EDAD MODERNA

EL RENACIMIENTO

El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que

marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que

impregnó todos los ámbitos más allá de lo puramente artístico.

Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla.

Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta, e

incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema

heliocéntrico; pero la fecha tope es 1492, con el descubrimiento de América.

El término Renacimiento deriva de la expresión italiana rinascita, vocablo usado

por primera vez por el literario Petrarca y revalorada por el arquitecto y teórico Giorgio

Vasari, que la delimita en el mismo momento histórico en que tuvo lugar este movimiento

cultural. Vasari lo anexa en su obra Vidas de los más ilustres artistas para referirse a un

movimiento que hace resucitar en el arte y la cultura los valores espirituales de

la antigüedad clásica. El término no empieza a utilizarse hasta el siglo XVI, pero no será

consagrado en sentido histórico, social y cultural hasta mediados del siglo XIX.

Este movimiento surge en Italia a fines del siglo XIV y principios del XV,

expandiéndose con fuerza a Europa a mediados del siglo XV, y desde mediados del siglo

XVI al mundo hispanoamericano. Es un movimiento universal pero que adopta las

características y modos propios del pasado de las naciones a través de un proceso de

asimilación. El que su origen sea italiano es porque Italia es fundamental por su pasado

histórico que ahora se quiere recuperar e impulsar. Además hay otro factor relevante y es

que en Italia nunca hubo un arraigo total y fuerte de lo medieval como ocurrió en Europa,

precisamente porque aún estaba latente el espíritu clásico.

A partir del siglo XVI estos conocimientos comienzan a difundirse por toda Europa,

pero antes de terminar esta brevísima introducción al Renacimiento hay que mencionar un

hecho importante que marcó el paso de este periodo al Barroco, y que conocemos como

la crisis Manierista.

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Características

El Renacimiento fue tanto una forma de cultura, definidora de una época, como

una forma de pensar y de vivir.

Estas son las notas que lo caracterizan:

Reencuentro deliberado del hombre con la antigüedad clásica. Los escritores y los

artistas rechazaron la tradición medieval y prefirieron tomar como modelo las ideas y las

obras del período clásico de Grecia (siglos V al II antes de Cristo) y Roma (que recoge la

herencia griega). Volvieron a imponerse la ordenación lógica, el canon del arte griego, el

cultivo del latín y del griego, etc.

Desprecio por las formas medievales. En el Renacimiento se dio al arte medieval

el nombre de «gótico» porque en aquel tiempo lo consideraban propio de los godos o

bárbaros.

Consideración del hombre como centro de la reflexión y de las preocupaciones

(humanismo), a diferencia de la Edad Media, que tuvo a Dios como eje de toda actividad

intelectual (teocentrismo). El hombre del Renacimiento se llamó a sí mismo humanista, y

consideraba que el arte, la literatura y la música debían reflejar también sus problemas,

sentimientos y aspiraciones, abandonando el tema exclusivamente religioso.

Visión optimista del hombre y de la naturaleza. La recuperación de la filosofía

platónica trajo como consecuencia la búsqueda de la armonía y de la proporción. La

preocupación por el hombre tuvo como efecto un arte humanizado.

La importancia de la perspectiva

Un dato importante en la definición de espacialidad del Renacimiento es la

incorporación de la perspectiva como instrumento del proyecto arquitectónico y la noción

de diseño como forma de conocimiento.

La principal ruptura con el espacio medieval se produce en el momento en que los

arquitectos del Renacimiento pasan a diseñar en sus edificios un desarrollo en el que las

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reglas del diseño son fácilmente asimilables por los usuarios del mismo. A partir de un

análisis objetivo del espacio, presidido por un cierto sentido empírico, llegan a

conclusiones que impondrán el propio ritmo del edificio y su entorno.

El dominio del lenguaje clásico, para hacer llegar estos efectos útiles en los

edificios, hace posible el estudio de la perspectiva. Como resultado, surge una

arquitectura insertada en un espacio perspectivo, integralmente aprehendido por el

observador y cuyas relaciones proporcionales se muestran de forma analítica y objetiva.

Estas nuevas relaciones espaciales son especialmente evidentes comparadas con

el espacio presente en las catedrales góticas. En ellas, la intención arquitectónica es que

el observador, desde el momento en que entra en el edificio, sea dominado por el espacio

e instintivamente alce su mirada hacia la cima, procurando así un movimiento ascendente

en busca de la figura de Dios.

