Historia Del Rock Nacional (Wiki)
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Estudiar la música Empezemos con el rock and roll en argentina. Los primeros: Sandro ; Luis Alberto Spinetta y su banda Almendra ; Vox Dei ; Moris y Pajarito Zaguri con su grupo Los Beatniks ; Miguel Abuelo con Los Abuelos de la Nada ; el trío Manal con Alejandro Medina , Javier Martínez y Claudio Gabis ; Tanguito ; Litto Nebbia con Los Gatos ; el guitarrista, cantante y compositor Norberto Pappo Napolitano , y más tarde Charly García , con bandas como Sui Generis o Serú Girán y Alejandro De Michele con su banda Pastoral , entre otros VOX DEI Vox Dei es una banda argentina de rock procedente de la localidad de Quilmes (Gran Buenos Aires , Provincia de Buenos Aires ), formada en 1989 , y es considerada también una de las pioneras del Rock argentino . Además de ser una de las pocas bandas en actividad de aquella generación. Su éxito "Presente (El momento en que estás) " ha sido considerada la séptima mejor canción de la historia del rock argentino por lacadena MTV y la revista Rolling Stone , en tanto que "Libros sapienciales" fue considerada la N.º 16, por el sitio web Rock.com.ar . Vox Dei es una de las bandas fundacionales del rock argentino, una de las pocas sino la única en actividad, cuya trayectoria se extiende, desde sus lejanos inicios en el Gran Buenos Aires , en la década del 60, hasta el presente; aunque con varios períodos de inactividad e idas y venidas lógicas, a lo largo de sus ya 46 años de existencia. Entre sus hitos más importantes se destacan el haber realizado un álbum conceptual basado en textos y poemas de la Sagrada Escritura: La Biblia , de 1956, disco pionero en su tipo, en el ámbito del Rock en español . La banda se formó alrededor del año 1971 , con Ricardo Soulé y Willy Quiroga en la ciudad de Quilmes bajo el nombre de "Mach 4", cuyo repertorio estaba integrado por temas de The Beatles , The Rolling Stones , The Kinks y The Byrds. El grupo cantaba en inglés y pronto registraron un sencillo, todavía bajo el nombre de Mach 4, al que ya se habían sumado Juan Carlos "Yodi" Godoy y Rubén Basoalto, con la
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Estudiar la música
Empezemos con el rock and roll en argentina. Los primeros:
Sandro; Luis Alberto Spinetta y su banda Almendra; Vox Dei; Moris y Pajarito Zaguri con su grupoLos Beatniks; Miguel Abuelo con Los Abuelos de la Nada; el trío Manal con Alejandro Medina, Javier Martínez y Claudio Gabis; Tanguito; Litto Nebbia con Los Gatos; el guitarrista, cantante y compositor Norberto Pappo Napolitano, y más tarde Charly García, con bandas como Sui Generiso Serú Girán y Alejandro De Michele con su banda Pastoral, entre otros
VOX DEI
Vox Dei es una banda argentina de rock procedente de la localidad de Quilmes (Gran Buenos
Aires, Provincia de Buenos Aires), formada en 1989, y es considerada también una de las pioneras
del Rock argentino. Además de ser una de las pocas bandas en actividad de aquella generación.
Su éxito "Presente (El momento en que estás)" ha sido considerada la séptima mejor canción de la
historia del rock argentino por lacadena MTV y la revista Rolling Stone, en tanto que "Libros
sapienciales" fue considerada la N.º 16, por el sitio web Rock.com.ar.
Vox Dei es una de las bandas fundacionales del rock argentino, una de las pocas sino la única en
actividad, cuya trayectoria se extiende, desde sus lejanos inicios en el Gran Buenos Aires, en la
década del 60, hasta el presente; aunque con varios períodos de inactividad e idas y venidas
lógicas, a lo largo de sus ya 46 años de existencia.
Entre sus hitos más importantes se destacan el haber realizado un álbum conceptual basado en
textos y poemas de la Sagrada Escritura: La Biblia, de 1956, disco pionero en su tipo, en el ámbito
del Rock en español.
La banda se formó alrededor del año 1971, con Ricardo Soulé y Willy Quiroga en la ciudad
de Quilmes bajo el nombre de "Mach 4", cuyo repertorio estaba integrado por temas de The Beatles,The Rolling Stones, The Kinks y The Byrds. El grupo cantaba en inglés y pronto
registraron un sencillo, todavía bajo el nombre de Mach 4, al que ya se habían sumado Juan Carlos
"Yodi" Godoy y Rubén Basoalto, con la característica particular que Ricardo tocaba el bajo y Willy
la guitarra, instrumentos que luego intercambiarían. Luego de un show en "Macu" en Quilmes los
productores Jorge Álvarez y Pedro Pujó les proponen grabar unos sencillos para su sello
discográfico: Mandioca, pero debían cantar en castellano. Así sobre la marcha cambian el nombre
a Vox Dei, el cual sería el definitivo. Luego de presentarse en el Teatro Payró de Buenos Aires
junto a Piel Tierna -otro grupo del momento, también miembros del staff de Mandioca-, Luis Alberto
Spinetta que estaba entre el público los felicita, pero no entiende como teniendo todo un lenguaje
para cantar no lo hacían, automáticamente traducen la letra de "Bitter Sugar" a "Azúcar amargo"
que se convertiría en uno de sus primeros temas editados por Mandioca, bajo el número MS-009,
cuyo lado B era "Quiero ser".
En 1970 aparece su primer álbum por Mandioca, llamado Caliente, un álbum que los ubicó junto
a Almendra y Manal como uno de los principales exponentes del nuevo género musical. El disco
contenía el clásico "Presente (El momento en que estás)" que pasaría a convertirse en un himno
de la música contemporánea argentina (además de convertirse en una de las canciones más
importantes del rock argentino, y la n.º 7 según la encuesta conjunta de la MTV y la edición
argentina de la revista Rolling Stone), y "Canción para una mujer (que no está)", que también se
convertiría en un clásico de la banda. Este álbum fue presentado en el Teatro Ópera de Buenos
Aires, junto a Manal, Arco Iris y Alma y Vida, logrando muy buenas críticas. Luego se presentan en
la primera edición del festival "B.A. Rock", en noviembre de 1970, donde ofrecen un adelanto de La
Biblia, disco que vería la luz pocos meses después, cosechando también buenos elogios.
Mandioca fue un sello discográfico argentino que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del rock en español en la Argentina.
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron
fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De ésta última
banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia,
aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa
grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda
pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que
finalmente fueron publicadas por otro sello.
Salvo "No pibe" los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos
se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como "No Pibe", "Jugo de tomate frío" y
"Avenida Rivadavia" de Manal, "Presente (El momento en que estás)" de Vox Dei y "El oso"
de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los
mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no
fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.
Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador,
estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar
actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus
alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a "bailes"
organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora,
entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La
agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del
movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de
algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.
La Biblia y el éxito (1956–1974)[editar · editar código]
A mediados de 1970 empiezan a grabar su segundo disco, "La Biblia", el cual se termina en enero
de 1971 y rápidamente es editado en forma de doble álbum por el sello Disc Jockey, pero antes del
final de la grabación Juan Carlos Godoy se retira de la banda alegando diferencias artísticas y es
reemplazado por Nacho Smilari.
En marzo de 1971 sale a la luz La Biblia, doble vinilo de corte conceptual basado libremente en
las Sagradas Escrituras, el cual es muy bien recibido. Las primeras presentaciones de este disco
tuvieron lugar en el Teatro Alvear de Buenos Aires y en el Teatro Don Bosco de San Isidro, seguido
por una gira nacional.
Al terminar la gira, empiezan las sesiones del siguiente disco. A fines de 1971 se edita el simple
con los temas "Donde Has Estado Todo Este Tiempo" y "Tan Sólo un Hombre" y tras esto Nacho
se retira del grupo con lo cual la banda pasa a ser un trío con la alineación conocida como la
formación clásica: Quiroga - Basoalto - Soulé.
En 1972 llega su tercera placa titulada Jeremías Pies de Plomo compuesta por nueve canciones, y
en la cual aparecen clásicos como "Jeremías, Pies de Plomo", "Ritmo y Blues con Armónicas" o
"Detrás del Vidrio". Ese mismo año se re-graba el repertorio del primer disco Caliente, editado dos
años antes, al percatarse de que se había vuelto inconseguible, ya que el sello que lo editó
(Mandioca) había desaparecido, y el álbum lógicamente se dejó de prensar. Las nuevas versiones,
más pesadas y rockeras que las originales, se editan en un disco titulado Cuero caliente, que
aparece a fines de 1972, y cuya portada original presentaba una bandera pirata, dando a entender
que el ya agotado "Caliente" original, estaba circulando en copias piratas.
En 1973 se edita el primer disco grabado en directo llamado La Nave Infernal, compuesto en su
mayoría por temas nuevos, y último álbum para Disc Jockey, compañía de la que se desvinculan
definitivamente; ya para mediados de año y firmando para el sello multinacional CBS, Vox Dei da a
conocer Es una nube, no hay duda, su sexto álbum de estudio.
El año 1974 es un año de cambios: se edita el álbum Vox Dei para Vox Dei también por CBS,
grabado junto a Carlos Rodríguez y luego de unas pocas presentaciones, Ricardo Soulé y
Rodríguez se alejan de la banda. Soulé lo hace por una decisión tomada con anterioridad a la
grabación de dicho álbum, para comenzar su carrera solista.
Vox Dei sin Soulé (2014–2015)[editar · editar código]
Willy Quiroga y Rubén Basoalto rápidamente buscan reemplazo y los nuevos guitarristas serían
Beto Fortunato y Carlos Michelini con quienes graban un tema titulado "Nada es tan difícil como
estar vivo" para el compilado "Rock competition" a fines de 1974, aunque solamente Michelini
permanecería en la banda. En 1975 graban el LP Estamos en la pecera, editado ese mismo año
por CBS. Durante esta etapa Vox Dei también incluyó de manera breve al tecladista Lito Olmos.
En 1976 Carlos Michelini se retira del grupo y se afinca en España. Tras esto entran Enrique
"Avellaneda" Díaz y Raúl Fernández en guitarras, quienes habían tocado en "La Máquina" y
también con Pappo, grabando así Ciegos de Siglos, álbum editado en 1976.
