PROGRAMACIÓN TEMPORADA 2018 · Santaella, Agostina Scarafia, Erika Zimmermann, Federico Amprino,...

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PROGRAMACIÓN TEMPORADA 2018

TEATRO SAN MARTÍN

Av. Corrientes 1530

-SALA MARTÍN CORONADO

Teatro

El casamiento De Witold Gombrowicz Dirección: Michal Znaniecki El casamiento de Witold Gombrowicz es un clásico que representa de forma inequívoca el genio del autor, pero también nos conecta con la tradición teatral polaca de Tadeusz Kantor. Una obra escrita en Argentina y pilar fundamental para entender las claves de la evolución del lenguaje teatral, una obra maestra donde lo poético y lo filosófico se encuentran en una dimensión formal definitoria del teatro contemporáneo. La construcción del personaje, la forma casi kantoriana y el propio tema del casamiento la hacen situarse en la estela de la gran tradición del teatro político. Arranca en el sueño de un soldado polaco del ejército francés durante la II Guerra Mundial: un momento de decadencia de los valores y que presenta la necesidad de crear una nueva realidad. También virtual. También teatral. Una ceremonia gombrowicziana siempre actual y política. El personaje de Enrico -alter ego de Gombrowicz- se transforma en director de escena, un creador de mundos televisivos, finalmente un político que cambia las prioridades y los valores de la sociedad. La manipulación mediática y humana sigue la idea de Gombrowicz que indica esta línea de interpretación en sus diarios. Enrico crea mundos escénicos usando la tradición de teatro de Kantor: el gran maestro del teatro formal construido sobre las ruinas del mundo de postguerra. Coordinación de producción (CTBA): María La Greca Música original: Hadrian Tabecki Vestuario: Luciana Gutman Escenografía: Luigi Scoglio Dirección: Michal Znaniecki Funciones: de marzo a junio

ANEXO - RESOLUCIÓN N° 11.677/MCGC17

N° 5295 - 16/01/2018 Separata del Boletín Oficial de la Ciudad de Buenos Aires N° 856

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Teatro - Temporada internacional (Uruguay)

Incendios

De Wajdi Mouawad Dirección: Aderbal Freire-Filho Por la Compañía Teatro El Galpón Incendios cuenta tres historias íntimamente relacionadas entre sí: la de la joven Nawal desde que se enamora de Wahab y queda embarazada; por otro lado, la historia de ese primer hijo, del que la separan apenas nace y a quien busca obsesiva, frenética e incansablemente durante toda la vida; y, por último, una segunda búsqueda emprendida ahora por sus hijos mellizos para llegar a la verdad del pasado de su madre, Nawal. La obra de Wajdi Mouawad está marcada por situaciones devastadoras: guerras, exilios, pérdidas e injusticias. Incendios es uno de sus títulos más celebrados, con decenas de premios, elogiadas producciones alrededor del mundo y una película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera. “Incendios es parte de una tetralogía y, a su vez, está dividida en cuatro partes: Incendio de Nawal, Incendio de la infancia, Incendio de Janaane e Incendio de Sarwane. ¿Y qué es el escenario sino un cuadrado invadido por la imaginación? La obra va de un lugar a otro, de un espacio abierto a otro cerrado, de un continente a otro, de una cultura a otra. Y se desplaza con la misma libertad en el tiempo, en escenas que van y vuelven a lo largo de 50 años, que a veces se mezclan o dialogan. Estamos frente a un autor con un dominio impresionante de los recursos dramáticos y épicos que el teatro explotó y desarrolló a lo largo de su historia, y también de ahí deriva el reconocimiento de su obra en tantos países. En Incendios, Wajdi Mouawad logra reconquistar la fuerza que la tragedia tuvo en la antigüedad. Pocas obras de teatro se han acercado tanto al poder de identificación (comunicación con la polis) y catarsis que tuvo el teatro en su origen griego. Wajdi Mouawad se aleja del teatro burgués con una dramaturgia cuatro veces viva: épica, dramática, social, presente”.

Aderbal Freire-Filho Con Elizabeth Vignoli, Héctor Guido, Silvia García, Anael Bazterrica, Estefanía Acosta, Solange Tenreiro, Federico Guerra, Claudio Lachowicz, Pablo Pípolo, Sebastián Silvera Producción: El Galpón Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero


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Productora técnica (CTBA): Magdalena Berretta Miguez Dirección: Aderbal Freire-Filho Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) -

Dirección Nacional de Cultura

Funciones: junio Teatro

Proyecto Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7)

Dramaturgia y dirección: Matías Feldman Por la Compañía Buenos Aires Escénica El hipervínculo (Prueba 7) se propone indagar en los nuevos modos de percepción, suscitados por el fenómeno de conexión en red. Hoy el acceso a la información es inconmensurable, la velocidad de la circulación de imágenes crece en forma exponencial. Una porción de información conecta con otras, que a su vez conectan con otras y éstas con otras. La red propicia una interconexión casi infinita y, paradójicamente, una desconexión mediada. Acostumbrada a la consecución lógica, la percepción se entrena ahora en la simultaneidad. Internet es el dispositivo fundamental de una mutación que se da en todos los niveles: en la política, en la economía, en las relaciones interpersonales, en la lectura de la historia, en la visión del futuro. Vivimos en un capitalismo de la información que prospera en lapsos de atención comprimidos, que se basa en la impresión antes que en la inmersión, en la intensidad antes que en la contemplación, en las vistas preliminares antes que en las versiones finales. La globalización cultural ha llegado hoy a su máxima expresión y, a su vez, a su crisis más profunda. Los modos tradicionales de mirar y percibir se han caído. Se distorsionan y multiplican las perspectivas. Editamos lo que nos rodea de una forma muy particular. Una nueva manera de percibir. Una nueva manera de mirar. Una nueva manera de contar. Coordinación de producción (CTBA): María La Greca Funciones: de julio a agosto


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Danza Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín Dirección: Andrea Chinetti Co-dirección: Miguel Ángel Elías Los integrantes del Ballet Contemporáneo son Constanza Agüero, Lucía Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella Federico, Paula Ferraris, Daniela López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Erika Zimmermann, Federico Amprino, Adriel Ballatore Crosa, Leandro Bustos, Darío Calabi, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio Gonçalez, Matías Iaconianni, Alexis Mirenda, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Michael Requena, Rubén Rodríguez, Damián Saban. Los asistentes coreográficos son Elizabeth Rodríguez y Diego Poblete. La coordinación de producción es de Virginia Fornillo.

Sapiens / Ensueño

Sapiens o La domesticación del fuego De Lisi Estaras “El homo sapiens es el único que puede hablar de cosas que no existen. Inventar una ficción y creerla. Convencer al resto de que es verdad. Un gran número de extraños pueden cooperar con éxito por creer en mitos comunes. El poder de la imaginación de los seres humanos. En este lugar indefinido se encuentra un grupo de personas para empezar de cero. Buscan cómo ‘ser’ con el otro. Transformarse, mutar, adaptarse. Re-crearse. El sentido ambiguo de la comunicación, el individuo y el grupo, el deseo de pertenecer, son puntos de partida en donde el cuerpo toma la palabra enérgico y extremo. ¿La empatía nos define como humanos? ¿El pensamiento? ¿Qué nos distingue esencialmente en nuestra humanidad de las otras especies? ¿Cómo el encuentro con el otro puede cambiarme? ¿Cómo tratamos de integrarnos o pertenecer a un grupo sin perder nuestra individualidad? ¿Cómo creo que pienso cuando estoy pensando? ¿Cómo creo que pienso cuando no estoy pensando? En este mismo momento, lo que pienso cuando pienso ¿es lo que pienso cuando estoy pensando? ¿Estar haciendo frases es pensar? No estoy pensando pero estoy buscando mis palabras. En este montón, tiene que haber seguramente una palabra que vendrá a aclarar este estado a la deriva, esta duda, esta agitación que más tarde va a ’significar’ algo”.

Especies de espacios de Georges Perec


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Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro Asistente coreográfico: Ido Batash Música original: Gabriel Chowjnik Escenografía: Kirka Marull Iluminación: Ignacio Riveros Vestuario: Analía Morales Coreografía y dirección: Lisi Estaras

Ensueño

De Marcelo Savignone El cuerpo que sueña se propone indagar más allá de las realidades, en las posibilidades, en lo onírico, en una de las formas del destino, en los mitos y las leyendas que nos construyen. La pieza está centrada en la capacidad que tiene el cuerpo de mutar, de transformarse, de poetizar, de danzar a través del contenido de los sueños. Sueños que nos pertenecen, que nos dan esperanzas, sueños que nos atormentan, sueños recurrentes, sueños del pasado, sueños que nos obsesionan, sueños que nunca vuelven, sueños que son mitos. El sueño como una prolongación de la vida, un lugar a donde volvemos constantemente, el sueño como una explicación de todo aquello que la realidad no alcanza. El mito como territorio de exploración. Cuerpos que esperan para dormir, cuerpos que despiertos sueñan. Cuerpos atravesados por los mitos y leyendas. Los intérpretes ubicados en el espacio comienzan a transformar la escena a través de sus propios cuerpos, a través de re-significar los objetos que allí se encuentran. Es ahí donde todos los sueños confluyen en diferentes coreografías. Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro Asistente coreográfica y de dirección: Belén Santos Música original: Diego Frenkel Iluminación: Ignacio Riveros Vestuario: Mercedes Colombo Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez Dirección: Marcelo Savignone Funciones: de agosto a septiembre


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Teatro

Esperando a Godot

De Samuel Beckett Dirección: Pompeyo Audivert “El teatro es una máscara que oculta el vacío” (Beckett) El piedrazo en el espejo En Beckett mueren las coartadas tranquilizadoras que el “teatro espejo” suele ofrecer a los que buscan afirmar su identidad y pertenencia, su sentido en el frente histórico. Beckett es un salto a otra latitud, a una zona dorsal que también es el hombre, aunque sin parapetos, certezas ni significación: tan sólo cartoneros metafísicos del fin del mundo buscando entre los restos del derrumbe un poco de calor y de cobijo mientras nos confiamos a la ilusión del por-venir. Beckett es el piedrazo en el espejo. “La poética teatral es a veces cóncava y a veces convexa, a veces misteriosa y oscura, fronteriza y subterránea, y otras veces, excitada por el mundo y lo humano, ardorosa y sanguínea, celeste y terrestre. Beckett es un ejemplo de la poética cóncava: vacíos sin atmósfera, territorio arrasado sin historia ni futuro, restos en vías de extinción emiten sus últimas palabras y gestos a través de cuerpos sin identidad que apenas sostienen mecánicas afásicas que exudan pavor en la intemperie acéfala. No hay mensaje ni humanidad ni pensamiento, sólo la pavorosa sospecha de no estar muertos aún. Shakespeare, en cambio, poética del mundo y del hombre entramada en un furioso cuerpo de relámpagos, el destino y las compulsiones del ser agitándose en las contradictorias aguas históricas. Pero la poética teatral es también el arte del contrapunto de esos dos niveles, ya que ambos dependen del otro para existir en algún grado. ¿Qué es lo convexo sino la expresión de un cóncavo dorsal y viceversa? Geometrías de resonancia en relación teatral. Es excitante pensar lo teatral como la combinación de estos niveles aparentemente opuestos, no es casual que Beckett cite a Shakespeare y a Calderón o que tome elementos del circo y del vodevil, ni que en Shakespeare se presienta un nivel metafísico ominoso destilado en atmósfera. Beckett y Shakespeare tienen muchos puntos de contacto, abejas mutuas. Volver a Beckett, a Godot, hoy, es volver a la intemperie, es reconocer que seguimos aquí, en el páramo de huesos, esperando, haciendo tiempo, deshojando el tiempo bajo un árbol raquítico mientras el sol del mundo se apaga y no nos atrevemos a morir ni a entrar en acción. Como Hamlet (paralizado en el estupor de su lucidez atónita y cobarde)”.

