EL POP

EN ESTADOS UNIDOS

1945: línea divisoria entre el desarrollo de la vanguardia artística y las múltiples tendencias postvanguardistas. Fuerte cambio en el panorama político y social: Trás la Segunda Guerra Mundial se produce la Guerra fría El mundo se divide en dos grandes bloques irreconciliables: comunista

y capitalista. Estados Unidos se confirma como la potencia económica más rica y

poderosa del mundo. La peculiar estructura de la sociedad americana marcará las pautas de comportamiento del llamado “mundo libre” occidental. El arte último florecerá precisamente en la sociedad más capitalista del planeta.

Disolución de los Imperios coloniales en África y Asia Reactualización de las ideas desarrolladas las vanguardias históricas de

la primera mitad del siglo XX. No se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras.

Los artistas radicalizarán aún más su postura con respecto a las técnicas, los materiales, los asuntos, llevando el fenómeno artístico hasta límites inusitados.

CONTEXTO HISTÓRICO

La radicalidad del arte contemporáneo ha provocado el divorcio entre el arte y el gran público. Proceso que se inició ya en el siglo XIX con el Impresionismo y que en el siglo XX y XXI se hace más evidente.

Dependencia de los artistas con el sistema de galería de arte / crítico, que creará su propio público y su propia clientela especializada. Estas galerías tienen unas reglas de mercado y, en algunos casos, se encuentran más cerca del marketing de empresa que de los valores propiamente artísticos. Estamos ahora muy lejos de la idea del artista comprometido política y socialmente.

El arte de las últimas tendencias será impulsado y dado a conocer por las nuevas instituciones creadas ex profeso: museos, galerías, ferias y exposiciones internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de París. Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional con la Exposición Internacional Arco.

CONTEXTO ARTÍSTICO

EL POP ART Y LA CRISIS DEL INFORMALISMO

En 1962 RAUSCHENBERG gana el premio de la Bienal de Venecia con una obra Pop Art en la que eran evidentes su impulso renovador y la recuperación de elementos neodadaístas referidos al empleo de objetos. La obra de Rauschenberg ponía de relieve lo anodino, repetitivo y poco innovador y agresivo del Informalismo en vigor desde hacía dos décadas.

* EL INFORMALISMO

Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO

Asimismo la “Pincelada amarilla y verde” de 1964, de Liechtenstein ironizaba sobre la PINTURA INFORMALISTA* al representar un gesto con los procedimientos gráficos de un cómic, evidencia de la total falta de impulso natural de la legión de pintores informalistas.

…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un sentido y un significado diferente al que se le atribuía.

TOM WESSELMANN: “Cuarto de baño”

“La actividad principal del artista pop, su justificación, no es tanto para producir obras de arte, como para dar sentido al entorno, aceptar la lógica de lo que le rodea en todo lo que hace. El descubrimiento de esta lógica, su forma y su dirección se convierte en la principal tarea del artista.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo.

LA VIDA COTIDIANA SE INTRODUCE EN EL ARTE

EVOLUCIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO DÉCADA DE LOS SESENTA

La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte

contemporáneo. Desaparece casi por completo el INFORMALISMO y se produce la

mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.

El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón

que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían

dominado el siglo XX.

Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:

NUEVA FIGURACIÓN que se entendió como una crisis de lo abstracto.

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA frente a la falta de expresión de la abstracción

POP ART: refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.

NUEVOS REALISMOS comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del

Informalismo.

Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a

Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el

que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad

que aflorará ya en la década siguiente.

INFORMALISMO1950-1960

POP ART

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962

Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real.

Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad

NUEVA FIGURACIÓN

LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951

ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969

NUEVOS REALISMOS

YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA

BRIDGET RILEY: “Fiesta”

La cultura pop es el producto de la revolución industrial y la serie de revoluciones tecnológicas que le sucedieron. Si se unen la moda, la democracia y la máquina una parte de lo que resulta es la cultura pop.

“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas, botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.” SILVIA HERNANDO, en Infolibre

LO BANAL, OBJETO DE LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA

¿POR QUÉ EL POP ART…?

Surge un nuevo arte con un carácter comunicativo basado en formas de lenguaje asimiladas.

“La cultura pop es el producto de la revolución industrial y la serie de revoluciones tecnológicas que le sucedieron. Si se unen la moda, la democracia y la máquina una parte de lo que resulta es la cultura pop. En los tiempos en que todo se hacía a mano, la moda servía a una variedad de fines. Uno de éstos, más importante, creo yo, que el de satisfacer el deseo por la novedad, o el aumentar la atracción sexual, fue el de actuar como un demarcador social. La moda comenzó en lo más alto de una estructura social por completo rígida, y poco a poco se fue filtrando hacia abajo, volviéndose menos elaborada y menos elegante a medida que lo hacía. La elaboración y el estilo fueron, de hecho, casi lo mismo y mucha gente no tenía tiempo ni dinero para ser elegante en absoluto. La máquina cambió esta situación. Produjo más dinero y más tiempo libre, y al mismo tiempo impuso una lógica propia. Si el hombre quería cosas hechas a máquina, era esencial, desde el punto de vista económico, que estas se hicieran en cantidad. Se descubrió que la moda suministraba un ímpetu poderoso donde la máquina estaba involucrada. Las cosas se pasaban de moda con mucha más rapidez que la que se gastaban. La moda aceleró el proceso de sustituir, y ayudó a mantener la industria en funcionamiento. Al mismo tiempo el proceso de democratización condujo al sentimiento a que todo el mundo tiene derecho a ser elegante si lo desea.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”

Tendencia artística que aparece a mediados de los años 50 (abreviatura de la expresión inglesa Popular Art) en relación con el arte popular promovido por la publicidad de masas. Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arte culto” o de “élite”. El movimiento SURGE EN INGLATERRA en la década de 1950, entre un grupo de artistas y críticos de los que destacaba RICHARD HAMILTON. Alcanzó su máximo desarrolló en Estados Unidos.El Arte Pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Supone la aceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte y esto era algo revolucionario. A pesar de esto y de su nombre, no es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la naturaleza. El Pop crea obras de arte a partir de elementos preexistentes casi exclusivamente, donde la contribución del artista estaría más en los aspectos técnicos y en el hecho de establecer conexiones entre ellos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.

APARICIÓN DEL ARTE POP

EL POP ART

El Pop Art aparecía por tanto como todo lo contrario al Informalismo, tomando recursos de todas partes (fotografía, cine, prensa, anuncios, cómic…) que se utilizaban como un nuevo lenguaje plástico de carácter figurativo en el que se huye de la pura subjetividad: no interesaba ya mostrar el interior del ser, sino lo que le rodeaba. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

La rápida aceptación del Pop Art se debió por tanto a la novedad de un lenguaje que tenía un carácter comunicativo basado en formas de lenguaje asimiladas.

WARHOL, WESSELMAN O LIECHTENSTEIN: usan imágenes como elementos prestados de los medios de comunicación

OLDENBURG, JOHNS: utilizan los propios objetos de consumo

Este arte suponía una nueva indagación de un aspecto olvidado de la realidad que ponía de manifiesto de nuevo la constante búsqueda de los artistas contemporáneos para descubrir los innumerables valores del objeto, hilo conductor que une al Dadaísmo, al Surrealismo y al Pop Art.

