BUCKCHERRY•AVENGED SEVENFOLD•THE BLACK CROWES

Agosto 2010 :: Nº 92 :: $2.500I,II, XII Región $2.650 (IVA Incl.)

rockaxis.com

LOS REYES DE LA OPERA PUNK EN CHILE

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SUMARIO

12Avenged Sevenfold:

En pie de guerra

Después de la muerte de su baterista Th e Rev, renacen con uno de los mejores discos de su trayectoria.

20Devo:

Control de calidad

Con su primer álbum en 20 años, reafi rman que la de-volución está aquí y ahora.

36Iron Maiden:

Del Caribe al más allá

¿El presagio del último disco de los británicos o una historia de ciencia fi cción?

62Th e Black Crowes:

Final de antología

Editan “Croweology” para decirle adiós a una carrera de más de 20 años.

16 Rockaxis: La bitácora

20 Pausa: Mamma Mia!: Abba Rocks!24 Vitrina rock: Brunanza30 Señal establecida: Bret Michaels, Foals, Th e Sword34 Futura advertencia: Imperial State Electric, Howl 44: Capel puro rock: Dorso, Silverjack52 Buckcherry: Nobleza obliga56 Philippina Bitch, Catoni,

Dr. Diente

68 Live Reviews: Angelo Pierattini, Chancho en Piedra70 Tecnología

72 Exclusiva con Adrian Belew:

profundo carmesí76: Sonar: año 180 Cdaxis

86 Clásicos

88 DVD

90 Huellas del rock: A 41 años del nacimiento de Elliot Smith92 Blues: Dos décadas tras la muerte de Stevie Ray Vaughan96 Street Rock

98 Rock Shop

100 Cineaxis

102 Tocatas

Green Day:Sangre verde

Analizamos algunos hitos en vivodel trío californiano a propósito

de su venida a nuestro país.

46

ROCKAXIS 92Agosto 2010

IDENTIDADDirector: Alfredo LewinEditora General: Ma. de los Ángeles CerdaDiseño: Claudio Torres

Comité Editorial: Cote Hurtado Rodrigo Carvajal Francisco Reinoso

Staff: Héctor Aravena Cristián Jara Cristián Pavez Jorge Ciudad Rodrigo Bravo Claudio Ibarra

Colaboradores: Andrés Panes Mauricio Nahuel Felipe Kraljevich Jaime Meneses Carlos Mella Alvaro Rojas

Editor de Fotografía: Ignacio Orrego G.Fotografía: Sebastián Jiménez M. Claudia Lazo G.

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Eventos: Antonio Ceballos Pablo Codoceo

Casa Estudio: Alejandro Marín (56-2) 933 2370

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Director Desarrollo yNegocios Online: Cote Hurtado

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CorresponsalesEE.UU: Oscar García V.Brasil: Thiago Corrêa SarkisEspaña: Marcerock

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pensamiento de Rockaxis.Todos los derechos reservados.

-EDICIÓN MENSUAL-

EDITO

RIAL

Hay gente en este negocio que lo que quiere es dejar de vender

herramienta para bajar música gratuita o también de plano para descargar ilegalmente. Como diría John Lennon, “La música es posesión de todos. Son sólo los editores los que piensan que la gente puede poseerlas”. Pero para poder regalar, hay que contar con un auspicio

que te pueda permitir darte tal lujo.Resulta que Prince regaló hace poco su nuevo disco (“20Ten”) en una edición

dominical del popular diario británico “The Daily Mirror”, y a esto tenemos que agregar que ya había precedentes de haber hecho algo parecido en esto de regalar, como por ejemplo incluir su álbum anterior adjunto con las entradas para sus conciertos, que eran al mismo tiempo algo más caras de lo normal, pero incluían el CD físico, no lo olviden. Vendió un montón, si fueron discos o tickets para sus shows da lo mismo, era un precio combo y la plata se la embolsó él.

Como músico, creo que Prince está en otro nivel. Pero a la hora de hacer declaraciones como la de que Internet va a quedar obsoleta, siento que se ha quedado

¿Internet obsoleto en lo referente a la industria de la música? No en el gran esquema de las cosas, más bien es lo contrario. Puede que Internet en 50 años sea un detalle para la tecnología de las comunicaciones y el medio de interconexión sea otro, algo mucho

lo bueno que ella (la red) ha traído consigo.

negociados en ambas plataformas, no a que Internet como herramienta sea algo tan malo, porque está claro que no lo es. Claro, MTV un día fue lo más cool para la música y luego quedó obsoleto, y Prince cree que así quedará Internet también si los artistas se lo proponen. ¿Cómo? Supongo que si todos los artistas regalaran su música vía convenios con empresas privadas que los auspiciaran, nadie tendría que ir a Internet a pagar por un disco. Aunque obvio, lo que propone Prince es irreal.

Pero igual me gusta él, porque siento que varias veces ha sacudido a los medios, e incluso me gustó la comparación de MTV e Internet porque le encuentro el sentido, pero no desde lo más obvio, sino escarbando un poco mas allá. Internet se

siempre ha sido un comercio descarado que no ha motivado la creatividad de manera alguna, como lo hiciera por ejemplo MTV con el arte implícito de los videos musicales.

Porque pagues o no, Internet siempre va a ser la única y mejor forma de descarga y difusión de la información y principalmente la música. ¿Es que la música siempre va a tener que venir de regalo con el café y la hamburguesa, o la revista, o el teléfono? No pues, para eso está Internet, para asegurarse que si vas a regalar algo todo el mundo lo pueda recibir.

Pienso que Prince quiere hacer ruido como una critica al modelo de ventas actual de Internet, más que una sentencia de muerte para una red que ha cambiado nuestras vidas para bien. Es cierto que nos ha vuelto un poco locos, pero nos gusta. Y mucho. Es

sea formato físico, Internet o lo que el futuro nos depare), por lo que esta predicción

Alfredo Lewin

Internet,la gran vitrina de música ¿RIP?

digital

01. DELONELYMAN – Don’tLoose Your FaithRicardo González es un artista multifacético que nos presenta su exploración como cantante y compositor. En su música se entrelazan los acordes acústicos con los sonidos sucios y melancólicos propios del grunge.www.myspace.com/delonelyman

02. MONOTRACK – CasiLa proliferación del rock en Chile surge desde

San Felipe, una propuesta pop rock muy bien elaborada, que de a poco se abre camino en la escena local con su debut homónimo.www.myspace.com/monotrackband

Con su segundo disco “Cápsula Natural”, este

para posicionarse de buena manera el circuito rock nacional. Su sonoridad posee guitarras potentes, letras profundas y melodías muy

Una letra muy contingente presenta el segundo sencillo del trío hard rock que relanza

www.myspace.com/piedrasrock

“Desde el Fin” es el último trabajo de esta banda que mezcla el metal con algo de rock

década sobre los escenarios, es una agrupación de esas que fortalecen la escena metal nacional.www.myspace.com/edenial

Llegó la hora de matizar el rock con algo de ritmo. Este combo, oriundo de Villa Alemana, con su ska, punk, reggae y sonidos latinos, es

www.myspace.com/sonoradellegar

Un power trío poseedor de un estilo de

por su crudeza, potencia y carácter. Sus

experiencia, muestra de actitud y personalidad.www.myspace.com/lacurdarock

08. CARCEL – AmenRock duro sin mayores adornos, con letras

“Alicia” es su disco debut, el cual les ha

con bandas de mucho peso en la escena under local.www.myspace.com/bandacarcel

www.myspace.com/pathseekerband

Reservados los derechos de autores de las obras registradas en este fonograma.(P) (C) ROCKAXIS 2010. DISCO PROMOCIONAL. PROHIBIDA SU VENTA. HECHO EN CHILE.

VOL. 27

DESCARGA DIGITAL ENwww.portaldisc.com/escudo

12III ROCKAXIS

En pie de guerraAvenged Sevenfold presenta su nueva placa, siete meses después de la muerte de Jimmy “Th e Rev” Sullivan, y sus agallas están intactas. “Nightmare”, el quinto disco de la banda, los junta con Mike Portnoy de Dream Th eater y el productor rapero Mike Elizondo.

N“Estábamos listos para renunciar. No había forma de que nos

imagináramos seguir juntos. Pero, rápidamente, eso se fue, porque la lógica volvió a nosotros. Empiezas a darte cuenta de que, de ser tú, te hubiera

13II ROCKAXIS

estremecido la idea de que el resto no continuara. Él dejó música increíble y su familia nos dijo ‘chicos, deben insistir’. Recibimos apoyo de todos, eso facilitó las cosas”

“Hay una canción a la que llamamos ‘Fiction’. Jimmy la escribió en el piano y dejó un montón de letras que yo terminé desde su perspectiva. Es algo un poco espeluznante. Ahora se titula así, pero él la bautizó como ‘Death’. Él murió tres días después de hacerla, compuso acerca de encontrar el camino cuando ya no estuviera acá. Hay una serie de locuras sobre las que The Rev estaba hablando, que me hacían sentir como si él lo hubiera sabido de alguna forma; como si su cuerpo hubiera sabido que no estaría mucho tiempo más con nosotros. Mantuvimos su voz en esos temas y realmente es angustiante y duro de escuchar. Es realmente triste”

LA PESADILLA COBRA VIDA

50 III ROCKAXIS

instrucción estaba clara: emular el estilo de su fallecido símil, mantenerse totalmente apegado a los demos con baterías programadas compuestos previos a su llegada y no intervenir, para mantener el tono tributario que empapa las canciones de “Nightmare”.

“En cuanto a mi responsabilidad de mantener vivo el espíritu de The Rev, estoy

proyectos donde poner mi personalidad y estilo, así que no necesito la necesidad de incorporarlos dentro de la banda. Si quieren algo de mí en su música, estaré totalmente encantado de dárselo a ellos. El propósito de que yo esté con ellos es continuar el legado de Jimmy. Los fans lo amaban y siempre será así. Haré lo mejor que pueda para seguir con su herencia por él, por sus seguidores y por la agrupación. Se siente increíble tocar con estos tipos. A un nivel personal, son personas asombrosas, súper agradables. Tienen una camaradería familiar fantástica y una esencia maravillosa. Ser parte de eso es un honor”con “Music Radar”.

La amena convivencia entre el miembro de Dream Theater y Avenged Sevenfold, comprobable en un extenso intercambio de elogios vía prensa, ha servido para sanar -en parte- las heridas en su ánimo. El proceso de grabación de “Nightmare” también cuenta con anécdotas como la de que el cuarteto pensó darle a su invitado un apodo, en la misma usanza que adoptaron ellos desde

la génesis del grupo. Una ocurrencia de un foro de fans, que bautizaron de “The Rabbi” al pasajero miembro, dio pie para que bromearan con sobrenombres del

Bluebeard”.

variar la tendencia de su última placa, el excelente homónimo del 2007, buscaron a un productor diferente. Después de una aguda revisión de material ajeno, en el que barajaron opciones que ellos mismos tildaron luego de “convencionales”,

Fiona Apple, Dr. Dre, Eminem, 50

conocerlo en persona, considerándolo

eclecticismo y valentía que fue coronado con la investidura del también bajista y

compositor como parte del equipo.“Nos encantan sus producciones y es un gran

músico. Así que nos juntamos a conversar y nos topamos con que era nuestro mayor fan. Sabe todo sobre Metallica, Megadeth, Testament. Puede hablarte sobre progresiones de cuerdas

y cambios de clave o acerca de lo que nosotros mismos hacíamos antes, es muy fanático. Casi dos meses antes de ir al estudio, escribíamos las canciones y nos reuníamos con él una vez por semana para ver qué pensaba. El tipo es increíble, así que acordamos seguir juntos”, declararon en una entrevista para la emisora norteamericana Will Rock. “Nightmare” -el primer single del homónimo disco- es un respiro para los suspicaces, tal como los elogiosos comentarios de quienes han podido escuchar el álbum completo: Avenged Sevenfold sigue en pie de guerra.

Andrés Panes

Días antes de la muerte de The Rev, él había entrado en una catarsis creativa donde hacía

referencias explícitas a la muerte.

16III ROCKAXIS

Para la prensa bastaron 349 caracteres para resumir la historia de Concierto, Rock y Guitarras. Para los involucrados el relato es más extenso y sentido.

su paso por MTV, la televisora cambiaba su línea editorial hacia lo que hoy es: mucho reality, poca música. Alfredo y Cote sintieron que ese espacio ya no les era tan propicio. Para los dos, el regreso a Chile se hacía imperioso, junto a la necesidad de armar familia en tierras natales.

En 1997, Alfredo ya tenía conversaciones con Julián García Reyes y Carlos Parker, dueños de Radio Concierto. La emisora estaba en un momento de baja sintonía. El proyecto dirigido por Cristián Warnken, “El desembarco de los ángeles”, con pretensiones intelectuales y emotivas,

MTV, había hecho algunos trabajos para la radio, la comunicación estaba abierta.

La propuesta fue convertir la Concierto en una emisora exclusivamente de rock. Julián García Reyes tenía fuertes aprensiones al respecto. Su visión cristiana y tradicional le decía que en el rock operaban fuerzas oscuras no muy de su gusto. Pero, por otra parte, estaba la necesidad de revitalizar su radio. La convicción de Alfredo, junto a su experiencia en MTV, convencieron a don Julián de apartar sus prejuicios. Así, nació

Guitarras. El multifacético Álvaro Escobar (actor, abogado, ex diputado, etc.), aportó

hasta hoy esa idea radial: “Primera en tu memoria”.

Ni Alfredo ni Cote tenían experiencia radial, así que una vez más se iban a dar un salto sin red, especialidad de la casa. Así, en poco tiempo unieron cómplices para la idea Miguel Hiza, Fernando Mujica, Álvaro Escobar (salvado del desembarco angelical), Claudio Torres y Héctor Aravena, entre otros.

Como en toda reingeniería que se respete, no se trataba sólo de convocar a algunos, sino que había que prescindir de otros. Por eso, el primer acto de Alfredo como director fue despedir a Soledad Vacarrezza, Verónica Calabi y José Miguel Viñuela. Claramente, esos despidos debían haber sido ejecutados por los dueños de la radio, pero así son las cosas en el mundo real.

ENCIENDAN LA RADIO

Los parámetros a seguir eran simples y potentes: respirar el espíritu del rock, ir un paso más allá de la informalidad de radios contemporáneas, como Rock and Pop. Sobre todo, lograr que se escuchara por radio la misma música que uno escucharía en casa. Radio Concierto comenzó su

La parrilla destacó inmediatamente con sonidos más frescos y poderosos. Si antes desembarcaban ángeles en la frecuencia, ahora eran toda clase de criaturas las que se tomaban parlantes y audífonos. Un abanico que cubría desde clásicos hasta el Nu Metal o el espíritu de la vanguardia.

El programa eje era “97 octanos”, con Alfredo Lewin, encendiendo las tardes. Conversación, datos y programas temáticos, dedicados a un tema o artista, hacían de este un programa entrañable. También se procedía a analizar meticulosamente discos conceptuales.

Antes de eso, la miscelánea de “32 a la sombra” (locuteada por el que estuviese disponible), preparaba el terreno recibiendo peticiones de auditores que alucinaban al ver saciada su sed de rock en tiempo real. Es que en este programa (y casi en todos los de la radio), era cosa de tirar y abrazarse. Ya fuese por radio, fax o e-mail, los pedidos del público eran centrales.

Las noches eran agitadas por los contrapuntos de Claudio Torres y Cote Hurtado desde el “Detector de Metales”, donde lo mejor del estilo encontraba su

Radio Concierto rock y guitarras, un golpe al corazónPor siempre, primera en la memoria

17III ROCKAXIS

lugar. Aparte de la música, lo más interesante era la polémica entre ellos, con un Claudio crítico y exigente frente a un Cote saturado de información y con mucho ojo en lo que lideraba las tendencias. Este programa se grabó siempre, del primero al último, con las luces del locutorio apagadas. Les bastaba con el tembloroso brillo de unas cuantas velas.

Otros programas destacados eran “Santiago Blues”, marca que Alfredo inventó y que la radio Futuro heredó y ha mantenido al aire hasta el día de hoy. O “Jardín en progreso”, de Héctor Aravena, donde la vanguardia eterna encontraba un

La Concierto subió el rango de decibeles de la radiodifusión chilena, pero también puso varios puntos sobre las íes. Si la intención de García Reyes y Parker era rescatar su radio, el objetivo se cumplió con creces. En menos de seis meses, la emisora subió desde el lugar 16 al 10. Por otra parte, comenzaba a quedar claro que el rock era mucho más que un fenómeno marginal. Había un público ávido de electricidad y los medios lo tenían abandonado, hasta que la Concierto hizo lo suyo.

Para los protagonistas, lo mejor (y lo peor a la vez), es que la radio por dentro

casona de avenida Los Leones, cervezas y rones a destajo y mucha exploración sensorial. Si la radio sonaba como la música de la casa, es porque era la casa de un grupo de entusiastas. Ese espíritu se transmitía hasta una audiencia que pedía más y más.

Momentos memorables: haber tenido en el estudio a bandas como Megadeth, King Diamond o Iron Maiden. Sí: es verdad.

Otro hito importante fue el énfasis en el rock chileno, con grupos como Dracma, 2X, Los Mox o El Cruce. Aún así, hasta el día de hoy, hay amargados que juran que Weichafe eran amigos de Alfredo, y que por eso los tocaba. La realidad es que la banda dejó un demo en portería, el cual fue escuchado adentro y puesto al aire en breve tiempo, sin pituto ni nada semejante.

FIN DE LAS TRANSMISIONES

Lo bueno no es eterno. Al día de hoy, asombra saber cuánto duró la Concierto Rock y Guitarras: un año y ocho meses. Revisando el dato, no podemos dejar de pensar que el tiempo de la memoria es más extenso que el real.

¿Porqué se terminó? Por una

parte, los errores internos. El asunto era

y no un carrete. Todo este ambiente confabuló para que sus protagonistas viviesen en una burbuja sin ver el mundo real en el cual había que operar. Un trato displicente con los auspiciadores, desprecio a todo lo que oliera a industria, desenfado

Por otra parte, las movidas de la industria dieron su golpe de gracia. Revalorizada la radio, con una sintonía ascendente, los antiguos dueños no se tardaron en venderla. Los adquirentes, el conglomerado Iberoamerican Radio Chile, parte del grupo Claxson, sumaban con esta compra dos radios de rock (Concierto y Futuro). Como en los westerns, el pueblo era demasiado pequeño para dos: alguien tenía que morir.

El 22 de agosto de 1999, Radio Concierto rock y guitarras cesó sus transmisiones. La programación de los últimos días abundó en discos completos de artistas consagrados y cuidadosas secuencias de temas de despedida. Eran

era. El controlador a cargo se las arregló para que, justo a la medianoche de ese día sonase el último tema: ‘You Can’t Kill Rock And Roll’, de Ozzy. Luego, ni un minuto de silencio y el pop se hizo cargo.

muchedumbre de viudos y viudas del rock and roll marchó hacia la sede de Iberoamerican en Eliodoro Yáñez. Los ejecutivos y mandamases del grupo se temían lo peor. Planes de contingencia con los guardias, Carabineros en alerta y más de una oración musitada en silencio en los subterráneos eran su arsenal ante el vendaval de supuestos incontrolados. En los hechos, el asunto no pasó a mayores. Claudio Torres y Héctor Aravena salieron a calmar las masas con palabras sensatas. Latía en el aire la esperanza de regresar en otro universo, un universo más rockero.

público fue, seguramente, el gesto de borrar para siempre el 101.7 de la memoria del aparato. El sonido imperecedero de Radio Concierto, Rock y Guitarras, se las arregló para grabarse para siempre como Primera En Tu Memoria.

Mauricio Nahuel

Próximo Capítulo: Rockaxis, El Universo del Rock, los inicios

20III ROCKAXIS

Control de calidad“Something For Everybody” es el primer disco de Devo en 20 años. Un reencuentro con el pulso desenfrenado de la banda y la renovación de sus votos con el discurso que los engendró. Los de Ohio están de vuelta para poner las cosas en su lugar.

