Libro de animadores

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FACULTAD DE ARTES 2013 Libro de Animadores Por: Cecilia Valentina Quiroz Ramírez I MAGEN Y A NIMACIÓN D IGITAL

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Page 1: Libro de animadores

FACULTAD DE ARTES

2013

Libro de Animadores

Por: Cecilia Valentina Quiroz Ramírez

I M A G E N Y A N I M A C I Ó N D I G I T A L

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2

Libro de Animadores

Cecilia Valentina

Quiroz Ramírez

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3

Flipbook…………………………………………………………………………………….5 Persistencia Retiniana……………………………………………………………………..6 Aparatos de animación……………………………………………………………………7 Edward Muybridge…………………………………………………..……………………8 Emile Reynaud……………………………………………………………………………..9 Georges Melies……………………………………………………………………………10 Emile Cohl………………………………………………………………………………...11 J. Stuart Blackton……………………………………………….………………………...12 Winsor McCay………………………………………….………………………………...13 Quirino Cristiani…………………………………………………...……………………..14 Pat Sullivan……………………………………………………………………………….15 Otto Messmer……….…………………………………………………………………….16 Lotte Reinigers……………………………………………………………………………17 Tony Sargs………………………………………………………………………………...18 Max Fleischer…………………………………………………………………………….19 Walter Lantz……………………………………………………………………………...20 Walt Disney……………………………………………………………………………….21 Berthold Bartosh………………………………………………………………….………22 Bill Nolan………………………………………………………………………………….23 Chuck Jones……………………………………………………………………………….24 Friz Freleng……………………………………………………………………………….25 Oskar Fischinger………………………………………………………………………….26 Robert Emerson…………………………………………………………………………..27 Shamus Culhane………………………………………………………………………….28 Ubbe Ert Iwwerks………………………………………………………………………...29 William Hanna……………………………………………………………………………30 Tex Avery…………………………………………………………………………………31 John Hubley……………………………………………………………………………....32 Joseph Barbera……………………………………………………………………………33 Ray Harryhausen…………………………………………………………………………34 Jules Engel………………………………………………………………………………...35 Norman Mclaren…………………………………………………………………………36 Peter Foldes……………………………………………………………………………….37 Heinz Edelmann………………………………………………………………………….38 Jiri Trnka………………………………………………………………………………….39 Manuel García Ferré……………………………………………………………………..40 Osamu Tezuka……………………………………………………………………………41 Ralph Bakshi……………………………………………………………………………...42 Richard Williams…………………………………………………………………………43 Terry Gillian………………………………………………………………………………44 Don Bluth………………………………………………………………………………….45

Índice

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4

Carlos Carrera……………………………………………………………………………46 René Castillo……………………………………………………………………………...47 Bill Meléndez……………………………………………………………………………..48 Ricardo Adrián Lozoya………………………………………………………………….49 Guillermo del Toro……………………………………………………………………….50 Rodolfo Riva Palacio……………………………………………………………………..51 12 Principios Básicos de Animación……………………………………………………53 Personaje…………………………………………………………………………………..59 Hemerografía…………………………………………………………………………..…62

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5

FLIPBOOK

Flipbook es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente

de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente,

las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son

ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y

emplear una serie de animaciones.

Son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película

cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de

movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En

lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el

mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también

ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la

forma normal de verlo es teniendo el flipbook con una mano y pasar las páginas

con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de

pulgar que refleja este proceso.

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6

PERSITENCIA RETINIANA

La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter

Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana

una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios,

esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes

ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un

objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de

imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve

con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las

imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola

imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y

provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo

(generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en

televisión se da 25 fotogramas por segundo).

Quienes le asignan algún valor a la persistencia retiniana se basan en argumentos

débiles como estos: "El ojo hace que cualquier imagen vista se grabe en la retina

por un corto tiempo (durante aproximadamente 0,1 segundos). Por ejemplo, al

colocar un objeto frente a la vista y retirarlo rápidamente, cualquier persona que

estuviera mirándolo lo seguirá viendo, porque el cerebro retiene la impresión de la

luz. Esta impresión es notoria al mirar por un momento una fuente de luz como el

sol y luego apartar la vista." Una revisión de este argumento nos lleva a la

conclusión de que si se superpusieran en la retina diversos estímulos visuales

entonces el resultado no sería movimiento sino a lo sumo la mezcla o confusión de

dichos estímulos dando lugar a imágenes borrosas

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APARATOS DE ANIMACIÓN

Praxinoscopio: Uno de los primeros aparatos de

animación, similar a un zoótropo, que usa espejos en

vez de rendijas.

Rotoscopio: Un instrumento que permite que el

animador tracé metraje en vivo cuadro por

cuadro.

Taumatropo: Un disco plano con un dibujo

diferente en cada lado. Cuando se hace girar el

disco, los dibujos aparentan combinarse. Un

ejemplo común es uno con un ave en un lado

y una jaula en el otro.

Zoótropo: Un cilindro vacio que contiene una cinta de papel con imágenes

secuénciales. Cuando se pone a girar el cilindro, las imágenes son vistas por

rendijas separadas por una distancia fija y parece que se están moviendo.

Page 8: Libro de animadores

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EDWARD MUYBRIDGE

Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward

James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador

nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el

9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando

emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de

mayo de 1904. Sus experimentos sobre la

cronofotografía sirvieron de base para el posterior

invento del cinematógrafo.

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California.

Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central

Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante,

durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el

suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de

Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California.

Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central

Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante,

durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el

suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de

Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.

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9

EMILE REYNAUD

Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de

diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918)

fue un inventor y pionero del cine de animación francés

que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en

1877. Patentó una mejora considerable de su invento en

1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique

(Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la

película, como medio de arrastre mecánico. Sus

proyecciones estaban sincronizadas con música

compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas

humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en

conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual

dotado de argumento.

Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por

cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un

tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en

todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó

este sistema con el nombre de praxinoscopio.

