TRABAJO DE MUSICA

ANYELA CAROLINA SALZAR GRANADOS

COD: 23

MATERIA:

EXPRESION CORPORAR

COLEGION INTEGRADO JORGE ISSAC

9 DE MARZO DE 2010

BUCARAMANGA

TRABAJO DE MUSICA

ANYELA CAROLINA SALZAR GRANADOS

COD: 23

DOCENTE:

MELISSA

MATERIA:

EXPRESION CORPORAR

COLEGION INTEGRADO JORGE ISSAC

9 DE MARZO DE 2010

BUCARAMANGA

TABLA DE CONTENIDO

INTRODUCCION…………………….………………..1

EL VALLENATOSU SIGNIFICADO……………………….……………..2

SU ETIMOLOGIA…………………………….………..3

INSTRUMENTOS…………………………….……….4

CARACTERISTICAS………………………….………….5

ORIGEN……………………………………….…………….….6

CASES DE VALLENATO……………………….…………….7

VALLENATO TRADICIONAL…………………………………….7

VALLENATO COMERCIAL……………………………….…….7

VALLENATO ROMANTICO……………………………….…….7

VALLENATO DE LA NUEVA OLA……………………………….7

GANADORES DEL FESTIVAL DE LA LEYENDA VALLENATA………………………………………..…….8-9-10

EL MEREGUEORIGEN MUSICAL………………….………………….12

EVOLUCION………………….………………….………13

EL MERENGUE CONTEMPORANEO………………….14

HISTORIA Y EXPANSION………………….……………15

ORIGENES………………….………………….16-17

SALSA

SU SIGNIFICADO………………….………………….18

EVOLUCION………………….………………….……19

AÑOS SETENTA………………….………………….20

AÑOS 80………………….………………….………21

1990 AL PRESENTE………………….……………….22

LA SAMBAHISTORIA………………….………………….23-24

SUGENEROS…………………………………..25-26-27

CONCLUSION Y JUSTIFICACION...………….28

BIOGRAFIA………………….………………….29

INTRODUCCION

En el siguiente trabajo encontraremos géneros musicales más comunes en Colombia y países

vecinos.

Este costa de su origen, su características su evolución, sus instrumentos, su historia y su ex

pación por Colombia y resto del mundo.

Atraves de este trabajo podemos tener un mayor conocimiento sobre las grandes riquezas de nuestro país y los grandes avances que ha llego a obtener también conocer un poco de su

nacimiento e historia.

“EL VaLLeNaTo”

¿QUE ES?

El vallenato es un género musical autóctono de la Costa Caribe colombiana, con epicentro en la antigua provincia de Padilla (actuales sur de La Guajira, norte del Cesar y oriente del Magdalena) y una variante importante en la región sabanera de los departamentos de Bolívar, Sucre y Córdoba. Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del país y países vecinos como Venezuela, Panamá y Ecuador. Se interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón diatónico, la guacharaca y la caja (tambor pequeño de cuero de chivo). Los ritmos o aires musicales del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora. 1 El vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la cumbia en cumbiambas y grupos de millo.

SU ETIMOLOGÍA:

No se sabe con exactitud de dónde proviene la palabra "vallenato", a pesar de las muchas hipótesis que han sido expuestas. Sin embargo, a principios del siglo XX, tenía una connotación despectiva y a los propios habitantes de Valledupar no les gustaba. Por tal motivo, en 1915 don Miguel Vence, educador de primaria, fundó una Academia de la Lengua de Valledupar, la cual sesionó una sola vez y determinó que el gentilicio de los nacidos en Valledupar fuera "valduparense".2

Generalmente se define al vallenato como un género musical de la Costa Caribe colombiana, más precisamente del área de influencia de Valledupar, capital del departamento de Cesar. Se sostiene que el nombre proviene del gentilicio popular de los nacidos en la ciudad donde tiene mayor arraigo este género. Según algunos, se trata de un neologismo que nació con los nativos viajeros en mulas, que cuando se les preguntaba en otras tierras de dónde eran, en su decir campesino respondían "Soy nato del Valle", que es como decir "Soy del Valle nato".3

No obstante que el término "vallenato" puede referirse a los nacidos o a las cosas que se originan en Valledupar (Valle de Upar, el valle de Eupari, cacique indígena legendario de la región),4 existen otras versiones de la denominación: Según Barrameda Morán, el vocablo "ballenato" pasó a designar a todas las personas que padecieran la contaminación sanguínea producida por el jején, fueran oriundos o no de Valledupar y dice: "La tendencia popular a confundir V con B en su pronunciación, terminó por generar el nuevo vocablo: Vallenato".3

De manera similar, otra versión sostiene que en las áreas rurales de los bancos del río Cesar, muchos de los habitantes extremadamente pobres sufrieron de una enfermedad producida por un mosquito que les dejó la piel seca y escamosa, con parches descoloridos. La gente asoció la enfermedad con las ballenas recién nacidas (ballenatos), también llamadas "pintaos", que tienen un color manchado de blanco y rosado, parecido a la enfermedad dérmica llamada carate o jovero, por

lo cual se identificaba a quienes la padecían como caratejos o ballenatos. De tal forma que "vallenatos" llegó a ser un nombre para menospreciar a la gente pobre el río.

INSTRUMENTOS:

ACORDEÓN, CAJA Y GUACHARACA, CONSIDERADOS LOS INSTRUMENTOS BÁSICOS DEL VALLENATO.

