Mendoza, marzo de 2010

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Este trabajo aborda una discusión sobre algunas cualidades de los medios de comunicación, las tecnologías y las artes visuales a partir de vinculaciones generadas por distintos documentos que provienen de dos artistas visuales contemporáneos: Mariela Leal y Héctor Romero. Sus palabras, sus textos, sus obras y los textos que otros construyeron sobre ellos se han transformado en algo así como personajes participantes de una conversación mantenida con la autora del presente texto que posibilita poner al descubierto préstamos y obstrucciones de los medios y las tecnologías visibles en el mundo del arte actual.

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Es posible reflexionar acerca de cómo tecnologías y medios de comunicación en algunos artistas, se relacionan a través de su proyecto artístico permitiendo referenciar experiencias globales que asumen un modo, una opción, una manera ética, una forma de habitar ese mundo. En definitiva una axiomática de sus relaciones como alternativa a las dicotomías políticas/ estéticas planteadas en no pocas teorías actuales que refieren a los debates iniciados a partir de los años 70”.

Una primera aproximación parte de la intuición que dice: Lo significativo no es hacer un arte que modifique las reglas, esto no seria más que invertir las cosas, sino la manera en que se lo hace. Cabe por ello remitir a las cuestiones primeras que sustentan tal tipo de interrogaciones. -la cuestión del arte como proyecto: El proyecto artístico es el nudo semántico de las obras contemporáneas y como tal tiene la capacidad de formular las relaciones de interacción entre producción y circulación, en este sentido ficciona los discursos de lo vivido, transforma los medios y las tecnologías y es la base necesaria del objeto artístico. El proyecto, en una de sus dimensiones, informa sobre

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datos pero maneja su acontecer, su duración y le impone sus propios acentos. Sus estrategias son estrategias de clausura de sentido común. El proyecto artístico parte de la certeza psicoanalítica de que es en la visualización del trauma como opera el cambio, no en el decir explicado del discurso. Por ello describir en él, implica un giro desde y para la propia apariencia. Es exponer, presentar, sacar hacia al espectador lo que ve el artista, para que aquél interprete y otorgue sentido. “Hace relación a un concepto que indica cómo las obras se transforman en elementos determinados que permiten dialogar espacios mentales de individuos singulares, espacios mentales entendidos como la influencia de la historia personal de cada uno en el medio mendocino, en el medio virtual de los hombres

del mundo entero y en el medio de la indeterminación que nos rodea.” (FORCADA/07)

-la cuestión de los rendimientos de medios de comunicación y tecnologías:

Los medios de comunicación y la tecnología imprimen en el sujeto huellas que colisionan los sentidos poniendo en crisis su identidad y redimensionando sus paradigmas existenciales. Para analizar tal estado de situación es necesario bucear sobre lo diferenciado que ellos asumen, es decir sobre la materia de tales rendimientos.

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De tal modo que Espacio y tiempo son variables de una situación. Como tales se nos presentan como conceptos diferentes, el primero ligado a la situación en se encuentra un objeto y el segundo al lapso que transcurre mientras éste es percibido. Sin embargo ¿es posible pensar que en realidad éstas instancias no sean antagónicas sino inclusivas?¿Qué se pueda pensar la posibilidad de redefinir sus cualidades conjuntamente pensándolos a partir de la lógica de una situación concreta? Se podría decir que el tráfico está ligado a la duración y la producción esta ligada al espacio, porque se contextualiza en un tiempo histórico de los posibles, que es un lugar, una situación concreta. El sentido seria en este caso lo que

redefiniría la función de los medios y la tecnología. En las nuevas condiciones que se establecen, el desarrollo tecnológico afecta especialmente los modos de producción de los artistas. Al respecto Asunción L. Salmerón nos dice: “la tecnología modifica los comportamientos sociales, altera los valores morales e ideológicos de los individuos, amplia los límites del conocimiento y con ello la cultura, etc. Todo ello incidirá de manera decisiva en los valores conceptuales del arte”. Las influencias de las innovaciones producidas por las tecnologías afectaron no solamente los modos sino los medios como se producen los bienes materiales. Afectaron también la materialidad de la obra de arte. Las tecnologías están en estrecha relación con los artistas y sus

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posibilidades de accesibilidad, con el público y su recepción y con los promotores artísticos y sus intenciones. “En Europa, los préstamos tomados de estas nuevas formas de producir a partir de las experiencias de los artistas han consolidado las consecuencias productivas promoviendo la configuración de una estética nueva en la sociedad, la estética posmoderna, que en nuestro caso, Latinoamérica, es más compleja si consideramos la convivencia con valores estéticos ligados a otros paradigmas, como la reinterpretación de lo simbólico, lo popular y lo social si tenemos en cuenta las diferentes geografías en que se valida lo estético así como su alianza con aspectos económicos”.

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El texto es también un estudio de casos que parte de algunos supuestos a priori establecidos como ejes de lectura organizadores de los documentos analizados. Ellos apelan a: - considerar las potencialidades básicas de la transmisión de datos, el tráfico, como lo propio de los medios de comunicación; - considerar las potencialidades de la producción de materiales, la capacidad de concretarse en objetos, de producir

diferenciadamente como lo propio de la tecnología. - Considerar la posibilidad de plantear el sentido entendido como límite entre realidad y ficción, como lo propio del arte. Y funcionan como excusas para una interpelación abierta acerca de nuestros haceres y acerca de las funciones que ellos van adquiriendo en el mundo en que nos movemos. En este sentido es importante la definición de la construcción del conocimiento que se pretende abordar, este no pretende verdades seguras, y estables sino que la relatividad misma de sus definiciones tiene que ver con una forma de imaginar el presente desde otras perspectivas. Tener la capacidad de no decir verdades es tener la capacidad de reflexionar sobre el

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instante y el momento con la carga de valor que la historia le da en un momento determinado. Si la lectura es direccionada por el autor en el forzamiento de la interpretación, es también susceptible de ser redireccionada por sus interlocutores: artistas, críticos referenciados en los textos y futuros lectores. Estableciendo un dialogo abierto donde las imágenes de obras juegan un doble papel: situar la referencia inmediata (ser un personaje mudo testigo de la inmediatez de las expresiones) y a la vez introducir un interlocutor más que maneja otro lenguaje ( desde la norma especifica de las artes dedicadas a la visualidad,) y que también interviene en la conversación.

El estilo de la presentación alude a la posibilidad de no cerrar todas las interpretaciones y rinde un homenaje al texto de Barthes, “Fragmentos de un discurso amoroso”. De tal manera que los recortes de los textos obedecen a este encuadre y tienen que ver con como resonaban en mí, como interlocutor guía, los párrafos según la instancia de organización que depara el esquema de trabajo ya mencionado. De allí que las tres partes que integran el desarrollo están articuladas a partir de conceptos que guían la lectura de los fragmentos seleccionados que a la vez remiten a los datos de su origen primario aquel para el cual fueron creados. Cabe mencionar también que parte del material con que se aborda el trabajo lo integra una

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entrevista realizada a los artistas objeto del estudio donde se planteaban las siguientes premisas para ser debatidas: -de como las tecnologías influyen en el arte desde una perspectiva superficial estética. -de como los medios de comunicación asoman sus imaginarios y son resemantizados por el arte. -de como los medios de comunicación influyen en una forma de aprehender la cotidianeidad. -de como las tecnologías aceleran procesos de semiosis no del todo digeridos simbólicamente. -de como el arte se apropia de estas tecnologías para plantear visiones criticas o desalentadoras de la realidad.