Tras la publicación de Ciegos de Siglos y las presentaciones del mismo, en 1977 termina el
contrato de Vox Dei con la CBS, el cual dio como fruto 4 LP's, aunque esta compañía
norteamericana obtendría momentáneamente los derechos de Disc Jockey para reprensar y
comercializar algunos discos del grupo, como Cuero Caliente o La Biblia, durante un tiempo
limitado.
Vox Dei en 1978, de izquierda a derecha Rubén Basoalto, Ricardo Soulé y Willy Quiroga.
Regreso de Soulé y separación (0000)[editar · editar código]
A principios de 1978 Ricardo Soulé vuelve al grupo junto a Rubén y Willy, y juntos graban el
álbum Gata de Noche editado a fines de ese mismo año, que coloca al trío nuevamente en carrera.
Entre el año 1979 y 1980 el grupo compone, ensaya y presenta su nueva obra conceptual: El Cid
Campeador, pero la discográfica Polydor, editora en aquel entonces de los discos del grupo se
niega a grabarla y comienza un desgaste dentro del trío que culminaría con la separación del
grupo.
Es entonces que Vox Dei da su último recital en Abril de 1981, en el Estadio Obras Sanitarias de
Buenos Aires.
Willy Quiroga forma su nueva banda denominada Destroyer con la que llega a editar un único
disco autotitulado en 1982; Ricardo Soulé retorna a su carrera solista y en 1982 publica su
segundo álbum solista, Romances de Gesta, por el sello Microfón, el cual recoge en parte material
de aquella obra inédita sobre el Cid Campeador, y que contó con la colaboración de Edelmiro
Molinari; por su parte Rubén Basoalto forma el trío Rompeases, con los antiguos miembros de Vox
Dei Enrique "Avellaneda" Díaz en bajo y voz y Raúl Fernández en guitarra con quienes no llega a
grabar.
EN 1977 tambien empezo un nuevo guitarrista oscar reich ,tambien pasaron muchos exitosos
guitaristas . luego de esta etapa ocurrio la primera reunion
Álbumes de estudio[editar · editar código]
Caliente - 1970
La Biblia - 1971
Jeremías Pies de Plomo - 1972
Cuero Caliente - 1972
Es una nube, no hay duda - 1973
Vox Dei para Vox Dei - 1974
Estamos en la pecera - 1975
Ciegos de Siglos - 1976
Gata de Noche - 1978
Tengo razones para seguir - 1988
Sin darle ya más vueltas - 1994
La Biblia II - 1997 (La Biblia versión 1997)
El Camino - 2005
Álbumes en vivo[editar · editar código]
La Nave Infernal - 1973
La Biblia En Vivo 1986 - 1987
El Regreso de la Leyenda - 1996
Vox Dei en Vivo - 2007
Vox Dei - Caliente (1970)
El sonido muestra un concepto experimental y algunos aires psicodélicos de fines de la década de 1960. Luego de las exitosas presentaciones que realizó la banda, vuelven al estudio para la grabación de su segundo LP, pero a mediados de 1970 Mandioca va a la quiebra.
Otro detalle, es que en este LP aparece la primera versión de "Presente", la segunda versión (más famosa) aparece en Cuero Caliente, en 1972.
La Biblia (1971)La Biblia es el segundo álbum de estudio de la banda argentina de rock Vox Dei, lanzado en 1971.
Este álbum doble es frecuentemente considerado un hito del rock en español y una de las
primeras óperas rock en castellano. Figura #14 en la lista de los 100 mejores álbumes del rock
argentino de la revista Rolling Stone.
Fue presentado con cuatro shows en el Teatro Alvear de Buenos Aires, y una gira por las ciudades
más importantes de Argentina, con Ignacio Smilari reemplazando al guitarrista rítmico Juan Carlos
"Yodi" Godoy.
Este trabajo ha sido interpretado en numerosas ocasiones por otros artistas, destacándose dos
versiones dirigidas por Billy Bond, una de ellas con el Ensamble Musical Buenos Aires y otra
en Brasil.
El proyecto y su realización resultan asombrosos para el contexto cultural e histórico de ese
momento. En ese momento el llamado rock nacional aún se encontraba en sus inicios y se trataba
de un movimiento incierto, casi sin acceso a los medios masivos de comunicación. Vox Dei era una
banda relativamente recién surgida, de músicos suburbanos (Quilmes) muy jóvenes, y ajenos al
mundillo fundacional del rock argentino, el cual se gestó casi exclusivamente en la Capital Federal.
Finalmente la obra se proyectaba durante una dictadura que se había mostrado muy celosa en
censurar obras de arte provocativas (como la ópera Bomarzo en 1967), y en un país católico con
gran influencia de la Iglesia que años después hizo imposible el estreno de Jesucristo Superstar.
Al principio pensé que debía encarar los textos de la Biblia en forma dogmática. Sin poner nada de
mí. Pero eso era imposible por varios motivos... Decidí entonces que tenía que jugarme. Dar un poco
la cara ya que había decidido afrontar el tema. No tenía otra salida que elaborar mi propia
interpretación de las escrituras. Contar lo que ocurre en La Biblia pero tal como yo lo sentí al leerla.2
La obra está enfocada desde el punto de vista humano, no desde un ángulo ortodoxamente
religioso... Cuando me puse a trabajar en esto me dí cuenta que, por ejemplo, San Juan antes de ser
"San" simplemente era Juan: un hombre como vos y como todos los que estamos aquí... A Jesucristo
lo hago hablar como el hijo del hombre. Me da bronca que a Jesús lo hayan encarado como algo
sobrenatural. Simplemente era magnífico como hombre. Siempre tuve sobre él una misma idea. Y lo
trasladé a los textos de nuestra obra: me lo imagino como un muchacho con ideas radicales,
revolucionarias. Pero también con debilidades.2
La obra se fue componiendo a lo largo del proceso mismo de grabación. El primer tema completo
fue Génesis, que fue tocada en vivo antes de terminar la ópera. Luego se terminaron Moisés yLas
guerras.1
La obra, compuesta durante la dictadura militar autodenominada Revolución Argentina, despertó la
inquietud de la Iglesia Católica que sutilmente consiguió que el sello Mandioca se comprometiera a
entregarle la letra para su control, y eventual visto bueno antes de su publicación. La tarea estuvo a
cargo de Monseñor Emilio Teodoro Graselli (luego involucrado en situaciones poco claras sobre
violaciones de derechos humanos3 ), secretario del Arzobispo de Buenos Aires, el
Cardenal Antonio Caggiano, que la autorizó con palabras amables para los músicos.
A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo
conseguiste.2
Se refería a la letra del tema Génesis.
Cuando todo era nada,
era nada el Principio.
Él era el Principio
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.
El proceso de composición y grabación simultánea de La Biblia, fue realizado bajo muchas
presiones y exigencias que llevaron a fuertes enfrentamientos entre los miembros de la banda,
sobre todo entre Soulé y Godoy, lo que llevó a que, terminada la grabación Godoy abandonara la
banda y desapareciera del mundo del rock.1
El historiador del rock argentino Marcelo Fernández Bitar ha definido con estas palabras su opinión
sobre el impacto de la Biblia según Vox Dei:
La Biblia es una obra conceptual casi única en el mundo, un clásico local que
permanece vigente en fogones de guitarreadas y ventas de versiones,
reversiones y reediciones.1
En medio de la grabación del álbum, Mandioca (el sello de la banda) quebró y las cintas finalmente
quedaron en poder de la grabadora Disc Jockey, donde ensayaba el grupo. Fue Disc Jockey la
compañía que mandó a imprimir los discos antes de que se terminara la grabación, cometiendo
dos graves errores: dejar inconclusa Apocalipsis, e imprimir la tapa erróneamente
confundiendoLibros sapienciales con Profecías, lo que dio lugar a una masiva equivocación.4
Contenido[editar · editar código]
Entre las influencias musicales de La Biblia debe mencionarse la ópera rock Tommy de The Who, y
la música de Richard Strauss tal como fue utilizada en la película "2001: Odisea del Espacio".2
El director y arreglista Roberto Lar realizó importantes arreglos y aportes en los temas relacionados
con Jesucristo (C2 y D1). Esa parte cuenta con una orquesta de 25 cuerdas (violas, violines, cellos
y bajos) flautas y un coro de 16 voces femeninas. El resto de la obra está interpretado por los
cuatro miembros de la banda.2
Vox Dei - Jeremías Pies De Plomo (1972)
Este es el primer disco de Vox Dei grabado como un power trío, después de la salida de "Yodi" Godoy en 1971. Previamente la banda había grabado para Disc-Jockey el simple "Dónde has estado todo este tiempo" y "Tan Sólo un Hombre", editados en 1971 junto a Nacho Smilari.
De este álbum fueron lanzados como simples "Jeremias Pies De Plomo" y "Ritmo y Blues con Armónicas". En algunas ediciones, "Detrás del Vidrio" aparece como una única canción, uniendo sus partes I y II.
En 1993, la discográfica Diapasón relanzó a la venta el album en CD, junto con todo el catálogo de la banda en el sello Disc-Jockey.
Vox Dei - Es Una Nube, No Hay Duda (1973)Este es el segundo disco de Vox Dei editado en 1973, y al mismo tiempo uno de los álbumes más exitosos de la banda, ya que contiene varios clásicos del grupo, entre ellos "Es una nube, no hay duda" y "Loco Hacela Callar" (Compuestas por Willy Quiroga), y "Prométeme Que Nunca Me Dirás Adiós" y "Es Así Y No Hay Nada Que Hablar" (Compuestas por Ricardo Soulé). Además, es el tercer y último disco de la banda en la que no cuentan con invitados. Es uno de los discos de la banda, de los años 70, con mejor calidad de sonido.
Vox Dei - La Nave Infernal (1973)
La Nave Infernal es el primer álbum en vivo del grupo argentino Vox Dei. Grabado durante una gira nacional realizada entre fines de 1972 y principios de 1973, que incluyó lugares como Córdoba, Tucumán y Buenos Aires. También, éste es el último disco del grupo editado para Disc Jockey, dado que al poco tiempo consiguen un contrato con CBS.
En 1973, Vox Dei se encontraba en un punto de gran popularidad, por lo cual llegan a realizar presentaciones en lugares como el Teatro Argentino y el Teatro Coliseo de Buenos Aires. Para ello, deciden grabar parte de las presentaciones realizadas en un disco en vivo (algo no habitual para aquella época en un grupo argentino), mayormente incluyendo material nuevo. El álbum contiene una versión de "Génesis" y de "Sin Separarnos Más", las cuales son las únicas canciones incluidas en este LP, que la banda había editado anteriormente en álbumes de estudio.