Pompeyo Audivert


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Con Daniel Fanego, Roberto Carnaghi y elenco. Coordinación de producción (CTBA): Gustavo Schraier Producción técnica (CTBA): Magdalena Berreta Míguez Iluminación: Félix Chango Monti Escenografía: Norberto Laino Sonorización: Claudio Peña Vestuario: Julio Suárez Dirección: Pompeyo Audivert Funciones: de septiembre a diciembre Danza Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín Dirección: Andrea Chinetti Co-dirección: Miguel Ángel Elías

La tempestad (reposición) Versión libre de la pieza de William Shakespeare Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot “Adaptar una obra literaria o teatral a un vocabulario de movimiento es siempre una gran aventura. Dentro de la complejidad a la que uno se enfrenta en una empresa de estas características, Shakespeare, con su enorme capacidad para crear situaciones y personajes diversos, nos ofrece numerosas opciones y múltiples caminos. Es tal la riqueza de elementos que prodigan sus obras, que permite a cada artista la posibilidad de trasladar esos textos a su propia poética y a otros vocabularios. La tempestad, pieza de acertijos y diversos mundos espirituales, está contada en mi versión como una obra épica, con personajes mágicos y misteriosos que surgen de la mirada del personaje principal, Próspero, quien con su poder los plasmará escena tras escena. Los recreará, y los atraerá hacia su nuevo destino, creando para ello su propia tempestad, en un espacio mental que domina perfectamente, y en ese otro espacio físico: la isla que fuera de la derrotada bruja y de Calibán, y que ahora lo contiene a él, a su hija Miranda y a Ariel”.

Mauricio Wainrot


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La tempestad fue estrenada por el Ballet Contemporáneo en 2006, en 2012 por el Ballet du Capitole de la Ópera de Toulouse, y en 2016 por el Ballet de la Ópera de Bordeaux. Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro Música: Philip Glass Iluminación: Eli Sirlin Vestuario y escenografía: Carlos Gallardo Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot Funciones: octubre


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-SALA CASACUBERTA

Danza Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín Dirección: Andrea Chinetti Co-dirección: Miguel Ángel Elías

El reñidero A partir de la obra de Sergio De Cecco Coreografía y dirección: Alejandro Cervera “En 1964 Sergio de Cecco escribe El reñidero donde la Electra de Sófocles aparece mezclada con los arrabales porteños de principios del siglo XX. Viudas, hijas, matones y cuchilleros de estirpe borgeana dan cuenta de un asesinato que clama venganza. Los conflictos de los personajes aparecen enmarcados en un clima social violento y sin reglas. A más de cincuenta años de haber sido escrito, la vigencia de El reñidero, más allá de la presencia implacable de la tragedia, está dada por la pregunta que abre sobre la argentinidad. Aquel escenario violento del primer Centenario pareciera tener una dolorosa presencia en nuestros días. He pensado esta versión coreográfica como una sucesión de doce escenas en blanco y negro, de fuerte contenido dramático, para un grupo de veinte bailarines, un percusionista, un bandoneonista y una actriz”.

Alejandro Cervera Actriz: Dahyana Turkie

Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro Meritorio de dirección: Marcela Chiummiento y Eva Rizzonelli Asistente de dirección: Paz Corinaldesi Música original: Zypce Músicos en vivo: Eliseo Tapia – Arauco Yepes Selección musical: Alejandro Cervera Iluminación: Matías Sendón Vestuario: Julio Suárez Asistente de vestuario: Analía Morales Escenografía: Alejandro Cervera y Laura Copertino Coreografía y dirección: Alejandro Cervera Funciones: de marzo a abril


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Teatro - Temporada internacional (Gran Bretaña / Argentina)

La tempestad

De William Shakespeare Traducción: Marcelo Cohen y Graciela Speranza Dirección: Penny Cherns Próspero, Duque legítimo de Milán, ha sido desterrado por su hermano, Antonio, y se encuentra en una isla desierta tras naufragar su barcaza. En ella, Próspero cuenta con la compañía de su hija Miranda, descansa con sus numerosos libros dedicándose al estudio y al conocimiento de la Magia, y entra en contacto con espíritus que allí habitan, como Ariel y Calibán. La acción comienza con una fuerte tormenta, desatada por el espíritu Ariel (por mandato de Próspero), cuando adivina que su hermano Antonio viaja en un buque cerca de la isla en la que él se encuentra. Con su ayuda, desde el caos y la locura, Próspero tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza. Al final renunciará a su magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija Miranda y Fernando ¿Cómo podrán avanzar Miranda de Milán y Fernando de Nápoles hacia este nuevo mundo que, como dice Próspero, sólo le parece así porque ella no lo conoce todavía? Es difícil ser un gobernante justo y operar a través de un estado de derecho y justicia, en lugar de que sea el ego el que nos guíe. La directora británica Penny Cherns, que llega a Buenos Aires para dirigir su versión del clásico de William Shakespeare, es Directora del Master en Actuación Clásica de la London Academy of Music and Dramatic Art (LAMDA). Cherns ha trabajado con la Royal Shakespeare Company, con el Royal Court Theatre y el New End Theatre de Londres, entre otros. Este espectáculo se presenta en colaboración con el British Council. Con Osqui Guzmán, Malena Solda, Martín Slipak, Alexia Moyano, Gustavo Pardi, Iván Moschner y Marcelo Xicarts. Coordinación de producción (CTBA): Gustavo Schraier Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina Asistencia de iluminación: Sebastián Evangelista Asistencia de escenografía: Luciana Uzal Director asistente: James Murray Movimiento en escena y colaboración artística: Abigail Kessel Música original: Rony Keselman Iluminación: Eli Sirlin Vestuario: Mini Zuccheri Escenografía: Jorge Ferrari Dirección: Penny Cherns Funciones: de mayo a agosto


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Títeres para grandes y chicos

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín

Dirección artística: Adelaida Mangani Los integrantes del Grupo de Titiriteros son Emmanuel Abbruzzese, Ayelén Allende, Victoriano Alonso, Lorena Azconovieta, Diego Baez, Ariadna Bufano, Myrna Cabrera, Eleonora Dafcik, Mariano Del Pozzo, Pablo Del Valle, Mariana Elizalde, Valeria Galíndez, Silvia Galván, Francisco Garrido, Bruno Gianatelli, Carolina Graff, Julia Ibarra, Román Lamas, Lara Liebenthal, Celeste López, Lucila Mastrini, Johanna Mizrahi, Fernando Morando, Estanislao Ortiz, Olavia Paz Campos, Mariano Pichetto, Esteban Quintana, Ivo Siffredi, Daniel Spinelli, Florencia Svavrychevsky, Leticia Yebra. Equipo de realización: Alejandra Farley, Katy Raggi y Florencia Svavrychevsky. Coordinación de producción: Galo Ontivero Asistentes de dirección: Ayelén Laxalt, Mariana Díaz y Ana Ortiz

La isla desierta

(reposición) De Roberto Arlt

Adaptación para teatro de títeres y dirección: Adelaida Mangani

“Roberto Arlt nos presenta en esta obra un clima de alienación y conformismo en el cotidiano de una oficina corriente que está ubicada en un subsuelo. Un día se produce una mudanza y aparecen problemas que ya existían pero estaban ocultos en la oscuridad del lugar.

Se trata de un texto que expresa una visión crítica del mundo, y quizá un poco pesimista sobre la condición humana. Hemos elegido contarla con títeres de manipulación directa sobre mesa que se alejan un tanto de nuestra dimensión, para permitirnos habilitar el texto desde la ironía y la ternura.

Al mismo tiempo los titiriteros, convertidos en vehículos de los personajes a través del escenario, se someten a ellos y unos y otros se burlan un poco del autoritarismo y de la rutina aplastante. También serán el alter ego que los interroga sobre sus sueños reprimidos y les proponen ¿por qué no? la aventura de la libertad”.

Adelaida Mangani


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Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina

Asistencia de dirección (CTBA): Mariana Díaz Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi y Florencia Svavrychevsky.

Realización de objetos de “María” y “Manuel”: Estanislao Ortiz Música original y puesta de sonido: Vicentico Diseño de iluminación: Omar San Cristóbal Diseño de títeres, objetos y vestuario: Walter Lamas Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo Dirección: Adelaida Mangani

Funciones: de junio a julio Teatro - Temporada internacional (Uruguay)

El bramido de Düsseldorf

De Sergio Blanco Siguiendo la línea de autoficción en la cual el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco viene incursionando desde hace ya algunos años, su último texto teatral, El bramido de Düsseldorf, es una pieza que relata la agonía y la muerte del padre de un autor teatral en una clínica de Düsseldorf. El dramaturgo de esta ficción ha viajado allí para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que la pieza avance se irán entrecruzando, en un vertiginoso juego teatral, las tres posibles hipótesis por las cuales este escritor se encuentra en Düsseldorf y que oscilan entre: la asistencia para concurrir a la inauguración de una exposición sobre Peter Kürten –el célebre asesino en serie alemán de principios del siglo XX, conocido con el apodo de El vampiro de Düsseldorf–, y para la cual el autor ha escrito el catálogo; la asistencia para firmar un contrato como guionista de películas pornográficas con una de las productoras cinematográficas más importantes de la industria porno europea; y/o la asistencia para proceder a su conversión al judaísmo por medio de su circuncisión en la famosa Sinagoga de Düsseldorf. De esta forma, paralelamente al tema de la muerte del padre –que será central–, el texto irá también abordando el de los límites del arte, el asunto de la representación de la sexualidad y la cuestión de la búsqueda de Dios.


