Paisajes impresionistas que te

transportan a los bosques, campos

y montañas: Miguel Peidro

Hace poco tuve la suerte de conocer las obras de Miguel Peidro, pintor español nacido

en Alicante (1950) y quedé impactada por el realismo de sus paisajes, sus atmósferas, las

hojas de otoño en los caminos y los magníficos reflejos en el agua. Pero lo más

sorprendente para mí eran los trazos espontáneos con los que fueron logrados, unas

fantásticas pinturas impresionistas conseguidas entre pinceles y espátulas manejados

con gran maestría.

Paisaje de un río en la Selva de Irati

Así que tuve la necesidad de hacerle algunas preguntas, y por suerte Miguel Peidro con

gran amabilidad aceptó de inmediato concederme una entrevista para compartirla contigo

y el resto de lectores del blog.

Como en todas las entrevistas, te insto a que no busques detalles “paso a paso” de cómo

pintar algo, sino que leas la profundidad del mensaje que nos transmite el artista.

Entrevista al pintor español Miguel

Peidro

¿Cómo encontraste tu estilo particular de pintar?, ¿Te

costó mucho tiempo desarrollarlo?

El estilo lo vas adquiriendo con el oficio, primeramente tienes un referente, algún

artista con el que te identificas a la hora de trabajar, después hay que dar el salto

e intentar hacer algo que te identifique, pero sobre todo, con lo que estés a gusto.

El tiempo depende de la “pasión” que le pongas.

¿Siempre has pintado paisajes o alguna vez exploraste

otros temas como retratos, bodegones, etc.?

Sobre todo en los comienzos, es bueno “picar” en todas partes, de esa manera vas

definiendo lo que te gusta, en mi caso he probado incluso la abstracción, eran

tiempos de juventud en donde quedaba muy bien ser un artista moderno, la verdad

es que duró poco esa andadura, sentí que me estaba engañando y que no era yo.

He experimentado diferentes formas de trabajo pero más que nada para probarme

a mí mismo y como superación.

¿Cómo es en general tu proceso de inspiración y

composición de la obra?

Viajo mucho, busco zonas en donde sé que voy a encontrar lo que me gusta,

Pirineos, Alpes, Picos de Europa. Cuando estoy en estos lugares, hago largas

caminatas y dejo que el paisaje me seduzca, puede ser un recodo de un rio, un

atardecer en una cumbre, o un fantástico bosque en otoño. Llevo, mis pinturas y

mi cámara, depende del momento y la hora, puedo hacer apuntes rápidos, (lo

mejor para aprender a pintar) y con la cámara capturo momentos fugaces, que

después plasmo en el estudio. En definitiva, un poco de todo.

Paisaje de la Font Roja, en Alcoy

¿Utilizas algún medio especial para pintar y modificar

la apariencia, consistencia y/o tiempo de secado, por

ejemplo recetas con barniz dammar o trementina

veneciana, medios alquídicos como liquin, aceleradores

del secado, etc, o incluso si óleos alquídicos?

He utilizado todo lo que pones en la pregunta, es bueno probar para ver

resultados, empezar con acrílicos y terminar con oleo, trabajé con alquídicos, que

te dan un rápido secado, y de todo me he quedado con lo tradicional: las primeras

capas con trementina, médium de secado rápido y barnizado final de la obra.

Es bueno probar nuevos materiales, pero la experiencia me ha enseñado que

cuando descubres algo novedoso en la forma de trabajar, tienes un tiempo de

euforia al pensar que has descubierto algo nuevo, pero en mi caso acabo

regresando a la forma tradicional de trabajar.

¿Tienes algún pincel o espátula que consideres

fundamental para poder lograr los efectos maravillosos

en tus paisajes? ¿Cuáles?