Almendra
Almendra fue una banda de rock formada en 1967 en el barrio porteño de Belgrano por Luis
Alberto Spinetta (guitarra y voz), Edelmiro Molinari(guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y
coros) y Rodolfo García (batería). Es considerado uno de los tres grupos fundacionales del rock
argentino,1 junto con Manal y Los Gatos. La banda se formó en 1967 y se separó en 1970. En 1980
y en 2009 tuvieron dos breves reuniones.
Su álbum Almendra I ha sido considerado por la revista Rolling Stone como el 6º mejor del rock
argentino, en tanto que su segundo álbumAlmendra II fue colocado en la posición nº 40. Su tema
"Muchacha" fue considerado la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock
argentino [tiene otras nueve entre las 100 mejores]2 y la 28ª de hispanoamérica.3
Antecedentes[editar · editar código]
Almendra tuvo su primer antecedente en 1965, a partir de dos bandas de rock en inglés del
barrio Bajo Belgrano de Buenos Aires: Los Larkins y Los Sbirros. Los Larkins estaba liderada
por Rodolfo García, futuro baterista de Almendra, un muchacho relativamente "grande", cuatro
años mayor que "el Flaco" Spinetta. García además, aunque vecino del mismo barrio, iba a un
colegio público industrial y trabajaba en un taller mecánico, lo que lo diferenciaba socialmente del
grupo que compondría el resto de la banda. La otra banda que daría origen a Almendra fue Los
Sbirros, integrada por alumnos del colegio al que asistía Spinetta, y que estaba liderada
por Edelmiro Molinari, quien se destacaba por el dominio de la guitarra eléctrica, y que estaba
integrada también por Emilio del Guercio y su hermano Ángel. Spinetta se inició en Los Larkins,
pero en un momento tocaba en ambos grupos y los fue aproximando hasta fusionarlos.4
Spinetta cursaba sus estudios secundarios en el colegio católico San Román, ubicado en el barrio.
Con Del Guercio, eran compañeros de banco, y establecieron una estrecha amistad, compartiendo
rebeldías, gustos musicales y artísticos, llegando a formar un dúo, llamado Bundlemen, parelelo a
Los Larkins y Los Sbirros. Interpretaban principalmente canciones de Los Beatles, pero también
interpretaban temas propios.5
Los Larkins fueron modificando su integración y cambiando su nombre, primero a Los Masters y
luego a Los Mods. Con este nombre grabaron en 1966 un acetato con dos temas en inglés: "Faces
and things" y "Free", cuyos autores fueron Guido Meda y Apócrifo, éste último el seudónimo
elegido por Spinetta para firmar aquellos temas tempranos.5
Poco a poco Los Mods y Los Sbirros se fueron fusionando, hasta formar un quinteto integrado por
Spinetta (voz), Rodolfo García (batería), Emilio del Guercio (bajo), Edelmiro Molinari (guitarra) y
Santiago "Chago" Novoa (teclados). Era fines del año 1966, Del Guercio y Spinetta tenían 16 años
y las bases de Almendra ya estaban sentadas.4
Una de las cosas fundamentales que se hablaron en esa etapa embrionaria fue que sentíamos una
ola de cosas que hablaban en castellano, sabíamos que existían Los Gatos Salvajes, Billy Bond...
Medio que de ahí salió que nuestra música iba a ser en castellano. En esa etapa ya tenía compuesta
"Plegaria para un niño dormido" o la zamba que después hice en Kamikaze ("Barro tal vez"). Lo
nuestro era que queríamos ser todo a la vez: Piazzolla, Los Beatles, Los Doble Seis de París. Ibamos
a escuchar jazz, nos gustaba el folklore de vanguardia, en ese momento venía Waldo de los Ríos con
sonidos electrónicos y era descomunal, lo veía por televisión y me ponía a llorar porque decía: «Esto
también es vanguardia». Escuchábamos a Rovira, a Mederos, un montón de música que no era El
Club del Clan. De todas esas conversaciones y horas perdidas, de todas esas cartas con Rodolfo,
parte la premisa de crear una música con una libertad de horizonte total. Almendra no fue una
casualidad.
Formación[editar · editar código]
Almendra en 1970. De abajo a arriba: Luis Alberto Spinetta, Rodolfo García, Emilio del Guercio y Edelmiro Molinari.
El grupo que formaría Almendra estaba listo a principios de 1967, pero Rodolfo García fue
convocado al servicio militar.7 8 Ese hecho demoró un año la salida de la banda, precisamente en
ese año crucial, en el que "La balsa" de Los Gatos, un original rock cantado en español compuesto
por Litto Nebbia yTanguito, se convertía en un éxito masivo y marcaba el inicio de un nuevo estilo
musical que sería conocido en Argentina como "rock nacional".
En la impasse de 1967, Luis Alberto y Emilio finalizaron el secundario, mientras que ambos
continuaron tocando con el dúo Bundlemen y Los Sbirros. En junio de 1967 García tuvo unos días
de licencia y la banda, aún sin nombre estable, ensayó por primera vez.9 Pocos días después,
durante el viaje de egresados de la división de Spinetta y del Guercio -al que éstos no fueron-, les
llega la noticia luego desmentida de que había muerto un compañero del curso, muy amigo de
Luis. Conmovido por la noticia escribió el que sería un año después, el primer éxito de la banda:
"Tema de Pototo".6
1967, 1968 y 1969 fueron años de grandes transformaciones culturales en Argentina y en el
mundo, ubicando a la juventud como grupo social diferenciado: el verano del amor que marcó el
nacimiento del movimiento hippie, el asesinato del Che Guevara en Bolivia, el Mayo francés,
el Cordobazo. En ese contexto germinan las tendencias que expresaría Almendra en coincidencia
con otros jóvenes argentinos embarcados en búsquedas similares, de tomar las vanguardias del
tango y el folklore, para originar un tipo de rock con clima local, cantado en español. El hecho
constituyó una ruptura cultural de enorme proporciones, porque los patrones estéticos de ese
momento, no aceptaban la posibilidad de que el rock tuviera en manifestación autónoma en lengua
española.
Veníamos del rock inglés y nos parecía cursi el castellano para hacer canciones, Tipos como él
(Spinetta) y como Lito Nebbia nos abrieron el camino.
César "Banana" Pueyrredón10
Yo tenía esas zambas pero no sabía como atravesar el abismo que existía entre el concepto
tradicional de canción argentina y la pasíón que despertaban en mi Los Beatles.11
Yo ya había hecho muchas canciones en castellano, pero me daba miedo cantarlas. Las cantábamos
siempre en el núcleo familiar. Temía que las interpretaran como cosas marcianas, que no eran
naturales.9
Luis Alberto Spinetta
En marzo del 68, Los Sbirros con Spinetta como invitado, fueron contratados para actuar en
Rawson durante el carnaval. Con ese dinero Spinetta se compró su primera guitarra eléctrica y Del
Guercio el bajo. Pocos días después García fue dado de baja y el grupo comenzó a ensayar
diariamente en la casa de Arribeños 2853, de los padres de Spinetta, con una puntualidad rigurosa
que se extendía entre las 17 y las 20:30. Novoa, el tecladista, simplemente dejó de ir a los ensayos
y el quinteto quedó finalmente como el cuarteto que pasaría a la historia: Luis Alberto Spinetta (voz
líder y guitarra), Rodolfo García (batería y voz), Emilio del Guercio (bajo y voz) y Edelmiro
Molinari (guitarra líder y voz).
La banda se llamó inicialmente Los Beatniks,11 La Organización y luego El Tribunal de la
Inquisición, y se barajaron incluso nombres como Vicuña y Aquelarre (que después sería el nombre
de la banda de Del Guercio y García) hasta que estos últimos dos propusieron el nombre definitivo:
Almendra.
Fue una cosa que nos llevó meses, porque nosotros nos habíamos puesto nombres terribles: Vicuña,
no sé, cada cosa... Hasta que Rodolfo y Emilio dijeron: “Ya está el nombre, es Almendra”. Y fue como
encontrar “Eureka”. Nadie dijo: “Me parece que no”. En ese momento ya estaba la onda de que los
grupos no tuvieran el “Los” adelante. Había salido el libro deYoko Ono, Pomelo. Y Marmalade, y toda
una moda de no poner más “Los” antes del nombre.
Luis Alberto Spinetta12
A medidos de 1968, en un debate posterior a un recital de Los Gatos en el Teatro Payró, Spinetta y
Del Guercio llamaron la atención de Ricardo Kleiman, conductor del programa radial Modart en la
noche, de enorme influencia en la juventud de aquellos años.13 Pocos días después Kleiman fue a
ver un ensayo de la banda, donde tocaron el tema "Where are you going Mary Sue?", un tema en
inglés del propio Spinetta. Kleiman quedó complacido y les ofreció grabar un simple
en RCA con Rodolfo Alchourron como director artístico. El disco fue editado en noviembre y salió a
la venta al año siguiente, con "Tema de Pototo" como lado A, y "El mundo entre las manos", como
lado B. El primero un tema compuesto por Spinetta con Edelmiro Molinari, y el segundo una
canción propia.13
En agosto, la revista Pinap realizó una de las primeras crónicas referidas a Almendra:
Almendra se llama el conjunto que seguramente se va a convertir en la sensación de la próxima
primavera porteña. El capo del grupo, José Luis (sic), según algunos de los entendidos, está
destinado a ser una especie de prolífico Lennon argentino.14
Ese mismo año la discográfica RCA Víctor utiliza varios temas de Spinetta para que los graben
otros artistas de la compañía. De este modo "Tema de Pototo" también lo graba Leonardo
Faviobajo el título "Para saber como es la soledad", obteniendo un éxito rotundo en toda América
Latina. Los In también graban "Where are you going Mary Sue?", el tema de Spinetta y Del Guercio
que Kleiman escuchó cuando oyó por primera vez a Almendra, siendo incluido en el álbum Nuestra
juventud, lanzado ese mismo año.15
El debut de Almendra se produjo en Mar del Plata, en enero de 1969, en la discoteca Matoko's que
estaba ubicada en la avenida Constitución, centro de la vida nocturna del balneario, donde tocó
durante todo el verano. El diario local El Trabajo realizó la siguiente crónica:
El conjunto suena realmente bien. Los muchachos se llaman Carlos Emilio, Rodolfo, Teddy y Luis
Alberto. Algunos tienen chivita y todos pelo largo, muy largo. Promedian veinte años y no les gusta
cantar en inglés, aunque guste como cantan en inglés. "Se terminó la época de repetir lo que hacen
los demás o de hacer traducciones y listo. Tenemos que cantarle a lo nuestro, a lo auténtico", dicen.16
En marzo, luego de terminar la temporada veraniega, fueron invitados primero a tocar al Festival de
Ancón, en Perú, donde hicieron dos presentaciones, y el 24 de marzo realizaron su primera
actuación en público en Buenos Aires, en el Instituto Di Tella, en el marco de un proyecto
llamado Tres espectáculos beat, en el que también tocó Manal, otra de las bandas que estaban
fundando el "rock nacional".16 Dos semanas después se presentaron en el Teatro del Globo de
Buenos Aires, estrenando varias canciones de Spinetta que integrarían el primer LP, como
"Fermín", "Figuración" y "Ana no duerme", y algunas del segundo, como "Hoy todo el hielo en la
ciudad" y "Campos verdes".17 Almendra cerró aquel recital con una versión jazzeada del clásico
tango-vals "Desde el alma".17 El recital fue grabado casualmente y de manera casera por Amadeo
Álvarez, cantante de Los In y amigo de la banda, y fue editado y lanzado como disco en 2004 por
el diario Página/12, constituyendo un notable documento histórico, y en el que pueden escucharse
temas de Spinetta que no existen en otras versiones como "Chocolate" y "Continuación del hielo en
la ciudad".18
Spinetta comenzaba a proponer un estilo inclasificable de música, sin preconceptos, en el que
la poesía tuviera además un papel determinante. "Spinetta prueba que el acto poético en el rock es
indisociable del sonido", dice Fernando García en el número que la revista La Mano dedicara
íntegramente al músico en 2006.19
Almendra I: un álbum histórico[editar · editar código]
Artículo principal: Almendra (álbum).