21III ROCKAXIS

Los optimistas no saben nada. Al menos, eso piensa Devo, quienes se niegan a creer que los humanos estemos avanzando como raza y proponen la idea contraria. A 38 años

de su fundación, los de Ohio presentan “Something For Everybody”, el primer álbum que editan después de dos décadas de silencio tras “Smooth Noodle Maps”.

su principio fundacional: la sociedad está de-evolucionando. Retrocede en vez de progresar. No es difícil creerlo después de leer las noticias o salir atento a la calle, así que el mensaje contracultural del grupo pega igual de duro este 2010 que en momentos previos de la historia.

¿Qué tanto hemos prosperado desde que existe este quinteto? La duda queda en el aire al primer instante, son varios decenios y pocos argumentos para negar la ocurrencia del fenómeno que los norteamericanos describen. “El atontamiento de la cultura se ha exacerbado exponencialmente. Es la forma en que la gente recapacita o no recapacita. Menos y menos personas pueden formar un pensamiento analítico y crítico: no saben cómo procesar información y viven en un mundo de frases cortas y regurgitación de slongans”entrevista con el website británico MusicOMH.

“La de-evolución es como el calentamiento global. Cuando comenzó, todos pensaron que era una farsa, era algo que algunos desacreditaban fervientemente y ahora es una pieza fundamental de las cosas en las que creemos. Ya ocurrió y tendremos que vivir con eso. La evidencia es muchísima, no se trata de un argumento”, dijo el bajista. Ese convencimiento los llevó a concretar lo que no lograron en años anteriores: editar un disco de nuevo material, proyecto atrasado una y otra vez, principalmente por Mark

separado- de los integrantes de la banda, el vocalista de Devo se encontraba más ocupado que el resto de sus compañeros.

El propio frontman sabe sobre las presiones contemporáneas y los efectos

en su trabajo como compositor de bandas sonoras, videojuegos y canciones para cine y televisión, acumulando más de un centenar de obras. Los soundtracks de “The Royal Tenenbaums” y “The Life Aquatic with Steve Zissou” de Wes Anderson son suyos, y también los de dibujos animados como “Rugrats” y “The Adventures of Rocky and Bullwinkle”. El

entre una larga lista que -por supuesto- incluye la mayoría de los hits de su propia agrupación.

“Lo gracioso es que, mientras la gente nos llama pesimistas, nosotros creemos ser optimistas. Hablando sobre la de-evolución, estamos incentivando a la gente a que evite las cosas que

nos ocurrieron. El mensaje continúa intacto, estamos a favor de la información y en contra de la estupidez, nuestro principio es hacer que las personas se empoderen a sí mismas a través de averiguar cuáles son sus opciones. Mucha de la música de los últimos 20 ó 30 años ha sido acerca de que no hay nada que hacer o sobre que vivimos en desesperanza”, declaró el vocalista al sitio londinense Spinner.com.

ESENCIA INTACTA

Ácidos y mordaces, Devo extrapolan su discurso a todos los ámbitos del quehacer humano, convirtiéndolo en una postura multiuso para afrontar la decadencia de las instituciones con las que lidian. Especialmente, la industria

cifras millonarias no alcanzan a copar las expectativas forjadas en un pasado de enormes ventas, inalcanzables para esta

dinámica realidad. “Antes ellos hacían mucho dinero, así que contrataban a bandas y les daban una agradable dosis de plata, pero terminaban ganando el 90% del dinero hecho por el grupo y del 10% restante recuperaban lo invertido. Básicamente era esclavización, aunque la gente compraba discos y así había dinero en el aire”,

misma transnacional dueña de su catálogo

noviembre del 2009 cuando las sesiones de grabación cobraron legítima forma de álbum. Las dos décadas de inactividad hicieron que el grupo perdiera terreno en

el campo del marketing, que es justamente el ítem en el que más exigencias realizaron al momento de cerrar el trato con el sello. Eso sí, el ojo crítico nunca pestañea. “El

derrumbado. Ellos solían tener el control de todos los medios de distribución, cuando la gente efectivamente compraba música, lo que les daba

canciones en el computador, en el celular o en un chip y nadie cree necesario pagar por ella”,opinan.

Devo advierten que la lentitud de reacción es el peor de los males, en épocas como ésta, de cambios vertiginosos y giros constantes. Para ellos, la industria está en la misma curva descendente en la que se encuentra el capitalismo, sobre todo ahora que los mismos criterios mercantiles se apoderan de todo. La de-evolución del negocio disquero se expresa en el afán de perpetuarse, pero privilegiando la

inmediatez y no la visión de largo plazo. El

acuerdos en los que un sello, alegando que busca una sociedad, exige parte de las ganancias de conciertos y merchandising. Un síntoma de que los ejecutivos sólo ven pequeños fragmentos de la foto grande.

“Todas esas ideas de que los artistas ya no necesitan apoyo de trasnacionales porque hay sponsors para respaldar los cheques de avance, apoyo de los propios fans… no es cierto. Realmente queríamos hacerlo nosotros mismos con Facebook y todo eso, pero cuando no has lanzado nada en 20 años y no eres Radiohead o Trent Reznor con los Nine Inch Nails… No queremos hacer lo que no podemos”

“Something for Everybody” encuentra a Devo ratificando su

principio fundacional: la sociedad está de-evolucionando.

50 III ROCKAXIS

HitFix.com, a nombre de todos sus colegas. Con el mismo criterio analítico, la banda se colgó de lo que apabulla en sus

de marketeo, generando una paradójica situación de la que salieron airosos.

Cuando Devo tuvo 16 canciones listas para armar “Something For Everybody”, subió todos los audios a su sitio web y dispuso una votación para que los fans eligieran sus 12 favoritas. Ese puñado de temas conforma el álbum, luego de que más de 40 mil personas hicieran valer su opinión, además de algunos otros elegidos

escogida está ordenada según la cantidad de sufragios obtenidos. Para el quinteto, llevar a cabo este proceso responde a una necesidad efectiva (la de conocer los gustos

otro comentario sobre la situación actual de la música. Someter los cortes de la placa a un sondeo fue colocar su obra al mismo nivel de cualquier otro producto que ofrezca el mercado.

“Parece ser un hecho en el mundo de los negocios. Poner un contenido creativo en una sociedad corporativa es un arte en sí mismo. Es todo lo que queda porque vivimos en un tiempo en que, literalmente, la música ha sido devaluada y el público no siente que deba pagar por ella. Y todo el mundo está sacando discos todo el tiempo, decenas de miles de CDs al mes o como sea. Hay un exceso de oferta, sobrecarga de información. La única fuerza que determina lo que piensas,

lo que sabes que te están ofreciendo o por qué algo debiera importarte es el marketing. Así que estamos haciendo una observación y, a la vez, usando esa realidad”, explicó Jerry Casale en una entrevista con The Quietus.

“Es el modelo de American Idol y, si ese programa hubiese existido en los sesenta, probablemente no tendríamos Bob Dylan, The Rolling Stones, Jimi Hendrix o Bob Marley porque Simon Cowell los echaría”, redondea el bajista. Con toda esa desazón, sería fácil creer que una banda con una mirada así fuese a editar un álbum sesudo y amargo. Por suerte, “Something For Everybody” es una explosión upbeat que amaina con el pasar de las canciones, pero que jamás decae en su afán de captar la atención. El disco tuvo varios productores, entre los que destacan John King de los Dust Brothers (Beck, Beastie Boys), Greg Kurstin de The Bird & The Bee (Red Hot

Chili Peppers, Peaches) y la taquillera solista Santigold.

Puede que el panorama sea complejo, pero Devo lo contempla con la tranquilidad que da el tiempo y la satisfacción de

inteligencia. Su búsqueda de colaboradores (que barajó nombres como Snoop Dogg,

Doyle de Hot Chip) habla sobre una banda capaz de reconocer los chispazos de luz en la oscuridad, tras obedecer su propia consigna de discriminación de datos. Y no todo es tan maquinal: a 38 años de su formación, con las consecuencias físicas del paso del tiempo, el grupo sigue sacándose la ropa cuando toca ‘Mongoloid’ en vivo y Mark Mothersbaugh termina tocando en calzoncillos. Todavía queda sangre.

Andrés Panes

Fotografías por Ignacio Orrego G.

24III ROCKAXIS

Es Brunanza! Uno de los engranajes fundamentales de la banda nacional Sinergia. Responsable de parte importante de las composiciones de esta peculiar, prolífera y ya estandarte banda de rock

chileno. Es inquieto y por momentos hiperactivo. Irradia energía. En vivo y en acción, él se encarga de marcar el tempo con sus tarros y platos. Pero la música para Bruno va más allá de la batería o de los mismos Sinergia. A sus cortos 28 años ha vivido desde niño entre cuerdas y acordes. Su padre es Andrés Godoy, músico chileno e inagotable gestor y productor de la

música chilena. Así, Brunanza ha vivido y concebido su existencia entre melodías. Uno de los lugares físicos donde ha pasado gran parte de sus días (de niño, adolescente y hoy) es en el interior del histórico

creación y desarrollo de la música chilena. Balmaceda

Estación Mapocho. Aquí, Bruno ha forjado su segundo hogar. Cientos de historias, días de adolescencia, miles de ensayos, todo entre intensos pasillos que son verdaderos laberintos, los que por momentos confunden y aturden.

Bruno“Brunanza” Godoy

La sinergia de Bruno

VITRINA ROCK

Fotos por Ignacio Orrego G. // Producción & Imagen por Fotorock

25III ROCKAXIS

Brunanza y Sinergia vienen llegando de un viaje a Colombia. Acaban de estrenar su nuevo clip “Yo creí que quería conmigo” y están fecundando un nuevo disco, un nuevo delirio que le rinde tributo a “La Nueva Ola Chilena”. En medio de esa fauna llegamos un día cualquiera a su casa en la comuna de La Florida. Un café caliente y tabaco bastaron para invitarlo a recorrer nuevamente esos espesos pasillos de Balmaceda 1215, con paredes empapeladas de historias. Por momentos sus recuerdos cobraron vida.

26III ROCKAXIS

28III ROCKAXIS

Me parece que mucha gente no se ha percatado de que los suecos Abba tienen algo más que unos pocos fans entre los miembros de la “respetable” comunidad rockera. Recuerdo haber conversado con el baterista de Slayer o el guitarrista de The Cardigans acerca de la sensación culpable de Abba. En

el mundo del indie rock también he visto gentes lucir una chapita de Abba sin problema alguno, incluso pasando por cool. Como un botón de muestra, ahí tienen a los escoceses de Belle & Sebastian. Nick Lowe, uno de los grandes productores de los ochenta, produjo para Elvis Costello un disco que podría haber sido el álbum Abba hecho por Elvis Costello, que terminó llamándose “Armed Forces”. Ya sabemos que ejemplos en el heavy rock europeo hay por montones; Abba es una banda ampliamente versionada y termina siendo una cuestión de musicalidad.

Entre los que hayan declarado su admiración a ABBA me consta que están Paul McCartney (amigo personal de Benny y Frida),

Gene Simmons de Kiss, Madonna, Noel Gallagher de Oasis, Glenn

Maiden y hasta Steven Spielberg, que siempre lleva canciones en

Who, que considera a ‘S.O.S’ como la mejor canción de la historia musical. Para mí, exagerando la nota, sería ‘Does Your Mother Know’. Si la escucho ahora me lo llego a creer.

Esto es excepcional. No niego que a veces me siento bien snob en lo que a música respecta, y es que, por momentos, me gusta pensar en mí mismo así, un esnobista. No obstante, me resulta más fácil de lo que creen admitir algunos mis gustos culpables, los colores más decididamente borrosos de mi paleta de colores musicales. Al menos en privado me encanta hacerlo, hoy lo hago público.

Tal como algunos podrían sentirse un poco avergonzados en admitir que disfrutan artistas como estos, yo mismo decido ventilar este hecho y agitarlo ahora como una bandera que me hace sentir honrado. Porque para mí, no hay ningún placer más culposo de

Mamma Mia!:Abba Rocks!

29III ROCKAXIS

todos los que hay en la música que la de la perfecta construcción de tres minutos en

me rayan algunos dulces lollies del pop.Para mí estas melodías pop cuasi

perfectas son las que de todas maneras pueden representar una experiencia de felicidad transitoria por ser justamente algo tan meticulosamente construido. Creo que en los últimos 30 años, más o menos, nadie pero nadie ha publicado una mayor seguidilla de pequeñas opus magnas del

Abba.Lo que ellos hicieron tan

perfectamente durante gran parte de los años setenta, fue diseñar éxito tras éxito, en la forma de estos singles no tan sencillos

como suenan en su bello diseño sónico. Deben conocer muchos de estos, están ‘Dancing Queen’, ‘Take A Chance On Me’, ‘Mamma Mia’ y decenas de otras. Muchas de estas grandes canciones le deben más que un poco a Phil Spector, por ejemplo,

recuerda nada menos que al mismísimo “Wall of Sound”, técnica de grabación del hoy atribulado productor. Pero sonando

cuentas.

grandes éxitos en todo el planeta de la forma que lo eran en Europa. Está un hit menor, como ‘Honey, Honey’, que a mí

como le decían los que la amaban), cantan la letra de una manera tan inocente, que llega incluso a ser hilarante en la forma

la cuenta, en lo que paradójicamente se

La canción en sí inteligentemente se hace pasar como una especie de

enmascarara su intención más erótica.

a pegar a ti de tal forma que nunca podrás deshacerte de mí”, me suena sugerente como pegajosa es la miel. Mientras que en

menos, eres una terrible... bestia”. Por lo tanto, díganme ustedes sobre qué creen que están cantando aquí.

En otras palabras, quiero pensar que las mejores las canciones de Abba eran las que

tan inteligentemente empaquetadas como

encarnación misma de dicha sana inocencia

percibió.Pero lo que es más importante, las

canciones de Abba y sobretodo la forma

obtenido su legítimo reconocimiento después de todos estos años. Muchos entendidos han llegado a aceptar que Bjorn y Benny comparten tanto con gente como Brian Wilson, John Phillips y Phil Spector como lo hacen con Barry Gibb y otros compositores de la era del disco

quienes fueron relacionados e injustamente reducidos como un ítem del disco setentero.

Por eso parece natural que Abba

tributo de Abba o del musical que hace poco se adaptó para el cine, “Mamma Mia”, que en pantalla resultó un bodrio, pero fue innegable éxito de taquilla en todo el mundo.

Gold” que seguramente tienen en algún closet y dale una chance como dirían ellos.

haber caído en gente que niegue este

te llegaría a encantar ‘Take a Chance On Me’ si le dieras la oportunidad. Y no por

Malsmteen para ‘Gimme Gimme’. Ni tampoco por los tributos a Abba de At

“Quiero dar las graciasa las cancionesque transmiten emocionesquiero dar las graciaspor lo que me hacen sentir, debo admitir

Alfredo Lewin

30III ROCKAXIS

De la UTI de un hospital directo a un evento de entrega de premios y luego al programa de televisión “The Celebrity Apprentice 3”, donde participaba para recaudar dinero para la Asociación Americana de Diabetes (enfermedad que Michaels padece desde niño). Así se puede resumir el “milagroso” proceso que experimentó el cantante de

Poison y ahora estrella de la TV gringa gracias al popular date show “Rock of Love” de la cadena VH1, donde se le buscaba una esposa a Bret Michaels.

Incluso el pasado día 5 de mayo, su médico tratante, el doctor Joseph Zabramski, en conferencia de prensa indicó que “hoy hemos dado de alta al paciente Bret Michaels, quien ha experimentado una completa mejoría de su aneurisma cerebral y no sufrirá ningún tipo de secuela. Estamos en frente de una recuperación milagrosa que sólo algunas personas muy afortunadas logran tener; sin duda él es una de esas personas”.

Pero siempre la moneda tiene dos caras, y desde el otro lado, el de la especulación y de quienes ven la situación sólo como un tongo o un ardid publicitario está, por ejemplo, Dee Snider, el famoso líder y vocalista de Twisted Sister, quien es conocido en el ambiente por decir las cosas sin pelos en la lengua: “Tras la trágica muerte de nuestro amigo y hermano Ronnie James Dio, sumada a la de Pete Steele de Type O Negative y la del muchacho de Slipknot, nadie quería que alguien más se uniera a esa lista negra para el rock, por eso todos estábamos muy preocupados por la salud de Bret Michaels, y los comunicados de prensa sólo informaban de su situación extremadamente grave y de pronto, ¡pum!, Bret aparece en un programa de televisión, y además anunciando que muy pronto

volverá a los escenarios.De verdad todo esto me huele muy mal, no digo que haya sido idea de

Bret, porque lo conozco y sé que es un buen muchacho, pero me parece que

que lo contrató. Claramente se exageró su gravedad, los publicistas del cine y de la televisión son los perros más hambrientos de este planeta ¡incluso por sobre los publicistas del rock! (risas)”.

para la publicidad e imagen de Bret Michaels, como si todo hubiera estado “hecho a su medida”, tal como su nuevo disco solista “Custom Built” (lanzado estratégicamente justo cuando lo dieron de alta), un disco de rock claramente meloso, hecho pensado en la FM y la TV, con estrellas populares de turno invitadas en el disco como Miles Cyrus, la archiconocida protagonista de la insufrible serie “Hanna Montana”, además de la enésima revisión del hit de Poison ‘Every Rose Has Its Thorn’, esta vez en clave de country.

Quizás lo más sensato que ha dicho Michaels después de toda esta vorágine de éxito televisivo ha sido que “quizás el stress y la presión a la que estaba sometido terminó haciendo explotar mi cerebro, pero después de estar tan cerca de la muerte, sé que tengo que hacer un cambio en mi vida y valorar las cosas que realmente son importantes, por ello estoy pensando seriamente en casarme y formar una verdadera familia con la madre de mis dos hijas”. Sin duda eso y un auténtico disco de hard rock con Poison es lo mejor que podría hacer Bret de una vez por

que casi lo terminan matando… según él.

Cristián Pavez

Bret MichaelsEl gran tongo¿Realmente estuvo a punto de morir el vocalista de Poison y ahora estrella de TV?

SEÑAL ESTABLECIDA

32III ROCKAXIS

Ila potente recepción que tuvo Foals el 2008 cuando despacharon “Antidotes” como un simple golpe de suerte, potenciado por las coberturas antojadizas de medios ávidos de propulsar nuevos valores, sería un craso error. Es bien sabido que ya el hecho de prescindir en su primera pieza en extenso de los dos sencillos con

que se habían hecho un nombre en la movida británica (‘Hummer’ y ‘Mathletics’) hablaba ya de la visión del quinteto de Oxford. Pese a esto, el arsenal de atractivos pasajes con que cuenta dicha placa bastó para que la alineación encabezada por Yannis Philippakis (voz, guitarra) estuviese en boca de todos.

“Total Life Forever” estuvo distante del relajo y la parsimonia. Incontables debates internos, tanto por el concepto como la paleta de estilos a exprimir, fueron algunos de los condimentos previos

muestras. Si se tiene dudas al respecto, basta sólo chequear el adelanto que eligió el quinteto para anticipar el lanzamiento del álbum, ‘Spanish Sahara’, un bozal de siete minutos para todos los escuchas amigos de las tonadas comerciales y de corta duración.

De las ambiciones de la banda y todo el cambio de folio

Philippakis. “Quisimos advertir a nuestro público acerca de este giro en

cuanto a sonido. Las diferencias con ‘Antidotes’ quedan a la vista y pese a que

Heads fueron revisados hasta el cansancio cuando componíamos estas .

Arreglos sinfónicos, electrónica y texturas opacas visten las canciones de “Total Life Forever”, trabajo que contó con la mirada en teclas de Luke Smith (Clor) en los estudios Gramofon en Göteborg, Suecia. Lejos de esas tomas abusadas hasta la médula por el reverb que les entregó el reconocido productor y componente de TV On The Radio, Dave Sitek, la misma agrupación reconoce el acertado relajo que acompañó las sesiones para este episodio.