Las melodías de estos cantos se interpretaron primero con la flauta de caña de millo o carrizo, abierta en sus dos extremos con cuatro orificios en su longitud y una lengüeta que forma la embocadura y pisa un hilo, sostenido por los dientes, para modular el sonido; a ella se sumaron la caja, una especie de tambor pequeño hecho artesanalmente del tronco hueco de los árboles secos y sellado en uno de sus extremos con un pedazo de cuero templado, y la guacharaca, instrumento ancestral indígena que se fabrica utilizando un pedazo de cañabrava a la que se le hacen pequeñas ranuras sucesivas para producir un sonido raspativo al ser frotadas con un hueso (originalmente).

A finales de 1800, décadas después de su invención, el acordeón llegó a Colombia por el puerto de Riohacha, en la Península de la Guajira, en las manos de los marinos y los piratas europeos, y aquí se quedó para siempre como compañera de esos vaqueros y campesinos que desentrañaron sus secretos melódicos y la incorporaron a sus expresiones musicales, y paulatinamente fue sustituyendo al carrizo hasta convertirse en el instrumento principal del conjunto típico de música vallenata.

Además de estos tres instrumentos, caja, guacharaca y acordeón, que representan la tri-etnia que dio origen a la raza y cultura de la Costa Caribe colombiana, el conjunto típico vallenato de hoy presenta un cuarto elemento básico que es el cantante, de más o menos reciente incorporación a raíz de los festivales vallenatos, ya que hasta los años 60 del siglo XX la costumbre era que el acordeonero o acordeonista, llevara la voz

cantante e interpretara él mismo la letra de las canciones que tocaba.

Acordeón diatónico: Instrumento de origen austriaco, inventado en su forma actual por Kiril Demian en Viena en 1829 y que fue introducido de contrabando por inmigrantes alemanes procedentes de Curazao por Riohacha (en las costas de la Guajira) hacia 1885. Los músicos vallenatos lo modifican para que produzca su caraterístico sonido.6

Caja: Instrumento de percusión de origen africano. Se trata de un tambor pequeño cuyo parche se fabricaba de buche de caimán, luego de piel de marimonda negra y actualmente de cuero de chivo, venado o carnero. El vaso se hace de un tronco de árbol hueco de 40 cm de alto y 30 cm de diámetro. El árbol debe ser de tronco fibroso, como mucurutú, cañahuate o matarratón.7

Guacharaca: Instrumento cóncavo de fricción de 40 cm de largo que se elabora del tallo de la uvita de lata. Su nombre proviene de la guacharaca o pava silvestre.

CARACTERÍSTICAS

El vallenato o la música vallenata hace parte de la música folclórica de la Costa Caribe colombiana. Es el ritmo musical colombiano que ha alcanzado más popularidad, tanto a nivel nacional como internacional.

Lo que hace característico al vallenato tradicional es ser interpretado sólo con tres instrumentos que no requieren de amplificación alguna: dos de percusión (la caja y la guacharaca), que marcan el ritmo, y el acordeón diatónico (de origen europeo) con el que se interpreta la melodía. No obstante, en algunas ocasiones las canciones se componen o interpretan con otros instrumentos: la guitarra, la flauta, la gaita y el acordeón cromático. Por otra parte, para el vallenato comercial es común no sólo la incorporación de estos instrumentos, sino también del bajo eléctrico y otros de percusión, como las congas y los timbales.

La importancia que adquirió el vallenato en las últimas décadas del siglo XX llevó a la organización de festivales en los que los acordeoneros compiten por el honor de ser declarado el más hábil ejecutor de cada uno de los aires tradicionales (a excepción, inexplicablemente, de la tambora). El más célebre de

estos festivales es el Festival de la Leyenda Vallenata, que se celebra anualmente a fines de abril en Valledupar, y cuya primera versión se disputó en 1968. Desde 1987, el Festival Cuna de Acordeones de Villanueva, Guajira, se ha convertido en el segundo de mayor importancia.

En el vallenato el modo de uso del acordeón diatónico requiere usar simultáneamente ambos lados del acordeón. Lo anterior caracteriza al acordeonero colombiano y diferencia al vallenato de los otros géneros musicales con acordeón, donde generalmente se suprime o subutiliza la parte de los bajos (ejecutados con la mano izquierda): En Colombia, la forma armónica y rítmica con que el acordeonero maneja los bajos es un factor relevante de calificación en los festivales vallenatos.

ORIGEN:

LLANURAS DEL CESAR. AL FONDO, LA SIERRA NEVADA DE SANTA MARTA.

El vallenato nace en una vasta región enmarcada por los ríos Magdalena, Cesar y Ranchería, el mar Caribe, la Sierra Nevada de Santa Marta y las estribaciones de la Serranía del Perijá, hace más de 200 años.

Los cantos de vaquería con que los peones de las grandes haciendas acompañaban sus jornadas vespertinas para recoger y encerrar el ganado, fueron la base de lo que más tarde se convertiría en las historias cantadas que derivaron en las canciones vallenatas.

Los primeros acordeoneros de que se tiene memoria fueron a la vez autores de los cantos que interpretaban; cantos que ya tenían una clara diferencia rítmica y una estructura musical

propia que les valieron ser clasificados como paseos, merengues, puyas, tamboras y sones. Entonces no había, como hoy, una persona especializada únicamente en componer el canto, otra en ejecutar la melodía en el acordeón y una tercera que los cantara. El acordeonero era un músico integral que con igual destreza hacía sonar el acordeón como interpretaba cantos de su propia inspiración o, en ocasiones, de un tercero. Y hechos los primeros cantos, los acordeoneros se convirtieron en correos cantados, en periodistas musicales, juglares, que iban de pueblo en pueblo y de vereda en vereda llevando la información de los últimos sucesos narrados en los merengues, paseos, puyas, sones y tamboras que cantaban cuando se reunían a descansar y, en ocasiones especiales, a bailar en cumbiambas que se formaban con motivo de las fiestas patronales, entre otras ocasiones.

