. Actualmente la banda forma parte de
la Dirección de Acompañamiento Universitario (DAU), ya que es un espacio que brinda la
oportunidad de compartir un escenario a aquellos jóvenes interesados en formar parte de ella, se
promueven las artes, los valores, la disciplina, el conocimiento musical y realiza varias presentaciones
y concursos a Nivel Nacional e Internacionalmente, entre otras actividades.
Patrimonio musical, archivo y poder: una crítica pos(de)colonial – Lizette Alegre González / El
objetivo de la conferencia es discutir y problematizar las nociones de patrimonio musical y de archivo
como construcciones moderno-coloniales productoras tanto de autoridad como de exclusión. Con esta
finalidad, se revisarán los procesos y las relaciones de poder que atraviesan la configuración de las
disciplinas de investigación musical, sus “objetos” de estudio y los mecanismos tanto de producción
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de evidencia –histórica y etnográfica– como de legitimación patrimonialista. Asimismo, se abordará
la problemática de la subalternidad, en tanto aquello que está fuera de lo enunciable –audible–, y los
retos que esto supone para un acercamiento crítico a los fenómenos musicales.
Politemporalidad musical: Análisis auditivo aplicado a grupos de líneas simultáneas con pulsos
disímiles aplicada a la composición musical – Leonardo Solorio Reyes / El presente trabajo se
enfoca en las cualidades principales que determinan al polirritmo desde sus propiedades de
periodicidad al tipo de líneas de pulsos que lo constituyen, con el objetivo analizar sus características
musicales. Basado en análisis de escenas auditivas y en conceptos como la aspereza tímbrica adaptada
al ritmo se utilizan grupos de líneas simultáneas de pulsos que asemejan eventos musicales como la
armonicidad o las modulaciones tonales. Los materiales producidos son analizados desde el punto de
vista de la hipótesis del trabajo: cada análisis musical dependerá de su contexto específico.
Recuperación para la escena actual de la mítica ópera Los dos gemelos o Los Tíos burlados –
Carlos Germán Vidaurri Aréchiga / En este trabajo daremos cuenta de cómo hemos recobrado en
su totalidad a partir de fuentes documentales primarias inéditas, entre ellas un cuaderno manuscrito,
un libreto impreso así como otros materiales relacionados con esta composición; expondremos de
manera sucinta como hemos procedido para lograr una libre reconstrucción horizontal y la posterior
orquestación a partir de los vestigios encontrados de la legendaria y hasta ahora inaudita ópera Los
dos Gemelos o Los tíos burlados con música de Manuel Corral y libreto de “Marón Daurico”
(anagrama del árcade Ramón Roca), este trabajo de reconstrucción se ha materializado en una
partitura que conserva en esencia el espíritu de su sonoridad original aunque es evidente que la
intervención creativa de nuestra parte al restituir los parámetros faltantes en el manuscrito, otorgará
ineluctablemente al resultado final una “renovada” configuración a la obra de Corral como si se tratará
de un vestido nuevo. Con esta reconstrucción se abre la factibilidad de volver a escuchar esta ópera
bufa que fue representada en la alborada del México independiente.
Reinvenciones: acercamiento a estilos musicales históricos desde un nuevo repertorio regional
para piano – Manuel Matarrita Venegas / La enseñanza del piano en la mayoría de las escuelas
universitarias a nivel mundial persigue el modelo “conservatorio” emanado de la tradición musical
centroeuropea. Como tal, este modelo educativo también fomenta -y casi siempre limita- el estudio
del repertorio musical europeo para el aprendizaje de diferentes estilos históricos musicales anteriores
al siglo XX, como por ejemplo las composiciones escritas durante los períodos barroco y romántico,
o tendencias más modernas como el impresionismo o el serialismo. Este recital comprende un
conjunto de obras recientes de mi autoría. Se trata de las “15 Invenciones ticas”, un híbrido estilístico
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entre las invenciones de Bach y la música tradicional costarricense. En ellas propongo una alternativa
para enseñar estos estilos (particularmente el de la música barroca) a partir de piezas que, si bien no
coinciden históricamente con las creaciones europeas, pueden ser valiosas herramientas pedagógicas
y artísticas para el aprendizaje de las características de diversas corrientes musicales. A la vez, su
enseñanza, estudio y eventual ejecución pública contribuirá a la divulgación y rescate del patrimonio
musical regional, opacado por la misma Academia en favor del repertorio de la tradición europea.
Retratos de Colima de Simone Iannarelli: acercamiento a nuevos repertorios de música
contemporánea – Ramón Andrade Virgen y Simone Iannarelli / En el ámbito guitarrístico actual,
el repertorio de música de concierto se nutre tanto de obras de compositores canónicos como de
autores contemporáneos que en conjunto configuran el amplio repertorio para este instrumento. Sin
embargo, la práctica nos revela una marcada tendencia hacia el repertorio histórico, mismo que es
parte imprescindible tanto de la formación del estudiante como de la actividad del concertista
profesional. Las características propias de la guitarra, así como su creciente aceptación y presencia
en la cultura global, la posiciona como un instrumento idóneo para la ejecución de la música
contemporánea, la cual muchas veces es creada con una mayor conciencia de las posibilidades
técnicas y los recursos idiomáticos del instrumento. La producción discográfica Retratos de Colima,
recoge una serie de obras donde el compositor busca dar una interpretación personal del diario
acontecer de este pequeño estado enclavado en el Pacífico mexicano. Podemos señalar que se presenta
el resultado de un dilatado proceso creativo que involucra la responsabilidad de la ejecución y
grabación de las piezas que corresponden a esta obra, en un trabajo colaborativo entre compositor e
interprete. Se mostrarán los recursos técnicos, y sonoros de la obra Retratos de Colima mediante un
concierto didáctico, a través de ejemplicaciones y ejecuciones de esta, teniendo como objetivo abonar
a una mayor difusión de la música contemporánea, buscando ampliar el repertorio universal del
instrumento, y a su vez constituyen una fuente musical idónea para la enseñanza y la practica
concertante.
Revolución mediante el flamenco: Antonio Gades – Teresa de Jesús Herrero Barranco / Antonio
Gades, siendo su nombre original Antonio Esteve Ródenas, fue un bailaor flamenco y coreógrafo que
dotó a esta expresión artística del nivel que se merecía, pues lo mezcló con la estética del ballet, con
la particularidad de que concebía que el arte debe estar a disposición del pueblo. Bajo esta premisa,
provocó que el flamenco se despojara de lo superficial que había adquirido durante ese tiempo y le
devolvió la intimidad y expresividad que necesitaba para así, de esa forma, poder volver a los
orígenes, a que fuera de nuevo un cauce de expresión y desahogo del sector de la población más
humilde. Mas este objetivo que consiguió Gades no fue pura casualidad, sino que se unieron dos
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motivos muy importantes, uno de ellos era que se empapó de todos los bailes originarios de cada
lugar que visitaba y, el otro, y a mi parecer el de gran peso, fue su procedencia de una familia de clase
trabajadora y, por ende, su compromiso político en el transcurso de la Guerra Civil Española. Por
tanto, nos encontramos ante una figura de gran calibre que supo transformar todo un arte acorde a sus
ideales, siendo inconcebible hablar de la historia del flamenco y no mencionar a Antonio Gades.
Sones, símbolos y sexo. Cambios en la identidad femenil del son jarocho veracruzano a través de
la imagen – Randall Charles Kohl Smith / Las imágenes de músicos y artefactos musicales que se
encuentran en los periódicos y otras publicaciones sirven como representaciones mudas de la música,
además de ser íconos de clases sociales y símbolos culturales. Cada foto es una ventana que se abre
hacia una realidad en un momento específico y, a la vez, incorpora un concepto. Representa una
realidad y la “re-presenta” según códigos sociales que permiten una “lectura” a través del filtro
cultural. Al mismo tiempo, las publicaciones han presentado una comunicación que, en un vistazo
superficial, parece ser más monólogo que diálogo; pero, no es pasiva. Los lectores ven las imágenes
y llegan a ciertas conclusiones basadas en sus propias experiencias educativas, políticas y familiares;
en fin, participan desde una perspectiva personal y cultural. Así, la foto y la imagen, en general,
funcionan para informar, pero también, para significar. El propósito de mi ponencia es presentar y
analizar selectos aspectos de imágenes del son jarocho veracruzano, con énfasis en la representación
de la mujer, como se publicaron entre los años 1975 y 2015 en el Diario de Xalapa, uno de los
periódicos más importantes y leídos en el Estado de Veracruz, México. Informado por teorías
propuestas por investigadores como Aguayo y Lourdes (2012), Kress y van Leeuwen (2006),
Zunzunequi (2007), entre otros, con este análisis se comprenderá mejor la tradición de la música y la
danza del son jarocho, la sociedad que las ha producido y, también, la tradición visual que la presenta,
la usa y la valora.
Sonido autorizado y no autorizado. Cultura musical en misiones jesuitas del noroeste de la Nueva
España – Diana Brenscheidt Genannt Jost / La presente contribución retoma el estudio histórico
de las misiones jesuitas del noroeste de la Nueva España, particularmente las existentes en las
regiones de Sonora, Chihuahua y Arizona, desde una perspectiva teórica distinta; la del estudio del
sonido y de la cultura auditiva (véase Corbin 1998, Sterne 2012). A partir de las relaciones de
Johannes Rattkay, Joseph Och e Ignaz Pfefferkorn, escritos y publicados en su mayoría los siglos
XVII y XVIII, se indaga el rol de los sonidos, musicales y no musicales, de orden religioso o
distintivamente indígenas, autorizados o no autorizados por los padres, en la conformación y
demarcación del espacio misional. Definido aquí como “espacio sonoro” (Leppert 1993), se muestra
cómo en las misiones, los misioneros jesuitas manifestaron su poder por medio de la imposición de
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una práctica musical y litúrgica rigurosa y la simultánea prohibición y descalificación de la otra, la
cultura auditiva y musical indígena. De ese modo, confrontaron también el potencial subversivo
indígena. Fue entonces por el medio del sonido que se conformó un espacio misional y se le impuso
fronteras, un espacio de conflicto entre intereses jesuíticos, imperiales y nativos; entre el sentido que
imponía el régimen de vida cristiana al interior de la misión y la pretendida vida salvaje, inmoral y
amenazante fuera de la misma.
TOMÁS OCHANDO, NI MOZARTIANO NI HEREDERO DE JERUSALEM: variantes
nacionales del estilo italiano en la música fúnebre de tradición española – Gladys Andrea
Zamora-Pineda / Tras varios años de estudio en torno a la obra y figura Tomás Ochando (c. 1725-
1799), se ha podido corroborar la trascendencia de este maestro de capilla en el relato musicológico
hispano y novohispano dieciochesco. Consecuentemente, su Oficio y Misa de Difuntos se ha
establecido como una obra representativa no sólo del estilo del compositor sino también de la música
fúnebre de tradición española. La presente propuesta tiene como objetivo demostrar que el Oficio y
Misa de Requiem de Ochando, antes que cercano al Requiem de Mozart, como sugiriera en alguna
ocasión el musicólogo R. Stevenson, o antes que heredero del estilo de Jerusalem, de acuerdo con T.
Stanford, se inserta como parte de una genealogía musical donde a la fuerza de la tradición española
se suma la influencia de la música operística italiana, en boga en la segunda mitad del siglo XVIII. A
través de un análisis comparativo, a lo largo de la ponencia se evidenciarán distintos recursos
compositivos que demuestran que la influencia italiana se asimiló con distintos matices, modos y
particularidades en las Españas, conformando así un estilo galante italiano a la española; este estilo
resulta asaz evidente en la obra de Ochando, negando así que éste sea mozartiano o bien heredero del
estilo de Jerusalem.
Tradición y perspectivas de la enseñanza superior de la música en Cuba – María del Rosario
Hernández Iznaga / La música caracteriza la cultura en Cuba y constituye uno de los principales
componentes para la gestión académica del país. En el año 1976 se crean oficialmente, los estudios
superiores de música en la Universidad de las Artes, denominada en esa etapa Instituto Superior de
Arte; entidad que ha sido reconocida en sus logros, a partir de la integración de los claustros de
profesores y el talento de sus jóvenes estudiantes. El objetivo de la presente propuesta es mostrar los
principios que caracterizaron cada una de las etapas del currículo académico y las maneras en que se
conserva el patrimonio. Las vías académicas y extensionistas se fundamentan en su relación con la
vida artística del país, como maneras de inclusión y de libertades creativas. Se abordan los sustentos
conceptuales para el desarrollo de los 27 perfiles de la música y los presupuestos de un Plan de Carrera
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que se inicia en el presente curso, a tenor de la experiencia acumulada y la prospección de desarrollo
de la música en el país.
Un proyecto con visión a futuro: La creación de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México,
1978-1982 – Alejandra Hernández Sánchez / En 1978 Carmen Romano Nölck, Primera Dama de
México 1976 a 1982, tuvo la iniciativa de crear la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la
cual, junto con Fernando Lozano, fundador y director artístico, pretendió dirigirse a todos los sectores
de la población, establecer una orquesta representativa del país y formar una nueva generación de
músicos a partir de una escuela de enseñanza profesional. En tan solo cuatro años (1978-1982) la
agrupación actuó en diversas salas, realizó conciertos didácticos, giras nacionales, tres giras
internacionales, y actuó con los directores y solistas más representativos; no obstante, dicho proyecto
requirió una gran inversión de recursos humanos y económicos que propiciaron diversas críticas
debido a la contratación excesiva de músicos extranjeros, y el apoyo recibido por el Fondo Nacional
para Actividades Sociales y de la Presidencia de la República. A 41 años de su formación, en esta
ponencia presento una reconstrucción histórica de los primeros cuatro años de actividades de la
orquesta y examino el impacto que ésta tuvo. Así este estudio determina que, aunque las tres áreas
que contemplaba el proyecto inicial (la interpretación, la educación musical y la política cultural)
tuvieron resultados distintos, la agrupación marcó un cambio sustancial en el campo de la música
sinfónica de la Ciudad de México a fines de la década de 1970 al implementar un modelo que, aunque
no era nuevo, sirvió para la formación de futuros integrantes de orquesta.
Una aproximación al capital cultural, y las redes sociales, de los músicos mexicanos del siglo XIX
– Luis Díaz Santana Garza / Por medio de los conceptos de capital social y redes sociales, esta
ponencia analiza los sistemas de relaciones de los músicos mexicanos en la segunda mitad del siglo
XIX, gracias a los cuales lograron incrementar su influencia política y social. Además, por medio de
un caso particular, el del compositor zacatecano Fernando Villalpando, se busca acrecentar la
biografía de un autor importante en su época, que ahora es prácticamente desconocido.