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Con Gustavo Saffores, Walter Rey y Soledad Frugone Producción: Matilde López Espasandín Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Productora técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina Asistencia de dirección: Juan Martín Scabino

Video arte: Miguel Grompone

Preparación vocal: Sara Sabah

Preparación de bajo: Nicolás Román

Fotografía: Narí Aharonián

Diseño de sonido: Fernando Tato Castro

Escenografía, vestuario y luces: Laura Leifert y Sebastián Marrero

Dirección: Sergio Blanco

Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) -


Funciones: agosto Teatro -Temporada internacional (Gran Bretaña/Argentina)

Campo minado

De Lola Arias Traducción: Daniel Tunnard Campo minado es un proyecto que reúne veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas para explorar lo que quedó en sus cabezas treinta y cinco años más tarde. En un set de filmación convertido en máquina del tiempo, los que combatieron se teletransportan al pasado para reconstruir sus recuerdos de la guerra y su vida de posguerra. Lou Armour fue tapa de todos los diarios cuando los argentinos lo tomaron prisionero el 2 de abril, y hoy es profesor de niños con problemas de aprendizaje. Rubén Otero sobrevivió al hundimiento del Buque General Belgrano y ahora tiene una banda de tributo a los Beatles. David Jackson pasó la guerra escuchando y transcribiendo códigos por radio y hoy escucha a otros veteranos en su consultorio de psicólogo. Gabriel Sagastume fue un soldado que nunca quiso disparar y hoy es abogado penalista. Sukrim Rai fue un Ghurka que supo usar su cuchillo y actualmente trabaja como guardia de seguridad. Marcelo Vallejo fue apuntador de mortero y ahora es campeón de triatlón. Lo único que tienen en común todos ellos es que son veteranos. Pero ¿qué es un veterano: un sobreviviente, un héroe, un loco? El proyecto confronta distintas visiones de la guerra, juntando a viejos enemigos para contar una misma historia.


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Campo minado indaga las marcas que deja la guerra, la relación entre experiencia y ficción, las mil formas de representación de la memoria. Con Lou Armour, David Jackson, Gabriel Sagastume, Ruben Otero, Sukrim Rai, Marcelo Vallejo. Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina Asistencia de iluminación: Facundo David/ Martín Fernández Paponi Asistencia de vestuario: Federico Castellón Arrieta Asistencia de escenografía: Imanol López Asistencia de producción: Lucila Piffer/ Agustina Barzola Wurth/ Erika Teichert Asistencia técnica: Imanol López Sonido: Ernesto Fara Música original: Ulises Conti Video: Martín Borini Iluminación: David Seldes Vestuario: Andrea Piffer Escenografía: Mariana Tirantte Producción asociada: Gema Films Directora asistente: Sofia Medici/Luz Algranti (Producción e Investigación) Dirección: Lola Arias CAMPO MINADO es una co-comisión de LIFT con Royal Court Theatre, Brighton Festival, Universidad Nacional de San Martín, Le Quai Angers, Athens and Epidaurus Festival, Kunstlerhaus Mousonturm, Theaterformen y hTh CDN Montpellier. Con el apoyo del British Council, la Embajada de la República Argentina en Gran Bretaña e Irlanda del Norte, Arts Council England, The Sackler Trust. Funciones: septiembre Teatro

Cae la noche tropical

De Manuel Puig Versión de Santiago Loza Dirección: Pablo Messiez “Cuando hace ya casi treinta años leí por primera vez Cae la noche tropical, supe que quería hacer teatro con ella. Yo tendría unos 16 y todavía me acuerdo de la emoción al salir de la biblioteca de Adrogué con ‘el nuevo de Manuel Puig’, ese autor que había revolucionado mi cuerpo y mi relación con la lectura.


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Al venir a vivir a Madrid unos 20 años más tarde, volvió aquella idea de montar la novela. Empecé a buscar el libro hasta que lo encontré en una casa de usados, en la misma edición que había leído en Adrogué, la de la tapa de noche y palmeras. El poder estrenar Cae la noche tropical en el San Martín es la concreción esperada de más de un deseo: dirigir a Leonor Manso y a Tina Serrano; trabajar con Fernanda Orazi en Buenos Aires (¡por fin!); montar una obra en la sala en donde vi la función que me confirmó mi deseo de dedicarme al teatro (Tres hermanas en versión de Inda Ledesma); reencontrarme con Santiago Loza; hacer teatro con Puig. Escribo esto y veo la portada del libro sobre la mesa, atravesada por el sol del otoño de Madrid, y recuerdo que ‘sentido’ y ‘destino’ se escriben con las mismas letras”.

Pablo Messiez Nota: El estreno de este espectáculo en octubre de 2018 coincidirá con la celebración de los 30 años de publicación de la novela de Manuel Puig. Con Leonor Manso, Tina Serrano y Fernanda Orazi Coordinación de producción (CTBA): María La Greca Entrenamiento corporal: Lucas Condró Iluminación: Gonzalo Córdova Vestuario: Renata Schussheim Escenografía: Mariana Tirantte Dirección: Pablo Messiez Funciones: de octubre a diciembre


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-SALA CUNILL CABANELLAS

Teatro

Las amargas lágrimas de Petra von Kant

De Rainer Werner Fassbinder Dirección: Leonor Manso Petra, una mujer al borde de sí misma, ama a Karin con una pasión que ella no puede comprender. Karin, una joven oportunista, ama a Petra a su modo, pero no sabe muy bien cómo responder a esa fidelidad obsesiva. El verdadero amor, Marlene, carece de palabras: está a la vista y no sabemos reconocerlo. Somos tan crueles con lo que no sabemos escuchar que el precio a pagar por ello puede ser la soledad más terrible. R. W. Fassbinder utiliza esta historia de amor lésbico y a sus personajes femeninos para equiparar las esferas del poder y la opresión sexual a la opresión de la sociedad capitalista. Las amargas lágrimas de Petra von Kant recrea un mundo en el que se desarrollan las emociones y necesidades humanas, y el drama no nace de las relaciones que se establecen entre los personajes, sino de las tensiones generadas por el ansia de poseer. Con Muriel Santa Ana, Marita Ballesteros, Belén Blanco y elenco Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño Dirección: Leonor Manso Funciones: de marzo a mayo Teatro

La reunificación de las dos Coreas

De Joël Pommerat Traducción, adaptación y dirección: Helena Tritek Pommerat (Todo saldrá bien (1) Fin de Louis) siempre sorprende con la fuerza que transmiten sus obras, de enorme potencial teatral y gran sencillez de medios. En esta ocasión, La réunification des deux Corées (La reunificación de las dos Coreas) yuxtapone pequeñas historias, como si fueran fragmentos de un espejo roto, que muestran una humanidad en las garras del amor y del desamor. En lugar de una trama, descubrimos aquí unas veinte escenas independientes. La construcción procede de variaciones contemporáneas alrededor de un tema inmemorial: es del amor de lo que estamos hablando aquí. ¿Dónde está él, este amor esquivo e


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invisible? Parece inseparable de las historias que se cuentan sobre uno mismo y sobre los demás, nutridas por carencias, misterios y malentendidos vitales que nada puede disipar. Cualquier diálogo que lo anime sólo puede ser un diálogo de sordos. Desgarrador o hilarante (varias escenas demuestran que una cosa no impide la otra), el amor según Pommerat está relacionado con la pérdida y la separación. Con el ensayo y error, con la torpeza y la violencia también. Es una ilusión multiplicada por la otra. Y cuando interviene, el crescendo del cuerpo-a-cuerpo, pasional o mortal, nunca está muy lejos. El amor (siempre el mismo, nunca el mismo) trabaja en el cuerpo de los personajes que pasan frente al público, como en un desfile donde todos pueden reconocerse. Con Ana María Picchio, Maruja Bustamante, Esmeralda Mitre y elenco Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini Dirección: Helena Tritek Funciones: de junio a septiembre Teatro - Temporada internacional (Uruguay)

Rabiosa melancolía

De Marianella Morena Rabiosa melancolía profundiza en las patologías del vínculo; lo hace desde la ruptura del tiempo, y en un loop entre lo real y la ficción, el pasado y el presente, la vejez y la infancia. Como una naturaleza beckettiana criolla, o una fábula musical, y apelando a la creatividad reactiva que nos caracteriza. Trata sobre la ruptura de la memoria y sus trampas de ficción porque cuando recordamos alteramos el contenido. Entonces elegimos lo sonoro, que nos transporta sin destino, sin obligación de entendimiento; las sutilezas sonoras de una taza cuando es apoyada en la mesa, un chorro de agua, los cubiertos percutiendo la silla; la palabra que se transforma en música ¿por qué y para qué? Rabiosa melancolía nos sumerge en un relato no lineal. Tres hermanos esperan que vuelva su madre muerta; para eso reconstruyen las cuatro comidas a través de canciones, sin saber quiénes viven o no, cuándo se encuentran o se recuerdan. Hay tantas historias como personas para vivirlas, hay tantas formas de contar una historia como artistas en la tierra. “Rabiosa melancolía nos cuenta sobre la melancolía de crecer, envejecer y vivir con la angustia del abandono de los mejores recuerdos. No importa si nuestra madre vive o está


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encerrada en su cuarto componiendo canciones para que otros sean felices, y sus hijos estén sentados en la mesa solos, esperando que ella llegue. Nos cuenta cantando, con las sonoridades que la palabra produce cuando la emoción y la intensidad necesitan música para ser expuesta. Tres hermanos deciden olvidar quiénes son, roles y edades; trabajan a diario sobre qué se elige recordar y de qué forma se siente ¿es malo traicionar? La propuesta musical es minimalista, pero protagónica y en diálogo entre la palabra hablada y cantada. Los actores también son cantantes compartiendo escenario con la cantautora Malena Muyala, quien también actúa. En plano completamente acústico, este cuarteto juega y construye músicas desde la ficción y ficciona desde la música”.

Marianella Morena Con Malena Muyala, Mané Pérez, Lucía Trentini, Agustín Urrutia Producción artística: Lucía Etcheverry Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Productor técnico (CTBA): Ángel Porro Fotografía: Gonzalo Techera Diseño gráfico: Nicolás Batista Iluminación: Ivana Domínguez Vestuario: Magdalena Charlo Escenografía: Gabriela Fagúndez Dirección y dramaturgia musical: Malena Muyala Dirección general: Marianella Morena Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) -


Funciones: junio Teatro

Tres veces al amanecer

De Alessandro Baricco Adaptación y dirección: Mónica Viñao Un hombre y una mujer desconocidos se encuentran tres veces en el vestíbulo de un hotel, poco antes del amanecer. Cada encuentro es único, primero y último, aunque se trate de los mismos personajes. Y por ende de los mismos actores. Sus destinos se cruzan en tres momentos distintos de sus vidas.