La tratadística renacentista

La recuperación del ideario de la arquitectura clásica, introducida por la cultura del

Renacimiento, debió necesariamente trascender de la mera observación de la realidad. La

arquitectura producida por los artistas renacentistas, humanistas en general, procuraban

mantener una imagen erudita y literaria, más allá de la mera reproducción de las ruinas

greco-romanas. Los arquitectos creaban siempre en busca de un modelo ideal, en

detrimento de los modelos existentes (con gran número de ruinas en especial en Italia.

Estos modelos ideales o idealizados fueron sistematizados y plasmados de forma teórica,

en lo que dará origen a los tratados de Arquitectura clásica de la época.

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Es destacable para la formación de la tratadística renacentista la preservación de

los diez libros de De Architectura del arquitecto romano Marco Vitruvio, del siglo I a. C.,

básicos para la difusión de las ideas de canon y orden. Éste fue el único tratado del

período clásico que sobrevivió tras la caída de Roma, durante la Edad Media, habiendo

sido copiado y conservado, de forma fragmentaria en general, en las bibliotecas de los

monasterios. Por eso, a medida que los volúmenes eran copiados y traducidos, los

diseños y dibujos que componían los tratados fueron perdiéndose, por lo que el contenido

del tratado se convirtió con el paso del tiempo en confuso y en ocasiones, contradictorio.

Por este motivo, gran parte del esfuerzo de los tratadistas renacentistas sería el recuperar

el contenido perdido, llegando para su consumación a aventurar patrones que en modo

alguno existían en el texto original.

El tratado vitruviano, como único gran referente teórico de la arquitectura clásica, y

pesar de su carencia de contenido, sirvió de base para todos los principales estudios

realizados por el Renacimiento. Por ejemplo, un trabajo nítidamente derivado del

vitruviano son los diez libros de León Battista Alberti, conocidos como De re aedificatoria.

ARQUITECTURA BARROCA

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Estilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde

el año 1600 hasta el 1750. Sus características perduraron a lo largo de la primera mitad

del siglo XVIII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo

rococó. Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países

europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América. El término

barroco se aplica también a la literatura y la música de aquel periodo.

Origen 

El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Podría parecer

confuso, por ejemplo, clasificar como barrocos a dos artistas tan diferentes

como Rembrandt y Gian Lorenzo Bernini; no obstante, y pese a las diferencias, su obra

tiene indudables elementos en común propios del barroco, como la preocupación por el

potencial dramático de la luz.

Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma

de finales del siglo XVI. El deseo universalista inspiró a varios artistas en su reacción

contra el anticlasicismo manierista y su interés subjetivo por la distorsión, la asimetría, las

extrañas yuxtaposiciones y el intenso colorido. Los dos artistas más destacados que

encabezaron este primer barroco fueron Annibale Carracci y Caravaggio. El arte de

Caravaggio recibió influencias del naturalismo humanista de Miguel Ángel y el

pleno renacimiento. En sus cuadros aparecen a menudo personajes reales, sacados de la

vida diaria, ocupados en actividades cotidianas, así como también apasionadas escenas

de tema mitológico y religioso. La escuela de Carracci, por el contrario, intentó liberar al

arte de su amaneramiento retornando a los principios de claridad, monumentalidad y

equilibrio propios del pleno renacimiento. Este barroco clasicista tuvo una importante

presencia a lo largo de todo el siglo XVII. Un tercer barroco, denominado alto barroco o

pleno barroco, apareció en Roma en torno a 1630, y se considera el estilo más

característico del siglo XVII por su enérgico y exuberante dramatismo.

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Plaza de San Pedro de Roma

Arquitectura 

En el Barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se

vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las

familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar exenta y rodeada de

jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de

representación teatral.

 

Principales características:

Es quizás donde mejor se puede definir el Barroco.

Cambio radical.

Predominio de la línea curva, retorcida a veces.

 Riqueza de colorido.

Entrantes y salientes.

Claroscuro.

Ruptura de estructuras frontones.

Gran abundancia de la columna.

Sustentante.

Ornamental.

Nueva columna salomónica (fuste retorcido).

Materiales.

Generalmente piedra.

Mármol en las columnas.

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Los elementos constructivos están subordinados a los ornamentales.

También a los efectos lumínicos tanto exteriores como interiores.

Gran interés por el urbanismo.

Arcos muy variados.

Sobre todo el de medio punto.

Abundancia de nichos, hornacinas.

Espacios decorativos.

Muchos ventanales con forma ovoide enmarcados.

Planta.

En el barroco español abunda la planta jesuítica.

También hay plantas elípticas, circulares.