- de como el propio concepto de arte cambia a través de la tecnología desde sus fijezas occidentales y aun cultas contemporáneas. -de como el arte mismo debe replantear su función estética y política desde la perspectiva de los medios masivos de comunicación. -de como la comunicación artística necesita originar nuevas finalidades para proponer sus sentidos. -de como el arte se populariza en el espectáculo mediático y esto produce un rendimiento. -de como la necesidad de interacción, e intertextualidad es imperante en el espectador actual de artes visuales. - de cómo intervine tecnología y medios de comunicación en la obra personal.

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Medios de comunicación=duración

El problema específico que abordan los medios de comunicación es el tráfico de información. Ahora

bien, una cualidad de ese tráfico que aparece como significativa es el concepto de duración: el tráfico de

datos se produce a través del manejo del tiempo, esto es lo que los medios de comunicación han

tomado como asunto clave para extender su éxito en el actual sistema global.

La duración, así entendida, “como una manera de proceder en el tiempo con los datos” influye también

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en los problemas del arte contemporáneo a través de los supuestos que los artistas abordan y por ende

aparece comprendida en los objetos que éstos elaboran. También nos interroga sobre los

cambiantes modos de circulación de las obras.

-En términos de tiempo una propiedad de los datos en los medios es que son volátiles y su eficacia anida en la rapidez con que son mostrados y consumidos. Esta propiedad es utilizada por muchos dispositivos del arte actual, pero al menos esta atravesada por dos variables que aparecen como claves: -poner límite a esa información en términos de detenimiento. Poder plantear el cese de la rapidez con que se consumen los datos.

-asumir que todavía las formas de vida cotidiana imprimen un rol primario a las acciones del hombre, antes que los medios. Esto implica también, asumir que en ese poner límite utilizando la cotidianeidad, muchas veces las apropiaciones se vuelven crípticas. “pero eso es una apropiación corrupta, porque los medios masivos de comunicación viven planteando su función, al ser la noticia pobre o corta, necesitan replantear y refundar idearios …”(Romero/08) La propia esencia de los medios de comunicación es volátil, y debe ser volátil para tener el poder de retener la atención de aquellos a quienes está dirigida. Porque esos

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datos son solo elementos puestos en un escenario, sin ninguna mediación. Sin más, son irrelevantes, la rapidez en su cambio es lo que opera como atrayente. La cantidad- las propuestas son corruptas si operan desde este mismo tipo de dispositivo. No alteran la duración en términos que puedan cuestionar el poder de los medios (positiva o negativamente). “La relación es difícil porque el artista tiene que competir con un montón de imágenes que ya están en la cabeza de la gente, hay que ser muy hábil para mostrar el límite entre lo que es publicidad y lo que es artístico. Una fotografía de Benetton compite perfectamente con una fotografía de un artista, que diferencia hay ahí?, el limite es muy sutil.(Leal/08)

Relación entre límite y duración- en este caso los datos son tomados como algo que permanece a través de los medios, le dan un carácter de perpetuidad, que parece necesario romper, o marcar detener a través de un “acto”/estrategia que los ubique en otro plano con metas diferentes a la de los medios masivos. “pero la gente se da cuenta cuando la realidad del clima les empezó a pasar por encima, pero la conciencia de la gente no cambió. La incidencia que tiene un artista visual es ínfima, la música puede moldear conciencia, pero no las artes visuales, porque tienen difusión masiva, porque los adolescentes se identifican se apropian de temas, pero no hay

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adolescentes que vayan con la camiseta de Picasso”(Romero/08) Dos temas: la massividad, la cantidad de público a la que se dirige, por lo tanto la posibilidad de volver conocido por todos, de compartir comunalmente los datos y por otro lado la forma como seducen al espectador. Una ligada a una especie de difusión, de educación en el sentido de volver pública la información. Aquí el papel de la duración es de tener presente que esa difusión viene con el tiempo (y el desarrollo tecnológico) pero para que la problemática quede instalada. La otra es el valor poco redituable de la forma visual,( …) ligada a la gratificación individual no siempre compartida comunitariamente. Accedemos entonces al plano de la circulación/consumo de los bienes, las artes

visuales tienen una circulación/consumo reducida que atenta contra su estabilidad en el sistema en términos de contradicción con los intereses del mismo. ¿Qué pasa con la mercancía de la visualidad? en este caso,¿podríamos preguntarnos por la importancia de la no duración? En otras palabras: la potencia del acceso negado a lo comunitario, la potencia de la experiencia única e irrepetible. En este sentido el arte ¿no ha atentado contra sí mismo en los últimos años?, como revertir un proceso de libertad que comunalizó sus propuestas pero a la vez las sacó de su propio metiere disciplinar? “Supone siempre la turbación perversa que despierta el objeto cuando responde y esquiva

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la demanda del deseo. Se enreda con otros discursos, visuales, escritos o sonoros, que complican y posponen su trámites.”(Escobar/…) Esta ida y vuelta pone al descubierto la imposibilidad de una descripción compartida pura, de una explicación concreta que allane “todas” las respuestas que esperamos de esos objetos. -El acceso a la información que los medios han posibilitado ha demostrado tener eficacia en la democratización del conocimiento, tanto en lo que refiere a la posibilidad de adquirir datos, como al desarrollo de estrategias eficaces para las distintas formas de procesarlos. Así como la

propiedad de generar múltiples dispositivos de circulación de esos datos. Ello implica también el asumir que los medios, han reintroducido nuevos sentidos comunitarios (perdidos desde la óptica del permanente aislamiento que plantean los teóricos del sujeto posmoderno). Así como también que el arte ha aprovechado esta capacidad de poner la información sobre el mundo y de generar modos diversos y cambiantes de difusión de los datos a su favor. El acceso/utilización de los materiales que estos medios proporcionan debe ser tenido en cuenta a partir de Las condiciones económicas tanto para trabajar la capacidad de transmutación de los medios y de generación

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de materiales de comunicación de bajo costo/ tiempo artístico; como para analizar los rendimientos que surgen de la necesaria disposición a crear dispositivos originales. (Capacidad de generarlos) “Si, a medida que vas viendo más, es más eficaz, es un proceso que necesita de un tiempo para que el público aprenda el lenguaje. Lo que pasa es que esos trabajos a medida que van ingresado a Internet han tenido una difusión mas masiva, porque los otros, necesitan de demasiada infraestructura cara para realizarlos.”(Leal/08) Variable del acceso a los medios y a la vez beneficios de la virtualidad en términos de poco rendimiento económico (relativo a quienes

tienen acceso y a la vez a su acceso masivo) Condiciones que impulsan variantes en el medio local, que definen tipos de trabajo y que desde su aparente impotencia impulsan un tipo de trabajo nuevo, un ejercicio que de alguna manera habilita un respiradero de las formas instituidas para el arte. El rebusque origina cosas porque su lógica es la contraria a la del mercado. (extender esta reflexión ¿porque es contraria?) No avanza a partir del uso de lo mejor/lo ultimo sino de lo que se tiene, ello implica un doble ejercicio de reflexión, acerca de lo conveniente y acerca de cómo volver posible lo imposible de lo que se tiene) La trasmisión de datos, en términos de duración en estas variables, de acontecer, es reaseguro de pertenencia y dispositivo al exterior de otras posibilidades del acontecer. Alternativa en

