TEMA 1.DANZA PREHISTORIA Y MUNDO...

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© Copyright 2009 . Mª José Alemany Lázaro. VALENCIA

PILES, Editorial de Música S.A.Archena, 33- 46014 VALENCIA (España)Tel. 963704027 – Fax: 963704964www. pilesmusic.com

I.S.B.N. 978-84-940727-7-2 - Depósito Legal: V-1121-20131ª Edición: septiembre de 2009

2ª Impresión: mayo de 2010.2ª Edición: mayo de 2013

Diseño imagen portada: Cristina Alemany Lázaro

(*) El material gráfico que se muestra a continuación es complementario a los contenidos del libro de Mª José Alemany, Historia de la Danza I, Editorial Piles (Valencia) I.S.B.N.978-84-940727-7-2 - Depósito Legal: V-1121-2013.Estas diapositivas se ofrecen como un recurso didáctico de apoyo a los temas del libro.

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Temario

La danza en la Prehistoria y el Mundo Antiguo

La danza en la Antigüedad Clásica

La danza en la Edad Media

La danza en el Renacimiento

La danza en el Barroco

La danza en el Siglo de las Luces

La danza en el siglo XIX

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Tema 1

LA DANZA EN LA PREHISTORIA

Y EN EL MUNDO ANTIGUO

© Mª José Alemany Lázaro

TEMA 1

LA DANZA EN LA PREHISTORIA Y EN EL MUNDO ANTIGUO

1.1. La danza en la Prehistoria

1.2. La danza en el Antiguo Egipto

1.3. La danza en Mesopotamia y Persia

1.4. La danza en el pueblo hebreo

1.5. La danza en Creta

Índice

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Texto escrito a máquina

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Paleolítico Superior

La danza es ritual (rituales danzados). El hombre primitivo las creaba para plasmar cada acontecimiento de su vida.

La danza es también simbólica: bien de imitación de acciones, etc., bien evolucionando en torno a algo o alguien con una simbología especial.

Restos artísticos en los que parece apreciarse diferentes ritos danzados

Gruta de Le Gabillou (c.13400 a.C.)

Gruta de Trois-Frères (c.10000 a.C.)

Semirredondel de Saint-Germain (c. 10000 a.C.)

Mesolítico

Restos artísticos en los que parece apreciarse diferentes ritos danzados

Ronda de Addaura(c. 8000 a. C.)

Cueva de Cogull(c. 7000 a. C.) (Datación problemática)

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Gruta de Le Gabillou - Francia

c. 13400 a. C.

Período magdaleniense

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Trois-Frères - Francia

c. 10000 a.C.

(Dibujo sobre el original)



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Semirredondel de Saint-Germain - Francia

c. 10000 a. C.



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Ronda de Addaura - Sicilia

c. 8000 a. C.

Grabado


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Pinturas rupestres. Cueva de Cogull - Lleida

c. 7000 a. C. ?

Dibujo

La datación de esta cueva plantea problemas


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La danza formaba parte de la vida de los antiguos egipcios. Práctica asidua.

Ligada a la honra y culto a los dioses, a los diversos rituales y liturgias y a los diferentes acontecimientos de la vida cotidiana.

Encontraremos: danzas sagradas, danzas litúrgicas (relacionadas con la muerte y vida de ultratumba) y danzas sociales.

Se acompañaban de instrumentos como el arpa, la flauta larga o nail, doble flauta, panderos, tabletas de nakkaras, sistro, címbalos, etc.

Dioses danzantes: Hathor y Bes (éste de época más reciente)

Técnica: pasos procesionales con piernas más o menos elevadas; brazos en oposición y en diversas actitudes y poses; inversión del cuello y la cabeza; ciertos movimientos acrobáticos. Todo ello similar a culturas vecinas: hebreos, cretenses y griegos.

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Tumba del Visir Kagemni en Sakkara

VI Dinastía. Imperio Antiguo

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Bajorrelieve de Sakkara

Danza ritual funeraria caracterizada por palmear rítmicamente las

manos y por la posición de los brazos elevados arriba de la cabeza

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Tumba de Antekofer - Tebas

Dinastía XII. Imperio Medio

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Capilla roja de Hatshepsut - Templo de Amón en Karnak

Muro Norte

Dinastía XVIII. Imperio Nuevo. Siglo XV a. C.

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Bailarines

Capilla Roja de Hatshepsut. (Detalle)

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Dos bailarinas de pie y seis haciendo el “puente” o la “rueda”


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Tres músicas agitando un sistro en la mano derecha y un collar

menar en la otra


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Arpista de la Capilla Roja de Hatshepsut. (Detalle)

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Escena de banquete

Pintura mural de la tumba de Nebamón

Tebas. c. 1400 a. C. Imperio Nuevo

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Escena de banquete. Dos bailarinas

Pintura mural de la tumba de Nebamón

Tebas. c. 1400 a. C. Imperio Nuevo.

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Músicas. Tumba de Nebamón


Músicas y bailarinas.

Tumba del escriba Nakht


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Bailarina acrobática

Tebas. c. 1300 a. C.

Imperio Nuevo

Fragmento de piedra caliza pintada.

Ostracon

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Dios danzante Bes

S. I a. C.

Época de dominación romanaRelieve de caliza

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Lira de oro

Cementerio real de Ur

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Relieve mesopotámico.Músicos

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Danza astral

Cilindro asirio

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La danza de Salomé. Catedral de Rouen. Siglo XIII

Una de las danzas de la Biblia más conocida y que ha sido más representada posteriormente.

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Banquete de Herodes.

Danza de Salomé

1452-1464 - Filippo Lippi

Representación en una pintura renacentista de la famosa danza de Salomé que describe la Biblia

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Fue importante en la vida de los ciudadanos cretenses y también en actos oficiales.

Desde Creta la danza pasará a Grecia, donde se transformará.

Una de las prácticas más originales era la taurokathapsia.

A nivel técnico, las danzarinas cretenses saltaban, giraban, flexionaban las rodillas, danzaban en círculo o en procesión, situaban los brazos en oposición, mostraban las palmas en actitudes oferentes..., características similares al resto de culturas de la zona.

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Taurokathapsia

Palacio de Knosos

Creta

c. 1600 a. C.

Fresco

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Mujeres bailando en ronda o círculo. Creta

c. 1600 a. C. Cerámica

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Imagen de danza sagrada sobre sortija de oro

1500 a. C.

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Grupo de cuatro hombres bailando en ronda

Ofrenda votiva procedente del tholos de Kamilari (Creta)

c. 1400 a. C.

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Tema 2

LA DANZA EN LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA


TEMA 2

LA DANZA EN LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA

2.1. La danza en el mundo griego.

2.1.1. Danzas guerreras.

2.1.2. Danzas religiosas.

2.1.3. Danzas dionisíacas. El ditirambo.

2.2. La danza en Roma.

2.2.1. Danzas en honor a Marte.

2.2.2. Danzas teatrales.

2.2.3. Danzas lupercales.

2.2.4. Danzas saturnales.

2.2.5. Danzas en los ritos dionisíacos.

Índice

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2.1. La danza en el mundo griego

En Grecia la danza fue fundamental en la formación del niño y en el entrenamiento del guerrero.

La danza buscaba, como el arte, la belleza, la perfección, la armonía, honrar a sus dioses y el bien supremo para el individuo.

La danza era uno de los elementos de la mousiké, el arte de las musas. La musa de la danza fue Terpsícore.

Las danzas griegas primero fueron danzas litúrgicas, o de culto y honra a los dioses, luego pasan a utilizarse en ceremonias y celebraciones civiles y, por último, acaban como danzas de representación o teatrales.

Se acompañaban con instrumentos: cítara, aulos, crótalos…

Técnica: movimientos de oposición natural de los miembros; elevación del arco plantar o demi-pointe; empleo de las manos en diferentes posiciones y con distintas significaciones; utilización de diferentes mímicas expresivas. Evoluciones circulares y procesionales.

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TERPSÍCORE, musa de la danza,de la poesía ligera y del canto coral.

CLÍO, musa de la historia y de la poesía épica.

EUTERPE, musa de la música y de lapoesía lírica.

2.1. La danza en el mundo griego. Las musas

URANIA, musa de la astronomía,astrología y de la geometría.

TALÍA, musa de la comedia y de la poesía bucólica.

MELPÓMENE, musa de la tragedia.

ERATO, musa de la elegía y de la poesía amorosa.

POLIMNIA, musa de la retórica yde la pantomima.

CALÍOPE, musa de la elocuencia y de la poesía épica.

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Bailarines del culto de Isis, relieve de Ariccia.

S. IV – III a. C.

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Danza coral de doncellas griegas

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Vasija de Corinto

Bibasis o danza lasciva en la que se saltaba y se tocaban los glúteos con los talones.

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Bailarina griega tocando los crótalos

Cerámicas griegas

Siglos VI – V a. C.

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La búsqueda de la armonía y del equilibrio, constante del arte griego, se manifiesta en danza con la utilización de la oposición natural de los miembros o equilibrio natural.