Gran desarrollo de la arquitectura civil.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

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La arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los

romanos, mas no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo

el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad.

Usa los símbolos y motivos redescubierto en los muebles y edificios de Pompeya y

Herculano (hallazgos arqueológicos que marcan el comienzo del neoclasicismo dando

lugar a nuevas formas, el génesis del arte neoclásico), copia fachadas con frontones

griegos, emplea dos famosas órdenes de la arquitectura clásica griega: dórico (columnas

estriadas y capitel sin molduras), y el jónico (columnas esbeltas, apoyadas sobre basa,

fuste escalonado, capitel decorado con volutas, arquitrabe de tres franjas y friso libre de

decoración), además prefiere el mármol blanco; de los romanos toma las espaciosas

cúpulas y bóvedas.

Tras el Barroco y el Rococó, el neoclasicismo representa una simplificación: las

líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúmenes, menos

adornos, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones triangulares sustituyen

los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios. Vemos en definitiva

formas más sencillas y simétricas, hay mayor racionalidad compositiva, sobriedad

decorativa y orden, que concuerda a la perfección con los valores de la burguesía y las

necesidades del despotismo ilustrado.

Las características más destacables en la construcción son:

Cornisas y frisos con metopas y triglifos.

Grecas.

Guirnaldas vegetales: flores, frutas.

Palmas y laureles.

Columnas conmemorativas.

Templos.

Arcos del triunfo.

Situación en los diferentes países:

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FRANCIA

En la fase inicial de la arquitectura neoclásica francesa se realizan numerosos

puentes y pabellones para París diseñados en su mayoría por Claude Nicholas Leboux, el

cual comienza una prometedora carrera pero más tarde se enfrascará en un proyecto

para construir la ciudad ideal de la época donde los edificios quedan reducidos a formas

geométricas desornamentadas.

INGLATERRA

Arquitectura inspirada en los modelos griegos, claramente sostenible en edificios

como el Banco de Inglaterra (John Seane), o el Museo Británico (Robert Smirke).

ESTADOS UNIDOS

Se desarrolla una variante del neoclasicismo: el estilo federal (1750-1820). Es un

claro ejemplo del desarrollo de un nuevo país.

Masachussett State House en Boston (Charts Buldrich).

Edificio del Capitolio en Virginia (Thomas Jefferson).

Thomas Jefferson (1743-1826).

Nació en Shadwell, Virginia.

ESPAÑA

Continúa la dinámica europea sin resaltar en ningún aspecto debido a la actitud

satélite de España en la época.

Está dirigido por Academias.

Importantes edificaciones.

Palacio de los duques de Liria (ventura Rodríguez).

Puerta de Alcalá (Sabattini).

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Proyecto de cenotafio para Isaac Newton, de Étienne-Louis Boullée.

SIGLO XX

MODERNISMO

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación

artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países,

recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia).

Art Nouveau

El Art Nouveau (Traducido al Castellano como el “Arte Nuevo” y conocido como el

Modernismo) se define como una corriente artística que surge a finales del siglo XIX

(1890), acabando a principios del siguiente siglo (sobre el 1914, principio de la 1ª guerra

mundial). Precedida del movimiento “Arts&Crafts”, de origen Inglés, el nombre le vino

dado a raíz de una exposición del pintor Eduard Munch en París, en el año 1896, la cual

llevaba el mismo nombre.

El Art Nouveau se caracteriza por su seguimiento en busca de la identidad de lo

urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo y se necesitaban nuevas técnicas

para impresionar al público.

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Características del Art Nouveau

Uso de la forma: Sin duda, su característica más importante. Las formas estilísticas en el

Art Nouveau son estilizadas y ondulantes; jamás se usaban las líneas rectas. Las

mujeres, por ejemplo, se pintan altas, delgadas y con el pelo en movimiento.

Concepto visual: Se trata del uso de flores y plantas para dar la idea del movimiento en la

naturaleza; En algunas ocasiones, se utilizan insectos como mariposas y arañas para dar

más dinámica a la forma. También se usaron las olas del mar para crear movimiento.

La utilización mágica del color: Se usan, de preferencia, el contraste entre el color negro y

los tonos pastel. Otro de sus usos era la utilización del amarillo o el azul para acentuar las

formas. Gracias a este movimiento, el color se comenzó a introducir con fuerza en la

arquitectura.

Belleza decorativa: La influencia de la revolución industrial estimuló a la gente a que

quisiera tener Art Nouveau en su casa. Los artistas de éste movimiento comenzaron a

crear motivos basados en la decoración de casas y objetos fantasiosos, que resultaron

ser un éxito rotundo.