Películas de animación

Un bon bock (1888)

Clown et ses chiens (1892)

Pauvre pierrot! (1892)

Rêve au coin du feu (1895)

Autour d'une cabine (1895)

Películas cinematográficas

Guillaume Tell (1896)

Le premier cigare (1897)

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GEORGE MELIÉS

Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero

de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso

por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos

en los albores de la cinematografía. Méliès, un

prolífico innovador en el uso de efectos especiales,

descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue

uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples

exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las

disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados

a mano. Gracias a su habilidad para manipular y

transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un

«mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje

imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio

Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del

cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su

temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la

industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto

con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue

declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

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EMILE COHL

Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un

dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de

1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938.

Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.

Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en

las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo,

juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.

También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor

dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista.

Era uno de los clientes asiduos de los cabarets

parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue

miembro del club literario Les Hydropathes.

Son 36 metros de película que cambiaron la historia y alumbraron el camino para

muchos otros dibujantes que, a partir de entonces, soñaron con realizar grandes

películas de dibujos animados. He aquí esta pequeña joya, Fantasmagorie.

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J . STUART BLACKTON

James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la

invención de Edison dan inicio a la historia de la

animación en los EEUU. La animación como animación

ya había sido experimentada antes, en américa Blackton

se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el

mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones

y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon

imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya

habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros

rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en

un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al

final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous

Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa.

James Stuart Blackton el artista de vodevil unido

a la invención de Edison dan inicio a la historia de

la animación en los EEUU. La animación como

animación ya había sido experimentada antes, en

américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a

él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara

para realizar apariciones y desapariciones (un

primigenio efecto especial)crearon imagénes

fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya

habia aparecido realizando su acto de dibujar

rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado

"el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas

formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la

primera película animada en américa.

La animación americana debe sus principios a J. Stuart Blackton, un cineasta ingles

que creó la primera película animada en América. Antes crear dibujos animados,

Blackton era un artista de vodevil conocido como "El Komikal Kartoonist." En su

acto, él dibujaba caricaturas rapidamente.

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13

WINSOR MCCAY

Zenas Winsor McCay, conocido como

Winsor McCay (Woodstock, Ontario,

Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva

York, 26 de julio de 1934) fue un historietista

estadounidense, uno de los más importantes

de la historia del cómic, autor del clásico

Little Nemo in Slumberland. Fue también

un destacado pionero del cine de

animación, muy influyente en autores como

Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el

dinosaurio.

Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906),

historia en la que los estornudos del pequeño

Sammy producen inimaginables catástrofes. La

temática onírica aparece, al año siguiente, en uno

de sus trabajos más recordados, Dreams of a

Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las

desmadradas pesadillas de un impenitente

aficionado a las fondues de queso.

La calidad de su trabajo llamó la atención de James Gordon Bennett, de la New

York Herald Co., a instancias del cual McCay se trasladó a Nueva York y comenzó

a colaborar en las publicaciones de Bennett, el New York Herald y el Evening

Telegram. Para estas cabeceras realizó una gran cantidad de cómics, entre los que

pueden citarse Dull Care, Poor Jake, The Man From Montclair, The Faithful

Employee, Mr. Bosch, A Pilgrim's Progress, Midsummer Day Dreams, It's Nice to

be Married y Sister's Little Sister's Beau, entre otros. Para sus cómics del Evening

Telegram utilizaba el seudónimo Silas.

Como uno de los importantes historietistas de la historia, Winsor McCay

estableció, anticipándose al cine, el moderno lenguaje visual de planos y raccords,

además de destacar como notable pionero de los dibujos animados. Tan sólo cinco

años después de La interpretación de los sueños de Freud, su emblemática serie

Little Nemo relata el mundo onírico de un niño e incorpora al cómic la estética

modernista del art déco.

Page 14: Libro de animadores

14

QUIRINO CRISTIANI

Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 −

Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y

director de animación italiano radicado en Argentina

responsable de los dos primeros largometrajes de

animación y del primer largometraje de animación

sonoro del mundo.

En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el

italiano Federico Valle (que poseía un estudio

cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar

caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.1

Ante la indicación por parte de Valle que no

admitiría imágenes fijas en sus filmaciones,

Cristiani debió idear una manera de darle

movimiento a sus dibujos. Con estas

influencias fue que desarrolló las técnicas de

la animación, que le permitieron realizar en

1917 el primer largometraje de dibujos

animados de la historia, El apóstol. El

largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la

cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el

film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo),3

además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso

de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras

Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.4

En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un

episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba,

referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino

alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban

el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las

excusas del Imperio Alemán.

Page 15: Libro de animadores

15

Pat Sullivan

Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero

de 1933) fue un productor australiano,

conocido por la producción de los

primeros cortos mudos de el gato Félix.

Es un tema de disputa quien creó al

personaje, él o el animador Otto

Messmer. Félix fue el personaje

animado más popular hasta los años

1930, cuando los distribuidores de

Sullivan cancelaron su contrato ya que

se negó a trabajar en el cine sonoro.

Sullivan lo pensó nuevamente y en

1933 anunció que el personaje

regresaría con sonido, pero murió un

año después del inicio de la producción.

En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la

violación de una niña de 14 años de edad.

Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.

Page 16: Libro de animadores

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Otto Messmer

(16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de

1983) fue un animador estadounidense,

conocido por su trabajo en los dibujos

animados y tiras cómicas de el gato Félix,

producidos por el estudio de Pat Sullivan. El

grado de participación de Messmer en la

creación y popularidad de Félix es motivo de

disputa, debido particularmente a que

demandó su importancia luego de la muerte

de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.

Page 17: Libro de animadores

17

Charlotte Reiniger

Charlotte Reiniger (2 de

junio de 1899 Berlín-

Charlottenburg, Imperio

Alemán - † 19 de junio de

1981 Dettenhausen, RFA)

fue una cineasta alemana

(posteriormente

nacionalizada británica),

famosa por sus películas de

animación con siluetas,

especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926).

En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y

fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la

agencia de publicidad Pinschewer contrató a varios animadores abstractos durante

la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de

imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia

onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época,

Reiniger se convirtió en le centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores

alemanes.