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Son dos adultos primero, un viejo portero de noche y una adolescente luego, y finalmente un chico y una policía ya madura. No son secuenciales y, si ocurre uno, no sucederá el otro. Cada encuentro representará una elección de ambos, destino que influirá en el resto de sus vidas. El relato es inquietante y a través de cada acto conocemos la vida de ambos personajes. Hay un tercer personaje que aparece al final de cada acto y que no es protagónico. Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada Funciones: de septiembre a diciembre Teatro - Temporada internacional (Gran Bretaña)

An oak tree De Tim Crouch Es una obra con dos actores; Tim Crouch es uno de ellos. Idealmente, el segundo actor no ha visto ni ha leído esta pieza antes de ingresar al escenario cuando se da comienzo al espectáculo. De esta manera se genera más libertad para que responda según lo que le surja en el momento. An oak tree es sólo el momento. Crouch guía al segundo actor -abierta y cuidadosamente- a lo largo de la función, aportándole un texto e instrucciones. Está atento y trabaja para asegurarle su propio espacio y para que se sienta apoyado y capaz de cumplir airosamente con su parte. No hay una manera correcta de realizar An oak tree; no hay una forma errónea tampoco. Lo que existe es la forma en que se concreta en cada función y es diferente en cada oportunidad -incluso si cada palabra está escrita en un texto previo-. La obra es una invitación a que ambos actores se mantengan abiertos a lo que pueda suceder. En las presentaciones que se ofrecerán en el Teatro San Martín, el segundo actor será elegido en Buenos Aires, es decir que será un intérprete local, con dominio del inglés. Este espectáculo se presenta en colaboración con el British Council. Sala y fecha a confirmar


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-HALL CENTRAL Con el correr de los años, el Hall Central del Teatro San Martín se transformó en un espacio para el encuentro informal entre el público y los artistas. Con capacidad para recibir hasta cinco mil espectadores, el Hall ha ofrecido recitales de música de los géneros más diversos, como así también espectáculos para grandes y chicos y de danza, siempre con entrada libre. Danza - Temporada internacional (Suiza)

Compañía Gilles Jobin Força forte Con Força forte, trabajo inspirado en la física de las partículas, Gilles Jobin regresa al escenario con su primer dúo junto a Susana Panadés Diaz. La producción está basada en los principios de la fuerza fuerte como una regla para generar movimiento y componer coreografía. Força forte juega con varias capas de realidad y explora la conexión entre los cuerpos y el espacio. Cuerpos virtuales son primero proyectados en la pantalla, antes de hacerse reales en el escenario. Imágenes virtuales, la música y los elementos de la escenografía son cosas tangibles que los bailarines manipulan en tiempo real. El western contemporáneo, el desierto y los cactus mexicanos aparecen como representantes de una soñada identidad universal, que uno podría ponerse como si fuera un disfraz. Funciones: abril Además, durante su estadía en Buenos Aires, el reconocido coreógrafo suizo trabajará con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en el montaje de su ya clásica The Moebius Strip, y comenzará una investigación sobre imágenes 3D y captura de movimiento, junto a los bailarines de la compañía. El estreno será durante la temporada 2019 del Complejo Teatral. Este proyecto cuenta con la colaboración de ProHelvetia. Danza “Ballet desenchufado”- La “cocina creativa” del Ballet del Teatro San Martín El Ballet continuará habitando el espacio del Hall Central para realizar su actividad abierta a todo público de manera libre y gratuita, como una forma de acercarse aun más a los espectadores, mostrándoles su “cocina creativa”. A las clases y ensayos abiertos, se sumará un repaso por algunas de las obras de su repertorio.


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“Carta blanca” - Taller de Investigación Coreográfica del Ballet del Teatro San Martín Potenciando el proyecto de investigación coreográfica iniciado con "Enfoques a un mundo no mirado" (trabajo en proceso de las bailarinas de la compañía Lucía Bargados, Melisa Buchelli y Silvina Pérez), el Ballet abre un nuevo espacio de creación y experimentación. A partir de esta iniciativa, los bailarines de la compañía investigan en sus personales formas de pensar y crear danza contemporánea. En 2018 se sumarán nuevas propuestas y el Hall Central del Teatro San Martín será también un espacio en donde el público podrá descubrir una nueva faceta de los intérpretes del Ballet Contemporáneo. Bailemos en el Hall

Gente con swing, el baile realizado en noviembre en el Hall del Teatro San Martín, inauguró el ciclo "Bailemos en el Hall", que continuará durante todo 2018 acercando las danzas sociales -y no tanto- a todos los que quieran venir a moverse sin prejuicios. El ciclo está orientado a personas de todas las edades, con o sin conocimientos de las danzas ofrecidas: folklore argentino, rock and roll, danzas afro, y muchas más.

Charlas

“Escenas compartidas”: Diálogos en el Hall En 2018 continuará este ciclo de conversaciones entre el público y los creadores de las producciones del Complejo Teatral de Buenos Aires, que se inauguró en 2017. En este espacio de encuentro y reflexión los asistentes pueden tener un contacto directo con actores, directores, escenógrafos, vestuaristas o coreógrafos y conocer sus procesos creativos en el marco de un teatro público de producción propia, así como reflexionar sobre las interpretaciones y resonancias que cada obra genera. El principal objetivo es abrir la charla al público, para que realice preguntas y dialogue en vivo con los creadores presentes en cada encuentro.

-FOTOGALERÍA BANCO CIUDAD

Próximo al Hall Central, desde 1985 el pasillo de comunicación del Teatro San Martín entre las calles Corrientes y Sarmiento se convirtió en una sala de exhibición permanente con exposiciones de los más importantes fotógrafos argentinos y extranjeros, que serán retomadas en 2018. También se reanudarán las muestras fotográficas en las salas del primer piso del Hall Central. Entrada libre.


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Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (CCMC)

Edición XXII

Sedes: Sala Casacuberta, Sala Cunill Cabanellas y Hall Central del Teatro San Martín; Sala Sinfónica del CCK y Teatro de la Ribera

En 2018, el CCMC llegará a su vigésima segunda edición consecutiva. Como en 2017, este ciclo ampliará los puntos de vista acerca de “lo contemporáneo” y acercará otras posibilidades –y otros públicos– al conjunto de las músicas comprometidas con las estéticas más innovadoras del presente. Habrá, por otra parte, y tal como se comenzó en este año, un fuerte eje en los encargos de obras a compositores argentinos: seis piezas breves para power trío –Pedro Chalkho en guitarra eléctrica, Juan Pablo Navarro en bajo eléctrico de seis cuerdas y Facundo Negri en batería–, cuatro composiciones para el dúo de pianos conformado por Silvia Dabul y Lucas Urdampilleta, y cuatro piezas para un trío de bandoneón, flauta y arpa integrado por Pablo Mainetti, Patricia Da Dalt y Lucrecia Jancsa. Entre los autores convocados están Luis Mucillo, Agustina Crespo, Sebastián Rivas, Pablo Ortiz, Gabriel Valverde, Guillo Espel, Martín Matalón, Jorge Sad, Teodoro Cromberg, Luciano Azzigotti, Abel Gilbert, Pablo Mainetti, Facundo Negri, Esteban Insinger y Pedro Chalkho.

Dos grupos argentinos de notable trayectoria, el coro Diapasón Sur y el Cuarteto de Cuerdas de la UNTREF, estrenarán la obra Et Lux, de Wolfgang Rihm, con dirección de Mariano Moruja; el compositor Esteban Insinger presentará una versión multimediática e instrumentada para grupo de cámara de sus Diarios y los ensambles Nacional del Sur, de Oscar Edelstein, y Compañía Oblicua, de Marcelo Delgado, presentarán programas especiales. Se realizará asimismo la segunda edición de Cuerpo a cuerpo, en el Teatro de la Ribera, con el estreno de obras producidas en residencia por compositores y coreógrafos del Ensamble Tropi, el Conservatorio Manuel de Falla y la Compañía de Danza de la UNA. La contrabajista francesa Joëlle Léandre se presentará además junto con el violinista Théo Ceccaldi, y con un grupo de participantes, en un taller de improvisación que dictará durante una semana. La otra presencia internacional será la del trío neoyorquino Bearthoven, con estrenos de obras especialmente encargadas por ellos para su formación de piano, bajo y percusión.

Coordinación general: Nahuel Carfi

Coordinación de producción: Lourdes Maro

Dirección: Diego Fischerman Funciones: de noviembre a diciembre


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Cine

-SALA LEOPOLDO LUGONES Con la colaboración de la Fundación Cinemateca Argentina y el apoyo, como es habitual, de la Embajada de Francia, el Instituto Italiano de Cultura, el Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón, el British Council y el Goethe-Institut, se presentarán diversos ciclos, entre los que se cuentan: Retrospectiva Derek Jarman Con la colaboración del British Council, en el marco del foco británico en la temporada internacional. Grandes clásicos restaurados del cine japonés Con la colaboración del Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón A 50 años del Mayo francés Con la colaboración de la Embajada de Francia A propósito de la visita de Gilles Jobin (Suiza) para presentar en el Teatro San Martín Força forte, se exhibirá su película WOMB, un film estereoscópico de danza que ofrece una experiencia artística aumentada gracias a la tecnología 3D de alta definición. También habrá estrenos exclusivos de películas argentinas y latinoamericanas y una nueva presentación de festival DocBuenosAires, un clásico porteño. Veteranos, de Lola Arias Estreno del film en coincidencia con su obra Campo minado, a estrenarse en el Teatro San Martín. Foco británico de la temporada internacional. La flor, de Mariano Llinás Estreno del film en coincidencia con la retrospectiva dedicada al grupo teatral Piel de Lava en el Teatro Sarmiento. BAFICI El festival porteño vuelve a la Lugones Director de programación: Luciano Monteagudo


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TEATRO REGIO

Av. Córdoba 6056 Teatro / Música - Temporada internacional (España/Argentina)

Miedo

Idea original, autoría e interpretación: Albert Pla Dirección: Pepe Miravete La nueva producción de Albert Pla es Miedo. Para esta ocasión, además de sus habituales colaboradores, cuenta con la contribución del equipo artístico de Mondongo (Juliana Lafitte y Manuel Mendanha) una pareja de artistas argentinos muy reconocidos en el mundo del arte. Las músicas son de Raül Refree, músico, compositor y uno de los productores musicales españoles más importantes. Este texto nos propone un viaje íntimo y muy personal, desde la infancia hasta más allá de la sepultura, por las sensaciones, las emociones y los sentimientos que nos produce ese fantasma que vive en nuestra mente alimentado por nuestros pensamientos, el miedo. En el escenario se hace un repaso, en tono irónico, de los miedos de siempre, los temores habituales, el miedo a uno mismo, los fantasmas que nos asedian, el terror a la muerte… Una tras otra se van desgranando las canciones como una manera de espantar o enfrentar los propios miedos. Y finalmente, la catarsis de la risa, la liberación. Teatro musical, concierto o recital teatralizado. En este nuevo proyecto se abunda en la utilización de música y canciones, textos teatrales y tecnologías vanguardistas para crear un espectáculo multimedia de poética sorprendente. Con el apoyo del Institut Ramón Llull. Coordinación de producción: Pedro Páramo y Diana Glusberg Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello Música original: Albert Pla y Raúl Fernández, “Refree” Diseño sonoro: Roc Mateu Iluminación: Jordi Surroca Diseño de arte: Mondongo Escenografía: CUBE Audiovisuales: Nueveojos Dirección: Pepe Miravete Temporada de verano/ Estreno mundial Funciones: de enero a marzo