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Arquitectura Moderna

Arquitectura moderna es un término muy amplio que designa el conjunto

de corrientes o estilos de la arquitectura que se han desarrollado a lo largo del siglo XX en

todo el mundo. A pesar de lo ambiguo del término (similar al de arte moderno o arte

contemporáneo), se refiere a las producciones arquitectónicas contemporáneas

o arquitectura contemporánea, no a la arquitectura de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII

-véase Arte de la Edad Moderna), ni siquiera a la arquitectura del siglo XIX (que pertenece

a la Edad Contemporánea) o a la de otros periodos de la historia de la arquitectura.

A pesar de la similitud en la denominación, ni arquitectura moderna ni arquitectura

contemporánea deben confundirse con la arquitectura modernista, expresión

arquitectónica del movimiento modernista o Art nouveau que se desarrolló en las últimas

décadas del siglo XIX y primeras del XX. Tampoco puede confundirse con el Art decó que

se desarrolló en el período de entreguerras (1918-1939), simultáneamente a la renovación

estética del arte de vanguardia. Esta verdadera revolución en el mundo del arte, en el

campo de la arquitectura tuvo sus principales desarrollos en la Escuela de la Bauhaus y el

denominado Movimiento Moderno vinculado.

Pero fue, sobre todo, el uso de los nuevos materiales como el acero y el hormigón

armado, así como la aplicación de las tecnologías asociadas, el hecho determinante que

cambió para siempre la manera de proyectar y construir los edificios o los espacios para

la vida y la actividad humana.

Características formales

Usualmente, la Arquitectura Moderna se caracterizó por:

El rechazo de los estilos históricos o tradicionales como fuente de inspiración de la

forma arquitectónica o como un recurso estilístico (historicismo). Sin embargo, la

Arquitectura de la antigüedad, especialmente la clásica, se encuentra a menudo reflejada

tanto en los esquemas funcionales como en las composiciones volumétricas resultantes,

en.

La adopción del principio de que los materiales y requerimientos funcionales determinan

el resultado: la forma sigue a la función.

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La adopción de la estética de la máquina, como consecuencia de lo anterior.

El utilizar en construcción materiales y técnicas de nueva invención, como el hormigón

armado.

Rechazo del ornamento como accesorio; la estética resulta de la propia finalidad

expresiva del edificio, de los materiales empleados y sus propias características.

Simplificación de la forma y eliminación de los detalles innecesarios, llevado al extremo en

las obras de Mies van der Rohe, expresión formal de la organización estructural de la

edificación.

Museo Guggenheim de Bilbao, Museo Soumaya, obra

arquitectura de Frank Gehry. de Fernando Romero.

Arquitectura Orgánica

La arquitectura orgánica es una filosofía arquitectónica que promueve la creación

de espacios humanos que armonicen con la naturaleza. Se procura integrar la

construcción, el mobiliario y el entorno, para formar una composición unificada.

El término arquitectura orgánica es una creación del arquitecto norteamericano

Frank Lloyd Wright, donde promueve este modelo de arquitectura como el ideal moderno

de arquitectura para vivir en conjunto con la vida. Exaltando las formas surgidas de la

naturaleza de los materiales y del propósito.

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Alvar Aalto aportó la necesidad de contempla las necesidades psicológicas

humanas en la arquitectura, en lugar de centrarse exclusivamente en los requisitos

técnicos y funcionales.

Los principales exponentes de esta corriente arquitectónica son: Frank Lloyd

Wright, Antoni Gaudí, Louis Sullivan, Gustav Stickley, Hundertwasser.

Este movimiento se deriva del racionalismo y fue promovido por los arquitectos

escandinavos de la década del 30 y por el norteamericano Frank Lloyd Wright.

La arquitectura orgánica acepta algunas premisas del racionalismo como la

libertad de planta, la incorporación de los adelantos industriales, el predominio de la

función sobre lo ornamental.

La ideología de la arquitectura orgánica:

Los principales postulados de la arquitectura orgánica son:

Mayor preocupación por contemplar la vida del hombre a quien está destinada la

arquitectura. El arquitecto no está limitado a la estructura y la disposición de los

ambientes, debe atender también los problemas psicológicos y vitales de este

hombre.

Nueva conciencia de los espacios interiores: mientras que la arquitectura

racionalista promueve la adaptación de los volúmenes a las necesidades de

planta, sus formas son cúbicas y tetraédricas, donde las necesidades encajan y se

busca una simplificación de la estructura.

