EUROPA (S. XIV)

-Depresión económica: malas cosechas y hambrunas

-Peste negra: acabó con un tercio de la población

-Guerra de los Cien Años, revueltas campesinas por toda Europa

-Crisis en la iglesia: Felipe el Hermoso nombra papa a Clemente V y traslada el papado a Avignon, clérigos corruptos, fuertes críticas a la iglesia.

-Innovaciones técnicas, se da más importancia a la ciencia y a los sentidos, Guillermo de Ockham. El tiempo pasa de ser un FLUIR a tener RITMO.

-Mayor realismo en el arte: Giotto pinta con profundidad, Decamerón, Divina Comedia (lenguas vernáculas).

-Cierto auge de la música profana.

-En el Roman de Fauvel aparecen 169 piezas musicales: es una obra alegórica sobre la corrupción política y eclesiástica. Son las primeras piezas del Ars Nova.

ARS NOVA

Así llamado por el tratado de Philippe de Vitry, introduce innovaciones rítmicas que permiten la división doble (imperfecta) de los valores de las notas, frente a la división triple (perfecta) traducional. Se introduce una nueva figura rítmica, la mínima, y los signos de mensuración, antecesores de nuestros signos de compás. La nueva notación permite por una flexibilidad rítmica mucho mayor y también la sincopación. Sin embargo, tuvo detractores, como Jacobo de Lieja.

Los motetes de esta época utilizan un mecanismo llamado isorritmo, según el cual el tenor está dispuesto en segmentos de idéntico ritmo y repite también un segmento melódico, que no tiene por qué ser coincidente con el rítmico. Estos se denominan, respectivamente, talea y color. Las voces superiores pueden ser también isorrítmicas, en parte o por entero.

En algunas obras se emplea una técnica denominada hoquetus (que proviene de hoquet, hipo en francés), según la cual dos voces se alternan y se suceden, guardando silencio una mientras la otra canta. Las piezas que hacen un uso extensivo de esta técnica se denominan también de este modo.

En la práctica armónica, el Ars Nova da mucho más predominio a las consonancias imperfectas, es decir, terceras y sextas, aunque estas siempre deben acabar resolviendo en una consonancia perfecta.

GUILLAUME DE MACHAUT

Es uno de los primeros autores con conciencia de sí mismos en tanto que creador individual, pues mandó recopilar toda su obra. Escribe en todos los géneros, motetes, misas y chansons, aunque es en estos dos últimos en los que hace su mayor aportación.

La Messe de Nostre Dame es una de las primeras misas concebidas como una sola composición y no como combinación de movimientos individuales, pues los seis movimientos se vinculan por su similitud estilística y por ciertos motivos recurrentes en todos ellos, reincidiendo

además en la nota re en los tres primeros y en el fa en los tres últimos. Cuatro de los movimientos son isorrítmicos.

Escribe también canciones, tanto monofónicas como polifónicas en las tres formes fixes:

1. Virelai: consta de tres estrofas y un estribillo, siguiendo el esquema A bba A bba A bba A. La frase b puede tener final abierto o cerrado, y la mayoría son monofónicos, aunque hay algunos polifónicos. Tienen temática amorosa o describen la naturaleza.

2. Rondeau: tiene una sola estrofa y su estructura es ABaAabAB; normalmente trata temas amorosos.

3. Ballade: conta de tres estrofas con estructura aab, cada una con la misma música y cada una seguida del mismo verso, que sirve de estribillo. Es apropiada para temas más serios, filosóficos o históricos u homenajear a una persona.

El estilo de las chansons es de tipledominante, en el que la voz superior es la principal y expone el texto, denominándose treble o cantus. Esta es apoyada por el tenor y se le pueden añadir un contratenor y, más raramente, un triplum en tesitura de tiple.

ARS SUBTILIOR

Es un estilo surgido a finales del siglo XIV en la corte papal de Avignon de una inmensa complejidad, pues desarrollaba todas las posibilidades posibles en cuanto a ritmo, melodía, contrapunto y notación, por lo que era música muy elitista y hecha para entendidos. Utilizan las formes fixes. Uno de los compositores más importantes fue Johannes de Ciconia.

MÚSICA ITALIANA S. XIV

La fuente escrita más importante de polifonía profana italiana es el Codex Squarcialupi, que contiene más de 300 canciones y que, por desgracia, es tardía y no muy fiable.

