Introducción al Lenguaje Fotográfico

Josué Rodríguez (Jos )

Elementos básicos de la fotografía1. Selección de la informaciónEl motivo que se desea captar

2. Composición 2.1 Determinación del encuadre y dirección 2.1.1 Picado 2.1.1 Contrapicado 2.1.3 Cenital 2.1.4 Curva 2.1.5 Horizontal 2.1.6 Vertical 2.1.7 Diagonal 2.2 Ley de los tercios 2.3 Ley del horizonte 2.4 Ley delos ojos o mirada 2.5 Líneas 2.5.1 horizontales 2.5.2 verticales 2.5.3 diagonales 2.5.4 convergentes

Manuel Álvarez Bravo

Ensayo fotográfico

Picado Es cuando realizamos una toma desde una posición más alta que el elemento fotografiado, desde arriba hacia abajo.

Foto de prueba

ContrapicadoEs cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.

Foto de prueba

Cenital

Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.

Foto de prueba

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Juan RulfoFoto de estudio

Horizontal: sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo.

Gabriel Figueroa

vertical: sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado normalmente para retratos

Manuel Álvarez Bravo

Diagonal o Inclinado: transmite dinamismo y fuerza suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía.

Foto de estudio

La regla de los tercios

La “regla” más básica de la composición en fotografía. Hay estudios que se remontan a la época de la antigua Grecia (año 500 a.c.) en los que ya se habla de las proporciones que dan más armonía a una escultura, una obra pictórica o incluso un edificio.

A lo largo del tiempo todos los artistas han buscado una forma de división de las cosas perfectas pero no había nada que indicase en qué proporción debían estar las cosas (seres vivos, objetos…). Ahora sabemos que existe una fórmula muy conocida en el mundo del diseño, que permite dividir el espacio en partes iguales, para lograr un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy eficaz. Esta teoría se denomina “La regla Áurea”, también conocida como “divina proporción” o “numero áureo”.

A este número se le llama número de oro, se representa por el símbolo Ø y su valor es 1,61803…, lo obtuvieron los griegos al hallar la relación entre la diagonal de un pentágono y el lado. El nombre de “número de oro” se debe a Leonardo da Vinci.

La aplicación de la sección áurea en la fotografía viene a decir que si aproximamos los objetos más importantes a la sección áurea de los lados obtendremos una imagen más llamativa y equilibrada.

La regla de los tercios es la forma sencilla de aplicar la sección áurea a la fotografía.

Para aplicar la regla de los tercios dividimos hipotéticamente el espacio de una foto en tercios tanto vertical como horizontalmente y haremos que las líneas y los elementos más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios. Así, los horizontes y los elementos más importantes de una foto los colocaremos en los tercios.

En el siguiente ejemplo podemos ver la diferencia de la misma escena tomada con el objeto principal centrado y ajustándose a un tercio. La toma que está descentrada tiene más fuerza, equilibrio y armonía que la toma que está centrada.

Ley del horizonte Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, tres líneas horizontales de la misma anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de los casos, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.

La regla de la mirada se aplica en fotografías en las que el motivo principal es una persona o animal. La ley de la mirada fija la posición en la que debe encontrarse el objeto en función de la dirección en la que mira.

Líneas convergentes son uno de los elementos visuales más fuertes de los que disponemos en la naturaleza para ayudarnos a dar más interés a nuestra foto. Y si además contamos con varias líneas que conducen al mismo punto, dispondremos de una herramienta infalible para conducir la atención del espectador.

Las líneas horizontales transmiten normalmente sensaciones de estabilidad, calma o descanso. Elementos como el horizonte, el mar, un árbol caído, una persona durmiendo, ... son elementos que dibujan de forma más o menos clara líneas horizontales y que transmiten sensaciones de permanencia, inmutable ante el paso del tiempo, calma.

líneas verticales son capaces de hacernos llegar sensaciones de fuerza y poder (piensa en los edificios de oficinas y rascacielos de las grandes ciudades) y crecimiento (los árboles).

Líneas diagonales: suelen funcionar muy bien a la hora de dirigir la mirada del espectador a través de la fotografía. Crean puntos de interés cuando se produce una intersección con otras líneas y generan profundidad en la imagen sugiriendo una perspectiva.

¿Qué sensación trasmite el encuadre vertical?

¿Cómo obtenemos la proporción aurea?

¿Cómo se identifica el movimiento o flujo en una foto?

¿Cuales son las reglas del horizonte?

¿A que se le llama aire o espacio en una foto cuando se aplica y menciona cundo se omite y por que?

¿Qué entiendes por composición?

¿Qué ofrece el encuadre diagonal a una foto?

¿señala las diferencias de encuadre picado contrapicado y cenital?

¿En que encuadre encontramos la sensación de calma menciona tres ejemplos que muestre esta?

¿ Qué importancia tienen las líneas convergentes?

El término cámara deriva de camera, que en latín significa ‘habitación’ o ‘cámara’.

Johannes Kepler (1571-1630) acuña la frase 'cámara oscura' por primera vez en un tratado de 1604. Define el concepto de cámara oscura, que será la base de su invento del telescopio.

La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un minúsculo orificio en una de las paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orificio proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. Aunque la imagen así formada resultaba invertida y borrosa, los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara. Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida.300 a.c.