CLASES DE VALLENATOS:

Vallenato tradicional :

De carácter eminentemente folclórico, es el vallenato ejecutado en los festivales, como el Festival de la Leyenda Vallenata o el Cuna de Acordeones. Comprende la totalidad de los ritmos tradicionales, la puya, el paseo, la tambora, el son y el merengue. Su temática abarca hechos de la vida cotidiana, la amistad, la parranda, la tierra y la mujer. Es la música que cultivaron los juglares como Alejandro Durán, Abel Antonio Villa, Luis Enrique Martínez, "Pacho" Rada, "Colacho" Mendoza, Rafael Escalona, entre otros.

Vallenato comercial:

Es una de las primeras corrientes vallenatas, conocida como "yuca" hacia los años 80. Se empezó a escuchar en las emisoras comerciales a principios de los años 70. Sus principales representantes son Jorge Oñate, Los Hermanos Zuleta, Diomedes Díaz, el Binomio de Oro, Los Betos e Iván Villazón, entre otros. Predomina el paseo y, en menor proporción, el merengue. Se considera el causante de la decadencia de la puya y el son.

Vallenato romántico :

Está influenciado por otros ritmos como la balada[cita requerida], se basa principalmente en el paseo y últimamente en la denominada romanza. Su principal característica radica en la letra, donde exclusivamente se le canta al amor. Sus temas incluyen amores, despechos, distanciamientos, reconciliaciones etc. Por lo general se exceptúan los nombres propios para facilitar sus dedicatorias. Es el subgénero que más aceptación tiene en el interior de Colombia y en México, Paraguay, Argentina etc, sin embargo no goza de mucha popularidad en el Cesar, La Guajira y el Magdalena, considerados los departamentos colombianos vallenateros por excelencia. Aunque en la actualidad todos los conjuntos y cantantes vallenatos interpretan vallenato romántico, algunos de sus representantes más importantes son el Binomio de Oro, Los Diablitos, Los Gigantes del Vallenato, Los Inquietos, Los Chiches y Nelson Velasquez.

Vallenato de la Nueva Ola :

Durante los primeros años de este nuevo milenio ha surgido un movimiento al interior de la música vallenata que propone su modernización[cita requerida], pero retornando a los principios fundamentales que tenía el género antes del vallenato romántico[cita requerida]; es aquí donde se ha visto la combinación de las clásicas letras vallenatas combinadas con música electrónica, reggae y otros ritmos externos.

GANADORES DEL FESTIVAL DE LA LEYENDA VALLENATA

Hugo Carlos Granados, Rey de Reyes 2007.

Nº Año AcordeoneroCanción inédita

Canción ganadora

Piqueria

11968

Alejandro Durán "Alejo"

--------------- ---------------- --------

21969

Nicolás "Colacho" Mendoza

Gustavo Gutiérrez

Rumores de viejas voces

--------

31970

Calixto "Calabacito" Ochoa

Freddy Molina

El indio desventurado

--------

41971

Alberto Pacheco

Santander Durán

Lamento arhuaco

--------

51972

Miguel LópezCamilo Namén

Recordando mi niñez

--------

61973

Luis E. Martínez "El Pollo Vallenato"

Armando Zabaleta

No vuelvo a Patillal

--------

71974

Alfredo Gutiérrez

Nicolás Maestre

El hachero --------

81975

Julio de la Ossa No hubo Desierto --------

91976

Nafer DuránAlonso Fernández

La profecía --------

101977

José Ma. "Chema" Ramos

Julio Oñate M.

Yo soy vallenato

--------

111978

Alfredo Gutiérrez

Octavio Daza D.

Río Badillo --------

121979

Rafael Salas Pedro García El poeta pintorAndrés Beleño

131980

Elberto "El Debe" López

Tomás D. Gutiérrez

Voz de acordeones

Luis Manjarrés

141981

Raúl "El Chiche" Martínez

Fernando Dangond

Nació mi poesíaWilman Rodríguez

151982

Eliécer OchoaGustavo Gutiérrez

Paisaje de solAntonio Salas

161983

Julio Rojas Julio Díaz M.Yo soy el acordeón

Alcides Manjarrés

171984

Orangel "El Pangue" Maestre

Juvenal Daza B

La espinitaAlcides Manjarrés

181985

Egidio Cuadrado

Emiliano Zúleta D.

Mi acordeónJosé Villero

19 198 Alfredo Rafael Ausencia Ivo Luis

6 Gutiérrez Manjarrés sentimental Díaz

20§1987

Nicolás "Colacho" Mendoza

Santander Durán

La canción del valor

No hubo

211988

Alberto "Beto" Villa

Marciano Martínez

Con el alma en la mano

Juan M. Oviedo

221989

Omar Geles "El Diablito"

José Fco. Mejía M

Puya Almojabanera

Luis Mario Oñate

231990

Gonzalo "El Cocha" Molina

José Fco. Mejía M.