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2.1.1. Danzas guerreras. Danzas pírricas

Las danzas pírricas se remontan a tiempos neolíticos de diferentes pueblos.

En Esparta la danza pírrica formaba parte de la vida, la educación y la formación militar de sus ciudadanos.

Se realizaba con armas, siguiendo un marcado ritmo dado por un flautista. Mediante ejercicios defensivos y militares iban encadenando movimientos.

El aprendizaje comprendía ejercicios de elasticidad y la chironomia o lenguaje gestual de brazos.

Con el paso del tiempo se convertirá en una danza de representación.

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2.1.1. Danzas guerreras.

Representación de danza pírrica

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2.1.2. Danzas religiosas

Dentro de las danzas religiosas encontramos:

Emmelia

Danza de las Panateneas

Danza de Geranos

Danza de las Cariátides

Danza de las Hieródulas

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Danza de geranos

Esta danza se dice que la realizó originalmente Teseo cuando, a su regresoa Atenas, se detuvo en Delos donde honró a los dioses para celebrar susalida victoriosa del laberinto del minotauro.

Cogidos de la mano, bailaban intercalados chicos y chicas, realizando un movimiento serpenteante.

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Danzas de hieródulas o sacerdotisas de los dioses

Danzaban generalmente con las manos juntas, un peinado característico, el kalathos, y haciendo flotar a su alrededor telas ligeras y amplias.

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2.1.3. Danzas dionisíacas. El ditirambo

Primera y más antigua de las danzas griegas.

En época prehistórica: danza de enajenación realizada por las ménades.

Época histórica: festejos que se realizaban en primavera para celebrar el renacer del año y de las cosechas. Las mujeres se disfrazaban de hombres y viceversa y danzaban para festejar a Dionisos.

Con el paso del tiempo se convirtió en procesiones de ménades y sátiros que danzaban alrededor de Dionisos. Llevaban el torso, cuello y cabeza echados hacia detrás, los brazos en oposición saltando y danzando animadamente.

En el siglo VI a. C., el ditirambo adquirió su forma y pasó a ser un himno cantado y danzado en honor a Dionisos convirtiéndose en el núcleo de las Grandes Dionisíacas, festival que se celebraba anualmente.

Más tarde dio lugar al nacimiento de la tragedia griega.

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2.1.3. Danzas dionisíacas.

Dionisos y ménades

Fragmentos de cerámicas griegas.Las ménades danzaban, cazaban pequeños animales y se comían la carne cruda (omofagia)

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2.1.3. Danzas dionisíacas.

Dionisos acompañado de ménades y sátiros danzando

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Se pueden ver los instrumentos y las férulas con que se acompañaban

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Ménades danzando y portando (tres de ellas) férulas

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Faunos y bacantes danzando, con

instrumentos y férulas

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Dionisos y Ariadna rodeados de su cortejo.

Preparación para un drama satírico en presencia de Dionisos.

Danzas y cortejo dionisíaco.

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Ménade de Scopas

S. IV a. C.

En esta obra se aprecia el torso, cuello y cabeza echados hacia detrás, movimiento característico de las ménades en las danzas dionisíacas.

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2.2. La danza en Roma

Los antecedentes de la danza en Roma están en Grecia y en los etruscos.

Las danzas romanas eran de tiempo rápido y estaban acompañadas por el aulos, la lira, el pandero, los címbalos y los crótalos.

Tipología de danzas fue muy variada: lupercales, saturnales, teatrales…

Aparecen nombres propios de bailarines como:

- Pílades de Cilicia, “dios de la danza”.

- Batilo de Alejandría.

- Nomio o Nomius de Siria.

- Livius Andronicus.

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Danza. Dibujo del fresco etrusco de la tumba de Triclinio

Necrópolis de Tarquinia. S. V a. C.

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Bailarín y bailarina. S. V a. C

Fresco etrusco de la tumba de Triclinio. Necrópolis de Tarquinia.

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Etrusco tocando el aulosFresco de una tumba de la necrópolis de TarquiniaS. V a. C.

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Fresco de una tumba de la necrópolis de TarquiniaProbablemente danza ritual en honor a Baco (por la jarra de vino que lleva uno de los danzantes)

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2.2.2. Danzas teatrales

En Roma, el gesto sustituyó a la palabra, naciendo la pantomima. La tragedia pasó a realizarse como una danza pantomímica.

Más tarde, el gusto de los espectadores degeneróprefiriendo las luchas de gladiadores y martirios de cristianos a la poesía y la danza.

El equilibrio que habían conseguido los griegos uniendo danza, música y poesía, se rompió en Roma y la danza perdió protagonismo.

La primera forma autóctona de teatro italiano será la farsa atelana.

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Actores romanos

Mosaico

Los romanos inventaron nuevas formas de teatro, como el mimo y la pantomima, donde un actor danzaba y contaba una historia, sin hablar, mientras que otros cantaban y tocaban instrumentos.

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Mosaicos romanos que

muestran máscaras y una

pantomima

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2.2.3. Danzas lupercales

Lupercalia era un festival relacionado con la fertilidad del ganado, del campo y de los hombres; ritual de expiación y purificación.

Se remontan a tiempos prehistóricos.

Más tarde, se consagraron a Pan o Luperco (dios o semidios con aspecto de fauno). Empezaban el 15 de febrero con el sacrificio de una cabra y ritos en la cueva Lupercal de Roma, situada bajo el monte Palatino (donde se creía que Rómulo y Remo habían sido amamantados por la loba).

Estas fiestas llegaron a convertirse en orgías de faunos y ninfas bajo la presencia de Pan.

Podrían ser una supervivencia de las fiestas dionisíacas griegas.

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2.2.4. Danzas saturnales

Dedicadas a Saturno, protector de la fecundidad, la siembra y la agricultura.

Se realizaban entre el 17 y el 23 de diciembre. Conmemoraban, en principio, el solsticio de invierno y celebraban la fiesta de la siembra.

Danza imitativa del crecimiento del cereal, en la que se ejecutaban saltos imitando el crecimiento y volteando las simientes en el aire.

Se fueron convirtiendo en un pretexto para hacer regalos. Con la llegada del Imperio derivaron hacia lo meramente festivo.

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2.2.5. Danzas en los ritos dionisíacos

Villa de los Misterios de Pompeya

Siglo I a. C.

Dibujo de las escenas pintadas sobre las tres paredes del triclinio en que aparece una ceremonia de iniciación a un rito dionisíaco

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Los frescos de la Villa de los Misterios en Pompeya, ilustran un rito de iniciación a los misterios de Dionisos

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Villa de los Misterios de Pompeya. Siglo I a. C

De izq. a der.: Mujer atemorizada o mujer que danza; Sileno da de beber en un tazón a un sátiro mientras otro alza sobre su cabeza una máscara trágica; Dionisos recostado en el regazo de Ariadna; mujer arrodillada destapa el falo místico; ser alado femenino que flagela a una joven arrodillada a la derecha

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Villa de los Misterios de Pompeya. Siglo I a. C

Sileno con música y danza

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Siglo I a. C

Escena de iniciación. Novicia que está siendo flagelada y oculta su rostro en el regazo de una mujer sentada.

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Siglo I a. C

Escena de iniciación. Novicia que estásiendo flagelada y a su lado una mujer desnuda danza sobre la media punta tocando los címbalos

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Siglo I a. C

Bodas de Dionisos y Ariadna.

Dionisos recostado en el

regazo de Ariadna

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TEMA 3

LA DANZA EN LA EDAD MEDIA


TEMA 3

LA DANZA EN LA EDAD MEDIA

3.1. La iglesia y la danza.

3.2. El teatro litúrgico.

3.3. La carola.

3.4. La danza mensurada o medida.

3.5. La momería.

3.6. Danzas obsesivas y curativas.

3.7. La danza macabra o de la muerte.

3.8. La danza en la península ibérica.

Índice

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3. LA DANZA EN LA EDAD MEDIA

Cuando el cristianismo se hace religión oficial del Imperio romano se produce una asimilación de los ritos paganos.

En la Edad Media, la danza será una actividad esencial. Se bailará en diferentes ámbitos: en las calles, en las celebraciones, en la iglesia. Habrá danzas populares y señoriales.

La Iglesia irá permitiendo o prohibiendo las prácticas dancísticas, pues siempre tenía la sospecha de que éstas encerraban elementos paganos y/o pecaminosos.

Surgen los primeros “profesionales” (recibirán dinero por su trabajo): juglares, juglaresas y soldaderas. Su misión serádistraer a los señores, componer las danzas y ejecutarlas.

Nace el canto gregoriano.

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Evoluciones de unos juglares amenizando un festín medieval

Los bufones y los juglares serán, en la Edad Media, los “profesionales”que distraerán a los señores, inventarán las danzas y las ejecutarán

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Danza campesina de finales de la Edad Media

La danza popular muestra movimientos no sujetos a normas o reglas; con pasos libres, saltados o corridos; será la alta danza

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3.1. La iglesia y la danza

La iglesia en la Edad Media condenó formalmente el uso de la danza durante los cultos. A pesar de ello, sabemos de la abundante práctica de la danza, en el interior, en el pórtico o en el exterior de las iglesias.