Inicio de la fotografía

Cámara obscura Siglo XVIII

Remitirse a los antecedentes de la fotografía es hablar de la cámara oscura. Posiblemente nunca se sabrá con precisión quién y cuándo descubrió la cámara oscura; pero sí es posible asegurar que antes de ser utilizada para realizar imágenes fotográficas, fue considerada como una herramienta útil para profundizar en el conocimiento.

En un principio fue utilizada por observadores de la naturaleza, experimentadores y alquimistas con intereses empíricos o científicos. Esto permitió que con el paso del tiempo se lograra perfeccionar de tal manera que, después de varios siglos de una presencia casi imperceptible, con algunas modificaciones y nuevos aditamentos se convirtiera en una de las herramientas indispensables para la obtención de imágenes fotográficas.

Fue en la antigua Grecia donde surgió la preocupación por encontrar una explicación del fenómeno lumínico. Esto condujo a los filósofos a observar los efectos de la luz en todas sus manifestaciones. Aristóteles sostuvo que los elementos que constituían la luz se trasladaban de los objetos al ojo del observador con un movimiento ondulatorio. Para comprobar su teoría, construyó la primera cámara oscura de la que se tiene noticia en la Historia, describiéndola de la siguiente manera:

"Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero, se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente".

Una de las paradojas de la historia de la fotografía tuvo lugar en el siglo VI d. C., cuando el alquimista árabe Abd-el-Kamir descubrió una emulsión fotosensible, aunque nunca la aplicó a la cámara oscura que ya existía porque no tenía conocimiento de ella.

"Cuando la plata es fundida, quedan en el fondo del recipiente unas partículas pequeñas de color plomizo. Si estas partículas se toman y se mezclan con resina animal, se obtendrá una solución espesa que deberá ser vaciada en un recipiente donde la luz no penetre.

Luego, en la más completa oscuridad, una plancha metálica podrá ser impregnada de dicha solución quedando lista para registrar los contornos de cualquier objeto que sobre ella se coloque cuando se exponga (la plancha) a los rayos del sol."

Por su parte, el mago Merlín (539 d.C.) justamente en la misma época utilizaba la cámara oscura con fines estratégicos y de observación en la guerra que sostuvo el rey Arturo contra los sajones. En sus escritos se habla de la necesidad de utilizar el "cuerno de unicornio" para hacer el orificio de entrada de luz en ella.

En el tiempo en que se difundió el uso de este aparato, la magia era una práctica que se mezclaba con el estudio de los fenómenos naturales, por lo que al relacionar al unicornio con la cámara oscura ocasionó que durante siglos ésta recibiera el nombre de "caja mágica".

Pero no fue sino hasta la segunda mitad del siglo XV cuando se volvió a tener noticia de la cámara oscura a través de Leonardo da Vinci, quien redescubrió su funcionamiento y le adjudicó una utilidad práctica por lo que se le ha otorgado el crédito de su descubrimiento.

El italiano Leonardo da Vinci y el alemán Alberto Durero emplearon la cámara oscura para dibujar objetos que en ella se reflejaban. A partir de ese momento se utilizó como herramienta auxiliar del dibujo y la pintura, extendiéndose rápidamente en Europa.La cámara oscura renacentista tenía las dimensiones de una habitación. Esto fue necesario para que el pintor pudiera introducirse en ella y dibujar desde su interior lo que se reflejaba.

Durero, Máquina de retratar, 1535

Para lograrlo, colocaba un papel translúcido en la parte posterior, justo enfrente del orificio por el que pasaba la luz.

Es importante recordar que la formación de la imagen es invertida, por lo que el dibujante debía ser muy hábil para hacer las correcciones necesarias al copiar la imagen sobre el papel.

Cámara oscura portátil de Kircher, 1646

Para conseguir que la imagen se formara era necesario que el orificio fuera muy pequeño, de lo contrario la calidad de la imagen no podía ser muy nítida ni detallada.

En el siglo XVI un físico napolitano, Giovanni Battista Della Porta, antepuso al orificio una lente biconvexa (lupa) y con ella obtuvo mayor nitidez y luminosidad en la imagen. A partir de este avance varios científicos se dedicaron a perfeccionarla.

Esta aportación fue fundamental para el desarrollo de la fotografía, ya que marcó el principio de lo que hoy conocemos como el objetivo de la cámara, el cual permite la captura de imágenes a diferentes distancias y ángulos obteniendo como resultado imágenes nítidas y luminosas.

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista Della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

Cronología

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se podían fijar las imágenes.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.El fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por Gilles Louis Chretien, despertó en la burguesía francesa el apetito por la iconografía. Faltaban pocas décadas para la invención de la fotografía.

1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar imágenes.

Plaza de San MarcosCanaletto

Según el teórico Hockley, la historia del arte se divide en el antes y el después del uso de la cámara oscura, porque para él muchos artistas usaban estas cámaras para buscar más realismo en sus obras. Por ejemplo, se sabe que Caravaggio usó la cámara oscura y Vermeer pudo usarla, pero no se ha confirmado.

Vermeer

Caravaggio

Por otro lado, los primeros avances para conseguir efectos por la luz se dan en la década de los 20 con Schulze, que descubre que el nitrato de plata ennegrece por la luz (por ejemplo, si ponemos nitrato de plata y la mano, la zona de la mano quedará blanca y lo demás negro).