FAHLSTRÖM: “Balancín rojo·,1968-1969

FAHLSTRÖM: “Balancín rojo·,1968-1969

UN ARTE PROVOCADOR

“La conducta heterodoxa y provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería formaban parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria, la emancipación de la mujer, las nuevas estructuras profesionales y la liberación de la sexualidad, se desarrollaron con arreglo a esta “revolución cultural”, se acabó el jugar al escondite con los pósters de chicas y las revistas dudosas (Playboy): Un nuevo sistema de comunicación surgió a través de los periódicos marginales, los fan-magazine, los pósters, los carteles, las octavillas, etc.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

El pop art, sentenció el veterano dadaísta HANS RICHTER,

no era un arte o un antiarte de protesta como el

dadaísmo, sino el registro de la aceptación del artista y

de la conformidad con el consumismo contemporáneo.

Según Richter, el pop art no era más que un estilo derivativo,

neodadaísta. Sin embargo, la crítica de las condiciones

sociales y políticas existentes, o de intentar mejorarlas

mediante la protesta artística, estaba muy lejos de las mentes

de los protagonistas del pop art.

Así, Richter criticó una falta de compromiso cuando se había

pretendido que hubiera alguno.

UN ARTE DEL CONFORMISMO

"A mediados del siglo XX la primacía de la alta cultura sobre la popular comenzaba a disolverse de manera irreversible. La vanguardia histórica estaba dando paso a sonidos, imágenes y palabras que se originaban en la publicidad y en los mass-media.Los movimientos contraculturales de los 50 y 60, expresión de una rebeldía que pretendía superar los traumas de la II Guerra Mundial, encontraron su cauce en la música rock y pop, con sus ídolos de masas o en movimientos literarios como la generación “beat”; en el ámbito de las artes plásticas, supondrían el final del desarrollo lineal de la vanguardia con sus sucesivos “ismos”, encarnados en una generación de jóvenes norteamericanos y británicos que dieron lugar al nacimiento de un arte que plasmaba las imágenes de la sociedad en la que habían crecido: el arte pop.Los temas generales del Pop Art eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y la interrelación de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.“ JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)

El arte y los mass-media

ORIGEN: INGLATERRA Y ESTADOS UNIDOS

Artistas que, según el crítico, Alloway, “no sentían el disgusto por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la consumían con entusiasmo”

EDUARDO PAOLOZZIRICHARD HAMILTONALLEN JONESPATRICK CAULDFIELDR.B. KITAY RICHARD SMITHPETER BLAKE HOCKNEY

VERTIENTE INGLESA

Aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical en sus planteamientos.

VERTIENTE NORTEAMERICANA

ANDY WARHOLROY LICHTENSTEINGEORGE SEGALCLAES ONDERBURG JAMES ROSENQUIST TOM WESSELMANROBERT INDIANA

PRE-POP: RAUSCHENBERG JOHNS 

POP:

Las características pop se dan menos definidas y agresivas que en los otros artistas.

Lawrence Alloway bautizó esta tendencia artística como ARTE POP en 1955

A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta.

El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes. Muy pronto el POP ART se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

RAUSCHENBERG: “Kennedy”JASPER JOHNS: “Mapa” 1959

ANDY WARHOL: “5 botellas de Coca-Cola”, 1962

ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963

GEORGE SEGAL: “Mujer peinándose en silla verde”, 1964

CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001

Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962

JAMES ROSENQUIST: “Marilin Monroe I”, 1962

.

LEO CASTELLI, CREADOR DE MITOS Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999. Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa, llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París. Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de postgrado en Historia Económica en la Universidad de Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al hacer el servicio militar en los Estados Unidos. En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y que se apartaban de los movimientos establecidos.

Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como "descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

El galerista Leo Castelli fue el gran impulsor del movimiento, en la imagen en su famosa galería neoyorquina junto a un “Jasper Johns”.

A finales de los cincuenta surgen nuevas formas de expresión en el arte contemporáneo. Con la muerte de Jackson Pollock en 1956 se daba paso al fin definitivo del expresionismo abstracto americano y se perfila un nuevo rumbo en la creación artística. Rauschenberg tuvo un papel importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Fue el primer artista que reflejó la sociedad consumista norteamericana.

HACIA UN ARTE NUEVO

PRE-POP: RAUSCHENBERG Y JOHNS 

APOGEO DEL POP-ART: ANDY WARHOLROY LICHTENSTEINGEORGE SEGALCLAES ONDERBURG JAMES ROSENQUIST TOM WESSELMANROBERT INDIANA

VERTIENTE NORTEAMERICANA

GEORGES SEGAL

CLAES ONDERBURG JAMES

ROSENQUIST

ANDY WARHOL

TOM WESSELMAN

ROY LICHTENSTEIN

ANDY WARHOLROY LICHTENSTEINGEORGE SEGALCLAES ONDERBURG JAMES ROSENQUIST TOM WESSELMANROBERT INDIANA

VERTIENTE NORTEAMERICANA

APOGEO DEL POP-ART:

RAUSCHENBERG JASPER JOHNS 

PRE-POP: RAUSCHENBERG Y JOHNS 

CLAES ONDERBURG

TOM WESSELMAN

“El Pop-Art se opone a lo abstracto mediante el realismo, a lo emocional mediante el intelectualismo y a la espontaneidad mediante una estrategia compositiva.”

“El Pop es una manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. América es el centro de este programa. Por tanto se produce la americanización de la cultura de todo el mundo occidental, en especial la de Europa. El Pop Art analiza artísticamente esta situación, visualiza un sismograma de nuestras modernas conquistas industriales y su absurdo, los límites de una sociedad de masas y medios de comunicación que estalla por los cuatro costados. El Pop Art vive de las grandes ciudades. En sus comienzos fueron Londres y Nueva York los nuevos centros artísticos del mundo occidental, en su desarrollo durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

ROBERT RAUSCHENBERG

(Port Arthur, 1925-Captiva Island, 2008)Pintor estadounidense que representó un papel importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Recuperó el Dadaísmo que allanó los caminos que llevan hacia el arte pop. Estudió arte en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos, incluyendo el Black Mountain College, donde tuvo como profesor a Josef Albers. Rauschenberg. era un artista inquieto y de gran versatilidad que, a lo largo de toda su vida, participó en gran número de iniciativas de muy diversa índole. Cabe destacar la intensa colaboración con su amigo el músico John Cage, y entre 1955 y 1965, su participación como director de escena en la compañía de danza de Merce Cunningham.

En 1966 creó junto a varios científicos un grupo de experimentación de arte y tecnología con el fin de aplicar los últimos avances técnicos en el arte. Querían así recuperar el vínculo con el exterior que los expresionistas habían roto. Artista multidisciplinar y de espíritu crítico, buscó sin cesar nuevas formas de expresión artística que le convirtieron en una de las figuras fundamentales en la evolución del arte de las últimas décadas del siglo XX. Sirvió de inspiración a talentos como Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

“No soy un artista con ideas. Odio las ideas. Y cuando a pesar de ello tengo alguna, me voy a pasear para olvidarla”

ROBERT RAUSCHENBERG

“El primer artista que reflejó la sociedad consumista norteamericana fue Robert Rauschenberg. En 1949, Rauschenberg llegó a Nueva York procedente de Texas y descubrió una mina inagotable en las calles del centro de Manhattan. En líneas generales, lo único que tenía que hacer era caminar alrededor de los edificios en busca de material. (…) A partir de 1953, Rauschenberg produjo sus “combine paintings”: fragmentos de una pintura gestual expresiva combinados con placas de calles, señales de tráfico, mobiliario abandonado, pieles de animal y fotos de revistas. Sobre placas toscamente pintadas se yergue una cabra de angora disecada, cuyo cuerpo se halla insertado en un neumático. Sin duda, esta combinación añade vida al título “Monograma”¿O acaso presenta Rauschenberg algún simbolismo disfrazado de la sexualidad de la cabra como fauno? El origen heterogéneo de las distintas partes genera un amplio abanico de asociaciones. Rauschenber evitaba las definiciones, en la creencia de que éstas podían sustraer vida a los objetos.” MANFRED SCHNECKENBURGER: “Arte del siglo XX”

LA YUXTAPOSICIÓN DE IMÁGENES

“La actual ola de assemblage... marca un cambio del arte subjetivo, fluidamente abstracto, hacia una revisada asociación con el medio ambiente. El método de yuxtaponer es un vehículo apropiado para expresar sentimientos de desencanto por el resbaladizo idioma internacional en que ha tendido a manifestarse la abstracción libremente articulada y los valores sociales que esa situación refleja” SEITZ: catálogo de la exposición “El arte del assemblage” 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York .