, añade Yannis.Así, Foals replantea su recorrido gracias a otra soberbia

muestra de integridad. Sea reinvención o simplemente un ejercicio obseso por remar contra la corriente, lo que los de Oxford garantizan siempre son composiciones de alto tono melódico, sean ambientales o matemáticas. Al menos ese hedor pasional ya parece resultar una constante para un grupo que rebosa credibilidad. Cómo hubiese querido Bloc Party escribir este doblete.

Francisco Reinoso Baltar

FoalsDepurando la marcaCon “Total Life Forever”, Foals encuentra todo el potencial necesario para imponerse con soltura y marcar diferencia en la escena de las islas británicas.

34III ROCKAXIS

Cuando The Sword anunció que el 24 de agosto sería la fecha de edición de su tercer álbum, “Warp Riders”, de inmediato se apresuraron a revelar que no sería un disco más del montón. Es que el cuarteto de Texas se esmeró para entregar un producto que les permitiera seguir ascendiendo y subir un peldaño más en el eterno proceso de consolidación que vive

cualquier banda.Eso es lo que buscaron plasmar en “Warp Riders”, junto al

productor Matt Bayles (Pearl Jam, Mastodon, Isis), trabajando sesudamente sus detalles y desarrollando un registro conceptual que, según reveló la banda en un comunicado, es “una ópera espacial sicodélica que explora temas como la muerte y el renacimiento”. Como punto de partida, el pasado 6 de julio, la agrupación liberó el primer sencillo de la placa; se trata de ‘Tres Brujas’ que, además de ser una muestra anticipada del cedé, es parte de una trilogía de videos junto a los cortes ‘Lawless Lands’ y ‘Night City’.

En “Warp Riders”, la banda de J. D. Cronise (guitarra y voz), Kyle Shutt (guitarra), Bryan Richie (bajo) y Trivett Wingo (batería), no sólo se introduce en los sonidos metaleros acostumbrados, sino que expande su performance y se acerca también al hard rock. ¿Un intento por lograr la masividad?

Según J.D. Cronise, no hay planes de alejarse de ese sonido

clásico del grupo: “Si más gente escucha esto es genial, pero no lo estamos haciendo por eso. Estamos más interesados en expandir nuestro sonido por nosotros mismos. Si quisiéramos ampliar nuestro público, sería mejor rehacer

.

horizontes en lo sonoro fue una cosa, pero planear una historia

completamente distinto. Según Cronise, “es lo que técnicamente puedes llamar un álbum conceptual. Es más una banda sonora de una historia”.

Claro, todas las canciones están ligadas a un relato de ciencia “Este

–cuenta Cronise-. La

y armadas intergalácticas, entre otras cosas. Musical y líricamente es algo distinto, que muestra un lado diferente del grupo, pero sigue sonando a The Sword”.

El propio Cronise completa entregando detalles de las motivaciones para escribir una placa como ésta: “La razón para crear

y letras interesantes con un tema central que englobara todo”. Una apuesta arriesgada que sólo el tiempo dirá si rindió los frutos esperados.

Rodrigo Carvajal U.

“Warp Riders” es la nueva apuesta de los metaleros de Texas. Con su tercera placa de estudio pretenden seguir cosechando los buenos comentarios de sus dos primeros álbumes y consolidar un formato que, poco a poco, sigue tomando forma definitiva.

The SwordJinetes espaciales

36III ROCKAXIS

Del Caribe al más alláLa ciencia fi cción y la nostalgia se toman el trabajo nº15 de Iron Maiden. Grabado en los mismos estudios donde se forjaron los “Piece Of Mind” y “Powerslave”, en las Bahamas, “Th e Final Frontier” ya viene a ser el cuarto álbum desde la exitosa reunión con Bruce Dickinson y Adrian Smith, ciclo que ya lleva unos impresionantes 11 años. El mundo ya es suyo y ni siquiera los fi los siderales están fuera del alcance de Eddie. El nuevo límite de la bestia.

Las históricas giras del 2008 y 2009 basadas en la época más clásica de Iron Maiden, tanto en escenografía como repertorio, hicieron que el tiempo pasara volando. La aventura marcó el clímax de la segunda era dorada de los británicos con conciertos que incluyeron temas como ‘Rime Of The Ancient Mariner’, ‘Powerslave’, ‘The Phantom Of The Opera’ y otros que antes

había que conformarse sólo con verlos en VHS. Por supuesto entonces que los días corrieron como nunca y por ello muy pocos se dieron cuenta que ya cuatro años habían pasado desde la última producción de estudio, el lapso más grande entre un CD u otro en

El “Somewhere Back In Time World Tour” con los números

los seis integrantes sigue incluso con más vida que antes. Para este

Nassau en las Bahamas para grabar en los mismos Compass Point Studios donde se registraron “Piece Of Mind” (1983), “Powerslave” (1984) y parte también de “Somewhere In Time” (1986).

Como los documentales de “The Early Days” (2004) y “Live After Death” (2008) lo mostraron, muchos recuerdos permanecen

Caribe, los que de acuerdo a Bruce Dickinson, volvieron a cobrar vida en este regreso tras casi 25 años. “El estudio tenía la misma vibra y estaba justo como en 1983, nada ha cambiado, ni siquiera la ventanilla rota en la esquina… la misma alfombra, todo, de verdad que daba escalofríos. En todo caso nos sentimos muy relajados en un ambiente tan familiar y conocido, lo que encuentro que se nota en la ejecución y la atmósfera del álbum”.

La atmósfera del álbum se debe además a la puesta en extremo de los conceptos traídos por el ingeniero Kevin Shirley, quien en

“Brave New World” (2000) convenció a la banda de grabar sus discos con todos los miembros en un lugar como si de un show

partes por separado y en distintas etapas. Esta vendría a ser la cuarta placa consecutiva que producen de tal forma y luego de tres

Matter Of Life And Death” (2006), dicha idea se llevó al máximo para “The Final Frontier”.

El mismo Dave Murray explicaría que nunca Iron Maiden había sonado más en vivo en cualquiera de sus otros 14 discos. “Lo terminamos en seis semanas, una pista por día, todos tocando juntos como

“Hicimos el “Somewhere Back In Time Tour” la última ocasión, que lidió más o menos con

los ochenta, y antes de eso hicimos el “Life And Death”, tocando sólo ese álbum (“A Matter Of

Life And Death”) en la gira. Si vas a mantenerte como un acto que valga, pienso que es muy

importante interpretar tu material reciente ya que de lo contrario te conviertes en la parodia de lo que hacías cuando empezaste. No puedes salir por ahí y tocar los más grandes hits toda la vida. Es importante tocar los temas más nuevos

porque de verdad creemos en ellos” – Janick Gers.

37II ROCKAXIS

38 III ROCKAXIS

grupo, con Bruce cantando, todos en la misma sala, entonces hay un feeling muy en-vivo-en-el-estudio. Apenas concluíamos un corte, nos íbamos directo a hacerle un poco de guitarras extra. Fue muy rápido para nosotros”.

En un material que según sus creadores mezcla canciones rock up-tempo directas con buenos grooves, con otras más largas y complejas, la premisa es el “viaje por distintas avenidas y diversas cosas”. Así lo cree Janick Gers. “Siempre sonará a Iron Maiden, por las personas que están tocando, pero si escuchas “Killers” (1981) y “Fear Of The Dark” (1992), ¡son completamente distintos en su sonido!, y ahora lo mismo”.

“Nos encontramos en una fase progresiva con la banda, la estamos llevando hacia los extremos. Me siento muy orgulloso del nuevo disco ya que la canción que sacamos no representa al resto. Hay muchas sensaciones y maneras de tocar en el trabajo, tomamos rumbo por diversas actitudes que llevan hacia otros lugares. Hay un montón de composiciones temáticas y música muy variada”.

Janick Gers se refería a ‘El Dorado’, el single de adelanto de “The Final Frontier” cuyo lanzamiento se hizo a través de descarga mp3. Eso, sin embargo, no fue del gusto de Bruce Dickinson, quien durante el tour por Norteamérica, con Dream Theater como invitados especiales, se quejó por la mala calidad del audio. “Pido perdón a aquellos que lo bajaron, lo ripearon o lo que sea”, dijo el 22 de junio en Auburn, Washington. “Pido perdón a aquellos que lo bajaron porque esa cuestión que está en Internet suena como la mierda, así nomás. Mp3: cómo quitarle las bolas a una canción. Los mp3s para la música son como los zombis para Shakespeare, ¡una porquería absoluta! Es terrible, todas estas personas escuchando temas con hisopos de algodón pegados en sus putos oídos. ¿¡Qué es eso!? A todos ustedes, las pobres víctimas que lo descargaron y pensaron ‘oh, bueno, la canción se llama ‘El Dorado’ y si compras la placa, deberá sonar como esto’, ¡mis excusas!”.

¿EL DISCO FINAL?

Por más que en un momento Steve Harris diera a conocer que Iron Maiden se retiraría después de su decimoquinto lanzamiento, que corresponde justo a “The Final Frontier”, ahora llega el momento de abordar el asunto y hay opiniones contrarias a esa idea desde el mismo núcleo de los miembros. “Mientras lo disfrutemos, se sienta válido, los fans sigan viniendo y hagamos grandes conciertos, a mí me gustaría seguir”,

lo disfrute y no seamos capaces de entregarlo, no querré continuar como un show de parodia dando un espectáculo de cabaret”.

En más de alguna oportunidad, Iron Maiden ha buscado superar sus hitos musicales con cada nuevo esfuerzo editado. La idea de “Fear Of The Dark” era lo que según ellos “Seventh Son Of A Seventh Son” (1988) no había podido por poco: destronar a “The Number Of The Beast” (1982). En entrevistas en promoción de “Brave New World”, se sentían seguros diciendo que era el mejor trabajo de la

banda. El 2007, Bruce Dickinson señalaría que desde “Piece Of Mind” que no hacían algo tan potente como “A Matter Of Life And Death”.

Ahora en cambio, luego de haberse absorbido en un tour como el “Somewhere Back In Time”, esa perspectiva dio un giro, como lo dejó ver Janick cuando se le preguntó sobre de “The Final Frontier”. “De verdad deseamos que Iron Maiden siga manteniendo el nivel demostrado hasta ahora, aunque para ser honestos difícilmente podremos igualar a “Seventh Son Of A Seventh Son” o “The Number Of The Beast”. ¡Qué tiempos!”.

MELVYN GRANT PRESENTA: EDDIE ALIENÍGENA

La pregunta que surgía con “A Matter Of Life And Death” era “¿quién es Benjamin Breeg?”. Ahora, con el nuevo de Iron Maiden es “¿dónde está Eddie en la portada?”, quien aparece trasmutado en -o casi reemplazado por- un extraterrestre. El creador detrás de esta particular versión es Melvyn Grant, un ilustrador londinense

que ya registra en su portafolio cinco carátulas para la bestia, desde su estreno con “Fear Of The Dark”.

“Con el Eddie de “The Final Frontier”, como alguien me habrá dicho al principio, ‘¡dividiste a los fans por la mitad!’”, señala el artista. “Algunas personas realmente lo odian y no creerías las cosas que quieren hacerme en los foros, ‘¡traigan de vuelta a nuestro Eddie!, ¡traigan de vuelta a nuestro Eddie!’. ¡Pienso que quieren que Eddie me acuchille y me coma!”.

En el pasado, Grant ya dejó su huella en la imagen del conjunto. “Fear Of The Dark” mostró la primera carátula polémica en la historia de Iron Maiden, con un Eddie mimetizado en un torcido árbol e ilustrado con un rostro muy distinto al que se le conocía por las portadas de Derek Riggs. Era la primera vez que el grupo decidía no trabajar con el creador original de su mascota y llamó a Melvyn para ese dibujo, quien poco sabía acerca de la música del conjunto. Tanto así, que el manager Rod Smallwood tuvo que pasarle todos los álbumes para que entendiera rápidamente la propuesta y lo que había

“Un show de Iron Maiden no tiene que ser una especie de experiencia aburguesada como ir a ver a The Eagles

con completos a 50 libras, vistiendo humita y toda esa mierda. Debe ser tan sucio, hediondo y sudoroso

como te sea posible. Y si no te agrada la huevada sucia, hedionda y sudorosa, ¡apártate!”

– Bruce Dickinson

51II ROCKAXIS

“El Eddie original parecía andar muy feliz causando todo tipo de caos tajando a gente en pedazos con hachas y ese tipo de cosas” “Yo quería poner una tensión más sicológica. En “Fear Of The Dark” por ejemplo, no creo que muchos se hayan dado cuenta de que Eddie no está sentado en el árbol, sino que está bajando del árbol en realidad, por lo que puedes mirarlo de ambos modos (…) El cuerpo viene bajando desde el árbol y parece que Eddie tiene una cola cerca de la Luna. Yo trato de ponerle un poco más de profundidad aparte de la brutalidad”

Melvyn Grant le decía que no al Eddie original, pero en 1998 casi todos le dijeron no a la portada de “Virtual

monstruo a punto de llevarse la vida de

consola, y sólo el 2005 logró realizar una propuesta más aceptada con el en vivo “Death Of The Road”, gracias a ese dibujo

el británico no quedaría contento con su publicación: “Jugaron un poquito con los colores. Supongo que no querían mostrar a un tipo verde conduciendo por el colon de alguien”

ilustración del single ‘The Reincarnation Of Benjamin Breeg’, hasta la fecha, su versión más conservadora y tradicional del

“The Final Frontier”, Grant nuevamente lo reinterpreta por completo en una carátula

sale como una alienígena arriba de una

¿Qué es esto?, se habrán preguntado “El

estilo y artwork de Derek Riggs nunca me atrajo así que claro, quise cambiarlo y hacer mi propia versión de Eddie”, responde de

forma valiente el autor de “Pero eso

Maiden lo detuvo, no deseaban que me alejara demasiado del estilo original, que obviamente a todos los fans de la banda les

un poco, de una manera que me dejara contento (y) la versión de “The Final Frontier” no es Eddie como tal (…) es un alien, aunque el antiguo todavía podría salir por ahí”

Antes de llegar al resultado que se ve en el nuevo CD, Grant dibujó varios bosquejos sólo basándose en el título, y después Iron Maiden llegó con la idea de colocar una

“Cuando lo hice, [Eddie] era más como “meaty-like” y sigiloso, escondido de una forma más malévola”,

“Al principio no querían que la nave estuviera entera destrozada, sino como si hubiese aparecido un agujero y hubiera un crew esquelético adentro. Busqué hacer a Eddie casi deslizándose, pero gradualmente se fue yendo a algo más brutal, como lo que se aprecia ahora”

Eddie Alien? “No lo sé. No es bueno que me pregunten mucho sobre esas cosas, porque creo que incluso ni Maiden lo sabe”

Jorge Ciudad

“Como que saben lo que ellos quieren, pero no saben en realidad lo que ellos quieren. Cuando

empiezas a hacer cosas, eso es lo que gatilla su imaginación y ahí es cuando desean que

algo sea cambiado. Con “The Final Frontier”, se supone que debía terminar [la portada] en abril y creo que nos adentramos bien

hasta mayo. Intentas una cosa y ellos dicen ‘¿podemos cambiar aquello?, ¿podemos mover

esto un poco?’. Por eso, todo tuvo que ser repintado una y otra vez”.

– Melvyn Grant

FUTURA ADVERTENCIA

40III ROCKAXIS

Para cualquier seguidor regular del inmenso recorrido artístico de Nicke Anderson no es muy difícil comprender el por qué de esta aún latente proactividad del que fuera, a comienzos de los noventas, un absoluto mentor dentro del forjamiento de la línea radical del metal

extrema con Death Breath, el soul en The Solution y cerrar el telón con The Hellacopters, ahora se encamina por una travesía alucinógena de rock and roll con esencia power pop acompañada de una constelación de avezados jinetes: Doll De Borst (The Datsuns); Dregen (Backyard Babies) y Anders “Bobba Fett” Lindström (The Hellacopters).

Aunque los aires continuistas jamás han contaminado la visión artística de Andersson, pese a tener un sello bien marcado,

directrices musicales de The Hellacopters. Dulces brebajes de pócimas de los maestros del rock de los sesenta y setenta y los textos más personales que Nicke ha escrito a la fecha potencian de sobremanera un trabajo que dispara pasión al por mayor. A sólo un par de meses de la salida del álbum, el combo, con la ventana indudable obtenida al tener la chance de abrir los shows de Kiss en Europa, va sumando seguidores en cada performance con facilidad.

Pese a portar años de vivencia en el negocio, Anderson no se

venideros. “No quiero que Imperial State Electric sea algo que parta solo de mí. Respiro esto 24 horas, no me sirve irme a una playa de vacaciones. Dentro de mi estilo de vida, tocar música son mis vacaciones. Con Imperial State Electric anhelo tocar sin parar y aún quedan muchas cosas por realizar”.

Francisco Reinoso Baltarwww.myspace.com/imperialstatelectric

Imperial State Electric HowlUn bocado metálico

FUTURA ADVERTENCIA

Aplicando con astucia los pliegues progresivos de Mastodon y matices propios del sludge y el doom, desde Providence, Estados Unidos, Howl emerge como una de las fuerzas descollantes en esta nueva escena que se posiciona con cada vez más fuerza. Formados el 2006 y encabezados por el guitarrista/vocalista Vincent Hausman,

el cuarteto se encuentra en una posición expectante gracias a los múltiples elogios despachados por medios especializados en Europa, Asia y Norteamérica hacia su debut “Full Of Hell” (2010).

sello sonoro revalidando el sello inicial de Mastodon hacia la alta

en cada nota y letra. “Todos venimos de la escuela de arte y decidimos, al mismo tiempo, dedicarnos a esto para ver hasta dónde podemos llegar. Lo nuestro es el rock en su lado más duro, pero en los textos tratamos de obviar cualquier legado musical. De hecho, el nombre de nuestra banda surge del poema del mismo nombre del autor de la generación Beat, Allen Ginsberg”,aclara Hausman.

y psicodelia de pares relativamente accesibles, como Baroness, Howl dirige su propuesta hacia la comunidad de nicho subterráneo. “Por ahora, estamos conformes con lo que hacemos y sabemos que es utópico abrir a Metallica si alcanzamos algún punto cúlmine en nuestra carrera. Nos sentimos muy cercanos a bandas como Eye Hate God, giramos con ellos y son todo un ejemplo de vigencia y creencia por lo suyo. Con ser así de longevos ya nos podemos dar por pagados”. Igual, con la prestancia sonora de “Full

Francisco Reinoso Baltarwww.myspace.com/howlheavymetal

44III ROCKAXIS

DorsoNuevas recolecciones macabras

Nuestro Ciclo Capel se viste de gala esta vez para presentar a una de las bandas más importantes del metal chileno y dueña

de una trayectoria que rápidamente se acerca a las tres décadas de recorrido. Dorso pisará las tablas del Club Mist y aquí te los presentamos para conocer algo más de la actual salud de la banda.

“Ventisiete años no es nada, creo que nosotros hemos renacido con más energía, creatividad y experiencia que nunca, tenemos para rato”,nos dice Gamal Eltit, guitarrista del grupo

de Dorso. Es que no por nada se han

“Espacium” salió hace un par de años… con la visión que da el tiempo pasado ¿cómo ves el resultado de esa placa?Gamalcon el Pera nos juntamos a hacer música

un disco electrónico como el que quedó

surge de la tumba”. “Espacium” es un disco

placa de transición, gracias a ella logramos

incluir a nuestro baterista Fran Muñoz”.Fue una apuesta para la banda. Una especie de regreso… ¿Qué rescatas del disco?

hecho íntegramente por nosotros, grabado,

la creación fue hecha en el estudio”.

A tu juicio, ¿qué ganaron con este álbum?

en las peticiones de la gente para tocar

saben todos los temas que tocamos de

buena aceptación. Creo que logramos estar dentro de las bandas de metal más pedidas

días para presentarnos en distintas partes de Chile. En todas las tocatas llenamos, eso habla por sí solo, la gente busca material

¿Están trabajando en la edición de una nueva placa?

“Recolecciones macabras del campo

a principios de 2011. En este álbum rescatamos la composición en grupo, también lo estamos grabando nosotros. Es totalmente distinto al anterior, tiene más de los principios de Dorso, queremos

folclórico”.