Hay también otros inventos a parte de este, pero no vinculados con fotografía: siluetas (con luz y dibujo posterior), el fisionotrazo (a finales del siglo XVIII por Chrétien; es un dibujo hecho a mano pero sacado de un mecanismo que saca los puntos básicos del retratado), la cámara lúcida (que es una máquina para dibujar; consiste en lentes que te permiten ver dos imágenes: retrato y papel).

En 1819 Herschel descubre el hiposulfito (o “hipo”), que permite detener este proceso de ennegrecimiento por la luz. Con esto, no se quería crear la fotografía, sino que eran simplemente experimentos químicos.

Etapas de la historia de la fotografía

En 1827, Niépce conoció, a través de los ópticos parisinos Chévalier, al investigador, empresario y pintor de decorados Louis Jaques Mandé Daguerre. Este distinguido dandy tenía instalado en París un famoso espectáculo ilusionista, el Diorama, donde se mostraban maravillosas panorámicas tridimensionales construidas a base de lienzos pintados e iluminados con gran destreza. Consumado experto en el manejo teórico y práctico de las leyes ópticas, rápidamente se interesó por los experimentos del mucho más provinciano y reservado Niépce. Este, al principio desconfiado, acabó firmando en 1829, anciano ya y obligado por las deudas, un contrato con Daguerre para perfeccionar y explotar juntos el procedimiento.

Joseph Nicéphore Niépce: científico, inventor y fotógrafo francés, nació en el año 1765 y murió en 1833,

Louis Jacques Mandé Daguerre: Daguerre, Louis Jacques Mande (1789-1851) Inventor de origen vasco, nació en Cormeilles (París).

William Henry Fox Talbot: Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico.

Frederick Scott Archer's: Nace en 1813 Gran Bretaña, dedicado en principio al grabado y la escultura Julia Margaret Cameron: Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylán el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India).

Nadar, Gaspar Félix Tournachon: Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo .

Roger Fenton: Fenton nació en 1819 en Lancashire, Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del siglo XIX.

George Eatsman: George Eatsman nació en 1854 Waterville (Nueva York), inventor con el famoso lema Usted apriete el botón que nosotros hacemos el resto.

Joseph Nicéphore Niépce

HELIOGRAFÍA. Helios es sol y graphos es dibujar. Se documenta ya en 1815 por Niepce. El sistema era con una placa en cobre cubierta de betún de Judea disuelto en aceite de lavanda. Luego se exponía y se revelaba con aceite de lavanda y petróleo.Con ello, se creaba una imagen única y positiva, del mismo tamaño que la placa de cobre usada. Lo empleó para reproducir grabados y para meter la placa en una cámara (que denominó “punto de vista”).La primera fotografía conservada en la historia de la fotografía es el Punto de vista desde una ventana de Gra de 1826.

Joseph Nicéphore NiépcePrimera fotografía registrada? 1826

Primera fotografía? manto de Turín Leonardo Da Vinci

Estas heliografías tenían una imagen no muy nítida (que luego se experimentó para mejorarla) y se criticó que estas fotografías no tenían mucho realismo (luces no veraces, porque el betún de Judea tardaba mucho en estabilizarse).

DAGUERROTIPO. Daguerre será el hombre de negocios en la asociación con Niépce, que era el inventor. Su éxito reside en que da más nitidez, más cercano pues a nuestra fotografía.

En 1829 los dos firman para diez años esta asociación pero a los cuatro muere Niépce y Daguerre consigue los derechos del invento, que lo presenta en 1837 y en 1839 en la Academia de Francia (inicio formal de la fotografía).

El gobierno francés se quedará con la patente y la regala a la humanidad, mientras que Daguerre se dedicará a vender las cámaras.

Lo que hace Daguerre es mejorar el procedimiento y para hacer sus daguerrotipos usará placas de cobre con plata en una cara. Luego se sensibiliza con vapores de yodo y luego se metía en cámara donde se exponía a la luz. Más tarde se revelaba con vapores de mercurio y se fijaba con agua salada o hiposulfito de sosa. (“hipo”).

Daguerre se encontró con las manos libres para mejorar el invento de cara de su futura comercialización. Durante años trabajó en su laboratorio químico en pos de la fórmula ideal, hasta que, en 1837, realizó el experimento definitivo. Pulió una placa de cobre recubierta de plata hasta que estuvo brillante como un espejo y sin rastro alguno de residuos químicos. A continuación colocó dicha placa, que tenía un formato de 16 x 21 centímetros, sobre una caja llena de yodo, de manera que los vapores que ascendían se iban fundiendo con la plata hasta formar yoduro de plata fotosensible. Inmediatamente después introdujo la placa en una cámara oscura y la expuso: en virtud de una sencilla reacción química y proporcionalmente a su intensidad, la luz convirtió el yoduro en plata.

Louis Daguerre Daguerrotipo de 1837

Al principio no se veía nada en absoluto, pero al tratar la placa con vapores de mercurio comenzó a surgir lentamente la imagen. Por ultimo, en una habitación a oscuras, Daguerre lavó la placa expuesta en una solución fuerte de sal común para eliminar los restos de yoduro de plata. Así quedó, por fin, fijada la imagen.No obstante, para observarla había que hacer gala de una cierta destreza. La amalgama de plata blanquecina reproducía las zonas claras de la foto, mientras que la superficie pulida reproducía las zonas oscuras. Por eso, para reconocer las zonas oscuras había que sostener la plaza orientada hacia un fondo negro, pues de lo contrario la luz reflejada sobre el espejo plateado deslumbraba al observador y eliminaba los contrastes. En consecuencia, siempre guiado por su olfato publicitario, Daguerre lo llamó “espejo con memoria”, y lo embaló en un elegante cajón almohadillado.