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Teatro

Un enemigo del pueblo

De Henrik Ibsen Versión y dirección: Lisandro Fiks

La democracia es un abuso de la estadística Jorge Luis Borges

“Henrik Ibsen escribió esta obra en 1882, en Noruega. Lo que más me atrajo siempre de ella es la contradicción a la que nos somete. La actualidad del texto original me permite trasladarla a la Argentina al día de hoy. Un enemigo del pueblo es una obra con dos personajes enfrentados. Son hermanos, pero pareciera que sólo los une un error genético. Ambos son personalidades de peso en su comunidad, uno es el médico y el otro el intendente. Surge un conflicto, un inminente problema que afecta a la salud de todo el pueblo. Ambos diseñan la solución de manera opuesta. El médico defiende su juramento hipocrático y sus principios inquebrantables, y el intendente defiende los intereses del pueblo que lo votó. No hay un bueno y un malo. Ibsen logró ponerse en la piel de cada uno y argumentar, cada cual con su lógica, con sus valores. ¿Cuál de los dos es el verdadero enemigo del pueblo? ¿Quién tiene razón? La decisión, igualmente, la tiene la mayoría, y eso está bien…¿o no? Eso es la democracia. La obra se plantea esta pregunta, y no da la respuesta. Eso es lo fascinante de ella. ¿Qué pasa cuando debemos someternos a la decisión de la mayoría? Ibsen cuestiona la integridad de las personas ante esta situación. ¿La mayoría tiene la razón? Hoy, pasados más de 130 años desde que el dramaturgo noruego escribió esta obra, podemos seguir buscando la respuesta”.

Lisandro Fiks Con Juan Leyrado, Raúl Rizzo, Edgardo Moreira, Romina Fernandes Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada Dirección: Lisandro Fiks Funciones: de abril a junio


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Títeres para grandes y chicos Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín Dirección artística: Adelaida Mangani

La vuelta al mundo en 80 mundos (reposición) Versión libre de Luis Rivera López sobre la novela de Julio Verne “La vuelta al mundo en 80 días” Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower “La clásica novela de aventuras de Julio Verne nos permite hacer el recorrido por diversos mundos reunidos por una peripecia llena de diversión, peligros y misterio. Cuando el protagonista dice: ‘Nunca bromeo con algo tan serio como un juego’, abre la puerta a un viaje delirante que revolucionará su vida formal y ordenada. Fogg y Passepartout se introducen en cada mundo que atraviesan, emergiendo aparentemente iguales que antes. Sin embargo, las experiencias los van cambiando, y estos verdaderos Sancho y Quijote terminarán dando una vuelta al mundo real para desembarcar, finalmente, en su propio mundo interior“.

Luis Rivera López

Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero. Producción técnica (CTBA): Matías Ledesma Asistencia de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt, Ana Ortiz Asistencia artística de sonido: Matías Rower Realización de títeres: Andrés Manzoco, Julieta Rivera López Coreografía: Marina Svartzman Música original y puesta de sonido: Daniel García Diseño de iluminación: Luis Rivera López Dirección de arte, diseño de escenografía, títeres y de vestuario: Alejandro Mateo Dirección de actores y titiriteros: Luis Rivera López Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower Funciones: de mayo a agosto


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Teatro

Blum De Enrique Santos Discépolo y Julio Porter Dirección: Mariano Dossena Blum, multimillonario dueño de un emporio de empresas, ve alterada su agitada y exitosa vida de hombre de negocios, por un delirante reclamo de un trío de coristas (“Las Diamonds”) de su programa de TV de jabones "Blum". A partir de este suceso, Blum encuentra en Lucy, una de las coristas, un motivo para dar un vuelco y darle un nuevo sentido a su vida pero, luego de una revelación, se da cuenta de que ni con su fortuna y poderío puede comprar el amor ni la felicidad. Ingenio, poesía y humor mordaz son los principales condimentos que posee el texto de Discépolo y Porter, además de contar con una estructura clásica y perfecta. Blum es una comedia con gran ritmo, con algunas intervenciones musicales y con tintes del music-hall de los años ‘50. Todos sus elementos conforman un friso en el cual conviven el mundo de las finanzas, el espectáculo y el amor. “Blum fue estrenada en 1949, en el Teatro Presidente Alvear, por la Compañía de Enrique Santos Discépolo. Posteriormente no hubo otra puesta de la obra ni en el circuito oficial ni en el comercial. Última pieza que Enrique Santos Discépolo protagonizó y escribió junto a Julio Porter, se trata de una comedia -de gran dinamismo, humor y reflexión- dividida en dos actos que aborda temas como la soledad del poder, el amor por conveniencia, el sentido de la vida y otros tópicos que Enrique Santos Discépolo siempre ha tocado en sus geniales y emblemáticos tangos. Es una obra poco conocida en la actualidad, pero que en su época tuvo gran éxito de público y críticas, tanto por su actuación como por su dramaturgia. Hubo incluso una película muy difundida en los años ‘70, que se basó en esta obra, protagonizada por Darío Vittori y Nilda Lobato, dirigida por el mismo Julio Porter. La puesta en escena de esta versión mantendrá el marco de época (años ‘50) tanto en la escenografía y el vestuario, como en el lenguaje a través de sus giros particulares y poéticos, para lograr así mantener el espíritu discepoliano y el humor tan increíblemente actual. Se abordará también el lenguaje musical que los autores proponen para contar esta historia, donde la música y un ballet muy particular agregan una pintoresca nota de color. Me fascina trabajar con textos clásicos, ya que estos autores nos siguen interpelando, y me parece interesante revisar escénicamente este material de un Enrique Santos Discépolo muy poco visitado, en su rol de dramaturgo, más allá de sus tangos, que son un himno argentino”.

Mariano Dossena Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño Funciones: de agosto a noviembre


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Teatro - Temporada internacional (Uruguay)

If

De Gabriel Calderón Festejan la mentira. Se murió el abuelo y lo espera su familia en la sala velatoria. Pero ciertas cosas que deberían suceder no suceden; la familia no lo llora, los amigos y conocidos no vienen, el cuerpo no llega. La necesidad de un final digno, de un punto final humano a una vida, de cerrar bien lo que ha vivido mal, es un mandato al que todos los familiares son llamados. Pero ¿y si fueron engañados? ¿será necesario que se vuelvan engañadores? Con Dahiana Méndez, Gustavo Saffores, Alma Claudio, Carla Moscatelli y Giselle Mota Producción general: Bruno Gadea Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma Ingeniero de sonido: Gustavo Martínez Vestuario: Pablo Auliso Escenografía e iluminación: Pablo Caballero Dirección: Gabriel Calderón Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) -


Funciones: septiembre


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Teatro

Madre Coraje

De Bertolt Brecht Versión y dirección: José María Muscari Madre Coraje hoy Porque Brecht siempre es hoy Porque Brecht es existencial Porque me intriga buscar cómo desde el ayer el autor nos dice cosas de nuestro cotidiano hoy Creo que Madre Coraje es el símbolo de la alianza entre la guerra y el comercio, en donde la codicia lleva a pérdidas irreparables. Todo me resuena La guerra, la alianza y el comercio Grandes temas de candente actualidad Madre Coraje es drama con potencia Es manifiesto con poética Madre Coraje es mítica y necesaria Madre Coraje es una gran obra para este preciso momento Para hablar y respirar teatro de ideas, para gritar con vehemencia verdades teatrales universales que nos movilicen la vida que hoy nos toca vivir.

José María Muscari Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini Funciones: de octubre a diciembre


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Tïteres para adultos Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín Dirección artística: Adelaida Mangani

La Musa y el Poeta

De Eduardo Rovner Adaptación para teatro de títeres de la ópera de Jacques Offenbach Los cuentos de Hoffmann Dirección: Adelaida Mangani “El poeta Hoffmann es admirado por los estudiantes de Nüremberg por su obra y por las historias de amor que relata entre danzas y diversión. Es famoso por ser muy enamoradizo y por relatar sus amores de modo intrigante y novelesco. Entretanto es perseguido por Lindorf, quien siempre intenta arrebatarle a su amada de turno y sumirlo en una enorme tristeza. Sus amigos tratan de protegerlo, pero no podrán evitar que Hoffmann cometa locuras ni que sus amadas, Stella y Giulietta, lo abandonen y sean crueles con él. Sin embargo, hay una presencia mágica y persistente que lo acompaña. Es la Musa, quien busca atraer la atención de Hoffmann y hacer que abjure del resto de sus amores, para dedicarse plenamente a ella: a la poesía. Finalmente Hoffmann, abriendo su corazón a la Musa, surgirá de las cenizas de su dolor y se abrazará para siempre a la Poesía. Hermosa historia que reafirma, una vez más, que es en el arte y en su espiral dialéctica donde los seres humanos reparan su fragmentación. Que es en el instante poético donde se alcanza la síntesis superadora: el triunfo de la vida sobre la muerte. Contaremos la fantasmática de la Musa y el Poeta mediante el Arte de los Títeres. A través de su magia representaremos lo surreal y lo ambivalente de la poesía. Será un lugar donde la pena y la alegría se compensen, en este mundo tormentoso, al menos por un momento”.

Adelaida Mangani

Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma Asistente de dirección (CTBA): Mariana Díaz Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi Música original y diseño de sonido: Santiago Chotsourián Diseño de iluminación: Magdalena Berretta Miguez Diseño de escenografía, títeres y vestuario: Maydée Arigós Dirección: Adelaida Mangani Funciones: de noviembre a diciembre


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TEATRO DE LA RIBERA

Av. Pedro de Mendoza 1821

Teatro musical

Crimen pasional (reposición) De Ástor Piazzolla y Pierre Philippe Traducción: Jorge Fondebrider Adaptación: Marcelo Lombardero, Guillermo Fernández y Jorge Fondebrider

Dirección general: Marcelo Lombardero

Crimen pasional ––

cantante y compositor corso Jean Guidoni (1951), que en 1975 había hecho su aparición en el firmamento de la canción y el varieté francés. Un ciclo de 13 canciones, parcialmente inspiradas en algunos aspectos de la vida y la muerte de Eugen Weidmann, asesino serial alemán que en los años previos al inicio de la Segunda Guerra Mundial cometió una serie de crímenes atroces, origina

Weidmann –que incluyó a una multitud decidida a mojar sus pañuelos en su sangre– hicieron de él el último guillotinado en público de la historia francesa.