-Madrigal: es una canción sin acompañamiento instrumental a dos o tres voces que cantan el mismo texto. Consta normalmente de varias estrofas de tres versos a las que siguen otros dos versos concluyentes con una música y compás distintos que actúan como estribillo o ritornello. En el madrigal, las voces son relativamente iguales, imitándose en ocasiones o utilizando la técnica de hoquetus. Temática idílica, pastoral, satírica o amorosa.

-Caccia: homóloga de la chace francesa, se trata de una melodía popular que se elabora mediante un canon al unísono. El nombre caccia hace referencia a las dos voces, que se persiguen una a la otra. También puede evocar escenas de caza u otras situaciones, utilizando efectos vocales que imitan la realidad.

-Ballata: muy similar a la ballade francesa, apareció más tarde que los otros dos géneros y está muy asociada a la danza. Tiene forma AbbaA y normalmente está escrita en estilo de tiple dominante.

FRANCESCO DE LANDINI (ca. 1325-97) es el compositor más importante del Trecento italiano. Escribió 140 baladas, la mayoría en estilo de tiple dominante y semejantes en estilo a las chansons de Machaut. Abundan las consonancias imperfectas y los melismas en la primera y penúltima sílabas de un verso. La cadencia Landini, típica en toda la música de esta época, consiste en el descenso de un tono de la voz del tenor y de un ascenso de tercera en la voz superior.

Hacia el final del siglo XIV Italia perdió su singularidad musical y su estilo se fusionó con el francés.

ORGANOLOGÍA: para estos compositores no era importante el modo en el que se interpretasen las voces secundarias, podía hacerse tanto con instrumentos como vocalmente: dependía de las circunstancias. Se solían agrupar los instrumentos de timbres contrastantes y se dividían en haut y bois según su volumen y no según su registro.

MÚSICA FICTA

Consiste en la alteración de ciertas notas con el fin de evitar disonancias como el tritono o generar una armonía más dulce en las cadencias. De esta manera surgían notas que se situaban fuera del sistema hexacordal situando las sílabas mi y fa sobre notas en las que no debían figurar. Se buscara así que las sextas que se abren a una octava en las cadencias sean siempre mayores, y que las terceras que resuelven en un unísono, menores; pues era preferible que la consonancia imperfecta se situase lo más cerca posible de la perfecta a la que se dirigía.

Los símbolos de alteración utilizados no se escribieron de modo coherente en los distintos manuscritos, ya que se salían del marco teórico de la época y los copistas podían ser reacios a escribir notas “de otra mano”. Esto no suponía un problema, pues se supone que los cantantes estaban entrenados para reconocer las situaciones donde determinadas notas debían ser alteradas y a hacerlo sobre la marcha. Así, el término música ficta se emplea para toda alteración surgida por el contexto y no por la notación.

RENACIMIENTO

La situación económica del siglo XV es boyante, muy distinta de la vivida en el XIV. La economía europea empieza a crecer con el descubrimiento de América y el establecimiento de nuevas rutas comerciales, haciendo que una pujante clase media crezca también en número y calidad de vida. Se comenzaron a estudiar los escritos de la antigüedad grecorromana y se potenciaron los estudios humanistas, de los que también la iglesia se alimentó. El David de Donatello simboliza perfectamente la nueva ideología artística, pues es un desnudo que exhibe la belleza de la figura humana y que, en su naturalismo, concorda con el empeño realista de comprender el mundo como es en realidad. En pintura se inventa la perspectiva, que da sensación de profundidad, y aparece también el claroscuro, un tratamiento naturalista de la luz. Los numerosos retratos dan fe del interés de los artistas por el individuo, que en música dará lugar a la expansión del concepto individualista del artista.

El ámbito de las piezas renacentistas se ampliará, y se buscará el contraste textural y de registros, así como la construcción de una estructura clara.

La actividad de los músicos se desarrolló fundamentalmente en las capillas, grupos de músicos y clérigos asalariados de las cortes europeas y asociados a un gobernante, algo que dio lugar a competiciones. Los músicos estaban abocados a una gran movilidad en esta época y se daba en las cortes la presencia de diferentes nacionalidades, lo que fomentó el desarrollo de un estilo internaciona que sintetizaba elementos de las tradiciones francesa, inglesa e italiana.