En ese tema hay un poco de “tópico“, puedes pensar que por el hecho de utilizar

costosos pinceles, los trabajos saldrán mejor. Cada pintor tiene sus preferencias,

yo incluso utilizo pinceles escolares, y no lo hago por su reducido precio, sino

porque con ellos consigo lo que quiero en determinados momentos. Dependiendo

del momento en el proceso de la obra, utilizo pinceles de cerda, de oreja de buey

o espátula, tengo unas 20 y solo utilizo una.

Algo que me cautiva bastante de tus cuadros es la forma

como resuelves el tema del agua, cómo logras plasmar

lo reflejos y transmitir el tipo de agua que es, por

ejemplo de un río, de un lago en calma, de un río

pedregoso y poco profundo, el agua de la lluvia en un

camino, etc. ¿Qué pistas nos puedes dar al respecto para

lograr aproximarnos a estos resultados?

Bueno, es difícil de explicar, el agua es como un espejo que refleja lo que hay

arriba, pero al mismo tiempo combinado con lo que hay abajo, piedras, ramas,

etc. Cuando son aguas calmadas, intento reflejar las tonalidades del paisaje. Un

bosque en otoño no puede reflejar unas aguas azules. Si las aguas son bravas, no

reflejan nada y su color puede ser blanco, dependiendo del lugar donde el agua

rompe con las piedras. Una de las cosas más importantes que debe de aprender

un pintor, más que saber pintar, es saber observar, como el cirujano que

disecciona, el pintor tiene que mirar con ojos de pintor, o sea, diseccionar el

paisaje en colores.

¿Qué nos puedes hablar sobre tu paleta de colores?.

Cuando aprendes a pintar, un buen ejercicio es trabajar con los tres colores

básicos, además del blanco y negro. Yo utilizo diferentes tonalidades en los

colores, separándolos por cálidos o fríos. Tengo un color que considero

“especial” su nombre es –Amarillo de India- y no todas las casas que lo fabrican

consiguen el resultado especial de ese color. El origen de ese color es la orina de

camello, y lo que lo hace diferente es su transparencia, es un amarillo que carece

de cuerpo, pero que es ideal para mezclarlo con otros y así conseguir tonalidades

cálidas, sobre todo en arboles otoñales.

¿Utilizas veladuras u otro tipo de retoques para dar

algunos detalles a las pinturas?

No los suelo utilizar

¿Cómo logras pintar en algunos cuadros colores tan

intensos conservando la elegancia, la armonía y tan

hermosos contrastes?

Los colores no son extravagantes, el lugar en donde los colocas….si puede serlo.

Intento jugar con grises como fondo, para destacar colores intensos en primeros

planos, de todas maneras, es uno de los temas difíciles, siempre tienes miedo de

“pasarte” al enfatizar colores.

Has definido tu forma particular de usar la espátula

como “temperamental” y que “rompe el

academicismo”, ¿nos puedes ampliar un poco sobre

ello?

Es un proceso al que denomino “del caos, al orden” trabajo en el comienzo muy

temperamental, utilizando brochas gordas y espátula, para terminar, colocando

todo en su sitio. Un trabajo con oficio se puede copiar, con tiempo y paciencia, un

trabajo con pasión y temperamento, es más difícil de copiar.

La espátula, es una herramienta más, se utiliza para dar toques de viveza. Solo es

una herramienta que sirve para realzar, dar soltura, conseguir volumen etc.

¿Cuáles son los mayores errores que los principiantes

cometen al pintar en este estilo de pintura?

Yo continúo cometiendo muchos errores. Para mí el error más grande es pensar

que lo haces bien, ese error bloquea tu evolución. Tienes que ser consciente de

que te encuentras en el peldaño de una escalera, si miras abajo humildemente

veras, que has subido algunos peldaños, pero si miras arriba veras cuan larga es

la escalera. Además de esto, se fiel a ti mismo, haz lo que verdaderamente te

apasiona, olvida modas y tendencias, y sobre todo… disfruta con lo que haces,

pintar es un don divino.