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estos trabajos de una eficacia antisistémica en tanto opción que es resultado de lo que no abunda, de lo propio del condicionante. “Tendríamos los artistas que no solamente buscar lugares expositivos específicos museables para eso, sino buscar otros mecanismos de difusión masivos que ya estén armados. La mirada se acostumbra, el público educa su ojo a ese tipo de expresión”. (Leal/08) Como utilizar lo que ya existe, la duración es en términos de eficacia de tiempo y de medios que son originalmente pensados para otra cosa. “Y sí, se ve en los encuadres, en los montajes de los artistas, porque ellos trabajan con lo que te rodea, no entiendo porque uno tendría que

separarse de eso si realmente forma parte de nuestra realidad, por eso es mas difícil para el que es realmente consciente de eso. Ponerse en contra de ello, no me parece, hay que aprovecharlo pero si hacer la diferencia. Aparte los medios de comunicación no solamente te llenan de publicidad sino de problemáticas de países, eso influyen en las propuestas de los artistas y sabemos que de eso la mitad es mentira, y el artista lo sabe, pero no podes abstraerte de eso porque es lo que hay.” (Leal/08) Aceptar las formas como cambian las presentaciones de los imaginarios o rechazarlos de plano. Se trata efectivamente de tener una posición que implique la reflexión sobre las positividades de uno y otro caso. Las

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elecciones no son de uno en contra de otro, sino del que conviene. Otra vez la duración, el transcurrir, el tiempo en que se maneja la información, es la variante que implicaría un cambio en la posición y por lo tanto en la manera de llegar al objetivo. “la vida diaria la aprehendes por la vida, podes hacerte preguntas, tener mayor cantidad de información, mayor cantidad de datos, en el hombre común, la realidad puede ser aprehendida por un medio de comunicación, pero el artista o el mas reflexivo recoge datos y arma sus propia visión de la realidad. Pero lo cotidiano se aprende viviendo, en tu relación permanente con el mundo. Cada uno tiene su cotidianeidad sería imposible que un medio de comunicación te ayude a

aprender eso, cada pueblo, cada ciudad, cada casa tienen su realidad circundante, y esa no la trasmiten por TV, que haya gente que crea que la vida es la de los medios de comunicación es otra cosa, pero el laburante común, solo absorbe información” (Romero/08) Pero parece que también hay una contra- fuerza que se impone a la perpetuidad que es la de la realidad inmediata, que debe ser tenida en cuenta. Esta estrategia es utilizada por muchos artistas , para contraponer a la fuerza de lo masivo, en cuanto a digerir información. Pero se vuelve en contra porque su limite es críptico pertenece solo al ámbito de la reflexión de las artes, a veces, a veces no, su limite es redituable, pero depende de cómo este educado quien mira(espectador) la duración

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juega un papel crucial desde este punto de vista. El uso eficaz de ese transcurrir puede ser la variable que altere ese estado de situación. “Por eso te planteaba que era interesante la gente que se dedica a hacer obras a partir de las nuevas tecnologías, si querés seguir en esa línea hay que ponerse a estudiar, leer e investigar sobre ese tema porque es verdad que los medios toman de los artistas y muchas veces perjudican el arte porque lo masifican y lo transforman en la gran idea publicitaria. Por otro lado es probable que muchos artistas trabajen en medios publicitarios y por subsistencia ponen las ideas en la mesa de publicidad y la obra es un mensaje con sentido publicitario. “(Leal/08)

Los pactos entre medios y artistas no se descartan, todo suma, siempre y cuando cada uno conserve la eficacia en sus acciones que le permitan no olvidar su meta. O estamos ante una meta nueva, una nueva función para el arte y los medios? como sería? Existe la posibilidad de superar la alineación de uno y otro campo? Es necesario superarla? En este sentido estaría bueno pensar que El solo transcurrir, es el motor de la posibilidad de conocer, no la negación de ese transcurrir por haber elegido un objetivo distinto. Duración es sinónimo aquí de tener la capacidad de pasar, para poder traspasar una realidad. “También es distinta la realidad en Latinoamérica que en otros lados. Porque yo vi varios con camiseta de Picasso allá. La

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muestra de pensamiento lateral era re- entretenido lo que demuestra que a la gente le interesa.” (Leal/08) Cuando la estrategia esta bien planteada funciona, mas allá de la educación del publico. En esta variable, no es la educación la que cambia la posición del evento, sino la potencia del evento, el carácter propio del mismo, del acontecimiento que reúne ingredientes: alternativa, diversión, reflexión, transito de una cosa a otra. “Si pero muchas veces si lo repetís, ya deja de ser entretenido (por la muestra de pensamiento”(Romero/08)

Tener en cuenta el fenómeno novedad, pero ello no implica que esta pueda surgir a partir de la vivencia, no de la repetición de una formula. Confiar en la sobreabundancia de sentidos de la obra. Duración no siempre es en términos de la necesaria interrupción de todo acto repetitivo, sino desde la eficacia de los ingredientes del acontecer, del durar: entretener, meterse en el sujeto, ser parte de él. -La duración ( en términos de cómo viajan los datos y la manera en que lo hacen, así como lo que provocan) es parte consustancial a la obra (entendida como mero objeto), la trasforma y la vuelve otra cosa, una cosa nueva, que es posible de significar todo tipo de relaciones del hombre con el mundo actual .

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-El tiempo se retroalimenta entre fantasía individual e imaginario público, esto es: no es presentado desde una perspectiva lineal. “En cuanto remiten a juguetes, los peluches levantan una escena familiar sosegada por infantiles ternuras. Pero toda alteración en ese mundo construido, y como tal, contingente, disloca los sentidos y cambia el signo de lo expuesto. Lo más cercano resulta propicio a convertirse en principio de lo más extraño. Una otredad que, en cuanto está próxima y no se muestra, actúa como el paradigma de la amenaza. Es lo siniestro, lo Unheimliche freudiano, lo cercano-ajeno que se muestra más inminente en cuanto no logra ser localizado e identificado. Es la advertencia de un peligro sin lugar y sin nombre, diferido

siempre en su presencia imposible: sin tiempo.”(Ticio Escobar/ texto Catálogo sobre obra de Leal) La estrategia de estos peluches esta ligada al tratamiento de la información que se presenta en términos de un transcurrir, como sin tiempo, estrategia que se asienta en el fenómeno de la pulsión: el estar siempre en el mismo lugar y ese estar ser el meollo del asunto, para de esta manera hacer presente eso que no está. Estrategia: mostrar la antitesis de la duración: alterar los objetos de manera que simulen una atemporalidad, llevada adelante a través del corte. -El transcurrir es tomado como instancia de permanente movimiento, pero que se focaliza

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en esa permanencia y esto brinda una suerte de rendimiento: el traer una presencia concreta de lo intemporal -la recepción entonces funciona primariamente a partir de la fantasía del espectador y da cuenta también de la imposibilidad de allanar la pluralidad de sentidos en un solo- “Esa dimensión de espectralidad – lo siniestro transcurre siempre en un espacio fantasmático– impide que la obra se cierre en pos de un sentido solo. Enseguida los muñecos, aumentados desproporcionadamente en sus escalas y, mutilados en sus cuerpos blandos (vueltos partes, desechos de sí), precipitan y disparan cuestiones dispares.