En la península ibérica se danzaba en las iglesias y en algunas procesiones, produciéndose una transición de antiguas costumbres paganas a las cristianas.

Existieron numerosas danzas vinculadas a grandes festividades religiosas o acontecimientos: festividades de santos, Pascua, Epifanía, Corpus Christi, Día de Difuntos…

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Procesión del Corpus en Valencia: els arquetsSimboliza la alegría de los campesinos por su participación en la fiesta del Corpus

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Procesión del Corpus en Valencia: danza de la magranaEsta danza es una de las muchas versiones de bailes de cintas


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Procesión del Corpus en Valencia: danza de la magranaLos danzantes, aunque vestidos de calabreses, representan en realidad a los judíos y al acabar la danza, cuando se abre la granada, rinden acatamiento a la Eucaristía

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Procesión del Corpus en Valencia. La moma i els momosRepresentación de la Virtud y los siete pecados capitales

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Los Seises de Sevilla

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3.2. El teatro litúrgico

Engloba gran variedad de piezas teatrales breves que se dan entre los siglos V y XVIII. En principio, serán danzas que derivaron en representaciones escénicas bajo la forma de pantomimas moralizantes.

Se hacen en principio dentro del templo. Más tarde, saldrán al pórtico y luego a la plaza de delante de la iglesia. Utilización de escenografía móvil (carros).

Se realizaban en fechas señaladas (Corpus, Navidad, Semana Santa). Se desarrollarán Misterios (relativos a la vida y pasión de Cristo), Milagros (episodios de vidas de santos) y Moralidades(enfrentamientos del bien contra el mal) que se representan en carros que hacen de escenarios.

Serán el precedente de los autos sacramentales.

Cabe destacar el Misteri d´Elx .

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Misteri d’Elx: descendimiento de la magranaDrama lírico religioso que se celebra desde el siglo XIII

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Misteri d’Elx:bajada de l’araceli

Artefacto de dos pisos que desciende con cinco ángeles

encargados de llevar el alma de la Virgen a los cielos

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3.3. La carola

Sus raíces estarían en la antigua chorea o danza en forma de ronda cerrada (ronda-carola) o abierta, especie de procesión danzante, que pasará a practicarse bajo el nombre de carola.

Danza sin estructura, aunque mínimamente organizada, ya que para bailarla era suficiente marcar y seguir un ritmo simple.

Muy utilizada en la Edad Media en todos los ámbitos, ya sea en las fiestas campesinas, en danzas de procesiones, en vigilias en el interior de las iglesias o en las puertas de los cementerios. Será el prototipo de la baja danza.

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3.4. La danza mensurada o medida

Inventada por las clases culturalmente desarrolladas y dominantes.

Será un modo de bailar con una estructura variable que seguirá la música y la poesía y buscará el refinamiento y el equilibrio.

Los movimientos serán acompasados, lentos, reposados y majestuosos, sin perder el contacto con el suelo, dando origen a la baja danza.

Por su parte, las danzas populares con su tiempo vivo y sus pasos libres, saltados y corridos, darán lugar a la alta danza. Dentro de ella encontramos danzas como el trotto, el saltarello o la estampida.

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Danza señorial al son de la música

Los señores buscarán el refinamiento en sus danzas. Sus pasos serán acompasados, lentos, majestuosos y se ejecutarán siguiendo la música y la poesía. Será la danza mensurada o medida

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Danza medieval en presencia del rey

Las danzas se ejecutaban en el interior de los castillos medievales y, muchas veces, seguían en el exterior

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3.5. La momería

Aparece en el siglo XIII y va a determinar la futura forma del ballet-teatro.

Especie de carola burlesca en la que los participantes se disfrazan y llevan máscaras.

En el siglo XIV, se organizarán una especie de espectáculos con decorados montados sobre carros.

A finales de la Edad Media, pasará a convertirse en espectáculo al utilizarse como divertimento, entretenimiento o “entremés” entre los platos de un banquete.

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3.6. Danzas obsesivas y curativas

La tarantela es una de las danzas obsesivas o curativas de la Edad Media. También lo será la danza de San Vito

Tarantela improvisada en una posada

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3.7. La danza macabra o de la muerte

Surge en el siglo XIV, vinculada al período de crisis que llega con él (la Guerra de los Cien Años, la peste negra, etc.).

Es un tema alegórico en arte, literatura, teatro y música que se sustenta en la idea de la inevitabilidad de la muerte, así como en su poder igualador frente a todos los hombres.

En un principio se plasmará el tema de la muerte en los frescos de las paredes de las iglesias y en los grabados de los libros (danza de la muerte). Posteriormente, surgirá una danza (danza macabra) sin pasos definidos.

Paralelamente, volverá la costumbre de danzar en los cementerios, prohibida en numerosas ocasiones, en donde se bailará en círculo, como una especie de carola macabra.

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Leyenda de los tres vivos y los tres muertos

Según el salterio de Robert de l’Isle. (c.1310)

Esta leyenda precede a la representación plástica, en iglesias y libros, de la danza de la muerte. En la leyenda, uno de los muertos dirá a los vivos:

“Lo que ustedes son, nosotros fuimos; lo que nosotros somos, ustedes serán”

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La leyenda de los tres vivos y los tres muertos

Libro de Horas al uso de Bourges (c. 1500)

A partir de la segunda mitad del siglo XIV, los jóvenes caballeros aparecerán a caballo. La cruz separa los dos grupos y representa la cruz del cementerio.

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La leyenda de los tres vivos y los tres muertos

Libro de Horas, Francia (1475-1500)

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Representación plástica de una danza de la muerte

Capilla de Kermaria-an-Iskuit. Francia. S. XV

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Danza de la muerte

Capilla de Kermaria-an-IskuitFrancia. S. XV

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Imagen siguiente (nº 28):

Parte norte del coro de la abadía de Chaise Dieu. Francia

Fresco dividido en tres partes.

La abadía benedictina francesa de Chaise Dieu fue fundada en 1043.

La iglesia abacial de San Roberto fue edificada, en el siglo XIV y en ella destaca el fresco que representa la danza de la muerte (siglo XV).

Mide aproximadamente 26 metros de largo por 1,4 metros de altura.

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Tema 3 - 29/40


Danza de la muerte de la ciudad alemana de Lübeck

(desaparecida actualmente)

Pintada por el artista Bernt Notke. 1463

Tema 3 - 30/40


En la mayoría de representaciones de la danza de la muerte, los cadáveres tienen una posición activa, semidanzante, e invitan a sus parejas a la danza. El esqueleto que invita a alguien a bailar con él es el propio cadáver en que se convertirá esa persona.

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Tema 3 - 31/40


Fresco sobre el triunfo de la muerte en el oratorio de la iglesia de San Bernardino. 1485

Tema 3 - 32/40


Parte o friso superior: Triunfo de la Muerte

Una gran tumba contiene los cuerpos de un papa y de un emperador. En el borde

de la tumba, de pie, está la muerte flanqueada por dos esqueletos menores.

Alrededor del sarcófago yacen varios cuerpos y también hay grupos de

suplicantes.

Friso inferior: Danza de la Muerte

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Tema 3 - 33/40


Danza de la Muerte: El papa y el emperador,

según grabado de GuyotMarchand (1485)

La primera danza de la muerte impresa fue la realizada en París en

1485 por Guyot Marchand. Reproducía los frescos pintados en

los muros del cementerio de los Santos Inocentes de París que

databan de 1424

Tema 3 - 34/40


Danza de la Muerte Hans Holbein el joven

Publicadas en 1538

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Tema 3 - 35/40


El guerrero y la muerte

La más conocida de todas las representaciones de la Danza de la Muerte, es la de Hans Holbein el joven, publicada en 1538 con

el título Las imágenes y aspectos detallados de la Muerte

Tema 3 - 36/40


La emperatriz y la muerte

Hans Holbein, el joven

1538

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Tema 3 - 37/40

El cardenal y la muerte

Hans Holbein, el joven. 1538

El pastor y la muerte



Tema 3 - 38/40


La muerte y el avaro


La muerte y el papa


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Tema 3 - 39/40


El triunfo de la muerte. Pieter Brueghel, el viejo. 1562

Tema 3 - 40/40

3.8. La danza en la península ibérica

Al contrario que en otras zonas de Europa, en la península ibérica se danzaba en las iglesias y en algunas procesiones, siendo los visigodos muy aficionados a fiestas y espectáculos de raíces paganas.

Se toleraron ciertas danzas de carácter popular y colectivo, que se acompañaban con himnos y cantos religiosos.

También se danzaba en los salones y jardines de los castillos.

Al igual que en el resto de Europa, la carola cerrada o abiertasería la forma de danza más habitual.

La cultura islámica marcó a más de la mitad del territorio ibérico y su riqueza artística dejó su huella en todas las ramas del arte.