¿Qué consejo le das a los artistas emergentes que

quieren lograr exponer sus obras en salones o galerías

pero no encuentran respuesta positiva?

Cuando hablamos de galerías, hablamos de intereses comerciales, no quiero decir

con esto que a mí no me interesa, estoy exponiendo con asiduidad en mi país y en

el extranjero. Para que una obra sea aceptada en una galería y además tengamos

la posibilidad de venderla, el secreto está en encontrar el equilibrio entre lo que

te gusta a ti, y lo que le gusta al público, si haces algo que a ti te gusta mucho,

pero que evidentemente no llega y no transmite nada… mejor cambia. Las

primeras exposiciones tienen que servir como referente de qué es lo que gusta más

de tu obra, de un total de 25 obras, seguro que unas pasarán inadvertidas y otras

tendrán mucha más aceptación, eso te tiene que indicar por donde debes caminar.

¿Cuál es la lección más importante que ha marcado tu

carrera como pintor?

Más que lección, después de 40 años pintando, recuerdo los momentos de mi

juventud, donde la abstracción era ser moderno, y me tentaba el continuar por ese

camino. Decidí hacer lo que verdaderamente sentía, tuve discusiones, rechazos

etc. Ahora estoy orgulloso de mi decisión.

¿Cuál es el objeto, la textura o el tema más difícil de

pintar para ti?

Yo separo las cosas como, bien hechas o mal hechas. Todo tema, bien hecho tiene

su dificultad, paisaje, retrato, marina etc. Tengo compañeros que hacen

maravillosos retratos y los envidio por su forma de trabajar, lo bonito es, que ellos

envidian mi forma de tocar el paisaje. Creo que es bueno centrarse en lo que

sientes, sea paisaje u otra temática y profundizar, exprimir sacar todo lo que

puedas en la temática que te gusta.

¿Cuál es el pintor clásico, moderno o contemporáneo

que más admiras?

Admiro y me siento insignificante ante Maestros como Sorolla, Joaquin Mir,

Ramón Casas, y la mayoría de Maestros de el siglo IX

¿Qué consejo final le das a nuestros lectores, que a

menudo son principiantes o aficionados, para llegar a

un nivel profesional?

Creo que con todo lo que he puesto más arriba, tendrán suficiente. De todas

maneras, animarlos, no es fácil, pero es hermoso, al principio puede parecer que

nadie te comprende, no hagáis caso de falsos aduladores, familiares etc. Un buen

ejercicio cuando montéis una exposición en un lugar que no os conozcan, es

mezclarse entre la gente como un espectador más, escuchareis las opiniones

sinceras, igual duele… pero con el dolor se aprende. Un abrazo sincero a todos

los colegas.

A continuación, te presento algunas imágenes del pintado de un mural que el artista nos

compartió, para mostrarnos gráficamente la descripción que hace de su propio proceso:

Sigo un proceso al que llamo” del caos al orden” voy combinando pincel y

espátula, en el caso de la espátula, quiero romper el academicismo, soltarme, y

hacer de mi trabajo algo mas temperamental, con vida propia. En cuanto al

manchado, es el primer paso del proceso, al que llamo ” dibujar con color” y al

igual que en la cocina, hay que conocer los tiempos de secado o “cocción” para

continuar con los siguientes procesos.

Si deseas ver otros trabajos del pintor, puedes visitar su sitio

web: www.miguelpeidro.com

Espero que hayas podido extraer de esta entrevista su esencia porque lo que nos ha

compartido Miguel Peidro es una ayuda para seguir adelante con el propósito de lograr

grandes resultados en la pintura al óleo, para dejar los temores y no dejar que factores

externos obstaculicen nuestro camino.

Déjame tu comentario si te gusta este tipo de pintura de paisajes impresionistas al óleo

y con espátula y sobre lo que más te gustó de la entrevista. ¡Hasta pronto!

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