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22_LA VERRIÈREDES GESTES DE LA PENSÉE DU 20 AVRIL AU 13 JUILLET50, boulevard de Water loo_Bruxel les 1000www. fondat iondentrepr isehermes.org

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www.galer iechar lot.com11_GALERIE MARTINE ET THIBAULT DE LA CHÂTREBENJAMIN HOCHART_NOUVELLES/JARDIN JUSQU’AU 11 MAI4, rue de Saintonge_Paris 3e

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14_GALERIE MAGDA DANYSZ FRED EERDEKENS_REMANENCES DU 20 AVRIL AU 8 JUIN78, rue Amelot_Paris 11e

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20_GALERIE LAURENT GODINSCOLI ACOSTA_MUSIC OF MOROCCO JUSQU’AU 11 MAI5, rue du Grenier-Saint-Lazare_Paris 3e

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25_GALERIE LOEVENBRUCKJEAN DUPUY_LES ANNÉES COLLECTIVES (1973-1983) JUSQU’AU 11 MAI 6, rue Jacques-Cal lot_Paris 6e

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26_GALERIE KAMEL MENNOUR ANN VERONICA JANSSENS DU 16 MAI AU 23 JUIN 47, rue Saint-André-des-arts_Paris 6e

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27_GALERIE LAURENT MUELLERMATTHIAS BECKMANN_BERLINER ATELIERS JUSQU’AU 1ER JUIN75, rue des Archives_Paris 3e

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28_GALERIE DE MULTIPLESSTÉPHANE CALAIS DU 26 AVRIL AU 5 JUIN 17, rue Saint-Gi l les_Paris 3e

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29_GALERIE ODILE OUIZMANDES FLEURS SINON RIEN JUSQU’AU 1ER JUIN10-12, rue des Coutures-Saint-Gervais_Paris 3e

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LES CARTES, UN TRÉSORDepuis l’essor de la géolocalisation, la cartographie jouit dans les arts d’un regain d’intérêt, dont témoigne l’exposition « Mappa Mundi » à Toulon. Autour des œuvres d’une trentaine d’artistes où figurent Alighiero Boetti, Céline Boyer, Jochen Gerner ou le collectif Stalker, l’accrochage examine tour à tour trois modalités de la carte : sa matérialité physique, ses liens avec la guerre et le combat (stratégique ou tactique), mais aussi sa dimension d’exploration et de jeu…

« Mappa Mundi »Jusqu’au 12 mai 2013Hôtel des arts236, boulevard du Maréchal Leclerc, 83000 Toulonwww.hdatoulon.fr _Vik MunizPictures of Junk, 2008.Photographie, 149 x 102 cm chaque.Courtesy Galerie XIPPAS, Paris. © ADAGP Paris 2013.

LA CHANSON CRÉE L’OBJETEn 2004, Saâdane Afif demandait à Lili Reynaud-Dewar d’écrire une série de paroles de chansons en résonance avec quatre de ses œuvres. Depuis, l’artiste décline sous forme de concerts, d’albums et de performances ce procédé conceptuel – histoire de souligner sur un mode dérisoire la part de l’interprétation et du commentaire dans tout travail de création. Jouant la répétition dès son titre, l’exposition que lui consacre l’IAC fait la synthèse des variations musicales conçues autour de son œuvre des dix dernières années. « Blue Time, Blue Time, Blue Time » permet ainsi de saisir la création comme processus et lieu d’une évolution sans fin.

« Blue Time, Blue Time, Blue Time »Saâdane AfifJusqu’au 28 avril 2013Institut d’Art contemporain – Villeurbanne11, rue Docteur Dolard, 69100 Villeurbannehttp://i-ac.eu_Saâdane AfifBlue Time (Sun Burst), 2004.Vue de l’exposition « Blue Time, Blue Time, Blue Time », Institut d’art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes.Photo Blaise Adilon.

LA MUSIQUE DU VENT C’est une « symphonie éolienne » interprétée par des « batteries à hélices », des « harpes éoliennes tambours », des « rubans en tension » ou des « entrechocs libres », et dont les sonorités se dévoilent au gré d’un parcours essaimé de 500 instruments. Conçu par Pierre Sauvageot dans le cadre de Marseille 2013, l’installation est plantée en plein parc régional des Calanques. Elle propose au spectateur de découvrir, sous la conduite de quelques « passeurs », un espace musical onirique créé sans électricité ni ordinateur.

« Champ harmonique »Jusqu’au 28 avril 2013Marseille, Les GoudesParc national des Calanques www.lieuxpublics.com_Pierre SauvageotMarche symphonique pour 500 instruments éoliens et public en mouvement. Photo Vincent Lucas.

TRENTE ANS APRÈSFils du mitterrandisme et de la décentralisation, les 23 Fonds régionaux d’art contemporain (Frac) ont déjà 30 ans. En guise d’anniversaire, chacun d’eux invite un artiste à concevoir une exposition ou un dispositif mettant en scène sa collection. Parmi les créateurs auxquels on a délivré cette carte blanche, Jordi Colomer (Basse-Normandie), Claire Fontaine (Haute-Normandie), Xavier Veilhan (Île-de-France) ou Raphael Zarka (Alsace), dont les projets seront par ailleurs exposés du 28 septembre 2013 au 5 janvier 2014 aux Abattoirs de Toulouse.

« Les Pléiades, 30 ans des Frac » Jusqu’en décembre 2013Regroupement des Fonds régionaux d’art contemporain32, rue Yves-Toudic, 75010 Pariswww.frac-platform.com_Isabelle ArthuisLe Banquet, 2011.Affiche sérigraphie couleur, 300 x 400 cm. Collection Frac Bretagne. Courtesy de l’artiste.

DES RACINES JUSQU’AU CIELNé en Albanie en 1969, Adrian Paci s’exile en Italie en 1997.Au commencement était le verbe : « L’arbre de vie », au collège des Bernardins, est né d’un dialogue entre un théologien et deux commissaires d’exposition, et de leur désir commun de croiser la symbolique chrétienne de l’arbre et ses déclinaisons dans l’art contemporain. Déployée dans la nef, les jardins et l’ancienne sacristie, l’exposition forgée par cet échange rassemble une vingtaine d’artistes confirmés (Michel Blazy, Mark Dion…) et émergents (Émilie Benoist, Jenny Bourassin, Clémence Seilles…), dont quatre ont produit pour l’occasion une installation in situ.

« L’arbre de vie »Jusqu’au 28 juillet 2013Collège des Bernardins20, rue de Poissy, 75005 Paris www.collegedesbernardins.fr_Émilie Benoist Série « Ces Milieux ». Sérigraphie sur vitraux, exécution graphique Bryce Davesne.Courtesy de l’artiste et School Gallery.

E N F R A N C E E T +

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À DADA « Faire du réel un palais des glaces qui vire au train fantôme ». À travers cette formule, Théo Mercier rappelle ce que son « Grand Mess » doit à la fête, au plaisir et à la légèreté. Offrant un écho potache aux ready-made et aux jeux des surréalistes, le bric-à-brac d’objets qu’il rassemble au Lieu unique puise dans la drôlerie des farces et attrapes et, en pied de nez à l’esprit de sérieux, revendique l’humour, l’ironie et le détournement comme les principaux ressorts de son œuvre.

« Le Grand Mess »Théo MercierJusqu’au 28 avril 2013Le Lieu uniqueQuai Ferdinand-Favre, 44000 Nanteswww.lelieuunique.com_Théo MercierHypster with cucumbers, 2012.Technique mixte. Courtesy Erwan Fichou.

ÉMERGENCES À MONTROUGEDédié à la création émergente, le salon de Montrouge poursuit son travail de défrichage et son rôle d’« accélérateur de carrière ». À travers une scénographie conçue par matali crasset, la 58e édition présente les œuvres de 71 artistes âgés de 22 à 49 ans – dont certains sont issus d’Algérie, de Corée, d’Argentine ou du Brésil – et rend hommage à Théo Mercier, invité d’honneur du cru 2013. Remise des prix le 12 juin, en prélude à la présentation des trois lauréats à la fin de l’année au Palais de Tokyo.

Salon de MontrougeDu 15 mai au 12 juin 2013Le Beffroi2, place Émile-Cresp, 92120 Montrougewww.salondemontrouge.fr_Sylvie BonniotGrande Cellulose I, 2011.Dessin au cutter sur tirage baryté, 120 x 120 cm.Courtesy de l’artiste.

AH! OH! HEY ! Il y a un an et demi, Anne & Julien déclinaient l’univers pop surréaliste de la revue Hey! sur les cimaises de la Halle Saint-Pierre. Comme un bon film dont on se réjouit de voir la suite, « Hey Part II » offre un nouvel espace au couple de journalistes et rassemble en un second volet ce que les marges artistiques comptent de plus réjouissant : fleurons de la bande dessinée et du tatouage, créatures de cinéma, illustrations, céramiques macabres, toiles érotiques et artistes singuliers…

« Hey! modern art & pop culture Part II » Jusqu’au 23 août 2013Halle Saint-Pierre2, rue Ronsard, 75018 Pariswww.hallesaintpierre.org_Carolein SmitRamshead II, 2010. Céramique, 26 cm.Courtesy Flatland Gallery (Utrecht/Paris). Photo Winnifred Limburg.

NO COUNTRYCréée il y a tout juste un an pour favoriser les échanges culturels avec diverses régions du monde, l’UBS MAP Global Art Initiative du musée Guggenheim consacre sa première exposition à une zone bouillonnante de créativité : l’Asie du Sud et l’Asie du Sud-Est. Mêlant vidéo, sculpture, installation, œuvres sur papier et photo, « No Country » rassemble ainsi 22 artistes et collectifs du Bengladesh, d’Indonésie, de Malaisie, du Pakistan, des Philippines, de Thaïlande ou du Viêtnam.

« No Country: Contemporary Art for South and Southern Asia » Jusqu’au 22 mai 2013Musée Guggenheim1071 Fifth Avenue, New York 10128guggenheim.org/MAP_

Wah Nu and Tun Win Aung White Piece #0131: Forbidden Hero (Breeze Before Storm) (from the installation Four Pieces [of White]), 2012.Acrylique et papier journal sur toile, 65 x 47,7 cm.Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Guggenheim UBS MAP Purchase Fund.Courtesy des artistes.

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PALAIS VÉNITIENS En 1955, Marino Auriti concevait le projet d’un musée imaginaire où rassembler tout le savoir de l’humanité. Dans le sillage de cet artiste autodidacte, la 55e édition de la Biennale de Venise reprend son vœu d’un « palais encyclopédique » et se fixe pour objet de dresser une anthropologie des images à même de questionner la société de l’information et la place qu’elle laisse (ou pas) à l’imagination. Raflant la vedette à Bertrand Lavier, Tatiana Trouvé et Adel Abdessemed, c’est Anri Sala qui portera ce questionnement au sein du Pavillon français.

Biennale de VeniseDu 1er juin au 24 novembre 2013www.labiennale.org _Camille HenrotCoupé/Décalé, 2010. Vidéo, 3:54 min.Courtesy de l’artiste et Kamel Mennour, Paris.

NORD ET SUD C’est l’hommage d’une grande école d’art à une autre... Jusqu’au 26 mai, la villa Arson présente les œuvres vidéo de deux jeunes artistes issus du Fresnoy : Laura Huertas Millán et João Vieira Torres. La première filme dans Aequador une spectaculaire remontée d’un fleuve amazonien ; le second, plus intime, ausculte le corps d’un amant avec une caméra thermique. En prolongement à leurs travaux, une exposition regroupe autour du thème de la frontière les œuvres de 14 anciens du Fresnoy, dont Anri Sala, Mati Diop, Mohamed Bourouissa et Bertille Bak.

« Aequador », Laura Huertas Millán« Ici, là-bas, et Lisboa », João Vieira TorresJusqu’au 26 mai 2013Villa Arson20, avenue Stephen Liégeard, 06300 Nicewww.villa-arson.org_Voyage en la Terre autrement dite (Journey to a Land Otherwise Known), 2011.Film HD2K, 23 min.

VOYAGES DANS LEUR TÊTELa collection comme voyage intérieur ? C’est à partir de ce postulat qu’Amaury et Myriam de Solages, fondateurs de la Maison particulière, ont mis en scène une partie de leur collection et convié trois autres de leurs pairs – Galila, Antoine de Galbert, Cédric et Cookie Liénart – à sélectionner et présenter un corpus d’œuvres d’art leur appartenant. Objectif de l’accrochage : examiner ce que ces pièces révèlent de leur passion et plus largement de leur vie intérieure.