Rodrigo Carvajal U.Foto: Jorge Ampuero

CAPEL PURO ROCK

45II ROCKAXIS

SilverjackA prueba de balas

Invitados de lujo para una nueva edición del Ciclo Capel. Silverjack es una banda con un gran y potente show en vivo que no hay que dejar pasar. “Explota

el cemento” fue su primera entrega y, según nos cuentan, ya están trabajando en su sucesor, titulado “Contrabalas”.

Hace casi tres años dieron vida a un

el cemento” fue una tremenda carta de

“Veo un disco honesto, con la rebeldía que tiene una primera placa, una apuesta a decir: ‘esto somos y esto hacemos’, un gran paso para dar el puntapié inicial en el mapa de la música. Siempre para una banda el primer álbum es como el primer hijo, es con el que aprendes y en el caso de la música, además botas todo lo que tienes dentro de hace tiempo”

“Nunca quisimos ser o hacer algo mirando hacia al lado, eran los temas que teníamos y que nos gustaban. Tratamos de hacerlo de la mejor forma posible y nos abrió muchas puertas”

“Para nosotros una banda de rock debe mostrarse en vivo, el rock tiene un cuento con lo visceral y la interpretación que no tienen otros estilos”La banda está integrada actualmente

La posición de Silverjack es cíclica según la etapa, por ejemplo ahora que vamos a sacar un disco, hay que volver a tocar lo más que se pueda y promocionar el nuevo trabajo. Pero con la cobertura dispar que hay en los medios masivos con respecto a el rock duro, para una banda como nosotros en términos de masividad es difícil estar arriba de la ola… por ahora”

Ya están trabajando en su nueva placa. De hecho hay adelantos en su Myspace… De todas formas se escucha la marca registrada del

de la salida de Himmer de la banda

¿Hay algún concepto detrás más allá del estilo o esa marca registrada reconocible del grupo?

Rodrigo Carvajal U.Foto: Camila Cruz A.

46III ROCKAXIS

Sangre verdeAún distantes de efectuar su canto de cisne y a 12 años de ese anfetamínico debut en Santiago, el retorno de Green Day viene marcado por un dossier de proezas alejado de la urgencia y abigarramiento juvenil que los convirtió en el principal detonante mediático para revalidar el punk en los noventa. Renovados y portantes de esos códigos artísticos desacomplejados que sólo los iluminados desarrollan con prestancia, el trío de Berkeley retorna al cono sur americano decidido a demostrar porqué es en la actualidad uno de los números más candentes dentro de la liga de bandas de estadio.

47II ROCKAXIS

Exploración sin acotaciones. El 3 de octubre del 2000,

que sentaría las nuevas bases y postulados en

del punk descafeinado y ofertar atractivas

respaldo en cifras, la decisión estaba

su propio Rock Band. Dividendos al por

set que superan la treintena de canciones,

“Nuestro catálogo supera las dos décadas, por lo mismo, cambiar los repertorios es mucho más divertido. Pese a sentirnos muy orgullosos con los avances obtenidos en ‘21st Century Breakdown’, creo que varias de las canciones antiguas que decidimos mostrar en este tour le dan un balance importantísimo a nuestros shows. Ya son distintas generaciones las que asisten a nuestros conciertos y la idea es que la satisfacción

sea generalizada”

concierto que los de Berkeley realizaron el

de cualquier artista pero no para Green

WOODSTOCK: ANTES Y DESPUÉS

para los conocedores de la carrera del trío,

parados frente a 250.000 personas en

Generación X podía ofertar.

considerando parte de sus líricas (“Dear

intelectuales. Bastó un par de canciones para que el asunto se colocara color de

crescendo de las provocaciones de Billie,

al escenario. “Fue lo más cercano que he visto a un caos total. Los encargados de seguridad estaban desesperados y no sabían cómo palear el desorden que se estaba produciendo en nuestra presentación. Fue un desastre humano”el cantante, quien para ese concierto tenía

Con una trayectoria de más de dos décadas, una prominente discograf ía, espectáculos inolvidables y el estatus de banda clásica de nuestro tiempo, el

próximo show de Green Day en Santiago promete ser uno de los más destacados del año.

48 III ROCKAXIS

como los mismos músicos miraban con incredulidad la invasión de la gente al escenario. El asunto se complicó de sobremanera cuando la seguridad, hastiada hace rato, saca vehementemente a unas chicas agarrándolas del pelo. Bastaron sólo segundos para que Mike Dirnt saliera a defenderlas y se trenzara a golpes con los implicados. ¿El saldo para él? Tres dientes menos y heridas de menor grado.

Ante tamaño incidente y por motivos de seguridad, la organización decide sacar a la banda inmediatamente y les aconseja abandonar el área del festival para evitar mayores infortunios. Lejos

como si los hubieran condecorado con una medalla al valor. Al culminar la maratónica jornada de cierre del evento, el tiempo les

Red Hot Chili Peppers, que cobraron más de un millón de dólares por actuar en Woodstock, pudieron eclipsar una revelación de

abrirse para el combo.

BACKGROUND HASTA POR LOS POROS

menos, 15 años, dista mucho de los pétreos ideales y valores del

cima que muchos desconocen o dejaron de lado, obnubilados por ese vertiginoso suceso vivenciado pocos meses después de lanzar

exponentes de ascenso express, todo lo contrario, el camino fue más lento de lo que se piensa.

En 1989 y con 18 años a su haber, un adolescente Billie Joe

sus últimas pruebas en la Pinole Valley High School y junto a su compañero de andanzas de toda una vida, Mike Dirnt, huyeron de la vida académica. Semanas después optan por utilizar el garage del punk militante y el pilar del histórico fanzine “Maximum Rock”, Tim Yohannon, abrió este espacio para el desarrollo de la movida de Berkeley en 1986. “Tanto nuestras decenas de shows bajo la

, cuenta Billie.Fue ese mismo circuito under el que les permitió alcanzar

su primer contrato con el sello Lookout Records, propiedad del

[1992]

.

de Green Day es Rob Cavallo. Productor y bastión de Reprise

industria musical norteamericana, Bob Cavallo, conocido por su rol como manager de Prince.

EL DEBUT EN SANTIAGO: UN MAZAZO SIN ANESTESIA

Martes 3 de noviembre de 1998. Teatro Monumental

En plena eclosión del aún vigente neopunk, la primera visita a Chile

de la efervescencia causada por la también histórica venida de The

producción, “Nimrod”, pieza que pese a no convencer del todo a la

excesivo topándola con sus dos obras predecesoras, era defendida a regañadientes por sus creadores, quienes en la misma conferencia

51II ROCKAXIS

realizada un día antes en el Hotel Sheraton, aparte de lucir un vistoso buen humor, apelaban a que efectivamente habían cambios notorios en dicha placa, tanto en arreglos como en la extensión de la placa (50 minutos).

Tras el correcto acto de apertura de los entonces en boga Machuca, un atiborrado Teatro Monumental (ahora, Caupolicán)

revitalizó el punk en el globo. Adornados con un simple telón de fondo, la tríada inicial que retumbó la cancha coincidió con

la partida de Nimrod: ‘Nice Guys Finish Last’, ‘Hitchin A Ride’ y ‘The Grouch’. La audiencia hiperventilada a más no poder, especialmente en la pista, convirtió la cita

Con un limitado surtido de pausas, a excepción de escuetos mensajes como un “¡qué pasa Chile!” por parte de Armstrong, Green Day impuso su festín de estribillos certeros en base a totales insignias de su catálogo. De la efectividad de pasajes de “Insomniac” como ‘Geek Stink Breath’ a delicias de los escuchas de la vieja

escuela como ‘2000 Light Years Away’ de “Kerplunk”. Imposible olvidar el ingreso de un afortunado fanático tras ‘Knowledge’, dando además pie para que participara cuando el grupo interpretó el himno, ‘Basket Case’, una de las piedras angulares del concierto, pegada con ‘She’.

¿Momentos memorables? La destrucción de la batería tras ‘When I Come Around’, instancia que da pie, minutos después, a uno de los quiebres decidores en la carrera de la banda: ‘Good Riddance (Time Of Your Life)’, conducida por Billie y su guitarra. Semanas antes del show, mucho se criticó el excesivo costo de las entradas ($12.000), incluso la misma banda cuando arribó, al charlar con fans en el hotel y enterarse del asunto, pidió varias entradas para obsequiar a los seguidores que no tenían dinero para el ingreso. Contra viento y marea y con el recelo absoluto de aquellos punks duros que no transan con estas miradas comerciales del género, Green Day obsequió esa noche del martes 3 de noviembre una estridente demostración de poder, bolas e himnos generacionales. Si logran reeditar la mitad de la mística de ese show el próximo 24 de octubre en el Estadio Bicentenario de La Florida, los asistentes deberían darse con una piedra en el pecho. Equiparar la experiencia será algo difícil, pero dentro de las huestes de Green Day, nada es imposible.

Francisco Reinoso Baltar

52III ROCKAXIS

Nobleza obligaCon su quinto disco bajo el brazo, la banda de Josh Todd y Keith Nelson encara al futuro con más confianza que nunca. “All Night Long” es el intento de Buckcherry

por alcanzar la categoría de peso pesado del rock, llenar estadios y profundizar su mensaje. Todo en uno.

Bono lo sabe, Chris Martin también y por supuesto que lo mismo ocurre en la cabeza de Roger Waters. Cuando el poder de convocatoria crece de forma exponencial, la capacidad de impactar con un mensaje crece y crece, como lo hace el peso en los hombros. Ya no se trata sólo de pasarlo bien tocando o de hacer grandes canciones, sino de cambiar un mundo en el que,

con un mínimo poder de análisis, se nota que no todo anda bien. Aunque Buckcherry no se dedica a proclamar los males que afectan a la sociedad, porque suelen tener al hedonismo como bandera de lucha, acaban de sentir el llamado que pide a gritos mejorar el entorno donde viven.

Desde su regreso con “15”, editado el 2006 tras un receso de cuatro años en la existencia del grupo, que los norteamericanos comenzaron a amasar un éxito que los ha llevado a vender más de

con él. La experiencia acumulada durante su primera etapa, que los llevó a cesar sus actividades, les enseñó que el camino era otro: la carretera. Ahí se foguearon, repletando su agenda de conciertos y continuando con el

En el camino estuvo uno de los primeros atisbos de que Buckcherry

había preocupaciones mayores en la cabeza de sus miembros. Dos

“A Child Called ‘It’” (la que lleva el nombre del texto y el sencillo ‘Rescue Me’), que relata la historia de abusos que sufre un pequeño por parte de su madre alcohólica. La fuerte conexión del vocalista Josh Todd con la problemática lo hizo tomar la vía del activismo. Así se dio la colaboración entre la banda y la organización

además de participar en sus campañas.

, declararon en una entrevista con “Examiner”.

ADELANTE

Buckcherry sumaron y siguieron, energizados por la satisfacción de realizar una buena obra y avalados por una aceptación cada

insospechados luego de su disolución. Uno de los principales hitos en este proceso fue compartir una gira con Kiss, observando sus movimientos y admirando la continuidad de los de Detroit, quienes llenan todos los estadios donde se presentan y dan cátedra sobre cómo desplegar rocanrol en directo. La lección resultó y el quinteto decidió seguir los pasos de sus ídolos, haciendo del público su alimento.

que fueron captadas en el DVD “Live & Loud 2009”, Buckcherry comenzó a trabajar en el sucesor de

Long”. Ya estaba claro: el nuevo disco sería un avance gigantesco para un repertorio que busca tener a los grandes recintos para recitales como hábitat natural y a la gloria de miles de voces coreando juntas sus canciones. Era momento de poner todo sobre

hardcore de Minor Threat que escuchaban en su juventud, pasando por el glam al que nunca desconocieron, hasta las instituciones que los marcaron –como AC/DC y Kiss- y que tuvieron la suerte de telonear.

ALL NIGHT LONG

Para cumplir la tarea, el co-productor reclutado fue un hombre de extensa trayectoria y prestigio innegable: Marti Frederiksen. Un norteamericano que ha estado en las perillas de álbumes de

y compañía) y Def Leppard, entre otros monstruos. Y no sólo cuenta con experticia en el tablero de sonido, sino también como

trofeo más grande en su vitrina es la membresía como parte de los Boneyard Boys, el círculo íntimo de colaboradores de Aerosmith, con quienes ha trabajado desde mediados de los noventa.

Con “All Night Long”, Buckcherry reafirma su condición en la que no

sólo pregonan fiesta y vida fácil, sino también que hay preocupaciones

mayores en la cabeza de sus miembros.

53III ROCKAXIS

50 III ROCKAXIS

hemos tardado. Usualmente lo hacemos en dos o tres semanas, pero creemos que ahora nos tomó un tiempo sobre lo común. No nos presionamos con problemas de tiempo y todo el drama que eso puede crear. Fuimos, escribimos y grabamos, después retomábamos cada parte por separado y así avanzamos. Fue un enfoque diferente, pero buscamos lo mismo de siempre: hacer un gran

, comentaron sobre las sesiones que llevaron a cabo en Bastard Ranch.

El primer single del trabajo es la canción que da nombre

Buckcherry, como también mediante Facebook y Twitter. Esta última plataforma debió clausurar la descarga del tema, debido a un colapso en su sistema debido a la altísima demanda por bajarlo, que alcanzó decenas de miles de usuarios en cuestión de horas. Una

mayo, ya había emisoras estadounidenses programando el mp3 que el grupo dejó en la red.

¿Y qué tal el sonido del sencillo? “Es sólo una simple canción de rocanrol de una banda simple. Nos fuimos de tour por tanto tiempo con agrupaciones de estadio que admiramos por años, que ahora éste parecía el paso lógico en nuestra evolución. ‘All Night Long’ nació muy rápido y creemos que representa lo que es estar en uno de nuestros shows. ¡Estar en la carretera es genial! Hemos estado en nuestras casas desde diciembre, cuando

trabajar en el nuevo lanzamiento y ahora nos pican las manos por tocar y salir a dar recitales. Somos animales de conciertos y necesitamos estar de gira

, aseguraron en la radio estadounidense FMQB.

Buckcherry promete un quinto disco análogo, en el que se

con la nobleza de lo rústico. Keith Nelson declaró haber estado escuchando varios discos de James Brown y de blues antiguo mientras grababan, mientras que Josh Todd terminó convertido en fan de Slipknot. De seguro, uno que otro resquicio de esos nombres podrá ser desentrañado por las orejas más atentas y detallistas. En cuanto a las letras, el grupo adelantó que serán menos graves que las

de la entrega anterior, aunque ‘Our World’ -el otro adelanto- dice lo contrario.

La canción, que habla sobre el daño que la humanidad le hace

para Natural Resources Defense Council. Una organización medioambiental, con 40 años de historia, que se encuentra denunciando a los responsables del infame derrame de petróleo en el Golfo de México. “La escribimos antes de la tragedia. Queríamos hacer

una banda muy política, aunque sí hay un lugar para esos temas en nuestra música. Así que compusimos el tema y cuando ocurrió el desastre acordamos cambiar parte de la letra para hacerla más evidente. Hay muchas personas y vida animal afectados por esto y deseábamos llamar la atención al respecto.

, comentó la banda. Nobleza obliga. Y pertenecer a la realeza del rock contemporáneo también.

Andrés Panes

56III ROCKAXIS

Un dúo que pasó a trío. Dos discos en estudio, uno en vivo y uno de descartes. Ése es el currículum que antecede a Philipina Bitch,uno de los grupos más novedosos de la actualidad y que, con sonidos sacados del más experimental de los baúles, apuesta por la sinceridad de un trabajo bien hecho para su promisorio futuro en la escena nacional.

Bastó un disco (“Té, papaya y completos”, editado en 2007 bajo la etiqueta Discos Tue-Tue), para que el dúo conformado por Sebastián Orellana (bajo, guitarra y voz)

y Felipe Ruz (voz, guitarra y teclados) llamara fuertemente la atención de los medios especializados, con una mezcla entre psicodelia sesentera, muy cercana al

criolla.En un formato peculiar, en el que en un

nacido en Concepción demostró que es posible hablar de una propuesta refrescante y, al mismo tiempo, dar potentes señales de una suerte de nueva camada de jóvenes músicos, los que no tienen miedo a

hacerlas canción propia, como en el caso de Philipina Bitch.

Aunque el nombre parezca surgido de

aspecto. “Nos llamamos así porque cuando grabamos el primer tema teníamos que guardar la canción en el computador y queríamos ponerle nombre a la banda y salió no tengo idea por qué”.

contrasta con lo que, en general, la prensa y periodistas musicales han escrito respecto

lisa y llanamente, el esnob término de naifsale fácil del teclado. “¿Qué es eso? –pregunta

creo que todos los músicos tienen algo de ingenuidad al momento de querer hacer algo nuevo. En todo caso, no es una palabra que ocuparía para describir nuestra música, más

bien no me interesa describirla”, asegura.

este tipo de comentarios fueron los que dieron la bienvenida al segundo elepé de la banda, “Vecindad Maldita” (2009, Discos Tue-Tue). No obstante, para el bajista de Philipina Bitch las alabanzas son sólo una parte de lo que, como banda, vienen trabajando desde 2006, año en que se formaron.

¿EL NUEVO ROCK DEL SUR?

Como toda banda que salga desde la

alcances sobre grupos que ya forman parte del subconsciente colectivo, como el ya reconocido caso de Los Tres.

Sin embargo, para Sebastián Orellana, el asunto no reviste mayor importancia. “Si hubiera pegado estaríamos viviendo de esto, y aunque en cierta manera lo estamos haciendo pero no porque hemos “pegado””, comenta.

Orellana tiene fundamentos en lo que dice. Philipina Bitch debe estar dentro de

dos años, editaron cuatro discos: sus dos elepés de estudio (de los que Sebastián

“discos hechos con mucha sinceridad”) y dos placas en vivo. Además, durante este 2010 Philipina Bitch acaba de lanzar el cedé “Eine langsame avenid EP”, que contiene descartes de su registro “Vecindad Maldita”.

invita a revisar el Myspace de la banda

como sus sitios en Facebook para estar atentos a las nuevas presentaciones del grupo.

Felipe Kraljevich M.

Philipina BitchLa mejor ecuación de todas

58III ROCKAXIS

El rol solista le acomoda a Catoni. Ya sea como mero ejecutante o en la faceta de compositor, el guitarrista siente que en este nuevo paso se acumulan todas las facetas que

aprendió con sus otras bandas (Borbotones y Hooker). Y eso mismo es lo que se ve

componen “Virtual: El disco que no es disco”, el primer trabajo de Carlos ya establecido como Catoni. “Virtual es efecto de experiencias previas, con mis bandas anteriores, donde los esfuerzos para poner a la venta un disco que la mayoría pirateaba o nunca oían eran innecesarios y nos quitaban tiempo y fuerzas en dedicarnos a hacer lo que hacemos mejor, tocar música”, explica el músico.

De esta forma es que la música de Catoni comienza a circular bajo este concepto que, por un lado, busca lograr una mayor difusión y por otro, se adapta a la nuevas condiciones que vive una industria que, a nivel internacional, reporta millonarias pérdidas en las ventas del formato físico. “Lo lógico –dice Catoni, espoder hacer llegar mi música de la forma más fácil a quien quiera oírla y vayan a los shows. Hoy el medio más potente para hacer esto es Internet”.

Esa es la génesis del concepto de

Para Catoni, este trabajo, del cual acaba lanzar su tercera parte hace poco, obedece a eso: posibilitar la mayor difusión posible a través de su propio sitio web, del que

se puede escuchar y descargar de forma gratuita. Asimismo, Catoni destaca que para cada una de las entregas que componen “Virtual”, no hay presencia de material antiguo. “Desde “Virtual Vol. 1” comencé a componer nuevas cosas desde cero, decidí no usar nada de mi material antiguo, ya que necesitaba incorporar frescura al nuevo sonido”, destaca el guitarrista.