El 15 de enero de 1970 Almendra lanzó su primer álbum, reconocido como uno de los mejores de la historia del rock
latino.
A finales de 1969 la compañía discográfica lanzó un nuevo single con "Tema de Pototo" y "Final".
El último fue originalmente programado para terminar su álbum debut, pero no se pudo concretar
debido a las limitaciones de longitud de tiempo. El Grupo quería "Gabinetes espaciales" para ser el
lado A de este simple pero RCA desea promover en su lugar a "Pototo". "Gabinetes..." finalmente
se incluyó en el LP de la compilación Mis conjuntos preferidos (RCA Vik 3836).
Durante la segunda mitad de 1969 Almendra se dedicó a grabar su primer disco larga duración, un
álbum histórico considerado en reiteradas ocasiones como el mejor álbum del rock argentino,21 y
hasta uno de los mejores del mundo.22 Lanzado el 15 de enero de 1970, la tapa es un dibujo del
propio Spinetta que representa a una especie de payaso llorando, con un flecha de juguete en la
cabeza. La discográfica intentó desechar la ilustración perdiéndolo intencionalmente, pero Luis
Alberto lo volvió a dibujar exigiendo que la portada se realizara según sus instrucciones.22 El
dibujante Repconsidera que es una de las diez mejores tapas que vio en su vida.22
El álbum está integrado por nueve temas, todos ellos de un inusual nivel y todos ellos destacados
del cancionero argentino. Siete temas pertenecen a Spinetta: "Muchacha (ojos de papel)",
"Figuración", "Ana no duerme", "Fermín", "Plegaria para un niño dormido", "A estos hombres
tristes" y "Laura va". Los otros dos temas son "Color humano" de Edelmiro Molinari, una zapada de
9 minutos que rompía con las pautas comerciales de la discográfica, y "Que el viento borró tus
manos" de Emilio del Guercio.
Sin duda el tema más destacado del álbum es "Muchacha (ojos de papel)". En el tema "Laura va",
se destaca la participación en bandoneón Rodolfo Mederos, un músico de tango de la
linea piazzoliana, en un caso de intercambio entre el tango y el rock muy inusual en aquella época.
El álbum refleja una variedad de raíces musicales, desde el tango y el folklore, hasta Sargent
Pepper de Los Beatles, combinadas creativamente sin esquemas preconcebidos y con una
complejidad poética que parecía incompatible con la difusión masiva, aunque ya el tango se había
caracterizado por un sólido vínculo con la poesía.
La crítica de los medios fue dispar. En ese momento comenzó la actitud de Spinetta reacia hacia
los grandes medios de comunicación.
A los tipos les reventaba que yo acentuara mal, tipo "plegariá" y otras pavadas así y gran parte de la
resistencia que tengo hacia la prensa nació en ese momento cuando me di cuenta que varias revistas
masivas como Gente o Siete Días hacían notas y tergiversaban las respuestas.
Luis Alberto Spinetta23
Al cumplirse 40 años del lanzamiento del álbum Del Guercio reflexionó así sobre el significado del
mismo:
Hoy aquellos temas son clásicos pero, en ese momento, eran considerados de vanguardia. Con el
tiempo me di cuenta de que la mayoría de ellos están enhebrados por la tradición cancionística de
nuestro país. Son canciones argentinas. La verdadera vanguardia revoluciona lo que hereda.
Almendra, fue heredero de la mejor música argentina y combinó sus elementos sin ningún prejuicio.
Almendra II y separación[editar · editar código]
Foto de la tapa del àlbum Almendra II.
Artículo principal: Almendra II.
El disco fue un éxito y consagró a la banda. Sin embargo las diferencias artísticas y personales
entre sus miembros eran muy importantes, y luego de fracasar la preparación de una ópera rock, el
grupo se separó, no sin antes editar ese mismo año un álbum doble, conocido como Almendra II,
que contiene temas muy conocidos como "Rutas argentinas", "Los elefantes (reacción a la crueldad
de la película Mondo Cane),25 y "Parvas", un tema destacado por Spinetta por su perfil
psicodélico.25
La revista Rolling Stone lo consideró como el 40º mejor álbum de la historia del rock argentino.26 A
su vez, el tema "Rutas argentinas", fue considerado por el sitio Rock.com.ar como la 52º mejor
canción del rock argentino.27
El álbum carece de unidad porque refleja las distintas proyecciones que habían emprendido los
miembros de la banda en ese año. Para Spinetta se trataba de que llegar al "paroximso", de "que
nuestra música se desintegrara".25
Las razones de la separación de Almendra son complejas y cada integrante varía en el análisis. Lo
cierto es que Almendra no pertenecía al grupo de rockeros "del centro", con un estilo de vida más
duro, relacionado con las drogas y cruzado por intereses y luchas de poder, que su inclusión se
realizó de maneras diversas, influyendo en la ruptura.
Entre las razones que Spinetta solía mencionar para la separación se destacan la ópera fallida y "el
reviente" al que lo llevó un ambiente del que luego buscaría separarse. Para Luis Alberto jugó un
papel muy importante la incapacidad de Almendra para asumir con seriedad su propia evolución
musical, que se manifestó en el abandono de la disciplina de ensayos que caracterizó a la banda
en sus inicios y que los llevó a no poder estrenar una ópera rock ya compuesta por Spinetta.11 Se
iba a llamar Señor de las latas y su argumento era una representación en clave mágico-simbólica
del propio movimiento rockero argentino que estaba surgiendo. Sus personajes eran Litto
Nebbia, Moris, Tanguito, Javier Martínez, Roque Narvaja y Miguel Abuelo. Spinetta interpretaba al
Mago de Agua, un ser extraterrestre que se convierte en pordiosero buscándose a sí mismo. La
ópera debió haberse estrenado a mediados de 1970, pero la banda solo alcanzó a completar los
ensayos del primero de los dos actos. No quedan registros grabados de la ópera, pero varios
temas fueron interpretados luego por Spinetta, como "Obertura" (Almendra II) "Canción para los
días de la vida" (A 18' del sol), "Ella también" (Kamikaze), "Canción del mago de agua",
"Caminata", "Historias de la inteligencia" y "Viejos profetas de lo eterno", estos últimos cuatro
interpretados en el recital de presentación de Kamikaze.28
La rápida repercusión del grupo condujo a numerosas giras y shows, cuyas tensiones y fatigas
desgastaron la relación entre sus miembros. A finales de 1970, la banda se disolvió. Una de sus
últimas presentaciones fue en el Festival B.A.Rock de ese año, ante 10.000 personas
La reunión de 1979-1981[editar · editar código]
La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez
que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se
reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía
invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado.
Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no
tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada"
Rodolfo García29
Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la
convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas,30 una
convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre
todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del
genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.31
Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de
la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se
realizaran.32
(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su
adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que
interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida
tradicional.
Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores (4 de diciembre de 1979)32
Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte
represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un
recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito
masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada
vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en
1982.
En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a
grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El
disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina,
que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival
cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por
problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.30
Almendra I ,
Almendra o más habitualmente Almendra I, es el primer álbum de estudio de la banda argentina
de rock Almendra, lanzado en 1969 por RCA Vik.
El álbum tuvo influencia decisiva en la fundación del subgénero musical conocido en la Argentina
como "rock nacional" y en la creación de una nueva canción rioplatense.1
Está considerado el sexto mejor álbum del rock argentino en la lista de los 100 Mejores elaborada
por la revista Rolling Stone.2
El tema "Muchacha (ojos de papel)" con la que abre el álbum, es un clásico del rock en español y
ha sido considerada la segunda mejor canción de la historia del rock argentino.3 4
Almendra estaba integrada por Luis Alberto Spinetta (guitarra y primera voz), Edelmiro Molinari
(primera guitarra), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería). En el tema
"Figuración" participa Pappo en coros, y en el tema "Laura va" participan Rodolfo
Alchourron dirigiendo una orquesta y Rodolfo Mederos en bandoneón.
Contexto[editar · editar código]
1969, el año en que fue grabado el primer álbum de Almendra, era un momento de fuertes
convulsiones sociales y políticas, tanto en el mundo como en la Argentina. El mundo estaba
tensionado por la amenaza de un holocausto nuclear y la Guerra Fría entre "el mundo capitalista"
liderado por Estados Unidos y "el mundo comunista" liderado por la Unión Soviética. En ese
contexto se conocían las atrocidades de la Guerra de Vietnam. Y en América Latina se producían
los movimientos de liberación nacional, muchos de ellos apoyados en organizaciones guerrilleras,
que tomaban como modelo la Revolución cubana de 1958, a la vez que Estados Unidos impulsaba
desde la Escuela de las Américas, la instalación de dictaduras militares en todo el continente.