En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen,

admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje.

Page 18: Libro de animadores

18

Anthony Sarg

Anthony Sarg, el Titiritero Americano

(American Puppeter) aunque quiso la historia

que al igual que Alfred Stieglitz, su país de

origen fuera Alemania, pero es en los Estados

Unidos donde tiene el honor de hacer una de

las primeras animaciones en la técnica del

recorte, estas, de seguro fueron inspiradas

acaso por lo que un año antes proyectara

Wilies O´Brien que participo en el grabado de

la animación 10000BC bajo la firma de Edison.

En todo caso, lo más sobresaliente de Tony

Sarg, quiere la historia, que desde 1928 se contrato a este emblemático de las

ARTES en pequeño para que realizara los globos gigantes que con la figura de

personajes de la cultura de masas el Almacén Macy´s estableció como una

tradición del día de Acción de Gracias en Nueva York, así es, esos globos gigantes

que vemos hoy fueron desarrollados en un principio por este genio de las ARTES y

MEDIOS modernos.

Page 19: Libro de animadores

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Max Fleischer

Max Fleischer (Cracovia, 19 de

julio de 1883 – Los Ángeles, 11

de septiembre de 1972) fue uno

de los pioneros en la creación de

dibujos animados. Es el creador

de Betty Boop y Koko el payaso,

y quien llevara al cine a Popeye

y al Superman animado.

También se encargó de realizar

unas cuantas innovaciones

tecnológicas.

Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para

usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917.

Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.

En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y

cortometrajes.

Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de

sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.

Hizo los primeros dibujos animados

con sonido de la historia en 1924

usando un proceso de

sincronización de Lee De Forest.

Aunque la compañía Disney se lo

adjudica a su corto Steamboat

Willie, que fue realizado años más

tarde.

Su hijo Richard Fleischer se dedicó

al mundo de la dirección de cine.

Page 20: Libro de animadores

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Walter Benjamin Lantz

Walter Benjamin Lantz (Nueva

Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899

– Burbank, EE. UU., 22 de marzo de

1994) fue un caricaturista y animador

estadounidense, conocido por fundar

Walter Lantz Productions y crear al

Pájaro Loco.

Walter Lantz nació como Walter

Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899

en Nueva Rochelle en una familia de

inmigrantes italianos, sus padres

fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri,

Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por

correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz

fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente,

este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación.

Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo

del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el

garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka

además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American,

su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el

periódico, se dedicó a la escuela de arte.

Page 21: Libro de animadores

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Walter Elias Disney

Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de

diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de

diciembre de 1966) fue un productor, director,

guionista y animador estadounidense. Figura

capital del cine de animación en los Estados

Unidos y en todo el mundo, es considerado un

icono internacional gracias a su influencia y sus

importantes contribuciones a la industria del

entretenimiento estadounidense durante gran

parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano

Roy O. Disney la compañía Walt Disney

Productions,1 que años después se convirtió en

la más célebre productora del campo de la

animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y

entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de

The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000

millones de dólares.2

En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como

productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador

de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de

animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la

que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa

carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total

de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo

convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.

Page 22: Libro de animadores

22

B. Bartosch

En 1932, el checo Berthold

Bartosch realizó L'Idée, La idea,

un corto eminentemente

político, radical y

revolucionario, que presenta a la

idea como algo que no puede ser

destruido, a pesar de

persecuciones o dogmatismos.

Realizado a base de pinceladas

gruesas y sombras arriesgadas,

resaltadas por el uso del blanco

y negro. Dura media hora, con

partitura de Arthur Honegger,

uno de los compositores de la

vanguardia musical francesa de

ese tiempo. Utiliza técnicamente

el principio de la animación por

sustracción de fotogramas, que

también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel

recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que

simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte

Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el

corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la

Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

Page 23: Libro de animadores

23

Bill Nolan

William "Bill" Nolan (June

10, 1894 – December 6,

1954) was an Irish-

American animated

cartoon writer, animator,

director, and artist. He is

best known for creating

and perfecting the rubber

hose style of animation

and for streamlining Felix

the Cat. From 1925 to

1927, he worked on a

loose animated

adaptation of George Herriman's Krazy Kat for Margaret J. Winkler and from 1929

to 1934, worked as an animator, storyman, and director at the Walter Lantz Studio

on the Oswald the Lucky Rabbit series.

Page 24: Libro de animadores

24

"Chuck" Jones

Charles Martin "Chuck" Jones (Spokane

(Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del

Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un

animador, caricaturista, guionista, productor y

director estadounidense, siendo su trabajo más

importante los cortometrajes de Looney Tunes y

Merrie Melodies del estudio de animación de Warner

Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el

estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos,

Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.

Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el

estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con

el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva

serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado.

Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y

otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.

Page 25: Libro de animadores

25

Friz Freleng

Isadore "Friz" Freleng (21 de

agosto de 1906 –26 de mayo

de 1995) fue un animador,

caricaturista, director y

productor estadounidense

conocido por su trabajo en las

series animadas de Warner

Bros. como Looney Tunes y

Merrie Melodies. Introdujo

varias de las estrellas más

importantes del estudio, como

Porky Pig, Piolín, El gato

Silvestre, Sam Bigotes y

Speedy Gonzales. Fue el

director del estudio Termite

Terrace de Warner, incluso se

convirtió en el más premiado

de los directores, ganando

cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963,

Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que

producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años

1980.

Page 26: Libro de animadores

26

Oskar Fischinger

Oskar Fischinger (22 de junio de

1900 - † 31 de enero de 1967) fue

un pintor, animador y realizador

de cine alemán. Sus obras se

caracterizan por ser abstractas,

donde combina la geometría con la

música. En la Alemania de Hitler

se lo consideró a su arte

degenerado, y así se exilió a

Estados Unidos, llegando a

Hollywood en febrero de 1936.

Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso

un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no

recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía,

pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a

pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al

óleo.