Vida y Obra de Rodolfo Campodónico Morales: rescate y divulgación de la Música del “Champ”
Mexicano del Vals – Tania Chávez Nader / Rodolfo Campodónico Morales (1864-1926) fue un
importante y prolífico compositor mexicano. Jugó un papel decisivo en el desarrollo cultural en
particular de la sociedad sonorense y en general del país de finales del siglo XIX y principios del XX,
no sólo por la gran aceptación de su música, también por su activa participación en los movimientos
políticos que cambiarían el rumbo de la nación. Gracias a la popularidad de sus valses, Campodónico
se ganó el sobrenombre del ¨Champ¨ (Champion) del vals. Aunque su estilo musical siguió los
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estándares del género de la música de salón francesa del siglo XIX la cual incluye e danzas, marchas,
mazurkas y polkas; inspirado por los ideales de democracia y libertad escribe el Club Verde y sin
poder mantenerse ajeno a los eventos que convulsionaban al país, compone Triunfo a Madero, Marcha
General Obregón, la Marcha Viva Maytorena y el Himno Ejército Constitucionalista. Con estas obras
Campodónico reflejó su postura ante el régimen, así como la turbulencia política y social que se vivía
en el México Revolucionario. En el proceso del rescate de la obra de Campodónico Morales es
necesario por un lado la difusión de su música y por otro la aclaración de datos confusos e inclusive
erróneos que rodean la vida del compositor. Recuperar la música del “Champ” del Vals, es también
recuperar el pasado histórico musical mexicano.
RESEÑAS CURRICULARES
Adrián García Alba / Músico compositor-improvisador e investigador nacido el 5 de marzo de 1991
en la ciudad de León, Guanajuato. Licenciado en Arquitectura y Maestro en Artes por la Universidad
de Guanajuato. En el ámbito académico ha participado en el V, VI y VII Coloquio Interno del
Posgrado en Artes de la Universidad de Guanajuato, en el 2° Coloquio Internacional de artes
tradicionales y el primer Coloquio Internacional de Caminería, Arte y Patrimonio, así mismo ha
desarrollado proyectos de producción artística con temáticas urbanas como “Progresión Urbana”
(2018) e “Imaginarios Sonoros” (2019). Como compositor-improvisador está activo en la escena local
y nacional desde el año 2009, participando como intérprete y director en diversos ensambles de
música jazz, free jazz, new jazz, improvisación libre y de composición a tiempo real, con ellos
habiendo participado en diversos festivales de talla internacional.
Adrián Sotelo Velázquez / Músico, compositor, educador musical e investigador pedagógico;
formado en la Universidad de Guanajuato donde se titula con la Licenciatura en Música (compositor)
presentando un compendio de composiciones para diversas dotaciones instrumentales interpretadas
por 19 músicos; tomó clases con los compositores mexicanos: Francisco García Ledesma, Ignacio
Alcocer, Carlos Vidaurri, Ramón Montes de Oca, Roberto Morales y Javier González Compeán.
Enriqueció su formación con masterclasses impartidas por: Robert Dick, Sebastián Mariné, y Javier
Torres Maldonado. En la formación pedagógica ha profundizado en la Pedagogía Waldorf, con la
guía del maestro y antropósofo Suizo Félix Zimmermann, asistiendo a diversos encuentros
pedagógico-antroposóficos de la Association of Waldorf Schools of North America (AWSNA) en
distintas sedes del país, y tomando estrategias de didáctica musical con Jason Child, quien es profesor
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de la Emerson Waldorf School de Carolina del Norte y miembro activo de la AWSNA. Actualmente
realiza investigación educativa, buscando contribuciones a la formación de educadores musicales,
asesorado por las doctoras Mireya Martí Reyes, y Silvya Katharina van Dick, ha presentado ponencias
con temas de investigación en el DEUG, CIIEEG y CNIE. Ejerce la docencia en una escuela Waldorf
de la ciudad de Guanajuato y da asesorías pedagógico-musicales a docentes.
Adriana Marina Martínez Maldonado / Pianista y musicóloga. Egresada de la Universidad de
Guadalajara en las carreras de: Instructor de piano. Lic. Profesor de instrumento-piano. Maestra en la
enseñanza de piano. En la ciudad de Guanajuato recibe los títulos de: Lic. en música Instrumentista-
piano, EMUG (1998). U.G. Estudia la maestría en Investigación educativa. (2006). U. de Guanajuato.
En el 2010 recibe DEA en Historia y Ciencias de la Música, UAM. 2015, Doctorado en Historia y
Ciencias de la Musica por la U. Autónoma de Madrid. Participó como ponente en el IV Congreso de
Espacios Sonoros y Audiovisuales. Universidad Autónoma de Madrid, España febrero 2018. Invitada
por la Escuela de Museografía y restauración INAH en México al I Seminario de Patrimonio Metálico
“Las Campanas, tañendo Problemas”. Ponencia sobre los Metalenguajes en el Paisaje Sonoro de las
campanas. Actualmente realiza el inventario sonoro de las campanas de Guanajuato como Patrimonio
Cultural. Participación editorial colectiva con el artículo: “Las campanas documentos históricos
vivientes”. Cátedra Patrimonio. División de Ciencias Sociales y Humanidades. Invitada a ser parte
del Seminario permanente sobre campanas de occidente de la ECRO, Escuela de Conservación y
Restauración de Occidente.
Alberto Pérez-Amador Adam / Realizó en la Universidad de Wuppertal un doctorado en Literatura
Moderna y en la Humboldt-Universität de Berlín un doctorado en Filología Antigua. Impartió clases
en la Universidad de Wuppertal, Universidad Estatal de Hamburgo, Freie Universität de Berlín y
Humboldt-Universität. Tradujo y coordinó ediciones al alemán de las obras de Sor Juana Inés de la
Cruz, César Vallejor, José Gorostiza y Xavier Villaurrutia. Desde 2010 es Profesor Investigador
Titular C en la Universidad Autónoma Metropolitana, unidad Iztapalapa. Coordina por parte de la
UAM junto con el CENIDIM el proyecto Base de Datos de la ópera mexicana. Es miembro del
Sistema Nacional de Investigadores. Entre sus publicaciones se encuentran: De finezas y libertad.
Acerca de la Carta Atenagórica de Sor Juana Inés de la Cruz y las ideas de Domingo de Báñez.
México: FCE 2011; De legitimatione imperii Indiae Occidentalis. La vindicación de la Empresa
Americana en el discurso jurídico y teológico de las letras de los Siglos de Oro en España y los
virreinatos americanos, Madrid, Frankfurt am Main, Iberoamericana-Vervuert 2011; Edición y
comento del poema La octava Maravilla de Francisco de Castro. FCE 2012; El precipicio de Faetón.
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Edición y comento de Primero sueño de Sor Juana Inés de la Cruz. Madrid / México: Iberoamericana
Vervuert – UAM 2015.
Alejandra Concepción Hernández Aguilar / Soy estudiante de la Licenciatura en Procesos
Educativos de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), mi formación en educación
básica y media superior la realicé en el estado de Chiapas. En el ámbito educativo he participado en
el 1er encuentro de estudiantes de Procesos Educativos, Encuentro de Pedagogía social, y Coloquio
Diálogos, realizados en la Facultad de Filosofía y Letras (BUAP) en la ciudad de Puebla, además de
taller de lenguas de seña mexicanas, taller de diseño de material didáctico digital, entre otros. Mi
interés en la música surge por la gran influencia que tiene en el desarrollo de aprendizajes
significativos que pueden vincularse a diversas áreas del conocimiento. He tomado talleres de
marimba en el centro cultural Jaime Sabines en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, cursos básicos de saxofón
y solfeo impartidos en la escuela de música de la BUAP, recientemente tuve la oportunidad de cursar
la materia de Educación artística para educación infantil en la Universidad del País Vasco en España,
como parte de un intercambio académico comprendido de Enero-Julio 2019; actualmente me
encuentro realizando una investigación acerca de la influencia de la educación artística en el
desarrollo cultural de escuelas indígenas en el estado de Puebla.
Alejandra Hernández Sánchez / Es egresada de la maestría en Musicología (2017) y la Licenciatura
en Canto (2011) por la Facultad de Música de la UNAM. Ha colaborado en los proyectos Ritual
Sonoro Catedralicio, Seminario de Iconografía Musical Novohispana y en la Catalogación de los
archivos de las parroquias de Santiago Chazumba y San Cristóbal Suchixtlahuaca, Oaxaca. Ha
impartido ponencias en México, Chile, Cuba, Argentina y Madrid como en el II Congreso de la
Asociación Regional para América Latina y el Caribe ARLAC-IMS, X Coloquio Internacional de
Musicología “Casa de las Américas”, XIX Jornadas de Musicología de la Asociación Argentina de
Musicología, II Taller sobre Patrimonio Cultural del Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas
y el II Congreso MUSAM. Sus líneas de estudio abarcan: documentación musical, agrupaciones
orquestales, flujos migratorios y música sacra durante la primera mitad del siglo XIX. En la actualidad
forma parte del área de documentación del CENIDIM a cargo de la Colección Salvador Contreras y
la Colección Martínez del Villar y Masson.
Alejandro Mercado Villalobos / Doctor en Historia, miembro del Sistema Nacional de
Investigadores (nivel I), perfil deseable SEP-PRODEP. Desarrolla el campo de estudio de la música,
los músicos y espacios de actuación, fiestas y festividades, educación artística. En 2016, obtuvo el
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Premio Nacional de Investigación Forum Cultural Guanajuato, del cual derivó el libro Música y
fiesta en Guanajuato, publicado en diciembre del 2017.
Alfonso Pérez Sánchez / Es profesor titular en el Departamento de Música y Artes Escénicas e
integrante del Núcleo Académico Básico del Posgrado en Artes de la Universidad de Guanajuato;
institución educativa donde realiza investigación, extensión, así como docencia y dirección de tesis
en los niveles de licenciatura, maestría y doctorado. Es Doctor en Historia y Ciencias de la Música
por la Universidad Complutense de Madrid. Asimismo, tiene el grado de Maestro en Música por el
San Francisco Conservatory of Music, de los Estados Unidos. Realizó su Licenciatura en música y el
Nivel Medio Superior Terminal en Música en la Universidad de Guanajuato. Su principal línea de
investigación gira en torno al estudio musicológico de la grabación sonora como reflejo de la praxis
interpretativa musical.
Amaya Carricaburu Collantes / La Habana, 1987. Licenciada en Musicología por el Instituto
Superior de Arte (2011). Máster en Música, mención Musicología (ISA, 2019). Realiza estudios de
doctorado en la Universidad de Salamanca, España. Aspirante a Investigador de la Academia de
Ciencias de Cuba, en el Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana. Es miembro de
la UNEAC y de Latin American Studies Association (LASA). Ha publicado Mayabeque. Cultura,
historia y tradición (Ediciones Cidmuc, 2015) y Cantares de Mayabeque (Ediciones Cidmuc, 2015).
Obtuvo el tercer premio “Argeliers León” (UNEAC 2011), el premio “Cubadisco”, categoría Música
Folklórica Campesina, a Tonadas Campesinas de Cuba (Producción), el Premio “Cubadisco”
categoría Notas Musicológicas por El gallo que es fino y canta. Parranda típica espirituana
(Producciones Colibrí, 2016) y Premio Academia de Ciencias 2017, rama Ciencias Sociales por el
proyecto de investigación El punto cubano y otras tradiciones campesinas. Rescate y difusión en la
nueva provincia de Mayabeque. Realiza estudios sobre la música folklórica y tradicional cubana, y
en especial sobre el punto cubano, sobre el que conduce un proyecto de investigación en el CIDMUC.
Ana Gabriela Céspedes Alfaro / Candidata a maestra en etnomusicología del Centro Universitario
de Artes, Arquitectura y Diseño de la Universidad de Guadalajara, México. Licenciada en educación
musical por la Universidad de La Serena, Chile. Se ha desempeñado como músico saxofonista en
diversas agrupaciones musicales, como profesora se música y dirección de orquestas. También ha
desarrollado investigaciones de catalogación y registro en museo arqueológico de La Serena, Chile.
Actualmente realiza la investigación titulada “Instrumentos musicales prehispánicos de la Cultura
Diaguita chilena, una revisión a los vestigios arqueológicos y sus reinterpretaciones en el mundo
actual” con la finalidad de obtener el grado de maestría en etnomusicología.
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Ana Lizandra Socorro Torres / Estudió musicología en la Universidad de las Artes (ISA) de Cuba
y cursó el Máster en Música Hispana en la Universidad de Valladolid, España. Se ha desempeñado
como profesora de asignaturas teóricas de la música en varias escuelas especializadas, así como en la
investigación, gestión y difusión del patrimonio musical en instituciones como el Gabinete de
Patrimonio Musical Esteban Salas de la Oficina del Historiador de La Habana y el Lyceum
Mozartiano de La Habana. Actualmente realiza estudios doctorales en la Universidad de Salamanca
(España).
Antonio Moreno Pérez / Licenciado en Música por la Universidad Autónoma de Querétaro y
licenciado en Educación Musical por la Universidad Veracruzana, realizó estudios de posgrado en la
Facultad de Música de la UNAM dentro del área de la musicología. Sus áreas de investigación
incluyen la iconografía musical, la música religiosa en México durante el siglo XIX, los movimientos
del revival y la pedagogía y didáctica de la historia de la música. Se ha presentado como ponente en
coloquios nacionales y ha impartido clases de iniciación musical, instrumento y de informática
musical en distintos niveles educativos. Participó como editor y transcriptor en la Edición
Conmemorativa del centenario del nacimiento de José Pablo Moncayo publicada por CONACULTA.
Actualmente se desempeña como docente del Conservatorio de Música y Artes de Celaya.
Bárbara Pérez Ruiz / Doctora en Musicología por la Universidad Nacional Autónoma de México.
Licenciada en Artes, mención Música y Magister Scientiarum en Musicología Latinoamericana, por
la Universidad Central de Venezuela. Investigadora de tiempo completo del CENIDIM, especializada
en el estudio de la música del periodo novohispano. En los años 2000 y 2003 obtuvo la beca “Genaro
Estrada” para mexicanistas, otorgada por Secretaría de Relaciones Exteriores de México, para llevar
a cabo trabajos de investigación y transcripción de música del período virreinal en México y Puebla,
con el apoyo del CENIDIM y la UNAM. En 2010 obtuvo una beca de la Fundación Carolina para
realizar el “Curso de musicología para la protección y difusión del patrimonio artístico
iberoamericano”, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Se ha
desempeñado como musicólogo en la Fundación Vicente Emilio Sojo, de Venezuela, en el Instituto
de Investigaciones Estéticas de la UNAM, participando en la catalogación de los acervos musicales
de la catedral de México. Es coautora del libro Humor, pericia y devoción: villancicos en la Nueva
España (2013); Colección Sánchez Garza: estudio documental y catálogo de un acervo musical
novohispano (2019); y autora del volumen XV de la colección Tesoro de la música polifónica en
México. Antonio de Salazar (c. 1650-1715) I. Obras en latín (2016). Actualmente es Coordinadora
de Investigación del CENIDIM.