Vinculados con los textos que la acompañan, la instalación provoca interrupciones y cortocircuitos varios.” (T. Escobar/ texto Catálogo sobre obra de Leal)) Al ubicar los objetos en un limbo sin espacio y sin tiempo, son transformados en su decir y aparecen ya no como peluches sino como fantasías del espectador “es la propuesta de Héctor Romero, recurrir a la memoria y el recuerdo de cada espectador para comprometerse con la obra, presentando lo cotidiano fuera del contexto lógico, como una forma de preguntarnos acerca del sentido que puedan alcanzar fuera de su ubicación

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cotidiana.”(Forcada/Texto catálogo sobre obra de Romero) El concepto de duración, de transcurrir pero fuera del rumbo normal de la vida cotidiana, fuera quiere decir en otro tiempo, en uno que no pertenece al ámbito de lo sabido, sino al de lo desconocido -Lo intemporal alude ese aspecto negativo de la duración entendida como momento de tránsito de datos: alude a los que no transitan, los que no acontecen -la duración en tanto percepción del tiempo en relación a identificaciones cotidianas, es anulada.

-esto origina un suceso -También invierte le situación de lectura: no soy yo sino es el objeto el que interroga. “pero también, nombra el extravío, el laberinto y el obstáculo: figuras clave de la memoria. De una memoria que intenta reconstruir el itinerario (perdido) de la infancia –admitir los melancólicos desvíos que exige la falta– para poder indicar, fugaz, confusamente, algún breve lugar sustraído a la amenaza.” (T. Escobar/ texto Catálogo sobre obra de Leal) El tráfico desde su negatividad alude a lo que ha dejado de transitar, en este caso la infancia.

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“Aunque a Leal también le interesa la impresión ante la realidad fundada con sus peluches, éstos no son un remedo literal de los existentes en el mercado, y la intención de la artista va más allá de la apariencia formal de los objetos o del propósito de convertirlos en protagonistas de una novela. Su montaje construye un equivalente del mundo, no una copia; discurre, por así decirlo, en paralelo con la realidad a la que se refiere. Una realidad donde todas las cosas son mudables, incompletas e imperfectas. Analizando así la propuesta, podríamos decir que Mariela Leal enajena objetos infantiles que retornan del pasado, pero reconstruyéndolos uno a uno, todos ellos distorsionados en escala y con un toque melancólico, anómalo y misterioso.(..)

En concreto, la concepción de que los peluches, en conjunto y como juguetesfetiche, encierran sutiles conexiones entre sentimientos de represión y sublimación, normalidad aparente, vouyerismo y el denominado “otro”. No por ello Leal pretende una simple utilización de objetos usados como símbolos de complejas contradicciones de la realidad, sino más bien le interesa hacernos ver lo real a través de un nuevo objeto figurado/desfigurado y de las evocaciones que originan sus mutaciones. Toda su propuesta se constituye a la manera de un espacio desde el cual mirar, y como metáfora de esta idea están los “evidentes” ojos celestes.( Martínez Gueyraud/ texto Catálogo sobre obra de Leal))

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El tráfico de información, en términos de duración, de transcurrir, vuelve a aparecer desde la forma opuesta a su positividad. El hacer objetos equivalentes al mundo, no copias, no modelos de un dato, sino datos nuevos. En tanto copias los modelos transcurren, se vuelven a definir, en tanto matrices inician un proceso, no transcurre en un lapso, originan un suceso. “ Y si algo se percibe en ese nuevo espacio de contemplación, creado por nuestra artista, es la fragmentariedad, la persistencia del fragmento dentro del objeto y el carácter alienante que el objeto adquiere en relación con el mundo que “mira”.( Martínez Gueyraud/ texto Catálogo sobre obra de Leal)

Cuando advierto que es una parte la que mira cambia la perspectiva desde mi todo mirado, en este sentido la duración, el transcurrir de los datos es alterado desde la posición del lector, es una variable que cambia la situación básica del arte: objeto/espectador, dada por el solo hecho de que la obra también puede tener un rasgo animable. Tratado en términos de que los objetos, son los que miran, de cómo me miran , de que miran, como si el otro mirara y yo descubriera que esta haciéndolo. -la apropiación de datos descuartizados focaliza la atención en la parte, nos arranca de la sensación de inmanencia de totalidad del acontecimiento para instalar la parte, lo singular.

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“Mariela Leal nos propone, con esta instalación, un territorio de reflexión sobre la inmediación de lo real a partir de un objeto sonado: el oso de peluche, pero como factor de relectura y transformación. Un enclave en el que la verdadera “grandeza” estaría en los detalles/fragmentos inexplorados y desapercibidos. Y en ese experimento, toda la instalación, con los objetos desmedidos, transformados y fotografiados, nos induce repetidamente al extrañamiento y a la perturbación, ambos esenciales para repensar la contigüidad en la realidad y revelar aspectos tan sutiles y evanescentes, que suelen resultar invisible a la mirada ordinaria.”(Alban Martínez Gueyraud/ texto Catálogo sobre obra de Leal)

Estrategia de la duración en términos de acercar los detalles, alejar del todo que siempre impone, el hecho del transcurrir, otra vez desde la negatividad del concepto. -la duración es en sí misma el acontecer y el acontecimiento -en ese transcurrir elastiza el tiempo, dilata y acelera las sensaciones de un modo diferente al de los medios masivos -y se transforma en nuevo objeto para el espectador - y tiene las siguientes modalidades: capacidad de pasar para traspasar capacidad de potenciar el acceso a una experiencia significativa individual

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características: alternativa, diversión, transito de una cosa a otra, meterse en el sujeto ser parte de él. En este sentido El arte utiliza a su favor la capacidad de transmutación de los medios y de generación de materiales de comunicación- “El término “comunicación” en el habla cotidiana se refiere por lo general a ese intercambio, de estrecho saldo, entre dos individuos por medio del lenguaje verbal según la archiconocida ecuación emisor-mensaje-receptor que en este caso ha sido trastocada por el intercambio a través de lo sonoro entre el sujeto y el medio que lo interroga en la sala materializado en un aplauso.”(Leal/08)

La duración de lo sonoro, en el sentido de acontecer, es trastocada porque es ella misma es reificada, en el transcurrir del aplauso. El asunto es lo que dura el aplauso, el tiempo que transcurre es lo que da el primer efecto de sentido a la sensación de ser aplaudido, no la sensación misma. En este caso el medio es clave para tratar la información, se apunta como meta final, se centra en ello la eficacia de la estrategia. “Se trata de incorporar la idea de que las partes del cuerpo pueden ser motivo de reflexión, la parte como alusión al todo, buscando que el individuo se olvide de su totalidad, asuma roles separados, uno independiente de otro, como sucede en la realidad. Tomar conciencia de que