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ARQUITECTURA HIGH-TECH

El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología

para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en sí. No para llegar a

alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y

mostrarla como parte estética de la edificación.

Esta tendencia encuentra sus orígenes ideológicos en el movimiento moderno

llevando al extremo las teorías y el estilo de éste. Esta arquitectura se apoya en los

avances tecnológicos para denotar su imagen.

Esta nueva tendencia nos introduce más allá de la mera imagen. Nos introduce las

variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y nos ha proyectado

consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica.

Origen

Sus orígenes formales se encuentran en el Tardo moderno.

Afán por enseñar las estructuras, el acero, concreto, vidrio y mostrarlos como parte

estética de la edificación.

Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las

teorías y el estilo de sus predecesores (característica del nuevo movimiento). La

arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma

tecnología del acero, el vidrio y el concreto pero aplicado de una manera diferente.

Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.

Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos (no solo en los

procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la

arquitectura).

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Primeros Ejemplos:

A causa de la II guerra mundial, el High Tech no surgió en París. Se pudo ver en el

proceso de reconstrucción en la Inglaterra posbélica, asumiendo las lecciones aportadas

por la movilización industrial durante el período de guerra, aplicación de la industria en el

sector de la construcción, humana y responsable socialmente, aunque formalmente

menos sugerente, que la High Tech. Tratándose de un movimiento de escuelas

prefabricadas que especialmente en los primeros momentos, dio lugar a una serie de

edificios de gran calidad y buen funcionamiento.

ARQUITECTURA POSTMODERNA

El Postmodernismo en arquitectura es una tendencia que comienza a partir de

los años 1970, como respuesta a las contradicciones de la arquitectura moderna, y en

especial los postulados del Estilo Internacional. Su principal característica es que aboga

por recuperar de nuevo "el ingenio, del ornamento y la referencia" en la arquitectura.

Características formales

El postmodernismo se refleja en arquitectura generalmente en varios aspectos:

Los edificios adoptan a menudo tipologías heredadas del pasado.

Se recupera el ornamento: columnas, pilastras, molduras.

Se huye de las formas puras o limpias que dominaban en la arquitectura

racionalista, buscando la yuxtaposición el abigarramiento.

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Se recurre a una especie de neo-eclecticismo, dado que se toman prestadas

formas de todos los períodos de la historia.

Desde el punto de vista urbano, se busca recuperar la calle, la edificación de pequeña

escala, la riqueza visual de formas.

Ejemplos de arquitectura postmoderna son el edificio de Portland en Portland

(Oregón), o el edificio de Sony en Nueva York (originalmente edificio de AT&T). En

Europa destacan la ampliación de la National Gallery de Londres, o las obras de Ricardo

Bofill. El Strip de Las Vegas fue convertido en un icono del postmodernismo a raíz de un

libro de Robert Venturi, por su eclecticismo, exuberancia formal y riqueza visual.

DESCONSTRUCTUVISMO

El deconstructivismo, también llamado deconstrucción, es una

escuela arquitectónica que nació a finales de la década de 1980. Se caracteriza por la

fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas

de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclídea,1 (por

ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los

principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente del edificio.

Filosofía deconstructivista

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El camino principal de la filosofía deconstructivista a la teoría arquitectónica

transcurre a través de la influencia del filósofo Jacques Derrida sobre Peter Eisenman.

Eisenman trazó las bases filosóficas del movimiento literario de la deconstrucción, y

colaboró directamente con Derrida en algunos proyectos, como la participación en el

concurso del Parque de la Villette, documentada en Choral Works. La presuposición

realizada es que la arquitectura es un lenguaje capaz de comunicar el sentido y ser

tratado por los métodos de la filosofía del lenguaje. La dialéctica de la presencia y la

ausencia, o lo sólido y lo vacío, aparece en muchos proyectos de Eisenman. Tanto

Derrida como Eisenman creían que el locus, o el lugar de la presencia, es arquitectura, y

se encuentra la misma dialéctica de la presencia y la ausencia en la construcción y la

deconstrucción.

Según Derrida, se desempeña mejor la lectura cuando se está ante estructuras

narrativas clásicas. Cualquier deconstrucción arquitectónica necesita de la existencia de

un arquetipo deconstrucción particular, una expectativa convencional fuertemente

establecida sobre la que jugar con la flexibilidad de las normas. El diseño de la propia

residencia de Frank Gehry en Santa Mónica (desde 1978), ha sido citado como una

variación prototípica alrededor de un tema estándar: empezando con una casa ordinaria

en un vecindario ordinario, Gehry alteró su masa, su envolvente espacial y sus planos en

una subversión juguetona. El resultado es un ejemplo de deconstrucción.