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Bernardo Jiménez Casillas / Pianista y musicólogo mexicano originario de la ciudad de
Aguascalientes. Realizó sus estudios de Licenciatura en Piano (2013) y Maestría en Interpretación
Musical –Piano– (2018) en la Facultad de Música de la UNAM, teniendo por profesores a Néstor
Castañeda y León (1931-2010) y Ninowska Fernández-Britto Rodríguez. Dentro de su trayectoria
como artista e investigador destaca haber sido becario o beneficiario de Fondation Turquois (2010-
2011), FECA (2012), CEP-UNAM (2013-2014), FONCA (2014), PAEP-UNAM (2014, 2015 y 2019)
y CONACYT (2018-presente); haber sido galardonado en las ediciones 2008 y 2009 del Concurso
Interno de Piano de la FaM, con el Prix de la Mairie de Monaco (2011) y con el Premio al Talento
Artístico de Aguascalientes (2011); y haber grabado tres discos –integrados por obras de Arnulfo
Miramontes– con el sello discográfico Urtext Digital Classics (2014-2015). Actualmente cursa el
Doctorado en Musicología en el PMDM de la UNAM, teniendo como proyecto de investigación “El
arte del piano en la zona centro-occidental de México durante el porfiriato: enseñanza, repertorio e
intérpretes” y como asesora principal a la Dra. Evguenia Roubina Milner.
Carlos Germán Vidaurri Aréchiga / Realizó estudios en las universidades de Guanajuato y
Guadalajara, en la Universidad Autónoma de Madrid obtuvo el diploma en estudios avanzados, y ha
asistido a seminarios con importantes profesores como: Salvatore Sciarrino, Samuel Adler, Walter
Levín, Klaus Huber, Regina Busch e Iván Nommick entre otros. Se ha desarrollado en la
composición, la docencia, la gestión cultural y la investigación. Como compositor ha recibido
encargos del INBA, Festival Internacional Cervantino, Episcopado de México, Festival Internacional
de Órgano de Guanajuato, Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato OSUG entre otras,
su música ha sido interpretada y grabada en varios países de América Latina, Europa, y U.S.A., por
destacados intérpretes. Director artístico del festival de Guanajuato Ecos y Sonidos, del Festival
Internacional de órgano de Guanajuato FIOG, y coordinador de música contemporánea del FIC (2012
y 2013). Becario CNCA (1992) y FONCA Guanajuato (1994, 1998 y 2008). Ha colaborado para la
escena con importantes directores como: Juan Ibáñez, Ramiro Osorio, Carlos Gaona y Horacio
Almada en diversas producciones estrenadas en el Festival Internacional Cervantino. Es docente de
la Universidad de Guanajuato y coordinador de programación musical del Museo Iconográfico del
Quijote, actualmente es miembro del consejo de programación del Festival Internacional Cervantino.
Clara Isabel Soto Rodríguez / Nace en Celaya Guanajuato en el seno de una familia de sinestetas,
desde pequeña demuestra interés hacia las artes, como el dibujo y la música, a la edad de 15 años
ingresa al Conservatorio de Música de Celaya donde aprende a tocar guitarra clásica bajo la guía de
César Parra, al demostrar soltura y musicalidad el guitarrista mexicano Gonzalo Salazar la elige como
su alumna a partir de una clase maestra, así se inicia su perfeccionamiento musical, ha tomado clases
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maestras con diferentes guitarristas internacionales, por medio de un concurso interno del
conservatorio gana la participación en el Festival Internacional de Guitarra de Querétaro en 2014, se
ha presentado en diferentes escenarios del país. Al tener un interés transversal del Arte toma talleres
de literatura, teatro experimental, composición y electroacústica (con Ignacio Baca Lobera). Estudia
la Licenciatura en Docencia del Arte, en la UAQ donde descubre su inclinación hacia la investigación
por lo que decide estudiar una maestría en arte, aceptada en la UACH y en la UG, se inclina a ésta
última, actualmente se encuentra cursando el 3er semestre de la maestría llevando a cabo una
investigación sobre su propia sinestesia, en concreto la audición coloreada, expuso sus avances de
tesis en el I. Congreso en Inclusión Social y Educativa que se celebró en Bilbao los días 24 y 25 de
octubre.
Claudia Fallarero Valdivia / Doctora en Musicología por la Universidad de Valladolid, España
(2017). Máster en Música Hispana por la Universidad de Valladolid, España (2011). Licenciada en
música perfil Musicología por la Universidad de las Artes, Instituto Superior de Arte de La Habana
(2007). Investigadora y gestora del Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas (Oficina del
Historiador de la Ciudad). Docente del Diplomado en Patrimonio Musical Hispano (2011-2014) y de
la Maestría en Gestión del Patrimonio Histórico-Documental de la Música (2015-presente),
titulaciones del Colegio Universitario San Gerónimo de La Habana, Universidad de La Habana.
Investigadora agregada del Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana. Participante
en los proyectos El patrimonio histórico-documental de la música en Cuba durante el período
colonial (CIDMUC/ UVa, desde 2011), y El patrimonio histórico-musical conservado en las
catedrales e iglesias de Cuba (CIDMUC/ UVa, desde 1998) y la Colección audiovisual Documentos
sonoros del patrimonio musical cubano, Ediciones CIDMUC (desde 2013). Autora única de dos
libros (2011 y 2012) dedicados al estudio de la música religiosa del compositor Juan Paris (siglo
XIX), Colección Patrimonio musical cubano, Ediciones CIDMUC. Premio de la Academia de
Ciencias de Cuba, 2017. Participante en conferencias, seminarios y congresos en universidades de
España y Cuba.
Claudia Pacheco Chávez / Licenciada Instrumentista en Violonchelo (Escuela Nacional de Música-
UNAM, 2012) y Maestra en Música-Interpretación (Programa de Maestría y Doctorado de la Facultad
de Música-UNAM, 2018), obtuvo mención honorífica en ambos grados. Forma parte de la Orquesta
Filarmónica de Toluca y es profesora de violonchelo en el Programa de Educación Continua de la
FaM. Su principal área de investigación es el estudio y aplicación de las prácticas de interpretación
del siglo XIX, así como la técnica de ejecución del violonchelo entre la segunda mitad del siglo XVIII
y el siglo XIX. En 2015 participó, en colaboración con el doctor Arturo Valenzuela, con una
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ponencia-recital en: Performing Brahms in the Twenty-first Century. A Simposium on Performing
Practice (Faculty of Music, Leeds University, England), el cual fue coordinado por los doctores Clive
Brown, Neal Peres Da Costa y Kate Bennett Wadsworth, responsables de la reciente edición de la
obra de cámara de Johannes Brahms para la editorial Bärenreiter. En 2018 participó como
investigadora independiente en Transforming Nineteenth Century Historically Informed Practice
(TCHIP), Perspectives on Historically Informed Practices in Music (Faculty of Music, Oxford
University, England), proyecto de musicología aplicada que tiene, entre otros objetivos, acercar las
investigaciones sobre las prácticas de interpretación del siglo XIX a las ejecuciones contemporáneas
con intenciones históricas.
Cruz Omar Padilla Nava / Torreón, México, 1986. Es músico de jazz por el Conservatorio de
Música del Estado de México. En el Centro de Educación Musical A.C. obtuvo el diplomado en
improvisación con Eugenio Toussaint. A nivel nacional fue ganador del programa en composición
con nuevas tecnologías <Prácticas de Vuelo> del Centro Mexicano para la Música y las Artes
Sonoras; lugar donde posteriormente obtiene el diplomado en Música para Cine. Ha sido becario del
PECDA en cuatro ocasiones: tres en el Estado de México y una en el Estado de Coahuila. Cuenta con
el diplomado en Investigación Musical del Centro Nacional de Investigación, Documentación e
Información Musical. Actualmente se desempeña como investigador musical, compositor, docente y
explorador sonoro.
Daniel Cornejo Córdova / Cursó sus estudios musicales en el Conservatorio de las Rosas donde
obtuvo el grado de Bachillerato en Música, en la especialidad de canto, en el 2015 y finalizó sus
estudios superiores en Musicología en 2019. Ha formado parte de la Coral de las Rosas, participando
en ésta en el Festival de Música de Morelia “Miguel Bernal Jiménez” en las ediciones de 2014 y
2017, esta última al lado de la agrupación británica “Voces8”. Ha tomado clases de interpretación
con maestros como Rogelio Marín, Juan Carlos Navarro, Linus Lerner, Ivette Ortiz y José Antonio
González Marín. En 2017 fue beneficiario de una beca para participar en la LX edición del Curso
Universitario Internacional “Música en Compostela”, donde recibió cátedra del musicólogo español
José López Calo. Actualmente forma parte del equipo de colaboración en el proyecto EUTERPE (de
investigación interdisciplinaria de fuentes poético-musicales de la Nueva España), bajo la tutela de la
Dra. Anastasia Krutitskaya y el Mtro. Edgar Alejandro Calderón, en la transcripción, catalogación y
edición del Archivo Histórico Musical de Santa Rosa de Santa María. Es miembro activo y codirector
del ensamble Turulunegro: Música Novohispana.
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Diana Brenscheidt Genannt Jost / Es alemana y obtuvo su doctorado en Musicología en la
Universidad de Colonia, Alemania, en el marco de un proyecto de cooperación científica con el
Instituto de Estudios Avanzados de la Cultura, en Essen. Ha obtenido financiamiento para estancias
de investigación internacionales en los EE.UU., la India y Alemania y es desde 2015 miembro del
Sistema Nacional de Investigadores en México. Ha realizado publicaciones y contribuciones en
congresos a nivel nacional e internacional. Es autora del libro Shiva Onstage. Uday Shankar’s
Company of Hindu Dancers and Musicians in Europe and the United States, 1931-38, Berlín 2011.
Sus áreas de investigación son la historia de la música y de la danza en sus contextos culturales y
transculturales, la estética musical, los estudios del performance en el ámbito de la música y las artes
escénicas así como últimamente los estudios del sonido. Desde el 2015 es maestra e investigadora de
tiempo completo en el Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Sonora.
Edgar Alejandro Calderón Alcántar / Doctorando en Musicología del Programa de Maestría y
Doctorado en Música de la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México.
Obtuvo el grado de maestría en Musicología también en la FaM de la UNAM con Mención
Honorífica, en el año 2013, y fue acreedor a la “Medalla Alfonoso Caso”. Realizó sus estudios de
licenciatura en Musicología en el Conservatorio de las Rosas de Morelia, Michoacán con Mención
Honorífica. Ha realizado estudios sobre la música novohispana que parten de la investigación de
archivo, la edición crítica musical, la interpretación del repertorio de villancicos y cantadas
novohispanos, y la catalogación de manuscritos musicales inéditos, para favorecer el rescate, estudio
y difusión de los tesoros musicales virreinales. También realiza investigación sobre la música de
compositores michoacanos del siglo XX. Ha participado en congresos, simposios y coloquios de
musicología nacionales e internacionales entre los que destacan los organizados por RISM y la
Sociedad Alemana de Musicología en los años 2016 y 2019, respectivamente. Ha publicado artículos
académicos dentro y fuera de México. Forma parte del grupo de “Investigación Interdisciplianria
sobre Fuentes Poético-Musicales Hispanoamericanas (siglos XVI-XIX)”, es integrante del Comité
Organizador del Congreso Internacional Celebración y Sonoridad. Fue integrante del comité
organizador del Coloquio de Musicología de Morelia (Conservatorio de las Rosas) y del Coloquio
Miguel Bernal Jiménez (Festival de Música de Morelia) respectivamente. Fue coordinador, junto a
Anastasia Krutitskaya, de los libros: Celebración y Sonoridad en las Catedrales Novohispanas,
UNAM, 2017 y Repertorio de Villancicos y Cantadas de la Arquidiócesis de Antequera Oaxaca.
Cajas 49 y 50, UNAM, 2018. Actualmente es Catedrático Titular y Coordinador de la Licenciatura
en Musicología, del Conservatorio de las Rosas.
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Elvia Sosa Olaya / Soy estudiante de Procesos Educativos y Técnico en Música en la Benemérita
Universidad Autónoma de Puebla, el instrumento en el que me estoy especializando son las
percusiones. He participado como ponente en El V Coloquio Diálogos con "Materiales Didácticos",
En el II congreso internacional de Política Educativa e Interculturalidad con "Procesos Didácticos: El
caso de la escuela Lázaro Cárdenas, Congreso Internacional de Investigación Científica y
Tecnológica de Pacífico con "Migración Internacional y procesos de Exclusión y Vulnerabilidad"
además de participar en El V y VI encuentro Internacional de Educación Musical, encuentro de
Estudiantes de Procesos Educativos, (IV, V, VI) Taller Concierto de Percusiones, Taller de Lengua
de Señas Básico, entre otros . Ingrese a la banda universitaria en el año 2013, actualmente llevo 6
años consecutivos en esta familia y me encuentro realizando mi servicio social dando clases de Solfeo,
instrumento, explicando cuestiones técnicas y ejecutando. Con la banda Minerva he viajado a varios
estados de la República Mexicana representando a mi universidad, así como he participado en
concursos Estatales, Nacionales y próximamente Internacionales (WAMSB International 2019) de
Bandas de Música. He realizado participaciones artísticas dentro de mi facultad como lo son Coro,
exámenes-conciertos, y estuve un año en el proyecto "Latidos de México" y pequeños proyectos de
Cortometrajes con los alumnos de la facultad de Artes Plásticas y Visuales. Participe 8 meses en el
grupo "Bars Orquestal".
Gabriela Rivera Loza / Es maestra en ciencias de la computación por el Instituto Politécnico
Nacional (2004) y licenciada en Informática por la Universidad Nacional Autónoma de México
(1995). Realizó paralelamente la licenciatura en piano en la misma universidad (1998). Es miembro
fundador de El Colectivo de Mujeres en la Música A.C. en el cual ha desempeñado diversos cargos,
desde 1994 hasta la actualidad. En su trayectoria se ha desenvuelto como pianista y ha laborado en la
Universidad Nacional Autónoma de México en áreas de sistemas, estadística y planeación
institucional, tanto en la administración central como en el Instituto de Investigaciones
Antropológicas. Actualmente es responsable de las áreas de Informática y difusión en el Centro
Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez”, del Instituto
Nacional de Bellas Artes, en donde colabora en los proyectos Base de datos de la ópera mexicana y
Plataforma de documentación.
Gladys Andrea Zamora-Pineda / Es egresada de la Licenciatura en Música (Musicología) del
Conservatorio de las Rosas; concluyó dichos estudios con mención honorífica bajo la tutela de la
maestra Mercedes de León Granda, con la tesis Reviviendo a un maestro de capilla: Tomás Ochando.