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en una situación somos profesionales, o parte de una familia, o nos encontramos con nuestra propia soledad. Esta existencia fraccionada, es la que se intenta poner en evidencia, cuando intentamos descubrir el contenido de sus obras.(leal) Estrategia analítica deductiva, el trafico de data implica una operación que descuartiza las lecturas de la realidad, y en se transcurrir, dilata y acelera las potencialidades de las partes, También se apela a la visión de un mundo banalizado por la belleza y la imposición de lo agradable a través de cánones externos, así, la aparente necesidad de dar sentido sólo a lo que está institucionalizado como bello, se contrasta con la presentación de lo cotidiano, lo

que no es atractivo porque pasa desapercibido en lo común y porque no lleva el sello de diferente. Lo diferente en este planteo artístico, es hacer de lo común, el centro de reflexión. Así cada parte del cuerpo tiene un significado social distinto, la estabilización de los rasgos, las distancias que marcan las miradas, constituyen un elemento semántico que podría cambiar de significado al aislarlo. Ser conscientes de la verdadera dimensión de nuestro cuerpo, su sentido como parte de nuestra realidad, la actitud que asumen en cada gesto,(como señalar, realizar un gesto, etc.) es parte de su propuesta. Un discurso de la infinitud de la imagen sobre la limitación de la palabra.(Forcada/ Texto catalogo sobre obra de Romero)

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En el tratamiento de la información lo que se altera es lo que se da como verdad en el mundo de los medios, la duración implica entonces un detenerse en el tiempo, un hacer una pausa, un poner entre paréntesis nuestra percepción de la realidad el artista tendría que pensar que función social espera la sociedad de él, . a ver cuando una persona va al teatro, ve una ficción, se relaja y disfruta de un momento de ficción, cuando va a un espectáculo musical, siente un momento... ahora cuando se para frente a una obra, que espera una persona? (Romero/08) Perversidad de la situación del arte en el sistema. Porque pensar esto y no que espera el

de la sociedad- el no como artista, sino hombre- vale la pena invertir para ponerse a pensar que esperan los demás de él? Y si decimos: Que le propone el artista al sistema? Mas de lo mismo? Ojo, pensar en hasta donde nos encarrilamos en la lógica del sistema y no descarrilamos como es esperable de nosotros. Acontecer es entonces trabajar en la oquedad y no a partir del vacío que provoca todo lleno. Además, una obra necesita de un momento de contemplación, pero la gente no cuenta con esos momentos, a partir de allí uno puede llegar a replantear ese algo, pero sino sabes lo que espera la sociedad dentro del arte, que vas a replantear, con el hecho de que me guste o que no me gusta, o que lindo, o como hizo esto, no nada... (Romero/08)

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Lo propio del arte es asumir un momento de otra cosa, el sistema actual no tiende a propiciar esos momentos, la transmisión de la información en tanto distancia, entre dos momentos no es provocado por el actual sistema en que nos movemos No te parece un callejón sin salida, si la sociedad no espera nada de el, pero el quiere aportar, que pasa con eso? También está en el artista el crear la necesidad de algo. En mi caso particular si seria un callejón sin salida, tengo la suerte que las cosas que hago le gustan a mucha gente. Pero no me lo planteo desde ahí. (Romero/08)

El tener en cuenta el lugar del espectador no es condición para producir arte por parte del artista. Es una variable que puede tenerse en cuenta o no. La distancia entre estos puntos, ese acontecer entre ello., debe ser motivos de reflexión para comprender el montaje de las propuestas No se si habrían otras finalidades o posibilidades para expresar, igual todo va en la educación, como en un acostumbrar a la gente a ver otra cosa. En ese sentido la educación debe servir para no espantar el público, para plantear esta nueva forma de ver el arte. (Romero/08)

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La alternativa de pensar otras funciones para el arte, no es realidad una alternativa, sino que es una variante en el vacío, es difícil de planteárselo desde allí. El problema en realidad es no espantar al publico, o sea que sea de parte de intenciones del artista o de lo que espera el espectador, la distancia en el sentido de trafico que va de un lado para otro, de duración de acontecer, debe ser la de máxima entropía. Si, las dos cosas no van de la mano, si es popular no se consume, tiene que ser gratis, si se son consumo no es popular. Cuando se populariza es a través de un tercero, de un espectáculo, pero no es el arte, sino una imagen, un modo, una forma, un estilo, un método de plantear imágenes que son las

cosas que la gente quiere ver en ese momento. Es ese objeto inserto en otro medio, como la vendimia o los carnavales, la TV lo vuelve popular y ahí se paga una entrada para ir verlo(Romero/08). Algo así como la incapacidad del arte visual de popularizarse de pasar de la experiencia individual a un sentir que puede ser reconocido por todos.

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Tecnologías =producción

El problema específico que abordan las tecnologías es su aplicación a la producción. En el ámbito del arte ésta aplicación es en la producción de obras.

Así, aparece como significativa una función eminentemente pragmática: mejorar la producción artística. Desde este punto de vista su función es

concretar el acceso al tráfico de datos En este sentido “la producción tecnológica aplicada”

nos interroga por una manera de contactarnos con la realidad a partir de un contacto que es en un

primer momento de superficie, un movimiento que se da de afuera hacia adentro. La manera de

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afectarse por el objeto propio del sujeto se da un segundo momento.

La producción tecnológica en el mundo actual proporciona el acceso directo a un mundo más allá de lo fenoménico: al mundo de la virtualidad. Esto permite: -Imaginar la realidad a partir del cuestionamiento de la apariencia no de su materialidad cósica o temática. -Sumergirse en un estado de cosas ligada al puro concepto

-plantear de una manera directa la dialéctica entre verdad y ficción -Cuestionar la representación matemática, experimental y verbal -el acceso a una descripción de la realidad que plantea la imposibilidad de acceder linealmente a la experiencia de la misma en tanto esta es caótica, compleja y no determinística. -Intentar nuevas descripciones acerca de lo que implica teorizar. “Según Alan Sokal , “ si bien la mayoría de los legos lo ignoran, la física teórica sufrió una transformación significativa—aunque no un verdadero desplazamiento paradigmático kuhneano—en los ‘70 y ‘80: las herramientas

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tradicionales de la física matemática (el análisis real y complejo), que tratan la variedad espacio-temporal solo localmente, fueron suplementadas por abordajes topológicos (más precisamente, métodos venidos de la topología diferencial que dan cuenta de la estructura global (holística) del universo”. En sus estudios sobre estas teorías y sus diferentes aplicaciones, el artista aborda las relaciones entre el todo y las partes de la materia, a partir de la presentación de conjuntos de datos matemáticos relativos a nuestras coordenadas espacio-temporales, con flujos de luz encerrados en cajas lumínicas que describen las interacciones posibles de producirse partiendo de mínimos elementos.La experiencia de la luz y la oscuridad así como sus límites perceptivos, permite mostrar una

operación que induce a enfrentarse ante objetos -máquinas, que acentúan la percepción de nuestros espacios contextuales enfrentados a la mirada del espectador. En definitiva una estructura de pensamiento que discute y dialoga con la anterioridad de las cosas.La existencia de dimensiones espaciales más allá de las tres habituales ha rondado la mente humana desde los comienzos del pensamiento racional, desde el punto de vista de la ciencia y filosofía occidental, la idea acerca del espacio fue modificándose, a medida que iba perfeccionándose la descripción cualitativa del movimiento de los cuerpos, desde una concepción aristotélica corpórea y continua - donde el espacio poseía un significado de lugar o topos - hasta una noción más abstracta, como un marco de referencia idealizado y

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prácticamente inmaterial donde tenían lugar los acontecimientos físicos. En los trabajos presentados las representaciones logradas son metáforas de una realidad intangible, muy cercana nosotros, más que descripciones exactas de las nociones de materia y situación.”(Forcada/ Texto Catálogo sobre obra de Romero) “si, puede ser que se vaya modificado , en ese sentido si es mas volátil, tiene variaciones importantes, porque la tecnología avanza rápidamente, en ella esta la información y la comunicación y eso contribuye al que una sociedad entera vaya cambiando, pero no creo que por la formación occidental y cristiana por la tecnología cambie”(..)“Y las tecnologías

ayudan a modificar algunas fijezas, algunos principios sobre los que estaban hechos o armados pero el cambio es lento porque es lento el cambio en una sociedad para variar las estructuras que posee.”(Romero/08) La tecnología contiene y transforma la información y la forma de comunicarla. En este sentido es de un potencial ilimitado pero aun no es un potencial del todo digerido en la sociedad de la información .Hay un modo de resolver los planteos existenciales trabajados sistemáticamente en el tiempo que es difícil de revertir, es una conducta repetitiva, de largas tradiciones y aunque con variantes, nos proporciona un paradigma de civilización que todavía la tecnología no ha podido superar.

