Diana Trespalacios Y.

La fotografía es el ejemplo de una

práctica que permite leer, más

claramente que cualquier otra, la lucha del sujeto

contra el desmoronamiento

simbólico

Julia Kristéva, Soleil noir -Dépressin et mélancolie, Gallimard, 1987. Citada por R. Durand en El tiempo de la imagen.

[Calcuta -1815] [Ceilán-1879]

Fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Nace en Calcuta y vive entre la India e Inglaterra. En la India conocerá a su marido, dueño de una gran plantación de té. Él, 20 años mayor que ella, le proporcionó una vida cómoda. Al retirarse a Inglaterra, en el año de 1860, su hija le regala una cámara y es ahí donde se inicia su afición fotográfica, con 48 años de edad. Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo.

Llegó a decirse de ella que contrataba a sus criados según sus cualidades fotogénicas, a los que martirizaba al parecer con larguísimas exposiciones y poses sofisticadas.

Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas.

Sus retratos más famosos son de personajes ingleses conocidos como artistas, pertenecientes a su círculo de amistades, pero también tenía muchos de personas desconocidas, sobre todo mujeres. Los hay aislados y en grupos, como el conocido Retrato de verano hacia 1865, donde aparecen dos mujeres y niñas en pose deliberadamente artificial y con las miradas perdidas. Hay en esta obra un lirismo artificial ya que no busca el realismo o el naturalismo.

Días de verano,1866

“…sin moverse de su hogar, ella realizó los que hoy son considerados por exigentes críticos como los retratos de mayor relieve y originalidad de las historia de las artes plásticas en general.Lo soprendente es que Julia casi desde el principio se dio cuenta de que se iba a convertir en una artista. Y siempre le interesó más experimentar y capturar la esencia de los temas que elegía antes que dominar la técnica a la perfección.Se atrevió a jugar con luces y sombras, a exigir a sus modelos femeninos una expresión aparentemente de estatuas pero que sin embargo se muestran cargadas de enigmas. Trabajó con el foco de manera flexible, desoyendo los dictados de la moda y saliéndose de una definición nítida…”

Susan Sontag

Julia Jackson,1867

The Rosebud garden of

Girls- june 1868

Mariana, 1875

Pomona, 1872

El ángel en la tumba,1870

A study of the Cenci-May, 1868

El ángel en la casa, 1871

Día de primavera, 1865

Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York, a los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casó cumplidos sus 18 años. En los años 40, los Arbus comenzaron a trabajar en fotografía de moda para publicaciones tan importantes como Esquire, Vogue y Haper´s Bazaar. Trabajó en publicidad [1955-1957] y recibió clases con Lisette Model, a partir de 1960 se convierte en fotógrafa independiente. Su trabajo comienza con los colectivos marginados en el Central Park en Nueva York

Esas fotografías testimonian, sin duda, una realidad que vamos encontrando en todas partes, una realidad plagada de pequeñas e invisibles fisuras que moran al interior de nuestras sociedades.

Sin embargo, para Diane Arbus, estos “Freaks”, no son en absoluto reductos sociales que, cualquier sociedad estaría presta a ocultar, para ella, estos seres son los verdaderos reyes, los arisócratas, los que ya pasaron el test en la vida...

[Nueva York 1923-1971]

En esta puesta en escena del sujeto contemporáneo, encontramos seres reales, desnudos y valientes, habitantes de una gran metrópoli, que para el efecto podría ser cualquiera, con sus rascacielos interminables y grandes obras de ingeniería, una metrópoli que ha desplazado al sujeto, y sin embargo, alberga allí mismo personajes irredimibles, auténticos , disfrazados; seres estos que han sido captados magníficamente en la experiencia fotográfica de D. Arbus.

El hilo conductor en su trabajo es precisamente la imagen sin maquillar y sin mancillar de aquellos individuos que poseen una rara virtud, una cierta capacidad de vivir su propia realidad a la sombra de un sistema que ha prometido ese gran sueño americano, pero que paradójicamente siempre termina decepcionando a sus ciudadanos, en particular a aquellos que presenciamos en estas imágenes.

A young Brooklyn family going for a Sunday

outing, N.Y.C.,

1966

Puerto rican woman with

beauty mark, NYC. (1965)

Pareja adolescente en N.Y.

El circo

El patriota, 1965

Estudio para niño sosteniendo

una granada de juguete

Niño sosteniendo una granada de juguete, 1964

Hombre joven en rulos, 1966

Gemelas idénticas 30 años después

Gemelas idénticas

Untitled (6),

1970-71

[Amberes 1950]

Estudia derecho, luego artes visuales en Bruselas, comienza con pinturas monocromáticas [arte conceptual y minimal], textiles de gran formato. Videos e instalaciones de video [1979].