ARQUITECTURA COTEMPORÁNEA

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La arquitectura contemporánea comienza en alrededor de los años 70, con el

postmodernismo, que pretende responder a las contradicciones de la arquitectura

moderna.

Su principal característica es que pretende recuperar el ornamento arquitectónico.

Esta corriente, busca recuperar las formas del pasado, con la tecnología del presente.

La arquitectura contemporánea trata de solucionar los errores urbanísticos

cometidos por el movimiento moderno, pues se ocupaban sólo del problema funcional,

abandonando los problemas sociales, económicos y culturales.

La arquitectura contemporánea y el deconstructivismo.

El deconstructivismo es una escuela arquitectónica nacida a finales de los 80,

siguiendo la ideología del filósofo argelino Jacques Derrida. Es uno de los movimientos

polémicos de la arquitectura contemporánea. Se caracteriza por la fragmentación, el

diseño no lineal, manipulación de la superficie de las estructuras, distorsionando principios

básicos de la arquitectura, como la estructura y la envolvente del edificio. El resultado

final, muestra edificios de aspecto caótico controlado. El objetivo del deconstructivismo es

liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que constriñen la forma.

ARQUITECTURA SUSTENTABLE

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La arquitectura sustentable, también denominada arquitectura

sostenible, arquitectura verde, eco-arquitectura y arquitectura ambientalmente consciente,

es un modo de concebir el diseño arquitectónico de manera sostenible, buscando

aprovechar los recursos naturales de tal modo que minimicen el impacto ambiental de

los edificios sobre el medio ambiente y sus habitantes.

Los principios de la arquitectura sustentable incluyen:

La consideración de las condiciones climáticas, la hidrografía y los ecosistemas del

entorno en que se construyen los edificios, para obtener el máximo rendimiento con el

menor impacto.

La eficacia y moderación en el uso de materiales de construcción, primando los de

bajo contenido energético frente a los de alto contenido energético.

La reducción del consumo de energía para calefacción, refrigeración, iluminación y

otros equipamientos, cubriendo el resto de la demanda con fuentes de energía

renovables.

La minimización del balance energético global de la edificación, abarcando las

fases de diseño, construcción, utilización y final de su vida útil.

El cumplimiento de los requisitos de confort higrotérmico, salubridad, iluminación y

habitabilidad de las edificaciones.

RACIONALISMO

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El racionalismo arquitectónico es una corriente surgida en Europa tras la I Guerra

Mundial. El Art Nouveau, que rompió con la contradicción y señaló el primer paso hacia un

plastificado de las líneas constructivas, derivó en ornamentalismo vacuo, por lo que a

principios del siglo XX se originó una corriente que rechazaba dicho ornamento, y

aprovechaba los descubrimientos de la llamada Segunda Revolución Industrial, cuyo

objetivo era encontrar un camino intermedio entre la renuncia a la imitación de lo antiguo y

a un excesivo tecnicismo estandarizado.

Principios

• Esqueleto estructural del edificio en lugar de simetría axial.

• Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales.

• Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta.

• Concepción dinámica del espacio arquitectónico.

MINIMALISMO

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Es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a

la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo

comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos

diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad,

una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así

como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la

obra.

Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los

volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la

pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

El minimalismo arquitectónico surge a finales de la década del 60 en Nueva York,

pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán

Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo.

Otros consideran que el minimalismo es el penúltimo estadio del clasicismo que

recorre la cultura occidental. En este sentido está la influencia que la sobria arquitectura

japonesa tiene sobre muchos diseñadores e interioristas occidentales contemporáneos.

Es conocido el impacto que tuvo la presencia en 1893 del sencillo pabellón japonés Ho-o-

den en la grandilocuente Exposición Universal de Chicago.

Sea como fuere, el minimalismo se ha convertido en un estilo internacional

empleado por una parte de la producción artística contemporánea, más como una actitud

abierta que como un estilo cerrado.

ESTILOS ARQUITECTÓNICOS EN VENEZUELA

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La Arquitectura de Venezuela es el arte edificado tanto en Venezuela, como

por arquitectos venezolanos en otras partes del mundo. La arquitectura venezolana es

una mezcla de la cultura autóctona indígena venezolana y de las adoptadas en el país por

la transculturización artística de las distintas culturas arquitectónicas que se comenzaron

a proyectar en Venezuela desde la llegada de los españoles a territorio venezolano.