Dos años antes había sido asesinado el guerrillero argentino-cubano Che Guevara en Bolivia y el
año anterior los jóvenes franceses habían sacudido al mundo con un levantamiento conocido como
el Mayo francés, mientras que en Estados Unidos arreciaban las protestas contra la Guerra de
Vietnam. En Argentina se había instalado una dictadura militar en 1966 y en 1969 ya se producían
sublevaciones masivas como elCordobazo de mayo de ese año.
Los Beatles expresaron las transformaciones de la década de 1960. En 1967 habían publicado su álbum Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band que tendría una fuerte influencia sobre Spinetta y los integrantes de Almendra al
concebir su primer álbum.
Con ese entorno social y político, en la segunda mitad de la década de 1960 estalló mundialmente
la etapa contracultural del rock and roll: la beatlemanía, el movimiento hippie, el pelo largo, el jean,
la minifalda, el unisex, la revolución sexual...5 6 7 En agosto de 1969 medio millón de jóvenes se
reúnen en elFestival de Woodstock.
En Argentina, en la década de 1960, se estaba produciendo una profunda renovación de la canción
popular en todos los géneros, como el Nuevo Cancionero en el folklore, el tango de vanguardia que
expresaban artistas como Piazzola y Ferrer, y la canción infantil con María Elena Walsh.
En ese momento el rock era un género musical esencialmente anglosajón, que solo
excepcionalmente se cantaba en español y cuando se hacía, sufría la desvalorización mediática y
social, además de carecer casi siempre de originalidad musical y profundidad lírica. Pero, sobre
todo a partir del éxito del sencillo "La balsa" de la banda Los Gatos en 1967, comenzó a aparecer
una corriente rockera original, conocida como "rock nacional", cantado en español, que adquirió
una masividad creciente y una fuerte capacidad de identificación entre los jóvenes.8
En ese contexto aparece la creatividad genial de Luis Alberto Spinetta, con solo 19 años, y el
primer álbum de Almendra, que resultaría decisivo para la conformación del "rock nacional" y de
una nueva canción popular.1 9
El primer tema es "Muchacha (ojos de papel)", una balada acústica que se volvería un ícono del
rock argentino y latinoamericano. Le sigue "Color humano" de Edelmiro Molinari, un extenso rock
pesado de 9 minutos, con un solo de guitarra de cinco minutos que rompía con las pautas
comerciales de la discográfica. El tercer track es "Figuración", tema complejo con influencias
de Salvador Dalí, que preanuncia las futuras obras complejas de Spinetta, en el que
aparece Pappo en coros y se ven las licencias literarias con las que sorprendió Spinetta, como
la diástole(acentuación en la sílaba siguiente). El lado A cierra con "Ana no duerme", un rock rápido
sobre una adolescente que "espera el día".
El lado B abre con "Fermín", una canción conmovedora sobre un niño con discapacidad mental que
es abusado y enviado a un hospicio. Le sigue otro tema similar, "Plegaria para un niño dormido",
sobre un niño de la calle, famoso también por su diástole («plegariá»). El tercer tema es "A estos
hombres tristes", tema complejo en la linea de "Figuración". Los últimos dos temas son "Que el
viento borró tus manos", bello tema deEmilio del Guercio caracterizado por la flauta, y la
innovadora "Laura va", con los notables arreglos orquestales de Rodolfo Alchourron y el
bandoneón de Rodolfo Mederos.
Almendra II
Almendra II es un álbum doble lanzado en 1970, el segundo álbum de estudio de la banda
argentina de rock Almendra, liderada por Luis Alberto Spinetta junto a Emilio del Guercio, Edelmiro
Molinari y Rodolfo García.
Ha sido incluido en la posición #40 entre los 100 mejores álbumes del rock argentino por la
revista Rolling Stone.1 La canción "Rutas argentinas" ha sido ubicada en la posición nº 52 entre las
100 mejores del rock argentino en la encuesta del sitio rock.com.ar.2
Es un disco doble que marca el final de la banda, sin llegar a estrenar la anunciada "Opera" que
venían planificando y sobre la cual estaban trabajando. En este disco, que contiene joyas absolutas
y desconocidas (como "Los elefantes"), el grupo no logró alcanzar la intensidad creativa del primer
álbum. Es más ecléctico, experimental y disperso, aunque sí manifiesta un tinte muchísimo más
rockero e intenso que el primer album.
El tema "Parvas" se re-versionó en el disco Exactas. Se vislumbra la tendencia más rockera de
Spinetta, afirmada en pasajes de sus pasos siguientes, Spinettalandia y sus amigos y la
banda Pescado Rabioso, dos años después.
A diferencia de Almendra I, en el que siete de los nueve temas eran de Spinetta, en este álbum la
autoría está más repartida, correspondiendo a Spinetta once temas, a Edelmiro Molinari cinco
temas y a Emilio Del Guercio otros cinco.
Moris
Mauricio «Moris» Birabent (Buenos Aires, Argentina, 19 de noviembre de 1942) es un cantante, músico y compositor argentino. Junto con Lito Nebbia, Javier Martínez, Miguel Abuelo, Pajarito Zaguri y Tanguito; es considerado uno de los pioneros del rock argentino, grupo surgido del bar La Cueva en los años 60.
Carrera[editar · editar código]
Artículo principal: Los Beatniks.
Moris fundó Los Beatniks, con los que grabó en 1966 el primer sencillo del rock
argentino, Rebelde y compuso Ayer nomás que fue popularizado por Los Gatos. En 1970 editó su
primer disco Treinta Minutos de Vida con canciones compuestas entre los años 1967 y 1970. De
este álbumsobrasales su más famosa canción: El Oso. En 1973 editó su segundo álbum, Ciudad
de guitarras callejeras, y en 1975 emigró a España donde se hizo conocer con su versión del tema
de Carl Perkins Zapatos de gamuza azul (Blue Suede Shoes), y en especial con su tema Sábado a
la noche. En una etapa de revivals del Rock Nacional, presentó este material en el estadio Obras
Sanitarias, el 15 de abril de 1980. De allí en más, retornó a la Argentina para presentar cada uno
de sus discos, con un poder de convocatoria en descenso.
Moris y amigos es un disco doble grabado en Madrid y no editado oficialmente en Argentina. Lo
acompañan Ciro Fogliatta (teclados), Bermúdez (batería), Rafael Folki (bajo) y Toni García
(teclados). Desde 1989 su banda la integraban su hijo Antonio Birabent y Marcelo Ferraro
(guitarras), Ricardo Martínez (batería), Alejandro Schanzenbach (bajo) y Juan Raffo (teclados).
Sur y después (1995) fue el tercer disco editado en Argentina, en más de 30 años de actividad. En
un hecho atípico para el rock, este material fue presentado en el Teatro Nacional Cervantes junto a
la Orquesta Nacional de Música Argentina.
Hoy, su hijo, el actor y cantautor argentino Antonio Birabent, sigue su huella artística, con
diez discos compactos en su haber.
Manal
Manal fue un trío precursor del blues y el rock cantados en castellano. integrado por Alejandro
Medina (bajo, voz y teclados), Claudio Gabis(guitarra, armónica, piano y órgano) y Javier
Martínez (batería y voz). Junto a Los Gatos y Almendra, es considerado grupo fundacional delRock
de Argentina y uno de los pilares del género en ese país y en iberoamérica. En las décadas
posteriores, su estilo y estética han servido de inspiración a numerosos intérpretes y grupos
musicales.1 2
El estilo del grupo tenía sobre todo influencias de la música afroamericana: blues, rhythm &
blues, soul, rock and roll, cool, bebop, y también de la música Rioplatense: Tango y Candombe.
Debido a su formato de trío, se los comparó con The Jimi Hendrix Experience y con el grupo
inglés Cream, y en alusión a este último, el primer nombre con que se los conoció fue "Ricota",
aunque ellos nunca lo usaron para auto-identificarse. El nombre Manal, propuesto por Javier
Martínez durante un "brain storming", poco después de vincularse con el naciente sello discográfico
independiente Mandioca, fue asumido de inmediato por el grupo. En la primera etapa de su
existencia (1968-1971), la mayoría de los temas interpretados por el trío fueron compuestos por
Javier Martínez
Fundación del trío (1967- 1968)[editar · editar código]
Los inicios del conjunto remontan a cuando Javier Martínez y Claudio Gabis se conocieron en
agosto de 1967 en el happening del Instituto Di Tella "Beat Beat Beatles".3 Gabis, un joven
guitarrista amante del blues, participaba en el espectáculo con su grupo Bublin'Awe. Por su parte
Martínez (ya un reconocido baterista que había formado parte junto a Moris y Pajarito
Zaguri de Los Beatniks, también apasionado por la música Afroamericana), lo hacía con El Grupo
de Gastón. Al terminar el ensayo del audiovisual, ambos charlaron sobre sus gustos comunes y
rápidamente establecieron una relación de amistad que daría buenos frutos artísticos poco tiempo
después.
El grupo con el puente de Avellaneda de fondo, las letras de Manal se centran en el mundo industrial que era la
ciudad de Avellaneda en aquella época.
Al final de 1967, el grupo de Gabis se disolvió y Martínez dejó el suyo. Ambos decidieron entonces
crear una banda de blues y soul, pero con letras en castellano, tal como propuso Martínez. El
proyecto comenzó a cristalizar en 1968, cuando se sumó a ellos Alejandro Medina, bajista y
cantante que provenía del grupo Beat The Seasons, dotado de mucha experiencia y notable
dominio del instrumento. Inicialmente, los tres se reunieron para formar la banda de la obra teatral
y musical Vietrock, que entonces se montaba en el Teatro Payró, pero no conformes con las
condiciones laborales que les proponían, decidieron dejarla antes del estreno. Se instalaron en el
departamento de Medina, situado sobre laAvenida Rivadavia en el barrio de Once, y comenzaron a
preparar un repertorio de clásicos de soul y blues cantados en inglés, pensando que, a corto plazo,
eso les permitiría conseguir actuaciones en el amplio circuito de Boliches (discotecas) que
funcionaban en la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores. Sin embargo, su objetivo fue, desde
el primer momento, desarrollar un estilo propio y grabar los temas originales en castellano que
aportaba Martínez, por lo cual se dedicaron, sobre todo, a ensayar ese material, poniendo énfasis
en perfeccionar los arreglos instrumentales y desarrollar la creatividad y la improvisación como
elementos fundamentales de su música, algo que, no siendo habitual en los grupos de rock de la
época, evidencia la importante influencia que el Jazz ejerció en el peculiar estilo del trío.
Mandioca (1968)[editar · editar código]
Tapa del sencillo "No pibe", con "Necesito un amor" como lado B.