No hay tierra como mi tierra

Rafael Zuleta

241991

Julián RojasGustavo Calderón

Momentos del ayer

José Bornacelly

251992

Alfredo "El Pollo" López

Hernando Marín

Valledupar del alma

Declarado desierto

261993

Alberto Rada Ivo Luis Díaz Dame tu almaAlcides Manjarrez

271994

Julio RojasIván Ovalle Poveda

Yo vivo enamorado del Valle

Guillermo Arzuaga

281995

Freddy SierraHortensia Lanao

¿Qué hago Señor?

Andrés Barros

291996

Juan David "El Pollito" Herrera

Alfonso Cotes Maya

La cabeza de Pavajeau

Wilman Felizzola

30§1997

Gonzalo "El Cocha" Molina

Emiliano Zuleta D.

Mi pobre Valle No hubo

311998

Saúl Lallemand Luis Cujia Yo soy el cantor José Ariza

321999

Hugo Carlos Granados

Félix CarrilloMi pobre acordeón

Julio Cárdenas

332000

José Ma. "Chemita" Ramos Jr.

Santander Durán

Cantares de Vaquería

José Bornacelly

342001

Álvaro MezaWiston Müegues

La Estratificación

Julio Salas

352002

Navín LópezMelquisedec Namén

Vestida de gloria

José Félix Ariza

362003

Ciro MezaMartha Guerra

Un soncito tolimense

Teobaldo Peñaloza

372004

Harold RiveraGuillermo Doria

Raíces de OroJosé Félix Ariza

382005

Juan José Granados

Julio César Daza

Sueño VallenatoJulio Cárdenas

392006

Alberto Jamaica Ever JiménezEl Valle es tu casa

Rubén D. Ariza

40§2007

Hugo Carlos Granados

Santander Durán

Entre cantoresJosé Bornacelly

412008

Cristian Camilo Peña

Rafael Escobar

El que te cantaJosé Félix Ariza

422009

Sergio Luís Rodríguez

Willian Klinger

Yo también soy vallenato

Martín Lozano

“EL MeReNGUe”

El merengue es un estilo musical y de baile originado en el Caribe, específicamente en la República Dominicana a fines del siglo XIX. En sus orígenes, el merengue era interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el Acordeón, la africana por la Tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la Güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Línea Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte.

Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el Saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas con secciones instrumentales de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del Rosario, Wilfrido Vargas, Juan Luis Guerra, entre otros.

ORIGEN MUSICAL:

El merengue tiene elementos de la contradanza, la mazurca y el vals europeo, cuya influencia se extendió por Haití, Venezuela y las Antillas, donde se acompañaba con instrumentos típicos como el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce, más tarde, con la tambora, el güiro, la bandurria y el acordeón. Según algunos, nació como una melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos.

El merengue procede de una de las partes de una melodía llamada UPA Habanera con origen en África Occidental, que pasó a Puerto Rico y Venezuela, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo XIX, entre 1838 y 1849.[cita requerida]

Este baile tenía un movimiento llamado merengue que le dio el nombre al baile actual. En 1844 el merengue aún no era popular, pero en 1850 ya se puso de moda y fue bien acogido entre los dominicanos. En la década de 1850 se desencadenó una campaña en contra del merengue, que ya se había ido difundiendo entre las masas populares pero que era rechazado por la clase alta por su vinculación con la música africana y por sus letras picarescas y vulgares.

EVOLUCIÓN:

El merengue era una danza festiva, para divertirse, por lo que se extendió rápidamente entre las fiestas del pueblo, por lo que el rechazo inicial fue vencido. En 1875 Ulises Espaillat inició otra campaña contra este baile que fracasó estrepitosamente, pues éste ya había cautivado a toda la región de Cibao, considerada hoy cuna del merengue. A principios del siglo XX, músicos cultos y muy populares como Juan Espínola y Julio Alberto Hernández apoyaron la difusión del merengue en los salones de baile.

Su éxito no fue inmediato ya que a pesar de que establecieron la forma musical del merengue, no pudieron conseguir que el merengue penetrara en la alta sociedad y se considerara como una creación del pueblo dominicano. Pero a partir de 1930, el merengue logró difundirse en zonas donde antes era desconocido, en parte gracias al reciente uso de la radio y al gusto del dictador Rafael Leonidas Trujillo por esa forma de baile . A pesar de esto, la alta sociedad dominicana siguió sin aceptarlo hasta que una familia de buena posición solicitó al músico Luis Alberti que compusiera un merengue de letra decente para amenizar una de sus fiestas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.

EL MERENGUE CONTEMPORÁNEO:

Para los finales de los 70s el merengue empieza el periodo llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y caracter que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.

Algunos de los artistas más destacados son: Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Milly Quezada, Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Víctor Roque y La Gran Manzana, Dionis Fernández y El Equipo, El Zafiro, Fernando Villalona, Bonny Cepeda, Eddy Herrera, Héctor Acosta, Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Las Chicas del Can y Juan Luis Guerra .

Por otra parte pero no menos importante, encontramos también el merengue hip-hop, el cual se inició en la década de los 90, este genero naciente a partir del merengue, este tuvo una gran oleada de fanáticos y seguidores, la mayoría de ellos jóvenes, tomando en cuenta que los adultos también disfrutaron de este genero y que aún se disfruta en la actualidad, el merengue hip-hop tuvo como principales protagonistas las agrupaciones: “Fulanito”, “Sandy y Papo”, “Proyecto Uno”, “Ilegales”, entre otras agrupaciones.