« Voyages intérieurs »Du 18 avril au 30 mai 2013La Maison particulière49, rue du Châtelain, 1050 Bruxelleswww.maisonparticuliere.be_Michael JohanssonAnother time, another place, 2012.Valises, sacs et boîtes. Courtesy de l’artiste.

CONNAISSANCE DES LIMBES« Heureux celui qui connaît l’origine des choses », écrivait Virgile. À l’instar du poète, la Centrale rassemble une centaine d’œuvres du Cnap et affiche l’ambition de remonter à la source de l’acte créateur. Résultat : un parcours en forme d’énigme rassemblant des figures aussi diverses qu’Ernest T., Rémy Zaugg, Claire Fontaine, Michel Blazy ou Nicolas Schöffer pour mieux questionner la quête avant-gardiste de l’inédit et souligner le rôle du hasard dans la genèse de l’œuvre.

« L’origine des choses : collection du Centre national des arts plastiques »Jusqu’au 9 juin 2013La Centrale44, place Sainte-Catherine, 1000 Bruxelleswww.centrale-art.be_Éric Baudart Dust Trek One, 2005. Diasec, 213 x 182 cm. Courtesy de l’artiste et galerie Chez Valentin.

ÉLOGE DE L’INSTABILITÉ Dynamique, instable, imprévisible et chaotique – en un mot dionysienne –, la turbulence participe tout autant que l’ordre au processus de la création, d’où l’intérêt que lui portent artistes et savants depuis l’Antiquité. À la villa Empain, elle sert de fil conducteur à une exposition où sont rassemblés une quarantaine de plasticiens, vidéastes et photographes, dont le trait commun est d’avoir voué leurs recherches au mouvement, sinon aux tourbillons. Parmi eux, Étienne-Jules Marey, Pol Bury, Moataz Nasr ou Shinichi Maruyama…

« Turbulences II » Jusqu’au 1er septembre 2013Villa Empain – Fondation Boghossian67, avenue Franklin-Roosevelt, 1050 Bruxelleswww.villaempain.com_Laurence DemaisonFeue la Lo, II, 2007. Photographie, 50 x 38 cm. Courtesy de l’artiste et Galerie Esther Woerdehoff, Paris.

ARTISTE À VENDRE Facétieux et provocateur, Stefan Sagmeister décrit l’hommage que lui rend le Grand-Hornu comme « une autre exposition sur la promotion et les outils de vente ». Ce titre en forme de clin d’œil à l’activité du graphiste en dit long sur sa démarche décalée et ludique, mais aussi sur la nature de l’accrochage. Pour sa première grande exposition en Belgique, Sagmeister a choisi en effet de n’exposer que des travaux de commande – pochettes de disques de David Byrne ou Lou Reed, identités visuelles, logos, etc. –, histoire de montrer qu’entre les beaux-arts et les arts appliqués, la frontière est ténue.

« An other exhibition about promotion and sales material » Stefan SagmeisterDu 21 avril au 18 août 2013Site du Grand-Hornu82, rue Sainte-Louise, 7301 Hornu www.grand-hornu-images.be_Stefan Sagmeister Anni Kuan Horse Brochure, 2002. Concept, courtesy Stefan Sagmeister, Aizone.

LA MAIN ET L’ESPRIT À Marcel Duchamp, on associe la dématérialisation de l’œuvre et l’affirmation de la primauté de l’idée sur le geste. Constatant que l’artiste a, par ailleurs, conduit de nombreux travaux manuels minutieux proches de l’artisanat, Guillaume Désanges en fait le point de départ d’une exposition consacrée à la pensée au travail. Y sont réunis, autour d’une poignée d’œuvres du « maître », les travaux d’une dizaine d’artistes contemporains, parmi lesquels Benoît Maire, Michel François, Irene Kopelman ou Francisco Tropa…

« Des gestes de la pensée »Du 20 avril au 13 juillet 2013La Verrière Hermès50, boulevard de Waterloo, 1000 Bruxelleswww.fondationdentreprisehermes.org_Hans-Peter FeldmannHandprint from Charlotte Wolff (MarcelDuchamp). Courtesy Hans-Peter Feldmann et galerie Martine Aboucaya.

P A G E 0 8 _ S L I C K E R 6 À V O I R

L’ART DE PLIER À ceux qui croient naïvement que tracer une image sur une feuille requiert pinceaux, crayons ou tout autre matériel, les œuvres de Simon Schubert apportent un cinglant démenti. Passé maître dans l’art du pli, cet artiste belge de 35 ans en a fait l’outil grâce auquel il transforme une feuille de papier blanc entièrement plane en une succession d’espaces architecturaux classiques et ultraréalistes, constitués de reliefs, d’ombres et de perspectives. Une œuvre virtuose et illusionniste à découvrir à la galerie Bodson-Emelinckx.

Simon Schubert Du 19 avril au 25 mai 2013Galerie Bodson-Emelinckx 70, rue de Hennin, 1050 Bruxelleswww.bodson-emelinckx.com_Simon SchubertUntitled (spiral staircase), 2012. Papier, 75,5 x 64 cm. Courtesy de l’artiste.

LA CAMBRE Comment se monte une exposition ? Grâce aux prêts du Frac Nord-Pas-de-Calais et sous la tutelle de la commissaire d’exposition Sayoko Nakahara, les étudiants de la Cambre s’y sont frottés : avec « Le somniloque et son épouse », ils ont embrassé toutes les étapes d’une démarche curatoriale, de la définition d’un concept jusqu’aux relations avec la presse et les différents publics, en passant par la sélection des œuvres. Résultat : une exposition en forme de découverte du monde de l’art, qui réunit des pièces de Lothar Baumgarten, Maurizio Cattelan, Piero Gilardi, Arno Nollen et Tony Oursler…

« Le somniloque et son épouse »Jusqu’au 19 avril 2013École nationale supérieure des arts visuels de la Cambre21, abbaye de la Cambre, 1000 Bruxelleswww.lacambre.be_Piero GilardiSiège Sassi, 1968. Trois éléments pierre, dont un grand Sedilsasso faisant fonction de siège, polyuréthane expansé et peint.

FOREST La commune de Forest, à quelques pas de la gare du Midi à Bruxelles, se rapproche cette année des acteurs de l’art contemporain en créant un festival autour de six (voire plus) lieux et organisations que sont notamment la Fonda-tion A, le Wiels, Komplot, Poppositions et votre dévouée SLICK Brussels. Expositions, performances, foire d’art contemporain, le tout sur deux kilomètres de ce quartier en pleine expansion et transformation. Une Forest 100 % arty.

Kunst PromenadeDu 18 au 21 avril 2013www.kunstpromenade.be_FOREST Affiche SLICK Brussels, du 19 au 21 avril à la Wild Gallery, 11, rue du Charroi, 1190 Bruxelles. www.slickartfair.com

L’ENFANT INTÉRIEUR DE MARIA MARSHALLLes vidéos de Maria Marshall sont peuplées d’enfants et c’est précisément ce qui les rend si inquiétantes : loin des représentations mièvres et des attendrissements, l’artiste anglaise confronte ses personnages à la solitude, l’enfermement ou le danger, et les fait évoluer au sein d’un univers obsessionnel et inquiétant. Pour sa première rétrospective en Belgique, elle a sélectionné conjointement avec le MAC’s un ensemble d’une douzaine de films courts où dominent l’angoisse et le refoulement.

« I Love You Mummy, I Hate You »Maria MarshallJusqu’au 2 juin 2013Site du Grand-Hornu82, rue Sainte-Louise, 7301 Hornuwww.mac-s.be_Maria MarshalVue de l’exposition au MAC’s. Photo De Gobert.

KOEN THEYS « HOME-MADE »Né en 1963, Koen Theys est l’un des pionniers de l’art vidéo belge. Proche du mouvement punk, il a décliné sur divers médias (photographie et film notamment) une critique grinçante et teintée d’ironie de la société contemporaine, d’Internet, du monde du spectacle et de la culture de masse. Avec « Home-made Victories », le S.M.A.K. lui consacre sa première grande rétrospective et dresse l’inventaire de son œuvre des années 1980 à nos jours.

« Home-made Victories » Koen TheysJusqu’au 18 août 2013S.M.A.K.Citadelpark, 9000 Gandwww.smak.be_Koen TheyslandInstallation vidéo pour un projecteur, 2008.10:38 min. (en boucle).

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_6 ANTONI GAUDÍ, COLÒNIA GÜELL, SANTA

COLOMA DE CERVELLÓ, PRÈS DE BARCELONE

(ESPAGNE)

On perçoit une figure, tout comme on peut

en deviner une dans une pierre ou dans un arbre,

mais le bâtiment n’est pas figuratif. Tous les êtres

vivants ont une figure ; et les bâtiments et les villes

sont des êtres vivants simples ou complexes.

Il suffit de comprendre leur architecture et

de déceler ces figures.

_7 DOMAINE DE GEOFFREY BAWA,

LUNUGANGA (SRI LANKA)

Un superbe exemple montrant comment l’artificiel

peut collaborer de manière intime avec le naturel.

L’architecte s’est focalisé sur la « création d’un

espace de vie » plutôt que sur la « construction

d’un bâtiment ».

À 3 2 A N S , I L E S T L E J E U N E A R C H I T E C T E

D O N T O N P A R L E . K A Z U Y O S E J I M A , C O -

A S S O C I É E D E L ’A G E N C E S A N A A L ’A S É L E C -

T I O N N É P O U R T R AVA I L L E R D U R A N T U N A N

À S E S C Ô T É S S U R L E P R O J E T « H O M E - F O R-

A L L » , S O U T E N U P A R R O L E X . F R A Î C H E M E N T

D I P L Ô M É D E L ’ U N I V E R S I T É D E H A R VA R D E N

2 0 1 2 , YA N G Z H A O E S T T I T U L A I R E D ’ U N E

M A Î T R I S E D ’A R C H I T E C T U R E . I L A L A N C É

S O N P R O P R E C A B I N E T E N C H I N E E N 2 0 0 7,

E T I L T R AVA I L L E A C T U E L L E M E N T S U R D E U X

P R O J E T S D A N S D E S Z O N E S R U R A L E S D E L A

P R O V I N C E C H I N O I S E D U Y U N N A N . I L N O U S

P R É S E N T E I C I S E S S O U R C E S D ’ I N S P I R AT I O N .

Y A N GZ H A O

_ S L I C K E R 6P A G E 1 0

_1 CHÖGYAM TRUNGPA RINPOCHÉ

(Réalisant une calligraphie de lungta,

photo Andrea Roth)

Selon lui, « l’Art consiste à se rapporter gracieusement

au monde des phénomènes ». Je partage totalement

cette vision. Dans son livre Au-delà du matérialisme

spirituel, plusieurs enseignements évoquent l’état

d’esprit nécessaire à l’action.

_2 ALEXANDRE CHEMETOFF

Il a dit : « J’ai décidé de pratiquer l’architecture d’une

manière libre, avec un regard ouvert sur le monde. »

Pour moi, c’est l’espoir de notre métier. Le design est

lié à nos réactions face au monde dans lequel nous

vivons, à notre compréhension profonde de ce qui

nous entoure.

_3 CASTELLO D’OUVO, NAPLES (ITALIE)

J’ai visité cet endroit il y a dix ans, mais il est

encore toujours gravé dans ma mémoire. C’est

un bel exemple d’une architecture qui n’est pas née

au départ d’une simple idée, mais bien de notre

réactivité au changement de contexte.

_4 JARDIN DE ROCAILLE À HUANXIU

SHANZHUANG, SUZHOU (CHINE)

(La villa des montagnes à la beauté globale)

C’est une installation de rochers par le Maître des

jardins de rocaille Ge Yuliang, qui vécut à l’ère

de la dynastie Qing. C’est en me promenant sur

le chemin sinueux de ce paysage de montagne

que j’ai compris que, quand nous donnons forme

au solide, nous devrions nous arrêter un instant

sur la notion de vide. Quand nous donnons forme

au vide, il n’y a plus que le solide qui compte.

_5 ROBERT IRWIN, « 1°2°3°4° », 1997

Des ouvertures dans des fenêtres existantes.

Je ne sais pas trop pourquoi, mais c’est pour moi

le symbole de la légèreté et de la liberté.

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A R C H I B Y

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_1 NOAH BUTKUS

J’aime ses illustrations. J’apprécie son travail

depuis longtemps car je le trouve très

original et mystérieux.

_2 WES ANDERSON

Je trouve ses films toujours intéressants.

J’aime les histoires, les costumes et

les détails. Et j’aime aussi The Royal

Tenenbaums.