Rauschenberg:“Monograma”, 1959

Sobre el lienzo, en horizontal, se posaba una cabra disecada y un neumático. Una vuelta de tuerca a los 'readymades' de Marcel Duchamp.

"Rauschenberg alude con frecuencia a los coches y naves espaciales, incluso incorporando llantas y bicicletas reales, en su arte." "Esto refleja en parte su propia inquietud, imaginación peripatética. La idea de movimiento se extendió lógicamente, cuando asumió la danza y la performance ". Ruth Fremson / The New York Times

Robert Rauschenberg participó como director de escena en la compañía de danza de Merce Cunningham.

Merce Cunningham Dance Company performing Minutiae (1954) ante una obra de Rausenberg

ROBERT RAUSCHENBERG: “Bed”, 1955, Óleo y lápiz sobre la almohada, edredón, y una hoja sobre soportes de madera

ROBERT RAUSCHENBERG: “Piscina de invierno”, 1959 

1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados. En 1955 realiza sus Combine Paintings, en las que combinaba pintura, ensamblajes y collages de fotografías con objetos encontrados, procedentes por lo general de la sociedad de consumo. tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador.Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte pop. A finales de la década de 1950, Robert Rauschenberg protagonizó junto a Jasper Johns la recuperación del espíritu dadá en Estados Unidos. Su encuentro con Marcel Duchamp* fue decisivo para la recuperación de los métodos dadaístas y la incorporación del collage en su obra.  ROBERT RAUSCHENBERG:“Cañon”, 1959, combine sobre

tela* Ready-made es la expresión artística más característica del dadaísmo, que trata de transformar objetos

de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su aspecto externo siendo su principal objetivo generar una sensación de absurdo y de sorpresa, tratando de este modo, socavar todo concepto artístico tradicional.

Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Duchamp en 1913.

ROBERT RAUSCHENBERG:“Dylaby”, 1962

ROBERT RAUSENBERG. Coca-Cola Plan. 1958

Robert Rauschenberg: “Estado”, 1963 Oil and silkscreen ink on canvas. 243,8 x 177,8 cm.

Década de 1960. En 1962, bajo la influencia de Andy Warhol, iniciaría su experimentación con un nuevo tipo de técnica artística que se convirtió en la base de su trabajo en los siguientes años: la serigrafía. Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color, en la que la repetición de la imaginería tuvo un papel destacado. Este método le permitía incorporar imágenes fotográficas impresas sobre paneles de seda que luego transfería a sus lienzos, superponiéndolas y mezclándolas a modo de collage. Finalmente, completaba el conjunto con pintura al óleo.Décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg. 

ROBERT RAUSCHENBERG

RAUSCHENBERG. “Retroactive I”, 1964

Una enorme fotografía de prensa de John F. Kennedy hablando en una conferencia televisada fue la fuente para esta serigrafía sobre lienzo. Superpuso a la imagen de Kennedy otra serigrafía fotográfica de un astronauta en paracaídas. La superposición, y la aparente disparidad de la composición crea un colorido comentario visual sobre una cultura saturada por los medios que lucha por comprender la era de la televisión.

En julio de 1969, Robert Rauschenberg fue invitado por la Aeronáutica y el Espacio (NASA) de Cabo Cañaveral, Florida para presenciar el lanzamiento de la histórica misión Apolo 11. Al preguntar por el Programa de Arte de la NASA para conmemorar el primer vuelo espacial tripulado a la Luna, Rauschenberg obtuvo acceso a las instalaciones de la Florida de la NASA. Vagó por los edificios y el paisaje adyacente, se reunió con los astronautas y otros miembros del personal, y se le concedió acceso a fotografías oficiales de la NASA y documentos técnicos. Este viaje influyó profundamente en el artista. La experiencia le llenó de energía y un renovado sentido de optimismo después de haber sido profundamente desilusionado por la guerra de Vietnam y el creciente malestar social en los Estados Unidos. Tras el lanzamiento, Rauschenberg comenzó a trabajar en Stoned Luna (1969-1970), una serie de treinta y cuatro litografías que yuxtaponen pasajes dibujados a mano con imágenes que unen el exuberante paisaje de la Florida con la estética industrial de la carrera espacial. (…) Las impresiones individuales de la serie están llenas de escenas de astronautas, trajes espaciales, maquinaria compleja, haciendo hincapié en la interconexión de la naturaleza, la humanidad, y los asombrosos logros científicos y tecnológicos del programa espacial.

http://www.sfmoma.org/explore/llection/artwork/22869#ixzz32RXWfID3 San Francisco Museum of Modern Art

Fuente: ROBERT AUSCHENBERG:”Arena II” (Stoned Luna), 1969

RAUSENBERG: “Sack” (Stoned Luna), 1969 RAUSCHENBERG:“Trazador de líneas”, 1963Oleo y tinta de seda sobre lienzo 213,4 x 152,4 cm.

ROBERT RAUSCHEMBERG: “Arquitectura” (Tribute 21), 1994

Tribute 21 pertenece a una serie de veintiún impresiones de tamaño póster que el artista había producido para un proyecto de ayuda humanitaria recién formado, también llamado Tribute 21. Concebido por la compañía japonesa Felissimo y reforzada por la visión artística de Rauschenberg, esta iniciativa buscó aprovechar el poder del arte para promover el desarrollo social, económico y cultural y mejorar las condiciones sociales en los albores de un nuevo siglo. Dada su prestigio como artista y su dilatada relación con las causas humanitarias, Rauschenberg fue el representante perfecto para este ambicioso proyecto.(…) Rauschenberg intentó producir Tribute 21 de manera sostenible, la impresión de las imágenes usando tintes especiales, menos tóxicos, y sobre todo el uso de agua (en lugar de disolventes químicos) para trasladarlos al papel. Este uso imprime una textura acuosa y la sensación general de “gastado" u oxidado.