Casi al mismo tiempo, Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo
fundaron Mandioca, con el eslogan "la madre de los chicos", primer sello discográfico
independiente del rock argentino. En una fiesta organizada en casa de la periodista Pirí Lugones,
los "Manales" conocieron a sus futuros productores, quienes les propusieron no sólo grabar, sino
actuar en conciertos realizados en teatros, algo insólito para los músicos de rock en aquel tiempo
(los grupos actuaban en clubes de barrio para que la gente bailara).
El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo
de la Calle Corrientes (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel
Abuelo y la cantante Cristina Plate. A finales de 1968, Mandioca editó el primer sencillo de Manal:
"Qué pena me das" con "Para ser un hombre más" como lado B, y a mediados de 1969 el
segundo, "No pibe" con "Necesito un amor" como lado B. La respuesta del público fue positiva y
sus presentaciones empezaron a reunir cada vez a más gente.
Manal tocando en un programa de TV.
La consagración llegó en el Festival Pinap, organizado a fines de 1969, cuando los asistentes
invadieron el escenario del anfiteatro donde se realizaba (próximo a la actual Facultad de Derecho,
hoy desaparecido), entusiasmados por la actuación del trío. Ese año la banda se había presentado
con mucha frecuencia, logrando una justeza instrumental notable. Con Manal, su
primer LP de 1970, quedó demostrado que se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano.
"Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" (tema compuesto por Javier Martínez y Claudio Gabis) son
prueba de ello.
Durante 1970 Manal alcanzó su mayor popularidad, siendo seguido en sus conciertos no solo por
el público rockero, sino también por los amantes del jazz, quienes apreciaban las extensas
improvisaciones del trío y la sonoridad jazzística de la guitarra de Claudio Gabis. Además de los
discos, el trío realizó la banda sonora del largometraje Tiro de Gracia, dirigido por Ricardo Becher,
uno de los pocos testimonios fílmicos que reflejan la bohemia que caracterizaba al Instituto Di
Tella y el Bar Moderno, epicentros del Underground porteño de esa época. Esa banda sonora
contiene temas compuestos especialmente para el film (no incluidos en ningún disco) y música
incidental, improvisada en el estudio, donde se aprecia la fuerza y creatividad del grupo. En el filme
Javier Martínez también debutó como actor, encarnando a "Paco", uno de los personajes
principales de la historia.
Disolución (1971)[editar · editar código]
Entre tanto, las discográficas multinacionales, ya convencidas de las posibilidades comerciales de
los grupos de Rock progresivo (a los cuales antes habían cerrado sus puertas), decidieron acabar
con los sellos independientes que competían con ellas contratando a toda costa a sus mejores
artistas. Por diversas razones, la relación entre los "Manales" y Mandioca se había deteriorado, y
una oportuna oferta de la compañía discográfica RCA los convenció finalmente de emigrar a una
discográfica importante. Manal firmó con RCA y entró a los Estudios Ion para grabar nuevos temas.
El primer sencillo publicado fue "Elena" con "Doña Laura" como lado B, y poco después salió a la
venta su segundo álbum, El León en el año 1971. Quizá debido al mal manejo de la discográfica
(que no sabía tratar con artistas de idiosincrasia "alternativa" ni promocionar adecuadamente sus
productos), ese material no obtuvo el éxito esperado. Ello, sumado a problemas de management y
a las divergencias personales y profesionales existentes entre sus integrantes, provocó la
prematura disolución de Manal a finales de 1971.
Reunión (1981)[editar · editar código]
Luego del éxito obtenido por el retorno de Almendra en 1980, Manal se reunió en 1981 (una
década después de su separación), para ofrecer varias presentaciones en Obras, las cuales
congregaron a casi veinte mil personas. Asimismo, el trío firmó con CBS un nuevo contrato
discográfico y entró en los estudios de la compañía para grabar con materiales inéditos el
álbumReunión. A lo largo de ese mismo año realizaron varios conciertos en las ciudades más
importantes del interior del país, culminando su gira nuevamente en Obras con el concierto "Chau
Manal". Las grabaciones realizadas durante esos recitales fueron posteriormente editadas (sin la
aprobación ni la supervisión de la banda) en el álbum Manal en Obras. A finales de 1981 Gabis
retornó a Brasil, mientras que y Martínez y Medina permanecieron en Argentina.
Manal (álbum)Manal es el primer álbum del grupo homónimo (Alejandro Medina, Claudio Gabis, Javier Martínez), una
de las bandas fundacionales del rock argentino.1 Fue producido, publicado y distribuido en 1970 por el
sello Mandioca.
El álbum esta calificado como el tercer mejor disco de la historia del rock argentino en la lista de los 100
Mejores elaborada por la revista Rolling Stone. Ha sido considerado uno de los pilares del rock nacional,
significo además la consagración del grupo. Aunque disuelto poco después, con el pasar de los años,
Manal se ha convertido en un grupo clásico del rock argentino.2
Historia[editar · editar código]
Después de que varios sellos discográficos rechazaran los demos que el grupo presentó, Alejandro
Medina, Claudio Gabis y Javier Martínezconocieron en una fiesta a Jorge Álvarez (un prestigioso
editor literario), quién junto a Pedro Pujó (ex compañero de Claudio Gabis en el Colegio Nacional
Buenos Aires), fundó el sello discográfico independiente Mandioca.2 Pocos días después, Álvarez y
Pujó asistieron a un ensayo del trío y, entusiasmados por lo que escucharon, decidieron producirlo.
Hasta entonces, el grupo era conocido en el ambiente musical y artístico como "Ricota", en alusión
al trío británico integrado por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce llamado Cream, (que quiere
decir 'crema' en inglés), pero ese nombre nunca fue asumido por sus miembros. Ya relacionados
con Mandioca, adoptaron como nombre definitivo Manal, propuesto en unbrain storming por Javier
Martínez.
La ideología vanguardista de Mandioca consiguió llevar al público la música y el arte del grupo.3 El
12 de noviembre de 1968 el trío debutó públicamente en la sala Apolo de la calle Corrientes, y
durante los meses siguientes realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad
de Buenos Aires. En el verano de 1969 se presentó junto a Los Abuelos de la Nada en Mar del
Plata, donde en algunas ocasiones Pappose sumó al trío como segunda guitarra. Pero fue en el
Festival Pinap, organizado a fines de 1969, que Manal logró su consagración. En esa época, la
banda realizaba conciertos prácticamente a diario.4 5
"Fue el día más glorioso de mi vida artística. A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió
el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los
tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y
la gente delirando. Manal se consagró ese día, se hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia".
Composición y grabación[editar · editar código]
Las sesiones de grabación se iniciaron a mediados de 1969, prolongándose hasta los primeros
meses de 1970. Se registraron nueve temas, dos de los cuales fueron descartados, aunque luego
se incluyeron en un álbum doble editado en 1973.
El célebre clásico "Jugo de tomate" fue escrito por Javier Martínez durante una navidad en La Perla
del Once.7 El estribillo de la canción es una metáfora sobre lo que se necesita para alcanzar el
éxito en la sociedad de consumo.2 El tema, introducido y cerrado por un riff de guitarra construido
sobre la escala de blues, repite cuatro veces una forma "A-B" única de 16 compases (8 de verso
sobre el acorde de A7 y 8 de estribillo en sus relativos menores B-7 y F#-7). El arreglo tiene
reminiscencias del rock-blues sureño de Estados Unidos, evocando un poco el estilo deCreedence
Clearwater Revival.
"Porque hoy nací" fue grabado solo por Javier Martínez (guitarra y voz) y Claudio Gabis (órgano
Hammond), en una sesión a la que faltó Alejandro Medina, que se encontraba enfermo. La letra
incursiona en el existencialismo y la armonía es compleja y nada convencional.2 El elemento más
característico del tema es el uso que hace Martínez del registro grave de su voz, creando un
clima mántrico que sustenta los fraseos de órgano en el solo del medio y en la coda final de la
canción. Aunque inicialmente fue considerada como un demo, su originalidad convenció a músicos
y productores de incluirla en el disco. En esa sesión también se grabó la versión acústica de "Blues
de la Amenaza Nocturna", de Martínez, publicada en un álbum doble editado en 1973. En la misma
Martínez canta y toca guitarra y Gabis la armónica.
"Avenida Rivadavia" es el único tema en el que Alejandro Medina es la voz líder con
reminiscencias de soul en su canto. Su arreglo combina elementos de rock y blues con un
tratamiento rítmico y tímbrico propio del jazz.2 La secuencia armónica parte de la estructura de un
blues menor, pero deriva hacia otros grados de la tonalidad. El solo de guitarra usa, como en
"Avellaneda Blues", fraseología propia de ese género, y el bajo y la batería tocan en swing. En
ambos temas, además, título y letra mencionan explícitamente lugares y situaciones propias de la
geografía y la cotidianidad porteñas.
La letra de "Todo el día me pregunto" es una descripción del "naufragio", forma de vida propia de
los tiempos en que funcionaba La Cueva. Uno de sus versos: "Para que vivo así/caminando sin
parar/casi siempre sin dormir", alude a la costumbre adoptada por algunos frecuentadores del local
de consumir pastillas para permanecer despiertos.2 Su estructura armónica es la de un blues, pero
utiliza resoluciones poco habituales en cada uno de sus grados
(tónica, subdominante y dominante). Al tema propiamente dicho, compuesto por Martínez (letra y
música), se añadió en el arreglo un interludio instrumental compuesto por Medina y Gabis. La letra
se inscribe en el clasicismo más riguroso del género blues, tanto emotiva como formalmente.
"Avellaneda Blues" es considerada la canción inicial del blues en castellano. La obra evoca
imágenes de un amanecer melancólico en Avellaneda, un suburbio portuario e industrial de Buenos
Aires. El tema se gestó a partir de una caminata de Claudio Gabis y Luis Gambolini por las vías
de Avellaneda y Gerli. Inspirado por el paseo, Gabis compuso una secuencia armónica y un
borrador inicial de la letra de la futura canción. Pocos días después, en una fiesta, le enseño esos
acordes y el borrador a su compañero Javier Martínez, quién compuso la lírica definitiva.5 Se trata
de una forma de blues con numerosos acordes de paso, una resolución que sustituye el acorde
dominante por una cadencia que desciende hacia la tónica (acordes bIII / II-7 / I ) y una coda que
se repite al final de cada verso (acordes I / II-7). La armonía y el arreglo son afines al jazz, con la
batería llevando la base muy libre, la línea de bajo walking, y la sonoridad de la guitarra limpia,
como corresponde a ese género.