Había llegado la hora de pensar en los negocios. Como primera medida concluyó un nuevo contrato con los herederos de Nicéphore Niépce, donde se estipulaba que el nuevo proceso llevaría exclusivamente el nombre de daguerrotipia, obviando del todo el apellido de su inventor original. Después convenció al gobierno francés para que le comprara la cesión de los derechos a cambio de una renta vitalicia de 6.000 francos anuales. Y finalmente, el 19 de agosto de 1839, hizo la presentación oficial de su método “para fijar la imagen de cualquier objeto”. El magno evento tuvo lugar en la Academia de Ciencias de París, desbordante de científicos, artistas, técnicos, periodistas y curiosos en general, tanto nacionales como extranjeros. La conferencia levantó tanta expectación y fue tan concurrida que cientos de invitados tuvieron que seguirla desde la calle.

A partir de ese momento, considerado por muchos historiadores como el nacimiento oficial de la fotografía en el año de 1839, el nuevo arte comenzó su irrefrenable avance. Los periódicos divulgaron la noticia del milagro por todo el mundo; ni los mas modestos querían escatimar la sensacional nueva a sus lectores. Todo el mundo quería sacar sus propios puntos de vista, como llamaba Niépce a sus fotografías. El mismo Daguerre, asociado a su cuñado Giroux, empezó a fabricar y vender cámaras de daguerrotipia, junto con todos los accesorios pertinentes. Paralelamente surgieron cientos de talleres artesanales que también producían cámaras y placas, cuyos negocios se veían asaltados por una multitud de compradores, a pesar de que los equipos salían bastante caros.

Y no sólo el precio resultaba un inconveniente. Así cada placa debía ser preparada una por una utilizando productos químicos tóxicos y malolientes, por no mencionar la enorme dificultad de fotografiar personas a causa de los larguísimos tiempos de exposición. Algo ayudaban grandes espejos con los que se focalizaba la luz solar sobre el rostro de la victima a retratar, la cual debía permanecer completamente quieta durante largos minutos para no salir movida. Un cronista de 1841 relata así la tortura que sufrir en el estudio del primer fotógrafo profesional de Londres, Richard Beard: “Sentado en una rara silla provista de un soporte para la cabeza, tuve que quedarme inmóvil durante ocho minutos, soportando una luz que me deslumbraba y con las lagrimas surcando mis mejillas. Mientras tanto, el fotógrafo recorría la habitación con el reloj en la mano, anunciando el tiempo restante cada 5 segundos”.

En la toma de daguerrotipo la exposición seguía siendo tan larga que se construían soportes disimulados para sostener la cabeza y el resto de los miembros de la persona que posaba evitando así que ésta se moviera. Las fotografías de difuntos los muestran "cenando" en la misma mesa con sus familiares vivos, o bebés difuntos en sus carros junto a sus padres, en su regazo, o con sus juguetes; abuelos fallecidos con sus trajes elegantes sostenidos por su bastón. A veces, agregaban elementos icónicos -como por ejemplo una rosa con el tallo corto dada vuelta hacia abajo, para señalar la muerte de una persona joven, relojes de mano que mostraban la hora de la muerte, etc.

Fotografía Post mortem

La mayoría de los retratos póstumos se caracterizan por los variados artilugios de los que se servían los fotógrafos para embellecer la imagen y despojarla de la crudeza de la muerte, intentaban algún tipo de arreglo para mejorar la estética del retrato. En algunos casos se maquillaba al difunto o se coloreaba luego la copia a mano. Los difuntos, por otra parte, eran sujetos ideales para el retrato fotográfico, por los largos tiempos de exposición que requerían las técnicas del siglo XIX.

Los militares, los sacerdotes o las monjas eran, por ejemplo, usualmente retratados con sus uniformes o vestimentas características. Los niños en ocasiones eran fotografiados con sus juguetes o colocados en su cuna o coche. Con frecuencia se incluía en estas imágenes a los progenitores o hermanos, como una manera de dotar al niño de identidad. La edad del pariente que acompañaba al difunto era el hito temporal que permitía ubicarlo en la historia familiar. Los deudos que posaban junto al muerto lo hacían de manera solemne, sin demostración de dolor en su rostro.

Aunque el sistema de Daguerre fue perfeccionado con posterioridad consiguiéndose placas mucho más sensibles a la luz y objetivos más luminosos, no tardó mucho en aparecer otro proceso que soslayaba el principal inconveniente del complicado método del empresario francés: la imposibilidad de realizar copias. Lo descubrió el físico y matemático ingles William Henry Fox Talbot, a quien se le ocurrió la idea durante unas vacaciones a orillas del lago Como, en el norte de Italia, en 1833. Para entretenerse, llevaba consigo una cámara lúcida, un instrumento óptico inventado a finales del siglo XVIII que servía para ayudar a los pintores a reproducir sus modelos.