Fuente:http://www.sfmoma.org/explore/collection/artwork/16317#ixzz32RUoCJoO San Francisco Museum of Modern Art

Robert Rauschenberg: “ Riding Bikes”, Berlín, Alemania, 1998

JASPER JOHNS

Augusta, Georgia, 1930.Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha representado un papel importante en el desarrollo del arte de mediados del siglo XX en su país. En 1954 comenzó a pintar obras de un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística estadounidense en aquel momento. Sus obras se centraban en temas tan conocidos como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas. Hacia finales de la década de 1950 sus obras comenzaron a mostrar una composición más libre y suelta. En algunas añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas y compases. "Cosas que se ven, pero no se miran,

no se examinan“ JASPER JOHNS

“Jasper Johns debe ser considerado como el primer artista verdaderamente norteamericano”, proclama a los cuatro vientos el marchante, galerista y promotor LEO CASTELLI a finales de 1958. Un personaje singular que ya, en esos años, ha tomado el poder absoluto de la escena artística neoyorquina. Acaba de conocer a Johns en una visita casual al estudio de Rauschenberg. Castelli está a punto de inaugurar su galería en Nueva York, después de unos años de aprendizaje con diferentes marchantes americanos. Tenía una floreciente galería en la Place Vendôme. Cuando los alemanes se acercan a París, intuye todo lo que va a pasar, embala algunos cuadros de De Chirico y desembarca en Nueva York. Ha encontrado por fin su verdadera patria. Y su lugar. Un destartalado espacio, que creará tendencia, se dispone a abrir su galería en la ciudad.

EL PAPEL DE LOS GALERISTAS: LEO CASTELLI

La primera exposición será de su deslumbrante descubrimiento, Jasper Johns, un artista de 29 años que lleva tan solo dos pintando después de haber destruido toda su obra precedente. La primera muestra de un desconocido al que, en la misma inauguración, el director del MoMA, Alfred Barr, compra una obra. Una obra que además expone a continuación en el museo más importante del mundo como paradigma de pintura verdaderamente americana. El pop arrasa de éxito desde el primer momento.” ALBERTO CORAZÓN: Cuando la galería tomó el poder. EL PAÍS, 7-VI-2014

JASPER JOHNS:"Tres banderas“, 1958. Encáustica sobre lienzo

En 1955, Jasper Johns pintó su primera bandera estadounidense: un gran panel blanco dominado por la evidencia de barras y estrellas. Tres años más tarde creó "Tres banderas", donde el artista superpuso tres pabellones de diferentes tamaños, reforzando así la imagen y generando un interesante efecto óptico. Johns no escogió pintar la bandera de los Estados Unidos porque fuese especialmente nacionalista, sino porque quiso representar el motivo más banal y reconocible que pudiese encontrar. Esta es una de las obras más conocidas de Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art.

JASPER JOHNS

Para sus primeras obras Johns eligió conscientemente motivos cotidianos, los más comunes en el entorno, reconocidos por todos. Como banderas y mapas de Estados Unidos, números y tableros de tiro al blanco. Motivos ya “hechos”, que no requerían la elaboración del artista, sin significados emotivos o espirituales. Lo que le permitió a Johns concentrarse en el tratamiento de los colores y las texturas. Quería establecer distancia de sus motivos, que no estuvieran relacionados a lo “personal”. Una actitud radicalmente opuesta a la de los expresionistas abstractos. En esta obra utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de color sobre los objetos pintados, es una obra llena de humor y juegos de significados, precedente del Pop Art.

JASPER JOHS: “Comienzo falso”,1959 Óleo sobre tela. 171 x 137 cm.

La repetición, la experimentación con una misma imagen o con un símbolo tan cargado de significación como pueden ser la bandera de su país, el mapa del mismo, los números o las letras, han dado a la obra de Johns una coherencia que la distingue.

JASPER JOHNS:“Mapa”, 1961. Encáustica, óleo y collage

Esculturas realizadas en bronce y luego pintadas. Dan la impresión de ser dos latas reales y son las cervezas más caras de la historia.

"Para ser un artista tienes que renunciar a todo, incluyendo el deseo de ser un buen artista”

JASPER JOHNS:“Ballantine Ale”, 1960

JASPER JOHNS:“ Diana con cuatro caras”, 1955. Encáustica sobre tela

JASPER JOHNS. Target. Diana. 1966. Encáustica y collage en papel de periódico sobre lienzo

JASPER JOHNS:“Primavera”, 1986 JASPER JOHNS:“Verano”, 1985

Encáustica sobre tela. 190.5 x 127 cm.

ENCAÚSTICA: técnica originalmente empleada en la antigua Grecia, que consiste en diluir los pigmentos en cera caliente, dándole al cuadro una superficie gruesa con apariencia de relieve.

GEORGE SEGAL

Estados Unidos, 1924-2000. Consagrado escultor y artista grafico estadounidense. Cercano a la estética del pop art, a partir de 1958 comenzó a realizar esculturas en yeso; desde 1961 modeló directamente sobre el cuerpo humano. Sus comienzos artísticos se centraron en el ámbito de la pintura próxima al Expresionismo Abstracto. Adoptó la técnica del molde en yeso a la que sabe imprimir un nuevo giro. El yeso era el medio para dar rienda suelta a un realismo poético e introspectivo. La adaptabilidad del material no sólo sirve para reflejar la fisonomía del hombre sino también para plasmar su individualidad, sus estados de ánimo. La vida cotidiana irrumpía en sus montajes. Una parada de autobús, un semáforo, una silla recrean el escenario para sus figuras fantasma.

“Me encanta observar a la gente. Me interesan sus gestos, sus experiencias y las mías. En los primeros años, pasé largo tiempo intentando observar a las personas en su entorno de la manera más obtusa posible. A menudo las vi contra una luz cruda o rótulos luminosos. Las contemplé como objetos visualmente vivos que se consideraban de clase baja, antiartísticos, inartísticos, kitsch e irreputados... » GEORGE SEGAL

George Segal es conocido por sus esculturas de personas formando diferentes escenas. El artista llama este tipo de obras de arte "esculturas situación“. Para hacer las figuras, Segal envuelve con vendas empapadas en yeso los cuerpos de sus amigos o modelos. Cuando el vendaje se había secado y endurecido, las cortaba con cuidado y volvía a montar el molde del cuerpo. Luego combinó estas figuras humanas con objetos encontrados para crear diferentes escenas.

GEORGE SEGAL:”Mujer peinandose en silla verde”, 1964

GEORGE SEGAL: “Rock and roll combo”, 1964. Figuras realizadas de gasas bañadas en yeso líquido y montadas sobre una estructura de madera y alambre, guitarra eléctica, batería, taburere de madera

Considerado como uno de los iniciadores del Pop Art. A finales de los cincuenta, presenta figuras de tamaño natural realizadas en yeso, colocadas ante una de sus telas. Con el tiempo, estas figuras quedan emplazadas en un ambiente en el que se respira la soledad espiritual propia del hombre moderno, ejemplo de alienación, muy propia de la filosofía existencialista.Reflejo de la soledad del hombre. Segal rompe las clasificaciones artísticas para ir más allá del Pop Art americano. Su preocupación no se centra en los objetos de la vida cotidiana del hombre, ni siquiera en sus espacios habituales. El objeto de su preocupación es el ser humano en sí mismo. Por eso huye de la seriación repetitiva, homogénea y mecánica de otros artistas Pop. Nada tienen que ver sus creaciones con las de Warhol y Litchtenstein. GEORGE SEGAL: “La estación de autobuses”, 1965

Su obra plasmó personajes cotidianos, a menudo situados en ambientes realistas, en una denuncia de la condición del hombre moderno. La figura siempre conservó el color blanco del yeso, mientras la decoración, que aparecía coloreada. Segal toma sus temas de la vida cotidiana. Él coloca sus figuras en los entornos comunes y los involucra en las actividades ordinarias. Los moldes de yeso se forman directamente en los modelos de la vida real, todos los detalles físicos de la postura y la expresión facial se completan en el trabajo final.