LA VOZ DE LA EXPERIENCIA

Carlos Catoni ya lleva varios años en el circuito del rock nacional. Con Borbotones y con Hooker, Carlos ha demostrado ser un guitarrista sumamente versátil al momento de enfrentarse al instrumento. “Creo que no sueno a ningún guitarrista, pero a la vez a todas

“Si tuviera que

una mezcla de los grandes me han marcado, pero siempre tratando de comprender como funcionan más que tratando de copiar sus sonidos”, agrega.

Por lo pronto, el guitarrista adelanta que “Virtual” no tendrá una presentación física, tal y cómo la conocemos, aunque tampoco descarta de plano la idea.

pero no está dentro de ningún plan ya que no me parece interesante trabajar con un sello, pero nunca se sabe”momento no hay fechas concretas, en el sitio web www.catoni.cl podrán encontrar la más reciente información sobre posibles tocatas, como también descargar a “Virtual”.

Felipe Kraljevich M.

El salto desde la seguridad y confort que signifi ca el estar en una banda, al presentarse en un acto como el responsable directo y principal de un asumido proyecto solista, es algo que Carlos Catoni conoce de sobra. El guitarrista, que por años se ha destacado en distintas bandas, asume ahora el espacio sólo como Catoni, así a secas, dejando en claro quién es el responsable de esta nueva encarnación del músico.

Catoniy su “virtual” disco

60III ROCKAXIS

Doctor Dientees una banda que nació el 2007, en Pedro Aguirre Cerda, y que pretende redimir con su música y el power de las percusiones latinas, la esencia del rock de barrio.

Compuesto por dos integrantes del grupo Triciclo, el vocalista y guitarrista Claudio Carrasco y el bajista Ricardo Farías, quienes junto a Felipe Bravo en

guitarra forman la base creativa del grupo,

para grabar su primer disco “Al Rescate del Barrio”, edición que les ha traído muy buenos dividendos y que pretenden seguir promocionando por este año.La música de Doctor Diente destaca por su energía, matices sonoros y, sobre todo, por el gran peso que contienen sus líricas

cualquier país latinoamericano. Así lo deja entrever su frontman Claudio Carrasco.

¿Cuál creen que es el principal atractivo que posee la propuesta de Doctor Diente? “La fuerza de las guitarras mezcladas con la potente voz y la furia de las percusiones y el bajo. Todo eso además del contenido fuertemente social y existencial que se

generan poderosas descargas audibles”.

Las percusiones latinas juegan un rol importante en su sonido, ¿piensan que a veces el público rockero es un poco reacio a esos elementos?

un tipo de rock latinoamericano donde las percusiones son fundamentales y el público latino cada vez mas asimila esa fusión, por lo menos eso es lo que percibimos en nuestras presentaciones. En todo caso hay que dejar en claro desde el principio que lo de nosotros es rock, no pachanga”.

perceptibles en su música.“Vamos a ver… Hendrix, Víctor Jara, Carlos

Santana, Divididos, Habana Blues Band, Fulano, Congreso, NIN, Puya, Zeppelin, Zappa, Pastorius, Infectious Groove, Faith no More, Buddy Richard, Cecilia, Los Ángeles Negros, Los Chileneros, Sepultura, The Police, Johnny Cash, Nano Stern, Triciclo, Pluma Azul, Los Jaivas, Elvis (el de los tarros), Los Atletas de la Risa, Violeta Parra, Condorito y el kramer, entre muchos otros”.

¿Qué características tiene el rock de barrio?“Su mayor característica es el empuje, esfuerzo y dedicación de tantas personas que luchan por tener algo de rock. Es callejero, de esquina, de la plaza, del almacén y el carrito de ‘tocomples’ de la feria. Todo mezclado con este sonido ‘latinazo rockero’ que se convierte en un estilo de vida ‘Sangrefurialatina’”.

¿Se viene una especie de relanzamiento del disco para este año?“Sí, el disco se relanzará durante este año debido a que se nos agotaron rápidamente las copias. Es una mezcla de estilos y formas de ver la música sin estancarse en una corriente, pero dando un sonido muy propio que resalta las guitarras, voces y percusiones. Las letras están comprometidas con nuestra tierra, contienen mucha protesta y algunas

América Latina unida. También, hablan de los desazones de la vida y como

nocturnas, vivencias propias, etc.”

¿Cuáles son las proyecciones del grupo para este año?“Actualmente estamos promocionando nuestro primer video del single ‘América Latina’. Intentaremos llegar a las radios y medios de prensa especializados, sonar en las radios”.

Cristián Jara Bizama

Doctor DienteCon la furia del barrio

62III ROCKAXIS

Final de antología

Con la edición de “Croweology” y un extenso tour por Norteamérica, los Cuervos Negros

vuelven a dejar en reposo las viejas canciones y se toman un descanso. Ya son más de 20 años de carrera y hoy por hoy, cualquier cosa puede

suceder. Éste es el presente y futuro cercano de la banda de los hermanos Robinson.

63III ROCKAXIS

Los Black Crowes dicen adiós. Una vez más y tal como en aquel lejano 2002, cuando pararon por primera vez, los Cuervos deciden poner

esos días le llamaban “un receso temporal” que no tardaría en dar

están tan claras. Descanso, recarga y más tiempo para la vida familiar son algunos conceptos deslizados por los miembros

que queda de este año, se despedirán de

los escenarios girando por todo Estados

con lo eléctrico. Todo para celebrar los 20

your Money Maker” y liberar otro material para la colección “Croweology”.

adelante? Tras la vuelta de Black Crowes en 2007 y la posterior edición de “Warpaint”, los resultados fueron tremendamente saludables para el grupo: las listas gringas volvían a idolatrar a los Cuervos y lo que

del propio conjunto, sin multinacionales de por medio. “Creo que tener a “Warpaint” entre los cinco primeros debut de la Billboard fue impactante. Ya no hay negocio de la música y lo hicimos nosotros mismos. Cuando veíamos al disco ahí decíamos: ‘Mierda, lo estamos haciendo por nuestra cuenta… ha sido lo mejor que nos ha sucedido”

Los Crowes demostraban su gran forma y algo de ello seguían mostrando

(2009), álbum registrado en vivo y que mostraba a Black Crowes íntimo y apegado a sus raíces y sus seguidores: “Desde que regresamos la recepción de los fans ha sido increíble. Incluso hemos visto cómo

hay gente muy joven que nos sigue y que se unen a los viejos fans. De todas formas, sabemos que es casi imposible alcanzar los niveles de la década de mediados de los noventa y eso afecta un poco… pero aquí estamos para seguir haciéndole frente a todo”.Son los mismos fans los que más resienten

menor. El grupo cuenta con una sólida base de seguidores y la imposibilidad de verlos por estos lares es algo más que enervante. Sobre todo teniendo en cuenta que su

podemos esperar de este receso? ¿Cuántos años estarán fuera?

claridad al respecto, aunque las palabras “para siempre” parecen no estar en los planes de nadie: “Nunca se sabe cuando uno se introduce en el vacío. Este ciclo ha sido increíble. Desde el verano de 2007, cuando hicimos “Warpaint”, han sido los tres años más satisfactorios que he tenido con esta banda. Pero si seguimos adelante, podríamos estar jugando con el destino. Sería bueno tener un 30º aniversario. Pero debemos salir de esto mientras todos estamos de buen humor”.

Ese es el tenor de las declaraciones. Nada de peleas internas ni rebeliones. Sin

un montón de giras, aunque claro, nunca

“Se trata más de tener un poco de espacio y tomar un respiro de todo esto”, explicó el cantante a Billboard. Y agregó: “Para tener la libertad de hacer otros proyectos, ver crecer a los hijos y ese tipo de cosas… volveremos cuando pensemos que es lo correcto”.

CELEBRANDO CON “CROWEOLOGY”

ad portas, esto no puede ser pura tristeza. Los 20 años desde el lanzamiento del

la ocasión precisa para darle alegría a este capítulo. No en vano es la placa que lanzó

platino y situó a canciones como ‘Hard

clásicos imperecederos.

memoración no podía ser algo tradicional. Es por eso que los Crowes editaron el pasado 3 de agosto “Croweology” que, en 20 canciones registradas en formato

muestra de ello, aunque para el guitarrista

un lugar especial: “Es un tema que tocamos todo el tiempo, pero sentimos que se convirtió en algo diferente y excitante”. Mientras, “‘Jealous Again’ tiene nueva vida en este formato. De hecho, es pesada para un disco acústico, más como Led Zeppelin III”

El detonante de todo esto, fue un

registrado en sólo cinco días en Los “Capturamos algo diferente –dijo Rich

Robinson-. Queríamos ver si podíamos hacer algo más con ese concepto… La mayoría de las voces de Chris son en vivo”.

Crowes con sus fans, esta placa doble tendrá el precio de un álbum simple.

y 90 minutos eléctricos que podrán presenciar sólo algunos privilegiados.

canciones, pero este disco es el manto. Las que toquemos en formato acústico una noche, podemos cambiarlas y tocarlas eléctricas… algo completamente distinto cada vez”, señala

escenarios norteamericanos puede estar plagada de sorpresas. “Pensé que sería bueno hacer algo diferente para el 20º aniversario

tocamos canciones acústicas una noche y en otra puede ser algo más eléctrico. Podemos cubrir una gran cantidad de material en un montón de formatos diferentes, va a ser muy ‘cool’ para los fans. Es celebrar con las personas que han venido a vernos durante tanto tiempo... Tener una carrera es un privilegio, no un derecho”. Sabias palabras.

Rodrigo Carvajal U.

50 III ROCKAXIS

“Con una sonrisa tan amplia que puedes contar mis dientes y con un corazón tan lleno de amor que se derrama y desborda, les ofrezco unas humildes y sencillas gracias. Gracias por tu tiempo, tu imaginación, tus penas y alegrías. Gracias por 20 años de rock and roll cósmico. 20 años de perseguir horizontes y antes de que la banda que se atreve a soñar baje la cortina por un tiempo, nos sentimos orgullosos de darle nuestro “Croweology”. Este año, la música es solo para ustedes, a celebrar lo que ha sido, lo que es y lo que será”. Chris Robinson, cantante.

“En este hito en nuestra carrera, me siento muy afortunado de que he tenido la oportunidad de pasar mi vida haciendo música. Quisiera expresar mi profunda gratitud a todos nuestros fans que han estado con nosotros en el camino. No habríamos llegado hasta aquí sin su apoyo. Todas las noches estoy en el escenario y siento un gran orgullo y respeto por lo que compartimos con nuestros fans. Después de esta gira nos vamos a tomar un tiempo, algo muy

necesario para estar con nuestras familias. Pero por ahora, estamos deseando tener un gran año de gira. Espero poder ver todas sus caras familiares una vez más en el camino. Nos vemos pronto”. Rich Robinson, guitarrista.

“Para una mirada retrospectiva a los últimos 20 años... hay tantos pensamientos, sentimientos y recuerdos de todos los tamaños y formas que es difícil procesar todo. Uno puede fácilmente perderse en el laberinto de las experiencias. Sin embargo, hay una constante y eso es una abrumadora sensación de gratitud a todos ustedes que nos han apoyado durante los últimos 20 años. Y después de esta gira, estaremos tomando un descanso, largo y muy necesario. Estamos todos de acuerdo (no, en serio, ¡lo estamos!) en que éste es el momento adecuado para pasar tiempo con nuestras familias, amigos, fuera de los proyectos musicales y, por supuesto, en nuestra vida personal. Vamos a unir nuestras manos y compartir el viaje”. Steve Gorman, baterista.

Palabrasal cierre

82 III ROCKAXIS

Frutos del paísLa luz del sol no se extingue

NOMBRE: Frutos del paísESTILO: RockAÑOS DE ACTIVIDAD: 1971-1975DISCOS ESENCIALES: “Frutos del País” (1972)

Continuando con la revisión de grandes grupos chile-nos dignos de destacar en el Bicentenario, hoy nos encontramos con Frutos del país, una de las bandas pioneras del rock chileno que no siempre se destaca como realmente lo merece.

Me he encontrado con varias voces que dicen que la historia no ha sido del todo justa con Reinaldo “Rhino” González y creo que estoy de acuerdo con esa apreciación, puesto que su aporte musical, creativo y de actitud, ayudó a

fundamentales: Los beat 4 y Frutos del país. Su fallecimiento en agosto de 2009 pasó casi inadvertido por los medios, pero no para los amantes y respetuosos de nuestra música.

Frutos del país nació justamente de la fusión de dos agrupaciones que ya hemos revisado, Los Picapiedras y Los beat 4, y se inmortalizaron con la balada ‘Sin ti’ (ya la luz del sol se irá, notable frase), un verdadero himno que posee mucha intensidad lírica y una sobresaliente calidad interpretativa para la época, pero

sobre todo ansias de una identidad propia.Es quizás este último elemento una de las características más

importante de este grupo: sus ganas de cantar en español y buscar un camino un poco más propio, haciendo caso omiso de sus

Lo de Reinaldo González, Hugo Raymond, Mario Zárate, Carlos Bravo y Leonardo Carvajal no fue alejarse de sus raíces sino, por el contrario, acercarse a ellas incluyendo instrumentos folklóricos en sus composiciones, mezclándolos con su aura rockera y cantando en español; un experimento que fue la piedra angular de un giro en la música chilena inmortalizando una muy buena época.

Sólo con dos discos, “Frutos del País” de 1972, y el inadvertido pero imperdible “Y volar... y volar”, editado en 1974, fueron capaces de forjar un gran legado, proporcionando un eslabón sólido en la

para llevarla hasta la tumba.

Cristián Jara Bizama

del Bicentenario

68III ROCKAXIS

ANGELO PIERATTINIJueves 15 de julioGalpón F.E.A.Foto: Ignacio Orrego

LIVE REVIEWS

69III ROCKAXIS

CHANCHO EN PIEDRASábado 10 de junioTeatro TeletónFoto: Ignacio Orrego

70III ROCKAXIS

TECNOLOGíA

LG y su minicomponentede gran potencia

El pasado mes de julio, LG Electronics lanzó al mercado una nueva línea de minicomponentes de la serie X-Metal Bass. Se trata de tres nuevos modelos, con conos metálicos en sus parlantes y tweeters de alta frecuencia: MCV905, MCT705 y MCD605, que destacan por un sonido nítido, claro y sin interferencias.

Todos los modelos poseen la más alta tecnología. Veamos: Incorporan la tecnología Auto DJ que detectan el estilo de música que estás escuchando y ajusta los niveles del ecualizador para entregar la mejor de las experiencias sonoras.Por si esto fuera poco, los nuevos MCV de LG traen conexión USB y Ipod Docking, permitiendo al usuario conectar diferentes dispositivos al equipo para reproducir los archivos de música. Pero eso no es todo, pues el MCV905 se ha alzado como el equipo en su especie con mayor potencia del mercado nacional, con 1.200 watts de salida de audio real.Los nuevos integrantes de la serie X-Metal Bass ya están disponibles en Chile con un precio referencial que varía entre los $149.990 y los $299.990. Para obtener más información, visita www.lge.cl

Nueva línea decomputadores HP

Cestilo, HP lanzó en Chile su nuevo portafolio de PCs portátiles para el hogar. Así, la marca ofrece distintivos diseños, nuevos materiales, un renovado desempeño y mejores experiencias para los consumidores y el entretenimiento.

Todo esto enmarcado dentro de las actualizaciones de las líneas HP Envy, HP Pavilion y HP

y experiencias. Con ello se busca unir una variedad integral de materiales que crean acabados con textura, funciones fáciles de emplear para una mejor usabilidad, una mezcla de elementos artesanales para un atractivo sensorial y características intuitivas para obtener sencillas experiencias.Además, si eres de los que les gusta darle más estilo a tu PC, los nuevos HP incluyen la posibilidad de ser personalizados a través de 15 fondos de escritorios, 12 de ellos diseñados por reconocidos artistas de todo el mundo.Acabados en metal grabado, texturas sensibles al tacto y una mezcla de materiales de alta calidad dan un aspecto sencillo y limpio que se adapta de forma transparente a las vidas de los consumidores. Los nuevos PCs portátiles también pueden ser personalizados con una opción de 15 exclusivos fondos de escritorio, incluyendo 12 diseñados por reconocidos artistas de todo el mundo.

Más información en www.hp.com

La vuelta de un clásico“StarCraft II: Wings of Liberty”

y poderosas razas volverán a enfrentarse en este acelerado juego de estrategia en

y Macintosh.Estamos frente a todo un clásico, pues una década después del lanzamiento de su versión

el espíritu y la prestancia de su primera entrega, con formato de un jugador, multijugador y mucho más.

perfeccionan las tres razas ya existentes que cuentan con nuevas unidades. Los Xel’Naga,

campaña individual, en la que se planea innovar más que otras veces.

Más información en www.blizzard.com

72III ROCKAXIS

Profundo carmesíIndudablemente, la visita del gran cantante, guitarrista y compositor estadounidense Adrian Belew a nuestro país, fue uno de los hitos musicales más relevantes de este año. Junto a su Adrian Belew Power Trio, el integrante de King Crimson, demostró toda la calidad de un artista que, no sólo registra una notable carrera solista, sino que además, colaboraciones con Talking Heads, Frank Zappa, Nine Inch Nails y David Bowie.

Poseedor de una sensibilidad musical única y forjador de una genial carrera, Belew es nada más ni nada menos que el frontman de una de las bandas más originales de la historia del fenómeno rock: King Crimson. Además, ostenta una carrera solista de un peso indiscutible, que lo ha mantenido editando discos desde principios de los ochenta. Amante de la canción

de formato pop y experimentador por excelencia, Belew nunca se queda tranquilo en un sólo estilo o visión musical. Al contrario, los numerosos discos que ha editado a través de los años, son una verdadera bitácora de un artista inquieto, revolucionario e innovador.

A partir de 2005, el músico comenzó a editar la serie de discos “Side”, que exhiben su creatividad actual. De hecho, en ellos, se unió con admiradores de su obra, como el bajista de Primus, Les Claypool y el baterista de Tool, Danny Carey. Dos ejemplos del

En 2006, decidió formar su propia banda, que bautizó simplemente Adrian Belew Power Trio. Junto a la bajista Julie Slick y el baterista Eric Slick –reemplazado por Marco Minnemann-, debutó

disco en vivo “Side Four”. Sin embargo, más importante aún, es la placa en estudio instrumental “E”, que el 2009 exhibió los nuevos caminos musicales del guitarrista.

Hablemos primero de esta banda Adrian Belew Power Trio con que visitaste Chile.Adrian Belew: “Con Julie Slick estamos tocando desde hace cuatro años. Ella tiene 23 años y es una bajista fabulosa. Es una pequeña niña, pero toca el bajo como un verdadero monstruo (risas). Por su parte, Marco Minneman es uno de los más grandes bateristas de todo el mundo. Eso es seguro. En mi carrera he trabajado con muchos bateristas y te puedo decir que Marco es un percusionista notable. El tiene una técnica, imaginación y una habilidad para maniobrar sus manos y piernas que no había visto antes. Así que se trata de un trío muy poderoso, verdaderamente apasionante. Además, estoy muy contento con mi más reciente disco “E”, que es un trabajo instrumental de larga duración, que me tomó tres años en componer”.

¿Qué pasó con la más nueva alineación de King Crimson con el baterista de Porcupine Tree, Gavin Harrison? ¿Aparte de los conciertos que han realizado, existen planes para el futuro o más bien es un proyecto que está congelado? “He estado hablando con Robert [Fripp] sobre el tema con gran honestidad y me ha dicho es que tiene nuevo material para King

Crimson, pero que aún no está completamente listo. Además, hay muchas cosas que necesita hacer con respecto a la gestión y el negocio de la banda, antes de concentrarse cien por ciento a crear nueva música. Así que probablemente, haya noticias sobre esta renovada alineación en 2011 o, incluso, en 2012. Es seguro que habrá nuevas canciones de la banda y que Robert estará listo en algún momento para relanzar King Crimson y comenzar nuevamente”.