Desde el año 2012 ha ofrecido diversas ponencias entre las que destacan las expuestas en el IV y V
Coloquio de Musicología de Morelia/I y II Coloquio del Taller de Edición de Textos Antiguos y en
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el Encuentro Internacional de Investigación y Documentación de la Música y las Artes escénicas. En
2014 y 2015 participó en el curso Música en Compostela impartido por el P. José López-Calo en
Santiago de Compostela, España; obteniendo el premio “Andrés Segovia-José Miguel Ruiz Morales”.
Recientemente concluyó la maestría bajo la tutela de la Dra. Miriam Escudero en el programa de
posgrado en música de la UNAM, obteniendo mención honorífica con la tesis El Oficio y Misa de
difuntos de Tomás Ochando: entre la tradición y el estilo italiano. Una aproximación crítica a la
obra del autor a través de su música fúnebre. Actualmente cursa el doctorado dentro del mismo
programa donde continúa profundizando sus investigaciones en torno al estudio de la música
novohispana del siglo XVIII.
Guillermo López Espinal / Pianista tapachulteco. Licenciado en Música por la Universidad de
Ciencias y Artes de Chiapas (UNICACH), obteniendo la Medalla Chiapas al mérito académico en
2009. Cuenta con los posgrados de Maestría y Doctorado en Artes bajo la línea de investigación de
Historia y Lenguajes de la Música por la Universidad de Guanajuato (UG) en 2012 y 2016,
respectivamente. Ha sido becario del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de
Chiapas: PECDA 2010 y 2012. Ha participado en distintos Festivales organizados por el Consejo
Estatal para la Cultura y las Artes de Chiapas como el Festival Internacional Fray Matías de Córdoba,
en Tapachula; Festival Internacional de las Culturas y las Artes Rosario Castellanos, en Comitán de
Domínguez; Festival Maya Zoque Chiapaneca, en Huitiupán; así como el Festival Mosaico Cultural
en Antigua Guatemala, con la Orquesta Sinfónica de Chiapas. Se ha desempeñado en labores de
docencia universitaria en la Escuela Superior en Educación Musical de Tapachula (ESEM), el Centro
Universitario en Formación Artística (CUFA), y la Universidad Politécnica de Tapachula (UPTap)
además de educación y pedagogía musical. Actualmente desarrolla actividades de gestión, promoción
y difusión de actividades artísticas y culturales como coordinador del Centro de Estudios para el Arte
y la Cultura del Campus IV de la Universidad Autónoma de Chiapas (CEUNACH). Ha participado
en los Seminarios de Música de Cámara de la segunda, tercera y cuarta edición del Festival
Internacional de Música Naolinco en 2017, 2018 y 2019 respectivamente; en el 15º Encuentro
Internacional de Música de Cámara Aguascalientes 2019; así como en el I Festival Internacional de
Cuerdas UCR, organizado por la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica en 2018
y recientemente en el I Festival de Alientos organizado por la Facultad de Música de la UNICACH,
en 2019. Participó en el Taller de Narrativa de Tapachula, formando parte de los autores incluidos en
la publicación “Cuentos del Sur”, en 2012. Es integrante de la Asociación de Escritores de Tapachula
participando en sus Antologías y Encuentros Literarios.
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Héctor Isaac Borges Montaño / Estudiante de la Licenciatura en Musicología en El Conservatorio
de las Rosas. Ha participado con la ponencia “Charaku, pirindas y aerófonos” en el Quinto Encuentro
Nacional Interuniversitario de Investigación Humanística Interdisciplina y Multidisciplina: Cultura,
Arte, Comunicación, Historia y Tradiciones. La conferencia “De la cantata a la cantada” en el
Conservatorio de las Rosas dentro del marco de las Bachianas; “Ponce y la guitarra: conmemorando
el 70 aniversario luctuoso del compositor” colaborando con el Mtro. Rodrigo Nefthali López Alarcón,
dentro del Ciclo de Conferencias: Un espacio para la cultura musical del Conservatorio de las Rosas.
Participó con la ponencia “Charhaku: Consideraciones metodológicas en el estudio de las sonoridades
matlatzincas y/o pirindas y su entorno contemporáneo” en la Cátedra Jesús C. Romero del Centro
Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical Carlos Chávez (CENIDIM) 2018.
Además de la ponencia “Miserere a cuatro con violines de José de Nebra Albergado en el Archivo
Musical del Colegio de Santa Rosa de Santa María” en 1er Coloquio la Investigación Musical en
México U.A.N. 2019. Colaborador de EUTERPRE, Investigación Interdisciplinaria sobre fuentes
poético musicales Hispanoamericanas (siglos XVI-XIX) en el Repertorio de fuentes poético-
musicales del Archivo del Colegio de Santa Rosa de Santa María. Actualmente co-creador e intérprete
de guitarra barroca en el ensamble Turulonegro: Música novohispana con quienes participó en el X
Festival Internacional de Coros de Cámara del Estado de México, en el 4to Encuentro Sonoro
Michoacano y con el Concierto Música que espanta en el Foro Polivalente Antonieta Rivas de
Mercado, CDMX.
Herminio Monterde López / Es egresado de la licenciatura en Lengua y Cultura por la Universidad
Intercultural del Estado de Puebla y actualmente estudia la Maestría en Estudios Amerindios y
Educación Bilingüe en la Universidad Autónoma de Querétaro. Es hablante de la lengua náhuatl de
la Sierra Noreste del Puebla, ha impartido diversas ponencias con temáticas sociolingüísticas, étnicas
y de traducción e interpretación en lengua indígena al español. Imparte talleres de lengua y cultura
náhuatl como segunda y primera lengua. Actualmente investiga los conocimientos y saberes locales
que se expresan en la música tradicional nahua conocido como xochisones. En su investigación
propone una convergencia entre las teorías occidentales y las ontologías amerindias, es decir, sobre
la importancia de la reflexión desde las terminologías locales en las investigaciones realizadas por
investigadores que pertenecen al mismo contexto cultural.
Iván Manzanilla Rahal / Es uno de los percusionistas mexicanos más reconocidos en su país y en el
extranjero. Estudió la licenciatura en percusiones en la Universidad Nacional Autónoma de México
obteniendo mención honorífica y la Medalla Gabino Barreda por su alto desempeño académico.
También ostenta los grados de Maestro y Doctor en Artes Musicales por la Universidad de California
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en San Diego. Su intensa actividad en el campo de la música contemporánea lo ha llevado a realizar
estrenos como solista y con los mejores ensambles de México y el extranjero. Su experiencia abarca
la música de cámara, el trabajo con otras disciplinas artísticas, la improvisación, la experimentación
con nuevas tecnologías musicales y la docencia. También ha recibido distintos reconocimientos,
entre los cuales están el primer lugar en el Cuarto Concurso de Interpretación Musical “Wolfgang
Amadeus Mozart” de la UNAM, el primer premio de Concurso de Música de Cámara de la UNAM,
el Premio de la Unión de Críticos de Música y Teatro del I.N.B.A, y el Stipendienpreis en el 42.
Internationalen Ferienkursen für Neue Musik 2004 de Darmstadt, Alemania. Iván Manzanilla es
coordinador del área de percusiones en la Universidad de Guanajuato, miembro del ensamble SRM
(Peter Schmid, saxofones y Jerry Rojas, Guitarra), y fundador del proyecto de Duplum (con el
clarinetista Fernando Domínguez) parte de ÓNIX Ensamble y su proyecto Solistas de ÓNIX.
Actualmente es beneficiario del programa Creadores Escénicos 2018-2020 del Fondo Nacional para
la Cultura y las Artes.
Jimena Palacios Uribe / Es conservadora-restauradora egresada de la Escuela Nacional de
Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM-INAH), y Maestra en Historia Moderna y
Contemporánea por el Instituto de Investigaciones Dr. José Ma. Luis Mora. Fue coordinadora del
Seminario Taller de Conservación y Restauración de Instrumentos Musicales de la ENCRyM (2006-
2013), en donde organizó seminarios, investigaciones y actividades de registro y documentación de
diversos instrumentos musicales, especialmente en contexto de museo y de órganos tubulares
históricos. Entre estos proyectos destaca el de la conservación y restauración del órgano tubular de
San Juan Tepemasalco, Hidalgo, México) junto con un equipo de especialistas en organería e
investigación musical. Ha realizado estancias de fortalecimiento profesional en diversos museos
(National Music Museum, South Dakota, 2008; Cité de la Musique, Paris, 2013), en los que llevó a
cabo actividades de conservación, restauración, investigación y organización de exposiciones. Fue
Coordinadora de Documentación en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e
Información Musical “Carlos Chávez”, del Instituto Nacional de Bellas Artes (2014). Posteriormente
se integró al equipo de investigadores de este Centro con el proyecto permanente de investigación y
difusión de la colección de instrumentos musicales y la curaduría de diversas exposiciones. Sus
intereses están relacionados con la historia cultural y económica que involucra el uso instrumentos
musicales, así como con la conservación y difusión del patrimonio musical mexicano.
John Swadley McCall / Instrumentista de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato y
egresado doctoral de Canterbury Christ Church University con una tesis intitulada “El villancico en
la Nueva España 1650–1750: Morfología, significado y desarrollo”, John Swadley continua su
65
investigación sobre la música novohispana. Entre sus planes futuros figuran una edición de las obras
de Manuel de Sumaya junto con una nueva biografía de este importante autor. Un segundo ramo de
interés es la música sacra vienés del siglo XVIII, en particular la obra de Frantisek Tuma y Leopold
Hoffmann.
Jorge Edison Montoya Gómez / Guitarrista, arreglista, compositor. Nació en Bogotá, inició sus
estudios musicales en la escuela de música Fernando sor, ingresó a los talleres de música de la
localidad Antonio Nariño y de los Jóvenes tejedores de sociedad de la Alcaldía mayor de Bogotá.
Posteriormente ingresó a la Fundación Artística Gentil Montaña en donde adelantó sus estudios con
énfasis en guitarra clásica con los maestros Fidel Álvarez, Daniel Saboya, César Queruz, Luis
Fernando Valencia, Alexander Parra, Jorge León y Gentil Montaña. Continuó sus estudios musicales
de composición y arreglos en la Universidad Incca de Colombia en donde también estudió guitarra
clásica y moderna con los maestros Camilo Giraldo, Juan Manuel Urrego y armonía con el maestro
Pablo Schlezinger. Actualmente, culmina su posgrado en Musicología en la Universidad Nacional de
Colombia. En 2016 lanzó su primera producción discográfica con el título de “Bajo el Cielo”, en
donde grabó música de compositores colombianos y latinoamericanos como Gentil Montaña, Adolfo
Mejía Navarro, Oscar Alvarado, Carlos Vieco, José Barros, Heitor Villa-Lobos, Roland Dyens y Leo
Brower; además de incursionar como arreglista para la guitarra solista. Ha realizado conciertos en
países como Colombia, Brasil, Bolivia y Perú, además de realizar ponencias acerca de la música
latinoamericana para guitarra.
José Antonio Robles Cahero / Historiador, musicólogo, guitarrista y productor. Realizó estudios de
licenciatura y posgrado en música, musicología y humanidades (historia, literatura y filosofía) en el
Conservatorio Nacional de Música (INBA), la Escuela Nacional de Música (UNAM), la Universidad
Autónoma Metropolitana (Iztapalapa), la Universidad de Cambridge (Inglaterra), la Universidad
Iberoamericana (Santa Fe) y la Facultad de Filosofía y Letras (UNAM). Ha sido profesor de
licenciatura en el Conservatorio Nacional de Música, la Escuela Nacional de Antropología e Historia
(INAH), el Centro Morelense de las Artes y el Centro de las Artes de San Luis Potosí, y de posgrado
en la Universidad Iberoamericana (Santa Fe), la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA),
la Universidad Pedagógica Nacional y el Centro Nacional de las Artes. Como investigador se ha
especializado en la historia cultural, la historia de las mentalidades y la iconografía musical, así como
la historia de la música, la ópera y la danza en México, campos académicos sobre los que ha publicado
diversos artículos en revistas nacionales e internacionales. En 1989 su libro sobre la guitarra
novohispana del siglo XVIII (coautor: Juan José Escorza) recibió la primera entrega del Premio
Robert Stevenson de Historia de la Música y Musicología Latinoamericanas, otorgado por la
66
Organización de Estados Americanos (OEA). Desde 1985 es investigador del Centro Nacional de
Investigación, Documentación e Información Musical (CENIDIM) del Instituto Nacional de Bellas
Artes (INBA), donde también ocupó los cargos de coordinador de investigación (1992-94), director
(1994-2002), director interino (2011-14) y director de la revista de investigación musical Heterofonía
(1996-2002).
José Marcos Partida Valdivia / Licenciado en Psicología y Maestro en Educación por la
Universidad Autónoma de Nayarit. En el 2015 efectuó una estancia de investigación en el
Departamento de Didáctica y Organización de la Universidad de Sevilla, España. Ha formado parte
de agrupaciones de rock en el estado de Nayarit como guitarrista. Ha publicado artículos académicos
sobre educación musical en niños de preescolar y la cultura musical de rock en el estado de Nayarit.
Ha participado en mesas de trabajo de diferentes congresos y coloquios a nivel nacional e
internacional. Actualmente es colaborador del proyecto de investigación: Historia del tiempo
presente de la educación musical a nivel superior en México, de la Universidad Autónoma de
Aguascalientes. Es miembro del Foro Mexicano de Educadores Musicales A.C. e integrante del
cuerpo académico de arbitraje de esta misma asociación. Forma parte de la Red Temática Tecnologías
Digitales para la Difusión del Patrimonio Cultural. Actualmente realiza sus estudios de doctorado en
el Posgrado en Música de la UNAM, en el campo de educación musical, y ha sido aceptado para
realizar una estancia de investigación en el Archivo de Ciencias Sociales en la Universidad de
Konstanz Alemania en el siguiente año.
Josep Jofré Fradera / Nacido en Catalunya. Docente en la Universidad de Guanajuato y el
Conservatorio de Música de Celaya. Musicoterapeuta en consultorio privado. Estudios de Música en
Barcelona, Madrid y París. Flauta: Vicens Prats, solista de la Orquesta de París). Materias Teóricas y
composición: Yvan Nommick, Benet Casablancas, Charles Rosen, Constantin Floros, Carl Schachter,
Heinz-Klaus Metzger, William Kinderman, Walter Frisch, Samuel Adler, Roy Howat, Herman
Danuser, Mathias Spahlinger, Timothy Jackson, Regina Busch, Paul Mast.) Master en Musicoterapia
(Universidad de Barcelona). Estudios de doctorado: Universidad Autónoma de Madrid y Universidad
de Guanajuato. Imparte cursos y conferencias de música, pedagogía, musicología y musicoterapia en
universidades de México, España y Francia. Participa como ponente en congresos y coloquios.