_3 LÉONARD DE VINCI, « LA CÈNE »

Cette peinture m’incite à partir à Milan pour

la regarder. Je n’en connais pas les règles

picturales et historiques, mais je ressens

le pouvoir de cette œuvre. Les peintres,

et non pas uniquement Léonard de Vinci,

m’inspirent.

_4 PHENOMENON

Les vêtements de cette marque japonaise

me donnent envie de les porter en forêt,

ou dans une vieille maison, ou bien encore

dans un laboratoire. Chaque collection

est vraiment intéressante, et cette image

en particulier parle de bactéries.

http://phenomenon.tv

_5 ELLEN VON UNWERTH, « COUPLES »

J’ai souvent vu ce livre lorsque j’étais

lycéenne. Je continue à aimer les photos

d’Ellen von Unwerth. Elles me procurent

de la force et de l’énergie.

_6 TRIP AND NEWS

J’avais l’habitude de partir seule, et donc

de manger, de marcher, de regarder ce qui

m’entoure. Je m’intéresse aux premières

expériences, aux conversations des autres

touristes, je lis les journaux locaux.

Je découvre beaucoup de choses, de

nouveaux espaces, j’entends de nouveaux

mots. J’aime me poser des questions,

me demander pourquoi.

_7 HARUKI MURAKAMI

Je peux m’imaginer toutes les scènes de

son livre La Fin des temps et son style est,

lui aussi, très impressionnant.

M I H O , P R É S E N T É E À L A R É D A C T I O N D E

_ S L I C K E R P A R J U L I E N P H A M D U M A G A Z I N E

« F R I C O T E » , E S T P H OT O G R A P H E P R O F E S S I O N -

N E L L E D E P U I S 2 0 0 0 . E N 2 0 0 4 , E L L E L A N C E S A J I ,

Q U I É D I T E U N M A G A Z I N E A N N U E L É P O N Y M E E T

P R O D U I T D E S É V É N E M E N T S M Ê L A N T G A S T R O N O -

M I E , M O D E E T A RT. L E C O N C E P T : « C E Q U E T U

S E R A S D A N S D I X A N S E S T L A C O N S É Q U E N C E D E

C E Q U E T U M A N G E S M A I N T E N A N T. » L A J O I E E T

L ’A M O U R P R O C U R É S P A R L A N O U R R I T U R E E S T

A U C E N T R E D E S P R É O C C U P AT I O N S D E C E TT E

J E U N E E N T R E P R E N E U S E C U L I N A I R E .

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M I H OD E S I G N B Y

_ Photo Hideki Makiguchi. www.photo-miho.comwww.saji-web.com

L A M O D E D E S D E U X S Œ U R S D E F I L L E S À

P A P A , À P O RT E R B I E N A J U S T É E , E S T U N

M E S S A G E D E L I B E RT É E T D ’ I N D É P E N D A N C E .

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E T A U G L A M O U R S A N S Â G E D E K I M G O R D O N .

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F É M I N I N , R A F F I N É E T B R U T, J O U R E T N U I T,

L E S P A I L L E TT E S S E M A R I E N T À L ’ U T I L I TA I R E ,

L ’ O V E R S I Z E É P O U S E L E M O U L A N T. R E F U S A N T

D E S E P R E N D R E A U S É R I E U X , C A R O L E T S A R A H

S ’A M U S E N T AV E C L A M O D E , C É L É B R A N T S E S

P A R A D O X E S E T S A V I TA L I T É . E L L E S N O U S

L I V R E N T I C I L E U R S S O U R C E S D ’ I N S P I R AT I O N ,

PLUTÔT ROCK E T P U N K . _1

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_1 LES MERLI BOOTS DE LAURENCE DACADE

Un must-have en matière de chaussures ! La créatrice

dessine les souliers pour Chanel et possède également

sa propre marque, d’où est issue cette paire en daim

noir cloutée. On adore ses créations hyper rock et

contrastées.

_2 LA TENDANCE NÉO-GRUNGE

Le revival du nineties grunge… comme Phillip Lim,

Ashish, Dries Van noten... FAP s’inscrit dans cette

mouvance et recrée le grunge à travers sa propre

vision.

_3 MARTIN MARGIELA

Les détournements de la maison Martin Margiela.

Plus précisément ici le manteau « guirlandes de Noël »

de la collection hiver 2007-2008.

_4 LA SUPERMODEL CARA DELEVINGNE,

La hottest girl du moment, elle est l’égérie de notre

époque. Comme FAP, qui balance les codes de la mode,

Cara sait parfaitement comment et quand faire le twist,

entre Tomboy et diva du catwalk.

_5 LE SWEAT-SHIRT

La pièce mode incontournable de notre garde-robe

actuelle. Il est revisité sous toutes ses formes par les

différents créateurs, tantôt en version voile transparent,

tantôt en allover print extra-luxe comme ici chez Lanvin,

avec d’énormes bijoux royaux superposés aux messages

so young, so cool… « COOL, GO, HOT, HELP » On adore !

_6 PHOEBE PHILO

Le travail de Phoebe Philo pour Céline est incroyable.

On adore son exagération des volumes. Une de nos

pièces favorites : le manteau à carreaux XXL de l’hiver

2013-2014.

_ S L I C K E R 6P A G E 1 2

F I L L E SÀ P A P A

M O D E B Y

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_ www.fillesapapa.com

WWW.BOTANIQUE.BE

NUITSLES

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O L I V I E R L A S S O NM U S I Q U E B Y

_ Photo Remy Solomon. www.olivierlasson.com

O L I V I E R L A S S O N FA I T D E L ’ E X P É R I M E N TAT I O N

S O N O R E . B ATT E U R D E F O R M AT I O N , I L J O U E

D É S O R M A I S D E S M A C H I N E S , À L A R E C H E R C H E

P E R M A N E N T E D E S O N S I N S O L I T E S , D ’ I N S T R U M E N T S

N O VAT E U R S E T D ’ É M O T I O N S M U S I C A L E S . I L L I V R E

A U X L E C T E U R S D E _ S L I C K E R , C H A Q U E N O U V E L L E

S A I S O N , U N E S É L E C T I O N S E N S I B L E E T P O I N T U E

D ’A RT I S T E S E N M O U V E M E N T, D E M A C H I N E S , D E

L A B E L S À C O N N A Î T R E .

_1 LES NUITS 2013, BOTANIQUE

Après avoir été un lieu d’étude botaniste de

1829 à 1939, cet espace est devenu en 1984

le centre culturel de la communauté de la France

en Belgique. Pour Les Nuits, festival printanier,

plus d’une centaine d’artistes se croisent dans

cet édifice magnifique et y font résonner une

diversité musicale impressionnante : Rachid Taha,

Cold War Kids, Gonzales ou Mathieu Boogaerts…

De la variété tranquille de Lou Doillon à la pop

aérienne et subtile de Low. Le festival fête

sa 20e édition du 30 avril au 13 mai 2013.

www.botanique.be

_2 HECQ

Musique concrète, piano éthéré, electro puissante

ou minimale, Ben Lukas Boysen, aka Hecq, est actif

comme musicien et sound designer depuis 2003.

Continuellement à l’affut, avec son enregistreur

portatif, ses micros furètent et capturent l’essence

du son qui nous entoure, devenant un moyen

efficace pour laisser dans chaque mesure de

sa musique un impact émotionnel très fort. Entre

les projets commerciaux pour Cartier, Leica,

Greenpeace… et ses albums plutôt marqués

dubstep, Hecq est accro à l’émotion du son et

à son essence narrative et cinématique. Chaque

détail compte, c’est un orfèvre du genre.

hecq.de

_3 J.VIEWZ

Cet artiste né en Israël et basé à Brooklyn est

exaltant, tant sa technique musicale et son

esthétique visuelle sont maîtrisées et positives.

Pour le clip de « Rivers and Homes », 2 000 photos

de 300 de ses fans prennent finalement la main

sur l’action principale du film. Des aubergines et

des carottes servent d’instruments pour la reprise

de « Teardrop » de Massive Attack, transcendée

par le filtre de son talent. J.viewz déborde d’une

créativité singulière, créant une sorte de pop

intelligente et accessible. Tout est simple et

merveilleux quand il joue !

www.jviewz.com

_4 FRANK RABEYROLLES

Frank Rabeyrolles transpire la solitude magnifique.

Posé sur un établi légèrement usé, il bricole une

pop électronique terrienne et étrange, largement

vintage, faisant écho aux sonorités marines de

François de Roubaix, bien qu’aux antipodes.

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P A G E 1 3En quelque sorte, un Sébastien Tellier devenu

sérieux ou séduisant. Au milieu de quelques

vagues mélancoliques, on entend grincer

les lames du parquet de sa cabane.

Herbe et feu de bois conseillés.

frankrabeyrolles.bandcamp.com

_5 REGGIE WATTS

Détonant mélange de stand-up et de hip-hop lo-fi,

toujours en compagnie d’une looping machine,

Reggie Watts oscille inlassablement entre comédien

et musicien. Il est imprévisible, impossible de

voir deux fois de suite le même show, d’entendre

la même chanson, c’est entre autres le charme

de sa démarche. Sa machine lui permet de

s’enregistrer en direct, de créer des layers avec

sa voix comme unique matière. Les mots, les

sons s’empilent, se frottent, le public est hilare,

envouté ! Étrange, créatif, drôle, brillant, le plus

comédien des musiciens.

www.reggiewatts.com

_6 CHRIS DAVE

Certains le disent, Chris Dave « is a God » ! Virtuose

en voltige, à la verticale de ses futs, il assène à ses

tambours flamboyants des milliers de roulements à

la seconde. Entre hip-hop, R&B et jazz, Chris manie

ses baguettes avec génie, réinventant l’approche de

cet instrument puissant. À l’image d’Art Blakey, qui,

avec les Jazz Messengers, a su briser la hiérarchie

entre les instrumentistes, il permet un vrai dialogue

entre musiciens, avec son groupe Chris Dave and

the Drumhedz. Une énergie bouleversante au

service du groove, entre rigueur métronomique

et liberté totale.

chris-dave.com

_7 DATAFONE

Datafone est un artiste sonore et un nerd lumineux

toujours attentif au plaisir de l’auditeur. Il nourrit

son electro de la grandeur qu’offrent les paysages

de Nouvelle-Zélande, où il part régulièrement

se ressourcer. Beaucoup de basses pour soutenir

des sons glitch torturés, mais il n’oublie jamais

de rester ludique et mélodique. L’expérimentation

se fraye également un chemin au milieu de ses

synthés bourrés de condensateurs surchauffés et

de ses boîtes aux rythmes syncopés. On attend sur

scène, dès que possible, ce condensé de bon goût

et de provocation auditive.

soundcloud.com/datafone

Pourquoi vous intéresser à l’architecture du

xixe siècle ? Ces intérieurs dégagent souvent une

atmosphère fantomatique qui vient compléter le sentiment

de dissipation des pliages en papier. Selon l’éclairage

et le jeu entre l’ombre et la lumière, l’œuvre évolue

d’un espace très spatial et illusoire à une simple feuille

blanche. J’aime imaginer que mes œuvres sont des images

de souvenirs effacés et qu’elles représentent des endroits

ou des paysages qui n’existent plus.

La dissimulation des formes/êtres/objets est

un thème récurrent dans votre travail. Le moment

intéressant est celui où l’on est sur le point d’atteindre

ou de voir quelque chose, mais qu’il nous est impossible

de nous en approcher suffisamment. C’est comme

dans un rêve. Dans la plupart de mes œuvres, on ne

parvient pas vraiment à accéder à ce que j’appellerais

la partie « intérieure » du personnage, de la sculpture

ou de l’espace. Dans une de mes œuvres, un miroir

est percé d’un Judas permettant de voir un espace qui

pourrait se trouver derrière ce miroir. D’autres sculptures

sont totalement couvertes de cheveux ou de plumes,

empêchant de distinguer la personne qui se trouve

derrière. Il y a toujours une barrière ou quelque chose

qui vous retient. La distance est maintenue.

Le volume, tel qu’il apparaît dans vos pliages

ou dans vos sculptures aux formes et aux

contours très précis, semble occuper une place

importante dans votre travail. Je suis un sculpteur,

je travaille donc en trois dimensions. Les pliages

en papier sont des reliefs qui se situent au croisement

de la bi et la tridimensionnalité. La compréhension

mathématique de l’espace prend une place importante

dans mes œuvres. J’aime réfléchir à la manière dont

les choses se développent et évoluent vers la bi ou

tridimensionnalité.