El merengue ha sido adoptado por otras culturas, que aunque gozan de otras influencias, eligieron este género musical como base de desarrollo de nuevos sonidos y fusiones. Y aunque influenciados por maestros del merengue y figuras prominentes de la época de oro del merengue en suelo dominicano, lograron darle un estilo propio y llevarlo a un nivel internacional y de respeto. Uno de estos exponentes lo es el puertorriqueño, Elvis Crespo, quien recoge la base de este género dominicano y lo

hace propio, logrando ser uno de los máximos exponentes alrededor del mundo.

Salsa es un género musical, desarrollado por la comunidad latinoamericana en Nueva York a principios de los años 70. Partiendo del Boogaloo y la Pachanga, géneros desarrollados en los años 60 por Puertorriqueños y otros grupos latinos en los barrios de Manhattan, la Salsa incorpora elementos melódicos del Jazz, Soul y Rock and Roll, y rasgos armónicos de la música cubana y del folclor latino, utlizando como base rítmico varios géneros afro-latinos, incluyendo la Cumbia, la Plena, la Bomba, y el Merengue, así como la guaracha, el guaguancó, mambo, chachachá, y sobre todo, el son montuno en donde se afinca la misma .

En 1933 Ignacio Piñeiro utiliza el término «échale salsita» en un tema musical del son cubano.

HISTORIA Y EXPANSIÓN:

En los años treinta, cuarenta y cincuenta, la música cubana dentro de Cuba se fue desenvolviendo a través géneros nuevos derivados primariamente del son y la rumba, mientras que los cubanos en Nueva York, vivían entre muchos latinos de Puerto Rico y otros países que comenzaron a tocar géneros propios distintivos, influenciados por la música africana. En Puerto Rico ya también se veía el crecimiento de este genero con mezclas de sus propias etnias.6 Esta música incluye el son y la guaracha, así como tango, bolero y danza, con prominentes influencias del jazz.7

La salsa evolucionó a fines de los años setenta y en los años ochenta y noventa. Nuevos instrumentos, nuevos métodos y formas musicales (como la música de Brasil) fueron adaptados a la salsa. Nuevos subgéneros aparecieron como las dulces canciones de amor de la salsa romántica. Mientras tanto la salsa se convirtió en parte importante de la escena musical en Venezuela, México y tan lejos como Japón. Diversas influencias incluyendo prominentemente el hip hop, vinieron a evolucionar el género. A la llegada del siglo XXI, la salsa se ha convertido en una de las formas más importantes de la música popular en el

mundo y las estrellas de la salsa son celebridades internacionales.

ORÍGENES:

Las raíces de la salsa pueden remontarse a los ancestros africanos que fueron enviados al Caribe por los españoles como esclavos. Es en África donde con mayor frecuencia la música es principalmente interpretada o acompañada por instrumentos de percusión, tales como la conga o la pandereta, comunes en la salsa.

El antecedente más directo de la salsa es el Son cubano, el cual es una combinación de influencias españolas y africanas. En general, la música tradicional cubana es considerada como origen de la salsa. Como precursores de la salsa se considera principalmente a los géneros son y el Mambo, además de los ritmos tradicionales de la Rumba cubana(guaguancó-yambú-columbia, guaracha, bolero. Muchas bandas de son, han sido populares en Cuba, comenzando en los años treinta; éstos fueron septetos y sextetos.8 Finalizando los años cuarenta, estas bandas crecieron mucho, convirtiéndose en orquestas de mambo y guaracha, lideradas por directores de orquesta como Ignacio Piñeiro, Arsenio Rodríguez y Félix Chappotin.9

Si hablamos de los orígenes de la salsa, mención aparte merece el gran Rafael Hernández Marín (1891-1965, Míster Cumbanchero) compositor puertorriqueño, mundialmente conocido por sus boleros y canciones, principalmente El Cumbanchero, Campanitas de Cristal y Lamento Borincano considerado por muchos como el «padre de la guaracha» (género que hoy se conoce como salsa). "El Cumbachero",10

"Lamento borincano", "La cucaracha". También hay que hacer mención al venezolano Hugo Blanco, autor de la canción Moliendo café.11 una de las primeras, sino la primera, interpretación de salsa.

Durante una recepción en honor a Puerto Rico realizada en la Casa Blanca, el fallecido presidente John F. Kennedy saludó a Hernández diciéndole en español: «¿Qué tal, Mister Cumbanchero?»

En la ciudad de Nueva York, en el centro para el mambo en los Estados Unidos, el Palladium Ballroom, y en la Ciudad de México, donde la industria fílmica atrajo a músicos de diferentes latitudes, el estilo cubano de las bandas fue formado por cubanos, portorriqueños y dominicanos. Podríamos mencionar especialmente a la Sonora Matancera, Orquesta Aragón, Machito, Dámaso Pérez Prado, Tito Puente, Johnny Pacheco y Tito Rodríguez.12

El mambo fue muy influenciado por el jazz y fueron las grandes bandas de mambo las que mantuvieron viva la larga tradición del jazz mientras los maestros originales del jazz se estaban moviendo en las pequeñas áreas de la era del bebop.13 En los años cincuenta, la música bailable cubana, como el mambo, la rumba y el chachachá, fueron música de corriente principal en los Estados Unidos y Europa.