Secretaría de Educación de Guanajuato: 4º Congreso Internacional de Líderes Educativos, Foro Zona
6 Educación Especial, Facultad de Música de la UNAM. Escribe artículos especializados, programas
de mano de conciertos (OSUG), textos para discos (Harmonia Mundi) y colabora en capítulos de
libros. Ha escrito dos libros sobre El lenguaje musical, y está en preparación La práctica de la
Musicoterapia (2020), todos encargos para el sello editorial Ma Non Troppo de Barcelona.
67
Juan Hugo Barreiro Lastra / Profesor-Investigador Titular “A” de Tiempo Completo del
Departamento de Música y Artes Escénicas de la Universidad de Guanajuato (UG). Pertenece al
Núcleo Académico Básico de Profesores de la Licenciatura en Música, y del Programa de Maestría y
Doctorado en Artes de la Universidad de Guanajuato, del cual fue Coordinador Académico en el
período 2014-2016. Es Doctor en Música, calificación Sobresaliente Cum Laude, por la Universidad
Autónoma de Madrid (España), tesis por la que obtuvo el Premio Extraordinario de Doctor a la mejor
tesis de las defendidas entre 2004 y 2012. Alcanzó el Título de Máster en Gestión y Promoción de la
Música en la misma universidad española, posee el Grado Superior de Canto otorgado por el
Ministerio de Educación y Ciencias (España) y la Licenciatura en Música por la Universidad de las
Artes ISA (Cuba). Ha dirigido tesis de nivel medio superior terminal, licenciatura, maestría y
doctorado sobre temas de canto, interpretación musical e investigación musicológica en Cuba y
México. Posee reconocimiento del Perfil Deseable PRODEP de la Secretaría de Educación Pública
(México), y es miembro del Cuerpo Académico Consolidado “Musicología” UGTO-CA-66. De igual
forma, es miembro de la Sociedad Española de Musicología, colaborador documental en la Fundación
Rossini de Pesaro (Italia) y en la Societá Tedesca Rossini (Alemania).
Karina Rumayor Hernández / Pinar del Río, Cuba, 1986. Licenciada en Música, perfil Musicología
con Título de Oro por la Universidad de las Artes, ISA (2009). Egresada de la Maestría en Educación
Comparada de la Universidad de Ciencias Pedagógicas Enrique José Varona (primera edición, 2016),
perteneciente al Proyecto Grannacional ALBA-Educación. Trabajó en la Oficina Leo Brouwer y el
Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana (Cidmuc), fue profesora de la Escuela
Nacional de Música y del Conservatorio Guillermo Tomás en La Habana. Obtuvo el Premio Argeliers
León al pensamiento musicológico cubano del Concurso Uneac 2011. Ha publicado artículos,
entrevistas y reseñas en medios especializados como la revista Clave y el periódico Cubadisco, del
Instituto Cubano de la Música (ICM); Boletín Música y La Ventana, de Casa de las Américas. Ha
participado en eventos nacionales e internacionales sobre música y formación de docentes, cuyas
memorias recogen sus resultados. Es autora de El editor de partituras en Cuba: una aproximación,
publicado en 2018 por el sello Contracanto Ediciones (Asociación de Músicos de la Uneac). Es
Profesora Asistente y coordinadora de Investigación y Posgrado de la Facultad de Música del ISA.
Está próxima a culminar la Maestría en Música del propio centro.
Laura Elizabeth Espíndola Mata / Doctora en Canto Lírico Teatral por el Conservatorio
F.A.Bonporti de Italia. Especializada en Didáctica Musical por el mismo. Maestra en Artes Escénicas
y Licenciada en Música por la Universidad Veracruzana. Primer Premio Internacional de Arte Urbano
UNESCO en Nápoles Italia 2015 por la dirección artística del proyecto Ópera Urbana. Ganadora de
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diversos estímulos para la creación y producción de proyectos artísticos por parte del Instituto
Veracruzano de Cultura IVEC, Gobierno del Estado de Veracruz, Gobierno de Querétaro, Gobierno
de Tlaxcala y Secretaria de Turismo SEGOB. Becaria ERASMUS 2017 Universidad de Trento Italia.
Profesora del Taller de Música de Difusión Artística de la Universidad Veracruzana 2015-2017.
Profesora de Canto en Casa de Cultura Coatepec 2011-2015. Actriz de la Compañía de Teatro Infantil
de la SEV 2009-2015. Como cantante se ha presentado en escenarios de Viena, Verona, Roma,
Nápoles, Urbino, Trento. Así también con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta de
Cámara de Tamaulipas, Filarmónica de Xalapa. Ha protagonizado diversas óperas entre ellas Don
Giovanni, La flauta mágica de Mozart, Carmen de Bizet, Traviata de Verdi. Directora del Coro
Vivaldi que ha colaborando con la Sinfónica de Xalapa y la filarmónica de Xalapa con obras de Orff,
Tchaicovsky, Beethoven, Mozart, Verdi. Creadora de la Ópera en sombras La Valquiria expuesta en
el Coloquio Internacional el Títere y las Artes Escénicas México 2016. Como ponente a participado
en diversas universidades de México e Italia con temas de musicología, teatro y artes escénicas.
Leslie Freitas de Torres / Doctora en Historia del Arte y Musicología por la Universidad de
Oviedo/España, Maestra en Patrimonio Cultural por la Universidad de La Coruña/España y en Música
Hispana por la Universidad de Salamanca/España y Licenciada en Música por la Universidade de
Brasilia/Brasil. Realizó intercambios académicos en la Université Laval/Canadá (2010), Universidad
de Santiago de Compostela/España (2015) y en la Universidade Federal de Minas Gerais/Brasil
(2016-2017). Ha publicado varios artículos en revistas nacionales e internacionales, especializadas
en la investigación musical, así como los libros El Colegio de Sordomudos y de Ciegos de Santiago
de Compostela (1864-2016) y El sonido de la beneficencia emitido por las clases de música del
Colegio de Sordomudos y de Ciegos de Santiago de Compostela (1868-1957). Es ganadora de la V
edición del Premio Domingo Fontán de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Santiago
de Compostela, con la investigación titulada José Gómez Veiga “Curros”. El rostro de la música
compostelana. En 2018, realizó la residencia posdoctoral en la Universidad Nacional de Tres de
Febrero/Argentina, y actualmente realiza investigación como miembro del Grupo Organistrum I+D+I
(GI – 2025) de la Universidad de Santiago de Compostela/España, fondos documentales de música
en los archivos civiles de Galicia (1875-1951): Ciudades del Eje Atlántico (HAR2015-64024-R).
Lizette Alegre González / Estudió seis años de la carrera de piano en la Escuela Nacional de Música
(ENM) de la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Escuela Superior de Música del
INBA. Cursó la carrera de Etnomusicología en la ENM (FaM), así como la maestría y el doctorado
en Música/Etnomusicología en el Programa de Posgrado en Música de la Facultad de Música de la
UNAM. Participó en los proyectos de investigación Silvestre Revueltas: músico universal. Nueva
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edición crítica de sus obras y digitalización de su acervo musical con fines de investigación y
difusión, a cargo del Dr. Roberto Kolb Neuhaus (PAPIIT IN 404799, 2002-206) y La música del maíz
y su música. Estudio etnomusicológico desde una perspectiva semiótica en la región Huasteca, que
se llevó a cabo en el marco del Seminario de Semiología Musical, coordinado por el Dr. Gonzalo
Camacho Díaz y la Dra. Susana González Aktories (PAPIIT IN 404999,1997-2007). Como ponente
y conferencista ha participado en Coloquios y Congresos nacionales e internacionales en México,
España, Francia, Finlandia, Italia, Chile, Portugal y Cuba. Es autora de varios artículos y ensayos
contenidos en distintas publicaciones nacionales e internacionales. Actualmente es profesora y tutora
en la carrera de Etnomusicología y el Posgrado en Música de la UNAM. Su línea de investigación
desarrolla enfoques teórico-metodológicos derivados de la crítica pos(de)colonial, los estudios de
subalternidad, género y música popular, así como las teorías de la performatividad y la semiótica.
Lorena María Peugnet Díaz / Sobresale por su investigación y presencia escénica en conciertos,
donde recupera y difunde el patrimonio musical barroco compuesto por ciegos. Su labor en
producciones musicales inclusivas destaca por fortalecer la participación de concertistas con
discapacidad visual en la escena profesional. Se tituló como clavecinista por el Conservatorio
Superior de Música de Aragón, España, país donde también obtuvo el máster en Gestión del
Patrimonio Histórico-Artístico y Cultural, por la Universidad de Murcia. Actualmente compagina su
actividad en México y España, mientras realiza el doctorado en Arte: Producción e Investigación en
la Universidad Politécnica de Valencia. Desde 2012 investiga la historia y el fuerte vínculo entre
música y ceguera especializándose además en accesibilidad a la cultura e inclusión de personas con
diversidad visual. Como clavecinista se ha presentado en festivales de música antigua y auditorios en
España, Francia, Portugal, México, Inglaterra y Bélgica; con orquesta, como solista y con diversos
grupos de cámara. En 2016 funda Música y Ceguera con objetivos como dar visibilidad al patrimonio
musical compuesto e interpretado por ciegos y fomentar la enseñanza integral así como promover el
interés y la conciencia social en torno a la diversidad visual y la inclusión a través de la música y
otras artes.
Lorena Patricia Díaz Núñez / Historiadora mexicana, quien después de veinte años como intérprete
profesional de flautas de pico con un repertorio de música antigua —y de una intensa actividad en
todo el país y conciertos en Noruega, Hungría, la ex Unión Soviética y Venezuela— ahora se dedica
a la investigación musical. En 1990 ingresó en el Centro Nacional de Investigación, Documentación
e Información Musical “Carlos Chávez” (Cenidim), donde ha sido también directora, tras haber sido
subdirectora y coordinadora de investigación. Se ha especializado en la vida y la obra del compositor
Miguel Bernal Jiménez y en la cultura de la música sacra católica en México de la primera mitad del
70
siglo XX. En sus libros, ensayos y conferencias, Lorena Díaz Núñez aporta una renovada
aproximación acerca del compositor y su entorno. Como historiadora, su interés se extiende a la
salvaguarda de acervos artísticos, a la reflexión sobre el papel de las mujeres en los procesos de
creación artística y, recientemente, a la publicación de obras de divulgación. Coordina en el Cenidim
el novedoso taller De tesis a libro: directrices editoriales para investigaciones sobre música.
Luis Díaz Santana Garza / Nació en Monterrey, Nuevo León. Es Licenciado en Música, Maestro
en Humanidades y Doctor en Historia con mención honorífica. Como guitarrista, ha grabado una
decena de discos y ofrecidos recitales en los teatros más importantes de México y en diversos países.
Como académico, obtuvo el segundo lugar en el concurso Premio Museo de Historia Mexicana,
Estudios sobre el noreste de México (2013), y mención honorífica en el VIII Concurso nacional de
historia Roberto Ramos Dávila. Ha publicado cinco libros y artículos en revistas arbitradas, organizó
diversos coloquios internacionales, y desde 1999 es maestro de tiempo completo con Perfil Deseable
PRODEP en la Unidad Académica de Artes de la Universidad Autónoma de Zacatecas. Además, es
miembro del Sistema Nacional de Investigadores (SNI).
Luis Fernando Padrón-Briones / Nació en San Luis Potosí, S.L.P., en 1975. Realizó estudios de
musicología en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Asimismo, estudios sobre historia de la
ópera y voz en la Accademia di Bulgaria con el bajo Boris Christoff. Ha sido asesor musical de las
diferentes instancias culturales en su ciudad natal (Consejo Estatal para la Cultura y las Artes;
Instituto de Cultura; Secretaría de Cultura). Articulista en los periódicos Sol de San Luis (suplemento
dominical Entropía), Pulso y San Luis Hoy. Ha dictado más de 600 conferencia sobre temas musicales
en foros locales, nacionales e internacionales. Desde 2005 es docente investigador del Instituto
Potosino de Bellas Artes. A partir de 2015 se integró a la planta docente del Área de Música del
Centro de las Artes Centenario. Ha publicado artículos en los libros: Campos multidisciplinares I y
III del Cuerpo Académico CA-UAZ-172 de la Universidad Autónoma de Zacatecas. Ha trabajado la
figura de Julián Carrillo desde 1995.
Luis Jaime Cortez Méndez / Compositor, director y musicólogo. Realizó sus estudios musicales con
Bonifacio Rojas y Gerhart Muench en el Conservatorio de las Rosas de Morelia, Michoacán. Más
tarde estudió en el Taller de composición del Cenidim con Manuel Enríquez y Federico Ibarra, y con
Mario Lavista en el Conservatorio Nacional de Música del INBA. Ha compuesto diversas obras
instrumentales, vocales, de cámara y orquestales, y es autor de las óperas La tentación de San Antonio
y Luna. Obtuvo la licenciatura en Historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, y estudió
la maestría en Filosofía en la Universidad Michoacana de San Nicolás. Es investigador
71
del Cenidim desde 1981 donde también tuvo los cargos de coordinador de Investigación y director
(1988-1994). Es autor de numerosos ensayos y artículos sobre música y literatura, y de tres
libros: Tabiques rotos (Cenidim, 1985), Mario Lavista: textos en torno a su música (Cenidim, 1988
y 1990) y Favor de no disparar sobre el pianista (Conaculta, 2000). Ha publicado además numerosos
textos musicales en publicaciones periódicas. Ha sido miembro, desde 1999, del Sistema Nacional de
Creadores. Fue Secretario de Cultura de Michoacán (2004). Consolidó el prestigio del Conservatorio
de las Rosas como una de las principales instituciones musicales de México. Fue pianista del
Ensamble de las Rosas, que difundió ampliamente la música del siglo xx. Fundó La Sinfonietta,
orquesta de cámara con la que ha grabado diversos discos. El último es una antología de canciones
de Chucho Monge, con Francisco Araiza como solista.
Maby Muñoz Hénonin / Estudió una licenciatura en Educación en la Universidad Iberoamericana y
la licenciatura en Piano y la maestría en Musicología en el Programa de Maestría y Doctorado en
Música de la UNAM, donde se graduó con la tesis “José Pomar y su música para piano: una
aproximación a la obra y al compositor”. Actualmente enseña piano, escribe sobre música y cursa el
doctorado en Musicología en el mismo programa de la UNAM con el proyecto de investigación “Las
menesistas. Pianistas mexicanas (1890-1950)”.