Crimson a principios de la década de los ochenta y qué recuerdos tienes de esa época?“Antes que todo, debo decir que era un fanático total de las encarnaciones previas de King Crimson. Así que la verdad es que fue un sueño poder integrarme a la banda. Cuando comenzamos en 1981, el primer desafío fue convertirme en un miembro importante de la agrupación, ya que compuse las canciones con Fripp, escribí las letras y las melodías. Además, toqué la guitarra con Robert como mi compañero. Todas esas cosas fueron muy relevantes para

imaginé que sería un integrante de King Crimson y menos con el rol preponderante que tuve que tomar.

Pero con el paso del tiempo, me sentí muy cómodo. Trabajar con Tony [Levin] y Bill [Bruford] fue grandioso. Por su parte, Robert siempre me incentivó y apoyó. Así que la verdad es que no me tomó más de un mes adaptarme a mi nuevo papel y poder insertarme en la dinámica y poder de la banda. Después de eso, comenzamos a desarrollar la música del grupo y a grabar de manera muy apasionada y natural. La relación entre Robert y yo como compositores y compañeros en la guitarra funcionó obviamente

los últimos 30 años. Qué más puedo decirte. Ser parte de King Crimson ha sido muy importante en mi vida”.

Años más tarde, a mediados de los noventa, decidieron volver a hacer música, editando discos como “Thrak” y varios en vivo. ¿Qué recuerdas de esa época cuando King Crimson comenzó a utilizar el concepto de “doble trío” en su formación?“Lo primero que se me viene a la memoria es que estuvimos más de un mes ensayando para adaptarnos a esta nueva alineación. Además, durante ese tiempo, estuve dedicado 100 por ciento a la composición de los temas que, posteriormente, fueron incluidos en el álbum “Thrak”. Recuerdo muy bien que sentado en la pieza de mi hotel, pasaba horas y horas trabajando en canciones como ‘Dinosaur’ y ‘One Time’. Creo que fue un importante paso para nosotros montar esta banda de doble trío. Como te decía, nos tomó un tiempo pasar de una alineación normal de cuarteto a una de sexteto y desarrollar un nuevo sonido. Particularmente, fue difícil

73II ROCKAXIS

50 III ROCKAXIS

que dos bateristas y dos bajistas se adecuarán a tocar juntos, a complementarse en sus roles”.

THE BEATLES, ZAPPA Y KING CRIMSON

Conocido es tu gran fanatismo por The Beatles, ¿cómo

“Los Beatles han estado en mi vida desde el momento en que decidí dedicarme a la música cuando era un adolescente. Creo que es una

de The Beatles como una verdadera parte de mi educación como músico profesional. Al escuchar los álbumes, vas aprendiendo todo lo que te sea posible: la manera como construían las canciones, la forma cómo hacían las armonías vocales, la producción en el estudio, el sonido, la forma de utilizar los

The Beatles son muy importantes para mí, ya que aún se hacen presentes de

que esté tratando sonar como ellos, pero pienso que sin The Beatles

hay tres elementos fundamentales a la hora de hablar de mi trabajo

¿cuál crees que fue el aprendizaje más importante que te

“En el tiempo que fui descubierto por Frank Zappa, yo estaba completamente perdido en mi vida y, la verdad, es que nada ni

trabajar con Frank, todo esto cambió. Estuve un par de años con

tantas cosas. Todos los días, tenía dos o tres nuevas lecciones de

las cosas que aprendí con Frank para convertirme en un artista

Claro está que musicalmente, tocar en la banda de Frank fue un desafío para mí, pero creo que lo más importante de mi trabajo

y de gira con artistas tan relevantes y distintos como Talking Heads y

“Bueno, las bandas que me nombras representaron para mí experiencias radicalmente distintas. Tocar

los espacios para que desarrollara mis propios aportes. Fue muy apasionante, porque nunca me dijo lo que tenía que hacer para

proponiendo para tal o cual canción. Así que siempre fue un placer trabajar con Trent”.

María de los Angeles Cerda

Agradecimientos a Manuel Gómez

“Nunca imaginé que sería un integrante de King Crimson y menos con el rol preponderante que tuve que tomar”.

76III ROCKAXIS

Lo que comenzó como un proyecto pequeño, ha avanzado a pasos agigantados hasta convertirse en una de las radios favoritas del público rockero, lo que se debe no solo a que, dentro de su programación, incluyen una vasta gama de nombres, desde The Beatles hasta Deftones, pasando por Blur, Bad Religion y Pearl Jam, sino también a

una sólida plataforma tecnológica que lideran en el mercado nacional, con un sitio web que cuenta con una gran estabilidad en el streaming y con una aplicación para los IPhone.

Todo esto es profundamente valorado en Sonar. Así nos cuenta su director, Gabriel Polgati: “Creo que hay tres logros que son concretos. Uno, es un buen estado de rating, esta es una radio dirigida a personas esencialmente entre los 20 y 34 años y sentimos que es representativa de ese segmento; lo segundo, creo que ha aportado modernidad en el rock en las radios chilenas, no solo por el repertorio sino por la forma de conversar sobre la música; y lo tercero es por la puesta tecnológica, el sitio de Sonar nos enorgullece mucho. Acabamos de sacar una aplicación en el IPhone súper interesante, la radio se transmite en varios cableoperadores, entonces sentimos que llegamos a la audiencia de la manera que hay que hacerlo, una radio bien hecha”.

Pero no por haber ascendido de esta manera se van a acomodar y a no seguir tanteando el terreno. Lo de Sonar es la búsqueda. “Queremos darle más espacio a otros segmentos del rock, que eso lo tenemos un poco pendiente, ya después de un año hay gente que nos conoce y debemos

distintos y a otro tipo de auditores”. El director de Sonar agrega que ellos “sacaron al rockero del prototipo en que estaba enmarcado, porque el rock como industria ha tenido esa evolución de contar con lo clásico hasta con

mucho entre sí”.Por supuesto, ellos se dirigen a incluir sangre nueva dentro de

“Creo que

que

tiene características de pop rock y que eso puede convivir perfectamente con un rock pesado, porque yo siento que esas fronteras desaparecieron y a ese público apuntamos”.

Es por eso que la alianza con Rockaxis surgió como algo natural. Ambos medios no se dedican exclusivamente a excavar

camada de bandas y estilos que marcan la tendencia de hoy y, posiblemente, de los años que vienen, a través de múltiples formas de comunicación, no solo la FM o el papel o el Internet. “Yo quería incluir sonidos más pesados, que no comúnmente giran en la parrilla, y la convivencia con Rockaxis y Cote [Hurtado] nos abría la puerta para poder concretar esa parte. La idea es apoyarnos mutuamente a medida que vayamos creciendo y creo que nos parecemos mucho”.

Otro de los desafíos de Sonar va incluso por el desarrollo de la marca de la radio, “de vivir una experiencia, que en eso se están quedando la mayoría de las emisoras”. Es por eso que la celebración de su

y, asimismo, con invitaciones para avant premieres, concursos

bandas nacionales, y el lanzamiento de un libro escrito por Alfredo Lewin, hombre ancla de Sonar. Como si esto fuera poco, también

de la movida santiaguina, Mist, Loreto y Onaciú, para reunir a la comunidad y tirar la casa por la ventana.

Radiotransmisor, conducido por Alfredo Lewin de lunes a viernes a las 18:00 horas, Sonar Rockaxis, todas las noches con Cote Hurtado, College Rock, desde las 7 de la mañana con Francisco Reinoso, y Sobredosis, en que cada uno de los que forman el equipo

Sonar cumple un año, mostrando una gran selección de rock clásico y moderno. En estos meses, rápidamente se han consolidado como una de las emisoras favoritas del segmento adulto-joven con aires frescos en el amplio universo radial.

Sonar FM: Año uno

En la edición anterior se estableció que los medios de comunicación masiva, principalmente la radio, continúan siendo el canal de difusión ideal de las bandas de rock, ya sea para las que recién comienzan como para las que se encuentran en un nivel más consolidado. A su vez que las emisoras nacionales hegemónicas no dan cabida a los diversos estilos existentes, pero que

poseen la voluntad para transformarse en una tribuna importante para la música nacional y dejamos pendiente las apreciaciones de los principales involucrados en el asunto. A continuación, algunas opiniones de artistas de diversa índole, respondiendo a la interrogante de que si existe apoyo por parte de los medios de comunicación tradicional al rock nacional:

“Son pocos los medios que realmente apoyan. Faltan muchas más tribunas en este sentido, que cubran no sólo a los ‘grandes artistas’ sino que también más

. (Ismael Bustamante, Sin Perdón)

“Los medios tradicionales apoyan lo justo y necesario, mientras no pierdan espacio para sus publicidades que es lo que mueve todo en este mundo, ¡todo! El rollo es que como ahora está todo tan segmentado, cuando un tipo es muy fanático de una banda, se entera sí o sí de lo que estos están haciendo porque sabe en qué medio puede encontrar la información. Internet yo la encuentro la ‘zorra’ porque es una gran herramienta de difusión, pero más que democratizar la opinión pública la acalla, porque gracias a esta segmentación

. (Ángelo Pierattini)

“Como banda creemos que el apoyo que existe es muy limitado y no se condice con la calidad de muchas de las bandas que hay acá. Para ser más claros, sólo basta con ver el porcentaje de música chilena que hay en los medios. Pero por nuestra parte, eso no es impedimento para seguir haciendo cosas y seguir

. (S.I.A.)

“Los medios apoyan sólo si los sellos pagan o si perteneces a alguno de la SCD. Creo que contar con difusión a ese nivel sigue siendo algo determinante, pero

. (Mandi, Killterry)

inadvertidos cientos de músicos y bandas que merecen tener un espacio y difusión en la escena musical. Todo esto va en contra de la música chilena, hay bandas increíbles que la mayoría de la gente debería escuchar alguna vez, pero hay poco apoyo de los medios y muchas veces se pierden. En la otra

y esos son los que debemos apoyar. En mi opinión es completa responsabilidad del Estado, si quieren un país con cultura tienen que proporcionar las

. (Goto, La Mala Senda)

“Los medios de comunicación tradicional solamente apoyarán si es que en ello ven una retribución segura. Por lo mismo, y según nuestra experiencia, no van a apostar por banda emergente alguna. Como banda independiente, hemos recibido poca atención de los medios, a pesar de haber golpeado muchas y variadas puertas. Otra arista que nos ha llamado la atención es el ‘amiguismo’. Hemos sido testigos presenciales de cómo bandas con poquísimo escenario han recibido excelentes críticas por parte de la prensa especializada,

(LosGatos Negros)

“En general la cobertura que los medios de comunicación dan a las bandas

canciones de algunos grupos, sería nula. Pero responde a esfuerzos personales . (BBS

Paranoicos)

parece que no nos afecta tanto. No sé si será porque estamos acostumbrados a eso y automáticamente aplicamos la ley de ‘no se puede querer lo que no se conoce’, o porque el efecto de estar en tierras poéticas cae sobre nosotros y nos dejamos llevar por cómo se dan las cosas, mal que mal, somos artistas y

. (Masiel Asecas, Lilits)

Las apreciaciones de los músicos dejan entrever algo que ya es de sentido común: los medios tradicionales apoyan muy poco al rock chileno. A pesar que cada vez son más y de mejor nivel las bandas que ven en rock la mejor manera de canalizar sus capacidades creativas. La tarea es titánica y es de esperar que de apoco el jugársela por aquellas bandas rockeras no sea una quimera para los comunicadores.

Cristián Jara Bizama

78III ROCKAXIS

El rock chileno enlos medios de comunicación

parte III

80III ROCKAXIS

Adrian Belew Power Trio

E2009. Store Belew

No es demasiado común encontrar en la discografía

del guitarrista, cantante y compositor estadounidense un disco instrumental. Si el integrante de King Crimson ha desarrollado su trabajo, no es menos cierto que ha estado también preocupado profundamente por el canto, la lírica y la voz como vehículo de la melodía. Sin embargo, Belew decidió que el debut en estudio de su Adrian Belew Power Trio fuera un trabajo cien por ciento instrumental. Y los resultados son francamente fabulosos.

“E” es un disco de una potencia e intensidad extraordinarias, que deja atrás la estética sonora y compositiva de su serie de álbumes “Side”. En el caso de “E”, nos topamos con un trabajo de rock de avanzada, compuesto especialmente para un “power trío” rock con todas sus letras.

Haciendo la comparación obvia, podemos señalar que algunas composiciones se acercan al formato y al tipo de pieza instrumental del King Crimson de su última etapa, representada por discos como “Thrak” o “The Construkction Of Light”. Sin embargo, en el caso de “E”, los temas son mucho más intuitivos, desordenados y encendidos.

Entre las composiciones más asombrosas destacan el poderío y complejidad de ‘B’; el ingenio lúdico e ímpetu avasallador de ‘D’ y, en un lugar destacado, la mejor pieza del disco, ‘E 2’. Recomendable a ojos cerrados para todos los fanáticos de King Crimson y para cualquiera que se diga seguidor del rock instrumental.

Pueden no ser una banda de rock de estadios, pero mueven a las masas con una fuerza que se le antojaría a David

Bowie y hasta a Bono. Hasta “Neon Bible” eran más bien los favoritos de la prensa especializada y los músicos, pero con “The Suburbs” dieron el vital paso hacia la conquista de un público mayoritario, sin traicionar sus principios iluminadores y barrocos (pomposos le dirían algunos).

“The Suburbs” es el álbum más accesible de la carrera del conjunto canadiense, bañado en una espiritualidad táctil y de una melancolía de un tiempo que nunca fue. “You say can we still be friends”, proclama Win Butler en ‘Ready to Start’. Es su cualidad vocal la que añade tintes extemporáneos y que aprovecha

de quitarle el dramatismo que los dos discos antecesores poseían y que quizás extrañen algunos de sus fans. Ahora la naturalidad se toma la composición, sin dejar de lado que todos los miembros del grupo sigan intercambiando instrumentos, pero creando ambientes más etéreos.

Solo Arcade Fire pudo haber compuesto una canción titulada ‘Rococo’, para gran envidia de Beck, y haberla impregnado de las memorias de la niñez en Texas de los hermanos Butler. La energía eléctrica se toma el disco en ‘Empty Room’, y la sincronía entre Neil Young y Depeche Mode se divide entre ‘Wasted Hours’ y ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’, muy bellamente interpretada por Régine Chassagne. Un disco que elimina todo pesimismo sobre el provenir del rock.

María de los Ángeles Cerda

Arcade FireTh e Suburbs2010. Merge

CDAXIS

Héctor Aravena A.

Antes que las estigmatizacioneshacia el metalcore viraran a patrón común, en las huestes de As I

Lay Dying siempre hubo una fe irrestricta hacia su sonido. Sin embargo, por sobre la devoción que hay hacia la banda en las generaciones de metaleros noveles, el principal desafío y más complicada misión para el quinteto de San Diego iba para otro lado: el respeto de la vieja escuela.

Dirigidos por un cada vez

es otra sobresaliente toma de principios, formada por once balazos que en 45 minutos no dan respiro ni tregua alguna. Excelencia en lo suyo, sin necesidad de cambiar de folio.

realmente no sé de qué estamos hablando.

Si ya en los discos anteriores de la banda la destreza individual de los músicos se había presentado con soltura, los solos alucinantes en tramos de ‘Without

la delirante ‘Vacancy’, le dan a la coraza sonora de este disco una frescura oportuna y necesaria.

El resto no es más que el perfeccionamiento de dotes que uno puede esperar de As I Lay Dying: un conjunto perfecto de thrash y procesados niveles de voces agudas, limpias y guturales.

de una banda que, a la altura de su quinta pieza en estudio, más que una advertencia logra situar a su marca en la coordenadas de los nombres consolidados del género.

Francisco Reinoso Baltar

As I Lay DyingTh e Powerless Rise2010. Metal Blade

81III ROCKAXIS

Danko JonesBelow the Belt

2010. Bad Taste Records

Si lo tuyo es la música de hard rock pegajoso, fuerte en su ejecución y bien

cargado a las insinuaciones sexuales explícitas, no solamente puedes contar siempre con AC/DC, también deberías recurrir a los canadienses de Danko Jones,

acaba de publicar su séptimo

Es más, esta es una de las mayores sorpresas de este año, porque es capaz de conjugar rock moderno con un toque de retro y especialmente porque la banda redujo la

y una vez más armados de sus instrumentos van derecho a patearte los testículos.

Aunque algo más melódica pero aún en la tradición

todavía logra sonar con esa credibilidad callejera, la Carne

cencerro. Luego se suceden nueve tracks que no dejan cliché alguno sin remover. Igual que Motörhead, Keith

Jones es verosímil, genial y contundente.

Danko Jones no muestra ningún rastro de evolución excepto su “mentada en la

sí en menor medida resaltan un par de incursiones en la

disco... eso es lo menos importante. Lo que importa es que si tienes ganas de rockear y poca vergüenza en admitir que te gusta algo tan básico como crudo, tienes que echarlo a correr de nuevo.

Enrique Martínez

82III ROCKAXIS

FoalsTotal Life Forever

2010. Subpop

Los niños maravilla de Oxford lanzan su segundo álbum, “Total

Life Forever”, que contrasta con el sonido debutante de su disco anterior, “Antidotes” (otro trabajo que alcanzó una muy buena recepción por parte de la crítica y el público). En esta ocasión, el grupo entrega algo diferente sin abandonar los componentes que hicieron atractivo su primer trabajo, ya que los ingleses armaron una especie de “corazón

equilibró el sonido punk/funk de sus registro previo.

El proceso de la creación de este núcleo orgánico parte con los pulsos esenciales que produce Walter Gervers en el bajo y los ritmos de Jack Bevan en los tambores. Mientras el vocalista Yannis Philipakis muta entre un niño de coro eclesiástico y un suicida animoso que usa el micrófono como pistola.

Dentro de los temas más

Life Forever’, la canción con el nombre del disco, es una especie de convicción religiosa del grupo hacia la “singularidad”, una teoría sobre la fusión espiritual del humano y las máquinas. Por otro lado,

sobre una base melódica de rock, melancolía y vagancia. Una de las composiciones más conmovedoras que la banda ha hecho hasta la actualidad.

En medio de un ambiente lleno expectación por parte de la crítica y los fans, Foals llega con “Total Life Forever” como un quiebre musical que ha sido astutamente planeado y aún mejor ejecutado.

De pie y con el coraje de los elegidos. Cualquier conocedor del trajín de Avenged

pasos, sabe que la hermandad entre sus miembros fue un factor fundamental para cimentar el éxito del quinteto a partir de “City Of Evil”, avance evolutivo que tuvo un golpe con el deceso del baterista

el grupo optó por no perder el esfuerzo de años y lo asombroso de “Nightmare” es la subscripción a una emotiva colección hecha para exorcizar los demonios más inquietos.

A7X decidió que el reemplazante de “The Rev” sería Mike Portnoy de Dream Theater, razón esencial para evaluar a este

como una inmejorable continuación de los esquemas compositivos que el grupo ha cosechado desde su debut, “Waking The Fallen”.

“Nightmare” cruza el prog metal pero con una pegada mucho más efectiva que la ofertada en su predecesor. Tampoco hay voraces singles como ciertos bombazos radiales de “City Of Evil”, pero sí una concordancia por un repertorio de atributos épicos y evasores de ese groove que trajo “Avenged

Aparte de lucir una colección de canciones mucho más iluminadas que lo ofertado en su antecesor, “Nightmare” postula una reivindicación para salir al paso de un golpe durísimo. A7X han demostrado estar a la altura de las circunstancias con una entrega sólida y plagada de sublimes

Francisco Reinoso Baltar

Avenged SevenfoldNightmare2010. Warner

Felipe Estay Jara

84III ROCKAXIS

HellyeahStampede

2010. Sony

Segundo disco de los vaqueros de Texas que pretenden perpetuar el

legado del groove metal creado por Pantera. Con Vinnie Paul en la banda y tal como él lo mencionó, con “Stampede” quieren terminar de posicionar a Hellyeah como una gran banda de metal internacional y van en la dirección correcta.