George Segal: “Girl in Doorway”, 1965

Blancas, frías, inmóviles como una instantánea de la eternidad. Estos paisaje desolados hablan de la soledad que el hombre siente como parte intrínseca a su naturaleza.Segal no se limita a la pintura y la escultura. Los procedimientos gráficos no le son ajenos. Encontramos en su haber serigrafías de enorme colorido y fuerza expresiva. Segal es un artista humanista sea cual sea el método utilizado. El ser humano ha sido su musa por antonomasia. La complejidad psicológica del mismo y sus condiciones existenciales ofrecen una fuente inagotable de inspiración para este artista de sobrada fama internacional.

George Segal: ”Caminar, no camine”, 1976

Yeso, cemento, metal, madera pintada, y la luz eléctrica, 276,9 × 182,9 × 188,9 cm global, Whitney Museum of American Art, Nueva York. 

GEORGE SEGAL: “Picasso's Chair”, 1973GEORGE SEGAL: “The Holocaust”, 1984

GEORGE SEGAL: “Circus Acrobats”, 1981

CLAES OLDENBURG

(Estocolmo,1929). Hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1936, primero a Nueva York y después a Chicago. Estudió en la Universidad de Yale después regresó a Chicago donde estudió en el Art Institute of Chicago .Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se nacionalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956, donde conoció a otros artistas del happening.

Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. En términos formales siguió los pasos del art brut de Dubuffet, del arte para niños y de los superhéroes de cómic.

 “Si de verdad quieres ser un artista, te examinas a ti mismo y descubres que una gran parte de lo que encuentras proviene de una época anterior”

En ella reunía figuras y objetos realizados con materiales baratos (tela, cartón, papel, señales de tráfico, pintadas con faltas ortográficas, siluetas de gente y coches de cartón recortados, objetos encontrados), formando una singular evocación del paisaje urbano. Representaba el poder de la ciudad como un proceso de vida anárquica e informe.

CLAES OLDENBURG: "Empire" ("Papa") Ray Gun”, 1959. Caseína en papel maché sobre alambre. (90,9 x 113,8 x 36,9 cm)

En Chicago quedó fascinado por la calle, y no por el glamour de la Quinta Avenida, sino por la dura y sucia realidad de la Lower East Side. Presentó su primera exposición individual en la Judson Gallery (1960) bajo el título de ”La calle”.

CLAES OLDENBURG: “Calle Cabeza I”, 1959. Periódico empapado en pasta de trigo sobre el armazón de alambre, pintado con caseína. (153 x 160 x 25,1 cm)

CLAES OLDENBURG: “Calle Head III (Perfil con sombrero)”, 1960. Arpillera y periódico, pintados con caseína.( 193 x 116,8 x 17,8 cm) 

CLAES OLDENBURG: « Muestra de calle I”, 1960. Caseína sobre cartón. (269,2 x 104 cm)

CLAES OLDENBURG: ”Muestra de calle II”, 1960. Caseína sobre cartón. (183 x 113 cm)

“El polluelo de la calle (de pie)”, 1960Cartón y madera, pintadas con caseína. (88,9 x 26 cm)

En 1962, en su segunda exposición ”Store”, celebrada en la Creen Gallery, presentó por primera vez sus Esculturas blandas, elementos enormes y cosidos de alimentos o ropas. A partir de entonces, la escultura blanda se convertiría en la huella personal de Oldenburg. Su origen se remonta a los trapos rellenos que el artista había utilizado en sus performances en 1960.

CLAES OLDENBURG: « Floor Burger » 1962, toile rempli de mousse de caoutchouc et de boîtes en carton, peinture au latex et Liquitex

Trozo de tarta, 1962

La escultura blanda se basa en un enfoque estético cuidadosamente estudiado en el que la metamorfosis de un objeto en una réplica gigantesca, blanda, lacia y sin vida partía de un modelo de cartón duro y rígido. Oldenburg ha utilizado este proceso de “reblandecimiento” y agrandamiento en teléfonos, máquinas de escribir, pintalabios e incluso tazas de váter. A pesar de ser objetos cotidianos funcionales, utilizan formas universales como el círculo, el cubo o el cilindro.

CLAES OLDENBURG: “Bread on Breadboard”, 1962

Junto con el softening (reblandecimiento), la otra estrategia empleada por Oldenburg consiste en la ampliación de los objetos hasta la monumentalidad. El humor reside en el contraste de las dimensiones gigantescas con la banalidad del objeto.

CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001 Claes Oldenburg: “Paleta gigante”, 197I. Acero pintado con espray

"Creo en un arte que haga algo más que apoltronarse en un museo“, CLAES OLDENBURG

Oldenburg calcula geometrías que funcionan a distancia. En un mundo en el que todo lo que aparece en la pantalla de la televisión es pequeño y todo lo que aparece en la pantalla del cine es grande, nuestro sentido de la escala es confuso.

“Balancing Tools”, 1984 Vitra International AG, Weil am Rhein, Germany

CLAES OLDENBURG es considerado hoy, el máximo exponente de la escultura del Pop Art americano, del happening y la performance, así como de la reinvención del arte urbano y la escultura pública con sus conocidas esculturas colosales.

“Shuttlecocks”, 1994

TOM WESSELMANN

Estados Unidos,1931-2004. Pintor y escultor estadounidense perteneciente al movimiento Pop Art. Cursó estudios de psicología en la Universidad de Cincinnati de un modo discontinuo debido a su preferencia por los estudios de Arte que cursó en la Academia de Arte de Cincinnati. Durante este periodo de formación, pensó en dedicarse al dibujo de cómics. Fue cuando estudió bajo la dirección de Nicolás Marsicano en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Unión Cooper (Nueva York) cuando su trabajo se orientó definitivamente hacia la pintura y la escultura. Imbuido del ambiente artístico que reinaba en Nueva York a final de la década de los cincuenta, cuando la tendencia del expresionismo abstracto convirtió a la ciudad en capital mundial del Arte, Wesselmann comenzó a pintar influido por una de las figuras más importantes de este movimiento, Willem de Kooning aunque pronto se distanció y se acercó más a Matisse, Van Gogh y Modigliani. 

Las exposiciones se sucedieron como reconocimiento de su éxito. Las que realizó a finales de los años setenta consagraron su figura a nivel mundial.

TOM WESSELMANN: “Still Life nº 20”, 1964. Collage y assemblaje con pintura. Papel. Madera. Bombilla. Interruptor etc.

A finales de los cincuenta comenzó a explorar las posibilidades del collage. Para ello, utilizó papeles y folletos de publicidad, constituyendo estas obras una de las primeras expresiones del mundo publicitario que luego serían tan utilizadas por el resto de artistas pop norteamericanos.

TOM WASSELMANN: “Gran desnudo americano”, 1962

En la década de los sesenta simultaneó el tema del desnudo con otras series como la serie de ”Collages” de la bañera. Sus desnudos, al hacerse más realistas, adquirían una mayor carga erótica.

TOM WASSELMANN; " Collage de la bañera “, 1962. Collage sobre madera incorporación al cuadro de objetos de uso común.

A principios de la década de los sesenta empezó a incorporar objetos tridimensionales a los collages como en el Gran desnudo americano n° 48.

TOM WESSELMANN. Gran desnudo americano Nº 48. 1963

TOM WASSELMANN: "Collage en la bañera“, 1963. Óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos (puerta, toalla y cesto para la ropa

En esta obra se combinan objetos pintados y objetos reales, como la puerta, la toalla, la alfombra de baño, el contenedor para la ropa sucia, la cortina de ducha. La intención de este montaje es reforzar aún más la sensación de ilusión.