Manuel del Sol / Investigador Postdoctoral «Juan de la Cierva» de la Universidad de Valladolid
dentro del Departamento de Musicología, adscrito al Proyecto de Investigación I+D MICINN “La
obra musical renacentista” [HARD2015-70181-P]. Profesor colaborador en el Master en
Interpretación e Investigación Musical de la Universidad Internacional de Valencia. Ha sido profesor
asociado del Grado Musicología Online de la Universidad Alfonso X El Sabio, Centro Universitario
de Magisterio ESCUNI y en la Universidad de La Rioja dentro de la Licenciatura Historia y Ciencias
de la Música. Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Complutense de Madrid. Doctor
en Musicología “Cum Laude” con Mención Europea (Directores: Dra. Tess Knighton y Dr. Álvaro
Torrente) / Visitor Scholar: University of Cambridge (UK) & University of Illinois (USA); Master in
Advanced Musical Studies (Royal Holloway, University of London); Licenciado Historia y Ciencias
de la Música (UCM); y Diplomado en Magisterio Musical (UCM). Autor de numerosos artículos en
revistas especializadas Early Music, Revista de Musicología, Journal of Medieval Iberian Studies y
diversas publicaciones colectivas. Su primer libro colectivo, junto a Javier Suárez-Pajares, Estudios.
Tomás Luis de Victoria. Studies (ICCMU, 2013), ha sido valorado como una “superb addition to the
bibliography on Victoria” (Music & Letters, 96, nº 2, 2015, p. 274). En prensa está su primera
monografía Lágrimas del Renacimiento en España. El cano llano de las Lamentaciones de Jeremías
72
en polifonía (Kassel: Reichenberger) y varias investigaciones sobre el Pange lingua de Urrede
(Brepols y Universidad.
Manuel Matarrita Venegas / Realiza una amplia actividad como solista, músico colaborador,
docente e investigador que lo ha hecho merecedor en dos ocasiones del Premio Nacional de Música
(2012 y 2015) de su país. Sus actuaciones lo han llevado a las más importantes salas de Costa Rica,
así como en otros escenarios en todo el istmo centroamericano, los Estados Unidos, Italia, España,
Portugal, Serbia, México, Cuba, Colombia, Puerto Rico, Perú, Brasil y Argentina. Su especial interés
por el repertorio costarricense e iberoamericano se ha visto plasmado en la publicación del libro
Canciones populares costarricenses, así como en las producciones discográficas Una milpa y buenos
güeyes, Confidencias, Evocación y Flores del corazón. Doctor en Artes Musicales, Manuel realizó
estudios en la Universidad de Costa Rica, la Universidad de New Orleans y la Universidad Estatal de
Louisiana. Es Profesor Catedrático de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica
(instancia en la que fungió como su Director en el período 2013-2017) y es Presidente del WPTA-
COSTA RICA (World Piano Teachers Association).
Margarita del Carmen Pearce Pérez / Doctoranda en Historia del Arte y Musicología por la
Universidad de Oviedo. Es beneficiaria de una de las becas del programa pre-doctoral «Severo
Ochoa» del Principado de Asturias. Como parte de la beca ha realizado labores docentes en la
universidad. Ha participado en congresos nacionales en internacionales en países como Cuba, España
e Italia. Ha publicado artículos en revistas como Clave, Opus Habana, No tan nuevos mundos y
capítulo de libros en Patrimonio artístico documental del Mundo Hispánico: de la Edad Media a la
actualidad y en Pensar la cultura en cubano. Anteriormente cursó el Máster en Patrimonio Musical
como becaria del programa de “Retención de jóvenes talentos de la Universidad de Oviedo”. Trabajó
en el Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana y en el Gabinete de Patrimonio
Musical Esteban Salas.
María del Rosario Hernández Iznaga / Profesora y musicóloga nacida en La Habana, Cuba. Realizó
estudios musicales en el Conservatorio Guillermo Tomás, el Conservatorio Amadeo Roldán, la
Escuela Nacional de Música ENA, el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde alcanzó la
Licenciatura de Musicología, y en la Universidad de las Artes ISA, donde obtuvo el grado de Máster
en Arte con mención en Música. Como profesora de Literatura Musical, Morfología e Historia de la
Música ha trabajado desde 1973 en la Escuela Provincial de Arte de Matanzas, la Escuela Nacional
de Música y la Facultad de Música del ISA; ha sido tutora, oponente y consultante de trabajos de
curso y diploma, y ha participado en numerosos eventos científicos y artísticos. La relación teórica-
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histórica de procesos musicales en Cuba y desde 1997, y junto a Dinorah Valdés, realiza estudios
sobre la música cubana bailable actual y sus principales representantes. Fue directora de la Escuela
Nacional de Animación Turística, y actualmente es Decana de la Facultad de Música de la
Universidad de las Artes ISA y profesora de su Departamento de Musicología.
Mario Ernesto García Hurtado / Guitarrista, docente e investigador. Es Doctor en Música
(Interpretación musical) por la Universidad Nacional Autónoma de México, graduándose con
mención honorífica. Realizó los estudios de la Licenciatura en Guitarra en la Facultad de Música de
la UNAM titulándose también con mención honorífica en la cátedra del reconocido maestro Juan
Carlos Laguna, Asimismo, obtuvo el grado de Maestro en Música en el área de Interpretación musical
en la misma institución. De los años 2001 a 2004 completó sus estudios de perfeccionamiento como
alumno becario en la “Academia di alto perfezionamiento di chitarra Francisco Tárrega” en
Pordenone, Italia, bajo la guía de los maestros Paolo Pegoraro y Stefano Viola. A lo largo de su
trayectoria ha sido galardonado con distintos premios internacionales. Ha ofrecido recitales como
solista, con el dúo Nova Musica Guitar Duo y con distintas agrupaciones en diferentes festivales de
México y del extranjero y actuado como solista con distintas orquestas de México. Se especializa en
interpretar un repertorio para distintas afinaciones utilizando una guitarra con diapasones
intercambiables que diseñó a partir de los modelos de Julián Carrillo, junto al laudero Salvador Soto,
para hacer posible la interpretación de música escrita en cuartos, tercios y semitonos.
Marusia Pola Mayorga / Tiene el grado de licenciatura en música con especialidad en violonchelo
por la Universidad de Las Américas, Puebla (2008) y dos maestrías realizadas en Estados Unidos,
una en cello performance por la Middle Tennessee State University (2013) y otra en musicología por
la Texas Tech University (2016). Actualmente cursa el séptimo semestre del doctorado en
musicología en la UNAM bajo la tutela de la Dra. Lizette Alegre González. Sus intereses de
investigación se centran en la musicología queer latinoamericana y las intersecciones entre identidad,
performatividad, música y discurso. Entre los temas centrales de su investigación destacan el trabajo
con músicos pertenecientes a la escena sexo-disidente de la ciudad de México y las tensiones de raza,
identidad y género que se generan en los espacios urbanos contemporáneos. Ha presentado su trabajo
en diversos congresos y coloquios de México, Costa Rica, Estados Unidos y Chile.
Mayra Analía Patiño Orozco / Se graduó en la Universidad de Guadalajara como Concertista Solista
en Piano, bajo la guía de los maestros Elena Camarena y Anatoly Zatin; obtuvo durante sus estudios
varios reconocimientos tanto a su trayectoria académica, como a su desempeño musical, tocando
como solista con la Orquesta Sinfónica de Jalisco. Luego de un lapso en el que combinó su labor
74
docente con la interpretación de repertorio pianístico en diversos foros de Jalisco y Colima, se traslada
a la Ciudad de México, donde posteriormente obtiene el grado de Maestra en Música por la
Universidad Nacional Autónoma de México, en el área de Educación Musical. En el plano laboral se
ha desempeñado como catedrática en la Universidad de Guadalajara, así como en la Universidad de
Colima, donde estuvo al frente del comité que elaboró los planes de estudio de la Licenciatura en
Música (en 1999), así como sus posteriores actualizaciones y recientemente del Bachillerato Técnico
en Música; en la actualidad se desempeña como Coordinadora del Departamento de Música del
Instituto Universitario de Bellas Artes. En materia de investigación, ha presentado trabajos sobre
Educación musical, Currículum, Competencias musicales, e Inclusión en Colima, Guadalajara,
Zacatecas, Ciudad de México, Aguascalientes, Villahermosa, y Liverpool (Reino Unido) en el marco
de distintos coloquios y encuentros de convocatoria nacional e internacional. Ha participado en
procesos de evaluación de planes de estudio a nivel nacional por los CIEES y en la valoración y
selección de proyectos FECA a nivel estatal. Su desarrollo dentro de la investigación musical, la lleva
a cabo en el Cuerpo Académico 108 “Educación, gestión cultural y producción artística”, adscrito a
la Universidad de Colima, del cual es líder.
Mireya Martí Reyes / Pianista y musicóloga de origen cubano, y Doctora en Ciencias sobre Arte por
el Instituto Superior de Arte de Cuba, donde laboró durante diez años. Es miembro de la Unión de
Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música
Popular (IASPM por sus siglas en inglés); y de la Sociedad Mexicana de Historia de la Educación
(SOMEHIDE). Ha realizado estancias académicas y ha sido profesora invitada en varias
universidades del país y del extranjero. Ha sido ponente y conferencista, tanto en México como en
algunos países de Europa, América Latina y en Estados Unidos. Entre sus publicaciones relacionadas
con estudios musicológicos destacan: los libros Paisajes Musicales. Investigación del origen y
desarrollo de la música popular de Banda de Viento en el Estado de Guanajuato (2018), Educación,
Historia, Cultura. Re-visiones desde la multidisciplina (2015), en coordinación con Cirila Cervera
Delgado; El género musical: un laberinto por recorrer (2000); varios capítulos de libro; así como
numerosos trabajos presentados en eventos académicos y científicos. Actualmente es Directora del
Departamento de Educación de la Universidad de Guanajuato, donde desarrolla líneas de
investigación vinculadas a la educación y la cultura, especialmente, a la música de Guanajuato.
Nuria Blanco Álvarez / Doctora en Musicología, Licenciada en Historia y Ciencias de la Música
con Premio Extraordinario, Licenciada en Geología y Especialista en Gestión Cultural, por la
Universidad de Oviedo (España). Compagina su actividad docente con la investigadora y es crítico
musical en las revistas Codalario y Scherzo. Su principal línea de investigación es la zarzuela del
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siglo XIX y principios del XX y específicamente el compositor Manuel Fernández Caballero, sobre
el que realizó su Tesis Doctoral, teniendo además interés en los intérpretes de la época. En la
primavera de 2019 ha disfrutado de una estancia como investigadora invitada por la Foundation for
Iberian Music de la City University of New York. En octubre, sale a la luz su libro Catálogo de la
obra de Manuel Fernández Caballero, por Codalario Ediciones. Ha publicado artículos para el Teatro
de la Zarzuela (Madrid), Teatro Real (Madrid), Revista de Musicología (España), Sociedad Española
de Musicología y Universidad de Oviedo, entre otras entidades. Ha presentado Comunicaciones en
diversos Congresos de Musicología. Es profesora conferenciante en el Aula de Ópera y Zarzuela de
la Universidad de Oviedo. En agosto ofreció en la Universidad de Guanajuato la Conferencia “De la
zarzuela grande al género chico a través de la obra de Manuel Fernández Caballero (1835-1906)”.
Pablo Alejandro Suárez Marrero / Maestro en Artes, línea de Historia y Lenguajes de la Música
(Universidad de Guanajuato, 2018); Licenciado en Preservación y Gestión del Patrimonio Histórico-
Cultural, línea de Patrimonio Histórico-Documental de la Música (Universidad de La Habana, 2016);
Instrumentista – Profesor de Flauta y de Práctica de Conjunto (Escuela Nacional de Música de Cuba,
2008). Fungió como Especialista en Análisis de la Actividad Cultural en el Gabinete de Patrimonio
Musical Esteban Salas (Cuba, 2014-2016), Profesor a Tiempo Parcial de la Escuela Nacional de
Música (Cuba, 2012-2016) y del Conservatorio Provincial de La Habana (Cuba, 2009-2015).
Actualmente, estudia el Doctorado en Artes (Universidad de Guanajuato, 2018-), es Profesor a
Tiempo Parcial en el Departamento de Música y Artes Escénicas de la Universidad de Guanajuato, y
es Profesor Contratado en la Escuela de Música de León. Sus áreas de investigación son la
etnomusicología del performance, el patrimonio histórico-documental de la música y la interpretación
históricamente informada.
Patricia Chávez Quijano / Violinista de profesión. Inició sus estudios musicales en la Universidad
Veracruzana, los cuales fueron concluidos como en la Escuela de Música de la Universidad de
Guanajuato, donde obtuvo la Licenciatura en música instrumentista. Integrante de la Orquesta
Sinfónica de la Universidad de Guanajuato entre los años 1987-2016, y desde el año 2000 profesora
de violín en la misma Universidad. En el año 2012 obtiene la Maestría en la Universidad Autónoma
de Madrid y en 2019 el Doctorado en Artes en la Universidad de Guanajuato.
Paulina Isabel Molina Díaz / Es maestra en Ciencias Sociales en la línea de Estudios Históricos por
El Colegio de Sonora y licenciada en Ciencias de la Comunicación con especialidad en Cultura por
la Universidad de Sonora. De 2016 a 2018 fue investigadora de tiempo completo en el Centro
Nacional de Investigación, Documentación e información Musical “Carlos Chávez” donde coordinó
76
el proyecto colectivo Base de datos de la ópera mexicana. Actualmente continúa colaborando en
dicho proyecto adscrita a la Universidad Autónoma Metropolitana, unidad Iztapalapa. Institución en
la que realiza sus estudios doctorales en Historia con el tema: Violencia en la ópera. La recepción del
discurso operístico en la ciudad de México durante la segunda mitad del siglo XIX.
Rafael Enrique Salmerón Córdoba / Investigador de Tiempo Completo de la Universidad
Veracruzana, realizó estudios de Licenciatura en Artes, Guitarrista; cuenta con una Especialidad en
Interpretación de Música Española por la Universidad de Compostela, España; cuenta con el grado
de Maestría en Música: Musicología y Doctorante en Ciencias de la Educación por la UNED de
España. Como investigador ha participado en congresos naciones e internacionales, con sus dos líneas
de investigación: Historia de la guitarra en México y La música mexicana, periodo independiente.
Tiene preparada la edición crítica: Andante con variaciones para dos guitarras de Manuel Corral. Ha
revisado y ejecutado obras de José Manuel Aldana, su Sonata para violín y guitarra; así como de
José Pérez de León, Octaviano Yáñez, Guillermo Gómez y Francisco Salinas. Tiene publicados
diferentes artículos en revistas especializadas sobre diferentes temas musicológicos. Realizó una
destacada actividad como profesor y concertista obteniendo importantes premios nacionales e
internacionales de guitarra. Ha formado parte del Ensamble Clásico de Guitarra de la UV y director
adjunto de la Orquesta de guitarra de Xalapa. Imparte cátedra en la Licenciaturas de Música y
Educación Musical y en la Maestría en Estudios Musicales de Musicología en la Facultad de Música
de la Universidad Veracruzana.