Arquitectura Indígena

Se estima que el hombre llegó a Venezuela desde el año 15000 a. C., en el

período conocido como Paleoindio. Como el número de etnias era muy reducido, en sus

inicios sólo 20 ó 30 hombres poblaron las tierras venezolanas, que procedían del norte del

Continente, descendientes de oleadas provenientes de Asia.

Ningún estudio arqueológico ha logrado comprobar la existencia de alguna

arquitectura creada por el hombre prehistórico en territorio venezolano entre el Paleoindio

y el Mesoindio (15000 a. C. hasta 1000 a. C.), en parte esto se debe a que las

poblaciones indígenas en aquellos tiempos eran nómadas, y por tal motivo, no

construyeron ningún tipo de vivienda, pues no se establecían en un lugar en específico.

Posiblemente se refugiaban en cavernas o cuevas.

Arquitectura Neoindia

En Venezuela, el hombre prehistórico empezó a construir arquitecturas útiles,

aproximadamente desde el año 1000 a.C hasta el siglo XV d. C., en el período conocido

como el "Neoindio".

La arquitectura neoindia consistía en construcciones incipientes,

como terrazas agrícolas y bóvedas alineadas por piedras, llamadas mintoyes, que eran

utilizadas como tumbas y silos para el almacenamiento de productos agrícolas.

En los llanos occidentales hay evidencias de construcciones artificiales asociadas

a la agricultura, que consisten en terraplenes, campos elevados, camellones o calzadas

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que funcionaban como muros de contención de las aguas en zonas anegadizas y

permitían, entre otras cosas, atravesarlas a pie.

También se han registrado 6 estaciones de conjuntos megalíticos compuestos

por menhires, o rocas verticales en fila, en algunas de las que han sido encontradas se

detallan las representaciones artísticas del indígena venezolano, con grabados

petroglíficos.

El material más trabajado en este período fue la piedra.

Arquitectura Indohispana

La arquitectura Indohispana es la que se comienza a desarrollar a partir del

año 1498 d.C., año en el que llegan los colonizadores a costas venezolanas. En el siglo

XV se proyectan dos tipos de arquitecturas, la trabajada por los aborigenes venezolanos,

y la construida por los españoles en territorio venezolano.

La arquitectura indígena venezolana era trabajada en dos espacios diferentes, el

agua y la selva. A la arquitectura de agua, corresponden lospalafitos, que eran viviendas

comúnes de las tribus wayúu y warao. Eran viviendas pequeñas, apoyadas sobre pilotes

de madera, construidas sobre las aguas tranquilas de los lagos y lagunas. Cuentan los

historiadores que cuando Américo Vespucio llegó a costas venezolanas y observó los

palafitos del Lago de Maracaibo, llamó al lugar "Pequeña Venecia", donde derivó tiempo

después el nombre de Venezuela. Hoy en día aunque la cantidad de comunidades

indígenas han disminuido, las que aún existen conservan la arquitectura de sus ancestros

en los territorios de la costa oriental del Lago de Maracaibo y en el Delta del Orinoco aún

se pueden encontrar estos palafitos.

En cambio, las etnias que habitan las selvas tienen una arquitectura distinta,

la churuata, era y sigue siendo el tipo de vivienda predominante en los poblados

indígenas. La churuata es una especie de choza, pero muy particular, es una vivienda

colectiva propia de los pueblos panare y piaroa, ubicados al sur del Orinoco. Se destaca

por su armazón de postes de maderas y círculos concéntricos interiores, sobre los que se

colocan los delgados haces de palma que conforman la capa impermeable del techo y la

perfección de sus formas, coronada por una punta cónica en la que culmina el techo y

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destaca sobre la vivienda. La churuata se ha convertido en los últimos años en un icono

de la cultura venezolana, pues ha sido llevada a las ciudades, en espacios públicos como

parques, Mansiones, restaurantes, sitios de esparcimiento, hoteles e inclusive como

espacio incorporado en casas modernas.

Arquitectura colonial

La arquitectura colonial venezolana es construida desde el siglo XVI cuando

Venezuela comienza a sercolonia dependiente del Imperio español, hasta 1810, cuando

comienza el proceso de independencia de Venezuela.

La arquitectura de esta época se caracteriza por su discreta modestia. La

explicación está en las condiciones socioeconómicas del país. Venezuela no ofrecía

entonces a los colonizadores las inmensas riquezas guardadas por la naturaleza para

tiempos posteriores.