Perdió a su madre y buena parte de su familia en los campos de exterminio del tercer Reich, escogió el eros y el tánatos, el amor y la violencia, la seducción y la aniquilación como leimotiv de su obra artística.

Su arte es una expresión de una visión social, introduciendo acontecimientos de actualidad histórica o política sin ningún comentario explicativo, busca lo general en lo particular y así hurga en la esencia de la existencia humana.

Organiza sus trabajos con una disposición teatral, multimedial, visual y acústica para crear una obra de arte absoluta que a la vez seduce y secuestra, amenaza y apacigua al espectador.

Las lágrimas de aceroVideo -inatalación

1987

Saber, retener y arreglar lo que es sublime

1989

19 fotografías monocromáticas

Jerome Sans

2001

Babylon Babies, 2002

Las flores del mal2002

Jerome Sans2001

Margarita congelada, 2003

[New Jersey 1945]

Su formación inicial como diseñadora se ha visto reflejada en su obra plástica en la cual utiliza generalmente grandes vallas publicitarias y afiches dispuestos en infinidad de lugares como estaciones de metro, paraderos de buses, grandes avenidas, etc., en diversas ciudades del mundo.

La temática de su trabajo esta relacionada con el feminismo, el consumismo, la autonomía y el deseo, los cuales trata apoyándose en gran medida en el texto, dirigiendo el mismo directamente hacia el observador y al mundo en su más amplio sentido. Sirviéndose de los pronombres “tu”, “yo” o “nosotras”, la artista consigue que sus obras aborden al espectador de una forma personal e impersonal: una especie de parodia del doble intento de las agencias de publicidad de dirigirse solamente al individuo y de explotar su deseo de formar parte de un contexto más amplio.

SexhibitionInstalación

Dimensiones variablesMary Boon Gallery

1991

La construcción de las identidades es denunciada por B. Kruger también desde una crítica al consumismo. El consumo lo concibe como garantía del poder masculino,

A partir de 1984 confronta esta idea desde fuera y desde dentro: no sólo ha ironizado sobre ese poder con obras como "Buy me, I´ll change your life" o "I shop, therefore I am" manipulando las reglas de la publicidad, sino que ella misma se ha introducido en el sistema diseñando posters, bolsas, camisetas... explosionando el sistema desde su

misma raíz.

Your body is a battleground", diseñado para apoyar el derecho al aborto, conjuga esa preocupación por la construcción de la identidad femenina con la temática que dominará su obra en los años siguientes. Por un lado denuncia la búsqueda de la mujer de "ser completa" tal y como la mentalidad patriarcal lo impone, por otro reclama el derecho de la mujer sobre su propio cuerpo, un cuerpo real y vivido. Su obra de los últimos años adquirirá alusiones a los demás sentidos, buscando la relación con cuerpos concretos.

Sin título2001

TwelveVideo Instalación NY, 2004

Barbara Kruger es especialmente activa en el ámbito del género. A finales de los años ´70 se asoció con un grupo de artistas donde figuraban Cindy Sherman, Sherrie Levine o Richard Prince entre otros, ocupados en la influencia de los signos en la sociedad, haciendo especial énfasis en las imágenes de la mujer.

[Washington D.C. 1956]

Se mudó junto a su familia a Boston. A a los 14 años su hermana Barbara Holly Goldin se suicidó. A partir de este evento se produjo un quiebre familiar, y ella encontró refugio en sus amigos, creando una familia alternativa.Para ella la cámara forma parte de su cuerpo; es como una extensión, como comer o tener sexo. El instante de fotografiar, en vez de crear distancia, es un momento de claridad y conexión emocional: ” A veces no sé como sentirme con respecto a una persona hasta que le tomo una fotografía...”, escribe.

Sus fotos son el fruto de las relaciones humanas, no de la observación. Ella desea crear en este diario una forma de memoria: cada foto es una historia y la acumulación de ellas se acerca a la experiencia de la memoria, una historia sin final.