Vos pliages me rappellent le travail de

Fra Angelico et sa recherche continue en

matière de perspective. Ils font aussi penser à

des dessins ou des plans d’architecte. Pouvez-

vous me dire où vous puisez vos motifs, quelles

sont vos sources d’inspiration ? La plupart de

mes œuvres représentent des intérieurs, des pièces,

des escaliers ou des halls d’entrée du xixe siècle.

Sur les murs, on retrouve souvent des pliages en forme

d’images, de miroirs, de fenêtres ou de panneaux

muraux. Je suis fasciné de voir comment, au travers de

ces différents éléments, on ne parvient plus à discerner

ce qui est l’espace, l’illusion de l’espace ou la réflexion

de l’espace. On ne peut pas se fier à ce qu’on voit.

Tout ça est sous-tendu par l’idée que les choses

pourraient être rassemblées en un seul pliage et que

l’architecture pourrait être vue comme le pliage de la bi

ou unidimensionnalité.

Hannah2006105 x 40 x 40 cm. Collection particulière.Photo Michael Wittassek.

Vue de l’installation « Das Carbinett »Janvier-mars 2012 Galerie Van der Grinten, Cologne. Copyright Photos Michael Wittassek.

« Haus II » (Burning House II)2013Poudre de graphite sur papier, env. 175 x 125 cm, pièce unique.

Untitled (mirrorroom) 2012Papier, 75 x 100 cm.

P A G E 1 4

S I M O N

S C H U B E R TP A R A U D E D E B O U R B O N P A R M E

E N T R E B I E T T R I D I M E N S I O N A L I T É

Vous réalisez des installations au point de recouvrir

l’intégralité de l’espace sous vos dessins, que vous

habitez ensuite de vos sculptures. Vous travaillez

actuellement à de nouvelles œuvres, des graphites

sur papier, représentant des maisons en feu.

Ces œuvres au graphite représentent une nouvelle

évolution des pliages architecturaux en papier. Elles ont

récemment été exposées à Cologne, à la galerie Van

der Grinten. C’est une installation en papier couvert

de graphite. Les images émergent d’un environnement

noir et représentent des maisons en feu. Certaines sont

basées sur des photos ou sur des détails de photos, et

d’autres sont des créations totalement libres. Les photos

proviennent de journaux, d’Internet ou sont des clichés

que j’ai pris moi-même.

Détrompez-moi si nécessaire, mais il me semble

que l’ensemble de votre œuvre recrée un univers

parallèle dans lequel les gens se camouflent ou

tendent à être des créatures mi humaines mi

animales. L’architecture y est rectiligne et froide

et l’on n’y trouve aucun détail inutile. Les objets

y sont présentés comme des formes pures qui

recèlent des mystères. Le temps semble s’y être

arrêté. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet

univers ? Les visiteurs doivent être propulsés dans

un autre espace temps, semblable à celui que vous

décrivez. Je veux que le spectateur fasse partie de

ces endroits et qu’il y soit confronté à certains thèmes

et certaines impressions d’une manière très concentrée.

Ceci peut avoir comme effet de changer notre perception.

_CARTE BLANCHE à Simon Schubert >>

www.simonschubert.de

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Pour finir, pouvez-vous m’en dire plus sur

votre carrière ? Comment votre corpus

artistique s’est-il construit au fil du temps ?

Quel est le fil rouge ? Et qu’est-ce qui vous

motive au quotidien à continuer de créer ?

À mes débuts à l’Académie des beaux-arts

de Düsseldorf, j’ai fait connaissance avec

les textes de Samuel Beckett, de Gilles Deleuze

et de Gottfried Wilhelm Leibniz. Ces textes

m’ont beaucoup influencé. Un des fils rouges

est la recherche d’images d’absence et de

dissipation. Il se retrouve dans presque toutes

mes œuvres. Actuellement, je suis enthousiasmé

par l’idée de continuer à construire mon univers.

Untitled (Treppenhaus)2012Papier, 150 x 120 cm.

Bild 2013Tissu, polyester, graphite, env. 65 x 50 cm.

Spiegel, oval (mirror)2013

Simon SchubertUntitled (study), 2012. Papier, 125 x 200 cm.

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BETT IE N INL’Autre est au centre de son travail d’investigation artistique. L’artiste témoigne des tentatives d’accéder à l’égalité, comme celles des émigrés clandestins victimes des passeurs, propriétaires des clés d’un ailleurs meilleur, ou celles des révolutionnaires. « Cultivez votre révolution », leur lance-t-elle en titre d’une de ses œuvres composées de fleurs encerclées de fils barbelés. Bettie Nin s’inspire de ceux qui refusent l’état des choses. Son monde n’a pas de frontières. Elle s’intéresse aussi bien aux Russes, qu’aux Français, Africains, Arabes… Elle découvre leurs récits dans la presse, les rencontre afin d’entendre leurs histoires personnelles, pour enfin créer des œuvres qui mêlent réalité et images symboliques, telles ces valises plongées dans du goudron puis dans des plumes, rappelant les personnages humiliés des westerns.

Bettie Nin ne se limite pas à un médium. Bien au contraire, il s’impose en fonction des sujets : objets de transit, sculptures de plâtre ou de bois, de tissu imbibé d’eau de mer et de larmes, photographies tirées de journaux ou prises par l’artiste. Ses œuvres protéiformes mêlent violence des récits vécus autour des notions d’identité, de flux migratoires, du multiculturalisme de nos sociétés, mais aussi de la critique sociale qui en découle, et douceur du regard de l’artiste porté sur les sujets de ces histoires vécues. Elle fait parler les objets dont elle s’empare. Si les transformations qu’elle leur fait subir semblent imperceptibles, cela n’est qu’en apparence. Bettie Nin ne réalise pas des ready-made. Elle s’empare d’objets inspirés d’histoires personnelles qu’elle modifie et en révèle ainsi la symbolique (le mur pour signifier les frontières mais aussi l’étroitesse d’esprit, les fleurs pour rappeler les révolutions, les clés…). Et en révélant l’universalité de ces moments vécus, elle nous rapproche les uns des autres. « Créer c’est faire des constats et les montrer. C’est soulever le voile du réel », écrit-elle. Bettie Nin partage avec nous la vie de l’autre, celui que nous croisons quotidiennement, mais à qui nous ne prêtons pas toujours attention.

P A R A U D E D E B O U R B O N P A R M E .

Bettie Nin est née à Moulins. Elle vit et travaille en région parisienne.

bettie.nin.free.fr

_1 Lacrymatoire, 2009-2012. Verre, eau de mer, larmes artificielles, mouchoirs en tissu, tissu, 30 x 30 x 170 cm.

_2 Immigration, 2011.Valises, plumes, goudron.

_3 Cultivez votre révolution [Chap.1- Les révolutions fleuries, (...)], 2011.Fleurs artificielles, pots, terre, fils barbelés, bois, dimensions variables.

_4Passeur #1, 2012.Bombers de l’armée, clés, moteur, chaîne, Plexiglas, 150 x 150 x 170 cm.

_5Obscurantisme, 2010.Plâtre, crochets, poster, 270 x 300 cm.

CEL INE CLERONCéline Cléron mène une pratique de recherche à la fois mémorielle, historique, encyclopédique et archéologique. Ses pièces émergent d’une rencontre entre des souvenirs souvent liés à son expérience personnelle, à son enfance et à la découverte d’un objet, d’un mot, d’une histoire enfouie. Les matériaux utilisés sont aussi fragiles et précieux que ses réminiscences – résultat d’une sensation, d’un jeu, d’un saisissement. Une bulle de verre est soufflée dans une clé ; les poignées en plastique d’une corde à sauter sont remplacées par des bois de cerf ; des dessins à l’encre sont tracés sur la fine peau de ballons de baudruche ensuite éclatés ; un navire ancien fait du toboggan ; des yo-yo sont réalisés à partir de fossiles d’ammonite ; des coiffes de religieuses sont transformées en cocottes en papier géantes.

Le plus souvent, Céline Cléron travaille en collaboration avec des artisans pour réactiver des techniques et des gestuelles en voie de disparition. Elle s’appuie ainsi sur les compétences d’un souffleur de verre, d’une couturière, d’un céramiste, d’un apiculteur lui-même aidé de ses ouvrières ailées. La Régente (2010) est le fruit de plusieurs corps de métiers : la ruche (une collerette) est présentée sur un réseau de tubes de Plexiglas. Le tout a été minutieusement sculpté par des abeilles au sein de leur propre ruche. Entre découvertes et transmission, l’artiste crée des passages poétiques et humoristiques entre différents territoires, différentes histoires. Elle explore les mémoires qu’elle s’emploie à réunir à travers une œuvre sensible et fascinante.

P A R J U L I E C R E N N .

Céline Cléron est née en 1976. Elle vit et travaille à Paris.

www.celinecleron.com

Julie Crenn, doctorante en art à l’université Michel de Montaigne à Bordeaux III,

mène des recherches sur l’art contemporain dit africain. Elle est critique d’art.

crennjulie.wordpress.com

_1Construction #1, 2009.Photographie couleur contrecollée sur aluminium, 60 x 90 cm.

_2 Seules les Pyramides ne fondent pas au soleil, 2010.Encre sur ballon de baudruche, épingles, 17,5 x 12,5 cm encadré.Photo Bertrand Huet/Tutti.

_3La Régente, 2010.Tissu, cire d’abeille, tubes acrylique, bois, verre, 35 x 54 x 45 cm environ (sculpture), 160,5 x 72 x 61,5 cm (vitrine).Photo Roberto Ruiz Arguedas.

_4Une minute de latitude, 2011.Bois, laiton, PVC, métal, 125 x 25 x 160 cm.Photo Olivier Mortiz.

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LAURA HUERTAS M ILLANLe pays natal de Laura Huertas Millán est la Colombie. Dans sa jeunesse, cette artiste a découvert les chefs-d’œuvre de l’art occidental par le biais de reproductions photographiques à l’échelle 1:1 (il était impossible de faire voyager ces tableaux). De ces émotions esthétiques, l’artiste garde, selon ses propres termes, « la croyance et la crainte envers le pouvoir de ravissement des images ». Laura Huertas Millán est artiste et cinéaste. Ses films questionnent le statut et l’ontologie des images, le cinéma comme médium mais aussi comme sujet. Depuis 2009, elle réalise une série de travaux autour de la question de l’étranger et de l’étrangeté, de l’hybridation de récits d’origines différentes.

Elle a signé Sin Dejar Huella (2009), Voyage en la Terre autrement dite (2011), Orénoque (2011) et Aequador (2012). Ses films évoquent une matière fluide, et sont hantés par les problématiques tournant autour de la notion d’exotisme, comme les tropicalistes brésiliens ou l’afro-futurisme. La nature y est souvent incarnée comme décor ou comme personnage ; l’exploration de ces espaces en forme de dérive semble être le prélude des événements à venir. En creux, se dessine une vision subtile de la société latino-américaine et de ses représentations.

Actuellement, Laura Huertas Millán présente le film Aequador à la villa Arson à Nice, jusqu’au 26 mai 2013. Un focus lui est consacré à l’occasion de la Saison Vidéo 2013, ainsi qu’une exposition individuelle au musée-château d’Annecy, du 11 avril au 20 mai 2013.

P A R P A S C A L E P R O N N I E R .

Laura Huertas Millán est née en 1983, à Bogota (Colombie). Elle vit et travaille en France.

vimeo.com/laurahuertasmillan

Pascale Pronnier est responsable des programmations artistiques du Fresnoy.

www.lefresnoy.net

_1 et _2Aequador, 2012. Film HD, 19’.

_3 et _4Voyage en la Terre autrement dite (Journey to a Land Otherwise Known), 2011. Film HD2K, 23’.

Photos Laura Huertas Millán - Le Fresnoy.

MARGAUX SZYMKOWICZ

_1 Sans titre, 2012.Bois, bougies, 350 x 50 x 30 cm.

_2 « Le sable dans ma poche durera jusqu’à… », 2012.Nappe en tissu avec un galon, résine, sable, 480 x 200 cm.

_3 « D’ailleurs, c’est toujours les autres qui meurent », 2012.Paraffine, stéarine, mèche, plaque de verre, 40 x 120 cm (bougie), 100 x 100 cm (plaque de verre).

La démarche artistique de Margaux Szymkowicz s’inscrit indéniablement dans un rapport sculptural à ce qui l’entoure, le plaisir de fabriquer constituant une ligne de conduite. Tout l’œuvre de cette artiste est en premier lieu une expérience physique, dans laquelle se glisse le sensible, voire l’émotionnel et le contemplatif. Ses créations nous parlent car elles naissent tout d’abord d’une histoire, d’un moment donné vécu par l’artiste, et le choix de la matière à défier s’inscrit, à partir de ce fait, dans une logique.