WASSELMANN: "Collage en la bañera“, 1963. Óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos (puerta, toalla y cesto para la ropa

“En los estilizados espacios habitables de Wesselmann, la personalidad se despliega en el diseño. La publicidad y el diseño estimulan y satisfacen esperanzas que se convierten en realidad en el mundo burgués.

TOM WASSELMANN; " Collage de la bañera “, 1962. Collage sobre madera incorporación al cuadro de objetos de uso común.

La lisura de la superficie de los objetos se repite en la superficie inmaterial de la figura que, con poses tópicas, actúa en el dormitorio o el baño como una marioneta entre la bañera, las toallas, las flores, los cigarrillos y otros accesorios. Las partes pintadas, los relieves y los objetos reales simulan un espacio pictórico similar a un decorado cinematográfico que refleja la realidad, comparable al fondo manipulado de un anuncio publicitario”. TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”.

WESSELMANN. Gran desnudo americano Nº 48. 1963

TOM WASSELMANN; “Paisaje no. 2”, 1964. Óleo. collage y ensamblaje sobre tela. 191,8 x 238,7 x 7,1 cm.

TOM WASSELMANN: “Gran desnudo americano”, 1963

Tom Wesselmann: “Great American Nude Nº 75”. 1965

Obra realizada a partir de un collage antiguo. Uso de formatos más grandes, pero apenas presentó innovaciones en relación con sus series anteriores de desnudos; continuó con su paleta brillante y restringida.

Con colores intensos, pero usando una paleta restringida, a veces incluso limitada a dos colores, Representó con vocación casi fetichista y técnica próxima al mundo del cómic su primeras figuras femeninas. Las series de desnudos son una constante en su obra de y constituyen un tema recurrente en su carrera artística. Tema tratado tanto en pintura como en escultura, tanto en formatos pequeños como en grandes. 

TOM WESSELMANN: “Pintura de dormitorio”, 1967. Óleo sobre lienzo. 198,1 x 221 cm.

Tom Wesselmann: “Gran desnudo americano nº 98”, 1967. Cinco lienzos superpuestos en tres planos. 250 x 380 x 130 cm.

Década de los sesenta: comienza una serie que le definió como uno de los perfiles más interesantes de la escena pop. Sus primeros desnudos datan de 1959, y fueron realizados con la técnica del collage. En 1961 inició su primera gran serie: Pequeño Gran Desnudo Americano. Este mismo año tuvo lugar su primera exposición individual en la galería Tanager (Nueva York). El erotismo está muy presente en su obra, sobre todo en los Great American Nudes -quizá su trabajo más conocido-, enormes cuadros, cada vez más grandes, de mujeres desnudas y en su mayoría, rostros sin rasgos a excepción de la boca.

Tom Wesselmann: “Desnudo n.º 1”, 1970

Otras series posteriores fueron las Pinturas de Dormitorio, Marinas y Fumadores.

TOM WESSELMANN: "Fumadora (3)“, 1973

TOM WESSELMANN: “Bodegón con jarra azul y cigarrillo humeante”, 1982. Óleo sobre lienzo. 274,3 x 167,6 cm

En su serie de naturalezas muertas -Still life-, recreaba los productos sacados de la vida cotidiana que caracterizaron al arte pop, a los que presentaba como símbolos de la sociedad del consumo: frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de cerveza, periódicos, helados, botellas.

Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962

Tom Wesselmann: “Rostro de dormitorio con Lichtenstein”, 1992 Óleo sobre aluminio recortado. 172,7 x 208,2 x 33 cm

En la década de los ochenta, y siguiendo con la constante en su obra que es la dialéctica pintura/escultura, Wesselmann comenzó a trabajar con perfiles de acero en los que siluetea sus figuras por medio del color y el corte del material. De esta manera, el artista produce una ficticia tridimensionalidad de la obra pictórica, efecto de volumen que contrasta con su tratamiento plano del color. Colorido y acabado perfeccionista que evoca la producción industrial, son constantes en estas series.

"Autorretrato dibujando“, 1983. Óleo sobre tela

Tom Wesselmann: “Desnudo recostado al sol con manzanas de Matisse sobre mantel rosado», 2003. Óleo sobre tela. 205.7 x 315 cm.

(Grand Forks, 1933) Pintor estadounidense. Exponente del pop art, su obra se caracteriza por formatos enormes, con imágenes próximas al realismo fotográfico. En los años noventa mostró su trabajo en la galería Leo Castelli y en la galería Peder Bonnier de Nueva York y en la Winston Watcher Fine Art LLC de Washington. La obra de James Rosenquist es colorista y barroca. Sus enormes cuadros, en los que se combinan formas figurativas, desgarros espaciales y contenidos abstractos, suelen referirse a los grandes temas de la Humanidad al hilo de avances del pensamiento y la ciencia, como la teoría general de la relatividad de Einstein, pero en el marco inequívocamente pop de la imaginería de la sociedad de consumo y la cultura de masas. Estudiante de arte en Minnneapolis, obtiene una beca para continuar en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, donde coincide con Robert Rauschenberg, Jasper Johns y Robert Indiana. En ese tiempo trabaja de pintor comercial, realizando carteles y vallas para empresas de publicidad; lo que estará en la base de su contribución decisiva al arte pop.

JAMES ROSENQUIST

«Mi pintura debe mirarse con ojos de niño, sin ninguna intencionalidad»

Rosenquist toma fragmentos de la realidad y los representa a gran escala.Imágenes, desproporcionadas que combina mediante superposiciones, yuxtaponiéndolas en los lienzos para crear historias visuales. Escoge objetos simples que se identifican con facilidad y que no portan ningún significado simbólico. Y los trata en grandes formatos con un lenguaje propio de la publicidad. A veces una figuración realista, amplificada como en los grandes carteles publicitarios, acaba siendo, si se mira muy de cerca, una forma abstracta.

TECNICAS Y TEMAS

“President Elect”, 1961. Óleo sobre masonita 228 x 365.8 cm

Esta pieza icónica muestra un imponente retrato de John F. Kennedy extraído de un póster de la campaña presidencial de 1960, al que Rosenquist contrapone imágenes del consumismo y bienestar de la clase media. De esta forma se pregunta: "Aquí está este tipo nuevo que quiere ser Presidente de los EE. UU.: ¿qué nos ofrece?".

“Rainbow”, 1961. 121,3 × 153 cm.

Obra realizada a base de pintura y relieve con piezas prefabricadas (contraventanas) que constituye un detalle de la pared de una casa, un típico muro de cemento informe en una casa prefabricada.