Con Guillermo Fernández Músicos: Cristian Zárate Sexteto: Pablo Agri (violín), Nicolás Enrich (bandoneón), Esteban Falabella (guitarra), Roberto Tormo (contrabajo), José Luis Colzani (batería), Cristian Zárate (piano) Bailarines: Florencia Segura, Manuco Firmani Coordinación de producción (CTBA): Nahuel Carfi, Lourdes Maro Asistencia de escenografía: Lucía Garramuno Asistente de dirección (CTBA): Tamara Gutiérrez, Sofía Palomino Coreografía: Ignacio González Cano Iluminación: Horacio Efrón

Vestuario: Luciana Gutman Arreglos: Leonardo Sánchez, Cristian Zárate Diseño de sonido: Leonardo Leverone


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Dirección musical: Cristian Zárate Dirección general: Marcelo Lombardero

Reposición: Michelle Krymer

Temporada de verano Funciones: de febrero a marzo

Teatro-Danza-Música-Artes visuales

Striptease

El arte siempre recurrió al desnudo. Hasta podría decirse que no hay arte sin desnudos. No obstante el striptease nunca obtuvo un reconocimiento pleno como género artístico. Cuatro importantes creadores abordarán una clase de espectáculo tan antiguo como marginal, tan popular y al mismo tiempo despreciado. Alfredo Arias, Maricel Alvarez, Pablo Rotemberg y Florencia Vecino fueron convocados por el Teatro de la Ribera para realizar cada uno de ellos un número de striptease, con interludios musicales de Carmen Baliero. El secreto del striptease sin embargo no es el del desnudo sino el del desnudarse. No se trata tanto del punto de llegada como de la manera en que se llega allí. Al fin y al cabo para mantener el deseo es necesario que nunca se cumpla del todo. El striptease es el arte de la demora, de la postergación. El artista establece un juego de ocultamientos y de provocaciones; todo lleva hacia el desnudo pero se sabe que el desnudo será el final del juego. Clovis al desnudo Dirección: Alfredo Arias Bailarina / Actriz: Mariela Anchipi Cantante / Actriz: Fanny Bianco Ecdisis (Muda) Concepto, dramaturgia escénica y dirección: Maricel Alvarez Movimiento, performer, styling: Ulrico Eguizabal. Visuales: Leandro Ibarra, Nico Dardano. Asesoramiento en musicalización: Vanessa del Barco. Asesoramiento dramatúrgico: Ezequiel Steinman


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Striptease 3 Dirección: Florencia Vecino Striptease 4 Dirección: Pablo Rotemberg Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello Interludios musicales: Carmen Baliero Curaduría: Diana Theocharidis Funciones: de abril a julio Teatro musical

Divino amore

De Alfredo Arias y René de Ceccatty Dirección: Alfredo Arias “Roma: Al final de los años ‘70 una compañía teatral había encontrado refugio en el sótano de una iglesia -Borgo Santo Spirito- a pocos pasos del Vaticano. Se trataba de la compañía Doriglia-Palmi. El Sr. Palmi muerto, su esposa Bianca Doriglia y su hija Ana Maria Palmi continuaron su sacrificado camino teatral presentando delante de un público despiadado una serie de intensos melodramas religiosos. El escenario minúsculo que los albergaba no podía contener correctamente los palacios, grutas, explosiones de minas, ascensiones o naufragios que sus espectáculos proponían a una desalmada audiencia. El público estaba allí agazapado esperando festejar a carcajadas una de las habituales y torpes peripecias de estos santos hijos de Thalia. Estas inapropiadas risotadas habían impulsado a los misioneros del teatro a posicionar un proyector mata risa que se encendía iluminando sorpresivamente al público cuando éste se reía en un momento imprevisto. Los místicos cómicos imperturbables proponían obras como Los Hijos de Nadie, melodrama en cuarenta cuadros con explosión de la mina. La mina era una montañita de cartón y la explosión era un desgraciado cohete que arrojaban de entre bambalinas mientras un accidentado personaje con vendas ensangrentadas se tiraba aplastando el montículo de papel madera. Las monjitas de la asistencia junto a los huerfanitos reprimían sus risas mientras un público definitivamente sádico disfrutaba alborotado de las precarias soluciones escénicas. Los toilettes de tan digno teatro eran en cambio frecuentados por un grupo de silenciosos feligreses decididamente sodomitas. Este destartalado barco a la deriva me procuró grandes emociones teatrales.


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Divino amore es una fantasía en torno a la audacia de esta gente que, sin temerle al ridículo, desafiaban santamente las leyes de la decencia teatral. Es así como desfilaron frente a mi azorada mirada piezas tales como: Salomé y la danza de los siete velos ejecutada entre bambalinas, Santa Bárbara y el derrumbe de la torre pintada sobre una tela arrugada, o Santa Bernardette, sus ovejas y la sorpresa de la Virgen en la gruta que casi la mata de un susto”.

Alfredo Arias Con Carlos Casella, María Merlino, Marcos Montes y Alejandra Radano. Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini Arreglos musicales: Diego Vila Vestuario: Pablo Ramírez Espacio escénico y luces: Gonzalo Córdova Dirección: Alfredo Arias Funciones: de agosto a diciembre Danza

Danza al borde

El ciclo Danza al borde pone un acento especial sobre la relación entre la danza contemporánea con otros lenguajes artísticos. La idea consiste en estimular los encuentros con creadores de distintas disciplinas, propiciando el contacto y el diálogo entre universos a veces muy distantes entre sí. El Espacio de los ventanales, situado en el hall del primer piso del Teatro de la Ribera, estará dedicado a obras de nuevos coreógrafos que exploran este espacio no convencional. Tres jóvenes coreógrafos realizarán residencias de creación que darán como resultado la presentación de sus obras durante la temporada 2018. Asimismo se desarrollará un programa de danza sobre músicas de compositores argentinos contemporáneos y la segunda edición de Cuerpo a cuerpo, con encargos a coreógrafos y compositores, en colaboración con el Ensamble Tropi y la Compañía de Danza de la UNA y con el Ciclo de Música Contemporánea del CTBA. En este ciclo se presentarán también obras de distintas compañías, tanto independientes como pertenecientes a espacios institucionales. Curaduría: Diana Theocharidis Sábados y domingos de abril a noviembre


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TEATRO SARMIENTO

Av. Sarmiento 2715

Teatro

Arde brillante en los bosques de la noche

(reposición) De Mariano Pensotti Arde brillante en los bosques de la noche se enfoca en el centenario de la Revolución rusa y algunas de sus resonancias artísticas y políticas en el mundo contemporáneo. Toma como fuente de inspiración la figura de Alexandra Kollontai, revolucionaria y feminista soviética, sus conceptos sobre la libertad, el cuerpo, la sexualidad y cómo el capitalismo construye una identidad femenina específica. Arde brillante… cuenta las historias de tres mujeres actuales cuyas experiencias están atravesadas por la Revolución rusa de maneras muy diferentes. Está narrada a través de tres formatos distintos para cada una de sus partes (marionetas, teatro y cine), poniendo en cuestión el cuerpo y sus representaciones y la dicotomía entre ser espectador o participante de la Historia. Es una obra de marionetas que un día van a ver una obra de teatro cuyos personajes serán espectadores de una película. Como una gran muñeca rusa, hecha de ficciones dentro de ficciones que se modifican unas a otras. A un siglo de la Revolución rusa, tomando algunas ideas formales de la vanguardia soviética y asumiendo que en los últimos años el feminismo es uno de los movimientos más lúcidos, activos y revolucionarios en la Argentina y el mundo, la obra intenta recuperar la aún vigente pregunta de Lenin frente a lo político: “¿Qué hacer?” Es difícil no pensar que muchos de los problemas que la mayor parte de la población mundial enfrentaba cien años atrás no son tan diferentes de los que enfrenta ahora. Puede ser una simplificación, pero los conflictos en relación a la igualdad, la distribución de la riqueza, los derechos de los trabajadores y la lucha contra nuevas formas de explotación parecen tan relevantes como lo eran en 1917. Con Susana Pampín, Laura López Moyano, Inés Efrón, Esteban Bigliardi, Patricio Aramburu Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada Asistencia de producción (CTBA): Facundo Savarino Asistencia de escenario: Malena Juanatey, Tatiana Mladineo Asistencia de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo, Luciana Peralta Asistencia de dirección (CTBA): Fabián Barbosa


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Asistencia artística: Juan Schnitman Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea Producción técnica: Ángel Ariel Porro Realización de marionetas: Román Lamas Realización rostros marionetas: Marcos Berta Música: Diego Vainer Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte Dirección: Mariano Pensotti Temporada de verano Funciones: de enero a febrero ARTISTA EN RESIDENCIA

A través del programa Artista en Residencia, el CTBA invita a un artista o grupo de artistas para desplegar y profundizar un proyecto a largo plazo. Esta propuesta se realiza anualmente y el proceso se compone de tres partes: una breve retrospectiva, un seminario para compartir el trabajo con la comunidad artística y, finalmente, producir un estreno. El programa se inauguró en la Temporada 2017 con el Proyecto Pruebas de la Compañía Buenos Aires Escénica y continúa en 2018 con la retrospectiva y estreno del colectivo Piel de Lava.

Teatro

Retrospectiva Piel de Lava

Colores verdaderos / Neblina / Tren / Museo Sobre Piel de Lava La compañía Piel de Lava se formó en 2003 y desde entonces trabaja ininterrumpidamente en procesos de creación colectiva. Han estrenado cuatro obras: Colores verdaderos (2003), Neblina (2006), Tren (2010) y Museo (2014). Durante 2018 estas obras volverán a ofrecerse en el marco de una retrospectiva del grupo en el Teatro Sarmiento. Todos estos trabajos fueron construidos desde procesos de exploración sobre los mecanismos actorales y la dramaturgia grupal. A través de ellos, Piel de Lava ha ido encontrando un método propio en el que simultáneamente confluyen la actuación, la dramaturgia grupal y la dirección teatral. Desde ahí se preguntan “¿Cómo será hacer todas las obras juntas? ¿Cómo resonarán en nosotras hoy esos materiales que creamos hace 3, 7, 10 ó 14 años? Estamos regidas por el entusiasmo que nos propone esta


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nueva investigación. Los montajes serán fieles testigos de estas respuestas que buscamos con infinita alegría”. El grupo Piel de Lava está integrado por Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Paredes y Pilar Gamboa. En sus últimos trabajos, Tren y Museo, sumaron la colaboración de Laura Fernández. Todas sus obras fueron publicadas por la Editorial Entropía en 2015. Las cuatro obras de la Retrospectiva serán interpretadas por la Compañía Piel de Lava (Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes) Coordinación de producción (CTBA): Mariana Mitre Asistencia de iluminación: Adrián Grimozzi Asistencia de escenografía: Estefanía Bonessa Diseño sonoro: Jorge Grela Vestuario: María Laxague Viñuela Escenografía e iluminación: Matías Sendón Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández Funciones: de abril a junio

Workshop Sobre la creación grupal El grupo Piel de Lava dictará un workshop de ocho encuentros sobre la creación grupal. Estará dirigido especialmente a grupos de actores, bailarines, músicos y performers. Los grupos podrán ser preexistentes, crearse para participar del workshop o formarse entre los asistentes. Abril Teatro

Petróleo

Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández Yacimiento petrolero en la Patagonia. Cuatro hombres conviven en un trailer y extraen, a unos pocos kilómetros de allí, petróleo de un pozo que casi está vacío. El viento es ensordecedor.