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TEMA 4

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO


TEMA 4

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO

4.1. La danza en el Quattrocento.• Contexto y características generales.• Tipos de representaciones o espectáculos del

Quattrocento.• Principales danzas del Renacimiento.• Los primeros maestros y tratados de danza del

Quattrocento.

4.2. La danza en el Cinquecento.• Contexto y características generales.• Principales danzas del Renacimiento francés.• Maestros y tratados de danza del Cinquecento.• El surgimiento del Ballet de Corte.

4.3. La danza en España.

Índice

Tema 4 - 2/38

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Tema 4 - 3/38

4.1. La danza en el Quattrocento

El maestro de danza estará perfectamente integrado en las cortes renacentistas italianas, encargándose de organizar fiestas, espectáculos y acontecimientos públicos.

Se logra una mayor consideración social de la danza.

A lo largo del siglo XV, el vocabulario de pasos no deja de crecer.

Principal tipo de danza: la baja danza (bassedanse). Compuesta por cinco pasos (Reverence, paso simple, paso doble, branle y reprise o démarche) que se combinaban entre sí siguiendo diferentes medidas.

Además encontramos otras danzas:

- En el entorno cortesano: Pavana, Gallarda, Volta, Alemanda, Corrente y Gavota.

- En el entorno plebeyo: Saltarello y Branle.

Tema 4 - 4/38

4.1. La danza en el Quattrocento (cont.)

Tipos de representaciones o espectáculos:

- Mascarada (mascherata)

- Intermedios y entremeses

Los primeros maestros y tratados de danza:

- Doménico da Piacenza o da Ferrara (c. 1420-1470): De arte saltendi et choreas ducendi (c. 1455)

- Guglielmo Ebreo da Pessaro (c. 1420-1484): De pratica seu arte tripudii vulgare opusculum (c. 1463)

- Antonio Cornazzano (c. 1430-1484): Libro dell´arte del danzare(1465)

Primeros intentos de idear sistemas de notación de la danza.

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Tema 4 - 5/38


Baja danza en la corte de Borgoña

Tema 4 - 6/38


Manuscrit des basses danses dit de Marie de Bourgogne(Manuscrito de Borgoña). c. 1495

Primeros intentos de notación de la danza

El libro de danza de Margarita de Austria es uno de los siete manuscritos que sobreviven escritos en pergamino teñido de negro (material inusual para la escritura) y con caligrafía en oro y plata.

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Tema 4 - 7/38


Manuscrit des basses danses dit de Marie de Bourgogne(Manuscrito de Borgoña). c. 1495.

Detalle

En la línea inferior, se registran los cinco pasos que componen la baja danza, mediante sus iniciales. Este nuevo método será muy común y utilizado en este siglo.

Tema 4 - 8/38


L´art et instruction de bien dancer de Michel Toulouze

c. 1496

Primeros intentos de notación de la danza

Considerado el primer trabajo impreso de baile.

Bajo las cuatro líneas de la notación musical, se inscribe en rojo el nombre de la danza seguido del número de medidas y en la línea de abajo, en negro, las abreviaciones de los pasos.

Una serie de letras designan los cinco pasos codificados de la baja danza (R= reverencia, s=simple, d=doble, b=branle, z/2=reprise).

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Tema 4 - 9/38

Tratado de Guglielmo Ebreo

Danza de corte para trío de un hombre y dos mujeres


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4.2. La danza en el Cinquecento

Pujanza y prosperidad del renacimiento en Francia.

Período marcado por las guerras de religión (católicos contra hugonotes), sobre todo en la segunda mitad del siglo XVI.

Reinado de Enrique II (1547-59), hijo de Francisco I (1r rey Valois).Le suceden sus hijos:

Francisco II: reinado de 1559-60.

Carlos IX: reinado de 1560-74.

Enrique III: reinado de 1574-89 (último Valois).

1589-1610: reinado de Enrique IV (1r rey Borbón). Restablece la estabilidad tras las guerras de religión. Se casa con Margarita de Valois (hija de Enrique II) y con María de Medici. Le sucederá su hijo, Luis XIII, ya en el siglo XVII.

Contexto político francés

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Tema 4 - 11/38


En el siglo XVI se producirá la difusión y la asimilación de los principios renacentistas italianos por el resto de Europa.

Se difundirán, asimismo, los tipos de espectáculos que se organizaban en las cortes principescas italianas del Quattrocento.

Francisco I de Francia (el primer rey Valois) contratará en su corte a numerosos artistas italianos, organizando una verdadera vida cortesana. El matrimonio de su hijo, Enrique II, con la italiana Catalina de Medici, aumentará esta tendencia.

En danza se asimilará, lingüística y estilísticamente, la danza culta italiana.

Por su parte, Italia evolucionará hacia un nuevo género: la ópera.

Tema 4 - 12/38

4.2. La danza en el Cinquecento (cont.)

Principales danzas del Renacimiento francés: Paso de Brébant, branle, canario, chacona, pasacalle, pavana, pazzomezzo, volte, gallarda, tourdion, gavota.

Maestros y tratados de danza del Cinquecento:

- Marco Fabrizio Caroso (c. 1527-1605): Il Ballerino (1581), Nobiltà di Dame (1600).

- Cesare Negri (c. 1536-1604): La Grazie d´amore (1602).

- Thoinot Arbeau (1519-1595). l´Orchésographie (1588)

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Tema 4 - 13/38

Tratado de Marco Fabrizio Caroso:

Il Ballerino

1581


Tema 4 - 14/38

Tratado de Marco Fabrizio Caroso: Nobiltà di Dame. 1600

Ilustraciones


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Tema 4 - 15/38

Bailarines del siglo XVI según el tratado de Cesare Negri:

Nuove inventioni di balli1604


Tema 4 - 16/38


LA POSICIÓN DE PREPARACIÓN.

TRATADO DE CESARE NEGRI.

Bailarines del siglo XVI según el tratado de Cesare Negri:

Nuove inventioni di balli. 1604

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Tema 4 - 17/38


Antepasado de la barra, según el tratado de

Cesare Negri

Tema 4 - 18/38

El paso del fioco según el tratado de Cesare Negri: Nuove inventioni di balli. 1604


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Tema 4 - 19/38


Tratado de Thoinot Arbeau: L´Orchésographie. 1588-1589

Ilustraciones de diversos pasos y posiciones

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Representación de un branle. 1560

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Tema 4 - 21/38


La danza campesina. Pieter Brueghel, el viejo. 1568

Ejemplo de celebración campestre y popular que refleja las costumbres del siglo XVI

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El baile de la boda. Pieter Brueghel, el viejo. 1568

Ejemplo de celebración que refleja las costumbres populares del siglo XVI.

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Tema 4 - 23/38


La reina Isabel danzandola volta con el conde de Leicester

Tema 4 - 24/38

Baile en la corte de Enrique III de Valois, según una pintura de la época.

Pareja de nobles bailando la volta.


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Tema 4 - 25/38


Baile en la corte de Enrique III de Valois, según una pintura de la época.

Detalle

Tema 4 - 26/38


Precedentes:

- 1572: La defensa del paraíso

- 1573: El ballet de los embajadores polacos (Ballet de los poloneses)

Primer Ballet de Corte:

- 1581: El Ballet Cómico de la Reina

Último Ballet de Corte:

- 1681: El Triunfo del Amor

El Ballet de Corte

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Tema 4 - 27/38


Género de espectáculo que se desarrolla entre fines del siglo XVI y fines del XVII.

Conjuga: danzas, música, recitativos, coreografía, escenografía, vestuario y acción dramática.

Creado por los nobles y para los nobles.

Género eminentemente visual, lo importante no era la invención coreográfica de pasos sino el diseño espacial.

Comporta un mensaje político subyacente.

Importante papel de los elementos efectistas y poca importancia del tema, que se argumentará de manera entrecortada mediante una serie de entradas espectaculares. El número de éstas será muy elevado.

Fuentes de inspiración: mitológicas o novelescas.

Decorado y vestuario de gran riqueza y elaboración.

Uso de maquinaria escenográfica.

El Ballet de Corte. Características

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4.2. La danza en el Cinquecento (cont.)

Intérpretes: nobles aficionados. No hay profesionalismo ni rivalidad.

Coreografía: utiliza las danzas de corte existentes, dibujando variadas formas geométricas. Trazado planimétrico de la coreografía.

Alternan solos con danzas colectivas y danzas sin narración con danzas expresivas.

Ocasiones de representación: única.

Lugar de representación: salones de palacio.

Terminan con el Gran Ballet Final en el que se unen todos los intérpretes y el Gran Baile en el que participan espectadores e intérpretes.

Triunfó gracias al apoyo de Valois y Borbones que lo convirtieron en un instrumento político.