Page 27: Libro de animadores

27

"Bob" Clampett

Robert Emerson "Bob" Clampett

(8 de mayo de 1913 – 4 de mayo

de 1984) fue un animador,

productor, director de cine y

titiritero estadounidense

conocido por su trabajo en la serie

animada Looney Tunes de

Warner Bros. y el programa de

televisión Time for Beany.

Clampett mostró un interés por la

animación y los títeres cuando era

joven, mientras vivía en Los

Ángeles.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como

afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado

con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la

pequeña empresa de Disney no permitió esto. Aun así, consiguió trabajo en el

estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series

Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó

para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió

lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio,

Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

Page 28: Libro de animadores

28

James "Shamus" Culhane

James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un

animador, director y productor de cine

estadounidense.

Trabajó para numerosos estudios de animación,

incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt

Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras

estaba en Disney, fue uno de los principales

animadores de Blancanieves y los siete enanitos,

trabajando en una de las escenas más famosas de la

película: la animación de los enanos marchando al

ritmo de la canción "Heigh-Ho". Tiempo después,

Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro

Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane

Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados

para televisión.

Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se

transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Culhane

escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to

Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que

Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía

entrega una amplia

descripción sobre la

industria de la

animación

estadounidense.

Page 29: Libro de animadores

29

Ubbe Ert Iwwerks

Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks

(Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 –

Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un

animador estadounidense, famoso por su

trabajo con Walt Disney.

Su familia procedía de Frisia Oriental, en la

Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe

Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en

1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero

("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en

Estados Unidos) por el más sencillo de Ub

Iwerks, con el que es conocido.

Conoció a Disney cuando ambos trabajaban

para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él

ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada

"Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos

trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva

empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación,

Iwerks le siguió. De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo

característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos

animados de Mickey Mouse.

Page 30: Libro de animadores

30

Tex Avery

Frederick Bean Avery (conocido como Tex

Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 -

26 de agosto de 1980) fue un animador,

dibujante, y director estadounidense, famoso

por producir dibujos animados durante la

edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo

más significativo para la Warner Bros. y los

estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o

desarrollando plenamente los personajes del

Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo

McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly

Willy. Su influencia se extiende a casi todos

los estudios desde los años 40 y 50 hasta la

actualidad.

El estilo de Avery rompió el molde del

realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite

del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas

con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus

trabajos hicieron eso muy a menudo.

Aunque Tex Avery no vivió para experimentar el renacimiento de la animación de

los tardíos 80s, su trabajo fue redescubierto y comenzó a recibir la atención y las

alabanzas extensas de la comunidad moderna de la animación y de las películas.

Su influencia se refleja fuertemente en caricaturas modernas tales como “Roger

Rabbit”, Ren y Stimpy, Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Freakazoid, los

Simpsons, Tom y Jerry Kids Show o en el personaje del Genio en Aladdin de

Disney. De hecho, el vaquero protagonista de The Wacky World of Tex Avery lleva

su nombre y su trabajo se ha honrado en

programas tales como The Tex Avery Show

y Cartoon Alley. Sus personajes

(particularmente Bugs Bunny y aquellos de

Red Hot Riding Hood) aparecieron en la

película de Jim Carrey La Máscara.

Page 31: Libro de animadores

31

John Hubley

John Hubley fue el director artístico general

de la UPA desde su creación, después de

verse obligado a dejar la Disney por

participar a finales de los 40 en la huelga

que los trabajadores le hicieron a esa

empresa por mejoras salariales, este artista

laboró allí en varios largometrajes que van

desde Blanca Nieves y los 7 Enanitos hasta

Fantasía, en la cual llegó a dirigir la parte

titulada The Rite of Spring.

Hubley vio en la UPA la posibilidad de

hacer cortos animados que no fueran los del

gato persiguiendo al ratón y que tuvieran

diseños mas novedosos los personajes y los

fondos de películas.

La cinta The Dover Boy de Chuck Jones le sugirió que la clave estaba en la

semianimación.

Crea en 1949 a Mister Magoo inspirado

en un tío cegato, el artista consideraba

que trabajar personajes fijos limitaban

sus posibilidades creadoras y le entrego

este protagonista a otros directores de la

compañía para que continuaran

narrando historias en futuros cartoons.

Cuando desapareció la UPA, otros

Studios hicieron Show para la television

con Magoo y otros personajes

secundarios que lo acompañaban en sus

primeros cartoon.

Page 32: Libro de animadores

32

Joe" Barbera

Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue

un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense.

Cofundó junto a William Hanna el

estudio de animación Hanna-Barbera

(luego absorbido por Warner Bros.

Animation y convertido en Cartoon

Network Studios tras la muerte de

Hanna en 2001). El estudio creó dibujos

animados los cuales obtuvieron mucha

popularidad, tales como Tom y Jerry,

The Huckleberry Hound Show, Los

Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-

Doo.

Hanna y Barbera ganaron siete premios

Óscar y ocho premios Emmy. Sus

personajes se han convertido en íconos

de la cultura popular y han aparecido

en otros medios como películas, libros y

juguetes. Las series de televisión

creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas.

En 1940 Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje Puss Gets the Boot,

protagonizado por un gato gris llamado Jasper y un ratón de color café. La cinta

fue nominada a un premio Óscar en la categoría mejor cortometraje animado.

Barbera se unió nuevamente con William Hanna con el objetivo de producir

dibujos animados para televisión y cine.23 Ambos tenían diferentes habilidades que

utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos,

mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la animación, elaboración de

guiones y elección de empleados.

Page 33: Libro de animadores

33

William Hanna

William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22

de marzo de 2001) fue un dibujante, director,

animador y productor de cine y televisión

estadounidense.

Tras desempeñarse en varios trabajos

esporádicos durante la crisis económica, se

integró al estudio de animación Harman-Ising

en 1930. Su participación en dibujos animados

como Captain and the Kids le permitió obtener

una mayor experiencia y notabilidad en la

industria. En 1937, mientras trabajaba en

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a

Joseph Barbera. Ambos comenzaron a

colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o

algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se

convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al

producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los

Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo

y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12

millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.

El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy, y sus dibujos animados se

convirtieron en

íconos

culturales.