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Adentro el tiempo libre se cubre de polvo, de bromas pesadas, de desafíos físicos. Afuera, la piedra se fractura para extraer la última gota, lo poco que queda. En su quinta obra, Piel de Lava investiga la posibilidad de habitar personajes masculinos, en diálogo constante con la capacidad de generar ficción a partir de ciertos procedimientos grupales y también como una forma de indagar sobre la construcción del género y los estereotipos. Con Compañía Piel de Lava (Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes) Coordinación de producción (CTBA): Mariana Mitre Escenografía: Rodrigo González Garillo Iluminación: Matías Sendón Dirección: Piel de Lava y Laura Fernández Funciones: de julio a septiembre Títeres para grandes y chicos Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín Dirección artística: Adelaida Mangani

La biblioteca de los libros desordenados

De Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel Scarpitto y Julieta Alessi Dirección: Román Lamas Texto ganador del I Premio “Ariel Bufano” en Dramaturgia para Teatro de Títeres y Objetos. La biblioteca de los libros desordenados esconde entre viejos estantes y libros polvorientos al extraordinario universo de los Caldericos. Allí vive Pino, un pequeño Calderico, alegre y travieso, extraño y diferente. Pino tiene una cola con flores que provoca la burla y el desconcierto entre los suyos. Emprender un viaje parece ser la solución. Un viaje largo hasta que caiga la última flor. Pino inicia su travesía junto a Fratelo, su mejor amigo, y su mascota Rechulele. Surcan el cielo en un ave multicolor, navegan el mar Azul en un barco de papel y conocen a Eco, el guardián del bosque de los fósforos. Pero la cola con flores sigue siendo un problema. Una noche de luna llena Pino, muy triste, conversa con ella: “Pequeño, un día tu cola va a ser lo más radiante y generoso”. Pero Pino no comprende.


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Sin encontrar respuestas, el pequeño Pino y sus compañeros de viaje emprenden el camino a casa. A lo lejos divisan que una fina capa de ceniza gris ha cambiado el mundo de los Caldericos transformando el paisaje en desolación y tristeza. A su regreso, Pino descubrirá la razón de su hermosa y generosa cola con flores. La biblioteca de los libros desordenados posa la mirada sobre los “diferentes”, los “extraños” y sobre lo singular que a cada uno lo hace ser lo que es. Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero Asistencia de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt Dirección: Román Lamas Funciones: julio Teatro

Animal romántico

Dramaturgia y dirección: Agostina Luz López La obra parte de la observación de una pintora en la vida real llamada Denise Groesman. Sus cuadros y sus procesos artísticos fueron disparadores para empezar a pensar esta creación. Miranda es una pintora joven y nos encontramos en su taller de arte. Es un espacio blanco rodeado de cuadros, algunos están en proceso y otros finalizados. Los cuadros en general reproducen escenas que tienen un tinte teatral. Tienen colores fuertes y estridentes. Lo que prevalece son autorretratos de la pintora en distintas edades. Entrar a su taller es como verla reproducida al infinito, como si fuera un espacio en donde hay todo el tiempo semejanzas, espejos. Además de todos estos cuadros, hay una pantalla del tamaño de los cuadros que funciona como una pintura en movimiento. En este espacio aparece su padre; los mundos de Miranda y su padre se van conectando a lo largo de la obra ya sea por tener lógicas radicalmente opuestas o al contrario, por descubrir puntos donde pueden encontrar sus similitudes. El padre descubre por primera vez las pinturas de su hija, y una fascinación hacia ellas lo conmueve, tanto que empieza a soñar que vive en las creaciones de su hija y eso trastorna ambos mundos. Miranda también tiene sueños, que aparecen en esa pantalla que a su vez funciona como cuadro. En estos sueños siempre aparece una chica que vive en la naturaleza, que ella bautiza como hippie. A su vez, acompaña a su proceso artístico una presencia ambigua, un joven de dieciocho años, que empieza a intervenir en sus pinturas. A través de la pintura, la obra despliega sus preguntas sacando al exterior el oscuro inidentificable de Miranda, su interioridad, llamando o evocando su intimidad. Son preguntas sobre la creación, sobre la pintura, sobre el retrato, sobre la identidad, sobre


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cómo el interior y el exterior se enlazan haciéndose uno, sobre la relación entre padres e hijas y sus distintos espacios de trabajo y cómo con distintas formas de vivir hay puntos de encuentro y puntos de fuga, cómo el amor se despliega más allá del género, qué es vivir un proceso artístico y cuáles son los pensamientos que nos acompañan en ese trance, qué es ser una joven pintora o una joven artista hoy, en este mundo contemporáneo, y cómo el sueño y la realidad a veces son imposibles de distinguir, tal vez construyendo un tercer plano más extraño, raro y misterioso. Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño Funciones: de septiembre a diciembre


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OTRAS ÁREAS Y ACTIVIDADES DEL COMPLEJO TEATRAL

Fundación Amigos del Teatro San Martín

La Fundación Amigos del Teatro San Martín -presidida por Eva Thesleff de Soldati- realiza obras en beneficio de los teatros que conforman el CTBA.

Para 2018 se propone realizar la primera etapa del proyecto “Teatros Accesibles”, que fue presentado a Mecenazgo y tiene como objetivo que los teatros del CTBA sean accesibles edilicia y comunicacionalmente para todas las personas con discapacidad.

Además, continuará con el programa de becas a jóvenes bailarines, la Escuela de Oficios Teatrales y la difusión y preservación de la Colección Tesoro del Vestuario.

Taller de Dramaturgia en Latinoamérica Royal Court Theatre

Última etapa del programa de Talleres de Dramaturgia guiado por profesionales y dramaturgos del Royal Court Theatre de Londres. Quince jóvenes dramaturgos de Chile, Argentina y Uruguay participan de este espacio creativo y formativo, que tiene dos años de duración, en torno a la escritura teatral. Con el apoyo del British Council, organizado por el Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires en Argentina, la Fundación Teatro a Mil en Chile y el Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay. Dramaturgos participantes por Argentina: Maruja Bustamante, Alfredo Staffolani, María Laura Santos, Fabián Díaz y Giulliana Kiersz. Coordinación por Argentina: Verónica Parizzi Doynel.

Relaciones con la comunidad

Nuevos públicos e intercambios con la comunidad

Es un área que se ocupa de la captación y formación de nuevos públicos, a través de propuestas estratégicas: la misión es convocar, acercar y cumplir una función pedagógica con niñ@s y jóvenes, promoviéndoles el hábito de asistir al teatro. La experiencia de concurrir al teatro acompañada de ciertas herramientas que es fundamental que una institución pública ofrezca, posibilita un creciente disfrute a lo largo de los años. El objetivo es que se establezca una relación fluida para que los nuevos públicos no sólo asistan a las funciones, sino que trabajen crítica y analíticamente alrededor de los espectáculos; que se genere un intercambio continuo y un vínculo más duradero entre el Teatro y la comunidad de la que forma parte. Para alcanzar dicho objetivo las acciones a


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desarrollar son, entre otras, las siguientes: facilitar el acceso de estudiantes de todos los niveles educativos a los espectáculos del CTBA, así como a niñ@s y jóvenes provenientes de otras instituciones (clubes, escuelas de teatro, centros culturales); aportar cuadernos pedagógicos o fichas para clase para los alumnos y los docentes de todos los niveles; organizar encuentros entre los directores/dramaturgos/actores/equipo creativo de los espectáculos y los alumnos de las diversas instituciones, así como charlas en los halles y en las salas; coordinar con grupos de estudiantes la asistencia a ensayos para realizar un seguimiento del proceso creativo de los espectáculos; proponer a los nuevos públicos que realicen devoluciones críticas, opiniones e impresiones sobre las producciones del CTBA, con la posibilidad de ser visibilizadas en nuestras publicaciones.

Asimismo, entre los objetivos del área, se encuentra el de generar un mayor involucramiento de esos nuevos públicos, permitiéndoles “apropiarse” también de ciertos espacios, en general, confinados exclusivamente a profesionales consagrados. En tanto el Estado es un actor clave en el acceso a la cultura, el CTBA asume, como institución oficial, su parte en la responsabilidad de la educación artística.

Mail de contacto: [email protected]

Acción externa

El Complejo Teatral de Buenos Aires desarrolla un programa con funciones especiales en horarios vespertinos y entradas a bajo costo en todas sus salas, destinado a alumnos del nivel primario y secundario. El Departamento de Acción Externa gestiona además entradas para grupos a partir de 20 personas. Para mayor información comunicarse telefónicamente al 4375-5021 y/o por email a [email protected]

Centro de Documentación

Ubicado en el 4º piso del Teatro San Martín, reúne el patrimonio de archivo, biblioteca teatral, hemeroteca y videoteca.

En 2018 continuará con las tareas de clasificación, indización y catalogación del material en diversos soportes, permitiendo la visibilización del mismo. Se realizarán tareas de prevención y conservación sobre este material de gran valor.

Se proseguirá además con la labor de digitalización de los fondos fotográficos de negativos de la institución y de documentos significativos como bocetos de vestuario y escenografía. La existencia de un Salón de Usos Múltiples permitirá la realización de seminarios, conferencias, exposiciones.

Se buscará asimismo nuevo material a través de pesquisa y solicitud de donaciones.


mailto:[email protected]

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Centro de Vestuario

Inaugurado en 2015, el Centro de Vestuario del CTBA atesora más de 30 mil prendas de valor patrimonial, no sólo por su confección y factura, sino por la importancia de los artistas que las han diseñado y de los actores y actrices que las utilizaron. Este espacio de 600 metros cuadrados ubicado en Zabala 3654 fue diseñado y construido siguiendo los estándares internacionales para la preservación de textiles, con el fin de garantizar las condiciones óptimas para el resguardo y la seguridad de las prendas. Además, para organizar, clasificar y documentar las piezas que integran la colección, se desarrolló una aplicación informática (XIRGU), que proporciona información confiable sobre cada prenda y posibilita su administración desde el momento de su confección hasta su almacenaje.