El Ballet de Corte. Características

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Tema 4 - 29/38

Ballet de los embajadores polacos. 1573

Recepción de los embajadores polacos en Tullerías

Tapiz


Tema 4 - 30/38


Ballet de los embajadores polacos (Ballet de los poloneses)1573

Balthasar de Beaujoyeulx

Escena de baile de las 16 damas representativas de las provincias de Francia

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Tema 4 - 31/38


Ballet cómico de la reina. 1581


Sala del pequeño Borbón

1ª escena: Ulises explica sus desventuras y pide ayuda a Enrique III

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Figuras de sátiros

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El bosque

Tema 4 - 34/38




Figuras de sirenas y tritones

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Tema 4 - 35/38




Las cuatro virtudes

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La fuente glauca, carro para la entrada de los dioses Glauco y Tetis

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Tema 4 - 37/38




El carro de Palas Atenea

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4.3. La danza en España

Existencia de danzas bajas y altas. La danza mensurada o medida en España se llamará danza de cuenta y será distintiva de la nobleza. Las danzas altas se llamarán danzas de cascabel y serán mucho más desenfadadas.

La relación que estableció el rey de la Corona de Aragón, Alfonso V el Magnánimo, con Italia, trajo parte del espíritu renacentista de ese país.

Tras la unificación política y religiosa que se produce con los Reyes Católicos, la danza asimilará las influencias de las diferentes culturas precedentes: musulmanes, judíos, cristianos.

Carlos I impondrá la etiqueta borgoñona. La danza será un hecho cotidiano en todos los estamentos sociales. Para la monarquía y la nobleza formará parte de su educación.

Muchas de las danzas renacentistas adquirirán un carácter y estilo propio en España. A su vez, otras danzas de origen español serán exportadas.

Importancia del baile popular (sustrato del folclore).

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TEMA 5

LA DANZA EN EL BARROCO


TEMA 5

LA DANZA EN EL BARROCO

5.1. El ballet bajo el reinado de Luis XIII(rey de Francia entre 1610 y 1643)

5.2. El ballet bajo el reinado de Luis XIV(rey de Francia entre 1643 y 1715)


Índice

Tema 5 - 2/49

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Tema 5 - 3/49

5.1. El ballet bajo el reinado de Luis XIII (rey de Francia entre 1610 y 1643)

Danza:

- Tendrá un papel cada vez más importante presentando más pasajes bailados. El Ballet de Corte sigue siendo un medio de propagandapolítica, consolidándose como espectáculo.

- Grandes Ballets de Corte, Pequeños Ballets de Corte y Ballets Burlescos o Mascaradas.

- Siglo XVII: primeros bailarines profesionales (nobles: Marais). Mujeres participan pero no hay verdaderas profesionales.

Vestuario:

- A partir del siglo XVII empieza a sustituirse toda la riqueza real de los vestuarios por imitación.

Argumento:

- Temática variada: mitología, historia, novelas, temas contemporáneos.

- Se pasa del verso declamado al recitativo y de ahí al canto.

Tema 5 - 4/49


Campo escénico: los lugares de representación siguen siendo los salones de palacio pero, poco a poco, van surgiendo escenarios en las salas.

Consecuencias:

- Separación entre intérpretes y público.

- Menos evoluciones geométricas y más desarrollo de la coreografía de pasos. La danza se verticaliza.

- Utilización de la parte inferior del escenario (escotillones).

- Uso del telón.

- Decorados diversos sobre el escenario que cambiarán a la vista del público mediante tres procedimientos: bastidores deslizantes, periactos y plataformas giratorias.

- Se adopta paulatinamente el modelo de escena cerrada o a la italiana.

Maquinaria y efectos escénicos:

- Carros gigantescos tienden a reducirse.

- Aparecerán carros volantes.

- Se pondrá de moda la utilización del fuego y del agua.

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Tema 5 - 5/49


Dos de los ballets más conocidos bajo el reinado de Luis XIII fueron:

- 1617: Ballet de la liberación de Reinaldo

- 1641: Ballet de la Prosperidad de las Armas de Francia

Dos de los ballets burlescos o ballets-mascaradas más conocidos fueron:

- 1625: Las fiestas del bosque de Saint-Germain

- 1626: Ballet de la Douairière de Billebahaut

Tema 5 - 6/49

5.1. El ballet bajo el reinado de Luis XIII

Escena de baile durante una fiesta. S. XVII

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Tema 5 - 7/49


La liberazione di Tirreno.1616

Se puede observar las rampas que comunican el escenario y la sala

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Ballet de la liberación de Reinaldo.1617

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Tema 5 - 9/49


Escena del Ballet de laliberación de Reinaldo.1617

En el centro, el bailarín Marais travestido de Armida

Tema 5 - 10/49

Ballet de la liberación de Reinaldo. 1617

En primer plano, Luis XIII como demonio del fuego.

Al fondo, el duque de Luynes en el papel de Reinaldo.


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Tema 5 - 11/49


Ballet de la liberaciónde Reinaldo. 1617

Una de las escenas finales: los músicos celebran el triunfo de Reinaldo

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Entrada de los extraviados en el ballet de Las fiestas del bosque de Saint-Germain. 1625Ballet burlesco

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Tema 5 - 13/49


Entrada de Heraldo y los tambores en el ballet de Las fiestas del bosque de Saint-Germain. 1625. Ballet burlesco

Tema 5 - 14/49


Vestuario para el Gran Ballet o última entrada del ballet de

Las fiestas del bosque de Saint-Germain. 1625

Ballet burlesco

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Tema 5 - 15/49


Entrada de la Música en el ballet de las Fiestas del Bosque de Saint-Germain. 1625

Ballet burlesco

Tema 5 - 16/49


Il Carnavale Languete.1647

Dos espectaculares escenas, con efectos de agua y fuego

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Tema 5 - 17/49

5.2. El ballet bajo el reinado de Luis XIV (rey de Francia entre 1643 y 1715)

1643Regencia de Ana de Austria (hija de Felipe III de España) e incremento del poder de Mazarino.

1650Afirmación del pensamiento racionalista: Descartes. Se camina hacia el intelectualismo, hacia la reflexión en todos los sentidos.

1661Muere Mazarino. Inicio del reinado de Luis XIV (casó con su prima MªTeresa de Austria, hija de Felipe IV de España). Se acentúa la centralización del poder política, económica y religiosa.

1661 Se crea la Academia Real de la Danza.

1669 Se crea la Academia Real de la Música.

1681 Último Ballet de Cour: El Triunfo del Amor

1682 Luis XIV y la corte se instalan en Versalles.

1687 Se fijan los fundamentos y los métodos de la ciencia moderna: Newton

Contexto

Tema 5 - 18/49

5.2. El ballet bajo el reinado de Luis XIV(rey de Francia entre 1643 y 1715)

Desarrollo de la danza en las diferentes cortes europeas, pero con un papel predominante y determinante de Francia.

2ª mitad del siglo XVII: Fase final del Ballet de Cour. Se magnifican los grandes ballets. Características: se dividen en partes, se reducen el número de entradas, se articulan con más coherencia, se añade un prólogo y un epílogo, presentan libreto, se generaliza el ballet de tema.

Se extiende la ópera italiana (introducida por Mazarino) y el teatro. Los franceses introducirán el ballet en estas obras, naciendo asínuevos géneros de espectáculos como la comedia-ballet, la tragedia-ballet y la ópera-ballet que será el espectáculo preferido del siglo XVIII.

Se adopta poco a poco el modelo de escena a la italiana. Se generaliza el telón y se perfecciona la maquinaria teatral. Nacen los talleres de decorados (Giacomo Torelli y Carlo Vigarini) y de vestuarios profesionales (Henri Gissey, Jean Berain)

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Tema 5 - 19/49

5.2. El ballet bajo el reinado de Luis XIV (rey de Francia entre 1643 y 1715)

Principales personalidades Principales ballets

Jean-Baptiste Lully

Pierre Beauchamps

Louis Pécourt

Raoul Auger Feuillet

Pierre Rameau

Claude Ballon

Michel Blondy

Mademoiselle de la Fontaine

Mademoiselle de Subligny

Françoise Prévost

Luis XIV

Ballet Real de la Noche. 1653.

Ballet del Tiempo. 1654.

Ballet de los Placeres. 1655.

Ballet de los Bienvenidos. 1655

La Fuerza del Amor. 1656

El Amor Enfermo. 1657

La Impaciencia. 1661

Hércules Amoroso. 1662

Ballet de las Artes. 1663

Los Placeres de la Isla Encantada. 1664

El Nacimiento de Venus. 1665

Ballet Real de Flora. 1669

El Triunfo del Amor. 1681

Tema 5 - 20/49

5.2. El ballet bajo el reinado de Luis XIV

Jean-Baptiste Lully

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Tema 5 - 21/49


Jean-Baptiste Poquelin, Molière

Tema 5 - 22/49


Louis PécourPierre Beauchamps

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Tema 5 - 23/49


Claude Ballon

Tema 5 - 24/49


Mademoiselle de la Fontaine

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Tema 5 - 25/49


Mademoiselle de Subligny,bailando en la Ópera

Tema 5 - 26/49


La danza se introduce en los géneros teatrales, 1º en forma de divertimentos entre los actos y más tarde evoluciona integrándose en la acción (argumento).

Así la danza se revaloriza como arte capaz por sí solo de una expresión dramática.

Serán piezas representadas por profesionales, lo que llevará a una comercialización de las obras.