Page 34: Libro de animadores

34

Ray Harryhausen

Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de

juniode 1920 - Londres, 7

de mayo de 2013) fue un

técnico en efectos

especiales y productor

cinematográfico estadouni

dense.

Era especialmente conocido

por su estilo en la técnica

de animación stop motion.

Algunos de sus más

notables trabajos son El

gran gorila en 1949 (junto

a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos

visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los

argonautas en 1963 yFuria de titanes en 1981.

Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.

Ray Harryhausen creador de monstruos. Exposición comisariada por Asier

Mensuro que se celebró en la Fundación Luis Seoanede La Coruña del 20 de julio

al 25 de setiembre de 2011. En ella se reflexionaba sobre la figura de la

monstruosidad vista a través de las creaciones de este creador de efectos especiales

cinematográficos, mostrándose más de 100 dibujos originales, 25 muñecos

articulados, storyboards, etc. La exposición además, ponía en relieve el trabajo de

Ray Harryhausen en España, mostrándose el trabajo de directores artísticos

españoles que participaron en sus películas como Fernando González o Gil

Parrondo.

Page 35: Libro de animadores

35

Jules Engel

Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6

de septiembre de 2003, Simi Valley, California)

fue un dibujante y animador estadounidense

de origen húngaro.

Sus obras son en general abstractas,

coreografías de figuras geométricas en

movimiento.

Compositores de música han visto un trabajo

similar al musical en sus composiciones

visuales.

Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney

FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en

dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba

sus pinturas.

Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se

unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en

cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A

finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental.

Además hizo varios documentales sobre otros artistas.

En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo,

hacía litografías, y además

utilizaba otros medios. Vivió un

tiempo en París, donde se llevaba

bien con artistas como Man Ray.

Fue el fundador del programa de

animación experimental en el

instituto de Arte de California Cal

Arts. Allí tuvo como alumnos a

importantes animadores de la

actualidad.

Page 36: Libro de animadores

36

Norman McLaren

Norman McLaren (Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de

enero de 1987) fue un animador y director de cine canadiense de origen escocés

reconocido por sus

trabajos en el National

Film Board of Canada.

Estudió diseño en la

escuela de arte de

Glasgow, donde

comenzó a

experimentar con el

cine y la animación.

Luego de terminar sus

estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en

1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado a

Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y

enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más

famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo

incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.

Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte

mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por

sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la

película, incluso la banda sonora.

Page 37: Libro de animadores

37

Peter Foldes

Nacido en Budapest Pedro Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas

húngaros (otra fue la película compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando

con su compatriota John Halas en películas

de animación de este último después de

mudarse a Gran Bretaña en 1946. Después

de salir de Halas, Foldes hizo una serie de

películas de animación en colaboración con

su esposa británica Joan (nacido en 1924), a

partir de la alegórica “Génesis animados”

(1952), “más de cerca” (1953) y “Una visión

corta” (1956).

“Una visión corta” se convirtió en uno de los

más influyentes películas británicas de

animación jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como

parte del popular show de Ed Sullivan. Aunque los niños se les aconsejó salir de la

habitación mientras se juega, todavía causa indignación y alarma con su

representación gráfica de los horrores de una guerra nuclear. En la película, las

criaturas salvajes huyen en el terror como un misil extraña sobrevuela. A su paso

por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios mirar hacia

arriba. La explosión de misiles, la destrucción de los seres humanos, criaturas

salvajes y la Tierra misma. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde

mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la guerra fría y la paranoia

nuclear.

Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en un pionero en la

animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de

Investigación de la ORTF. Es uno de los pioneros de la animación por ordenador

con su película “El hambre”, que recibió el Premio del Jurado en el “corto” en la

categoría del Festival de Cannes, así como una nominación al Oscar.

Page 38: Libro de animadores

38

Heinz Edelmann

Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles

“Yellow Submarine”,

Edelmann nació en 1934, en la

antigua Checoslovaquia y

estudió en la Academia de

Bellas Artes de Dusseldorf,

una de las instituciones más

progresistas de la Alemania

de postguerra.

Acabados sus estudios, hacia

1958 comenzó a trabajar como

diseñador freelance,

ilustrador, animador y profesor en Alemania, Gran Bretaña y Holanda. Siempre en

solitario –“Fui mi propio director de arte, ilustrador, diseñador, maquetador y

también barrí el suelo e hice el café”- realizó carteles para la Westdeutscher

Rundfunk (WDR) (Radiodifusión de Alemania Oeste), publicidad para la agencia

Putz, cubiertas de libros para la editorial Klett-Cotta de Stuttgart, así como un buen

número de ilustraciones para publicaciones, entre las que hay que citar el

periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung y la mítica revista Twen, dirigida por

Willy Fleckhaus. A él se deben, asimismo, las imágenes de la primera edición

alemana de El Señor de los Anillosde Tolkien y Curro, la mascota de la Expo de

Sevilla 92.

Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha

encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de

Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la

imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con

otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser.

Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en

‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e

imaginación”.

Para Glaser, además, fue “uno de los diseñadores más brillantes que produjo

Europa en el último siglo. Fue un profesional prodigioso y diestro en todos los

aspectos del diseño, la tipografía y la ilustración”.

En opinión de Chwast, su trabajo fue “el más fresco y el más libre de cuantos

ilustradores he conocido”.

Page 39: Libro de animadores

39

Jiri Trnka

Trnka fue un animador dedicado a

los films en 3D. No os fiéis del

concepto actual de 3D, que

automáticamente relacionamos con

la imagen hecha por ordenador tipo

"Toy Story". Las tres dimensiones

en la animación también existían

antes. Ultimamente, gracias a las

gallinas de Aardman, de "Rebelión

en la granja" el público en general a

redescubierto una forma de

animación que ha renacido de sus

cenizas: la plastilina. No me negaréis que las figuras de plastilina son figuras en

3D... Pues bien, si se pueden hacer figuras de plastilina y animarlas, también sirve

coger cualquier muñeco hecho de otro material y animarlo. De hecho, Trnka decía

que cualquier objeto puede protagonizar una animación. El nombre de la técnica

de animación utilizada en estas obras es "stop motion". Es un laborioso trabajo de

animación en que el movimiento se graba fotograma a fotograma. Requiere de una

gran dosis de meticulosidad y, sobre todo, una paciencia infinita. Otro punto más

para valorar el trabajo de animadores como Trnka.