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Las tecnologías incluyen el saber acerca de información y comunicación, pero aun hoy no pueden modificar las direcciones en que se mueve el sustrato ontológico del sujeto amasado en años de civilización. “La información genética que poseemos atraviesa el tiempo y el espacio por caminos que responden a algo más que la lógica. La sensación de estar parado ante una obra de arte responde muchas veces a la constante de realidad que el individuo maneje, la realidad “virtual” que haya construido, y sobre todo a las sensaciones quinestésicas que sea capaz de producir ante el estímulo presente.” (Romero/08)

El tener en cuenta que somos sujetos “algo más que racionales” y que por lo tanto aprehendemos el mundo desde otras posibilidades mas allá de las puramente intelectuales, y que de este modo nuestra construcción de la realidad es “virtual”, no tiene entidad física, ha sido una constante en este artista para trabajar a partir de esos “otros modos” de realidad inherentes y permitidas desde y por la aplicación de las tecnologías la producción tecnológica en el arte contemporáneo se introduce como una táctica: - formal: en cuanto define formatos, que pueden convertirse en estilos ( ver definición) que son de acceso masivo.

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“Leal / Trilnick realizan un video-bolero empleando la táctica formal del clip reductivo. Un formato audiovisual es como una herramienta de rallar imágenes domésticas cuya cercanía extrema produce la incalculable inquietud de los sujetos frente a las ficciones conyugales. Se habla, literalmente de “rallar la papa”, como sinónimo de un acto delirante e innecesario, que lo pone a uno al margen de la norma educativa.”( Romer/ texto catalogo sobre obra de Leal El clip es táctica formal, o sea táctica de presentación ¿Qué implica una táctica? Un conjunto de estrategias para arribar a un resultado eficaz, al menos dos de ellas son puestas al descubierto en el fragmento:

- uso deliberado de un estilo: el clip reductivo, porque presenta el material en un modo archiconocido en el mundo del arte, (inclusive conteniendo el entorno amigable de la música “masiva”) - subversión a la convención a través de la apropiación “fácil” (rallar las imágenes) de los sentidos domésticos, donde lo fácil implica además trabajar con los beneficios que proporciona la economía de lo tecnológico. -Se introduce también como una táctica de “pertinencias”, de correspondencias análogas con una manera de habitar el mundo. Ello posibilita una economía de situaciones, economía de tiempos y economía de temas

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COndeseo es una instalación que intenta acercar al espectador una reflexión profunda sobre sí mismo y en relación al otro: ese, el cual modifica cotidianamente la sujeción general en la que todos solemos estar anegados.Los objetos interpelan estos interrogantes creyendo poder acceder a una estancia del olvido que las fisuras y cortes de la autora les han elaborado dejando marcas que, aunque ocultas, solas no podrían haber dimitido de desangrar.La aparente ingenuidad de los habitantes de COndeseo estructura interrogantes, que aunque simulados, atraviesan ese inconsciente fuertemente consciente que todos aspiramos a tratar de ocultar.”(Marcela Römer/ texto catalogo sobre obra de Leal)

Las estrategias conceptuales del proyecto aluden a: conspiración con el orden infantil, simulación que construye una ficción, apertura a otro orden a través de una posición incriminatoria y acusativa, apropiación de la fragilidad del concepto de lo artístico, acceso a las fisuras olvidadas del sujeto. La tecnología entendida como proceso asume dos vertientes: facilidad/economía de medios en el traspaso del concepto a su materialización en un objeto y pertinencia sustancial en lo que respecta al imaginario que esas ideas generan. En este caso la pertinencia no es un tema menor, cuando abundan objetos de arte de dudosa eficacia en los rendimientos tecnológicos utilizados. Es necesario aclarar que los muñecos son el resultado de un paciente proceso de trabajo

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basado en el uso de la tecnología digital. Los moldes con que se han elaborado han sido previamente trabajados digitalmente y proyectados a gran escala. En este caso la tecnología es sinónimo de proceso de trabajo no siempre ubicado en la superficie concreta, la materialidad del objeto presentado. “En mi caso mis muñecos parten desde la computadora, yo los armo, los proyecto, elaboro un proceso tecnológico que me llevaría mucho mas tiempo desde otra manera de trabajar. “(leal/08) -Es una táctica que discute y pone en tela de juicio permanentemente el concepto de lo artístico permitiendo poner al descubierto lo

que de otra manera pasaría inadvertido y que pertenece a las prácticas habituales del sujeto. “Pienso en el trabajo de la rosarina Carmona, que alquilo durante unas horas un video club y uso esas pantallas para proyectar su trabajo. Es una manera de abrir el espacio expositivo y tener un público preparado para eso. Siempre que los videos sean buenos. El video hoy con quien tiene que competir es con lo clip musicales, esa es competencia permanente, eso es complicado. Ese límite también es sutil, uno como esta acostumbrado al clip la diferencia hay que hacerla a partir de lo que ya se conoce, para que en la separación, sea distinto, con una imagen fuerte, o algo muy silencioso. Se nota cuando se toman del video clip para hacer video arte, y se nota para el ojo

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entrenado. Por ahí la diferencia la pone el artista con su intención. A veces que se acople tan bien música y video que eso define el clip, y lo diferencia del video arte. Hacerlo mas cruda, mas directo, no tan perfecto, alejaría del mundo fácil, el cómo se muestra, a veces vuelve el documental directo es efectivo cuando no tienen mucho efecto, solo se basa en el ojo que pesca algo y lo ponen en evidencia”. (Leal/08) Ese separar la tecnología en tanto medio que posibilita poner el acento en algo que de otra manera pasa inadvertido En este sentido las instalaciones, el video arte, las nuevas propuestas se acercan mas a la forma en que el publico vive cotidianamente.Leal//08)

Ese separar la tecnología en tanto medio que posibilita poner el acento en algo que de otra manera pasa inadvertido Pero que también es parte de las prácticas rutinarias del espectador, las que son manipuladas por todos. Los materiales que proceden de las nuevas tecnologías son “originales”,( novedosos) e impulsan la indagación sobre sus cualidades matéricas y formales en la aplicación a la producción artística así como a la posibilidad de procesar/ resignificar los viejos materiales. “En este caso mi obra es una metáfora visual del mito de la caverna de Platón, donde en

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definitiva lo importante de la realidad es lo que sucede fuera de ella. Me valgo de diferentes estados de la materia: el líquido, lo sólido, el movimiento, la luz, como elementos que conforman una totalidad sobre el pensamiento de la vida, tomada como una unidad en el universo, donde la mujer obviamente tiene un papel imprescindible y fundamental. Es una visión holística y cósmica de la vida, no solamente terrenal, física o sexual porque en definitiva la vida es femenino. En ese objeto sucede un evento, lo que ve el espectador es el reflejo de la vida en el otro… “(Romero/08) “mi obra sobre la mujer y la ciencia debía estar sustentada en la propiedades físicas de la luz, “(Romero/08)

En este caso el sentido de la producción que trabaja con tecnología implica el apelar a materiales extraídos de elementos tecnológicos creados para otros fines que permiten un acceso diferente al mundo convencional, implica el trabajo con los diferentes estados de la materia y no solo con las formas de procesarla. Las nuevas tecnologías imprimen “un sello” a la producción contemporánea: -De impersonalidad -rigurosidad racional -pero que puede ser focalizada como inclusiva y determinante de todos los modelos o perspectivas de análisis que existen al momento.