Cómodamente instalado en la terraza del hotel, pasaba horas haciendo dibujos del espléndido paisaje que se abría ante sus ojos. Pero, muy exigente consigo mismo, mas tarde comentaría: “En realidad, solo intentaba, desgraciadamente con los mas modestos resultados; ni una sola vista resulto satisfactoria”.

William Henry Fox Talbot

Según la leyenda, Talbot tiró sus lápices y blocs de dibujo y regresó a su casa de Lacock Abbey decidido a construir una máquina que reprodujese la imagen de la naturaleza de forma completa y auténtica. Fue un proceso largo, pero, partiendo del método usado por Thomas Wedgwood en sus heliografías, consiguió desarrollar un todavía primitivo sistema negativo-positivo. Sus esfuerzos se redoblaron a raíz de la presentación oficial de la daguerrotipia en 1839, y en 1841, convenientemente perfeccionado, patentó por fin su invento, al que llamó calotipia (del griego kalós, bello) (al que habían precedido sus dibujos fotogénicos)

Básicamente consistía en lo siguiente: en vez de usar placas pulidas como Daguerre, el soporte fotosensible era un pliego de papel tratado con nitrato de plata, yoduro de potasio y ácido gálico. Una vez expuesto, el papel conteniendo la imagen latente en negativo se revelaba, se fijaba con hiposulfito y se convertía en transparente lavándolo con cera derretida. A partir de este negativo ya se podían hacer copias en positivo que desearan, simplemente colocándolo encima de un papel sensibilizado con nitrato de plata y exponiendo el conjunto a la luz solar durante unos minutos.

No obstante, el procedimiento de Talbot todavía tenía inconvenientes. En el negativo transparente se podían ver los filamentos irregulares del papel, que lógicamente se transmitían a la imagen cuando era positivada. La solución al problema fue propuesta por varios investigadores: extender las sales de plata fotosensible sobre una placa de vidrio. L idea no era mala, aunque muy difícil de llevar a la práctica, porque las sales no se dejaban fijar al vidrio así como así. Se llegaron a ensayar las fórmulas mas estrambóticas, como jugo de frambuesa o mucosidad de caracoles, pero ninguna servia como pegamento. Finalmente lo consiguió otro miembro de la imaginativa familia Niépce. Abel, un primo segundo de Nicéphore, cubrió el cristal con una fina película de clara de huevo (albúmina), logrando así adherir la solución de nitrato de plata.

En vista del éxito el sistema en las placas de negativo, también se comenzó a utilizar la albúmina para fijar la solución fotosensible al papel de positivos. El procedimiento funcionó tan bien que en poco tiempo surgieron fábricas de papel a la albúmina por todas partes. En la factoría más grande del mundo, que se encontraba en Dresden, Alemania, cientos de obreros y obreras cascaban 60.000 huevos diarios.

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban muchas copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades.

La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfa color en 1936.

James Clerk MaxwellPrimera fotografía en color 1861

Uno de los primeros y mas renombrados fotógrafos de instantáneas fue el ingles nacionalizado estadounidense Eadweard Muybridge, que se especializó en la descomposición y el análisis del movimiento de animales y personas, trabajando con tiempos de exposición de centésimas de segundo e incluso menos.

Su estudio más famosos fue El trote de la yegua Sallie Gardner, que realizó disponiendo 24 cámaras a lo largo de la pista de carreras cuyos obturadores eran accionados por cables que rompía la yegua al pasar. La publicación de este trabajo causó una viva polémica, pues por primera vez quedó demostrado que los cuatro cascos del animal quedan suspendidos en el aire por un pequeño lapso de tiempo, desbaratándose las teorías manejadas hasta el momento.

Entre 1884 y 1885, Muybridge realizó más de 30.000 instantáneas de personas y animales en movimiento, que reunió en un libro titulado Animal Locomotion.

Eadweard MuybridgeCaballo en movimiento

Héctor García

Hacia una definición de la fotografía

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografía digital.

Sensor de imagen CCD

El sensor CCD (Charge Coupled Device), dispositivo de carga acoplada. Este sensor es uno de los más comunes y más utilizados en la imagen digital. Proporciona buena calidad de imagen, pero por otro lado su fabricación es muy compleja y costosa, por lo que lo fabrican pocas empresas. Las cámaras digitales que llevan incorporado esta clase de sensor, tienen un coste compra elevado. Esta clase de sensor consume mucha energía.

El funcionamiento del sensor CCD, necesita de un xip externo denominado analog digital converter o ADC, que es el que se encarga de convertir los datos de cada píxel en datos digitales binarios, para que nuestra computadora (ordenador) los pueda leer.

Esta clase de sensor sólo se utiliza para la imagen

Sensor de imagen CMOS

El sensor CMOS (Complementari Metal Oxyde) Semiconductor de óxido de metal.

Esta clase de sensor presenta varias ventajas respecto al sensor CCD. El sensor CMOS no tiene un coste tan elevado debido a que el xip que utiliza no necesita tantos elementos electrónicos como el sensor de imagen CCD.

Otra gran diferencia, es que el xip CMOS puede integrar muchas funciones y procesos, tales como comprimir fotografías, cambio de datos analógicos a digitales, mientras que el CCD, estos procesos se realizan fuera del xip. A su vez también consume mucha menos energía evitando que alcance una temperatura excesiva del mismo, alargando su duración.