La animación con muñecos arraigó de una manera especial en el país de origen de

Trnka, la antigua Checoslovaquia, gracias a la existencia de una tradición de

manufacturación artesanal de muñecos folklóricos. Por eso mismo, la mayoría de

los films realizados por estos animadores tenían como hilo argumental alguna

historia del folklore popular del país. El estilo de este tipo de animación quedó así

impregnado de una riqueza ornamental y un cuidado de los detalles, tanto de los

muñecos como de los decorados que aún no ha sido superado. El barroquismo y el

detallismo, unido a la sensibilidad melancólica e irónica de los checos dieron como

resultado unas obras claramente reconocibles.

La mayoría de estos films parecen estar dirigidos principalmente a un público

infantil, aunque los temas que tocan, de manera siempre indirecta, son bastante

adultos. Detrás de las marionetas y la rica ambientación barroca y decorativista de

las historias, se esconden reflexiones que van desde la violencia a la política más

dura, pasando por el sexo.

Page 40: Libro de animadores

40

Osamu Tezuka

Fue un dibujante de historietasy animador japonés, al que a menudo se le llama el

"padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?),

debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con

el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story

manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el

desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para

la edición de manga.

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su

estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con

su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede

encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han

sido traducidas a

decenas de lenguas,

entre ellas el español. La

ternura y el profundo y

sincero humanismo que

imprimió a sus

personajes han dejado

una huella indeleble,

haciendo de él un autor

universal capaz de

traspasar culturas.

Incluso los ojos

desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la

historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Tezuka fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes

de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. Creó su propia

empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados

de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos versiones más en años

posteriores). Luego vendríanJanguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no

Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no

impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a

cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.

Page 41: Libro de animadores

41

Manuel García Ferré

Manuel García Ferré nació el 8 de octubre de 1929 en Almería, España. En 1947

llegó a Argentina, y la animación era su principal fuente de ingresos, a través de

centenares de cortos publicitarios (incluso, el personaje de "Anteojito" junto a su tío

"Antifaz", comenzó como una campaña publicitaria más, ya que escalaban el

Aconcagua con carpas "Cacique", cocinaban con "Aceite Cocinero" y tomaban mate

con yerba "Nobleza Gaucha").

En 1952 García Ferré realizó para el semanario infantil Billiken (de Constancio

Vigil), su primer comic: Pi Pío, el cual se desarrollaba en un pueblo llamado Villa

Leoncia, y donde aparecerían por primera vez Oaky e Hijitus. García Ferré solía

agregar el sufijo "itus" al final de los nombres de los personajes (por ejemplo

"Pichichus") como una manera de superar el karma que le provocó los varios años

que estudió latín en la escuela. En 1959 decidió crear su propia empresa de

publicidad de dibujos animados, desde donde creó cientos de jingles. Creó su

propia editorial, y, ya en el año 1964, creó la "Revista Anteojito". También hizo una

enciclopedia para niños y jóvenes (El

Libro Gordo de Petete), y lanzó otras

revistas ("Muy Interesante" y "Ser

Padres Hoy").

García Ferré realizó, debido al éxito

de sus personajes, episodios

semanales televisivos de la serie

animada "Hijitus" (fue la primera

serie de dibujos animados de la

Argentina, y se extendió desde el año

1967 hasta 1974). Además, en las décadas de 1970 y de 1980, realizó otros

programas de TV con diversos personajes, como ser "Calculín y la familia", "El

libro gordo de Petete" y "El club de Anteojito y Antifaz". Efectuó, además, una serie

de largometrajes cinematográficos: "Mil Intentos y un Invento" (1972, reestrenada

en 2001 con nueva banda sonora y nuevo título: "Anteojito y Antifaz: Mil Intentos

y un Invento"), "Las aventuras de Hijitus" (1973), "Petete y Trapito" (1975), "Ico, el

caballito valiente" (1981), "Manuelita la tortuga" (1999, reestrenada en 2005, basado

en el personaje de María Elena Walsh), "Corazón, las alegrías de Pantriste" (2000) y

"Soledad y Larguirucho" (2012).

Page 42: Libro de animadores

42

Ralph Bakshi

Ralph Bakshi (n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938)

es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la

animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi

intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el

gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera

adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía

heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sidoCool World (1992), que mezcla

imagen real con dibujos animados.

Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato

Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de

la Segunda Guerra Mundial.1 2 Creció en Brooklyn y fue a la "High School of

Industrial Art". Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación

de Terry Toons en New Rochelle,

coloreando personajes comoSuper

Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó

como director creativo de los estudios

CBS, donde creó los Mighty Heroes.

En 1967 la Paramount lo llamó para

producir y dirigir largometrajes

como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz

el gato, etc. Este último fue escrito y

dirigido por él en 1971. A partir de ahí

Bakshi dirigió varios largometrajes

como Heavy Traffic en 1973, Street

Fight en 1975 y Wizards en 1977.

En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del

clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado

por Disney para animar personajes ultra-realistas.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música

americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave

Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi

Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983),

colaborando con Frank Frazetta.

Page 43: Libro de animadores

43

Richard Williams

Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es

un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado

como director de animación en la

película ¿Quién engañó a Roger

Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la

cual no fue terminada. Además

animó algunos créditos de

películas; sus trabajos más

importantes son los créditos

de What's New,

Pussycat? (1965), The Charge of

the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los

créditos de dos de sus películas.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego

en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios

animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró

a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su

carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante

los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la

película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador

del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación

en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su

trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película

de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de

Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público

más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de

20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras

el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner

Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en

1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien

estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que

ejercía la película de Disney Aladdín. Completion Bond completó la animación en

Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert.