No podemos ignorar la importancia que tuvo el crisol de músicos latinos en los Estados Unidos, en especial en el área de Nueva York. En los años cuarenta y cincuenta, orquestas como la de Xavier Cugat y Machito, excelentes intérpretes como Tito Rodríguez y Miguelito Valdés y la presencia del Ciego Maravilloso (Arsenio Rodríguez) y su Conjunto, fueron sentando las bases para el cosmopolita sonido de la salsa. La música cubana interpretada en Nueva York desde 1960 fue liderada por músicos como Ray Barretto y Eddie Palmieri, influenciados por ritmos cubanos importados (como la pachanga y el chachachá). Si bien después de la crisis de los misiles de 1962, el contacto

cubano-estadounidense decayó profundamente,13 el resultado fue el crecimiento de la influencia puertorriqueña en la música cubana desarrollada en Nueva York. La comunidad portorriqueña de Nueva York, llamada por los estadounidenses [Nuyorican|Nuyoricans]], influenciada por muchas culturas latinas, así como por el contacto cercano con reconocidas celebridades cubanas (Miguelito Valdés, Chano Pozo, Arsenio Rodríguez) se hizo del liderazgo del desarrollo musical de la futura salsa.

“La SaLSa”De cualquier forma, se dice que el crecimiento de la salsa moderna comenzó en las calles de Nueva York a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Por esta época, el pop latino no tomó una fuerza importante en la música estadounidense, al perder terreno frente al doo wop, al R&B y al rock and roll; pero hubo unos pocos ritmos jóvenes para danzas latinas tales como el soul y la fusión de mambo boogaloo, pero la música latina dejó de ser parte importante de la música popular estadounidense.

Con la salsa se originó una nueva corriente musical, para lo que colaboraron músicos de muchos países diferentes de América Latina. Sin embargo, se pueden identificar a sus precursores en la historia de la música.

Manhattan Recording Company, Fania Records, introdujo muchos de los primeros cantantes y músicos de la primera generación al mundo.16 Fundada por el flautista dominicano y líder de banda Johnny Pacheco y Jerry Masucci, la ilustre carrera de la Fania comenzó con Larry Harlow, El Malo de Willie Colón y el «Cantante de los Cantantes», Héctor Lavoe en 1967.16 Esto fue

seguido por una serie de modernos son montuno y plena que se desarrolló en la salsa en 1973.

EVOLUCION:

Casi al mismo tiempo surgieron más centros de la salsa en Puerto Rico, Perú, Ecuador, Panamá, Venezuela y Colombia. En Estados Unidos el boogaloo precedió a la salsa, la cual —después de un corto apogeo— lo sustituyó casi completamente.

Por razón de los muchos inmigrantes cubanos en Estados Unidos, Miami se convirtió en la segunda gran metrópoli de la música cubana, y por consiguiente, de la salsa. Contrariamente a Nueva York, la comunidad cubana determinó mucho más la vida en Miami, así que la feria en la Calle 8 casi ha aventajado al festival tradicional en el Madison Square Garden. Desde Nueva York la ola de salsa se derramó primero en América Latina, y en los años ochenta hacia Europa. Debido a los muchos emigrantes de Perú, Ecuador se fundaron también importantes enclaves de salsa en Japón.

Fue el sello Fania Records, de Johnny Pacheco y Jerry Massucci quien dio el espaldarazo a este género al grabar y distribuir los discos de la gran mayoría de las estrellas salseras de los años setenta. La agrupación de todas esas estrellas formaron la Fania All Stars, considerada por muchos como la máxima expresión de la salsa, que realizó inolvidables conciertos en varios clubes neoyorquinos así como en lugares alejados como Japón y África.

AÑOS SETENTA:

Desde Nueva York, la salsa se expandió rápidamente a Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Panamá, Ecuador, Perú, República Dominicana, México, y otros países latinos. Músicos y cantantes como Tito Puente y Celia Cruz solidificaron sus nombres no solo en hogares latinos estadounidense sino sobre todo en el Caribe. Después, grupos como el El Gran Combo, Roberto Roena Y Su Apollo Sound y La Sonora Ponceña entre otros, los siguieron.

En los años setenta se produjeron muchas innovaciones musicales entre músicos salseros. El cuatro puertorriqueño fue introducido por Yomo Toro y el piano eléctrico por Larry Harlow, mientras vocalistas como Cheo Feliciano, Soledad Bravo, y Celia Cruz adaptaron canciones brasileras al género.

Ray Barretto, Típica 73, Conjunto Clásico, Rubén Blades, La Dimensión Latina con Oscar D'Leon y Eddie Palmieri fueron otros artistas importantes de la era, mientras Fruko puso influencias colombianas a la salsa y trajo la música a su tierra. En los años ochenta, Fania Records dejó de ser el líder de la salsa, pues se vio debilitada por TH-Rodven y RMM.

AÑOS OCHENTA:

Surge la llamada «salsa romántica», que es un ritmo popular en Nueva York a finales de los años sesenta pero el despegue definitivo se da en los años ochenta. Este género se caracteriza por las melodías lentas y las letras con corte de amor, de sueños y placeres. Recientemente se publicó en un artículo que un músico de la costa oeste de los Estados Unidos, el líder de la orquesta La Palabra, se adjudica con hechos la paternidad de este género, que no es otra cosa que re-grabar baladas en ritmo de salsa. Pero por esos azares de la vida y la industria disquera, es Louie Ramírez y su grupo Noches Calientes quien de manera casi accidental crea la fiebre en Nueva York en el año 1983. Es considerado el inicio de esta era, que pronto fue dominada por las estrellas puertorriqueñas como Frankie Ruiz, Eddie Santiago, Paquito Guzmán y que decir del romántico y maestro de jazz; Willie Gonzales y el muy talentoso nicaragüense Luis Enrique que a finales de los años ochenta y comienzos de los noventa le dio a la salsa un toque muy especial recibiendo la admiración de sus comtenporaneos. Finalizando 1980, la salsa fue influenciada por el rap latino y la desarrollaron artistas como Willie Colón y Sergio George regresando la música a sus raíces del mambo y agregando una sección prominente de trombón.