Ramón Alvarado Angulo / Doctor en Historia y Ciencias de la Música. Universidad Autónoma de
Madrid. Profesor Investigador del Departamento de Música y Artes Escénicas de la Universidad de
Guanajuato. Especialista en el estudio del Paisaje Sonoro. Ha participado en Coloquios, Encuentros
Nacionales e Internacionales como ponente y conferenciante con los temas de Paisaje Sonoro y
Contaminación Acústica. Licenciado en Música, flautista, por la Universidad de Guanajuato. Ganador
del Premio Internacional de Paisaje Sonoro “México Suena Así” Mapa Sonoro de México, con el
Paisaje Sonoro “Campanas de San Miguel” y mención honorifica con la pieza, “El Afilador de
Guanajuato” Ganador de una Mención Honorífica en la 9ª Bienal Internacional de Radio que organiza
el Instituto Mexicano de la Radio a través de Radio Educación, con la presentación de la obra de
Radio-Arte, “La Calle. Pieza breve”. En la plataforma Mapa Sonoro de México, como parte de la
Fonoteca nacional de México, se pueden escuchar las aportaciones del doctor Alvarado, EL Violinista
de la Madero, CDMX, Acerina y su Danzonera, Purísima del Rincón Guanajuato, Campanas de San
Miguel, El Afilador de Guanajuato, con las que ha contribuido a la conformación del Mapa sonoro
de México.
77
Ramón Andrade Virgen / Comenzó sus estudios musicales bajo la cátedra del guitarrista y
compositor Simone Iannarelli, se graduó en el Instituto Universitario de Bellas Artes de la
Universidad de Colima en el año 2009. En el 2012 obtiene el diploma de maestría bajo la tutela de
Carlo Marchione en el Hogeschool Zuyd Conservatorium Maastricht en los Países Bajos. Durante su
formación académica ha recibido clases magistrales con guitarristas de renombre internacional, entre
los cuales destacan: Zoran Dukic, Fabio Zanon, Remí Boucher, Dale Kavanagh, Thomas Kirchhoff,
Anton Vanderborght, David Tanebaum, Eduardo Isaac, Zoltan Katona y Alex Garrobé. En 2009,
obtiene la mención Honorífica del “Premio Estatal de la Juventud”. Dentro de su actividad profesional
se ha presentado en diversos escenarios de México, España, Estados Unidos y Países bajos. En el
2010 es becado por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes con el proyecto Guitarrarte, y en 2014
obtiene el Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA), para la grabación
del CD de la obra ¨Retratos de Colima¨ del compositor Simone Iannarelli, y en 2017 es publicado por
la casa editora canadiense Les Productions d´Oz. Actualmente es profesor de tiempo completo de
guitarra clásica en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Colima, desempeñando su labor
como investigador en el CA 108 “Educación, gestión cultural y producción artística”.
Ramón Macías Mora / Es arquitecto egresado de la Universidad de Guadalajara. Ha enfocado su
interés a la creación literaria y la investigación de la música. Es autor entre otros trabajos de: Las Seis
Cuerdas de la Guitarra, Secretaría de Cultura del gobierno de Jalisco. Guadalajara 2001.
Actualmente AMAZON [Versión corregida y aumentada]. Armando Lavalle DE SOTAVENTO A
BARLOVENTO, Armando Lavalle y su Música para Guitarra, Editorial Universidad Veracruzana.
Xalapa: 2003. Una Orquesta Filarmónica para Jalisco, Secretaría de Cultura del Gobierno de Jalisco,
Guadalajara: 2006 [Versión corregida y aumentada en portal AMAZON]. Son de Madera [La Guitarra
en el Universo de la Música Indígena de México]. Amazon. Es autor de más de veinte títulos con
diversas temáticas. Premio Cortes de Cádiz del mar 2012 por su ensayo La Cierva Dorada acerca de
los piratas y la piratería. Es desde el año de 2016, colaborador habitual del diario MILENIO con la
columna UMBRAL. Guitarrista de concierto por más de 35 años.
Randall Charles Kohl Smith / Es maestro de la Facultad de Música, de la Universidad Veracruzana,
y miembro del Sistema Nacional de Investigadores. Sus publicaciones incluyen los textos: Ecos de
“La Bamba”: una historia etnomusicológica sobre el son jarocho de Veracruz, 1946-1959 (IVEC:
2007); Estudios étnicos para la guitarra clásica (UV, 2009); Escritos de un náufrago habitual:
ensayos sobre el son jarocho y otros temas etnomusicológicos (UV, 2010); Octaviano Yáñez.
Antología de arreglos y composiciones para guitarra (UV/IVEC/GLM Studios, 2011);
Declaraciones del Son. El requinto jarocho en la creación social (Estado de Veracruz, 2013); y
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¿Músico pagado toca mal son? Unas miradas al mercado laboral del músico en Xalapa, Veracruz
(IVEC, 2018). Además, ha grabado varios CDs: Dos lados del corazón, composiciones originales
para guitarra clásica, una grabación de composiciones suyas para guitarra sola; Rags, Jazz,
Bluegrass y Más, una exploración de estilos estadounidenses para guitarra sola; Les Deux Amis,
música clásica para dos guitarras, con el guitarrista Roberto Aguirre; R. C. Kohl, con obras originales
para ensamble de guitarras y guitarra sola; Landscapes para guitarra y orquesta, producido con una
beca del IVEC; y Homenaje, con composiciones y arreglos del guitarrista orizabeño Octaviano
Yáñez, todos disponibles en www.cdbaby.com/Artist/RCKohl
Renier Garnier García / Villa Clara, Cuba, 1989. Licenciado en Música, en el perfil de Musicología
por la Universidad de las Artes (ISA), Cuba (2016); Maestro en Artes por la Universidad de
Guanajuato, México (2019); estudiante del Doctorado en Música de la Universidad Nacional
Autónoma de México (desde 2019). Sus trabajos forman parte de revistas cubanas, mexicanas y
argentinas. Ha participado en varios congresos de Latinoamérica y Estados Unidos. Se ha
desempeñado como profesor en la Escuela Profesional de Arte “Samuel Feijoó” de Santa Clara, en la
Escuela Nacional de Música y el Conservatorio “Amadeo Roldán”, todas instituciones cubanas. Ha
sido investigador y analista del Gabinete de Patrimonio Musical “Estaban Salas” de la Oficina del
Historiador de la Ciudad de La Habana. Ha desarrollado investigaciones sobre el jazz de la Isla y
entorno a la producción musical académica mexicana en Cuba. Sus textos aparecen en publicaciones
cubanas y mexicanas. Actualmente indaga sobre las relaciones sonoras y visuales en el video clip
cubano desde la sociología y la semiótica de la música.
Roberto Morales Manzanares / Músico, compositor, intérprete, investigador y profesor mexicano.
Tiene formación académica en piano y flauta. Como compositor, ha escrito música para teatro, danza,
cine, tv y radio y ha participado como compositor en foros nacionales e internacionales de música
contemporánea. Como intérprete ha participado en importantes foros, tanto con sus obras como con
las de otros compositores, incluyendo giras a Europa y Latinoamérica. Integró el grupo Música
Contemporánea Huasteca. Entre 1981 y 1984 crea el taller interdisciplinario de música, pintura,
poesía y danza, en donde nace el grupo Alacrán del Cántaro.1 Dirigió la Bienal de Arte Electrónico
Transitio_MX 2011. Fundó y es organizador del Festival Internacional el Callejón del Ruido. Creó el
Laboratorio de Informática Musical en la Universidad de Guanajuato entre 1992 y 1993. Como
investigador, Morales cuenta con 8 publicaciones en revistas arbitradas, ha sido invitado a varios
congresos nacionales e internacionales tales como la Sociedad Internacional de Inteligencia Artificial,
ICMC (International Computer Music Conference), First Brasilian Symposium on Computer Music,
IJCAI (International Joint Conference on Artifiical Intelligence) con sus trabajos referentes a
79
generación musical y composición algorítmica por medio de computadoras. En 1987 es cofundador
del primer laboratorio en México de Música por Computadora y Síntesis Digital en la Escuela
Superior de Música. Ha obtenido diversas becas y reconocimientos: FONCA, Fundación Bancomer,
Fundación Rockefeller, Fideicomiso para la Cultura México/EUA, Premio Nacional de Acústica,
entre otros. Ha sido invitado como compositor en residencia en la Universidad de Berkeley, San Jose
State University, Yale University y la Universidad McGill en Canadá, donde se utiliza su programa
de composición Algorítmica ESCAMOL. Actualmente, es profesor de la Universidad de Guanajuato
y forma parte del Sistema Nacional de Creadores en México, director del LIM (Laboratorio de
Informática Musical) en donde coordina y organiza el Festival Callejón del Ruido y los cursos de
música por computadora, composición algorítmica y síntesis digital. En 2013 estrena la primera opera
en idioma zapoteca "Dunaxhi". Morales forma parte de la AARSOM Asociación de Arte Sonoro
Mexicano.
Rogelio Álvarez Meneses / Pianista y musicólogo originario de la ciudad de Colima, México. En
2004 obtiene por la Universidad de Colima el grado de Licenciado en Música con la especialidad de
ejecutante de piano. Ha recibido clases magistrales de Guadalupe Parrondo, Eva María Zuk, Josep
Colom, etc. En 2002 realiza estudios de dirección coral con la Mtra. Irina Ouosova, perfeccionando
su técnica posteriormente con el Mtro. Enrique Azurza. Entre 2003 y 2008 fue director del Coro de
Cámara de la Universidad de Colima. Recibe en 2004, el Premio Estatal de la Juventud en el área de
música. Como pianista ha tenido una estrecha relación con el mundo vocal y operístico. Ha
desarrollado una constante actividad como repertorista y pianista acompañante de cantantes e
instrumentistas. Fuera de México se ha presentado en Estados Unidos, España y China. En la
Universidad de Oviedo realizó la Maestría en Análisis e Interpretación Musical, trabajando con el
Mtro. Josep Colom y el Dr. Ramón Sobrino Sánchez. También realizó la Maestría en Musicología en
la misma universidad española. En 2013 obtuvo el Doctorado en Música en el Departamento de
Historia del Arte y Musicología en la misma Universidad de Oviedo bajo la dirección del Dr. Ramón
Sobrino Sánchez. Su tesis doctoral “El compositor mexicano Ricardo Castro (1864-1907): vida y
obra” obtuvo la calificación sobresaliente cum laude y además obtuvo el Premio Extraordinario de
Doctorado en el área de Artes y Humanidades. El mismo año concluyó también la Licenciatura en
Historia y Ciencias de la Música, recibiendo el Premio de Fin de Carrera auspiciado por la Sociedad
General de Autores y Editores de España (SGAE). Ha investigado con especial profundidad los temas
relacionados a la historia de la música en México entre los siglos XIX y XX. En 2010 realizó el
hallazgo del epistolario que sostuvo el crítico y compositor mexicano Gustavo E. Campa (1863-1934)
con Felipe Pedrell, lo que constituye un legado de gran utilidad documental para la historia musical
80
mexicana. Su labor como investigador y conferenciante ha sido constante. Su línea de investigación
se relaciona con el patrimonio musical hispanoamericano, centrándose principalmente en el
desarrollo de la escuela pianística en México entre los siglos XIX y XX. Es miembro del Sistema
Nacional de Investigadores del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT).
Actualmente es Profesor e Investigador de Tiempo Completo de la Universidad de Colima adscrito
al Instituto Universitario de Bellas Artes. Es fundador y líder del cuerpo académico “Investigación,
creación, rescate y difusión de las expresiones artísticas”, adscrito a la Universidad de Colima (UCol-
CA-107).
Rubén Rangel Salazar / Es doctor en Ciencias Médicas por la Universidad de Guanajuato. Ha
tomado cursos y diplomados en la Universidad Pierre y Marie Curie de la Sorbonne, París;
Universidad de Valencia, España; Instituto Nacional de Medicina Genómica de México, Universidad
LaSalle Bajío y la Universidad de Guanajuato. Como pianista, es alumno de la Maestra Elena
Podzharova ha participado en festivales y concursos en México (Festival Internacional de Piano de
Guanajuato), Rusia (Festival Les Amateurs edición 2012, San Petersburgo), Francia (28th
International Piano Competition for Outstanding Amateurs, Paris) y Argentina (Festival Internacional
de Pianistas en Mar del Plata 2013). En julio de 2012 obtuvo el tercer lugar en el II Concurso
Internacional de Piano “Piano Bridges”, en la categoría II (pianistas amateurs), en la ciudad de San
Petersburgo, Rusia. Es cofundador del Colegio de Iniciación Musical del Bajío.
Sandara Velásquez / Pianista e investigadora musical, posee una licenciatura en interpretación con
Mención Honorífica por la Universidad Veracruzana, y maestría en interpretación por la Universidad
Nacional Autónoma de México, donde diversificó sus intereses hacia la investigación musical
presentando su trabajo: “Los concursos internacionales de piano: instituciones para la legitimación
del repertorio pianístico estándar”. Fue alumna de los pianistas Alejandro Corona, Sergei Sichkov y
Maria Teresa Frenk. Ha dado recitales en México, Costa Rica, Boston, Cuba y Bogotá; ha tomado
clases magistrales con Luca Chiantore, Alexandre Moutuzkine, Claudia Corona, Robert Koenig y
Luis Ascot. Ha participado como ponente en el II Simposio de Mujeres en la Música en San José,
Costa Rica, el X Coloquio Internacional de Musicología Casa de las Américas en La Habana y el II
Taller sobre Patrimonio Cultural ambos en La Habana, Cuba; las XIX Jornadas de Musicología de la
Asociación Argentina de Musicología en La Plata, Argentina y el II Congreso MUSAM de la
Sociedad Española de Musicología en Madrid, España.
Sara Escuer Salcedo / Doctora en Musicología por la Universidad Complutense de Madrid y titulada
superior en Dirección de Coro por el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Su tesis doctoral,
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dirigida por el Dr. Antonio Ezquerro Esteban (Consejo Superior de Investigaciones Científicas), versó
sobre el villancico en la catedral de Jaca a comienzos del siglo XVIII. Actualmente está finalizando
la catalogación de fondos musicales de los archivos de las catedrales de Jaca –su ciudad natal– y
Barbastro (España), así como el volcado de los registros obtenidos en la base de datos del RISM
(Répertoire International des Sources Musicales). Los resultados de algunas de sus investigaciones
en el archivo de la catedral de Jaca han sido publicados por la Institución ‘Fernando el Católico’
(Zaragoza) y en la revista Anuario Musical, editada por el Consejo Superior de Investigaciones
Científicas. Es profesora de Musicología en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León,
y profesora de Técnica de Dirección en el ‘Curso de Dirección de Coro’ de la Universidad Carlos III
de Madrid.
Saúl Alfonso Castellanos Chan / Es licenciado en Lengua Inglesa por parte de la Universidad de
Quintana Roo (2017) y actualmente se encuentra estudiando una maestría en Educación con énfasis
en tecnología educativa en la misma casa de estudios. De igual forma, cuenta con una carrera técnica
en Educación Musical por parte de la Escuela Estatal de Música de Quintana Roo (2014) y es
trompetista de la Banda de Música del gobierno del estado de Quintana Roo. Ha participado como
trompetista en la Orquesta Sinfónica Juvenil de Quintana Roo el cual ha ofrecido conciertos en varias
ciudades del estado. Ha impartido clases de música en el nivel primaria por dos años y clases de inglés
por el mismo tiempo. En julio del 2015, tomó un diplomado de música llamado “Técnica, didáctica
y transdisciplina” impartido por docentes de la Facultad de Música de la Universidad de Veracruzana.