Le processus de création est à comprendre en plusieurs phases. À l’origine, une expérience personnelle de l’artiste qu’elle capte et dont elle veut faire partager l’émotion. La justesse du propos des œuvres tient à ce « je » qui se transforme en « nous ». L’exposition de son travail, empreinte d’une légère théâtralité, s’accompagne d’un titre indiquant le moment qui a fait émerger l’idée. L’œuvre est présentée une unique fois, elle n’est pas répliquée, bien qu’elle pourrait être déplacée dans d’autres contextes d’exposition ; elle assume son vieillissement et sa temporalité non soumise à une pérennité. On pourrait percevoir quelquefois une parenté avec le romantisme, par le sentiment nostalgique qui émane des œuvres. Mais ce rapprochement serait trop sérieux pour l’artiste qui aime prendre le contre-pied du dramatique, pour se tourner finalement vers des cohérences absurdes – un humour qui sait rire du malheur tout en renfermant une certaine mélancolie. Toutes les émotions coexistent dans un même ensemble plaçant l’œuvre de Margaux Szymkowicz dans une certaine neutralité et lui permettant, paradoxalement, de nous toucher par ce que Roland Barthes nomme le studium et le punctum, ce goût pour quelque chose et son détail poignant qui nous intrigue, qui l’anime et à la fois nous parle à tous.

P A R J É R É M Y L O P E Z .

Margaux Szymkowicz est née en 1987, à Nîmes, où elle vit et travaille.

allegoriedurien.blogspot.fr

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MORGANE FOUREY

_1 Marqueterie OSB.Placages de bois exotiques contrecollés sur plaque de bois aggloméré,200 x 90 cm.

_2 Sans titre (« Fantaisiste »), 2012.Peinture acrylique, 250 x 120 cm.Œuvre réalisée dans le cadre d’un programme de résidence à Pollen/Monflanquin.

_3 Sans titre (« Profilés »), 2012.Bois, peinture acrylique, dimensions variables.Œuvre réalisée dans le cadre d’un programme de résidence à Pollen/Monflanquin.

_4Sans titre, (« marqueterie Georges de La Tour »), 2011.Médium, contreplaqué, aggloméré, OSB, contreplaqué bakelisé, 102 x 137 cm. D’après Saint Joseph charpentier de Georges de La Tour.

PASCAL L IEVREPascal Lièvre refuse de considérer l’histoire de l’art comme un tombeau, où les œuvres prenant la poussière seraient inévitablement happées par l’oubli. Depuis une dizaine d’années, il s’approprie tous les courants artistiques, tous les médiums, pour en donner une lecture décloisonnante. Il produit un art protéiforme, jonglant aussi bien entre la vidéo, la performance, la photographie et la peinture. De Sandro Botticelli à Alain Declercq, en passant par Paolo Uccello, Marcel Duchamp, Louise Bourgeois et Mounir Fatmi, les œuvres de référence sont remaniées : les fonds sont évacués, les figures et les motifs sont conservés et détourés pour laisser place aux paillettes. Argentées, dorées, colorées, elles apparaissent comme le signe d’une esthétique pop et vivante.

Sa dernière série est consacrée au Black Book de Robert Mapplethorpe. Il en résulte une impressionnante mosaïque de silhouettes de corps masculins que l’artiste a saturé de paillettes. Sans complexes, il mixe les références, bouscule les habitudes et atomise les hiérarchies, les traditions. Si l’histoire de l’art est au cœur de son projet artistique, la philosophie constitue un second versant, nourrissant quotidiennement sa réflexion. Ainsi, il n’hésite pas à fusionner l’aérobic avec les textes de Friedrich Nietzsche, de Jacques Derrida, de Judith Butler ou de Monique Wittig. La vidéo The Eternal Return rassemble Marcel Duchamp, Alain Badiou et Henry Purcell. Il développe ainsi une esthétique relationnelle (au sens donné par Édouard Glissant) où les territoires s’entrechoquent par l’image, le son et le langage

P A R J U L I E C R E N N .Pascal Lièvre est né en 1963. Il vit et travaille à Paris.www.lievre.fr

_1 The Black Mapplethorpe Image n°49, 2012.Paillettes collées sur image du livre The Black Book,29 x 29 cm. Courtesy Pascal Lièvre.

_2 The Silver Mapplethorpe Image n°55, 2012.Paillettes collées sur image du livre The Black Book29 x 29 cm. Courtesy Pascal Lièvre.

_ 3The Gold Spiderwoman, 2012.Paillettes collées sur toile,27 x 20 cm. Courtesy Pascal Lièvre.

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L’originalité du travail de Morgane Fourey tient à la manière dont elle utilise des procédés traditionnels, liés à l’artisanat et au savoir-faire, pour les inscrire dans une approche conceptuelle. Que voyait-on lors de sa récente exposition à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois à Paris ? Des cartons d’emballage posés au sol, des profilés en mousse bleue adossés contre un mur, des particules de calage… Jusqu’à ce que le spectateur attentif ne réalise soudain le caractère factice de ces trompe-l’œil habiles : les cartons et les profilés sont en bois peint, et le polystyrène des particules s’avère être du marbre. Au visiteur de révéler ce qui fait œuvre d’art en redoublant d’attention. En trompant ses attentes, c’est sa psychologie de regardeur que vise Morgane Fourey. L’attitude du spectateur change une fois décelée la virtuosité dissimulée dans ces objets banals, il passe de la perplexité à une admiration pour ce travail « bien fait ». On est à la fois dans la fascination rétinienne et dans la mise en question de cette séduction comme finalité ultime de l’art. Qu’est-ce que regarder ? Qu’est-ce qu’exposer ? Morgane Fourey touche à ces paramètres de réception de l’œuvre d’art par une mise en scène paradoxale : ce qui doit disparaître est mis en avant (cartons de transport) et l’œuvre d’art tant attendue n’apparaît pas immédiatement. Cette mise en scène joue sur la qualité du ressemblant qui, soigneusement démystifié, interroge autant qu’il séduit.

P A R M A R G U E R I T E P I L V E N .

Morgane Fourey est née en 1984. Elle vit et travaille entre Rouen et Paris.

morganefourey.blogspot.com

Marguerite Pilven est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante.

www.margueritepilven.net

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L’anecdote historique et l’archive font partie intégrante de la recherche plastique de Sybille du Haÿs, autant d’outils qui lui permettent de jouer avec les déclinaisons possibles d’un même récit. Nourri par l’histoire de l’art, le cinéma et la littérature, son travail envisage l’humanité comme un corps politique. Elle saisit l’information pour en livrer son interprétation, comme dans l’installation Les Oubliés de l’actualité (2010). Histoire et mémoire sont deux notions récurrentes de l’engagement plastique de la jeune artiste diplômée en 2012 de l’École supérieure des beaux-arts de Montpellier Agglomération. De l’art à l’histoire politique et institutionnelle, elle balise un champ de recherche ambitieux qui se déploie en plusieurs ramifications de pensée. Elle explore, par exemple, les manifestations d’une spiritualité universelle, inhérente à la vie, et utilise pour ce faire des éléments appartenant au domaine religieux comme le retable ou l’ex-voto.

Dans Reconnaissances (2011-2013), c’est la dichotomie entre les notions de sacré et de profane qu’elle choisit de mettre en avant, tout en manipulant les références artistiques, hommage caustique rendu aux artistes et penseurs à qui elle s’adresse. Dans Silence (2012), l’accumulation de cire coulée crée un débordement ; l’ancrage au sol devient indispensable à la mise en scène de cette pièce qui évoque un temps figé, celui de l’institution religieuse statique. Ces détournements d’objets interrogent la manipulation de la matière, comme dans Portrait d’un aumônier militaire (2012). L’image pixélisée, démantelée, morcelée oblige le spectateur à s’éloigner afin de trouver une distance physique et critique. À travers l’installation, le volume, la peinture, la gravure et la vidéo, Sybille du Haÿs décline une pratique pluridisciplinaire et esquive la conclusion hâtive, s’inscrivant, comme artiste, au cœur de la réflexion mémorielle collective et individuelle.

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Sybille du Haÿs est née en 1988, à Versailles. Elle vit et travaille au Chesnay.

sybilleduhays.blogspot.fr

Élise Girardot, pigiste au Courrier de Genève, prépare actuellement une exposition

pour l’espace Kugler à Genève et termine une Master Thesis intitulée « Le musée

est mort, vive le musée ! » (MA Critical, Curatorial and Cybermedia studies

de la Haute École d’art et de design de Genève).

S INTA WERNERQue ce soit dans ses installations ou ses peintures murales, Sinta Werner utilise le même procédé impliquant la mise en place d’une perspective, d’un point de vue, de la reproduction du réel et de l’illusion. Processus propre à la peinture s’inscrivant ici dans un lieu spécifique.L’espace d’exposition peut être fragmenté, perturbé par des éléments déplacés ou déboîtés. Il peut être photographié puis projeté, ou bien repeint par décalcomanie, toujours d’un angle différent. De cette façon, la reproduction est une sorte de négatif de l’espace. Ces mises en abyme peuvent être également renforcées par l’utilisation d’un miroir.

Ces falsifications proches de décors de théâtre ne sont pas sans humour, à l’instar de certains titres nous donnant des clés : Mise en cadre, Mise en scène de la scène... Alors que ces trucages créent l’illusion, l’artiste, dans ces simulations, ne recherche pas la perfection. Créant ainsi un léger décalage, voire une tension entre l’objet lui-même et sa représentation. Nous percevons la limite entre la réalité et l’artifice. L’illusion ne dure que quelques secondes, laissant place à la désillusion. La réalité ainsi représentée, ou plus précisément présentée, devient une énigme incitant à s’interroger sur l’espace qui nous entoure, notre manière de percevoir. Nous oscillons entre deux rendus visuels, deux représentations. Sinta Werner souhaite ainsi nous dérouter, nous invitant à distinguer la vision concrète de l’espace, de l’espace lui-même entendu comme un ensemble d’éléments. L’artiste met aussi en place ces leurres, dans l’idée de révéler différents points de vue.

L’espace réel sur lequel est projetée sa reproduction devient le support, tel un écran d’ordinateur. La 3D devient donc 2D. L’espace est transformé en une image. Nous amenant à nous questionner non seulement sur la relation entre apparence et réalité, mais aussi entre original et copie. Cette réflexion se retrouve dans les dessins de Sinta Werner qui sont parfois pliés, photographiés puis imprimés. L’impression est ensuite repliée selon l’orignal.Vivant dans une société où l’image est omniprésente, Sinta Werner nous invite à trier ce qui est vrai et illusion, en reconstituant mentalement ce que l’on a sous les yeux.

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Sinta Werner est née en 1977, à Hattingen (Allemagne). Elle vit et travaille à Berlin. www.sintawerner.net

Leïla Simon est critique d’art et commissaire d’exposition. Elle prépare actuelle-ment une exposition personnelle de Claire Tabouret pour l’Espace d’art contemporain Les Roches, où elle co-organise les événements. leilasimon4.wix.com/commissairedexpo

SYB ILLEDU HAYS

_1 Silence, 2012.Trois plaques de tôle à chaud et paraffine, 1,75 x 1 m (x 2) et 1,90 x 1 m. Photo Jean-Paul Planchon.

_2 Reconnaissances, 2011-2012.Plaques gravées de fer, zinc et tôle, dimensions variables.

_3 Les Oubliés de l’Actualité, 2009-2010.Installation composée de deux animationsvidéoprojetées, un meuble en médium vernis, étiquettes et journaux.

_4Portrait d’un aumônier militaire, 2012.Acrylique sur toile, 81 x 116 cm.

_1 Broken Tautologies, Berlin, 2011.Carton gris, bois, plâtre, peinture, projection. Vue de l’exposition au Artitude e.V.

_2 Imperial Measurements, Blackpool, 2010.Panneau de fibres, bois, carton gris, Styrodur, Perspex, aluminium, peinture. Vue de l’exposition itinérante « Magic Show », de la Hayward Gallery à Londres en 2010.

_3The Problem of Translation, Marrakech, 2012.Bois, carton gris, tissu. Vue de l’exposition « Higher Atlas » au Théâtre royal, Biennale de Marrakech.