Es fotografiar la vida durante la vida, rescribir la historia desde la imagen, repensar el sexo y las identidades de género re-cuestionándolas y expandiéndolas. Es tratar de re-construir una memoria y una fragmentaria identidad.Sus fotos de mucho color -diapositivas, cibacrome- poseen la sensualidad de la pintura y la vida cotidiana, están hechas cámara en mano, en movimiento, al ritmo de la vida, con luz ambiente o flashes que envuelven y penetran sensualmente los cuerpos y las situaciones. Esta forma y punto de vista en primera persona ha marcado a toda una generación en su forma de fotografiar, como a su vez la publicidad y los medios masivos han imitado su estilo. La fuerza de esta artista reside también en poder, a partir de preguntas particulares -y la creación de una forma personal de visualizarlas- trabajar temas universales como el amor y sus desenlaces.

En el libro ”Balada para la dependencia sexual”, Nan Goldin, Ed. Aperture. abre la posibilidad de re -construirse como sujeto; en este diario aparecen sus puntos de máxima intimidad: el amor, el sexo, la tristeza, la violencia, sus hombres, su hombre, sus amantes, las fiestas, sus amigos, los niños, los miedos, sus padres, infinitos campos emocionales que la cámara puede construir

Pero lo revolucionario de ella no es la esperada mirada documental donde la distancia en tercera persona haría de un enfermo, amigo o travesti, un sujeto de observación de laboratorio; sus imágenes tienen el punto de vista de aquel que esta allí, in situ, implicado emotivamente. Aquel donde en la intimidad el otro se entrega a la cámara porque no hay distancia afectiva.

En la playa y en la casa, Boston 1973

Mi autorretrato en azul

Nan, un mes después de la batalla, 1984

Suzanne y Fillipe en el tren, 1985

El amor puede convertirse en una adicción como la heroína y el chocolate...Toda la obra de Nan Goldin ha transitado por puntos extremos estetizando líricamente situaciones muy dramáticas, como “The Cookie Portfolio”, donde acompañó a su amiga enferma de sida hasta el final de su tratamiento.

Jimmi Paulette, después de la parada, 1991

Piotr es un rey, 1995

Picnic en la playa, 1985

[New Jersey, 1954]

En 1977 se traslada a Nueva York, donde rueda sus primeras secuencias de cine, a las que no pone título. En 1980 realiza fotografías en color con proyecciones en el reverso de la pantalla. Realiza diversas exposiciones. En 1983 recibe la beca Guggenheim. La mayoría de las fotografías de Cindy Sherman son fotografías de sí misma, transformadas e integradas en estilos e imágenes típicas de los medios de comunicación.

Al interior de su obra encontramos en lo que respecta al cuestionamiento de la identidad femenina, una de las preocupaciones teóricas más importantes, o la más principal, si bien con los años su trabajo se ha ido decantando por un proceso más general, abierto, de la puesta en crisis del sujeto representado, más allá del género, tanto que incluso en obras posteriores lo que desaparece es la figura misma, fragmentada, cuando no directamente sepultada e invisible, por un mar de detritus y abyección,

Film sin título, 1978

Sin titulo, 1984

…Se podría argumentar que todo el discurso iconográfico de Sherman, especialmente en sus obras donde se autoinmola, por así decirlo, en la teatralidad barroca de sus autorretratos, es un inmenso campo de pruebas donde el yo real prueba infinitas tentativas de autoconocimiento.

Sin título, 1988

Sin título 145

Rafael y Caravaggio (Cindy Sherman)

Clowns, 2000

Bibliografía recomendada:

Durand, Régis. El tiempo de la imagen. Ed. Universidad de Salamanca. 1998

Flusser, Vilém. Hacia una filosofía de la fotografía. Ed. Trillas. México, D.F. 1990.

Sontag, Susan. Sobre la fotografía. Ed. Alfaguara. España, 2005

Gubern, Roman. Patologías de la imagen. Ed. Anagrama. España, 2000

Southall, Thomas. Magazine work. Aperture fundations. E.U, 1984

Cruz, Amada y otros. Cindy Sherman, Retrospective. Thames and Hudson. E.U, 1997

Diana Trespalacios Y. Docente U de A. 2007

http://www.fotonostra.com/biografias/margaretcameron.htm

http://barcelona.photobloggers.org/2006/02/20/julia-margaret-cameron/

Grosenik, Uta. Mujeres artistas de los siglos XX y XXI. Ed. Taschen. España, 2003

http://www.centrepompidou.fr/expositions/nangoldin/

www.tate.org.uk/servlet/ArtistWorks?cgroupid=999999961&artistid=2649

www.marie-jo-lafontaine.com/index.php?cat=20&catSelection=45

www.cindysherman.com/

www.artcyclopedia.com/artists/sherman_cindy.html

www.barbarakruger.com/

www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm