“REALISMO: FORMAS Y EXPRESIONES”

AUTORA:

LITA ANA DOMINGUEZ ARAUJO

INTRODUCCIÓN

El propósito de este trabajo es justificar mediante mis obras que el Realismo no es un“arte muerto” solamente digno de estar en los museos, o ser parte de la Historia.

Con este fin, en la primera parte realizo un análisis e investigación sobre la corrienteartística del Realismo Pictórico que se desarrolló en Francia a partir de 1850, suorigen, su fundamento, sus características, sus exponentes y su trascendencia.

En la segunda parte mostraré, a través de mis obras, ya que todas son realistas y casi en su totalidad figuras humanas, el nexo con la corriente pictórica aludida.

En síntesis, el objetivo del presente trabajo es relacionar mis obras con su referencia histórica (el Realismo del siglo XIX), así como mostrar el proceso de trabajo, tanto en sus aspectos formales, como expresivos y de contenido, además demostrar que, practicando uno adquiere la perfección, y que se puede pintar un realismo novedoso sin caer en un frío tecnicismo académico.

CAPÍTULO IEL REALISMO PICTÓRICO

SUS FUNDAMENTOS y CARACTERÍSTICASSUS EXPONENTESSU TRASCENDENCIA

SU FUNDAMENTO Y

SUS CARACTERÍSTICAS

El Realismo es una tendencia pictórica que desplaza al Romanticismo a partir de 1848 aproximadamente; se mantiene hasta 1875. Hay varios factores que contribuyen a su aparición:

• Las transformaciones económico-sociales producidas por la Revolución Industrial, así como la implantación definitiva de los ideales burgueses.

• La difusión de la filosofía positivista de Comte, que defiende la experiencia y la observación como única fuente de conocimiento; influirá decisivamente en los avances científicos.

• El nuevo sentido práctico de la vida y la conciencia por parte de los artistas, de los terribles problemas sociales de la industrialización.

• El cansancio provocado por las exageraciones románticas.

• El desencanto por los fracasos revolucionarios de 1848.

Entre el romanticismo y el realismo se establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.

Frente al exaltado idealismo romántico y sus deseos de evasión, los artistas defienden a la realidad concreta como auténtico fundamento del arte.

El Realismo reacciona contra los grandes temas mitológicos, históricos-políticos, religiosos, heroicos, que habían sido tratados con apasionamiento en el romanticismo.

El carácter polémico y de crítica social de muchas de estas pinturas hace que los artistas se aparten del llamado arte oficial propugnado por las Academias.

Los personajes son tomados preferentemente de las clases sociales menos favorecidas: campesinos, obreros, emigrantes; es el mundo del trabajo en toda su miseria. El tema de la fatiga se convierte en tema principal.

Comparación entre la pintura Romántica y la Realista

La Libertad guiando al pueblo – Eugene Delacroix (1830)

Vagón de tercera. Honoré Daumier (1862), 66 x 90 cm. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Los temas tradicionales son tratados con todo realismo y objetividad: paisajes tomados del natural, hechos históricos del pasado o contemporáneos.

Su preocupación por el enfoque real de los temas se ve favorecida por la aparición de la fotografía, que ayuda a fijar la imagen con mucho detalle.

En cuanto a la técnica pictórica se refiere, el carácter que distingue esta pintura, es la importancia que se da al desempeño, el cuidado que se otorga al claro-oscuro, a la perspectiva, al color.

La pincelada es firme, el contorno preciso, en general son muy detallistas, muy puntuales especialmente en los dibujos que realizan, tanto sobre el lienzo como en los bocetos preliminares.

El manifiesto del Realismo, publicado en 1850 por Gustave Courbet, se basaba en lo siguiente:

“• La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.• No se admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista”.

Con este manifiesto queda establecido que la temática ya no será la misma que era hasta ese momento.

El positivismo sólo pretende registrar fenómenos objetivos, naturales o sociales y el Realismo lleva este pensamiento al terreno del Arte.

Charles Cottet: Douleur o Les victimes de la mer, del Tríptico Au pays de la mer, 1898, Museo de Orsay, París, ejemplo de obra naturalista

Sembrando papas. (1855), Jean François Millet. (fundador de la Escuela Barbizon)–Museo de Orsay

SUS EXPONENTES:

GUSTAVE COURBETJEAN FRANÇOIS MILLETHONORE DAUMIERJEAN BAPTISTE CAMILLE COROTJOHN SINGER SARGENT

Gustave Courbet (1819-1877)Autorretrato con pipa

“Mantengo que la pintura es un arte absolutamente concreto y que sólo puede existir en representaciones de cosas reales y concretas…”.

Gustave Courbet (1819-1877) fue el máximo representante del Realismo francés. Nació en Ornans, en el Franco Condado (Francia) en 1819, hijo de una rica familia de terratenientes, trasladándose a París con 20 años y realizando en esa capital su formación artística, copiando obras en el Louvre y trabajando en la Academia Suiza.

Caravaggio, Rembrandt, Velázquez y la Escuela veneciana fueron sus maestros, desarrollando un estilo naturalista aunque adaptado al siglo XIX, representando escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.

Courbet fue un revolucionario de espíritu y formación, bastante comprometido; participó abiertamente en la Revolución de 1848, ganándose la reputación de artista peligroso, tanto por su actitud como por su pintura.

Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales. Siempre rechazó la idealización del arte, proclamando que sólo el Realismo era genuinamente democrático, debiéndose tomar como modelos a los campesinos y trabajadores.

Escoge temas y personajes de la realidad cotidiana, sin caer en el «pintoresquismo» o «folclorismo» decorativo.

Su técnica es rigurosa con el pincel plano y con la espátula, pero su mayor innovación es la elección de temas de la vida cotidiana como motivos dignos de los grandes formatos.

En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió (aproximadamente 40) en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor (1854-55), en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.

Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivo de alcohol.

Era un hombre arrogante, algo engreído, muy seguro de sí mismo y de su arte, con cierto afán de provocación ("si dejo de escandalizar, dejo de existir"). Rechazó la medalla de La Legión de Honor, afirmando que quería morir "como hombre libre, sin depender de ningún poder ni religión".

Gustave Courbet, Los picapedreros (1850)

Gustave Courbet, El entierro de Ornans (1851)

JEAN FRANÇOIS MILLET (1814 - 1875)

Jean-François Millet (10/04/1814 – 20/01/1875) fue un pintor francés y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizón en zonas rurales de Francia. Millet es conocido por sus escenas de agricultores campesinos, que también se pueden clasificar como parte del naturalismo y del movimiento realista.

Millet fue el primer hijo de Jean-Louis-Nicolas y Aimée-Henriette-Adélaïde Enrique Millet, miembros de la comunidad campesina en la aldea de Gruchy , en Gréville-La Haya ( Normandía ).

Bajo la guía de dos sacerdotes de pueblo, Millet adquirió un conocimiento de los autores latinos y modernos, antes de ser enviado a Cherburgo en 1833 para estudiar con un pintor de retratos llamado Paul Dumouchel .

Un estipendio provisto por Langlois y otros le permitieron Millet para pasar a París en 1837, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Paul Delaroche . En 1839 se terminó su beca, y su presentación por primera vez al Salón fue rechazada.

Fue en París en la década de 1840, Millet se hizo amigo de varios artistas que como él , se asocian con la escuela de Barbizon.

En 1847, su primer éxito del salón vino con la exposición de un cuadro de “Edipo bajado del árbol”, y en 1848 su “Aventador” fue comprado por el gobierno.

El 1850 expuso en el Salón “Cosechadoras” y “El Sembrador,” su gran obra maestra la primera y la primera del trío emblemático de pinturas que incluyen Las espigadoras y el Ángelus.

Desde 1850 hasta 1853 trabajó en Millet en Cosechadoras en reposo, una pintura que se podría considerar la más importante, y en la que trabajó por más tiempo.

En 1857, presentó el cuadro Las espigadoras en Salón a un público hostil y poco entusiasta.

A pesar de críticas mixtas de los cuadros que expuso en el Salón, la reputación y el éxito de Millet creció a través de la década de 1860.

Jean François Millet, “El aventador” 1848

Jean François Millet - El Ángelus (1859)

Jean François Millet, 1857 – Las espigadoras

Jean François Millet – (1853) Las cosechadoras en reposo

En 1859 se instala en Barbizón, donde permanecerá el resto de sus días, interesado en asuntos rurales que le valieron la catalogación de socialista. En sus obras describe científicamente el duro trabajo de los campesinos, que acompaña con toques de espiritualidad.

Sus últimos años estuvieron marcados por el éxito financiero y el reconocimiento oficial mayor, pero fue incapaz de cumplir las comisiones gubernamentales debido a su mala salud. Murió el 20 de enero de 1875.

El Angelus fue reproducida con frecuencia en los siglos 19 y 20. Salvador Dalí estaba fascinado por esta obra, y escribió un análisis de la misma, el mito trágico del Ángelus de Millet.

Millet fue una importante fuente de inspiración para Vincent van Gogh , sobre todo durante su primera etapa. Millet y su obra se menciona muchas veces en las cartas de Vincent a su hermano Theo.Los paisajes finales de Millet sirven como puntos de referencia e influencia en las pinturas de Claude Monet de la costa de Normandía, así como su contenido estructural y simbólica influencia en Georges Seurat.

Influencia en la pintura impresionista de Vincent Van Gohg

Vincent Van Gohg – La siesta Jean François Millet – Descanso a mediodía

JOHN SINGER SARGENT (1856-1925)Autorretrato, 1906, óleo sobre lienzo, 70 x 53 cm, Galería de los Uffizi , Florencia.

John Singer Sargent (12/01/1856 - 14/04/1925) fue un pintor estadounidense, y un importante pintor de retratos de su época. Durante su carrera, creó alrededor de 900 pinturas al óleo y acuarelas más de 2.000, así como innumerables bocetos y dibujos al carbón.

Su padre Fitzwilliam (n. 1820 Gloucester, Massachusetts ) fue un cirujano ocular en el Hospital de Ojos en Filadelfia 1844-1854, su madre María fue cantante. La pareja decidió ir al extranjero después de una tragedia familiar.

Un intento de estudiar en la Academia de Florencia falló, así que después de regresar a París, Sargent comenzó sus estudios de arte con Cárolus-Duran (1837-1917).

Tomó clases de dibujo, que incluyó la anatomía y perspectiva, y ganó un premio. También pasó mucho tiempo en el auto-estudio, dibujo y pintura en los museos.

Utilizó el método “alla prima”, método de trabajo directamente sobre el lienzo con un pincel cargado. Fue un enfoque que se basó en la colocación correcta de los tonos de la pintura. Este enfoque también permite florecer espontáneamente el color, no está vinculada a un método bajo-dibujo, aunque previamente realizaba

Al principio el entusiasmo de Sargent fue los paisajes , no el retrato, como lo demuestran sus dibujos voluminosos llenos de montañas, paisajes y edificios.

La pintura de retrato, era la mejor manera de promover una carrera artística, consiguiendo exhibir en el Salón , y la obtención de comisiones para ganarse la vida.

Los mejores retratos de Sargent revelan la individualidad y la personalidad de los retratados. Es evidente en Las hijas de Edward Darley Boit , 1882, un interior inquietante que se hace eco de Velázquez “Las Meninas” .

Su más polémica obra, Retrato de Madame X (Madame Pierre Gautreau - 1884) está considerada como una de sus mejores obras, y el artista, declaró en 1915, "supongo que es lo mejor que he hecho. "

En un momento en que el mundo del arte se centró, a su vez, el Impresionismo , el Fovismo y el Cubismo , Sargent practicaba su propia forma de realismo , que se refirió brillantemente a Velázquez, Van Dyck, y Gainsborough .

Las hijas de Edward DarleyBoit , (1882)

un interior inquietante que se hace eco de Velázquez Las

Meninas .

John Singer Sargent (1884) Madame X - (Madame Pierre

Gautreau)

Lady Agnew de Lochnaw por John Singer Sargent, 1893, Galería Nacional de Escocia

Rosina Ferrara Capri (1878)

El jaleo (1882), 93.5 x 138.5 oleo sobre lienzo

Vendedora veneciana, 1880

Si bien en las obras de John Singer Sargent no existe preocupación social, ya que era retratista de las altas esferas sociales de Norte América y Europa , trata en todas ellas de plasmar lo que ve, esto quedó demostrado en los bocetos realizados a lo largo de sus viajes al África del Norte y Oriente Medio.

Los modelos que utiliza tanto para los retratos como para otros temas, son, niños, mujeres y hombres de diferentes edades, pero en todos ellos, podemos apreciar no solo el gran parecido, sino la expresión y el carácter.

Con sus acuarelas, Sargent fue capaz de disfrutar de sus primeras inclinaciones artísticas de la naturaleza, la arquitectura, pueblos exóticos, y los paisajes de montaña nobles. Y es en algunas de sus obras finales, donde uno siente la pintura Sargent más puramente para sí mismo. Sus acuarelas fueron ejecutadas con una fluidez alegre También pintó ampliamente familia, amigos, jardines y fuentes.

Gondoleros haciendo siesta, 1904. Acuarela

CAPÍTULO IIFORMAS Y EXPRESIONES:

teoría e imágenes

En esta segunda parte mostraré, a través de mis obras el nexo con la corriente pictórica aludida , ya que todas son realistas y casi en su totalidad figuras humanas. En el Realismo el dibujo es muy importante, y para mi constituye la mitad de una obra. También explicare las prácticas que realizo, para llegar a un realismo pictórico.

El recurso que utilizo es generalmente la fotografía y la técnica es la pintura al óleo sobre lienzo o cartón prensado. Aunque también he realizado grabados y xilografías de la figura humana en soportes diversos.

Comienzo dibujando formas, simples primero y complejas después, luego las ilumino para que éstas se transformen en volúmenes, posteriormente les aplico color y finalmente expresión.

El objetivo del presente trabajo es relacionar mi obra con su referencia histórica (el Realismo del siglo XIX), así como mostrar el proceso de trabajo tanto en sus aspectos formales como expresivos y de contenido, además demostrar que practicando uno adquiere la perfección, y que se puede pintar un realismo novedoso sin caer en un frío tecnicismo académico.

Formas

La forma de un objeto viene determinada por sus límites, aunque perceptualmente ésta cambiará dependiendo de su orientación espacial o de su entorno, así, ésta quedará plasmada por los rasgos espaciales que se consideran esenciales.

La precisión de la forma es necesaria para comunicar las características visuales de un objeto, y ello se logra mediante factores perceptuales como la simplicidad de la forma, el agrupamiento ordenado, traslapo claro, distinción de figura y fondo, empleo de la iluminación y la perspectiva para interpretar los valores espaciales.

La forma sustancial se convierte así en la verdadera realidad de las cosas, la esencia que las diferencia de las demás, al mismo tiempo que las hace semejantes a las que participan de la misma forma o naturaleza.

Las formas accidentales, por el contrario, individualizan a cada uno de los seres concretos en su situación en el mundo material y sensible. Las cosas encuentran su verdad, su verdadera realidad en la forma que se convierten.

Formas de una escultura en arcilla cocida

Lita domínguez, (2007).Desnudo de frente

Desnudo de tres cuartos

Volumen

El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus sombras. Existe volumen cuando podemos apreciar y diferenciar varias clases de sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas. Sombras propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas.

Al iluminar un modelo se producen en él zonas de luz, zonas de penumbra y zonas de sombra. Al mismo tiempo, el cuerpo iluminado proyecta su sombra sobre las superficies y objetos próximos. Las sombras propias proyectadas, además, pueden alterarse a causa de la luz que se refleja en las superficies próximas al modelo.

Volumen en pintura

Lita Domínguez, (2007)

Volumen y perspectiva ,

Dibujo en carboncillo de una fotografía de Brandt

Dibujos con diferentes técnicas

El Taller de Mención en pintura fue la culminación de un trabajo iniciado con las asignaturas de dibujo I y II y de pintura I y II, y en ambas la esencia es la interpretación de la forma y el volumen y la posterior aplicación del color, para ello se realizan diversos ejercicios prácticos, que a la larga determinan la facilidad y la perfección en el desarrollo de cualquier interpretación artística que se decida realizar.

También se realizan prácticas de cálculo mental de distancias, proporcionar y encajar, luz y sombra, difuminos, claroscuros, nociones de perspectiva, posteriormente dibujos diversos de objetos y también partes del cuerpo humano.

Cabe recalcar que para llegar a realizar una obra realista, el dibujo debe ser perfecto sin arreglarlo ni embellecerlo, simplemente plasmarlo tal como es.

Práctica de dibujo con lápiz

Lita Domínguez (2008)Dibujo original de Agnolo Bronzino (1503-1572)Anatomy lessons from the great masters Robert Beverly Hale and Terence Coyle –Watson-Guptill Publications – First printing 1997 – Manufactured in USA –271 p.

Práctica de dibujo con sanguina

Lita Domínguez (2008)

Dibujo original de Raphael Sanzio(1483-1520)

Anatomy lessons from the great masters Robert Beverly Hale and Terence Coyle –Watson-GuptillPublications – First printing 1997 –Manufactured in USA – 271 p.

Lita Domínguez. Práctica de dibujo anatómico (extremidades inferiores) en sanguinaDibujo original de Jacopo Pontormo (1494-1556)ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by Robert Beverly Hale and Terence Coyle –Watson-GuptillPublications – First printing 1997 – Manufactured in USA – 271 p. – pg. 91

Lita Domínguez. Práctica de dibujo anatómico (parte posterior) en carboncilloDibujo original de Peter Paul RubensANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by Robert Beverly Hale and Terence Coyle –Watson-GuptillPublications – First printing 1997 – Manufactured in USA – 271 p. –pg. 39

Justificación anatómica

Los grandes artistas que se han preocupado por la expresión de la belleza, cuando la han buscado a través de un cuerpo humano de hombre o de mujer, han orientado sus esfuerzos hacia la formulación de un canon de proporciones, o sea, de una serie de relaciones matemáticas que permiten determinar, a partir de una primera relación muy simple todas las demás medidas de un cuerpo ideal.

Existen varios métodos de estudio de la figura humana, en casi todos ellos (si no es en todos) se basan en el canon, pero son cálculos fríos y en todos se trata de plasmar la belleza y perfección, que en todo caso no es lo que yo busco (ni los realistas tampoco) ya que, como aclaré al comenzar esta investigación se trata de plasmar imágenes de personas normales, en sus quehaceres cotidianos, no seres idealizados ni de la mitología griega.

Los cánones más conocidos y más aceptados por las culturas de influencia grecolatina se deben a dos grandes artistas de la Grecia clásica: Polícleto y Lisipo.

Doríforo, (s.V a.C.)

Poícleto el Viejo

El Apoxiomeno, (s. IV a.C.)

Lisipo

Prácticas de dibujo de diferentes partes del cuerpo humano

Carboncillo, modelo vivo tercera edad extremidades inferiores

Carboncillo, modelo vivo tercera edad –extremidades superiores

Lita Domínguez, (2008). Belleza otoñal – Oleo sobre lienzo

Expresiones

En la pintura realista es fundamental la expresión que percibimos en los seres humanos, tanto en los rostros como en el cuerpo en general.

Cada persona posee líneas de expresión según la vida que lleve, el trabajo que realice, la edad que tenga o lo que es fundamental las emociones o sentimientos que albergue.

En el realismo pictórico del siglo XIX, todos los artistas ponían especial énfasis en las expresiones corporales o gestuales de sus modelos.

Si las analizamos, veremos que cada una tiene los sentimientos en los ojos, en la piel, en sus líneas de expresión……

Aunque todas mis pinturas son realistas, en ellas también juegan mi imaginación y se involucran mis sentimientos. Mis modelos son niños, adultos, ancianos, hombres, mujeres, de diferentes edades, etnias y clase social, pero siempre trato de plasmar los sentimientos que expresen mis modelos, sean éstos niños, adultos o adultos mayores en diferentes contextos y con distintas ocupaciones cotidianas.

Lita Domínguez, (2006) – Niño pensativo. Oleo sobre lienzo

Lita Domínguez, 2009. El niño de las gradas

Oleo sobre lienzo

Lita Domínguez, 2007Autorretrato en carboncillo

Lita Domínguez, 2009. Anciano bajo presión

Lita Domínguez, 2009. Cholita anciana

CONCLUSIÓN

A través de toda la investigación realizada, y como fue planteada en la introducción, he tratado de relacionar mi obra con la técnica pictórica de la corriente Realista del siglo XIX, tanto en los aspectos formales, como expresivos y de contenido, en mi pintura cuido mucho todos los detalles, en cuanto a la temática no todos corresponden a ese tipo de orden.

Personalmente, he desarrollado a través de éstos años conocimientos que aplico en mis obras, no se trata de una mera copia de esa corriente artística, ni de una continuación, sino una reformulación a través del estudio concienzudo de la figura humana, para que éste sea el tema principal de todas mis pinturas.

Esto no quiere decir que dejo de lado otros temas que también son realistas, como los bodegones y los paisajes, también los realizo, pero no son de mi predilección.

El tema que más he interpretado es el de la figura humana, concretamente el desnudo, mediante un estudio anatómico, tratando cada vez más de perfeccionar la técnica, porque de eso se trata, de realizar una pintura real, creíble, objetiva.

Obras realistasCorrespondientes a:

Lita Ana Domínguez AraújoArtista Plástica

Niña orando, 2009 – Oleo sobre cartón

Niña potosina, 2008 – Oleo sobre lienzo

Cholita cochabambina, 2005. Oleo sobre lienzo

Niños chaqueños, 2005. Oleo sobre lienzo

Fiesta en el norte de Potosí, 2005. Oleo sobre lienzo

Mujer chaqueña, 2006 – Oleo sobre lienzo

La mendiga, 2009. Oleo sobre lienzo

Retrato de Bruno, 2010. Oleo sobre lienzo

El papa, 2007 – Oleo sobre lienzo

Paisaje otoñal, 2007. Oleo sobre lienzo

La compradora, (alegoría) 2008 –Oleo sobre lienzo

Soledad, 2008. Oleo sobre lienzo, basado en foto de Brandt.

Depresión (desnudo), 2010 – Oleo sobre lienzo

Vergüenza (desnudo), 2010 – Oleo sobre lienzo

Pesadumbre (desnudo), 2010 –Oleo sobre lienzo

El viejo batán (bodegón), 2009 – Oleo sobre lienzo

FIN