Una provincia aparentemente poco rica no podía permitirse el lujo de construir

edificios de alto costo a imitación de los grandes virreinatos que existían para la época y

la sociedad colonial no brindaba tampoco un cuadro tan próspero como el de otros países

de América Latina.

La simplificación de los problemas técnicos, la renuncia a la mayoría de los

elementos decorativos y abigarradas ostentaciones de barroquismos fantasiosos, la

imposibilidad de utilizar materiales costosos y la consiguiente falta de artesanos,

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contribuyeron a establecer una modesta pero bien definida fisonomía de la arquitectura

colonial de Venezuela.

Arquitectura civil

La vivienda popular de la colonia se caracterizaba por la simplicidad de sus

formas, sin muchos efectos escenográficos, mientras que la sobriedad era la principal

característica de las mansiones aristocráticas, con una fuerte influencia  heredada de la

España Meridional.

Se puede reconocer la funcionalidad de cada arquitectura colonial, por el empleo

de los materiales, algunos como la madera, la caña amarga, el adobe, la tapia y la arcilla,

que sirvió para la creación de ornamentos funcionales.

La idea constante que preside la arquitectura colonial venezolana de protegerse de

el sol, la lluvia y la luz, se reencuentra en el estudio las fachadas de las casas de la

época. Algunas de las arquitecturas coloniales más representativas que perduran en la

actualidad son:

Casa Natal del Libertador Simón Bolívar en Caracas.

Casa Guipuzcoana en La Guaira y Cagua.

Casa Amarilla en Caracas.

Casa de la Capitulación en Maracaibo.

Quinta Anauco en Caracas.

Casa de la ventanas de hierro en Coro;

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Arquitectura militar

Durante la época de la colonia eventualmente se producían enfrentamientos entre

los conquistadores españoles y bárbaros que navegaban en costas venezolanas, a fin de

apoderarse de las provincias ubicadas en las costas del país. Para el momento, los reinos

de Europa afrontaban una crisis económica, por lo que tripulaciones armadas inglesas,

holandesas, portuguesas y francesas arribaban a Venezuela, con el fin de apropiarse de

los territorios de la provincia y saquear las ciudades costeras.

Las costas e islas venezolanas fueron escena de combates producidas

por corsarios y piratas, por lo que España se vio en la obligación de mantener su imperio,

construyendo castillos, baluartes, cuarteles y fortificaciones que resguardaban las

ciudades de la provincia.

Castillo Santa Rosa en Margarita.

Fortín Solano en Puerto Cabello.

Castillo San Felipe en Puerto Cabello.

Castillo de Araya en Araya.

Cuartel San Carlos en Caracas.

Castillo de San Carlos de Borromeo en Margarita.

Castillo de San Carlos de la Barra en Maracaibo.

Castillo de San Antonio de la Eminencia en Cumaná.

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Fuerte Villapol en Santo Tomé de Guayana.

Arquitectura religiosa

Los templos eran constituidos por una casi invariable, disposición conformada por

una planta rectangular, tres naves separadas por arcos de cubierta de alfarje compuesta

de una armadura de madera de pares, nudillos, tirantes y almizate. Las edificaciones

católicas que se construían despejaban sencillez y pobreza, pues dentro de sus

arquitecturas prácticamente no existían variantes de relevancia y la poca diversidad de

materiales de construcción dictaba el diseño y la calidad de la arquitectura religiosa en la

época de la colonia. Para mediados del siglo XVI en Venezuela no abundaban las familias

pudientes capaces de levantar a sus expensas grandes iglesias y conventos. La misma

iglesia católica, los obispos y las órdenes religiosas no disponían de los medios

suficientes para erigir monumentos religiosos comparables con los de otros países del

continente. El siglo XVII fue de reconstrucción de los templos católicos que habían sido

destruidos por el terremoto de 1641. El siglo XVIII, específicamente entre 1728 y 1785 la

prosperidad que gozó Venezuela por la apertura de la Compañía Guipuzcoana se reflejó

también en la construcción de nuevas arquitecturas, en especial de tipo religiosas.

Las ciudades de Coro y Caracas tuvieron el mayor auge en construcciones religiosas.

Algunas de las edificaciones religiosas más representativas son:

Catedral de Caracas.

Panteón nacional en Caracas.

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Catedral de Coro.

Convento de San Francisco en Caracas.

Iglesia de San Francisco en Caracas.

Palacio Arzobispal de Caracas.

Capilla de La Trinidad en Caracas.

Iglesia de Nuestra Señora de Santa Ana en Coro.

Iglesia de Nuestra Señora del Rosario de Curucay en Caracas.

Iglesia del Calvario de Carora.

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