El inicio con ‘Cowboy Way’ resuma poder, pero es con tracks como ‘Debt That All Men Pay’ donde esos niveles de agresión logran un peak demoledor. ‘Hell of a Time’ revela su faceta melódica dueña de un gancho innato, y es que esos himnos pasados por el bourbon del estilo de vida vaquero y sureño destilan una onda deliciosa. En cambio, ‘Better Man’ es una balada con tanto feeling sureño que podría ser perfectamente de Lynyrd Skynyrd, logrando un momento de intensa y reposada emotividad en un disco que se caracteriza por ser todo lo contrario: pura potencia.

Precisamente con ‘It’s On!’ se desata nuevamente

algo que se repite con la incisiva ‘Pole Rider’, y es que la banda ha mejorado aún más en relación a su debut en su calidad compositiva. Incluso yendo un poco más lejos, ‘Cold as a Stone’ tiene algún guiño que recuerda al Slayer más contemporáneo. ‘Stand or Walk Away’ es otro inspirado baladón, pero esta tiene mucho más que ver con el material que desarrolla Mudvayne y es que con dos integrantes de esa banda en Hellyeah algún resabio tiene que quedar.

Cristian Pavez

John 5Th e Art Of Malice

2010. 60 Cycle Hum

El guitarrista John 5 vuelve a sorprendernos con un regreso a

las canciones más cortas y “al grano” de sus dos primeras placas “Vertigo” (2004) y “Songs for Sanity” (2005), abandonando las composiciones más épicas y largas de “The Devil Knows My Name” (2007) y “Requiem” (2008). Una carrera muy

álbumes de estudio más uno de remezclas en siete años).

cortes industriales y pesados (quizás lo que uno esperaría escuchar en un trabajo del guitarrista de Manson y Zombie) ‘The Nightmare Unravels’, ‘Ill Will Or Spite’ y ‘Wayne Country Killer’.

del bluegrass, en este sentido, temas como ‘J.W.’, ‘Steel Guitar Rag’ y la zeppeliana ‘The Last Page Turned’ resaltan por su equilibrio y tonalidad.

También hallamos

con un homenaje a su héroe

de ‘Fractured Mirror’. En la misma veta está ‘Ya Dig’, con toda la onda de Van Halen. Por último, la melodía y sentimiento de temas como ‘The Art Of Malice’, la tremenda ‘Can I Live Again’ y ‘The S-Lot’ ponen, de manera

guitarrista un peldaño más arriba de la mayoría de sus pares.

Hace tiempo que John 5 ha inscrito su nombre con letras doradas en el planeta del rock and roll y su arte es apreciado y comentado cada vez más, tanto en los círculos “guitarreros” como en la comunidad rockera general… ¿será que el arte de la maldad llegó para quedarse?

Gustavo Serrano Ferrer

Kula ShakerPilgrim’s Progress

2010. Strange Folk Records

Con “Pilgrim’s Progress”, Kula Shaker retoma su quintaesencia,

considerando que “Strangefolk” no era mucho más que una curiosidad notable, que no terminaba cuajando del todo. Aunque aquí disparan para muchas partes, este disco “peregrino” exhibe más argumentos y complementa sus tendencias habituales hacia la espiritualidad hindú con un repentino interés en la mitología griega y el drama trágico de Shakespeare.

Tan extravagante como suena es un título como ‘Peter Pan RIP’ el elegido para arrancar el álbum, un ominoso estruendo de cellos que casi devora la voz de Crispian Mills, que declara muerto al siempre niño e inmortal Peter Pan.

Kula Shaker nunca han sido de esos grupos tremendamente creativos, y es difícil obviar las referencias sónicas sobre todo cuando algunos ganchos de sonido directamente tomados de

el Deep Purple de los sesenta. En tanto que ‘All Dressed Up’, ‘Calvary’ y ‘Ruby’ podríamos citar hasta a Bob Dylan, lo que da una buena pista de hacia dónde va este disco. Muy emparentadas con esa acústica más folk están ‘Ophelia’ y la ya citada ‘Only Love’, que son

a la acústica.“Pilgrim’s Progress”

está felizmente libre del peso de la expectativa, una carga ineludible que tenían los otros. Quizá por eso la banda se siente a sus anchas habiendo facturado un disco más que digno, que sugiere belleza como pocos que haya escuchado este año.

Alfredo Lewin

MilodonteGuía para los animales

2010. Tuna Records

Herederos de toda una historia de música popular, el

quinteto nos invita a viajar desde la calma del folk hasta la fuerza del garage, pasando por el poder del punk, sin sonar repetitivo ni poco original. “Guía para los animales” comienza con las impecables ‘Pescado sin anzuelo’ y ‘Problemas’, temas donde la voz desgarradora de Benjamín Astete en conjunto con un sonido cercano al rock noventero, nos invita a tantear un terreno atractivo.

Con ‘La vereda’, la banda nacional se introduce en el formato del pop-rock. Juego de voces y algún atisbo de funk-rock convierten a este tema en la mejor carta de presentación al momento de exponer esta producción al público. Con un corte distinto a lo expuesto en los temas anteriores, los tracks ‘Joni’ y ‘Darwin’, nos presentan a Milodonte en su estado más crudo.

Cuando el álbum comienza a llegar a su última parte, aparece ‘Cuatro acordes’. Sencillo, atractivo y sublime, en este track el quinteto se quita el sombrero y nos

el folk-rock en su historia. ‘Suelas’, con ocho minutos

de constante progresión sonora, es una verdadera invitación a proyectar el futuro de Milodonte como una banda que no pasará indiferente en la historia del rock nacional. “Guía para los animales” es una gran ventana para conocer a Milodonte, que, si bien, ha comenzado su

manera, no cabe duda alguna que seguirá sorprendiéndonos con el correr del tiempo.

Carlos Mella

85III ROCKAXIS

La decisión de Korn de volver a sus raíces no pudo ser más acertada, ya sea que se le mire como el movimiento de la banda por mantenerse

en actividad o sencillamente un acto de sinceridad. Quizás el factor que ha perjudicado mayormente su carrera sea el éxito al frente del nu metal y, peor aún, de una moda que hastió a mucha gente.

Ross Robinson, quien estuvo en sus dos primeros discos, regresa a las tareas de producción. Partiendo con la intro ‘Uber-Time’ se da paso a ‘Oildale (Leave Me Alone)’, un mazazo tanto en el registro como en vivo, algo que vimos en su última venida a Sudamérica.

‘Pop a Pill’ posee un gran complemento rítmico con cierto coqueteo al pop como tan solo ellos podrían concebir. ‘Move On’ llama al

‘Let the Guilt Go’ retoma la sensación de los primeros temas y consigue esa unión entre el gancho pegajoso y la densidad.

Por su parte, ‘The Past’ y ‘Never Around’ pueden que sean las canciones más personales de Davis en el álbum. Hacia el cierre, ‘Are You Ready to Live?’ y ‘Holding All These Lies’ cubren la nostalgia del primer disco con un toque moderno y de desesperación.

Si “Remember Who You Are” no ha conseguido el éxito de discos predecesores, no se debe a una medida proporcional a la calidad de esta producción. Porque mientras algunos disfrutan con la vanidad, Korn está ahí para recordar (se) que son la contraparte, que lo horrible y lo disonante no desaparece, aunque traten de esconderlo.

María de los Ángeles Cerda

KornKorn III: Remember Who You Are2010. Roadrunner Records

The DrumsTh e Drums

2010. Downtown Records

Sería pecar de ingenuo creer que la propuesta de The Drums es original,

pero de todas formas vale la pena escuchar lo que ofrecen. Las doce canciones que conforman este primer disco citan las melodías de The Beach Boys y la melancolía de Joy Division y The Smiths al mismo tiempo. La mayoría

felices como para hacerte tararear por un buen rato

potencial. Pero la música que hacen no está aquí para revolucionar la escena actual.

Se nota que The Drums aprendió muy bien las reglas del pop y están obsesionados por componer canciones que suenen limpias y aparentemente simples. ‘Best Friend’ y el beat electrónico de ‘Me and the Moon’ encajan bien con esa idea. Temas

baterías incansables y letras repetitivas que introducen al mundo la voz de Jonathan Pierce, un tipo que suena como una mezcla de Morrissey con Robert Smith.

El primer indicio claro de que The Drums quiere quedarse en tu cabeza llega

silbido que pretende lograr lo mismo que hizo hace algunos años “Young Folks” de Peter, Bjorn and John, se repite junto a instrumentos perfectamente coordinados. Los fans de sonido con citas ochenteras

un buen cobijo en The Drums. Sus canciones vienen del pasado, son pegajosas y algunas gritan por ser tocadas para que la gente se mueva al ritmo de

Jaime Meneses J.

86III ROCKAXIS

Ten Years AfterStonedhenge

1969. Deram Nick DrakePink Moon1972. Island Records

“Stonedhenge”, la tercera placa de la Ten Years After, encuentra a la banda en

todo su potencial creativo, entregando un disco explosivo, que combina la justa medida de expresividad del blues, elegancia y virtuosismo del jazz y fuerza del rock and roll.

La banda no intenta ocultar el talento de sus integrantes, así, cada músico cuenta con una pieza instrumental propia. ‘I Can’t Live Without Lydia’, a cargo del tecladista Chick Churchill, es sólo una muestra de la capacidad instrumental del músico, quien deja en claro las

su sonido y el de todo el grupo. A la profunda voz del guitarrista, se suman el swing de Ric Lee en batería, el walking bass de Leo Lyons y el inconfundible sonido del Hammond de Churchill para crear un blues del más alto nivel.

El instrumental ‘Skoobly-Oobly-Doobob’ es una de las mejores demostraciones del talento musical y vocal de Alvin Lee. Son piezas largas, dinámicas, con espacio para la improvisación y el jam, instancias que echamos de menos en muchos de los LP de hoy, donde el formato pop es seguido casi religiosamente.

Este trabajo es la prueba de que Ten Years After no era sólo Alvin Lee, sino cuatro artistas trabajando en sincronía para construir algo único, un momento en la historia de la música. Los trabajos de Lee como solista y los de la banda sin él son prueba de esto y de que, como en muchos otros casos, el todo es más que la suma de las partes.

CLÁSICOS

Álvaro Rojas Meza

Hay veces en las que un artista recibeatención inmediataal empezar

su carrera y su música se hace accesible para todo el mundo, otros alcanzan esa meta a medida que su carrera avanza, y otros simplemente nunca ven aquel sueño hacerse realidad. Es éste es el caso de Nick Drake, un artista incomprendido en su época, que murió en el anonimato, sin saber la relevancia que la historia le daría a su música.

En dos noches de octubre de 1971, Drake y el productor John Wood se encerraron en el estudio Sound Techniques de Londres, para grabar lo que se convertiría en su último y más aclamado disco de estudio, “Pink Moon”. A diferencia de sus álbumes anteriores, el compositor prescindió de una banda y de arreglos orquestales para registrar sólo su guitarra, voz y un piano

en la canción que da nombre al disco. El resultado de este nuevo enfoque fue un disco minimalista, íntimo, que retrataba el confuso momento que vivía.

“Pink Moon” está compuesto por 11 canciones sencillas, misteriosas, inquietantes, grandiosas. Sus letras revelan la fragilidad, desapego y distancia con que Nick Drake vivía, con continuas referencias a la vida, muerte, naturaleza y paisajes bucólicos. Piezas de excepcional belleza son ‘Place to Be’, ‘Things Behind the Sun’, ‘From the Morning’, características por su estilo de tocar guitarra, y su voz tranquila, melancólica, eterna.

Aunque su nombre no goza del prestigio de otros íconos folk como Bob Dylan o Neil Young, es uno de los artistas más importantes de la música del siglo XX, su legado es cada día descubierto por más gente, y su historia es digna de ser recordada y homenajeada.

Álvaro Rojas Meza

88III ROCKAXIS

U2360° At Rose Bowl2010. Interscope

George LynchBehind the Player

2010. Alfred Publishing

“360° At Rose Bowl” fue grabado en Pasadena, California, en aquel mismo espectáculo que más de un millón de personas presenciaron

en vivo a través de You Tube en octubre del año pasado y más de 97 mil en el mismo estadio. Para qué mencionar lo sobrecogedora que resulta la infraestructura de la gira, con un elemento principal, la llamada “garra”, que permite que una mayor cantidad de espectadores pueda ver el show desde su lugar en el recinto, además de mostrar a los miembros del grupo con tomas

Más allá de eso, la calidad de imagen es a otro nivel. La intensidad de los colores es tan alta que te invita a ver el DVD en las proporciones de U2, es decir, en una pantalla gigante. En cuanto a la lista de canciones, que promociona el último lanzamiento de los irlandeses, “No Line on the Horizon”, es

en vivo de Chicago, Slane Castle

y Boston. El inicio es notable, particularmente con la unión

decaer el ánimo, con contadas

sus discursos, sin Bono el eterno parlante. Pero sus presentaciones siempre han sido auténticas

la perfección los ánimos de

emoción, saltos y lágrimas,

parece que las ganas de detener

no logran convencer del todo y pese a que no hay nada que se

espectáculo de los irlandeses,

que hayan editado. Un punto notable es ‘Ultraviolet (Light My

interpretación con una muy bella

María de los Ángeles Cerda

Dueño de una técnica de alto vuelo, sumado a la magia e inspiración

de sus acordes, armónicos y solos, George Lynch posee un sonido original y lleno de autenticidad, fácilmente reconocible en cualquier pieza musical donde el maestro participe.

Todo eso queda más que claro de una forma simple, apta para todo público en este video totalmente didáctico.

bandas notables del hard rock norteamericano como Dokken y Lynch Mob, enseña sus

quienes quieran dedicarse por

guitarra. Incluye dos lecciones completas (con partitura

primera, Lynch enseña a tocar ese himno de Dokken que es “Tooth and Nail” de 1984.

En la segunda lección, la clase está apuntada

pasa a la acción en una furiosa

Ray Luzier (David Lee Roth,

vivo en el estudio, logrando un momento realmente electrizante.

escuchar y aprender en este fantástico e instructivo DVD, que en sus 105 minutos de duración no tienen desperdicio alguno, sobre todo cuando se trata de uno de los guitarristas más grandes del estilo y que realmente le hace honor a la chapa de “Guitar Hero”.

Cristián Pavez

DVDAXIS

90III ROCKAXIS

Elliot Smith, malogrado cantante y guitarrista norteamericano, fue capaz de dibujar un triángulo compositivo sobre los vértices del amor, la pérdida y la adicción, y aunque es obvio que esos tres lados no pueden intersectarse, el tipo encontró la manera de hacerlo: muriendo de una puñalada

de otros tantos en el rock, la suya era una crónica anunciada, pero no por eso fue menos triste e incluso menos chocante por todas las

Dentro del catálogo de preguntas aparentemente cursis que la “New Musical Express” (NME) contempla dentro de sus

entendía por “El Cielo”, a lo que él respondió: “George Jones estaría cantando todo el tiempo. Sería como Nueva York a la inversa. La gente sería amable en el trato de unos con los otros sin tener ninguna razón aparente. Y todo olería bienporque en este mundo estuvo rodeado de fuego cruzado, un

EN EL CÍRCULO DE LOS SUICIDAS, SMITH Y EL FANTASMA DE COBAIN

Me pregunto qué piensa una persona en el momento de quitarse la vida, en ese segundo de tiempo que hace toda la diferencia entre el suicida y el resto de los mortales, porque, aunque la mayoría quisiéramos ver cómo acaba esta película, a todos se nos ha pasado

“Dame una razón para no hacerlo”, cantó Smith en ‘King’s Crossing’, uno de los temas que estaba supuesto a lanzar y que obviamente

que sólo son ponderados en su real medida cuando ya no hay

Vamos a darnos cuenta que las comparaciones entre Elliot

que Cobain, Smith saltó de la escena indie-rock del noroeste

Washington), y a pesar de un exceso de talento similar entre

Este superdotado artista estaba a un paso de dejar los circuitos independientes y los conciertos en lugares pequeños para alcanzar otros estadios de desarrollo; a todas vistas, calidad y buen gusto le sobraban. ¿Quién sabe adónde pudo llegar? A la luz de los hechos ni el mismo lo sabía. Murió el 2003 a los 33 años, había nacido en agosto de 1969, en el verano de aquel año bendito. Hoy tendría 41 años.

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ambos, la verdad es que coincidían con su esquema de no esperar mucho de nada, hombres de expectativas reducidas producto de la escena de la que provenían, lugares de origen que sólo provocaban una enorme apatía por la misma sensación imperante de estar en “ninguna parte”. Siguen las coincidencias ya que Smith era un drogadicto que, de vez en cuando, mencionaba su adicción como algo casi tragicómico.

EN COMPAÑÍA DE LA SEÑORITA MISERY

Pero a diferencia de Cobain, Smith se separó de su primer grupo, Heatmiser, e insistió por su cuenta. ¿Por qué? El hombre siempre creyó estarse disfrazando tras una banda de rock a todo volumen. Algo que en todo caso el líder de Nirvana también empezó a intuir luego de grabado su Unplugged para MTV. Smith se adelantó a Cobain en esto y basculó hacia el lado precisamente opuesto al rock de alto octanaje, lanzando una serie de discos en solitario notablemente subvalorados, eso a través de compañías como Cavity Search y Kill Rock Stars. No obstante, se convirtió en un artista de culto, lo que derivó en un importante acuerdo con un sello grande

banda sonora de “Good Will Hunting”, con el tema ‘Miss Misery’.Más que decir que Elliot Smith fuera un tipo anónimo hasta

ese episodio, ‘Miss Misery’ en 1998, mejor es apuntar que fue un compositor de ínfulas clásicas, melodías claras, cristalinas y de una voz portentosa y emotiva. En ese sentido, ha sido comparado con otros artistas que han ocupado un espacio aquí justamente en esta sección de Huellas del Rock, a saber, Nick Drake, Brian Wilson,

manera artistas bien golpeados. Muy en la vena de los Big Star, la actitud de Smith es muy de su tiempo, muy noventera... muy “indie rock”. Por ejemplo, el que dejara de tocar ‘Miss Misery’ después del

de los que reniega de sus grandes éxitos.

LA MAGIA DE SUS REGISTROS

Las grabaciones de Smith en mesas de cuatro y ocho pistas le bastaban para doblar sus propias voces en un susurro, las que

una lograda técnica de pero sin perder jamás su sentido de intimidad absoluta. Incluso

“Magical Mistery Tour” de The Beatles y trató de replicar esas resonancias en un estudio grande en Los Angeles, era su propia voz

desplegado por los exuberantes arreglos de cuerdas. Era su voz, la capaz de devastar a cualquiera, partiendo por el mismo.

paso adelante en cuanto a calidad y planteamiento musical y de un claro acercamiento al pop, en comparación con las anteriores. Las canciones de este disco se alejan de las letanías que muy a

con compactas estrofas y estribillos que se van quedando poco a poco en la memoria, llegando a veces a recordar al mismísimo Alex Chilton de Big Star.

disposición hay puestos recursos jamás soñados hasta entonces.

aprovecha con creces las posibilidades que se le ofrecen y responde

arrepentimiento.Porque la mesa de lo que ofrecía Elliot Smith estaba mejor

servida cuando menos adornada. Sus palabras fueron concretas y líricas en el sentido de lo poético, con un cierto giro de complejidad, especialmente en esos giros lingüísticos que van hacia la sensación de borrarse. Si no estaba hablando de él mismo, podríamos concluir que los héroes de Smith parecían siempre ir un paso atrás de la felicidad, eran amantes que se autosaboteaban cuando estaban a un paso crucial de lograr la felicidad. Las canciones también eran engañosamente simples, porque a la

modular más de 10 cambios de acordes en el transcurso de unos minutos.

una disquera multinacional, el “Figure 8”, que quizá es su mejor

que, a mediados de los noventa, publicara sus primeras canciones. El nivel de las composiciones es altísimo, rayando a un nivel que muy pocos pueden alcanzar ahora mismo, bandas como Wilco y no muchos más.