Desde el inicio del posgrado su línea de investigación es la autoeficacia musical como elemento para
el fortalecimiento y el desarrollo de las habilidades interpretativas de estudiantes de primaria como
parte de su tesis de maestría.
Simone Iannarelli / Nació en Roma, Italia, estudió guitarra clásica con Massimo Delle Cese y se
graduó con honores en el Conservatorio “A. Casella” en L’Aquila. Durante sus estudios en Roma,
Iannarelli participó en clases magistrales impartidas por concertistas y compositores
internacionalmente reconocidos: Manuel Barrueco, David Russell, Roland Dyens, Sergio Assad,
entre otros. Estudió armonía y composición con Marco Persichetti, del Conservatorio de Santa
Cecilia, en Roma. Continuó sus estudios en París con el compositor, arreglista y guitarrita Roland
Dyens, luego estudió orquestación en el conservatorio “La Courneuve” en París, con Guillaume
Cornesson. Ha dado conciertos como solista y en dúo con soprano y violín por Francia, Alemania,
Italia, Suiza, Estados Unidos y México. Sus obras han sido publicadas por las casas Les Productions
d’Oz, Ed. Sinfónica, Ed. Berben, entre otras. Entre sus producciones discográficas se encuentran
Guitart y Playa Paraíso. Reconocido como docente de gran calidad, actualmente imparte cátedra en
82
el Instituto Universitario de Bellas Artes de la Universidad de Colima, en México, y desempeña su
labor como investigador en el CA 108 “Educación, gestión cultural y producción artística.
Sonia Medrano Ruiz / Obtuvo el primer lugar en el Concurso Nacional Jóvenes Ejecutantes en 1993,
convocado por la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Como solista de la Escuela
de Música de la Universidad Autónoma de Zacatecas, colaboró en el disco “Homenaje a Manuel M.
Ponce” (1995). Su interés por la investigación y difusión del patrimonio musical, le llevó a gestionar
recursos en 1999 para 3 grabaciones: “Canciones y Danzas Mexicanas del siglo XIX” en 2 volúmenes
y “Cantos y Juegos Tradicionales de México”; Otra de sus aportaciones fue el disco “Ópera San
Francisco Xavier” de las misiones de Bolivia, con fondos del FECAZ. “De tragedia, pasión,
añoranza y otras noticias; Canciones, Mañanas y Corridos Zacatecanos”, fue su contribución para
conmemorar el Bicentenario de la Independencia de México y el Centenario de la Revolución, misma
que fue presentada en la Federación de Zacatecanos en la Ciudad de Chicago, Illinois en 2010, esta
grabación contiene música de más de 200 años de la historia nacional. En 2017 grabó “El Corrido de
Tata Pachito” y “Las Mañanitas de Juárez” para la Fonoteca Nacional en la emisión 61, volumen 1
del disco “El Corrido Zacatecano” de la serie Testimonio Musical de México. En su afán por indagar
más de nuestro patrimonio musical, a través de su tesis de maestría (UAZ, 2014) “Música, ideas e
historia de Zacatecas. Siglos XIX y XX. Himnos, canciones, mañanas y corridos”, aportó un análisis
de las vertientes ideológicas de los compositores adscritos a distintas facciones y los géneros que
produjeron. Asimismo, su tesis de doctorado (UAZ, 2018) “Las Orquestas Típicas en Zacatecas. De
la invención a la consolidación de una tradición”, contribuye a entender el origen de las tradiciones
sonoras en el país. A partir del mes de marzo de 2019, se integró a la planta docente de la Licenciatura
en Turismo de la Universidad Autónoma de Zacatecas como docente investigadora de las materias
Patrimonio Gastronómico y Cocina, Cultura e Identidad-México y Zacatecas, y en el semestre actual
imparte Historia General de México.
Tania Chávez Nader / Pianista egresada de la Facultad de Música de la UV, ha sido ganadora de dos
becas Fulbright-García Robles que le permitieron realizar estudios de posgrado, obteniendo primero
una doble Maestría en Interpretación y Pedagogía del piano por parte de la Universidad de Houston
y después el Doctorado en Interpretación Musical en la Universidad Estatal de Arizona, universidad
en la que además se recibió con honores por su tesis: New perspectives on the life and music of the
mexican composer Rodolfo Campodónico Morales (1864-1926): study, edition and recording of six
rediscoveres piano waltzes. Como pianista su formación incluye la participación en las master clases
de Abdel Rahman, Pascal Devoyon, Horacio Gutierrez, Jorge Federico Osorio y Baruch Meir. Ha
ofrecido conciertos como pianista solista y en grupos de cámara en México, Francia, Estados Unidos
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y China. Además de la intensa actividad como catedrática de tiempo completo en la Universidad
Veracruzana en la que labora como maestra de piano, pianista acompañante y maestra de música de
cámara, Tania participa activamente con varios grupos de cámara. Debido a su particular interés en
la música para ensambles fue ganadora de un apoyo federal para desarrollar un proyecto de
Investigación de la Música para Pianistas, con un énfasis en las composiciones a dos pianos.
Teresa de Jesús Herrero Barranco / Natural de Murcia (España), nacio el 7 de junio de 1998.
Estudió la educación obligatoria en el colegio “El Buen Pastor”, cursó el bachillerato de Humanidades
en el instituto “Infante Don Juan Manuel”, mientras tanto estudiaba flauta travesera en la “Agrupación
musical juvenil de Cabezo de Torres”, un pueblo de la ciudad murciana, en esa agrupación estuvo
desde los 8 hasta los 18 años, además, a consecuencia de la participación en dicha agrupación, es
música federada de la Región de Murcia (España). Después, se mudó a Granada, en septiembre de
2016, para empezar en la universidad pública de dicha ciudad andaluza la carrera de “Historia y
ciencias de la música”, siendo el curso (2019-2020) su último año, encontrándose ahora mismo
estudiando su penúltimo semestre en la Universidad de Guanajuato (México). Como actividades
extracurriculares ha realizado diferentes cursos, entre los que destaco la obtención del nivel B1 de
inglés en “El centro de lenguas modernas” (Granada, España). Después de graduarse en la carrera, su
objetivo es seguir formándose en el campo de la investigación musical, contemplando la opción de
realizar el máster de investigación musical en la Universidad de Murcia.
Veda López Báez / Egresada de la Licenciatura en Historia de la UMSNH (2014-2018). Ponencia
“Época de oro del cine mexicano: una mirada histórica al imaginario social” en el 3er Encuentro
Nacional Interuniversitario de Investigación Humanística 2016. Ponencia “El odio a la Música:
reflexiones históricas en torno a Quignard en el V Encuentro Regional de Estudiantes de Historia
Centro-Sur 2017. Ponencia “Reflexiones histórico-románticas en torno a Travesuras del Amor de
Manuel Ocaranza” en el Quinto Encuentro Nacional Interuniversitario de Investigación Humanística
2018. Ponencia “Reconfiguración del panorama musical” en el Primer Encuentro Universitario de
Investigación en torno a la Música (ENUIM) 2019.
Víctor Barrera García / Originario de Morelia, Michoacán inició sus estudios de violín en la Escuela
de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo con el maestro Luis Sosa
Verduzco, continuando su formación en el Conservatorio Nacional de Música en la cátedra del
maestro Icilio Bredo Buggio, teniendo como maestros además a Marie Therese Dauplat, Mario
Lavista y Jorge Delezé entre otros. Realizó cursos de perfeccionamiento en pedagogía musical con
Helen Brunner, Stanford Reuning y Nancy Lokken además de estudios de maestría en Administración
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de Centros Educativos y cursos de especialización en nuevos modelos de financiación y mecenazgos
en la Universidad Europea Miguel de Cervantes, así como la maestría en Neurodidáctica en la
Universidad Rey Juan Carlos desarrollando una investigación neurocientífica que derivó en un
sistema de lectura musical para instrumentos de cuerdas frotadas dirigido a niños que no saben leer
ni escribir de 3 a 5 años de edad, mismo que le llevó a recibir una mención especial. Inicia su labor
pedagógica en el año de 1999 al obtener la posición de profesor de violín en el Conservatorio Nacional
de Música, por su desempeño como docente ha participado en eventos en los que se le ha
encomendado representar al Conservatorio Nacional de Música en conciertos, festivales y ciclos de
música tanto en la ciudad de México como en diversas partes de la República Mexicana, Europa,
Estados Unidos y Canadá. Realizó además el estreno mundial de una obra inédita del afamado
compositor Manuel M. Ponce. Como escritor publicó en 2011 con Random House Mondadori el libro
“Misterios Musicales” un viaje mágico por los sonidos de México y con Editorial Grijalbo “Para
Viajar: Aventuras sin salir de casa. Durante varios años escribió sobre temas de música en el portal
“The Happening” además de elaborar notas de programa de concierto para diversas orquestas. Es
miembro de la American String Teachers Association, Violin Society of America, Society for Music
Perception and Cognition y miembro fundador de la Asociación Mexicana del Método Suzuki.
Actualmente es director del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información
Musical “Carlos Chávez” y se encuentra al frente de una investigación neurocientífica con un equipo
conformado por matemáticos, neurólogos y neurocirujanos en torno al desarrollo de un nuevo modelo
de neuro-rehabilitación a partir de los principios funcionales de la plasticidad neuronal vinculados a
música, lenguaje y matemáticas en pacientes con problemas derivados de tumores cerebrales,
accidentes vasculares, afasias y problemas motores.
Víctor Manuel Pedro Marín Meléndez / Gestor cultural y docente originario de Tuxpan, Veracruz.
Licenciado en comunicación, maestro en gobierno y administración con enfoque en políticas
culturales por la BUAP. Cursa el primer semestre del doctorado en Artes en la Universidad de
Guanajuato. Diplomado en Apreciación del Arte (Universidad de Guanajuato y Forum Cultural
Guanajuato), en Políticas Públicas de Juventud (UNAM), Desarrollo Institucional y Gestión de la
Calidad, y Dirección Organizacional (Instituto de Administración Pública del Estado de Puebla).
Desde 2016 se desempeña como coordinador de Desarrollo Institucional del Museo de Arte e Historia
de Guanajuato, en el Forum Cultural. Continúa su labor docente —iniciada en 2008— a nivel
licenciatura en gestión y desarrollo interculturales de la ENES UNAM Unidad León, así como en
negocios turísticos de la Universidad De La Salle Bajío. Es miembro del Seminario de Cultura
Mexicana, Corresponsalía León. En Puebla desde 2013 es consultor creativo del Hotel Andante,
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dedicado a la música clásica y contemporánea. Ha sido jurado del programa de Becas de Innovación
Artística del Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (2014-2016), donde fue Secretario
Técnico (2008-2011) y director del Festival Barroquísimo; ha colaborado con la Facultad de Artes y
Diseño de la UNAM impartiendo cursos para CONACULTA (2013).
Yael Bitrán Goren / Es doctora en musicología por la Royal Holloway, University of London. Ha
publicado artículos en revistas como Heterofonía, Pauta, Anales del Instituto de Investigación
Estéticas, y Resonancias así como capítulos de libros en México, España, Chile, Estados Unidos e
Italia. Es traductora especializada en música, entre otros participó en el equipo que tradujo al
español The Oxford Companion to Music para el Fondo de Cultura Económica. Ha sido docente en
la Universidad Iberoamericana, en el Conservatorio Nacional de Música, la Universidad Alberto
Hurtado en Santiago de Chile y actualmente es maestra en la licenciatura y el posgrado en la Facultad
de Música de la UNAM, donde dirige tesis de Maestría y Doctorado, y pertenece al Subcomité de
Admisiones en Musicología. Fue Landsowne Speaker en el Latin American Studies Program de la
Universidad de Victoria en British Columbia, Canadá en marzo de 2019. Ha dado ponencias y
conferencias en Estados Unidos, Canadá, México, Chile, Argentina, Brasil, Inglaterra, Irlanda, Italia
y España. De 2014 a 2018 fue directora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e
Información Musical “Carlos Chávez” (CENIDIM) del INBAL. Es investigadora titular del
CENIDIM y pertenece al Sistema Nacional de Investigadores, nivel I.
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COMITÉ ORGANIZADOR
Dr. Juan Hugo Barreiro Lastra
Dr. Alfonso Pérez Sánchez
Mtro. Pablo Alejandro Suárez Marrero
Mtro. Renier Garnier García
COMITÉ CIENTÍFICO
Dra. Victoria Eli Rodríguez
Dra. Miriam Escudero Suástegui
Dra. María Antonia Virgili Blanquet
Dra. Anastasia Krutitskaya
Dra. Bárbara Pérez Ruiz
Dra. Claudia Fallarero Valdivia
Dra. María Alice Volpe
Dra. Yael Bitrán Goren
Dr. Benjamín Valdivia Magdaleno
Dr. Alejandro Martínez de la Rosa
Dr. Héctor Luis Goyena
Dr. Luis Jaime Cortez Méndez
Dr. Rodrigo Sigal Sefchovich
Dr. Víctor Sánchez Sánchez
Dr. (C) Edgar Alejandro Calderón Alcántara
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AUTORIDADES
Dr. Luis Felipe Guerrero Agripino
(Rector General de la Universidad de Guanajuato)
Dra. Cecilia Ramos Estrada
(Secretaria General de la Universidad de Guanajuato)
Dr. Sergio Antonio Silva Muñoz
(Secretario Académico de la Universidad de Guanajuato)
Dr. Jorge Alberto Romero Hidalgo
(Secretario de Gestión y Desarrollo de la Universidad de Guanajuato)
Dra. Teresita de Jesús Rendón Huerta Barrera
(Rectora del Campus Guanajuato)
Dra. Claudia Gutiérrez Padilla
(Secretaria Académica del Campus Guanajuato)
Dr. Francisco Javier González Compean
(Director de la División de Arquitectura, Arte y Diseño)
Dra. María Isabel de Jesús Téllez García
(Secretaria Académica de la División de Arquitectura, Arte y Diseño)
Mtro. Luis Flores Villagómez
(Director del Departamento de Música y Artes Escénicas)
Mtro. (C) Jonathan Josafat González García
(Coordinador Académico de la Licenciatura en Música)
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SEDES
Edificio de las Artes, Sede Marfil (DCEA),
Campus Guanajuato, Universidad de Guanajuato, Gto.
Casa Cuatro – Maz+ahua Espacio Cultural,
Centro Histórico de Guanajuato, Gto.
Templo de la Compañía,
Centro Histórico de Guanajuato, Gto.
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