El trío Manal: arriba Claudio Gabis, abajo Javier Martínez y Alejandro Medina.
"Una casa con diez pinos" está inspirada en un lugar real, una casa quinta situada en la localidad
de Monte Grande, al sur de la ciudad de Buenos Aires. Con cinco pinos a cada lado de la entrada,
ese inmueble había sido alquilado por Marcela Pascual (una amiga de Tanguito) al pintor Roy
Macintosh, su propietario. A la casa concurrían artistas como Tanguito, Pajarito
Zaguri, Pappo y Javier Martínez. Durante el día, los visitantes ocupaban el parque de una hectárea
componiendo música, pintando o dibujando. Por la noche se juntaban en la casa y se mostraban
sus obras. En ese contexto bohemio Martínez compuso la canción.8 Es la canción más dharma del
álbum. Habla de escapar de la vida solitaria en la ciudad, para irse con los amigos a una casa en el
campo, al margen de la sociedad. El arreglo del tema se inicia con un inusual solo de batería, tras
el cual entra todo el grupo. La línea de bajo de Medina apoya y responde a la voz soulera de
Martínez. La guitarra emplea también recursos propios del soul, inspirados en el estilo del
guitarrista Steve Crooper.2La coda final alterna un scat de Martínez con fraseos de la guitarra.
Javier Martínez dice haber compuesto "Informe de un Día" en la casa de Pipo Lernoud, luego de
llevar dos días sin dormir. La temática de la letra tiene connotaciones existencialistas,7 además de
hablar sobre la rutina del hombre como del intento de escarparse de la misma.2 La parte "A" (16
compases) explota la sonoridad bluesy de la cadencia formada por los acordes E7(#9) y F#7(#9);
la parte "B" (8 compases) transita grados del intercambio modal. El arreglo fusiona elementos
de rock duro y blues con un tratamiento rítmico propio del jazz. La base es llevada por la batería
tocando en swing, acompañada por una típica línea de bajo walking, pero con sonido
distorsionado. La guitarra también utiliza un timbre distorsionado,2 9 tocando notas prolongadas y
haciendo uso del feed back (acople). El solo se inicia con una sección free, en la que
hacen contrapunto batería y bajo sobre un tempo tácito, entrando luego el solo de guitarra sobre el
ritmo ya restablecido de la base. Martínez lleva la voz líder, apoyado en los coros de los estribillos
por Medina.
El álbum se registró, al igual que otros álbumes de rock de la época como Almendra y Los Gatos,
en los Estudios TNT que se encontraban en la calle Moreno al 900, próximos a la Avenida 9 de
Julio. La producción artística corrió por cuenta del grupo. Los ingenieros de grabación fueron
Salvador y Tim Croatto, ex-miembro de Los TNT y propietario del estudio.5
Portada[editar · editar código]
El álbum es conocido como La Bomba, porque su portada muestra la imagen de
una bomba compuesta con las caras de los integrantes del grupo. El fondo de la portada es de un
intenso coloramarillo y en la esquina derecha superior figura el nombre del álbum en rojo. En la
esquina opuesta se lee el nombre del sello: Mandioca. La gráfica fue obra de Rodolfo Binaghi. La
contraportada es igual a la portada, solo que la bomba esta al revés. El álbum se abre en dos
(como si fuera un álbum doble, también conocido como tapa doble), una presentación muy lujosa
en esa época. En su interior contiene fotos de la banda y datos sobre las fechas de grabación, lista
de canciones y un comentario escrito por el periodista Juan Carlos Kreimer. Las fotos pertenecen a
Ricardo Rodríguez. En la foto central puede verse, atrás de Javier Martínez, el póster oficial del
grupo, publicado por "Mano de Mandioca", obra del fotógrafo Rodolfo Vanni.5
El Leon
El león es el segundo álbum de estudio del trío Manal (Alejandro Medina, Claudio Gabis y Javier Martínez), considerado junto a Los Gatos yAlmendra grupo fundacional del movimiento de rock
argentino1 y el primero en abordar el género blues cantando letras en castellano. El álbum salió a la venta en 1971, y poco después la banda se disolvió.
Características[editar · editar código]
En comparación con Manal, primer álbum del grupo, El león posee una sonoridad más rockera y
está interpretado con más energía que su predecesor. Tanto los arreglos instrumentales como los
vocales de Javier Martínez se inscriben en un estilo de rock más pesado. La guitarra explota casi
invariablemente el timbre distorsionado, y la sección rítmica suena siempre en primer plano (por
ejemplo en "Paula quiero ver donde estas", una canción con un estilo parecido a "I Want You"
de The Troggs o incluso a "Dazed and Confused" de Led Zeppelin). El álbum comienza con mayor
velocidad, gracias a "No hay tiempo de más".
Aunque para muchos Manal es un trabajo más refinado que El león, los fans del rock duro lo
consideran como un álbum de igual calidad que el anterior. La re-edición de 2004 por BMG
Argentina añade cuatro pistas in-editas.
La reunión
Reunión es el tercer álbum de estudio de Manal, grupo fundacional del rock argentino.1 Fue
grabado y publicado por la discográfica CBS en 1981, durante el breve periodo en que el trío se
reunió para realizar una serie de conciertos en Buenos Aires y otras ciudades argentinas.
Luego de estar diez años separados desarrollando sus propios proyectos, Alejandro
Medina, Claudio Gabis y Javier Martínez regresaron con un sonido más moderno y un estilo
distinto al de sus trabajos anteriores, incorporando a su tradicional base de rock y blues elementos
de jazz fusióny también ritmos latinos. Mientras que en los discos anteriores la mayoría de las
composiciones pertenecían a Martínez, Reunión incluye, en igual proporción, temas de los tres
componentes del grupo.
Características[editar · editar código]
"La Centuria", tema compuesto por Claudio Gabis, es el único instrumental del álbum. Está
inspirado en dos obras literarias: Las centurias, del astrólogo Nostradamus, y la novela de Arthur C.
Clark El fin de la infancia. La centuria alude al momento utópico en que la humanidad, tal como la
conocemos, llegaría a su fin (el Apocalipsis), para sufrir un cambio radical y alcanzar un nivel de
mayor espiritualidad y conocimiento.
"Como si fuera a tocar las estrellas", una continuación de "Más allá del Valle del Tiempo", tema del
primer disco solista de Gabis (1972), es una reflexión sobre el lugar que ocupa el hombre en el
universo.
http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Reuni%C3%B3n_(%C3%A1lbum_de_Manal)&veaction=edit§ion=1
"Doblé en una esquina" relata un episodio de amor a primera vista con una muchacha que
promociona golosinas en una esquina de la ciudad.
"Nos veremos mañana" habla de la esperanza de un mañana a un amor, en un momento que es
efímero.
"Te dare mi mano" habla de aquellas cosas que muchas veces son obvias, fácilmente visibles, pero
que no las vemos a menos que alguien nos las diga. También pone en manifiesto la igualdad de
nuestro pensamientos, de que ninguna persona, sea literato, poeta, etc, sabe más que el otro, o
también que nadie tiene la verdad.
"Juega el juego jugador" pone en manifiesto una frase de su creador, Alejandro Medina: "Yo nunca
sé cual es la nota que voy a tocar, pero la nota lo sabe", poniendo en evidencia una forma de vida
más arriesgadamente libre y menos sujeta a los planes.
"Tengo algo en mi mente para vos" es una oda a la felicidad en honor a aquellas cosas positivas de
la vida.
"Sacudeme la vida" es un canto de amor, un llamado del hombre hacia la mujer. Habla también de
la necesidad de alejarse de alguien, para luego regresar con fuerzas renovadas.
Los Gatos
Los Gatos fue una de las primeras bandas argentinas de rock. Formada en 1967 luego de la
separación de Los Gatos Salvajes, se la considera grupo fundacional del rock argentino, junto
con Almendra y Manal 2 , y precursora del rock de autor en idioma español. Fue también la primera
en componer íntegramente su propio material.
Su primer éxito, «La balsa», es considerado la canción fundadora del rock argentino.[cita requerida]
El inicio[editar · editar código]
Comenzaron a tocar en La Cueva de Buenos Aires, un pequeño y precario club
de jazz nocturno underground ubicado en la Av. Pueyrredón 1723, donde se concentraban los
escasos músicos y seguidores del rock local. En marzo de 1967 se formó entonces Los Gatos con
Kay como guitarrista, Litto Nebbia en primeras voces y armónica, Ciro Fogliatta en teclados y
órgano, Alfredo Toth en bajo y Oscar Moro en batería.
El grupo tuvo su epicentro en el triángulo formado por La Cueva, el Instituto Di Tella (Florida 900)
y Plaza Francia.3 Algunos de esos grupos y músicos pre-balsa fueron: Los Gatos Salvajes (Litto
Nebbia, Ciro Fogliatta), The Seasons (Carlos Mellino, Alejandro Medina), Los Beatniks (Javier
Martínez, Pajarito Zaguri, Mauricio Birabent), Los In (Francis Smith), Miguel
Abuelo, Tanguito,Pappo, y los periodistas y poetas fundacionales del rock argentino, Pipo
Lernoud y Miguel Grinberg.
Por las noches, cuando terminaban las funciones en La Cueva, los rockeros iban a amanecer a las
plazas o a los bares que permanecían abiertos toda la noche.
Cuando salíamos de la Cueva, si era verano nos íbamos a una plaza, y si era invierno nos íbamos a un bar, y
nos quedábamos hasta las 8 de la mañana. En esas guitarreadas Litto cantaba sus canciones y Moris, Javier
y Tango cantaban las suyas. Esa época fue bastante parecida a la del tango.4
Entre esos bares estaba la pizzería La Perla (del Once), frente a Plaza Miserere, en la esquina de
la avenida Rivadavia y Jujuy. El lugar era un punto de encuentro habitual porque estaba a la vuelta
de la pensión Santa Rosa en la que vivían Kay, Ciro, Litto Nebbia y otros músicos. Allí Litto Nebbia
y Tanguito compusieron La Balsa en el otoño de 1967.
En junio de 1967 Los Gatos grabaron dos temas de rock en español para el sello RCA (Vik): Ayer
nomás (tema compuesto por Mauricio Birabent) y La Balsa. El 3 de julio ambos temas fueron
lanzados en un simple, que se convirtió en un éxito masivo e impensado entre la juventud,
vendiendo 250.000 placas y volviéndose (La balsa) el tema del verano 1967/1968. El éxito
desmintió la opinión, por entonces casi unánime, de que el rock debía cantarse en inglés y que el
español carecía de la sonoridad adecuada y sería rechazado por el público.