El término fotografía, procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.

cámara DSLR (Cámara réflex digital)

El sujeto o la escena es encuadrada y enfocada utilizando un objetivo en un extremo, que dirige los rayos de luz hacia un sensor digital en el otro extremo.

El sensor digital capta la imagen.

En el objetivo, una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que penetra (apertura de diafragma).

Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo que el sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).

Para componer la escena se observa a través de un visor o a través de una pantalla incorporada en la cámara digital.

Para elegir el momento de la exposición posee un botón disparador.

La imagen recogida por el sensor es procesada por un chip y se almacena en un soporte de almacenamiento digital (tarjeta de memoria).

Una batería alimenta la circuitería electrónica durante todo el proceso.

Un fotómetro mide la luz proyectada a través del objetivo para que la cámara pueda calcular la exposición correcta.

Tipos de cámarasLas cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte en que se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película, del tamaño (compactas, bridge, DSLR) o también en función del grado de automatismo (esto más bien en la era analógica en la que había cámaras manuales y cámaras automáticas).

Son las más extendidas por su facilidad de manejo. Son pequeñas y por tanto el tamaño de su sensor también lo es. Es su principal desventaja.

Son ideales para viajar o llevar a cualquier sitio porque caben en un bolsillo.

Aunque cada vez permiten más ajustes con este tipo de cámaras la creatividad es algo limitada.

Aunque algunas llevan un visor, éste suele ser más bien simbólico, y se encuadra utilizando la pantalla.

El uso que se le da a las cámaras compactas es de aficionado.

Cámaras compactas

Es el siguiente escalón en tamaño. A diferencia de las compactas el sensor de este tipo de cámaras es ligeramente superior, lo que supone un aumento en la nitidez y calidad de las fotos, así como en la posibilidad de obtener ampliaciones más grandes sin perder calidad.

Tienen más funcionalidades que las compactas. Las lentes son de mejor calidad y suelen tener un zoom no intercambiable habitualmente con mayor alcance que las compactas.

Algunas tienen visor, también simbólico por no ser réflex (esto se explicará en el tema del visor).

Son cámaras ideales para viajar sin mucho cachibache y que te permiten hacer fotos de buena calidad controlando lo que haces.

El uso que se les da a las cámaras bridge es de aficionado.

Cámaras intermedias o Bridge

El tamaño del sensor es notablemente mayor que en las cámaras bridge. Por tanto la nitidez y calidad de las fotos es claramente superior.

Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de objetivos, dispone de un visor réflex que muestra con mucha precisión el resultado definitivo de las fotos, cuenta con más funcionalidades que te permiten ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el proceso de tomar una foto.

Tienen un sinfín de accesorios y permiten ampliaciones en papel de calidad de un tamaño mayor que en las bridge y las compactas.

Existe una gama muy amplia de modelos DSLR, habiendo mucha diferencia entre los básicos y los modelos profesionales.

El uso que se le da a las cámaras DSLR puede ser de aficionado y de profesional, dependiendo entre otras cosas de la gama (no todo es la cámara).

Réflex o DSLR

Apertura de diafragmaEl diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en la cámara. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o menos luz según sea necesario.

Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma.

La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al siguiente se denomina paso.

La escala de números f típica es la siguiente, aunque no muestra todas las posibilidades, ya que los diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:

La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se duplica o se divide por dos si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.

Es fácil liarse con los números y la apertura. La forma más fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor apertura. Como podéis ver son conceptos inversos.

En función del programa utilizado en la cámara la apertura de diafragma se ajusta automáticamente o puede ajustarse de forma manual.

Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma máxima viene indicada en los objetivos.

para reducir a la mitad el área de un círculo, tenemos que dividir el diámetro de la circunferencia por la raíz cuadrada de 2 = 1.41421356.

Cada una de las sucesivas divisiones que hagamos nos irán dando los números F que aparecen como referencia en los objetivos de nuestras cámaras.

stop 0 = f/1.00000stop 1 = f/1.41421stop 2 = f/2.00000stop 3 = f/2.82842stop 4 = f/4.00000stop 5 = f/5.65685stop 6 = f/8.00000stop 7 = f/11.31370stop 8 = f/16.00000stop 9 = f/22.62741stop 10 = f/32.00000

La mayoría de las cámaras permiten abrir y cerrar el diafragma en saltos o pasos de 1/3 o de 1/2. Esto significa que disponemos de un mayor control sobre la apertura y cierre, pudiendo ampliar o reducir la luz en una proporción menor que el doble o la mitad.

Matemáticamente, significa que debemos aplicar la raíz cuarta o la raíz sexta para calcular los saltos de 1/2 y 1/3.

El número F es un indicador de la apertura de la lente, refiriéndose a la apertura como una fracción de la distancia focal de la lente.F2.0 y f/2.o significan lo mismo. Simplemente, son dos representaciones diferentes.Un número F menor significa una apertura mayor, y por tanto, más cantidad de luz.Un número F mayor significa una apertura menor, y por tanto, menos cantidad de luz.Subir un full stop a un F mayor reduce la cantidad de luz a la mitad. Bajar un full stop a un F menor aumenta la cantidad de luz al doble.

14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 14 y 42 mm. En su distancia focal mínima (14mm) tiene una apertura máxima de f3,5, y en su focal máxima (42mm) tiene una apertura máxima de f5,6.

16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 16 y 45 mm y en todo este rango la apertura máxima es de f4.