Durante 1980 la salsa se expandió a México, Argentina, Europa y Japón, donde fue popularizado por la famosa Orquesta de la Luz, u Orchestra of the Sun, también se volvió famosa en muchos países latinoamericanos. Colombia aportó algunas innovaciones de salsa a través de orquestas tradicionales de los años setenta como Fruko y sus Tesos y Latin Brothers, y otras de los ochenta como Los Nemus del Pacífico, Grupo Niche, La Misma Gente, Los Titanes, Orquesta Guayacán, Los Niches (formado por algunos ex-integrantes del Grupo Niche) y Son de Cali (formado por Javier Vasquez y Willie Garcia, dos ex-cantantes del Grupo

Niche). Joe Arroyo (anteriormente cantante de Fruko y sus Tesos) agregó influencias de cumbia.

El cubano Roberto Torres y el colombiano Humberto Corredor Guajiro Records inventaron el concepto la charanga-vallenata en los años ochenta, haciendo de Miami un centro de salsa. La salsa de Venezuela también se volvió popular, especialmente Oscar D'León, mientras que otros, como Nelson Pueblo, agregaban influencias de música llanera nativa. El puertorriqueño Cano Estremera al separarse de Bobby Valentin se convirtió en otro cantante popular de salsa en la segunda mitad de 1980.

1990 AL PRESENTE:

Volviendo a la salsa de Cuba, la timba sacó en ritmo de songo y fue inventada por bandas como Los Van Van y NG La Banda. En 1990 a esta forma de salsa cubana se le llamó timba y se volvió popular a través del mundo. Otra forma de salsa cubana es el songo-salsa, con mucho rapeo.

La salsa registró un crecimiento regular entre los años setenta y el 2000 y ahora es popular en muchos países latinoamericanos y algunos espacios del mercado estadounidense. Entre los cantantes y músicos destacados en los años noventa encontramos a figuras como Luis Enrique, Jerry Rivera, Marc Anthony, La India, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, Michael Stuart y Celia Cruz.

Las más recientes innovaciones en este género incluyen híbridos como el merengue-house y salsa-rengue, junto con la salsa gorda. Desde mediados de 1990, los artistas africanos también han estado muy activos a través del súper grupo Africando, donde los músicos neoyorquinos mezclan con cantantes africanos tales como Bambino Diabate, Ricardo Lemvo, Ismael Lo y Salif Keita.

La Salsa es solo uno de muchos géneros latinos que ha venido siendo influenciado por músicas del oeste africano.

“La SaMBa”Historia:

Desfile de la escuela de samba Império do Papagaio em el Carnaval de Helsinki" La samba es un ritmo musical brasileño, exportado a todo el mundo

Las raíces de la samba se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza samba fue su predecesora. El nombre samba probablemente viene de esta centenaria música de estilo ritual. No debe confundirse la samba con la zamba, un estilo musical rioplatense totalmente distinto.

La samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante el periodo de formación de este género. A pesar de las semejanzas entre la samba y el jazz, la samba no proviene del jazz y tiene diferencias notables en sus orígenes y línea de desarrollo.

"Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida, es generalmente considerada la primera grabación de samba. Su grandioso éxito trajo al nuevo género fuera de las favelas. Quién creó la música es inseguro, pero probablemente fue trabajo del grupo alrededor de Tia Ciata, entre ellos Pixinguinha y João da Bahiana.

En los años '30, un grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundó la primera escuela de samba, Deixa Falar, en el barrio de Estácio de Sá. Ellos transformaron el género musical para que encajara mejor en el desfile del carnaval. En esta década, la radio difundió la popularidad del género por todo el país, y con el apoyo del presidente Getúlio Vargas, se convirtió en la música oficial del Brasil.

En los años siguientes, la samba tomó muchísimas direcciones. Desde la elegante samba-canción (samba-canção) hasta las orquestas de batería que acompañaban el desfile del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue la bossa nova, hecho en un principio por la gente de origen europeo de clase media. La bossa nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, entre otros, y llegó a Norteamérica con los álbumes de Gilberto junto al saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz, y la banda sonora de Jobim de la película Black Orpheus (Orfeo negro) en 1959.

En la década de 1960, el Brasil se dividió políticamente con la llegada de un dictador militar, y los músicos izquierdistas de bossa nova empezaron a ponerle atención a la música hecha en las favelas. Muchos artistas populares fueron descubiertos en este período. Nombres como Cartola, Nelson Cavaquinho, Velha

Guarda da Portela, Zé Keti, y Clementina de Jesus grabaron sus primeros álbumes.

En los '70, la samba volvió a las ondas radiales con compositores y cantantes como Martinho da Vila, Clara Nunes y Beth Carvalho.

En el inicio de la década de los '80, después de haber eclipsado su popularidad con la llegada de la música disco y el rock brasileño, la samba reapareció en el medio con un movimiento musical creado en los suburbios de Río de Janeiro. Era el pagode, una samba renovada, con nuevos instrumentos - como el banjo y el tantan - y un nuevo lenguaje que reflejaba el modo de hablar de mucha gente en ese entonces. Los artistas más populares fueron Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão y Jovelina Pérola Negra.