EL EPÍLOGO

desintoxicarse, pero al igual que Cobain, no se apegó al

lesiones y problemas de salud de un tipo u otro, aunque al menos continuó tocando para lo que iba a ser su sexto disco, “From a Basement on a Hill”. Un disco plagado de oscuras premoniciones.

a regalar un par de covers, como el de ‘Isn’t It a Pity’ de George Harrison o el clásico ‘Jealous Guy’ de John Lennon e incluso hasta ‘Thirteen’ de Big Star o ‘Waterloo Sunset’ de The Kinks no era otra cosas que el intento de evocar una nostalgia dolorosa.

, declaró al Rocket de

.

Alfredo Lewin

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Blues

Stevie Ray VaughanDos décadas sin

el héroe de TexasConsiderado uno de los mejores guitarristas de la historia, el hombre que “salvó al blues” en la década de los ochenta sigue más vigente que nunca, pues Legacy Edition reeditará el clásico “Couldn’t Stand the Weather”, el cual fue remasterizado e incluido material extra. Una verdadera joya para los fanáticos del tejano, ya que este fue el disco que lo consagra como uno de los músicos contemporáneos más importantes de los últimos años y que le valió la chapa de ser el nuevo Jimi Hendrix, debido a su impresionante poder de improvisación y sus inmejorables piruetas sobre el escenario. Toda una revelación para la música del alma.

93III ROCKAXIS

Las verdaderas leyendas se reconocen cuando, pasados los

sigue creciendo. Es lo que pasa con la música de Stevie Ray Vaughan, sus discos van tomando más

valor a medida que pasa el tiempo y su estampa de blues-rocker está impregnada en el inconciente colectivo de millones de personas. Vaughan pasó a ser de un

Texas, el torrente que provocó su álbum debut: “Texas Flood”, obra maestra que

al personaje más trascendente que esta música haya conocido en los últimos 30 años. Es por eso que puede ser lejos el blusero más imitado en la historia, con cientos de tributos alrededor del mundo y artistas que demuestran el caudal de vida que tiene la Fender Stratocaster y los

registrada en Stevie Ray.Pasaban los años ochenta y justo

cuando se pensaba que nada podía sorprender el mercado, aparece él y desmonta la teoría. Su banda Double

tema de Otis Rush, estaba compuesta por Christopher Layton en batería y Tommy Shannon en bajo, quien venía de tocar con Johnny Winter, toda una eminencia en Texas. Juntos empujaron al blues tejano a los primeros lugares de los rankings y

estrella solitaria.Una cosa llevó a la otra, ya que luego

Vaughan al mercado, los bluseros más

Lonnie Mack y lo mejor aún, es que la

redescubrir el hermoso pasado country

Lo que más se le reconoció a Vaughan

se atrevió a lo que nadie intentó por ese entonces: elevar a su máxima expresión a

o T-Bone Walter, hubo un guitarrista

guitarrista que sentó las bases rock de

tenía sobre el blues, Tommy Shannon decía: “Stevie hablaba de Jimi todo el tiempo, tocaba sus temas y aprendió mucho de él”. Es por eso que no es raro que sea comparado

con Hendrix y más aún cuando Vaughan se despacha los covers más impresionantes de los que se tenga registro, como ‘Voodoo

última en versión instrumental, donde SRV “parece un canal abierto, donde la música

nunca”, agregaba Eric Clapton.

SU TRISTE ADIÓS

El hombre nos dejó en su mejor momento y de eso no hay dudas. El término de la década vislumbraba a un SRV ya recuperado de su adicción a las drogas y con la convicción de ser el más grande tras las seis cuerdas, distinción que se llevó cinco años consecutivos por la revista “Guitar Player”, todo un logro para un

volar a Chicago a un concierto que tenía

Sobre aquella presentación, su hermano dijo: “Stevie estuvo surreal esa noche, en otro

.SRV toma un helicóptero junto a algunos

quien había compartido escenario esa

la nave se estrella en unas cumbres de Wisconsin, apagando para siempre la Strato Number One, como llamaba a

convertir en leyenda. Su deceso se produjo el 27 de agosto de 1990.

grande, que sus admiradores año a año esperan las cientos de grabaciones inéditas que duermen en las manos de algunos

productores. Parte de esa nostalgia se encarnó en la reedición de sus cuatro discos de estudio hace seis años, a la cual se suman la edición de su disco póstumo “The

Este año y debido a los 20 años de su desaparición, su sello decidió sacar a la venta el mejor álbum de SRV para muchos

en su tiempo y que en su reedición cuenta con un segundo cedé con un concierto inédito grabado en 1984 en el Spectrum de

Ojalá que este no sea el último registro que salga a la venta, puesto que se conocen muchas grabaciones de conciertos que pueden ser rescatadas, aunque el mercado negro de los bootlegs se ha encargado de

conociendo al artista completamente

luchar contra sus demonios internos sale victorioso y dotado de una nueva visión de la música.

Claramente, Stevie Ray era un ser superlativo, un adelantado para sus tiempos, con la capacidad necesaria para dejar boquiabierto a cualquier melómano y no necesariamente a un amante del blues. Su música se mantendrá intacta por muchos años más y su nombre será sinónimo de real virtuosismo y salvación, aquella que llevó al blues a lo más grande y logro captar la atención de audiencias cada

música tejana, que tras 20 años sigue dando

Claudio Ibarra

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LG: lanzamiento de nueva línea de celulares.01. Gonzalo Pinto, Santiago Chi, Sang Park.02. Julio Sanchez, Javier Gaete, Cristobal del Río.03. Alejandro Larraín, Carolina Diban, Santiago Quezada.

Lanzamiento juego Starcraft II en PC Factory.04. Lanzamiento juego Starcraft II.05. Ganadores junto a Juan Andrés Salfate.06. Alejandro Marín, Juan Andrés Salfate, Gustavo Gatica.

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Lanzamiento línea HP Rocks07. Álvaro España.08. Lucybell.

Escudo Power Party.09. Banda Six Magics. Viernes 30 julio. Club Rock & Guitarras.10. Escuderos. Viernes 30 julio. Club Rock & Guitarras.

Ciclo Capel.11. Jueves 29 julio. Club Mist.12. Jueves 29 julio. Club Mist.

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ROCK SHOP

“Clapton”Autobiograf ía de Eric Clapton2010. Global Rhythm

Eric Clapton esperó a tener la sabiduría y los años necesarios para adentrarse en la aventura de escribir una autobiografía. Aunque en un inicio él contó con la ayuda de un escritor

que él emprendería el proyecto por su propia cuenta, para darle el tono que él quería conseguir, dar con los recuerdos sin adornos o con ayuda de los amigos y, claramente,

para ser abierto y sincerarse consigo mismo. Clapton, en algunos

timidez y poca apertura a los medios, es poco lo que se conoce masivamente de él y su vida.

Aunque este libro apareció hace tres años en su forma original en inglés, “Clapton” cuenta con la gracia de la atemporalidad: el hombre ya ha vivido prácticamente todo, y lo relata como si todo esto hubiera sido ayer, en algunas secciones con muchos detalles que a veces ni siquiera vienen al caso, pero que enriquecen todo el universo en el que uno se imagina cómo fue que el músico evolucionó. Más encima, con mucha agilidad. Se sabe de las abruptas disoluciones de Cream o Blind Faith, del apasionado amor por Pattie Boyd, que fuese la mujer de George Harrison, y de la trágica muerte de su hijo Conor. La coincidencia entre todos estos

mismo tiempo que él pasaba por un momento intenso, como el amor y la pérdida.

Clapton puede verse a sí mismo con una enorme autocrítica, pero siempre apuntando a esclarecer los eventos que dirigieron su vida, con un análisis que solo la edad le pudo haber otorgado. El hecho, por ejemplo, que supiera que su hermana era en realidad su madre, lo marcó de por vida. Si sus hermanastros tenían un juguete mejor que los de él, él quería tenerlos. Más adelante, si tenía una banda, tenía que ser la mejor. Si tenía una mujer, tenía que ser la más bella, íntegramente.

Pese a la autocrítica, el inglés jamás cae en la autocompasión ni tampoco en la soberbia–pudiendo haberlo hecho fácilmente en los episodios más críticos de su trayectoria– él conoce sus limitaciones y sus virtudes. Teniendo a Jimi Hendrix a su lado, supo que no podía compararse a tal criatura, y siendo el guitarrista que es, nada más ni nada menos que Dios a los 21 años, tampoco aparece con aires de divo ni de miradas por sobre el hombro. Siempre relata lo honrado que se sentía por haber compartido escenario con todas y

Muddy Waters o Buddy Guy, su amigo George Harrison, los Stones o Bob Dylan.

Sí reconoce en todas las bandas por las que pasó, un nivel de “culpabilidad” en el término de cada una de ellas, motivadas, particularmente, por la falta de entusiasmo o porque de alguna manera sabía que no iba a ninguna parte de continuar tal o cual camino. Sin embargo, un momento especial en la carrera de

en ese entonces, esposa de George Harrison, en quien se inspiró prácticamente todo el álbum “Layla and Other Assorted Songs” y que llegaría a ser uno de los hitos esenciales de la trayectoria de Clapton.

Asombra, tal como su pasión por la música y las mujeres, su total ausencia de estrellato. Pudo haber pasado por algunos de

y su inspiración siempre comenzó desde un espíritu inquieto, ansioso de búsqueda. Apenas al inicio de su trayectoria como músico profesional hace referencias a las malas condiciones en las que tuvo que hacer giras o tocar en lugares de mala muerte, hasta pasar al salto a los grandes estadios, que menciona apenas en contadas ocasiones, en especial luego del éxito de la canción ‘Tears in Heaven’, cuando el público acudía por montones a sus espectáculos y ansiaba escuchar el gran hit del momento. Clapton

contemplación. Siempre manteniendo la reserva.Así como el amor y la música casi siempre han ido de la mano

en su vida, también lo fue durante un periodo la adicción a la heroína y al alcohol. Ambos terminaron destruyendo su vida social y sus relaciones personales, al punto que recuerda un episodio en que Pete Townsend de The Who le cuenta que lo había ido a ver varias veces a su casa, pero que él no se había dado cuenta;

desmoronó a punta del consumo del alcohol y de un machismo

y en sus actitudes hacia la que fue su mujer.Mención aparte merece el trágico fallecimiento de su hijo

Conor. Él no mantuvo una relación estrecha con el niño, pero, a medida que fue dejando el alcoholismo, se fue dando cuenta de lo mucho que deseaba compartir tiempo con él. Un día después de una salida juntos al circo, Clapton se motivó a seguir cuidando de Conor sin la supervisión de su madre, para enterarse que había muerto. El relato, conocido masivamente, no deja de causar conmoción e impacto tanto por el terrible momento que tuvo que vivir como por la entereza que se autoimpuso para sobrepasar la tragedia.

agradece a Dios por encontrarse en su mejor época, en total plenitud con su familia, haciendo la música que más le gusta y evocando una tierna imagen del regreso al hogar con su pareja y sus hijas. Tuvo que pasar por un completo desorden existencial, por lecciones autoimpuestas de no caer en la arrogancia, de darse cuenta que sus acciones causaban efectos a su alrededor… para llegar a decir que, aparte de la familia del blues, solo se siente

recomendable.

María de los Ángeles Cerda

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“Confesiones de Michael Jackson:Las Cintas del Rabino Shmuley Boteach”2010. Global Rhythm

Un libro llamado “Confesiones...” puede llamar a equivocaciones, suena como el material de archivos de grabaciones

condenado a muerte. Aunque parezca lo contrario, el autor de este libro, editado “post mortem”, un rabino que se presentó hace 10 años como un amigo que quería conversar largo y tendido con la estrella

y logró grabar 30 horas de un verdadero examen de conciencia, no presenta aquí otra una suma de chismes morbosos de Jackson, sino que intenta que el lector se dé cuenta que lo que se necesita realmente para vivir en paz: una receta para Michael como para

Lo que hace a “Confesiones de Michael Jackson” tan interesante es que aquí es el propio Jackson la voz parlante, el mismo que tan pocas veces concedió entrevistas con el solo propósito de mantener el misterio sobre su verdadera naturaleza. Las entrevistas se realizaron en el transcurso de dos años por el rabino Schmuley Boteach, quien como autor y co-relator también interviene en largos pasajes (e incluso en sus preguntas) con sus propios comentarios sobre la base de las enseñanzas judías y algo de psicología barata.

Boteach apunta que la dicotomía humana del ser superior y el ego se encuentra en todos nosotros, y en Michael Jackson se hallaba en el chico tímido, espiritual e inocente nacido en Indiana frente a la superestrella mundial con un apetito insaciable de fama. Por las razones que fueran (las que el autor intenta dilucidar a través de las mismas palabras de Jackson) el ego del artista se impuso y esto lo derivó incluso a un período más oscuro que el que enfrentó tras

una etapa de reclusión que lo terminó viendo ensayar un regreso en 2009, cuando ya era muy tarde. Por todo tipo de excesos y abusos el tipo había llegado a un nivel de degradación sobrehumana.

dedos que apuntan acusadores a la estrella del pop son realmente un gran dedo apuntando a nosotros como sociedad y cómo Michael

una proyección del capitalismo en los Estados Unidos, su hambre

casos) la gente incluso llega a matar para ser famosa, y su necesidad

falta de paz interior y el deseo para adormecernos.En muchas ocasiones, Boteach suena un poco duro con Jackson,

como si fuera su psicoterapeuta, acusándolo de ser casi delirante o

haber encontrado un rasgo de humanidad en Hitler, recordemos

que el autor es un religioso judío quien rescata, no obstante, que Michael era digno de elogio porque veía la divinidad en el pecador, así como el santo. Puros clichés de parte de Jackson en todo caso, porque tosa esta palabrería no es nada que antes no hubiéramos

El libro termina revelando un lado muy profundo de Jackson,

los niños, una defensa de su amor por ellos, del idealismo tras el objetivo de ayudarlos, tal como si fueses el personaje de “El

desviación psiquiátrica, por cierto hay que hacer notar que el autor admite creer que no hay manera de que Jackson hubiera jamás abusado de un niño. Un detalle no menos interesante.

En una sección del libro nos enteramos del porqué el matrimonio con Lisa Marie Presley no funcionó, ¿por qué no le gustaba Madonna y en cambio si lo provocaba Brooke Shields y la princesa Diana? Esas son cosas que vamos dilucidando en la medida que nos internamos en los mecanismos de defensa interna de Jackson. Por un momento la atención se desvía hacía otros planos ya que hay un capítulo en el que el rabino entrevista a la madre de Michael, otro más sobre la relación del cantante con otras estrellas infantiles (el “angelito” Macaulay Culkin y Shirley Temple salen de inmediato al ruedo) y otro también en el que se

sobre la importancia de perdonar. Pero perdonar de veras, no con indulgencias cosméticas como las que Michael otorgaba... un perdón de niño chico.

En el epílogo del libro, se nos da una advertencia contra el culto a la celebridad. Aunque creo que no es justo culpar a Jackson de haber inspirado a una generación entera con esta actitud de querer la fama “a toda costa” si acepto que el autor tiene razón en una conclusión que es que la fama (por mucho que sea un gran logro) está vacía. Y que el mayor logro y recompensa viene añadido al solo tener alguien en tu familia que te conozca y te quiera. Pero esto no es nada muy nuevo tampoco que voy a venir a aprender a propósito de Michael Jackson pero la verdad es que este tipo que aquí se examina estaba muy solo. Como un paria, un leproso intocable.

“Confesiones de Michael Jackson: las cintas del Rabino” analiza lo dañino que es desear la fama, y cómo hemos creado una sociedad que hace que la gente quiera fama a toda costa haciendo de famosos y de infames la misma cosa. Jackson es una prueba de que hemos inventado nuevos dioses en la tierra y entendiendo este absurdo no es tan sorprendente, entonces, que los objetos de este culto comienzan a creer que tienen el derecho de hacer y vivir por sus propias normas, incluso cuando se vuelve un completo

las celebridades que invitan al ejercicio más ridículo e insano de adoración.

Alfredo Lewin

100III ROCKAXIS

por Christian López

El gran valor

es el pedazo de historia que relata. No hay hasta

películas de

pegado Estados Unidos en los

a partir del ataque a las Torres

El director Paul Greengrass se vuelve a unir al actor Matt

El “antagonista” es interpretado por Greg Kinnear. Es el

decisiones.

Green ZoneDir: Paul GreengrassProtagonistas: Matt Damon, Greg KinnearDuración: 114 minutos

CINEAXIS

sta es la esperada

blockbuster y

película de poca sorpresa.

DepredadoresDir: Nimród AntalProtagonistas: Adrien Brody, Laurence Fishburne Duración: 106 minutos

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LOS PEORES DE CHILE + FISKALES AD HOK

La Batuta13 de agosto -23.00 horas

Entrada: $3.000 general, $5.000 con cover

COCODRILOS CON MARTINIOpera Catedral

13 de agosto -23:00 horas

Aniversario Sonar: HOWLERS + JOHOU

Club Mist14 de agosto – 23:00 horas

NOTEVAGUSTAR + LILITSLa Batuta

14 de agosto – 23:00 horasEntrada: $7.000 (general), preventa

($5.000), a través del sistemaTicketmaster

TEJADO PIMIENTOLa Batuta

19 de agosto – 23:00 horasEntrada: gratuita

THE GANJASClub Mist

19 de agosto – 23:00 horas

THE AGONISTTeatro Cariola

19 de agosto – 20:00 horasEntrada: $11.000, a través del sistema

Feriaticket

DEVIL PRESLEY + BBS PARANOICOS

Club Mist20 de agosto – 23:00 horas

LOS GATOS NEGROSClub Onaciú20 de agosto

FOTHER MUCKERS + PEDROPIEDRA

Sala SCD Plaza Vespucio20 de agosto – 21:00 horas

Entrada: $3.000 (preventa), $4.000 (mismo día)

MANUEL GARCÍACentro de Eventos Chimkowe

20 de agosto – 21:00 horasEntrada $4.000, a través del sistema

Ticketmaster

LUCYBELLTeatro Caupolicán

21 de agosto – 21:00 horasEntradas: $5.000 (general), $7.000

(cancha), a través del sistema Feriaticket

LOS COSMOPARLANTEZSala SCD Bellavista

21 de agosto -21:00 horasEntrada: $2.500

ANGELO PIERATTINIClub Onaciú25 de agosto

AUGUST BURNS RED + BLESS THE FALL

Teatro Novedades25 de agosto – 18:00 horas

Entrada: $19.000, a través del sistema Ticketmaster

MANUEL GARCÍASala SCD Plaza Vespucio25 de agosto – 21:00 horas

Entrada: $3.000

KONTRASala SCD Plaza Vespucio

26 de agosto – 21:00 horasEntrada: $3.000

CAZAR + ANTIFAZ + REMEZÓNLa Batuta

26 de agosto – 23:00 horasEntrada: liberada

Ciclo de tocatas Capel: DORSO + SILVERJACK

Club Mist26 de agosto – 23:00 horas

Entrada: $3.000

LOS TRESLa Batuta

27 y 28 de agosto – 23:00 horasEntradas: Preventa del 16 al 26 de agosto: $ 12.000 (a través del sistema Feriaticket, valor con 10% de recargo) y en La Batuta

(sin recargo). Mismo día: $15.000.

EL CRUCE (de lujo)Teatro Oriente

28 de agosto – 21:00 horasEntradas: $5.000 (platea baja), $7.000

(platea alta), a través del sistema Ticketmaster.

SINERGIASala SCD Bellavista

28 de agosto – 21:00 horasEntrada: $3.000

LOS JAIVASCentro Cultural Amanda

31 de agosto y 1 de septiembre 22:00 horas

Entrada: $8.000, a través del sistema Ticketmaster

PETER FRAMPTONTeatro Caupolicán

4 de septiembre – 21:00 horasEntradas: Desde $18.000 a $60.000, a

través del sistema Ticketmaster

THE ADICTSTeatro Novedades

9 de septiembre – 20:30 horasEntrada: $8.000, a través del sistema

Ticketmaster

VOIVODTeatro Teletón

12 de septiembre – 20:00 horasEntradas: $13.000 (general), a través del

sistema Ticketmaster

SCORPIONSMovistar Arena

14 de septiembre -21:00 horasEntradas: Desde $13.700 a $68.400, a

través del sistema Puntoticket

TOCATAS