Page 44: Libro de animadores

44

Terry Gilliam

Terry Vance Gilliam (n. 22 de

noviembre de 1940) es un actor y director

de cine británico nacido en Estados Unidos.

Fue uno de los miembros del grupo

humorístico Monty Python.

Gilliam nació en Medicine Lake,

Minnesota, en los Estados Unidos, y

estudió Ciencias Políticas en el Colegio

Occidental de California. Más conocido por

las animaciones, en las que recortaba

fotografías y las volvía surrealistas, que por

los papeles raros que realizó (papeles

siempre secundarios). De entre sus

personajes más conocidos destaca Patsy, el

escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a

cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la

temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.

Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el

tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el

tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los

sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen,

El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor

Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

Page 45: Libro de animadores

45

Don Bluth

Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas,

el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante,

animador y director de cine estadounidense,

dueño de un estudio de animación

independiente y conocido sobre todo por ser el

creador de numerosas películas de dibujos

animados, destacando entre ellas títulos como

NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby

(1982), En busca del valle encantado (1988) o

Anastasia (1997).

Don Bluth fundó su estudio de animación, Don

Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente

ya había trabajado para The Walt Disney

Company. La primera película en la que había

trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de

animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no

volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los

equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el

dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus

compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la

competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación.

El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada

Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de

la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el

mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de

taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.

Page 46: Libro de animadores

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Carlos Carrera

Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México,

18 de agosto de1962) es un director, guionista y

animador mexicano, cuatro veces galardonado con

el Premio Ariel.

En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la

copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda

edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios

de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su

estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en

1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine

Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial

mexicano, en salas de la capital del país.

Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio

Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme,

Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los

primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el

suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde

obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera

en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a

María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron

galardonadas.

Fue presidente de la AMACC durante el periodo 2010-2012.

Page 47: Libro de animadores

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René Castillo

René Castillo Rivera es

un animador mexicano

especializado en la

técnica del stop-

motion, con la que ha

realizado cortometrajes

como Sin Sostén y

Hasta los huesos. Ha

ganado más de 50

premios

internacionales y una

nominación a la Palma

de Oro en Cannes.

Nació en el Distrito

Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio

comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente.

Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el

cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al

Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la

dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).

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Bill Meléndez

(José Luis Cuauhtémoc

Meléndez, Hermosillo, de

Sonora, 15 de noviembre de

1916 - Santa Mónica, de

California, 2 de septiembre

del 2008) fue un animador,

director de cine y productor

cinematográfico mexicano-

estadounidense, conocido

por sus dibujos animados

de Warner Brothers y por la

serie Charlie Brown: en esta última, hacía la voz de Snoopy y la de Woodstock.

Meléndez fue educado en escuelas públicas en Douglas (Arizona), y más tarde en

el Chouinard Arts Institute (que se convertiría después en el California Institute for

the Arts).

En 1938, Walt Disney empleó a Meléndez para trabajar en cortometrajes animados

y en películas como Bambi, Fantasía, y Dumbo.

Después se unió al equipo de Leon Schlesinger en los estudios de Warner Brothers.

Como miembro de los equipos de Bob Clampett y Art Davis, animó numerosos

cortometrajes de Bugs Bunny y del Pato Lucas. UPA (United Productions of

America) lo incorporó a su nómina en 1948, y con esa compañía trabajaría en

muchos programas publicitarios, incluidos los de Gerald McBoing-Boing y

Madeline.

Después de un decenio con las dos casas productoras, Meléndez fundó su propia

compañía en 1964: Bill Melendez Productions, que presentó al público A Charlie

Brown Christmas, programa especial de navidad radiodifundido anualmente, por

el que ganó un Premio Emmy y un premio George Foster Peabody a pesar de tener

que trabajar con poca anticipación y con un presupuesto escaso. Meléndez doblaba

la voz de Snoopy, personaje que normalmente no habla en los especiales.

Meléndez conoció a Charles Schulz en 1959, cuando era director de animación de

una serie de anuncios para el coche Ford Falcon. En breve y autorizado por

Schultz, Meléndez sería el único animador de los personajes de Carlitos.

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Ricardo Adrian Lozoya

Ricardo Adrian Lozoya, cuyas siglas

son RAL, estudió Ingeniería en

Sistemas Electrónicos en el

Tecnológico de Monterrey. Desde niño

ha sido un gran fan de las series

japonesas y la animación en general.

Sus primeros trabajos fueron, como

los de muchos otros, pequeños comics

basados en Dragon Ball y otras caricaturas que veía en su infancia. Al salir de la

prepa empezó con sus primeras animaciones en flash, creando a su primer

personaje, Ral, un niño que vivía diversas aventuras en la ciudad de Chihuahua y

que es una obvia alusión a él mismo de niño.

RAL logró un buen éxito con sus primeras animaciones, pero dicho éxito seguía en

el underground de internet. Sin embargo, fue gracias a las colaboraciones que tuvo

con Mentes Enfermas que muchos conocimos la página de Raltoon y nos

enamoramos de las aventuras del pequeño Ral. Y a pesar de que la dupla Rulo-

RAL logró consolidarse fuertemente dentro del género de la comedia animada por

internet.

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Guillermo del Toro Gómez

Guillermo del Toro Gómez (n.

Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de

1964) es un director, guionista y

novelista mexicano, galardonado con

el Premio Goya y varias veces con el

Premio Ariel.

Del Toro empezó a filmar en México

desde adolescente, cuando estaba en el

Instituto de Ciencias, en la ciudad de

Guadalajara. Pasó diez años en diseño

de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el

productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival

de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998

su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago

de un rescate, Del Toro decidió mudarse al extranjero y actualmente vive en Los

Ángeles (Estados Unidos).

Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de

películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas

de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la

Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen

dictatorial del General Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto

del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y

temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un

régimen fascista o dictatorial).

Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a

sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y

fantásticas.