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“Las pinturas de Héctor Romero exhiben una ejecución técnica rigurosa: límites cuidadosos entre planos, bidimensionalidad estricta de los campos cromáticos. Estos, sin embargo, no poseen colores saturados sino grises con variaciones de matices y valores imperceptibles para el ojo no educado. … La elección de materiales y técnicas, las opciones de configuración están condicionadas por la intención de representar lo irrepresentable de las teorías científicas avanzadas. De éstas, sólo unas pocas han alcanzado expresión matemática y no hay posibilidad de verificación empírica de ninguna. … La alusión a anomalías del espacio tiempo, a las dieciséis dimensiones de la materia, a las

supercuerdas, a la membrana, al cálculo de probabilidades y a la formulación de paradojas, está expresada en planos, figuras y signos pintados o impresos con gran limpieza de ejecución. El fin es la sincronía con el rigor intelectual despojado con que se resuelven las formulaciones teóricas de la ciencia. Sin embargo, algunas formas, precisamente por estar situadas en el “umbral perceptivo” traslucen incertidumbre acerca de su real emplazamiento, en realidad dudas sobre su realidad entendida del modo convencional.”(S. Benchimol/Texto catálogo sobre obra de Romero) De cómo el concepto es el que lleva al empleo de la tecnología.

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De cómo la tecnología imprime una marca de rigurosidad necesaria para este tipo de planteos. De cómo la tecnología asume la impersonalizacion del sujeto, la no huella, y por ello lo suspende en tanto rastro humano, lo que implica un modelo mental de todas las relaciones posibles incluidas las no mentales y por ello la tecnología así tomada nos induce a una apropiación del mundo modélica diferente de las que las epistemologías de las ciencias naturales y la propia filosofía nos ha llevado en este siglo. ( la matriz de la tecnología, es entonces un camino fértil de trabajo en tanto nos permite avanzar en un nuevo horizonte del hombre ante el mundo)

Las nuevas tecnologías posibilitan una comunicación “directa” con el espectador -acercan publico y artista en tanto son conocidas por ambos y permiten una mayor difusión del arte. Son representaciones ideográficas en materiales refractarios y reflexivos que inducen al espectador a enfrentarse ante objetos -máquinas inteligentes-, que reproducen la actividad distintiva del hombre artificialmente y responden ante interacciones. Trabaja a partir de conceptos derivados de distintos campos científicos desde la matemática, física, fenomenología, psicología, atendiendo condicionantes sensoriales y sociales. De alguna manera el artista exhibe su propia lógica de la realidad, su propia puesta entre

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paréntesis de las racionalidades preliminares a la cosa, para describir y acentuar su percepción de la existencia, como si exhibiera la propia introspección lógica del hombre,( Maria Forcada-Texto sobre obra de Romero) El uso de materiales extraídos de procedimientos tecnológicos avanzados permite poner en evidencia estas relaciones y acceder desde los rasgos de pertinencia a una comunicación directa con el público, en tanto el efecto que se logra es rápido e incide fuertemente sobre el espectador. Fácilmente asimilable. “si han cambiado han hecho aportes desde la cibernética, desarrollos de sofware, digitalización de imágenes, han producido que

una imagen se generalice, el hiperrealismo se hace mas común porque es mas fácil a partir de la proyección de imágenes, , también es cierto que se han desarrollado el video, el arte web, la misma fotografía digital ha hecho un aporte importante revalorizando la fotografía como fotografía, como obra de arte, . También hay tecnologías mas complicadas que han permitido desde la video instalación hasta la instalaciones lumínicas. “(…) “es una relación erótica, es de seducción, porque a ver, la tecnología en mi obra es una necesidad para concretar un estado de pensamiento en determinado momento, en ese estado en que yo me encuentro, son preguntas o elucubraciones sobre circunstancias a las que me lleva el hecho de haber estado leyendo o

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buscado informaciones que necesito como persona. Y a veces, esas cosas no se pueden dibujar, pintar, grabar, fotografiar, porque no existen, entonces, en esas elucubraciones, necesito acudir a los elementos tecnológicos elementales que puedo manejar, leds, circuitos, luz, para poder hacer algo. En ese caso es consecuencia de una necesidad, no es el fin en si mismo. “(Romero/08) De cómo las tecnologías han cambiado la percepción del mundo y provocan acercamientos productivos en el arte, reconciliación con sus haceres y con su público en términos de compartir vivencias, es como si esa percepción de lo visual tuviera asidero desde lo tecnológico en los sentidos del

espectador y permitiera la democratización de los contenidos intelectuales de la visualidad. - Las nuevas tecnologías Aumentan las posibilidades de instalar el objeto de arte desde el punto de vista de la mercancía. Esto es: en y más allá del circuito propio el arte. “Lo que tiene de bueno el video arte es que puede aprovechar ciertos lugares para mostrar ahí, como te dije antes, porque el artista sino expone en lugares especiales, no quiere, en ese sentido la tecnología permite tener mas ojos educados. No es solo la función de educar, el publico también después de eso te reconoce sabe de que va, ya la ha visto, hay lugares donde venden videos, se compran, el video es una manera de expresión que ya está

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instalada, es una expresión habilitada por la sociedad que la genera. “(leal/08) Beneficios en cuanto a difusión del arte Posibilidades que abre a la circulación de las obras en espacios alternativos Posibilidad de tener una visión del producto de arte en tanto mercancía, mas allá del sistema para el cual esta hecho actualmente, y en este sentido posibilidad de agregar valor a ese sistema desde otros sistemas de circulación - sin embargo es necesario tener en cuenta una vigilancia acerca del uso que las nuevas tecnologías: reavivan la polémica apariencia/esencia.

Pero si solo haces florcitas y le metes unos chips que brillen no suma nada. La tecnología se usa para que la obra funcione, es como un más. En mi caso la tecnología era importante para esa obra ( por la de pensamiento lateral) porque ella me daba el efecto que necesitaba para decir en la obra. Hay grupos específicos que ya se dedican a trabajar con las nuevas tecnologías, arte web, video, a partir de la computadora.(…)si, aceleran sobremanera esas semiosis, la gente las ignora por completo, son cuestiones de calcos, sin ningún tipo de análisis, para no perder el tren de las tecnologías, pero no va en otra cosa nada mas que en eso(…)Son utilizadas con el mismo resultado que te da la tecnología, el hecho de decir utilice esto, ploteamos la foto de la obra para? nada?...