EL NUEVO ESTILO

La música de esta época dio más valor a las consonancias (incluidas terceras y sextas), controlando estrictamente la disonancia. Se da más valor por tanto a la belleza, el orden y agrado de los sentidos, en una actitud humanista. Tinctoris distingue en Liber de arte contrapuncti la práctica nueva de la antigua.

En el siglo XV comenzó a extenderse la tendencia a otorgar el mismo protagonismo a todas las voces, en lugar de estructurarse la música alrededor del cantus y el tenor. Aparecen así dos nuevos estilos: el contrapunto imitativo y la homofonía.

NUEVAS AFINACIONES

La predominancia de terceras y sextas hizo necesario revisar los sistemas de afinación, pues la entonación pitagórica empleada en la Edad Media, cuartas y quintas perfectas; mientras que la tercera era muy áspera. Bartolomé Ramos propuso el sistema de entonación justa, que producía terceras y sextas perfectamente afinadas (la tercera mayor con proporción 5/4). Esto tenías sus desventajas, pues ciertas notas tenían que quedar afinadas y no era un sistema adecuado para instrumentos como el laúd o la tecla. En estos instrumentos se utilizaron los llamados temperamentos, como el mesotónico, en el que las quintas tienen un tamaño menor; o el temperamento igual, que iguala las distancias entre todos los semitonos.

LA TEORÍA GRIEGA

Puesto que no se conservó apenas música griega, la influencia de esta cultura sobre la música fue fundamentalmente teórica. Se vuelve así a entender la música como parte de la educación de los ciudadanos (Platón) y como algo ligado de modo casi inseparable a la poesía, lo que conlleva un mayor cuidado en la puntuación del texto a través de cadencias y, por ende, en la estructura de la música.

LA MÚSICA INGLESA

Durante la Guerra de los Cien Años y la ocupación inglesa en Francia tuvo un impacto sobre los compositores continentales, que asimilaron la contenance angloise, consistente en el uso frecuente de terceras y sextas armónicas a menudo en paralelo, lo que dio lugar a una música muy consonante. El fraseo era regular y las melodías simples. Este predominio de terceras y sextas en música sacra desembocó en el uso de faburden, una práctica de polifonía improvisada en la cual se añadía al canto llano una tercera inferior y una cuarta superior moviéndose todas las voces paralelamente. Algunos géneros importantes son la cantilena, similar al conductus, el motete isorrítmico o el carol, canción monofónica de danza.

JOHN DUNSTABLE

Es el compositor inglés más importante de la época. Escribió en todos los estilos principales de polifonía (motete isorrítmico, misas, etc.). Sus obras más relevantes son piezas sacras a tres voces, algunas con un cantus firmus en el tenor y otras elaboradas mediante técnica de paráfrasis, en la cual se proporciona un ritmo a una melodía de canto llano en la voz superior y se ornamenta añadiendo notas. Una de sus obras más importantes, toda de nueva composición, es O quam pulchra es, composición libre, homorrítmica y de texto en latín, por lo que puede ser clasificada como cantilena o motete.

El estilo inglés indujo así a los compositores continentales a adoptar texturas homorrítmicas e interválicas de tercera y sexta, así como una textura a tres voces en la que la superior era solo ligeramente predominante.

LA MÚSICA EN LOS PAÍSES BORGOÑONES

La capilla de la corte borgoñona gozó de un gran prestigio durante el siglo XV e influyó en otras como la alemana o la romana.

El compositor más importante de la corte de Felipe el Bueno fue Binchois, muy apreciado por sus chansons, un género que, generalmente, tenía temática amorosa en la tradición del amor cortés. Las chansons tienen casi siempre ritmo ternario aunque es muy frecuente la hemiolia, como en De plus en plus, no llegando a ser nunca tan intrincado como los ritmos de Machaut o del Ars Subtilior. A pesar de ello, este estilo contrasta con el inglés, pues es mucho más rítmico y menos claro.

GUILLAUME DUFAY

Compone en una mezcla de estilos, integrando la consonancia y homofonía inglesas con el ritmo y el cuidado en la estructura franceses y la cualidad melódica italiana. Su música es muy cosmopolita pues vivió en Francia, Italia y el sur de Alemania, y se han encontrado manuscritos de su música a lo largo de toda Europa.

Su chanson borgoñona se estructuraba a través de dos voces (cantus y tenor) entre las cuales se intercalaba un contratenor que rellena la armonía. Tiene normalmente forma de ballade (aab con estribillo) frecuentes síncopas y algunas disonancias pero suaves contornos melódicos. Su chanson más conocida es Se la face ay pale, de forma libre.