Aparecerá la competitividad entre los ejecutantes, lo cual complicará y perfeccionará la técnica.

1661-1673: Comedia-ballet.

1671-finales del siglo XVIII: Tragicomedia-ballet.

1673-finales del siglo XVIII: Tragedia-ballet u ópera francesa.

1695-1773: Ópera-ballet o ballet à entrées.

Nacimiento de nuevos géneros de espectáculos

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Tema 5 - 27/49


Ballet de la Nuit. 1653

Traje para el sol, papel interpretado por Luis XIV

Tema 5 - 28/49


Ballet de la Nuit. 1653

Boceto de escenografía de Henri Gissey

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Tema 5 - 29/49


Luis XIV caracterizado como Apolo en Las bodas de Peleo y Tetis. 1654

Tema 5 - 30/49


Luis XIV haciendo el personaje de la Guerra en Las bodas de Peleo y Tetis. 1654

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Tema 5 - 31/49


Las bodas de Peleo y Tetis. 1654. Decorados de Giacomo Torelli.

Escena que representa un combate danzado

Tema 5 - 32/49


Decorado hecho por Giacomo Torelli para Les Fâcheux, comedia-ballet de Molière y Beauchamps. 1661

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Tema 5 - 33/49


Escena de la tragicomedia-ballet La princesa de Elide. 1664

Tema 5 - 34/49

Alceste, ópera francesa o tragedia-ballet. Representada en un patio exterior del palacio de Versalles con gran iluminación distribuida por todo el edificio.Jean-Baptiste Lully y Philippe Quinault. 1676


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Tema 5 - 35/49


Escenografía de Jean Bérain para el ballet El triunfo del amor. 1681

Tema 5 - 36/49


Traje diseñado por Jean Bérain para el ballet El triunfo del amor.1681

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Tema 5 - 37/49

Decorado para la tragedia-ballet Armida de Lully y Beauchamps.1686.Boceto de Jean Berain


Tema 5 - 38/49


En España no se desarrolla un Ballet de Corte con las características e importancia que tuvo en Francia.

El estilo español se va a desarrollar en este siglo y se caracterizarápor la espectacularidad, los grandes saltos, trenzados, giros, elevación de piernas, la competitividad en los hombres y la seducción y sensualidad en las mujeres. Tendrá una terminología propia.

Los maestros de danza españoles trabajarán fuera. España también exporta danzas: zarabanda, chacona, folías y canarios.

Dos fuentes españolas en este siglo, con información sobre pasos, coreografías y enseñanza del arte de la danza:

- Discurso sobre el arte del danzado y sus excelencias. 1642. Juan de Esquivel de Navarro. (Impreso)

- Libro de Danzar de don Baltasar de Rojas Pantoja. Último tercio del siglo. Maestro Juan Antonio Jaque. (Manuscrito)

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Tema 5 - 39/49


Se distinguen dos estilos distintos de danza:

- Uno internacional: utilizado en representaciones palaciegas y cortesanas. Propagado por los maestros italianos.

- Uno netamente español: sentido más espectacular, individual y virtuoso. Diferencia claramente dos formas de abordar la danza según el sexo. Cristalizará en el siglo XVIII con el bolero.

La afición suprema del Siglo de Oro español fue el teatro, que se representaba en los corrales de comedias. La danza se intercalará en el texto dramático.

La danza estará presente en romerías, procesiones, en Carnaval y también formaba parte de la educación en los colegios de los jesuitas.

Tema 5 - 40/49

Romería en el siglo XVII


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Tema 5 - 41/49 Carro triunfal de una procesión


Tema 5 - 42/49


Izquierda: Tarasca de una procesión del Corpus.

La Tarasca de Santa Marta. Procesión del Corpus Christi de Valencia

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Tema 5 - 43/49


Procesión del Corpus en Madrid, con asistencia del Príncipe de Gales

Tema 5 - 44/49


Grabado de una danza popular del siglo XVII

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Tema 5 - 45/49


Carnaval. Fue muy popular en el siglo XVII, llegando a eclipsar a los toros o a otros bailes

Tema 5 - 46/49


Reconstrucción de un corral de comedias.Surgieron a finales del siglo XVI

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Tema 5 - 47/49


Corral de comedias de Almagro

Tema 5 - 48/49


Corrida de toros en la Plaza Mayor de Madrid

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Tema 5 - 49/49


Auto de fe, pintado por Francisco Ricci en 1683. Escena en la Plaza Mayor durante la Inquisición española

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Tema 6

LA DANZA EN EL SIGLO DE LAS LUCES


TEMA 6

LA DANZA EN EL SIGLO DE LAS LUCES

6.1. La danza en el siglo XVIII

6.2. Principales figuras dancísticas del siglo XVIII. Breves reseñas biográficas.

6.3. Definición de los tipos de espectáculos coreográficos más importantes del siglo XVIII.


Índice

Tema 6 - 2/32

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Tema 6 - 3/32


1715: muere Luis XIV.

1715-1774: reinado de Luis XV. Aumento de la importancia de la burguesía. Las ciudadestoman el relevo de la corte.

1774-1792: reinado de Luis XVI.

1789: Inicio de la Revolución francesa; abolición de los privilegios.

1715: Importancia de los salones. Universalidad de la lengua francesa en la diplomacia, la ciencia y la literatura. Desarrollo del espíritu crítico(Montesquieu, Voltaire) y del científico.

1751-1765: Enciclopedismo, Diderot dirigirá la primera obra que resume el esfuerzo científico y filosófico de la época.

Nace la noción de estética(Baumgarten, Kant)

Aparece la crítica de arte (Diderot)

Curiosidad por los folcloresnacionales. El exotismo oriental y chino está de moda en las artes plásticas y decorativas.

Contexto político-social Cultura

Tema 6 - 4/32


Se crea el vocabulario de la danza en Francia con la integración de términos italianos.

La danza noble pasa a llamarse belle danse (posteriormente se llamará danza clásica o académica). Sus principios serán: el en dehors y la verticalidad. Su estilo responderá a las reglas del clasicismo: orden, equilibrio, simetría, medida, armonía, precisión, limpieza.

El espectáculo se profesionaliza. Desarrollo del virtuosismo. Creación en 1713 de la Escuela de Danza dentro de la Academia Real de la Música (1ª escuela de danza).

La danza profesional femenina comienza a rivalizar con la danza masculina.

Se personaliza la ejecución: surgen los “divos”: Louis Dupré…

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Tema 6 - 5/32


Bailarines, coreógrafos y maestros de ballet (mayoritariamente franceses) se mueven por Europa. La belle danse será adaptada al sistema de valores y a la estética propios de cada país. Se difunde el vocabulario francés de danza por toda Europa.

Se crean otras escuelas nacionales: Rusia y Dinamarca.

Durante el siglo XVIII la producción teórica se intensifica publicándose numerosos tratados. Raoul Feuillet publica Chorégraphie (1700) y Pierre Rameau Le Maître à danser (1725)

Persisten en Francia los géneros de espectáculos del siglo anterior.

En la segunda mitad del siglo destaca la labor de Noverre y de otros innovadores como Hilverding y Angiolini. Gran parte de la actividad novedosa se desarrolla fuera de Francia.

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Noverre cuestionará la concepción del cuerpo danzante en su obra Lettres sur la danse et sur les ballets (1760) surgiendo el ballet de acción o ballet-pantomima.

Especialización de los intérpretes en estilos: danza heroica o seria, danza de semicarácter, danza cómica o grotesca.

El vestuario sigue la evolución de la moda. Se aligeran los trajes. Desaparece el uso de la máscara en la escena con el advenimiento del ballet-pantomima.

La maquinaria teatral no deja de perfeccionarse gracias a los arquitectos decoradores italianos.

Se multiplica la construcción de salas de espectáculos (escena a la italiana). El punto de vista frontal y bajo del espectador llevará a desarrollar el salto como el efecto principal (nuevo estilo “en el aire”).

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Vestuario de ballet de mediados del siglo XVIII

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“Tourne-Hanche”. Aparato usado por los maestros de baile de los siglos XVIII y XIX, con el fin de conseguir la correcta posición hacia fuera (en dehors) de los pies, que requería la técnica del ballet y de la danza social.

(Como se señala, lo que se conseguía era girar los pies hacia fuera y no toda la pierna)

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Utilizando un “Tourne-Hanche”

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Lección de danza

Cuadro de Pietro Longhi. 1741

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La princesa de Navarra

Comedia-ballet presentada en Versalles. 1745.

Coreografía: Philippe Rameau

Decorados: Charles Nicolas Cochin.

Formaba parte de las celebraciones por la boda del hijo de Luis XV.

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Surge el ballet de acción

En 1761, nace Don Juan (Angiolini); en 1763, Jasón y Medea(Noverre). Surge el ballet de acción (el ballet es una acción explicada por la danza): hay una trama, una lógica; se acaba con el bailarín virtuoso; caen los ornamentos inútiles; se exalta la expresión.

Pronto se abandonarán las historias de mitos para ofrecer historias reales.