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pero eso también depende mucho del artista, de quien lo utiliza, para que, cual es el plantea.(…)si, también esta el que solo disfruta, pero se pueden hacer las dos cosas, es mas interesante ir a una muestra donde tenés que hacer algo, leer, tocar un botón, entrar a algún sitio. (…)(leal/08) La tecnología permite interactividad con el espectador, pero también supone un tener que apropiarse de la calidad de la contemplación. En ese sentido la interactividad requiere cada vez mas de participar ( a través de la comunicación y la tecnología, pero se pierde la capacidad de mirar de afuera y disfrutar solo de mirar)

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Arte= producción de sentidos

Que es lo propio del arte: plantear el sentido del

límite entre la realidad y la ficción. Se podría decir que el tráfico esta ligado a la

duración y la producción esta ligada al espacio, porque se contextualiza en un tiempo histórico de

los posibles, que es un lugar, una situación concreta.

El sentido del objeto de arte sería en este caso lo que redefiniría la función de los medios y la

tecnología.

Las prácticas de arte contemporáneo, asumen frente a los datos y la tecnología, el papel que en otras épocas le cabía a la filosofía: una propedéutica al pensar del hombre y su existencia. los sentidos se potencian por que los datos son: - amasados de la misma manera que lo hacen los medios masivos: a través de la repetición la moledora por excelencia de imágenes mediáticas que a la vez son

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populares se ponen en contacto con el mundo del arte. - Unidades de representación contextualizadas en un caso metafórico, donde el asunto o tema anida en lo obtuso y no en lo obvio. ( como lo harían los datos de los medios masivos) - Seleccionados por su máxima entropía: la comunidad se reconoce en esas imágenes y les atribuye significados que le son cercanos. El espacio de arte es un gran espacio de exclusión que compite de modo antagónico por el dominio de lo hogareño (la institución museal y el familiarismo académico). Sin embargo, la estatuilla de cera que reproduce la tensión

imaginaria de la pareja es convertida en escamas, en chips; o sea, en unidades mínimas de representación del deseo carcomido por la compulsión de repetición. Es la conyugalidad como base de un modelo relacional en la escena de arte, poblada por el fantasma amenazante de las figuras célibes. Lo cual nos remite, no ya a un “desnudo bajando la escalera”, sino a unos objetos sustitutos con los vestidos ceremoniales pintados por capas, asemejando falsas porcelanas. La representación letal de la corporalidad reproduce un compromiso imposible de sostener, a nivel de imagen. Somos novios: somos artistas. (Justo Mellado) Las relaciones amigables entre mundo académico y museo (materiales del “espacio

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del arte”) son truncadas a partir de la irrupción en la escena visual del elemento Kitsch como material cotidiano del “Hogar del arte”. En este caso, en la obra la metáfora de los novios cuela los sentidos que cada uno de estos aparatos de producción de sentidos de arte generan: la connotación de celibato, los límites de la conyugalidad en tanto imposibles de superar en un acuerdo de este tipo de celebraciones y la impotencia que degenera en acciones de repetición de formas. Todos ellos condimentos de una discusión celebrada masivamente por las producciones artísticas en las últimas décadas. ¿Qué datos mediáticos nos ponen en la situación de repensar nuestra subjetividad?

¿No estará allí el asunto distintivo del arte frente a la masividad y la tecnología? El gran formato es una estrategia de sentido fuerte, que entre otras cosas, altera el tiempo en que es recibido el dato, y esa alteración provoca más sentidos., permitiendo acceder al mundo de los hechos y no de las cosas. Es como si el tiempo al ser puesto fuera del presente, modificara los datos y la solución a los enigmas se pudiera plantear desde otras perspectivas- En este sentido “la apropiación del tiempo por parte de los medios de comunicación “ es también reveladora de las potencialidades que implica un cambio de situación.

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La intersección con los medios y la tecnología es mas bien un acto de inclusión, por el cual ambos se transforman en medios “del sentido” Implicancias de la metáfora en el manejo de los datos El paso a la objetualidad implica también, tratar las relaciones del ser humano con las producciones artísticas, en tanto cosas cotidianas, a las que se extrajo su “ser arte”, y sólo se disponen desde el mismo sistema del arte, para utilizarlo como plataforma de visibilidad, como instrumento, como retórica de una cotidianeidad que de otra manera pasaría inadvertida. De forma experimental y no verbal.

Acerca de metáfora en términos contemporáneos: De modo que un desplazamiento epistemológico en el punto de vista del sujeto refleja siempre un desplazamiento ontológico en el objeto mismo. O para decirlo en términos lacanianos, la mirada del sujeto está inscripta desde siempre en el objeto percibido, bajo la forma de su “punto ciego”, que está en el “Objeto más que el propio objeto”, el punto desde el cual el objeto devuelve la mirada. “No se puede interpretar la realidad solo a partir de datos, los datos están cargados de sentidos, que en arte se transforman en metáforas. Cuando uno pierde la metáfora el objeto en sí mismo no tiene validez, todo lo que existe hace

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relación a una metáfora del individuo porque el individuo en sí es una metáfora de su propia vida. El arte contemporáneo no tiene metáfora solo para aquellos a los que se les acabó el mundo, los que no tienen nada que decir.”(Romero) la posible exactitud de las imágenes y las cosas que se muestran asumen un papel de renuncia, sólo existen en tanto situaciones comunicables en un contexto dado. El lugar de la exactitud es reemplazado por la vaguedad y multisignificabilidad de los enunciados de las producciones. Las tecnologías permiten modelizar la objetivación de la idea

La arquitectura que establece como se conectan los nodos de una red mediante la combinación de patrones define una topología. Ella describe las reglas y la forma en que interactúan sus componentes. Las conexiones pueden darse de muchas y muy variadas maneras. Usar la palabra arquitectura para hablar de esta red de disposiciones y del protocolo que ella encarna nos permite proyectar un modelo de relaciones que las obras que aquí se exponen denuncian como procesos complejos. En este caso a partir de la combinación de estrategias visuales con tácticas lógicas tomadas prestadas de otras disciplinas: las ciencias exactas y el psicoanálisis.

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La exhibición plantea dos espacios topológicos disímiles y complementarios. El topos; como conjunto con unas propiedades específicas, es lo que constituye la capacidad diferenciada de relación del sujeto, y es también, una estrategia para la lectura de las obras condicionada por los propios modos de ser que ellas develan. De topologías nos invita a entrar en la dialéctica del lugar que ocupa el sujeto de enunciación, (provisto por el discurso que ronda la obra), entendido como lugar de sentido.(M,Forcada, Texto para catálogo de artistas)

Documentos: Catálogos de obra de los autores y textos inéditos.- Archivo/08”: Las artes visuales mendocinas, estudio del comportamiento estético de artistas del medio”-Entrevista realizada a los artistas- http://www.losumbrales.com

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http://www.losumbrales.com/datosdelartista.php?id_artista=10 http://www.losumbrales.com/datosdelartista.php?id_artista=31

Héctor Romero Caja lumínica 2009

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Mariela Leal Video 2009- (Imagen capturada)

´ Héctor Romero Caja objeto 1997

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Mariela Leal Video 2009- (Imagen capturada)

Edición virtual de materiales:

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Agradecimientos:

SECTYP UNCUYO

Mendoza, mayo de 2010 Nº de Registro: en trámite