La distancia focal es un tema que será tratado más adelante, pero para entenderlo fácilmente es el acercamiento o alejamiento que da un objetivo sin tener que desplazarte (zoom).

Distancia focalLa distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz.

En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco.

Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.

En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio variando la distancia focal de nuestro objetivo. Podemos ver cómo según aumentamos la distancia focal aumentamos también el acercamiento.

PerspectivaAl modificar la distancia focal, como hemos visto, modificamos el campo de visión. Así, al aumentarla nos acercamos y al reducirla nos alejamos. Esto trae consigo que se modifique la proporción que los objetos ocupan en la foto. Igualmente ocurrirá con el fondo. De este modo, cuando nos acercamos con el zoom a un objeto, también estamos acercándonos al fondo. Este efecto modifica la perspectiva de los objetos y podemos verlo perfectamente.

el efecto es como si el fondo se acercara. Lo podemos ver también en esta foto de flores, que han sido tomadas a distintas distancias de la flor, haciendo que ocupe lo mismo en la foto, y modificando la distancia focal. Fíjate cómo el campo de visión se reduce y el fondo parece acercarse.

Profundidad de campoLa profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto.Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delanteHay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:

La apertura de diafragmaA mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.

La distancia focal (zoom)A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm

La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

Ejemplos del uso de la profundidad de campo.una profundidad de campo reducida y otra amplia.

En la foto de la ardilla se utilizo una profundidad de campo reducida porque el fondo carece de interés. Emborronándolo le da mucho más protagonismo a la ardilla. La apertura de diafragma en ese disparo es de f5,6 y la distancia focal de 100mm.

En la foto del paisaje, se amplio la profundidad de campo considerablemente, queriendo sacar nítido tanto el banco como el trigal como el horizonte. Para ello el enfoqué en el banco y ajusté la apertura de diafragma es a f16 y distancia focal de 17mm.

Enfoque selectivoEl enfoque selectivo no es más que jugar con la profundidad de campo y el enfoque, buscando un ajuste de estos dos que ayude a destacar más unos objetos u otros en una foto. Lo que hacemos con el enfoque selectivo es dejar nítido el sujeto a destacar y emborronar lo demás. Así al ver la foto los ojos se centrarán en ese sujeto nítido.

Para ello reducimos la profundidad de campo y enfocamos en el sujeto que queremos destacar. Así éste queda nítido y lo demás no.

La siguiente imagen es el ejemplo típico de este concepto. Para destacar exactamente una pinza de la ropa respecto a las demás he reducido la profundidad de campo, usando una distancia focal de 150mm y una apertura de diafragma de f/5, que es lo máximo que deja abrir el objetivo en esas condiciones y enfocado exactamente en la pinza a destacar.

Otro ejemplo típico es hacer una foto a una palabra del diccionario (¡qué original! ¿eh?). En este caso la distancia focal es 50mm y la apertura de diafragma es f/2,8. Aunque la idea no es original nos sirve para ver cómo podemos destacar únicamente la palabra Detail del resto de la foto aplicando el enfoque selectivo.

En este otro ejemplo he destacado este tulipán de los demás enfocando en éste y utilizando una distancia focal de 120mm y una apertura de diafragma de f/4.

por último otro ejemplo. En éste quería destacar la fila de estatuillas del medio porque era la más variopinta. Para eso enfoqué en ésta y aumenté apertura de diafragma hasta f/1,8 con una distancia focal de 50mm.

Tiempo de exposiciónEl obturador es una cortinilla que se abre en el momento de disparar y limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y alcanza el sensor digital. El tiempo que la luz está alcanzando el sensor digital es lo que se llama tiempo de exposición. Es lo mismo que decir que el tiempo de exposición es el tiempo que está haciéndose la foto.

El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la exposición a tiempos muy pequeños.

Dependiendo de la cámara los tiempos de exposición varían desde segundos (para condiciones de luz muy malas) a milésimas de segundo (para fotografías muy rápidas). Los tiempos más usuales, en segundos, son:

…4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000…

En modo manual existe un modo llamado BULB en el que la foto se expone mientras se mantenga pulsado el botón disparador. En el apartado de modos de la cámara veremos qué uso podemos darle a este modo.

Aproximadamente podemos hacernos una idea del tiempo de exposición que necesitamos para congelar el movimiento con esta tabla:

En la foto de las gotas de agua se utilizo un tiempo de exposición muy bajo para congelarlas. Sin embargo unas gotas quedaron más congeladas que otras. Esto ocurre porque las gotas van a una velocidad diferente. Se trabajo un tiempo de 1/200 segundos, apertura de f/10, ISO100, trípode y flash inalámbrico para iluminar el fondo (que se refleja en el agua).

En la foto de estas cascadas el agua aparece sedosa porque aumento el tiempo de exposición a 4 segundos. Para ello se cerro el diafragma hasta f/32. Para evitar la trepidación se uso un trípode, ajusté el auto-disparo, sin tocar la cámara durante el tiempo que la foto se hizo y utilizo un filtro de densidad neutra para alargar el tiempo de exposición.

Trepidación y movimientoLa trepidación es el efecto que se produce cuando una foto sale movida por un tiempo de exposición demasiado largo o por no controlar el movimiento de la cámara.