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- I D E N T I T É S -

M E X I C A I N E SU N S I È C L E D ’ A R T A U M E X I Q U E

_ L A N A I S S A N C E D ’ U N V O L C A N

Le docteur Atl était un extrémiste politique, un écrivain

de science-fiction, un philosophe ainsi qu’un architecte

autodidacte et utopiste. En 1900, il marcha de Rome à Paris

afin de participer à l’Exposition universelle, où il présenta

un autoportrait pour lequel il remporta une médaille

d’argent. Quelques années plus tard, séjournant en Europe,

il lança un magazine gauchiste, diffusant des idées hostiles

à Porfirio Díaz, le dictateur mexicain au pouvoir. À son

retour d’Europe, le docteur Atl fut déterminé à faire évoluer

le paysage politique. En combinant des idées marxistes à sa

haine du colonialisme et à une vision idéalisée des cultures

préhispaniques mexicaines, il essaya de mettre en place un

nouveau cadre conceptuel pour définir « le Mexicain ». Sa

vision de l’artiste prenait des proportions épiques. Il pensait

en effet que c’était non seulement le rôle de l’artiste de créer

cette identité mexicaine, mais aussi de la communiquer

au peuple au travers d’œuvres d’art grandioses. Avant

le docteur Atl, les artistes mexicains essayaient surtout

de copier l’art européen et d’être appréciés des critiques

parisiens. Le docteur Atl leur insuffla la confiance et l’idée

que l’art peut changer la société et mener à la révolution.

« F O R M U L E R D E S S L O G A N S S A N S T R A H I R L E S I D É E S . »

W A L T E R B E N J A M I N

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En 1910, quelques mois avant que la révolution ne commence et que

Díaz ne soit poussé à s’enfuir vers la France, le docteur Atl organisa

une exposition remarquable présentant des artistes mexicains et des

thématiques propres au pays. C’était une réponse à un événement organisé

par Díaz avec des artistes espagnols pour commémorer le centenaire

de la guerre d’Indépendance. Des années plus tard, le docteur Atl

devint professeur à l’académie San Marcos, où les muralistes étudiaient.

En Europe, celui-ci, proche des impressionnistes, investit du temps et de

l’énergie dans l’étude des différentes techniques de fresques. « Les rues

seront nos galeries », disait-il. À San Marcos, où il enseignait, il visitait

les studios et suscitait avec ses étudiants des discussions sur les mythes

aztèques, la chapelle Sixtine et ses propres idées. Les muralistes,

qu’il inspira, et qui devinrent un gigantesque phénomène international,

réalisèrent ainsi ses rêves autour de la figure de l’artiste mexicain.

Si l’identité mexicaine qu’il avait créée relevait de l’utopie, elle devint

ensuite l’identité officielle, enseignée dans les écoles publiques et utilisée

par le pouvoir. La révolution mexicaine se conclut par une série de

trahisons, de meurtres et d’arrangements entre des généraux qui avaient

tous une vision divergente du Mexique, pour peu qu’ils en avaient une.

En revanche, l’histoire nous raconte comment des hommes d’État ont signé

une constitution basée sur des idéaux de liberté et de justice. L’identité

mexicaine imaginée par le docteur Atl a, selon moi, dans le psychisme

mexicain, creusé un fossé entre les mots et la réalité, entre le pouvoir et

les idées de justice. Les processus géologiques sont parfois utilisés comme

métaphores de l’histoire humaine. Dans cette histoire, la métaphore

et la réalité s’opposent. En 1943, l’éruption du volcan Paricutín allait

transformer le docteur Atl, cet ancien révolutionnaire qui soutint ensuite

la propagande antisémique. À la suite de l’éruption, il déménagea pour

passer ses journées à écrire, étudier et peindre des volcans. Et comme

si tout ceci n’était pas encore suffisamment herzogien, les émanations

du volcan provoquèrent une détérioration soudaine de sa circulation

sanguine, le menant à l’amputation de sa jambe droite. Mais ceci ne l’arrêta

pas. Il se lança alors dans une remarquable série de tableaux de volcans

vus depuis des avions et continua à marcher et à faire des randonnées.

Ses écrits communiquent sa passion pour ses aventures, qui font pour lui

partie de la pratique artistique.

_ Docteur AtlVista del Popocatépetl, 1934. Peinture, 100 x 125 cm.

_UN NOUVEAU CANON

À bien des égards, La Panaderia a joué un rôle crucial dans l’ouverture de la scène artistique et

son influence persiste de nos jours. Mais c’est l’élite intellectuelle qui est à l’origine de la nouvelle

identité des artistes. Parallèlement à La Panaderia, un groupe d’étudiants en art instaura des

réunions hebdomadaires dans une maison abandonnée à Polanco. Le numéro 44 de la rue

Temistocles n’allait pas tarder à devenir un espace artistique. Les séances, dirigées par Gabriel

Orozco, duraient toute une journée au cours de laquelle celui-ci présentait des livres d’art ou des

catalogues d’exposition difficiles à obtenir. Tous les participants allaient plus tard rejoindre la plus

célèbre galerie mexicaine, KuriManzuto, dirigée par Monica Manzuto et Jose Kuri. Le couple avait

fait ses études à New York. Novices en art, ils créèrent leur galerie, sur les conseils de leur ami

Orozco, artiste de plus en plus en vue.

À la fin des années 1980, Orozco, en désaccord avec le monde artistique mexicain, quitta son pays

natal pour s’installer en Espagne. Là, tout en se promenant dans la rue, il arrangeait des objets de

manière à créer une sculpture ou une installation, et ce, sans se soucier d’en garder des traces.

C’est seulement un peu plus tard qu’il se mit à photographier ses actions éphémères. D’un point

de vue technique, ses photos étaient naïves. Les procédés d’éclairage et les tirages étaient sans

prétention. En revanche, le cadrage révélait un regard entraîné et intelligent, avec des compositions

attrayantes, équilibrées et bien pensées. Certaines se rapprochaient de la tradition photographique,

d’autres semblaient tirées d’un catalogue de sculptures. L’élément crucial est qu’elles sont bien plus

accessibles que d’autres répertoires artistiques similaires, telles celles réalisées par les membres

de Fluxus. On les regarde pendant un moment parce qu’elles sont colorées, bien composées

et inhabituelles, et le plaisir visuel est soudainement gâté par l’image d’un artiste préparant

l’installation et effectuant sa promenade conceptuelle.

Orozco lut inlassablement les écrits de Jorge Luis Borges. Pendant ces années de promenades et

de workshops, il développa un sens assez clair et fort des valeurs morales et esthétiques entourant

l’art et la production artistique. Nombre des artistes de la galerie KuriManzuto s’accordent sur

ce manifeste imaginaire. Les idées d’Orozco renforcent celles des textes programmatiques ultraïstes

de Borges rédigés à partir de 1920. L’artiste ne devait pas exploiter son statut de Latino-Américain

en produisant un discours de type « auto-touriste de jungle et world music ». ll devait rechercher

quelque chose comme l’universalité, en évitant de raconter son ressenti au spectateur ou de lui

imposer une lecture de son travail. Borges conclut un de ses courts textes en précisant qu’il avait

choisi le « rythme » et la « métaphore », comme outils principaux. La « métaphore » symbolisait

pour lui « la courbe verbale qui est, presque toujours, tracée entre deux points – spirituels –

passant par le chemin le plus court ». J’émets l’hypothèse qu’Orozco ajouterait que le chemin

le plus court devrait être mesuré par les pas de l’artiste. En effet, bien qu’une majeure partie

de sa critique de l’esthétique mexicaine concerne des questions d’exotisme latino-américain,

il critiquait les grands studios d’art qui dominaient la scène new-yorkaise dans les années 1980.

Pour lui, l’art était intimiste et la production artistique ne devait jamais ressembler à un processus

de production en série.

_ S L I C K E R 6P A G E 2 4

_1 Christian Jankowski, Crying for the March of Humanity, 2012.Vidéo, 16:9, 26 min. Courtesy de l’artiste.

_2 Mario García TorresTime to piece, 2010.Série de 5 puzzles avec images d’horloges publiques.

_1

_2

_LA PANDERIA

En 1993, deux jeunes riches mexicains juifs fondèrent un espace

artistique installé dans une ancienne boulangerie. Il fut nommé

La Panaderia (boulangerie, en espagnol). Yoshua Okon et Miguel

Calderon avaient tous deux été formés aux États-Unis et ni l’un

ni l’autre n’appartenait aux habituelles familles intellectuelles

mexicaines d’artistes. Le père d’Okon était le propriétaire de

l’espace. Calderon nomma sa boîte de production Papi Paga

(« papa paye »). De manière assez paradoxale, leur statut de

fresas (fils de) rendait leur attitude punk crédible et leur espace

était plus apte que n’importe quel autre lieu à accueillir des

outsiders dans l’appareil culturel mexicain.

La pensée de Calderon était très différente de celle des

artistes mexicains qui l’avaient précédé. Il était influencé

par les Beastie Boys et George Kuchar, des personnalités

dont le public mexicain n’avait jamais entendu parler.

Il titra une de ses premières œuvres El Popo desde mis huevos, ou quelque chose comme ça. Cette œuvre rompt

radicalement avec le monde intellectuel de l’époque et les

visions du docteur Atl. Il s’agit d’une photo prise au sol

du plus grand volcan du Mexique, le Popocatepetl. Un des

testicules de Calderon, aux allures de montagne, figure

dans la composition. Ce sens de l’humour était inédit dans

le très solennel monde artistique mexicain de l’époque.

Dans un livre récent, Calderon montre la seule chose

héritée de son grand-père, une collection de photos prises

dans un bar d’Acapulco dans les années 1950. Son aïeul,

célèbre séducteur, pose devant l’appareil photo, l’air ivre

et souriant.

Nombre d’artistes qui gravitaient autour de La Panaderia

s’inspiraient de la musique et des feuilletons de la chaîne

Televisa (conglomérat multimédia mexicain, ndlr). Ils jouaient

avec la frontière ténue entre l’ironie et l’honnêteté, typique de

la relation d’amour haine que chaque Mexicain entretient avec

Televisa. Ces thèmes sont devenus, il me semble, le nouvel

exotisme mexicain, remplaçant les mythes préhispaniques par

les contes de fées des feuilletons. Ceci me rappelle une œuvre

récemment créée par Christian Jankowski pour le Sala de

Arte Público Siqueiros, un espace artistique en partie financé

par Televisa. Jankowski a reproduit un épisode du feuilleton

le plus populaire du moment, avec les acteurs, les lieux,

l’équipe et même le scénario d’origine. La seule différence

par rapport à l’original est que, tout au long de sa version,

les acteurs pleurent. Il a appelé cette œuvre Crying for the March of Humanity, un titre faisant référence à La Marcha de la humanidad, la plus grande fresque de l’histoire réalisée en 1969

par Siqueiros, un des plus talentueux étudiants du docteur Atl.

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Voici une courte liste de faits qui devraient nous

donner de l’optimisme :

± Kurimanzuto a trouvé en Abraham Cruzvillegas

une nouvelle superstar.

± Adriana Lara nous a amusés à la documenta

13. Yoshua Okon s’est allié à certains membres

du groupe Temistocles 44 et a fondé une nouvelle

école d’art qui présente des artistes prometteurs

tels que Nuria Montiel et Ivan Krassoievitch.

± Proyectos Monclova est la nouvelle galerie qui

monte, avec en avant-plan Mario García Torres et

Tania Perez Cordova et leur travail étonnant.

Si les outsiders continuent à se montrer intéressés par le monde artistique mexicain et si les insiders ne se mettent pas à se comporter comme nos politiciens, nous serons sauvés de notre malédiction mexicaine.

Borges lisait Schopenhauer et adhérait à sa double interprétation

du monde comme volonté et représentation. La représentation est

la somme de tout ce que nous articulons en mots ou en équations.

En définitive, et à l’instar du bouddhisme, ceci est perçu comme

insignifiant. La Volonté est la volonté des choses inanimées à exister.

La volonté est ce qui nous meut. En termes bouddhistes, elle s’exprime

sous forme de peur ou de désir. Schopenhauer avait attentivement

lu les idées épistémologiques de Kant au sujet de « la chose en elle-

même » et de notre incapacité à y accéder par les mots. C’était son

point de départ, auquel il ajouta le concept de « volonté ».

On voit bien l’influence de ce type de pensée sur le travail d’Orozco,

notamment son intérêt pour les mathématiques – qui sont, selon

Borges, la représentation ultime –, et le bouddhisme. Un bel

exemple du premier est sa série « Samurai tree invariants » ;

un exemple du second est sa célèbre boîte à chaussures comme

contemplation du vide, au travers de pensées sur les idées d’espace.