Con la Revolución francesa, la Rusia zarista recibirá a los prófugos como Charles Didelot. El ballet encontrará prestigio también en Italia, en la Scala, gracias a Viganò, continuador de la reforma de Noverre, y a Blasis, gran teórico.

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6.2. Principales figuras dancísticas del siglo XVIII

Louis Dupré

Jean-baptiste Landé

Gaetano Vestris

Augusto Vestris

Franz Hilverding

Gasparo Angiolini

Jean Dauberval

Jean Pierre Aumer

Louis Duport

Jean-Baptiste Lany

Charles Le Picq

Charles-Louis Didelot

Maximilien Gardel

Pierre Gardel

Salvatore Viganò

Jean Georges Noverre

Marie-Anne Cupis De Camargo

Marie Sallé

Marie Allard

Barbarina Campanini

Marie-Madeleine Guimard

María Medina Viganò

Anne Heinel

Louise Lany

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Gaetano Vestrisinterpretando a Jasónen el RandolpheKing's Theatre. Caricatura publicadapor John Boydell en Londres en 1781.


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AUGUSTO VESTRIS BAILANDO

Augusto Vestris,hijo de Gaetano Vestris


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Jean Dauberval y Marie Allard en Silvia. Ópera-ballet. 1766


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Charles Didelot y Madame Théodore. 1791


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Rose (izq.), Charles Didelot y Madame Parisot (der.) 1796


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La dansomanie. Ballet pantomímico en dos actos creado en 1800 por Pierre Gardel. Grabado de 1804


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Mlle. Françoise Prévost

Maestra de Camargo y Sallé


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Marie Camargo. Su técnica era brillante, virtuosa y rápida. Acortó el vestido. Realizaba proezas hasta entonces reservadas a los hombres.

Óleo pintado por Nicolás Lancret hacia 1730


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Marie Sallé. Destacaba por su gracia y expresión. Era especialista en pantomima. Grabado


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Bárbara Campanini.

Conocida como “La Barbarina”.

Bailarina italiana que llevó la técnica italiana a Francia. Realizaba grandes proezas técnicas.

Óleos de mediados del siglo XVIII

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Marie-Madeleine Guimardcomo Terpsícore (izq.)

Óleo pintado hacia 1775 por Jacques-Louis David

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María Medina Viganò como Terpsícore. 1794.

Española. Pareja de Salvatore Viganò.

Fue una de las primeras bailarinas en llevar el estilo y la danza española por la escena europea

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Jean Georges Noverre, autor de las Lettres sur la danse et sur les

ballets (1760), máximo defensor y promotor del ballet de acción o

ballet-pantomima


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Período de recuperación demográfica y económica.

Potencia importante en la política europea pero sin la grandeza de tiempos anteriores. Muy vinculada a Francia.

El influjo de la Ilustración fue reduciendo la importancia de la Inquisición.

1700: Guerra de Sucesión.

1700-1746: reinado de Felipe V (1r. rey Borbón).

1746-1759: reinado de Fernando VI.

1759-1788: reinado de Carlos III.

1788-1808: reinado de Carlos IV.

Contexto

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El ballet en España es considerado como algo “exótico”, foráneo y asociado a las óperas italianas, fomentadas por los Borbones.

El gran público defendía el estilo propio, nacional. Los bailes autóctonos de origen popular irán llevándose al teatro interpretados por profesionales.

Destacan tres focos con gran actividad de danza teatral: Madrid,Barcelona y Sevilla.

Será frecuente que los teatros programen dos tipos de funciones: “de bailes nacionales” y de “bailes serios o generales”.

El fandango es el emblema coreográfico español durante este siglo.

Nace el bolero a partir de 1770. Surge de la evolución de la seguidilla que se fue haciendo más lenta (seguidilla bolera) hasta derivar en el bolero.

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Tratados publicados: Las reglas útiles para los aficionados a bailar(1754) de Ferriol y Boixerau, El danzar a la francesa y Tratado de los pasos del danzar a la española (1754) de Pablo Minguet e Irol.

Cristalización de la Escuela Española de Danza (posteriormente llamada Escuela Bolera) que verá un gran desarrollo y difusión en el siglo XIX.

La zarzuela, sin apenas haber llegado a desarrollarse, decae en este siglo.

También aparecen las primeras referencias escritas sobre el baileflamenco.

Entre la burguesía se pone de moda el baile social o de salón.

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Retrato de Mariana Márquez, bailando el zorongo. 1795.

Grabado de Lorenzo Barrutia. Biblioteca Nacional de España

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Diferentes grabados coloreados de Marcos Téllez Villar, realizados hacia 1790 en los que se muestran diversos pasos de las seguidillas boleras.

Museo de Historia

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Baile a orillas del Manzanares (fragmento). 1777.

Francisco de Goya. Museo del Prado

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Tema 7

LA DANZA EN EL SIGLO XIX


TEMA 7

LA DANZA EN EL SIGLO XIX

7.1. La primera mitad del siglo XIX. El ballet romántico.

7.2. Principales personalidades dancísticas del ballet romántico.

7.3. La segunda mitad del siglo XIX. La crisis del ballet romántico (1855-1870). El clasicismo del ballet en Rusia: Marius Petipa y su legado.

7.4. La danza en España y su influencia en la danza europea del siglo XIX.

Índice

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7. LA DANZA EN EL SIGLO XIX

Introducción Desarrollo del Romanticismo (1ª mitad del siglo XIX), como

reacción al espíritu crítico y racional de la Ilustración, recuperándose valores como el individualismo, la tradición, los sentimientos, la subjetividad, el instinto.

Emerge el movimiento romántico con la ayuda de los escritores: Chateaubriand, Víctor Hugo, lord Byron, Goethe, Hans Christian Andersen, Hoffmann...

Se extiende el romanticismo en música: Berlioz, Mendelssohn, Schumann, Chopin...

Y en pintura: Delacroix, Géricault, Friedrich, Turner, Constable…

7.1. La primera mitad del siglo XIX. El ballet romántico

El inicio del siglo XIX había estado marcado por la edad de oro de la danza masculina: P. Gardel, Didelot, A. Vestris, que dará alumnos como Jules Perrot, Bournonville o Marius Petipa.

Tratados: Tratado elemental teórico y práctico del arte de la danza, de 1820 y El Código de Terpsícore, de 1828. Escritos por el italiano Carlo Blasis. Fijan los principios estéticos y didácticos de la danza académica.

La Sílfide (1832) de F. Taglioni e interpretada por María Taglioniinaugura el ballet romántico.

Innovación técnica y estilística de la época: las puntas.

La bailarina se convierte en un ser etéreo, a la vez que relega la danza masculina y se consagra como protagonista absoluta del ballet romántico. Todo estará al servicio de ella.

Eugène Lamy crea el tutú (prototipo del ballet blanco que se desarrollará a partir de entonces). Peinado romántico: bandeaux.

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Escenografía: utilización de maquinaria teatral (tramoyas, arneses, alas móviles, hilos de latón) e iluminación (lámparas de aceite).

Dualismo temático entre lo terrenal, realista y prosaico y lo fantástico y onírico. La mímica convencional encadena las escenas, pantomima blanca.

Giselle (1841), de Jules Perrot y Jean Coralli, marca el esplendor del ballet romántico.

A. Bournonville en 1830 toma la dirección del Real Ballet Danés. Desarrolla un estilo ligero y flotante. Insiste en el justo equilibrio entre el bailarín y la bailarina en sus ballets.

Importancia e influencia de los bailarines españoles en Europa.

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7.1. La primera mitad del siglo XIX. El ballet romántico.

Tratados

Maestros de ballet,

coreógrafos y bailarines

Bailarinas Coreografías

1820: Traitéélémentairethéorique et pratique de l´artde la danse.Carlo Blasis.

1828: Código de Terpsícore. Carlo Blasis.(Importancia de la línea, arabesque y attitude)

Filippo Taglioni

Jules Perrot

Arthur Saint-Léon

Augusto Bournonville

Jean Coralli

Lucien Petipa

María Taglioni

Fanny Cerrito

Fanny Elssler

Carlotta Grisi

Lucille Grahn

1832. La Sílfide . F. Taglioni.

1836. La hija del Danubio. F.Taglioni

1839. La sombra. F. Taglioni

1841. Giselle. J. Coralli y J. Perrot

1842. Napoli. A. Bournonville.

1843. Ondina. J. Perrot

1843. La Péri. J. Coralli

1845. Eolina. J. Perrot

1845. Pas de Quatre. J. Perrot

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Traité élémentaire théorique et pratique de l´art de la danse.Carlo Blasis. 1820


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Mercurio.1580Giovanni Bologna

En esta escultura de finales del Renacimiento (Manierismo) realizada por un alumno de Miguel Ángel, se inspiró Carlo Blasis para crear l´attitude.


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Théophile Gautier,poeta, crítico y novelista francés.

Sus artículos de prensa ilustran perfectamente las características del ballet romántico.Autor también del libreto de Giselle..