Guillermo del Toro tenía planeado lanzar un videojuego con la compañía THQ

titulado INSANE, un juego de supervivencia como Silent Hill. Se esperaba que el

lanzamiento se produjera a mediados de 2013, pero el 6 de agosto de 2012 el

proyecto fue cancelado por la misma THQ. El 6 de enero de 2013, Guillermo del

Toro declaró que el proyecto seguía en pie y que estaba en negociaciones con «una

compañía grande» que financiaría la publicación del juego.

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Rodolfo Riva Palacio Alatriste

Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales,

unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un

modo humorístico e irreverente.

El tipo de humor utilizado es de

un estilo muy particular

mexicano: pícaro, burlón y con

una buena medida de doble

sentido; y se hace burla de

estereotipos como el borracho,

el macho mexicano, el político, y

muchos otros. Entre las

animaciones más populares se

encuentran: Los Poeta Huevos,

Los Huevos Rancheros, Los

Huevos Bongó y Los Huevos

Ahogados.

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12 PRINCIPIOS BÁSICOS DE ANIMACIÓN

1.- -ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech)

Consiste en la compresión y estiramiento del objeto animado sin que varíe su

volumen aparente. Está en función del peso y del material del que esté formado. Se

trata de la estilización visual de un fenómeno físico: la inercia. Si un objeto está en

estado de reposo y le imprimimos un movimiento, la tendencia del objeto será la

de permanecer en el estado inicial reposo, por efecto del peso; si por el contrario se

le intenta detener, la tendencia del objeto será la de seguir en movimiento, con

mayor fuerza cuanto mayor sea su peso.

2.- -ANTICIPACIÓN (Anticipation)

En animación, la acción ocurre normalmente por tres etapas: La preparación para

el movimiento, el movimiento en sí mismo y la prolongación de la acción. A la

primera parte se la conoce como Anticipación y es la parte más importante de todo

el movimiento. En algunos casos la anticipación es necesaria físicamente. Por

ejemplo, antes de poder lanzar una pelota, hay que echar el brazo hacia atrás. El

movimiento hacia atrás es la anticipación, el lanzamiento en sí mismo es la acción y

el brazo bajando y el cuerpo rotando seria la prolongación

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3.- -PUESTA EN ESCENA (Staging)

Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el

ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes al

espectador. La Postura es la presentación de una acción o elemento de manera que

se entienda con facilidad. En general, se presenta un elemento de acción cada vez.

Si ocurren demasiadas cosas a la vez, la audiencia dudará hacia dónde mirar y la

acción estará saturada. Algo clave para determinar una buena postura es la silueta.

Lo que significa que una pose, un objeto o un personaje puede ser interpretado

incluso en una silueta en blanco y negro.

4. - -ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose)

Son dos los métodos usados para crear animación. La animación Directa es uno de

ellos y es donde el animador anima un cuadro tras otro, ordenadamente. Por

ejemplo, el animador crea el primer cuadro de la animación, después el segundo, y

así sucesivamente hasta que la secuencia de animación deseada esta completa. Esta

forma de animar tiende a crear animación más libre, pero puede dar dificultades a

la hora de controlar y ajustar el tiempo, algo de suma importancia a la hora de

animar.

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5.--ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping

action)

La acción continuada, Es el procedimiento para terminar o cerrar adecuadamente

una acción. Si un objeto se detiene, la parte principal es la primera en alcanzar el

reposo, luego le seguirían los elementos secundarios. En la acción superpuesta,

movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del

personaje. Se trata de ligar unas acciones a otras buscando una fluidez y evitando

el efecto robot.

6. - -FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out)

La entrada o salida lenta en una clave tiene que ver con la aceleración o

deceleración gradual de un objeto al llegar o salir de una clave. Un objeto (p. ej. un

brazo) debe ir frenándose según se aproxima a un cuadro clave (Easy In) o

empezar a moverse gradualmente desde el estado de reposo (Easy Out).

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7.- -ARCOS (Arcs)

Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando

una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en

trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas. Habitualmente se

utilizan líneas curvas y arcos para guiar el trabajo de intercalado con el fin de que

los movimientos sean fluidos.

8.- -ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action)

La acción secundaria es la acción como consecuencia de la acción o movimiento

principal. Por ejemplo si movemos la cabeza, como consecuencia de ese

movimiento el pelo se moverá. O si movemos la cabeza de un personaje con orejas

grades, lo más probable es que esas orejotas también se muevan. Esta acción

secundaria aporta interés, atractivo y quizás realismo al personaje y por lo tanto a

la animación. Debe ser realizada de manera que se note pero que no sobrepase a la

acción principal.

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9.- -SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)

Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción.

Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo

y las sensaciones de escalas y tamaños. Es la velocidad que tarda una acción en

desarrollarse. Influye en la apariencia de peso que tiene el objeto animado.

10.- -EXAGERACIÓN (Exaggeration)

La exageración se utiliza para acentuar una acción. Se debe utilizar de forma

cuidadosa y equilibrada, no arbitrariamente. Hay que encontrar el objetivo

deseado de una acción o secuencia y qué partes necesitan ser exageradas. El

resultado será que la acción parecerá más realista, entretenida y destacada.

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11.- PERSONALIDAD (Appeal)

Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad

del personaje, que sea coherente con sus movimientos. Es un término que los

anglosajones utilizan para describir aquello que tiene una apariencia atractiva a la

vista. Un movimiento no tiene appeal si en apariencia estorpe o rígido.

12.- -MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS 3D, SOLID DRAW 2D

Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía

en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el

balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a

personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas

al alinear los personajes con la cámara.

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PERSONAJE

MISTY DAY

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Perfil psicológico del Personaje

* Solitaria

* Positiva

* Excéntrica

* Ama la naturaleza

* Impulsiva

* Sensible

* Inteligente

* Despreocupada

* Desaliñada

* Joven

Capacidades:

Misty day, es una bruja que tiene la capacidad de devolverle la vida a seres

humanos así como curarlos. Es muy amable y le gusta ayudar a los demás, pero así

como tiene el poder de revivir también tiene el poder de arrebatar la vida.

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HEMEROGRAFIA

http://www.oscars.org/educationoutreach/teachersguide/animation/pdf

/anim_sp_act1.pdf

www.wikipedia.com