Pour Schopenhauer, l’art a un statut ontologique spécifique. Il n’est

ni volonté ni représentation, et c’est à travers l’art que l’on peut

accéder à un état semblable au nirvana bouddhiste, libérant ainsi

l’individu de la toute puissante « volonté ». Pour Orozco, l’art devrait

être une activité constante et omniprésente, ayant le pouvoir de

transformer les relations intimes des individus avec les choses et

les personnes. Le but de la pratique artistique n’est pas le résultat

matériel qui est uniquement un véhicule. Home Run, l’œuvre qu’Orozco

présenta en 1993 au MoMA, est une tentative d’extirper le spectateur

hors de l’espace traditionnel artistique. Le spectateur devait regarder

à l’extérieur du musée, vers le bâtiment voisin, où les habitants

laissaient tous les matins des oranges à leur fenêtre, transformant ainsi

le bâtiment en une grande composition de petites actions individuelles

semi-volontaires. Home Run remporta un vif succès.

Bien qu’il n’ait pas passé beaucoup de temps à New York et que son

travail n’ait pas été beaucoup exposé, Orozco fut tout de même mis

à l’honneur au MoMA. Cela reflète le charisme de l’artiste et la force

de ses œuvres. Ou, pour le dire avec les mots de Schopenhauer :

« La Volonté doit être avec nous. » Dans ce monde, en général,

et plus particulièrement au Mexique, avoir « la volonté » avec soi est

un facteur souvent lié à son nom de famille ou à ses liens sociaux.

Sur Internet, les blogueurs et les conspirationnistes prétendent

qu’Orozco est l’exemple même de la pourriture et de l’élitisme de

la société mexicaine. Mario Orozco, le père de Gabriel, était le bras

droit de Siqueiros, un personnage clé dans la réalisation de La Marcha de la humanidad. Robert Starr, qui fit plus tard partie du conseil

d’administration du MoMA, vint au Mexique, probablement pour écrire

sur Siqueiros. Il y rencontra le très jeune Gabriel Orozco. Celui-ci,

né au sein de l’élite intellectuelle mexicaine, est devenu le leader d’une

de ses fractions. Le lecteur est en droit de se demander, tout comme

le fait l’auteur, si le destin d’Orozco, et de KuriManzutto, joueront

dans les années à venir le même rôle que celui joué par le docteur Atl

et les muralistes au siècle précédent. Le leader visionnaire sera-t-il

à nouveau perverti par la concentration du pouvoir dans notre pays ?

Se rappellera-t-on de lui pour les vulgaires affichages de sa force

ou plutôt pour sa vision et ses réalisations ?

_3 Gabriel OrozcoHome Run, 1993.Oranges, dimensions variables. Vue de l’installation « Projects: 41 ». The Museum of Modern Art, New York, 1993.

_4 Mario García TorresToday... (News from Kabul), 2006.Graphite sur un mur, dimensions variables.

T R A D U I T D E L’A N G LA I S PA R P A U L I N E L E M A I R E .

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P A S O L I N I D A N S « É C R I T S C O R S A I R E S » E N 1 9 7 6 .

S O Y O N S C L A I R S ! En confrontant l’art et la cuisine, l’objectif n’est pas d’inaugurer de nouvelles

parts de marché. Encore moins de créer de nouveaux gestes de consommation, d’innover pour

un consommateur zappeur, hyperactif, en demande constante d’inédit et de créativité, un consommateur

à la recherche perpétuelle de son plaisir… Confronter art et cuisine, pour paraphraser Robert Fillou, c’est

faire en sorte que la cuisine rende la vie plus intéressante que la cuisine. Grâce à la nourriture que l’on

ingère, nous prenons position dans notre environnement et nous en saisissons les commandes.

Le Transversal a été le restaurant du musée d’art contemporain du Val-de-Marne (Mac/Val) de novembre

2005 à juillet 2008, une concession de l’espace public. À ce jour, il est l’une des expériences les plus

complètes pour ce qui est de cette confrontation entre art contemporain et cuisine. En tant qu’entreprise

inscrite dans une nécessité économique, l’établissement a néanmoins su, dans le cadre d’un équipement

culturel et institutionnel, développer sa vocation de passerelle. Il a existé grâce à Muriel Ryngaert a,

responsable des médiateurs du Mac/Val, qui s’est attachée à ouvrir le musée et à l’intégrer dans son

contexte. Dans le cas présent, il s’agit du plateau de Vitry-sur-Seine, une zone complexe, composée

de grands ensembles érigés entre 1949 et 1974, habités par des dizaines de communautés, étrangères

les unes aux autres, une zone d’énergies et de tensions. Autant dire qu’inaugurer un centre d’art

contemporain dans ce paysage, c’est fabriquer, par le musée, une frontière culturelle. En conséquence,

s’impose la lourde tâche de pratiquer des ouvertures dans l’édifice érigé : il est nécessaire d’ouvrir

des portes dans les cimaises pour permettre des liens et des échanges entre le musée et les habitants.

Aussi, lorsque nous avons imaginé le Transversal avec Benjamin Pelletier b, Laurent Charreau c et Iñaki

Aizpitarte d, nous l’avons pensé comme une pierre angulaire entre l’institution culturelle et la zone, la zone

spécifique de la banlieue difficile. C’est d’ailleurs pour ce contexte « à risques » que cet endroit nous

a attirés : ici, cuisine et art avaient quelque chose à fabriquer ensemble.

_1 Arnaud KalosTêtes en chocolat blanc, 2011.Sculpture servie au Nomiya. Photo Gilles Stassart.

_2 Hans GissingerTartas, 2005. Vidéo. Courtesy de l’artiste.Photo Gilles Stassart.

10 Chancery Lane | Adn | Aeroplastics | Algus Greenspon | A.L.I.C.E. | Aliceday | Alma | Annex 14 | Anyspace | A Palazzo | Avlskarl

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Brambilla | Brand New Gallery | Jean Brolly | Sandy Brown | Callicoon Fine Arts | Cardi | Carroll / Fletcher | Marta Cervera | Bernard

Ceysson | Chambers Fine Art | Cherry and Martin | Chez Valentin | C L E A R I N G | Continua | Crèvecoeur | CRG | Croy Nielsen |

Cruise & Callas | Crystal | Heike Curtze | D+T Project | Jeanroch Dard | Patrick De Brock | Monica De Cardenas | Hadrien de Montferrand

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Fitzroy | Fluxia | Forsblom | Foxy Production | Fruit and Flower Deli | James Fuentes | GDM | Gentili | Geukens & De Vil | Gladstone

| Laurent Godin | Marian Goodman | Gowen | Grimm | Grimmuseum | The Hole | Honor Fraser | Hopstreet | Nettie Horn | Horton |

Pippy Houldsworth | Xavier Hufkens | Hunt Kastner | In Situ Fabienne Leclerc | Invernizzi | Rodolphe Janssen | Jeanne-Bucher / Jaeger

Bucher | JGM | Jousse Entreprise | Kalfayan | Parisa Kind | Krinzinger | Krome | Susanna Kulli | Gebr. Lehmann | Lelong | Leme | Elaine

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Simoens | Filomena Soares | Société | Sorry We’Re Closed | Michel Soskine | Pietro Sparta | SpazioA | Steinek | Stieglitz19 | Super

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Mieden | Tim Van Laere | Samuel Vanhoegaerden | Axel Vervoordt | VidalCuglietta | Nadja Vilenne | Voice | Tanja Wagner | waterside

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Concrètement, nous avons imaginé les visites

gustatives. Une première dans toute l’histoire

de la conservation artistique : Alexia Favre e a

donné son autorisation pour la consommation de

nourriture dans un espace de collections. Autre

audace : elle a accepté la tenue de discours

profanes, souvent en décalage ou hors sujet avec

le propos scientifique de l’histoire de l’art. Chaque

premier dimanche du mois, vingt-cinq visiteurs

ont pu suivre une visite, goûter une dizaine de

bouchées chacun faisant un lien gustatif, sensuel,

instinctif avec une œuvre, tout en suivant

un conférencier établir le lien de cette expérience

avec l’œuvre présentée. On se souviendra de

la moelle de bœuf tiédie avec sucre pétillant

devant « Nature morte » (1996), une installation

de chaises électriques par Malachi Farell, ou

encore des sodas étranges consommés devant

le « Bar séduire » (1997), une installation de Jean-

Luc Vilmouth, où des vidéogrammes livrent aux

visiteurs assis sur un siège de bar les confidences

intimes d’inconnus. Parmi les nombreuses actions

récurrentes ou ponctuelles, notons le festival

Filmophage, avec une programmation de films

liés à la nourriture, où, durant les projections,

les ouvreuses servaient des plats aux spectateurs.

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*Directeur artistique du Transversal, puis chef à partir de 2007. Vient de publier 600 °C aux éditions du Rouergue.

_Visite gustative

dans les collections du Mac/Val. Photo Marc Domage.

_ S L I C K E R 6P A G E 2 8

L’aventure avait démarré à l’automne 2004, il y a presque dix ans. Dans cette cuisine en effervescence, nous

étions les enfants des Nouveaux Réalistes, Pierre Restany f venait de disparaître. Il restait son portrait suspendu

dans le hall d’accueil du Palais de Tokyo, et, pour nous, une autre façon de penser l’art, le réel, éthique plus

qu’esthétique. Nous avions hérité de ce goût de la provocation et de cet intérêt pour les petits riens du quotidien

dont l’avantage était d’ouvrir de grandes portes sur le monde : la façon de le parler, la façon de le manger.

L’esthétique relationnelle de Nicolas Bourriaud g conforta le fait que l’on pouvait, avec l’art, sortir la cuisine de son

carcan historique pour en faire une performance totale et permanente mettant les individus en relation. Le travail

de Rirkrit Tiravanija, ses références au repas en étaient la preuve. Beaux-Arts magazine, avec Fabrice Bousteau,

nous entraînait à jouer les empêcheurs de tourner en rond : on désenclavait dans les colonnes du magazine, il était

question de littérature dessinée, de cannibalisme, de tauromachie, de parfum, de mode, la french touch battait

son plein, tout aussi bien avec la tech qu’avec l’archi. Nous trouvions une énergie dans cette nébuleuse qui nous

permettait d’inventer le quotidien d’une entreprise qui ne s’arrêtait jamais. Nous étions dans une performance

permanente, mêlant intimement ce que nous étions et ce que nous faisions. L’assiette était alors l’aboutissement

d’un processus global, la synthèse d’un dispositif de production dont nous avions aboli les bornes : de la semence

à l’excrément. Pour faire simple, le monde se projetait dans notre assiette. Il y avait eu la cuisine aristocratique,

la cuisine bourgeoise, la nouvelle cuisine ; à l’époque, la cuisine moléculaire à l’espagnole était sur le devant de

la scène, faisant enrager des dynasties de cols BBR ; de notre côté, nous imaginions une cuisine contextuelle.

Nous avions inventé le meilleur. Il n’était pas question du bon, de plaisir,

de produits vrais, de terroir, de saveurs d’antan… de toutes ces valeurs vichystes

qui allaient surgir avec les légumes oubliés et l’inflation de restaurants pour

bobos dans les anciens quartiers populaires. L’art nous permettait d’interroger

la cuisine dans ses retranchements avec des problématiques de fonds :

« C’est quoi le bon ? Le beau, le laid peuvent-ils exister en cuisine ? Qui mange

quoi ? Comment ? D’où viennent les produits ? Qui prépare ? Comment est-il

formé ? Par qui ? Qu’est-ce que le bio ? Qu’est-ce que le coût environnemental

d’une production alimentaire ? La création gastronomique peut-elle utiliser des

outils, des produits de l’agro-industrie ? »

Sur un autre versant, le design culinaire et les arts décoratifs appliqués aux

comestibles brouillaient les cartes et commençaient leur travail de sape

en donnant des lettres de noblesse à une gadgétisation de la cuisine.

_David BeckerConcert de cocottes au 104, 2008.Dispositif à l’occasion de SLICK Art Fair à Paris. Photo Marc Domage.

Avec le Transversal, le champ d’investigation de l’entreprise de restauration

s’est porté dans de multiples directions et notamment dans son rapport avec

ses employés. Cette petite SARL a été également un centre de formation et

d’apprentissage. Cinq apprentis ont été formés aux métiers de la cuisine, mais

nous avons accueilli également des élèves de l’École des beaux-arts de Reims et

de Chalon-sur-Saône. Par ailleurs, nous embauchions essentiellement les jeunes

de la cité alentour. La cuisine et le restaurant sont devenus un creuset où

des horizons divers se sont croisés, rencontrant à l’occasion des différentes

collaborations des artistes plasticiens parmi lesquels Gwen Rouvillois, Éric

Closky, Éric de la Casa, Stephen Dean, Anne Deleporte, Hans Gissinger, Philippe

Guillonnet, Claude Levêque, Arnaud Kalos, Pierre Monory, Émile Parchemin, Fred

Pradeau, Philippe Ramette, Charwai Tsai... mais aussi des chorégraphes avec

Gilles Grillo et Rubin Orlin, et des musiciens, des paysagistes, des vignerons…

Le ludique est la dernière panacée à la mode : on s’amuse en cuisinant,

comme on s’amuse en passant l’aspirateur. La cuisine est alors un loisir

convivial pour une société du plaisir, avide d’hédonisme. Les émissions de cuisine

ont glissé vers les cases « divertissement » des programmes télé et les chefs stars

ne posent plus seulement pour la promotion de lasagnes surgelées, ils vantent

dorénavant les avantages de smartphones, de pull-overs ou encore de pneus.