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El ballet de las monjas, intermedio danzado de la ópera de MeyerbeerRoberto el Diablo, coreografiado por Filippo Taglioni en 1831


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Representación de Roberto el Diablo (Ballet de las monjas) en la Ópera de París de la rue le Peletier). Este edificio se quemó completamente en 1873


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María Taglioni en la Sílfide de Filippo Taglioni. 1832

7.2. Principales personalidades dancísticasdel ballet romántico

María Taglioni en Flora y Céfirode Charles Didelot. 1831

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María Taglioni en La Gitana de Filippo Taglioni. 1838


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Fanny Elssler en la Cachucha del Diablo cojuelo de Jean Coralli. 1836


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Lucille Grahn y Jules Perrot en dos escenas del ballet Eolina o La dríadade Jules Perrot. 1845


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Fanny Cerrito en La Lituana. 1840


Fanny Cerrito en Esmeralda. 1844

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Carlotta Grisi en Giselle de Jules Perrot y Jean Coralli. 1841


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Primer acto de Giselle de Jules Perrot y Jean Coralli. 1841


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Lucien Petipa y Carlotta Grisi en La Péride Jean Coralli. 1843


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Carlotta Grisi y Jules Perrot enLa Esmeralda de Jules Perrot.1844


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Fanny Elssler y Jules Perrot enLa bolera castellana


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Arthur Saint-Léon y Marie Guy-Stephan


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Le Pas de Quatre de Jules Perrot1845

Bailarinas: María TaglioniFanny CerritoLucile GrahnCarlotta Grisi


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7.3. La segunda mitad del siglo XIX. La crisis del ballet romántico (1855-1870)

2ª mitad del siglo XIX el ballet declina en Francia e Inglaterra.

Causas:

- El romanticismo agotó la expresividad, se hizo repetitivo y saturó el gusto del público.

- Interés del público por el canto y la ópera.

- Surgen nuevos locales de espectáculos como café-conciertos y music-halls que ofertan una danza más popular y divertida.

- La explotación de la figura de la “étoile” causó la desaparición del bailarín masculino.

- La sociedad cambió, pero también las grandes figuras del romanticismo desaparecieron.

- Se debilita la Ópera de París y el ballet desaparece de los grandes escenarios.

Excepciones coreográficas en este período de crisis: El Corsario(1856) de Mazilier y Coppélia (1870) de Saint-Léon.

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Giuseppina Bozzachi (1853-1870) que interpretó a Swanilda en Coppélia de Arthur Saint-Léon. 1870


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Desaparecido el ballet romántico (1870), los nuevos centros de la danza serán Italia y Rusia, inaugurando un nuevo período: el clasicismo ruso.

En las últimas décadas del siglo XIX el ballet pervivirá en la Rusia zarista (el estado menos moderno de Europa, con una potente corte y una brutal autocracia)

Marius Petipa llegará en 1848 a San Petersburgo y estará al servicio del Ballet imperial ruso hasta su retirada en 1904. Coreografió 54 nuevos ballets, remontó 17 antiguos e hizo las danzas para 34 óperas.

San Petersburgo pasará a desempeñar el papel que París había tenido en los siglos XVII y XVIII.

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7.3. La segunda mitad del siglo XIX. El legado de Petipa

Petipa desarrollará incesantemente la técnica, que alcanzará su máxima belleza formal y virtuosismo.

Crea grandes ballets en colaboración con Lev Ivanov y Tchaikovsky: La Bella Durmiente, El Cascanueces, El Lago de los Cisnes. Casi todos sus ballets tienen cuatro o cinco actos y consistían en danzas complicadas, grandes agrupaciones estéticas, largas procesiones y una apoteosis final.

Subordina la música, el decorado y el argumento a la coreografía.

El culmen de cada obra será el “Paso a dos” de los protagonistas, al cual dota de estructura.

Sumará al elegante estilo francés, base de la escuela rusa, la velocidad y virtuosismo de la escuela italiana (aportado por Cecchetti); encadenamientos, ligereza y precisión de la escuela danesa (aportado por Johannson); y el brío y carácter eslavo. Todo ello formará el estilo de la escuela rusa.

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Fotografía de Marius Petipa y caricatura suya hecha por Nikolai y Sergei Legat hacia 1900.

Anotaciones de Petipa sobre sus coreografías


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Boceto del decorado de La bella durmiente del bosque de Marius Petipa. 1890. Ballet en un prólogo y tres actos


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Fotografías de La bella durmiente del bosque de Marius Petipa.

1890


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Fotografía de La bella durmiente del bosque de Marius Petipa.

1890. Carlotta Brianza (en el papel de Aurora) y Paul Gerdt(príncipe)


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Boceto de Konstantin Ivanov para la escenografía de El cascanueces, primer acto. 1892


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Boceto de Konstantin Ivanov para la escenografía de El cascanueces, segundo acto. 1892

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Fotografía de El Cascanueces de Marius Petipa y Lev Ivanov. 1892


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Pierina Legnani (1863-1930). Italiana, fue la primera bailarina que introdujo la serie de 32 fouettés (paso que ya hizo en 1893 en la Cenicienta de Petipa)


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Mathilde Kschessinska. Fue la primera prima ballerinaassoluta rusa en el mundo y, tras Pierina Legnani, fue la primera rusa en realizar la serie de 32 fouettés en puntas


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7.4. La danza en España y su influencia en el ballet romántico

Esplendoroso desarrollo en este siglo de la Escuela Española de danza (más tarde llamada Escuela Bolera). España será el único país que conservará en el teatro una danza autóctona e internacionalmente reconocida, paralela al ballet.

Período de esplendor de la Danza Española entre 1835 y 1880.

Influencia de la danza española en Europa:

- En las bailarinas y en los ballets románticos.

- En los ballets de Augusto Bournonville (Dinamarca).

- En los ballets imperiales rusos a través de Marius Petipa.

Los bailarines españoles dominan las dos técnicas: clásica y española. Fuera de España ocurre algo similar. Pero siempre destaca el carácter español en las interpretaciones.

El intercambio de artistas es frecuente.

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Repertorio de escuela bolera será muy variado: se mantienen y evolucionan el fandango, las seguidillas, la guaracha y el bolero. Aparece un repertorio que pervive hasta nuestros días.

Repertorio presenta dos tipos diferentes de danzas:

- Danzas de carácter genérico (bajo un mismo término, existen diferentes coreografías pero siempre con una estructura inamovible): bolero, boleras, seguidilla, fandango y guaracha.

- Coreografías establecidas con una denominación propia: La maja y el torero, El olé de la Curra, El jaleo de Jerez, Los panaderos de la Flamenca.

El vestuario será específico y el calzado adquiere categoría de distintivo según el tipo de baile.


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Mariano Camprubí y Dolores Serral, conocidos en Europa como “los dansadores”. 1837


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Petra Cámara


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Manuela Perea, la Nena. Hacia 1850


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Josefa Vargas


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Lola de Valencia pintada por Manet


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Rosita Mauri desde 1878 se convirtió en primera bailarina de la Ópera de París


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Rosita Mauri pintada por Degas


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Rosita Mauri y

Louis Mérante


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Desarrollo del baile flamenco

ETAPA DE LOS BAILES DE CANDIL. 1ª mitad del siglo XIX

Tiene carácter popular.

El nombre es debido a los locales donde se bailaba: tabernasiluminadas con candiles.

Artistas no profesionales: cigarreras, herreros, artesanos…

No tiene rango espectacular. Se baila como desahogo y entretenimiento. No se paga entrada.

Bailes de esta época: zapateado primitivo, polo y caña, tango, zorongo, rondeña.

Características: gracia y nervio, agilidad, destreza en los pies, continuo movimiento de brazos, soltura del talle, quiebros de cintura.

Acompañamiento con panderos, panderetas, guitarra y vihuela.

No hay diferenciación entre el baile del hombre y la mujer.


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Desarrollo del baile flamenco

ETAPA DE LOS CAFÉS-CANTANTES. 2ª mitad del siglo XIX hasta 1920

El flamenco cobra auge. Se propaga su afición por toda la sociedad, se impone en las fiestas, se convierte en espectacular sin perder su valor popular: Edad de Oro.

Se fijan los estilos, se depuran las formas, se disciplina el ritmo y los cánones.

Las exigencias del público estimula la competencia en los artistas.

Lugar de actuación: se traslada de los locales de candil a los cafés-concierto(lugares céntricos y de charla o tertulia). Existe un escenario al fondo detablones de madera: tablao.

Artistas están contratados: profesionalización. Forman cuadros con una o dos figuras principales. Diferenciación entre el baile del hombre y de la mujer.

Características del baile: estilo con mayor compostura y empaque; se cuida la plástica más que el movimiento; más precisión en el ritmo; más dificultad técnica; no castañuelas.

Bailes: zapateado, alegrías, farruca, tango, garrotín, tientos, soleares.


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Los cafés-cantantes


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Juana Vargas, la Macarrona, en el Café Novedades de Sevilla


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El Café del Burrero, en Sevilla


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TEMA 1.DANZA PREHISTORIA Y MUNDO...

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