El arco iris, símbolo optimista de limpieza, éxito, progreso y libertad, se derrama melancólico por una ventana rota y resbala por la pared bajo un tenedor de aspecto agresivo…La densidad de la composición y la sencillez de la representación artística, muestran como se desmoronan los sueños de los hombres, pero en su decadencia son embellecidos de nuevo. TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

“Hey Let's Go For A Ride”, 1961

Lo trivial aumenta su valor mediante el cuadro de gran formato

“Vídrio ahumado”, 1962

“Marylin Monroe”, 1962 (236,2 x 183,5 cm

“Pintura para el negro americano”, 1962" Pensé, ¿cómo puedo hacer un nuevo tipo de cuadro? Si puedo tomar un fragmento de algo realista, y situarlo en el espacio, de gran tamaño, podría hacer una pintura en la que la gente reconocería algo con rapidez. El fragmento más grande sería el más cercano, y el más difícil para reconocer. Por lo tanto, yo podría hacer una pintura misteriosa.“ JAMES ROSENQUIST

“Yo creo que mi obra se debe mirar con ojos de niño, sin ningún prejuicio ni intencionalidad. Los libros de historia se suelen referir a la evolución de mi obra como a algo que se desliza en un entorno de ‘flashes’: un taxista come un ‘sandwich’ y, al mismo tiempo, por la ventanilla de su coche, ve unas piernas bonitas. Quizá el peligro con mi obra es que la mirada se pierda en ese tipo de fogonazos, pero es algo que responde a la experiencia de la fragmentada vida de hoy en día, tanto en Europa como en Estados Unidos.” JAMES ROSENQUIST

James Rosenquist, "Fair Mural del mundo", 1964

“Untitled (Broome Street Truck)”, 1963

“Nomad ”, 1963. . 228,6 x 358,1 cm

“Sin título (Joian Cradford dice)”, 1964

James Rosenquist, “Dishes", 1964

“F-111”, 1964-65

“F-111”, 1964-65

A diferencia de otros artistas del movimiento Pop, como Warhol o Liechtenstein, Rosenquist no deja de lado la vertiente crítica del sistema del cual vive. Una de sus obras emblemáticas es F-111 (nombre tomado de uno de los bombarderos utilizados en la guerra del Vietnam), que Robert Hughes define en Visiones de América como “una escatología de la era nuclear”.

“Area code”, 1970

Lo trivial aumenta su valor mediante el cuadro de gran formato

“Ladrón de Estrellas”, 1980

“En mis cuadros nada es accidental. Los fragmentos se refieren a vivencias y simbolizan cosas, de forma simultánea. Yo fui a Berlín cuando cayó el Muro. Cuando volví a casa pinté un cuadro que se titula ‘El Sacro Imperio Romano visto desde el Check Point Charlie’, el viejo lugar de paso entre el sector oriental y el occidental en el Berlín de entonces. La Alemania del Este y los otros países del área soviética estaban mal cuidados, tenían numerosos controles... Años después, Thomas Krens me encarga esta obra para el Deutsche Guggenheim Berlín. En esa serie de cuadros intento reflejar desde la pobreza de la agricultura a una especie de falta histórica de identidad que parece aquejar a Alemania. Henry Kissinger decía algo así, que a Alemania le había faltado en la historia una Armada Invencible como la de España, o un concepto de imperio como el de Inglaterra.” JAMES ROSENQUIST

“El Sacro Imperio Romano a través de Checkpoint Charlie”, 1994

“Fahrenheit 1982”, 1982

“Four New Clear Women”, 1982

“Flores, peces y mujeres de las cuatro estaciones” 1984. 229,9 x 729,0 cm

"White Lightning"

“Eau de Monet” 1984 “The Meteor Hit Monet's Garden”, 1996-99

“Grito”, 1986

“Nasturtium Salad”

“Bienvenidos al Planeta Agua IV” (Clost Rayo), 1988

“Bienvenidos al Planeta Agua”, 1987

“Exotic Flowers ”

“Select and Environment 2”, 1992

“Jungle Presence”, 1987

“Through the Eye of the Needle to the Anvil, Detail ”, 1988

“Through the Eye of the Needle to the Anvil, Detail ”, 1988

“Television or the Cat's Cradle Supports Electronic Picture”, 1988-89

A través de una iconografía particular, Rosenquist ha tratado en su obra temas modernos y hechos actuales, ha recogido declaraciones antibelicistas y ha expresado su preocupación por el destino social, político, económico y medioambiental del planeta.

“No-no”, 1990 

“Toy Vara Roja”, 1996

“El nadador en el Eco-Mist”, 1997-1998 “Los comienzos de Rosenquist como pintor de vallas publicitarias influyen en la escala de sus obras, como ocurre en la monumental El nadador en la a-bruma-dora economía (The Swimmer in the Econo-mist, 1997–98), un conjunto de tres pinturas encargado por el Deutsche Guggenheim de Berlín. Con su iconografía, que incluye la cuenca del Ruhr y los colores de la bandera alemana, estos cuadros representan a un país en un momento concreto de la historia y hacen referencia a la interdependencia de la economía global. Como ocurre con muchas de las obras de Rosenquist, El nadador en la a-bruma-dora economía capta con emotividad temas sociales y políticos a la vez que refleja la dinámica de la cultura capitalista moderna.” SARAH BANCROFT,James Rosenquist: retrospectiva. Guggenheim Bilbao

“Stowaway Peers cabo a la velocidad de la luz”, 2000

“Joystick”, 2003

“Deslumbramiento - velocidad de la luz”, 2001 “Fix - velocidad de la luz”, 2000

“Hice una serie de cuadros titulada ‘La velocidad de la luz’. Se referían a la teoría de Einstein según la cual las cosas no se perciben igual si estamos quietos o nos movemos a aquella enorme velocidad. Todo depende de quién vea las cosas. ¿Quién ve como bello qué cosa? Muchas veces, los espectadores que se creen sofisticados tiene en realidad un mal gusto espantoso; mientras que aquellos a los que se considera vulgares son los verdaderamente inteligentes. Si empleo elementos de cada día es porque permiten al público una identificación inmediata del objeto; pero si los reproduzco a gran escala, ya no son tan reconocibles. Por ahí empieza la ironía.” JAMES QOSENQUIST

“Tosca ”, 2009

"Multiverse You Are, I Am" 2012

A través de una iconografía particular, Rosenquist ha tratado en su obra temas modernos y hechos actuales, ha recogido declaraciones antibelicistas y ha expresado su preocupación por el destino social, político, económico y medioambiental del planeta.

ROBERT INDIANARobert Clark (Robert Indiana) pintor, grabador y escultor estadounidense perteneciente al movimiento Pop Art, nacido en New Castle (Indiana) en 1928. Su obra, ligada a la abstracción, se inscribe de lleno en la escuela pop norteamericana mediante la integración de mensajes, letras y números inscritos en superficies geométricas de color. Como escultor, Indiana practicó la técnica del ensamblaje en sus comienzos, en la actualidad su trabajo está orientado hacia la tridimensionalidad en acero y otros materiales de su famosa serie de lienzos Love. Indiana es famoso por su serie “amor” de esculturas, que se puede ver en más de 30 ubicaciones en todo el mundo. Robert Clark realizó sus estudios de Arte en el Instituto de Arte de Chicago entre los años 1949 y 1953. Finalizados éstos, siguió varios cursos más en la Escuela Skowhegan de Pintura y Escultura en Maine (1953) y en la Universidad de Edimburgo, Escocia (Gran Bretaña) el año siguiente. Hasta 1961, fecha en la comenzó con las series que le harían una de los pintores más representativos del Pop Art norteamericanoEn 1964 colabora con Andy Warhol en la pelicula “Eat” y diseñó la escenografía y el vestuario de la obra teatral Santa Fe Opera en 1976

“El pop es amor porque lo acepta todo… Pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…”

“Twenty Golden Orbs”, 1959 “French Atomic Bomb”, 1960 “Moon”, 1960

“Call me Indiana”, 1964 “Mi madre”, 1964 “Mi padre”, 1964

“Madre y padre”, 1963. Óleo sobre lienzo. Cada panel: 182,9 x 152,4 cm

Madre y padre es una sola obra, un díptico en homenaje y respeto también, para dos personas visiblemente cruciales en mi vida y mi vocación artística. “Madre y padre” es parte de mi sueño americano, la primera pintura importante Pop adquirida por un museo americano que se convirtió en una gran serie de pinturas todavía en curso.