_1 Benjamin Pelletier, Laurent Charot, Ignaki Aizpitarte, Gilles Stassart Photo Nicolas Hoffmann.

_2 Menu CloskyServi au Mac/Val à l’occasion de l’exposition « 8002-9891 » de Claude Closky, 2008. Photo Marc Domage.

_Carpaccio de crevette et huile de framboise blanche

Servi au Nomiya en 2010.Courtesy Gilles Stassart.

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a. Muriel Ryngaert a dirigé le service des Publics du Mac/Val de 2005 à 2011.b. Benjamin Pelletier a monté et a dirigé le Transversal. Il est décédé le 26 novembre 2006.c. Laurent Chareau a été chef du Transversal jusqu’à l’été 2007.d. Iñaki Aizpitarte a été chef du Transversal jusqu’à l’hiver 2006.e. Alexia Fabre est conservateur en chef des collections du Mac/Val, elle a été directrice artistique des Nuits blanches avec Lamy en 2009 et 2011.f. Pierre Restany : « Les nouveaux réalistes considèrent le Monde comme un Tableau, le Grand Œuvre fondamental dont ils s’approprient des fragments dotés d’universelle signifiance. Ils nous donnent à voir le réel dans des aspects de sa totalité expressive. Et par le truchement de ces images spécifiques, c’est la réalité sociologique tout entière, le bien commun de l’activité des hommes, la grande république de nos échanges sociaux, de notre commerce en société qui est assigné à comparaître », extrait de « À 40° au-dessus de Dada », préface de catalogue de l’exposition Daniel Spoerri à la galerie J en 1961.g. Esthétique relationnelle, Dijon, Presses du réel, 1998.h. Jean Bocabeille est architecte et fait partie du collectif Plan 01. http://jb-a.fr

Le Transversal a fermé ses portes en 2008. Benjamin

nous avait quittés, foudroyé par une terrible maladie ;

Iñaki, avec le célèbre Chateaubriand, était devenu une

étoile scintillante dans le ciel de la création néo-bistrot,

et Laurent, avec l’humilité de l’artisan zen, ouvrait

le Chat, un bar-restaurant dans la banlieue d’un bourg

de province, à Cosne-sur-Loire. L’aventure devait durer

encore un peu, puis suspendre son vol.

J’ai alors continué par une série d’actions en dehors

de l’espace du restaurant, au risque de me perdre

moi-même dans la gadgétisation et la marchandisation,

d’autant plus que j’allais user des moyens mêmes du

spectacle avec le record de la plus grande barbe à papa

du monde et celui du gâteau le plus haut du monde,

une construction pilotée par Jean Bocabeille h.

Ces performances et ces fêtes, par un jeu de difformité,

nous projetaient comme des enfants, êtres de désirs

pulsionnels et télécommandés par les médias, devant

des gourmandises disproportionnées, géantes capables

de nous avaler : mangés par le gâteau en forme de

cheminée d’usine… Une référence à l’industrie sucrière

capable, avec ses lobbys, de pénétrer les institutions

politiques les plus élevées pour protéger ses intérêts :

une course folle dont le rythme nous fait souffrir jusque

dans notre corps.

Avec le Nomiya, la performance s’est déroulée durant deux années sur le toit du Palais

de Tokyo, dans un dispositif architectural de Laurent Grasso. Il s’agissait de produire

un repas différent chaque jour, un menu unique pour une tablée unique : un temps unique.

Ici, c’est davantage le processus créatif de la cuisine qui a été interrogée. Une forme

de cadavre exquis se renouvelant sans cesse pour la performance, chaque repas devenant

le maillon d’un immense ensemble. La dimension économique a été fondamentale, liée

à la participation d’un mécène pour les uns, d’un annonceur pour les autres, qui toutefois

permit à un grand nombre d’inconnus, en provenance du monde entier, de se retrouver

et de se découvrir autour d’une table d’hôtes dans le ciel pittoresque et parisien. C’était

en 2011, avant la bombe qui allait achever les économies européennes et justifier par là

les coupes budgétaires et des licenciements en cascade.

P A G E 2 9A RT C U L I N A I R E

Aujourd’hui, les affaires de malbouffe, d’escroqueries alimentaires, de domination

des trusts, de spéculation sur les céréales forment un inquiétant florilège. Les chefs

sont bien trop occupés dans leur marathon pour prendre position. De plus, un grand

nombre cachetonnent, louant à qui veut leur plus beau profil. Désormais, c’est l’agro-

industrie qui a repris le flambeau de la création des arts culinaires. À l’instar de cette

campagne de Kraft Food et de sa filiale LU avec « Ouvrons le champ des possibles »…

Comment a-t-on pu permettre que le fameux champ des possibles – formule fétiche

des notices et critiques d’œuvres d’art contemporain – s’inscrive en frontispice de

goûters à base d’huile de palme ?

T O U T Ç A P O U R Ç A ! Ai-je raté un épisode ? Est-ce le monde de l’art qui s’est

égaré ou celui de l’agro-industrie qui, par cynisme, est venu se nourrir de toutes nos

expériences ? Auquel cas, chapeau ! Ça, c’est du détournement : très pop ! L’industrie

alimentaire est plus encline par ses objectifs de profits à se réfléchir, à produire de

la matière cérébrale que le milieu de la cuisine et de la restauration qui, lui, reste figé

sur ses marottes. La syntaxe gourmande tourne en rond. Pour le foodista, la soirée est

sympa sous une couche d’espuma. Un monde magique de Bisounours où l’art est réduit

à une question de traits de sauce sur un Marly d’assiette et où la moindre andouillette

porte le nom d’un hardeur des années 1980. Pas de quoi éveiller nos consciences ou

amorcer la moindre alternative. « Transversal, reviens ! »

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_Jean BocabeilleTSF, 2010.Création architecturale présentée à la Cité de l’architecture à Paris.Photo Gilles Stassart, plan de Salem Mostefaoui.

_Glaces d’artistes Présentées à la Fiac 2006.

Photo Marc Domage.

_Restaurant Nomiya Conçu par Laurent Grasso

pour le Palais de Tokyo.Photo Gilles Stassart.

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S’ils existent depuis les années 1960, les pixadores, c’est-à-dire les tagueurs

brésiliens de São Paulo, ont fait parlé d’eux en 2008 en s’attaquant aux trois

institutions phares de l’art contemporain, instances possédant le pouvoir de

définir ce qui est art, soit l’université – lieu de formation –, la galerie – lieu de

commercialisation, – et la biennale – lieu de consécration de l’art. « On vou-

lait légitimer la pixaçao de São Paulo avec la plus grosse intervention urbaine

artistique ayant jamais existé sur terre », explique Choque, photographe et

pixador. Leurs signatures caractéristiques, inspirées de l’alphabet runique uti-

lisé par les anciens peuples de langue germanique, recouvrent les immeubles

abandonnés du centre de la ville, dans les quartiers désertés par la classe

dominante. Ils reprennent possession de ces espaces urbains en y inscrivant

leur nom, celui de la bande à laquelle ils appartiennent, sur les surfaces les

plus hautes afin de le rendre visible par le plus grand nombre et de crier

leur force et leur courage d’avoir grimpé si haut. Leur tactique pour accéder

à des surfaces inaccessibles : l’échelle humaine. Le pixo est-il un art ? C’est

en tout cas un moyen d’expression reflétant les conditions de vie actuelles à

São Paulo. Les pixadores agissent pour l’adrénaline mais aussi pour s’affirmer

à travers le dessin et l’écriture. Pourquoi s’en prendre au milieu de l’art ?

« Nous avons voulu montrer à quel point les modèles d’institutions artistiques

brésiliennes sont dépassées, comme les musées qui vivent seulement du

passé », ajoute Choque. Sans doute aussi parce que le street art est devenu

un domaine artistique à part entière. Et, parce que l’art contemporain fait de

plus en plus parler de lui et que les artistes deviennent des stars, l’art devient

une porte de sortie.

À 600 km, dans les terres de Belo Horizonte et à l’autre bout de l’échelle

sociale, un milliardaire a créé en 2006 Inhotim, l’Instituto de Arte Contempo-

rânea e Jardim Botânico, son paradis sur terre. D’un côté, dans le principal

centre financier, commercial et industriel de l’Amérique latine, les uns réa-

gissent pour changer leurs conditions de vie et crier les inégalités ; de l’autre,

dans la jungle de Belo Horizonte, un homme a construit un projet démesuré,

associant art contemporain et botanique et fournissant du travail à près d’un

millier de personnes. Nous avions parlé dans le dernier numéro de _SLICKER

du Japonais Soichiro Fukutake. Voici donc son pendant brésilien : Bernardo

Paz, propriétaire d’une mine de fer, fils d’un architecte et ingénieur et d’une

mère poétesse. Son parc de plus de 1 000 hectares, dont 100 accessibles au public, accueille une centaine

d’œuvres d’art contemporain faisant partie de sa très large collection initiée dès la fin des années 1990

sur les conseils de l’artiste Tunga. Tout comme Naoshima, Bernardo Paz a commandé à des architectes,

locaux cette fois-ci, des dizaines de structures permettant d’abriter des expositions personnelles et des

expositions collectives. Parallèlement à ces pavillons, des artistes d’envergure internationale – Matthew

Barney, Olafur Eliasson, Doug Aitken ou Anish Kapoor, pour ne citer qu’eux – ont produit des installations

monumentales disposées au milieu de la végétation. Le public, 400 000 visteurs en 2012, déambule en

toute liberté au milieu de ces œuvres, qu’il peut toucher, expérimenter, vivre. Inhotim est le jouet de son

fondateur mais aussi des artistes et de son équipe de conseillers et conservateurs. C’est aussi une aubaine

pour la région, Inhotim employant actuellement 700 personnes, et attirant les touristes qui peuvent

s’installer dans les hôtels construits par Bernardo Paz. Amateur de botanique, Paz collectionne aussi les

plantes qui sont rassemblées dans son jardin botanique. La création d’un laboratoire de recherche sur

l’usage médical des plantes est en réflexion. Inhotim est là encore un exemple de capitalisme constructif

lorsque l’argent profite aussi à autrui. « L’art contemporain touche tous les domaines, de l’environnement

à la religion, et ouvre d’immenses perspectives. Il possède une force de communication, d’éducation et

d’inclusion sans pareille », explique-t-il dans un entretien télévisé.

L’Amérique du Sud, et tout particulièrement le Brésil, est, après l’Asie et surtout la Chine et la Corée,

l’Afrique et l’Inde, la région du monde vers laquelle les yeux des amateurs d’art se tournent. Espérons que

l’intérêt ne se portera pas uniquement sur une petite frange d’artistes, accentuant encore un peu plus les

inégalités, mais que la curiosité de chacun incitera à la découverte, loin des lois du marché.

B R É S I L :

E N Q U Ê T EI L S F O N T P A R T I E D E S P L U S P A U V R E S

D E L A S O C I É T É B R É S I L I E N N E E T

R E V E N D I Q U E N T, P A R L E T A G , L E U R S

D R O I T S T O U T E N S ’ A T T A Q U A N T

A U S Y S T È M E D E L ’ A R T C O N T E M P O -

R A I N . I L E S T L E P L U S G R O S C O L L E C -

T I O N N E U R B R É S I L I E N E T I L B Â T I T,

D E P U I S 2 0 0 6 , U N P A R A D I S S U R T E R R E

M Ê L A N T A R T E T B O T A N I Q U E . L E S

P I X A D O R E S D E S Ã O P A U L O V S B E R -

N A R D O P A Z .

P A R A U D E D E B O U R B O N P A R M E .

D ’ I D É A L

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_2 Ben NewmanOS Pixadores, 2012. Vidéo réalisée par le très talentueux Ben Newman (basé à Londres) montrant, à São Paulo, le quotidien de ces artistes de rue, très largement ignorés.

_1 Dan GrahamBisected triangle, Interior curve, 2002.Miroir et acier inoxydable, 220 x 713 x 504 cm.

rigueur

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