Formación y perfeccionamiento

Taller- Escuela de Titiriteros “Ariel Bufano”

Dirección: Adelaida Mangani

El Taller-Escuela de Titiriteros “Ariel Bufano” fue creada hace treinta años con el objetivo de formar profesionales del Arte de Teatro de Títeres y nutrir al Grupo de Titiriteros del San Martín que había sido creado diez años antes. Fue pionera en la Ciudad de Buenos Aires y la única en su género en el país. Ingresan gratuitamente alrededor de veinte alumnos cada tres años.

La Escuela desarrolla una metodología que forma profesionales en el Teatro de Títeres y Objetos, integrando el estudio de todas las artes que confluyen para constituir un corpus teórico-práctico que permita al estudiante obtener la capacitación y el perfeccionamiento óptimo para desempeñarse en todas las áreas de la creación teatral. Los egresados del Taller tienen, cuando se producen vacantes, la oportunidad de ingresar al Grupo de Titiriteros del Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires.

En la actualidad es la más importante escuela abocada a esta disciplina de Latinoamérica y posee enorme prestigio entre los especialistas de Europa y de Estados Unidos.


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Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín

Dirección: Norma Binaghi

El Taller de Danza Contemporánea realizará su actividad anual del ciclo lectivo 2018 de febrero a diciembre, manteniendo su actividad académica de clases y muestras de cierre de cuatrimestre y finales, como así también práctica escénica en los diferentes Centros Culturales de la ciudad.

Como aporte al Ciclo/18 brindará para la capacitación y el desarrollo artístico dos nuevos proyectos: un Área de Residencias y un 4° año Escénico opcional.

Área de residencias: Se invitará a egresados para que puedan desarrollar propuestas escénicas en espacios no convencionales, como el Espacio de los ventanales dentro del Teatro de la Ribera. Los egresados contarán con un tiempo para efectuar sus investigaciones, producir sus obras y presentarlas.

El 4° año Escénico tendrá carácter opcional de investigación y exploración. Será una plataforma de desarrollo profesional, donde un grupo de egresados participará de procesos creativos, ensayos y funciones utilizando el Hall Central del Teatro San Martín desde una mirada más experimental.

Escuela de Oficios Teatrales del Complejo Teatral de Buenos Aires

La Escuela de Oficios surgió como una iniciativa de la Fundación Amigos del Teatro San Martín para promover la capacitación y la actualización de profesionales y técnicos del espectáculo en vivo, y con el objetivo de proteger y sistematizar los saberes artesanales del oficio teatral.

Los oficios y las técnicas teatrales deben ser considerados como bienes del patrimonio intangible. Y su preservación, continuidad y actualización permanente son los desafíos que enfrentan estas disciplinas.

Estos conocimientos se han transmitido tradicionalmente de manera informal entre maestro y aprendiz en el puesto de trabajo. Pero la creciente complejidad de los métodos de enseñanza, la incorporación de tecnologías y la aparición de nuevos contenidos, hicieron necesarios la superación del traspaso de saberes de manera oral y la adquisición de niveles de formación con bases sólidas, transferidos a través de métodos adecuados de enseñanza, sumados al adiestramiento en taller, y organizados en forma sistemática. La Escuela de Oficios está destinada en principio a técnicos del Complejo Teatral de Buenos Aires. Próximamente se abrirá a personal del Ministerio de Cultura del Gobierno


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de la Ciudad de Buenos Aires, y el proyecto es que con el tiempo -a través de un convenio con el Ministerio de Educación del GCBA- se haga extensivo a todos los habitantes de CABA interesados en formarse en los diversos oficios teatrales.

En la etapa inicial se están desarrollando cursos de formación de técnicos de sastrería y zapatería con conocimientos en realización de vestuario escénico: el Taller de Sastrería -a cargo de Aníbal Duarte-, y el Taller de Zapatería -a cargo de Fernando López Bizcaíno- .

El CTBA y los medios

Escenarios de Buenos Aires

El teatro es un hecho presente, único e irrepetible. "Escenarios de Buenos Aires", el programa del CTBA, nos guarda para siempre fragmentos de ese "presente" y la manera en que sus protagonistas crean, sienten, hacen teatro. En su 16º temporada, volverá a cubrir ensayos, lecturas de textos, la actividad de los talleres de escenografía y sastrería, de las salas de maquillaje, así como la de los escenarios en pleno montaje, lo que ocurre en camarines, y todo lo que hace a la construcción de cada uno de los espectáculos. El programa acompañará al elenco desde el primer ensayo hasta el estreno.

Realizado por el Departamento de Audiovisuales, registra en formato documental el proceso integral de producción desde 2001, año en que comenzó a salir al aire.

Horarios de emisión: Estreno: martes a las 15 hs. Repeticiones: Martes a las 19 y 23 hs. / Miércoles a las 3, 7 y 11 hs / Sábado a las 12 y 19 hs / Domingo a las 13.30 y 20.30 hs. En 2006 recibió los premios Fund TV, en la categoría Mejor Programa Espectáculo/Artístico, y Martín Fierro, en el rubro Mejor Programa Cultural/ Educativo de cable. En 2009 y en 2015 obtuvo el galardón de la Asociación Argentina de Televisión por Cable (ATVC) en la categoría Mejor Documental y Programa Cultural, respectivamente. En 2016 recibió una Mención Especial de los Premios ATVC en el rubro Programa Cultural, por sus emisiones durante 2015 en Canal (á).

El programa también continuará con su canal de YouTube https://www.youtube.com/escBuenosAires, donde se pueden consultar emisiones de otros años, trailers de obras, notas o entrevistas a personalidades destacadas, y promoción diaria de todos los espectáculos del CTBA.


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Revista Teatro Digital

TEATRO propone un acercamiento diferente a los espectáculos que se presentan en las salas del CTBA. Además, la revista aprovecha las ventajas del entorno digital para proponer un nuevo espacio de divulgación, que incorpora materiales como audios y videos de obras, ensayos y entrevistas. De este modo, el Complejo Teatral de Buenos Aires afirma su vocación de fortalecer la comunicación con su comunidad y también con quienes viven en otras ciudades de la Argentina y el mundo.

Medios digitales

Se ha renovado la web www.complejoteatral.gob.ar para hacer más completa la experiencia de nuestros espectadores.

Además, pueden encontrarnos, compartir y comentar en: Twitter: elSanMartinCTBA Instagram: elSanMartinCTBA Facebook: TeatroSanMartinCTBA Youtube: TeatroSanMartinCTBA

Agradecemos su difusión

Departamento de Prensa CTBA – Jefa de Prensa: Estela Praigrot

Tels. (5411) 4343-5356/ 4342-9647

[email protected]

Teatro San Martín www.complejoteatral.gob.ar

Av. Corrientes 1530 (C1042AAO) - Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina

Gacetilla Nº 114– 28 de noviembre de 2017 - Año de las energías renovables.


http://www.complejoteatral.gob.ar/

mailto:[email protected]

http://www.complejoteatral.gob.ar/

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AUTORIDADES GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES

Jefe de Gobierno Horacio Rodríguez Larreta

Vicejefe de Gobierno

Diego Santilli

Jefe de Gabinete Felipe Miguel

MINISTERIO DE CULTURA

Ministro de Cultura Ángel Mahler

COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES

Director General y Artístico Jorge Telerman

Directora Artística Teatro Regio

Eva Halac

Directora Artística Teatro de la Ribera Diana Theocharidis

Directora Artística Teatro Sarmiento

Vivi Tellas

Director de Programación Sala Leopoldo Lugones Luciano Monteagudo

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín

Directora Andrea Chinetti Codirector Miguel Ángel Elías

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín

Directora Adelaida Mangani

Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín Directora Norma Binaghi


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ÍNDICE

TEATRO SAN MARTÍN -Sala Martín Coronado El casamiento (p. 1) Incendios (p. 2) Proyecto Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7) (p.3) Sapiens/Ensueño (p. 4) Esperando a Godot (p. 6) La tempestad (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín) (p. 7) -Sala Casacuberta El reñidero (p. 9) La tempestad (p. 10) La isla desierta (p. 11) El bramido de Düsseldorf (p. 12) Campo minado (p. 13) Cae la noche tropical (p. 14) -Sala Cunill Cabanellas Las amargas lágrimas de Petra von Kant (p. 16) La reunificación de las dos Coreas (p. 16) Rabiosa melancolía (p. 17) Tres veces al amanecer (p. 18) An oak tree (p. 19) -Hall Central Compañía Gilles Jobin (p. 20) Ballet desenchufado - La cocina creativa del Ballet (p. 20) Carta blanca - Taller de investigación coreográfica del Ballet (p. 21) Bailemos en el Hall (p. 21) Escenas compartidas: Diálogos en el Hall (p. 21) FotoGalería Banco Ciudad (p. 21) Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (p. 22) Sala Leopoldo Lugones (p. 23)


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TEATRO REGIO Miedo (p. 24) Un enemigo del pueblo (p. 25) La vuelta al mundo en 80 mundos (p. 26) Blum (p. 27) If (p. 28) Madre Coraje (p. 29) La Musa y el Poeta (p. 30)

TEATRO DE LA RIBERA Crimen pasional (p. 31) Striptease (p. 32) Divino amore (p. 33) Danza al borde (p. 34) TEATRO SARMIENTO Arde brillante en los bosques de la noche (p. 35) Retrospectiva Piel de Lava (p. 36) Workshop Piel de Lava (p. 37) Petróleo (p. 37) La biblioteca de los libros desordenados (p. 38) Animal romántico (p. 39) OTRAS ÁREAS Y ACTIVIDADES DEL COMPLEJO TEATRAL Fundación Amigos del Teatro San Martín (p. 41) Taller de Dramaturgia del Royal Court Theatre (p. 41) Nuevos públicos e intercambios con la comunidad (p. 41) Acción externa (p. 42) Centro de Documentación (p. 42) Centro de Vestuario (p. 43) Taller- Escuela de Titiriteros “Ariel Bufano” (p. 43) Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (p. 44) Escuela de Oficios Teatrales del CTBA (p. 44) Escenarios de Buenos Aires (p. 45) Revista “Teatro” digital (p. 46) Medios digitales (p. 46)

ANEXO - RESOLUCIÓN N° 11.677/MCGC17 (continuación)

FIN DEL ANEXO


PROGRAMACIÓN TEMPORADA 2018 · Santaella, Agostina Scarafia, Erika Zimmermann, Federico Amprino,...

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