Al hacer una foto debemos tener en cuenta el movimiento de los objetos para decidir entre un tiempo de exposición u otro. Los siguientes elementos pueden influir en la trepidación o el movimiento de los objetos:

El movimiento de la cámara al hacer la foto: Cuanto más quieta esté la cámara en el momento del disparo más fácil será obtener una imagen nítida. No es lo mismo hacer una foto con un trípode apoyado en el suelo que desde un coche en movimiento.El movimiento de los objetos en la foto: Debemos evaluar que los objetos que fotografiamos se mueven y pueden hacerlo a velocidades distintas. No es lo mismo fotografiar un niño pequeño (se mueven endemoniadamente) que una modelo profesional que sabe estar perfectamente quieta. No se mueve igual de rápido un coche de carreras que una persona en bicicleta.

La cantidad de luz ambiental: Cuanto mayor sea la cantidad de luz más fácil será utilizar un tiempo de exposición bajo y así evitar una foto movida. No es lo mismo hacer una foto a plena luz del día en la calle que dentro de una casa. Esto podemos tenerlo en cuenta a la hora de hacer un retrato en interior. Será más sencillo si el modelo se encuentra cerca de una ventana.El objetivo que se está utilizando: Cuanto mayor es la distancia focal (zoom) mayor es la probabilidad de trepidación (foto movida). Un objetivo con estabilizador reducirá las probabilidades de trepidación, aunque los objetivos estabilizados tienen sus límites. No es lo mismo hacer una foto panorámica que una foto con un teleobjetivo a un futbolista.A continuación 4 ejemplos y el porqué del resultado ha sido bueno o malo.

La primera foto ha sido buena porque se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para congelar el movimiento del perro saltando y del agua saliendo.

La segunda foto ha sido mala porque al ser el tiempo de exposición tan alto ha quedado trepidada.

La tercera es correcta porque se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para dejar la escena estática. Sin embargo tampoco entrañaba dificultad, ya que no contenía elementos que se movieran demasiado.

La cuarta ha sido mala porque no se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para congelar los aplausos del niño.

Fotografía B/N 1. Las texturas son uno de esos motivos que siempre nos parece que funcionan mejor en blanco y negro.

Probablemente el motivo sea que una textura en si misma transmite sensaciones relacionadas con el tacto, no con la vista, y el tacto no entiende de colores.

Podemos encontrar muchas más texturas a nuestro alrededor de las que podamos pensar en un principio. Motivos como la arena, la tierra, el asfalto, la corteza de un árbol, una pared... y todas son un buen elemento para fotografiar en blanco y negro.

2. LíneasLas líneas son un recurso compositivo formidable en fotografía.

Transmiten muchas sensaciones diferentes en función de si son horizontales, verticales o diagonales, y resultan de mucha ayuda a la hora de dirigir el ojo de quién contempla nuestra fotografía, convirtiéndose en un aliado impagable a la hora de hacer fotos.

Y en blanco y negro, con la ausencia del color, podemos quedarnos con la esencia de esas líneas, potenciando aún más si cabe el efecto que producen.

3. FormasDe forma parecida a como ocurre con ls líneas o con las texturas, el uso de las formas y la repetición de éstas en forma de patrones simplifica la composición de las fotografías con la ausencia de color.

El uso de curvas, la aparición de bordes, el contraste de luces y sombras en las formas, el posible encuadre que podamos realizar, aportan a la hora de componer en aquellas fotos en blanco y negro en el que la mera representación de determinadas formas se convierte en el centro de atención de nuestra foto.

4. Contraste En ausencia de color, el contraste tonal se limita a un contraste entre luces y sombras, entre zonas más claras y más oscuras en las fotos.

Al igual que las líneas, los elementos más claros y más oscuros en una fotografía cuentan a la hora de dirigir la atención. Y las fotografías con más contraste tonal entre sus elementos suelen tender a llamar más la atención en su conjunto global.

Por ello, si quieres conseguir mejores resultados en tus fotos en blanco y negro, prueba a utilizar el contraste tonal como reclamo.

5. SombrasProbablemente porque las sombras son elementos que carecen de color en si mismas es el motivo por lo que funcionan tan bien en la fotografía en blanco y negro.

La esencia de la sombra no tiene color, y su presencia en las fotografías en blanco y negro ayuda a enfatizar el dramatismo que por si mismas trasladan a la fotografía.

Así que ya sabes: la proyección de una sombra puede ser un elemento fantástico para fotografiar en blanco y negro.

6. SiluetasUna silueta es un ejemplo perfecto de simplicidad plástica en el que convertimos un objeto en una simple figura a la que privamos de color y volumen, entendiendo por volumen la sensación tridimensional que transmite esa misma figura en otras condiciones de luz.

Y tras ese proceso de simplicidad en el que se pierde el color, las siluetas transmiten toda su fuerza en las fotografías en blanco y negro.

Sin duda otro elemento de lo más interesante a tener en cuenta a la hora de componer.

Conversión de B/N Existen muchas maneras distintas de realizar una conversión a blanco y negro, procesando de diferente forma la información tomada de una fotografía en color.

Por tanto, no usar el modo de conversión a 'blanco y negro' de la cámara, ya que se perderá información y muchas posibilidades de control para conseguir la mejor versión en blanco y negro. O se puede usar para tomar apuntes y hacer una idea de cómo podrían quedar ciertas fotos. Pero la foto definitiva, hacerla en color.