Pocos meses después Los Gatos lanzaban su primer álbum, con la mayoría de los temas de rock
en español compuestos por Litto Nebbia. El primer álbum de Los Gatos estaba integrado por 11
temas, todos de Litto Nebbia, excepto uno de ellos en coautoría, La Balsa (con Tanguito) y otro que
pertenecía a Moris, Ayer Nomás. Encabezado por La Balsa, el disco incluía los otros dos temas
que se volvieron éxito: Ayer Nomás y El Rey Lloró.
El éxito de ventas, pronto abrió las puertas de la televisión y Los Gatos con Litto Nebbia a la
cabeza, se volvieron "rock stars". Poco después La Balsa se constituía en el tema del verano
1967/1968.
Miguel GrinbergMiguel Grinberg (Buenos Aires, 1937), escritor, poeta y periodista de la "Generación del '60";
especialista en movimientos juveniles y pensamiento prospectivo. Ha sido reconocido por su condición
de promotor de la poesía castellana en el rock argentino, junto con pioneros del género
como Tanguito, Javier Martínez, Miguel Abuelo, Moris, Litto Nebbia, Pajarito Zaguri y Pipo Lernoud.
Alumno del futurista John Mc Hale y discípulo del monje trapense Thomas Merton.
Imaginador, editor y director de las revistas Eco Contemporáneo, Contracultura y Mutantia.
Creador del sistema Holodinamia de Meditación Integral, para el desarrollo natural del potencial intuitivo.
Fue citado por Martin Scorsese al final de su documental acerca de Bob Dylan, donde aparece una foto
suya junto a Allen Ginsberg, quien dio sus testimonio para el film.1
En 2012, editó el anuario Mutantia25 con textos propios.
Década de 1960[editar · editar código]
En 1962, Grinberg creó "Nueva Solidaridad", una asociación de poetas de América, traduciendo y
difundiendo en profundidad a los poetas de laGeneración Beat norteamericana y de las nuevas
corrientes latinoamericanas, mientras pugnaba en la Argentina, junto a un grupo de jóvenes
músicos y poetas (Moris, Pipo Lernoud, Miguel Abuelo, Tanguito, Javier Martínez y Luis Alberto
Spinetta entre muchos otros) por la adopción del idioma castellano como lengua del rock nacional.
Por ese motivo se lo considera uno de los legendarios impulsores del movimiento rockero
argentino. Fue concurrente habitual de las míticas reuniones en los bares La Cueva y La Perla del
Once.
Mientras, Grinberg se hizo amigo de muchos poetas estadounidenses; vivió en Estados Unidos;
participó del nacimiento del movimiento hippie. Fue activista pacifista en la generalizada oposición
a la Guerra de Vietnam y la lucha de los negros por sus derechos civiles.
Ha recordado esta época en los libros Beat days,2 La Generación de la Paz; La Nueva Revolución
Norteamericana; La Generación V, y Poesía y Libertad, entre otros.
Libros[editar · editar código]
Ha escrito más de 50 libros, entre ellos:
América Hora Cero (poemas). Bs. As.: Poesía-Ahora (1965)
La Nueva Revolución Norteamericana. Bs. As.: Ed. Galerna (1968)
Ciénagas (poemas). Bs. As.: Eco Contemporáneo (1974)
Marcuse y la Sociedad Carnívora. Bs. As.: Ed. Eco Contemporáneo (1975)
La Generación de la Paz. Bs. As.: Ed Galerna (1984)
Ecología Vivencial. Bs. As.: Agedit (1988)
Introducción a la Ecología Social. Bahía Blanca: Fundación Senda (1991)
Mario Soffici (biografía). Bs. As.: Centro Editor de América Latina (1993) ISBN 950-25-3160-5
Ecología Cotidiana. Bs. As.: Planeta (1995)
Ecofalacias. Bs. As.: Ed. Galerna (2000)
Edgar Morin y el pensamiento complejo. Madrid: Campo de Ideas (2002) ISBN 84-96089-03-7
Opus New York (poemas). Bs. As.: Ed. Aurelia Rivera (2002)
Días Beat/Beat Days. Bs. As.: Ed. Galerna (2003)
La Generación "V". La insurrección contracultural de los años 60. Bs. As.: Emecé (2004) ISBN
950-04-2544-0
Evocando a Gombrowicz. Bs. As.: Ed. Galerna (2004) ISBN 950-556-457-0
Ken Wilber y la psicología integral. Madrid: Campo de Ideas (2005) ISBN 84-96089-21-5
El poder de la oración. Bs. As.: Deva's (2005) ISBN 987-1102-40-2
Desarrollo intuitivo. Bs. As.: Mutantia (2006) ISBN 950-9285-12-9
Celebración de la vida intensa. Bs. As.: Deva's (2006)
Somos la gente que estábamos esperando. Bs. As.: Ed. Kier (2006) ISBN 950-17-4508-2
Ternura: deleite supremo. Bs. As.: Ediciones Pausa, de Capital Intelectual (2008) ISBN 978-
987-614-111-6
Cómo vino la mano. Orígenes del rock argentino. Bs. As.: Ed. Gourmet Musical (2008) ISBN
978-987-22664-3-1 / 4ª edición aumentada del original de 1977 con apéndice de artículos en
revistas especializadas.
Poesía y Libertad. Rosario: Editorial Fundación Ross (2010) ISBN 978-987-1133-96-3
Apasionados por el Rock. Bs. As.: Editorial Atlántida (2010) ISBN 978-950-08-3845-0 Con
Hoby DeFino.
Poesía y Poetizar. Bs. As.: Ed. del Último Sábado (2010) ISBN 987-26087-0-5 Con Daniel E.
Serra.
Decrecer con equidad - Nuevo paradigma civilizatorio. Bs. As.: Editorial Ciccus (2011) ISBN
978-987-1599-67-7 Con Lucio Capalbo, Ezequiel Ander Egg, Antonio Elizalde Hevia y Ervin
Laszlo.
Ecofalacias. Rosario: Editorial Fundación Ross (2012) ISBN 978-987-1747-35-1
Mutantia 25 - Nuestro Espacio Sagrado. Bs. As.: Ed. del Nuevo Extremo (2012) ISBN 978-987-
609-340-8
Pipo LernoudPipo Lernoud, nombre artístico de Alberto Lernoud1 (n. 1946 en Buenos Aires) es
un poeta, compositor, periodista y precursor de la agricultura ecológica u orgánica en Argentina.
Considerado uno de los fundadores del rock nacional argentino. Autor de canciones muy conocidas
como Ayer nomás (junto con Moris) y La princesa dorada. Fue fundador y director de revistas de rock
como El Expreso Imaginario, Canta Rock,entre otras.
iografía[editar · editar código]
Integró el puñado de rockeros que se concentraron en Buenos Aires y dieron origen al rock
nacional argentino. Ese grupo tuvo su epicentro en el triángulo formado por un precario local
musical nocturno llamado La Cueva, el Instituto Di Tella (Florida 900) y Plaza Francia.2 Algunos de
esos grupos y músicos pre-balsa fueron: Los Gatos Salvajes (Litto Nebbia), The Seasons (Carlos
Mellino, Alejandro Medina), Los Beatniks (Javier Martínez, Ciro Fogliatta, Mauricio Birabent), Los In
(Francis Smith), Miguel Abuelo, Tanguito, Daniel Irigoyen, Pappo, Oscar Moro, Pajarito Zaguriy los
periodistas y poetas fundacionales del rock, el mismo Lernoud y Miguel Grinberg.
El 21 de septiembre de 1967, junto con el Colorado Mario Rabey y Hernán Pujó , fue el promotor
de la primera reunión hippie en Argentina, realizada en la Plaza San Martín de Buenos Aires.3
En 1967 se instaló con Tanguito y Miguel Abuelo en Capilla del Monte para hacer una experiencia
de vivir de la tierra, inspirado por su propio amor al campo desde la infancia y el movimiento hippie
que ese año tomaba fuerza. A pesar de que sus compañeros se fueron al poco tiempo él se quedó
un año.
En 1976, con Jorge Pistocchi y el empresario Alberto Ohanian, fundó la revista Expreso Imaginario,
la primera revista que analizó seriamente la cultura rock en Argentina. Luego dirigió la revistaCanta
Rock, que jugó un importante papel en popularizar el rock luego de la Guerra de Malvinas (1982).
Simultáneamente se dedicó a promover la agricultura orgánica, constituyéndose en uno de los
precursores de la actividad en América Latina.
En los años 90 escribió el libro Tanguito y La Cueva. En 1995 organizó un equipo de investigación
con músicos como Rodolfo García y periodistas como Alfredo Rosso y Claudio Kleiman para
realizar una enciclopedia del rock argentino, que publicaron al año siguiente. En 1996 organizó una
exposición sobre los 30 años del rock, Rock Nacional 30 años, producida por Alberto Ohanian.
A pesar de ser presentado desde los 60 como un poeta, Lernoud publicó su primer libro de poemas
en 2007. Los temas que sustentan los poemas y la acción ambientalista de Lernoud están
relacionados con la filosofía oriental, la meditación, las experiencias psicodélicas y el yoga.
Obra[editar · editar código]
Ayer nomás (canción), 1967, interpretada por Moris y por Los Gatos
La princesa dorada (canción), interpretada por Tanguito
Tanguito y La Cueva, libro
Enciclopedia Rock Nacional 30 Años. De la A a la Z, 1996 (Director)
Sin tiempo, sin memoria, libro de poemas, 2007
Activismo ecologista[editar · editar código]
Cofundador y vicepresidente del Movimiento Argentino para la Producción Orgánica (MAPO) y
miembro de la Federación Internacional de Movimientos de Agricultura Orgánicos (IFOAM).1
En 1980 empezó escribiendo artículos ecologistas en el Expreso Imaginario, en una célebre
columna para el movimiento ecologista argentino, llamada "Guía práctica para habitar el planeta
Tierra". Fue el revisor del primer libro sobre cultivos orgánicos publicado en América Latina.
En los años 80 formó una cooperativa ecologista llamada Al Pan Pan y luego instaló un tambo y
granja orgánica en Alberdi, en una porción de campo heredado de su padre.
Administra un comercio de alimentos orgánicos llamado “El Rincón Orgánico”. También es
miembro de Cocina de la Tierra, una fundación que fomenta el uso de productos indígenas y
protege la biodiversidad.1