Utiliza formas geométricas en las que inscribe palabras emblemáticas sacadas de textos poéticos donde se alaba “el sueño americano”, y que están influidas por los trabajos de Kelly.

“Década autoportrait”, 1962

“Década autoportrait”, 1962

“Cuatro Vientos”, 1964

Durante los primeros años 60 realizaría assemblages escultóricos, al mismo tiempo que comenzaría a desarrollar un estilo frío y multicolor utilizando letras, números o palabras cortas como EAT, HUG y LOVE, en el que jugaba con la simetría y con los elementos cromáticos.

“El muro”, 1997

“Para dibujar una línea recta”, 1996

“Indiana es un artista de dilatada trayectoria, que alcanzó fama casi universal a partir de su diseño "LOVE" para una tarjeta de felicitación de navidad encargada por el MOMA de Nueva York en 1964. Esas cuatro letras, formando esa palabra de resonancia universal, se convirtieron desde entonces en emblema de su obra, reproducido de múltiples maneras: desde en papel hasta en estas esculturas de acero cortén e incluso en sellos de correos…

Filadelfia

… Además, a Indiana no se le ocurrió registrar su creación, lo que ha multiplicado sus reproducciones, a veces en soportes inauditos. En cualquier caso, he aquí una de las más fecundas creaciones del arte pop, un pequeño poema visual de cuatro letras. A esta serie del amor, se han venido a añadir otras posteriores, como la denominada "números", expuesta ahora también en Lisboa. Simplicidad y rotundidad en el mensaje, señas propias del arte pop y de un artista que trabajó con Andy Warhol, pero que estuvo vinculado también con algunos de los más conocidos expresionistas abstractos.

El propio Robert Indiana ha dicho de su obra que "a algunas personas les gusta pintar árboles. A mi me gusta pintar el amor". Pero no todo es tan sencillo, porque si no, ¿qué hace ahí esa letra O, que siempre está caída hacia un lado?”. Fuente: ENSEÑARTE

 6th Avenue de Nueva York

Art in the streets of Milan

“Love”, 1967

"Fue una idea maravillosa, pero también fue un terrible error… Se hizo demasiado popular Incluso hay gente a la que no le gusta su popularidad“ ROBERT INDIANA

“Amor”, 1984“German Love”, 1996

“Los deseos amorosos y los sueños no vividos, las esperanzas tópicas y reproducidas en masa son comercializadas de forma sistemática por los medios de comunicación. Robert Indiana toma literalmente la palabra “Love” como símbolo de una época, coloca la palabra en el cuadro o en la escultura. TILMAN OSTERWOLD

“Chosen Love”, 1995 “El amor (rojo / amarillo)”

“El pop es amor porque lo acepta todo… Pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…”

Museo de Israel en Jerusalén con la palabra ahava, (amor en hebreo)

“Art”, 1972- 2001

La escultura 'ART' de CRobert Indiana refleja el interés del artista en la potencia gráfica de las palabras.

“Art”, 1977

“The American Art”, 1992

“Arte”, 2000

Indiana diseñó la escenografía y el vestuario de la obra teatral Santa Fe Opera en 1976

“La Ópera de Santa Fe ”, 1976

El sueño americano es la piedra angular de las obras de madurez de Indiana debido a que vivió su niñez durante la gran depresión de los años 30  y a que su etapa de formación como artista tuvo lugar durante las transformaciones sociales y políticas que vivió su país entre los años 40 y los años 60. El sueño americano fue la temática de su primer cuadro importante - vendido al MoMA en1961 - y ha seguido representándolo hasta la actualidad, datando la obra Seventh American Dream de 1998. Indiana se ha acercado al sueño americano reconstruyéndolo y redefiniéndolo de diversas maneras: con sus obras políticas, como Alabama (1965), sus obras literarias, como The Calumet (1961), o sus autorretratos e investigaciones sobre fama e identidad, como The Metamorphosis of Norma Jean Mortenson (1963-1967)

“El sueño americano”,1992. Yeso sobre madera y ruedas de hierro (213,3 x 90 x 30 cm)

“Freedom float-bicentennial procession” (side view), 1976. Papel cortado

“Numbers 1-9 (1)”, 1983

“Numbers 1-9 (2)”, 1983

" Hartley Elegies - KVF I

Los números 0-9 de Robert Indiana. Ubicación: Indianapolis Museum of Art [IMA] Diez esculturas de aluminio pintado. Creado entre 1980-1983. Su construcción se llevó a cabo en la antigua Fundición Lippincott en North Haven, Connecticut.

Los números 0-9 de Robert Indiana. Ubicación: Indianapolis Museum of Art. Diez esculturas de aluminio pintado. Creado entre 1980-1983.

NÚMEROS , 1980-1983. Indianapolis Museum of Art

“The Metamorphosis of Norma Jean (Marilyn Monroe)”, 1998

“The Metamorphosis of Norma Jean (Marilyn Monroe)”, 1998

“Picasso, The American Dream”, 1998 “Cyclops”, 1999

“The Garden of Love”, 1988

"He estado escribiendo durante toda mi vida Cuando estaba en la secundaria o era estudiante de periodismo, tuve mi propio periódico -el periódico más grande de Alaska- Siempre he estado involucrado con las palabras, ocurrió un flujo perfectamente natural." ROBERT INDIANA

En 2004, expone sus “Peace Paintings” surgidas a partir de los atentados del 11-S en Nueva York, es un pintor comprometido con la realidad.

A diferencia de otros representantes del pop art, Indiana ha estado más interesado en la identidad y cultura estadounidense que en los mass media y la cultura del consumo. La principal diferencia con sus coetáneos radicaba en su relación personal con Estados Unidos y con su estilo de vida. Sus obras se basaban en los factores que marcaron la cultura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX: la identidad nacional, la agitación política y social, el estancamiento frente a ella, el auge del consumismo, las presiones de la historia y en definitiva, el llamado sueño americano.

ROBERT INDIANA: Esculturas por amor al arte: Madrid, 2007

Robert Indiana. Esculturas por amor al arte: Madrid, 2007

En 2008, Indiana creó una obra similar a la de LOVE pero con la palabra HOPE dando los beneficios a la campaña del demócrata Barak Obama por una suma de 1.000.000 $.

“Lo accesorio de la vida, el interés por los objetos que hacen más hermosa la existencia, está limitado a determinados estereotipos y marcas. Los objetos del mundo del consumo se convierten en símbolos de una época, hacen historia y forman parte de una nueva cultura de masas. Los pirulíes, los helados, las tartas, el Seven-up, la Pepsi, la Coca-Cola, la pasta de dientes, la sopa en conserva, los cigarrillos y las cajas de cerillas son las insignias de una forma de vida programada para el bienestar y se convierten en la iconografía del Pop Art.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

“El Pop Art rejuveneció por completo el mundo neoyorquino. Significó para las galerías, los coleccionistas, los asiduos a las

exposiciones, la prensa especializada y los impresos de los artistas, lo mismo que los Beatles significaban por aquel entonces para el mundo del disco. ¡Era el deshielo! ‘La

primavera! Aquel maldito Expresionismo Abstracto había sido tan solemne, tan severo: “Vestigios de sensibilidad vulnerada se abren camino dubitativamente por un campo de azul cobalto no siempre propicio” ¿Cómo se puede escribir sobre un asunto tan

monstruoso? El Pop Art, en cambio, es divertido”.

TOM WOLFE: “La palabra pintada”

http://robertindiana.com/http://www.arteseleccion.com/maestros-es/segal-george-30http://www.picassomio.es/george-segal.html http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.html

FUENTES