SUBGÉNEROS

SAMBA COMÚN:

La samba se caracteriza por una sección rítmica que contiene el ritmo principal, usualmente un bombo de surdo o tantan. Otro elemento importante es el cavaquinho (un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, pariente de la guitarra y similar al ukelele o el cavaco). El cavaquinho es la conexión entre las secciones armónica y rítmica; su presencia usualmente distingue a la "samba real" de sus variaciones más suaves como la bossa nova (aunque algunas grabaciones de samba no emplean el cavaquinho, incluyendo muchas de Chico Buarque). El pandero es el instrumento de percusión más presente, cuyo ritmo es el más "completo". Un violão (guitarra acústica) normalmente está presente, y su presencia en la samba popularizó la variación de 7 cuerdas. Las letras de samba van desde canciones de amor y fútbol, hasta la política y otros temas. Este subgénero incluye a todos los demás.

Artistas famosos que tocan "samba común" son

PARTIDO ALTO:

Este nombre es usado para referirse a un tipo de samba que se caracteriza por un alto ritmo de percusión del pandero, usando la palma de la mano en el centro del instrumento. La armonía del partido alto siempre está en escala mayor. Usualmente es tocado por un grupo de instrumentos de percusión (surdo, pandero, tamborín) y acompañado por el cavaquinho y/o el violão. El partido alto es comúnmente dividido en dos partes, un coro y los versos. Los partideiros (músicos de partido alto), normalmente improvisan en los versos, y los improvisadores talentosos se han hecho fama y una carrera en la samba, como Zeca Pagodinho, quien no sólo es un gran sambista, sino uno de los mejores improvisadores.

Artistas famosos del partido alto son Candeia, Jovelina Pérola Negra, Grupo Fundo de Quintal, Zeca Pagodinho, Leci Brandão, y Bezerra da Silva.

PAGODE:

Esta es la forma más difundida de samba en el Brasil. Empezó como un movimiento en los años 80, cuando tres nuevos instrumentos fueron introducidos con el Grupo Fundo de Quintal y otros en Cacique de Ramos: el tantan - un surdo más dinámico-, un banjo pequeño (con las mismas dimensiones y tonalidad que el cavaquinho) y el repique de mão (sonido manual). Usualmente es cantado por un solista, acompañado del cavaquinho, el violão y al menos un pandero. El pagode es cantado en la mayoría de las fiestas y las reuniones informales, siendo universalmente encontrado en bares y cafés al aire libre. Las letras son juguetonas, usualmente sobre enganches amorosos o algún asunto divertido.

Algunos artistas famosos de pagode son el Grupo Fundo de Quintal, Jeito Moleque, Sorriso Maroto, Jorge Aragão, Almir Guineto, Zeca Pagodinho, Seba Pastelero y Revelação.

NEOPAGODE:

Esta es una manifestación más nueva del pagode, no muy bien vista por los sambistas más serios. Se considera que empezó a ganar fuerza en Bahia. Ocupa mucho letras de sexo y el modo de

cantar cambió a un tono más sensual, aunque algunos artistas que ejecutan estas canciones a veces incluyen sambas más tradiciones en medio también. Se hizo muy popular entre las clases bajas y algo popular entre las clases medias urbanas.

Famosos artistas de neopagode son É o Tchan, Terra Samba.

SAMBA DE BREQUE:

Un estilo de samba ahora extinto, que tenía como característica distintiva el incorporar partes habladas, usualmente diálogos. Los cantantes debían tener una excelente voz, además de la habilidad de hacer distintas voces. Las letras normalmente contaban historias y eran divertidas.

Un artista famoso de este estilo es Moreira da Silva.

SAMBA-CANÇÃO:

Estilo amistoso de la radio romántica y de ritmo más alentado, la samba-canção fue la contraparte brasileña principal ante los ritmos latinoamericanos populares como el Tango o el Bolero (ambos muy populares en Brasil hasta la década de los '60). Los temas iban de lo lírico a lo trágico.

Artistas conocidos de este estilo son Ângela Maria, Nelson Gonçalves, Cauby Peixoto, Agnaldo Rayol.

SAMBA-ENREDO:

Una samba-enredo es una canción ejecutada por una escuela de samba, surgido en Río de Janeiro durante su la década de 1930. El término también se refiere al estilo particular de música samba de estas canciones. La samba-enredo es bien conocida internacionalmente debido al estatus de Río de Janeiro como gran destino turístico durante el carnaval, además de que muchos grupos de percusión en todo el mundo se han formado inspirados en este tipo de samba.

Las sambas-enredo son grabados y reproducidos en la radio durante el período anterior al carnaval. Generalmente, son cantadas por vocalistas masculinos, acompañados del cavaquinho y una gran batería,.

CONCLUSION Y JUSTIFICACION

Un mejor conocimiento implica no sólo su investigación e búsqueda si no su gran

aprendizaje atravez de él, sino también tener la gran capacidad para entrar aplicar y esparcir lo

conocido para así poder obtener una mejor visualización desde cualquier punto de vista lo importante que son las clases de música dentro

y fuera de nuestro país.

BIBLIOGRAFÍA

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Gutiérrez H., Tomás Darío: Cultura vallenata, teoría y pruebas. Plaza y Janés, Bogotá, 1992.

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Portada de los sambistas del mundo, en cual se puede buscar definiciones (en inglés)

Portada de la samba en España, con una lista de los grupos, de acontecimientos, etc.

Web de toda la música samba brasileña (en inglés)

Baterías de samba (en inglés)

Samba en Madrid

Brazilian Beats (en inglés)

Portal do Samba e Batucada na España e Portugal (en español)

Legran Orchestra "Aquarela do Brazil" Samba Mp3· ISWC T-0425394804 "Latin Complete Collection" Album. Publicado con el permiso del propietario de los derechos