Su música sacra se asemeja en la textura a la chanson. Explota en ella la técnica del fauxbourdon, inspirada en el faburden inglés y que movía las voces paralelamente cadenciando en una quinta y una octava.

LA MISA POLIFÓNICA

Durante el siglo XV comienzan a aparecer las misas concebidas como una unidad conceptual a partir de las cinco partes del Ordinario, y se intenta dotar de conexión y cohesión al conjunto. Para esto muchas movimientos se basaban en un canto llano para ese texto concreto: es la misa en canto llano. Más allá iba la práctica de comenzar cada movimiento con el mismo motivo melódico para proporcionar unión. Las misas que utilizan este procedimiento son conocidas como misa motto. Existen otros tipos:

1. Misa cantus firmus o misa de tenor: todos los movimientos se construyen sobre un mismo cantus firmus ubicado en el tenor, normalmente sobre un esquema isorrítmico.

2. Misa de imitación/cantus firmus: misas que toman su tenor de una canción polifónica y adaptan también otros elementos. Se suelen titular con el nombre de la chanson original. Una de las más famosas fue L’homme armé.

En esta época surgen las cuatro voces canónicas que se conservan hoy día: bajo, tenor, alto y soprano. Por debajo del tenor se añadió el bassus, para que el compositor pudiese dar a la música el fundamento armónico deseado.

LOS COMPOSITORES FRANCO-FLAMENCOS

Los compositores más importantes de la generación siguiente a la de Dufay fueron Johannes Ockeghem, muy apreciado por sus misas, y Antoine Busnoys, conocido por sus chansons.

Las chansons fusionan rasgos nuevos con tradicionales. Están en estilo de tiple dominante y utilizan las formes fixes y en especial la de rondeau, con melodías en arco y predominio de la consonancia, además de emplear un cantus firmus como base.

Pero también se utiliza más la imitación y hay más igualdad entre las voces.

Las misas de este período ampliaron su ámbito vocal. Busnoys y Ockeghem fueron coétaneos de Dufay, por lo que se influyeron mutuamente. Las misas de ambos emplean cantus firmus, aunque de un modo mucho más libre, haciendo paráfrasis y modificando el ritmo. La mayoría de misas de Ockeghem son misas motto.

La Missa prolationum de Ockeghem está escrita a dos voces pero se canta a cuatro, utilizando distintas claves y prolaciones. La deducción de dos o más voces a partir de una única voz escrita se conoce como canon (regla en latín), y también la regla por la cual se deducen las voces subsiguientes. Esta regla podía prescribir que se cantase la misma melodía tras cierto número de compases a determinada altura tonal, que la segunda voz fuese la inversión de la primera o su retrogradación. El tipo de canon empleado en la misa de prolación es el canon mensurado, y consiste en la interpretación de dos cánones simultáneamente.

La siguiente generación fue la de Obrecht, Isaac y des Prez, que estuvieron activos en torno a 1480-1520. Emancipados de las formes fixes, la estructura de las obras estaba ahora determinada por el texto. Las voces van adquiriendo cada vez más importancia y se buscan constantemente las relaciones motívicas entre ellas. Aparecen cada vez más armonías triádicas y, aunque se siguen adaptando melodías, estas se distribuyen entre todas las voces y no solo aparecen en el tenor o el superius. La música se divide en frases claras y articuladas y esto le permite llegar a un público más amplio. Se emplea el punto de imitación, que consiste en la entrada en imitación de todas las voces, continuando generalmente con un contrapunto libre.

La obra de Isaac fue más paneuropea que la de sus contemporáneos, pues estaba familiarizado con numerosos lenguajes. Compuso mucha música sacra y también un buen número de canciones sobre textos alemanes, franceses e italianos.

Tanto Obrecht como Isaac se preocuparon por la inteligibilidad del texto, haciendo coincidir el acento prosódico con el musical.

JOSQUIN DES PREZ

Fue el compositor más famoso y aclamado de su tiempo, siendo alabado por numerosos autores. Compuso motetes, misas y chansons.

Sus motetes ejemplifican su estilo. En ellos comparte rasgos estilísticos con sus coetáneos, como las melodías fluidas, el uso de la imitación y claridad en el fraseo. Pero es también el primer compositor que pone la música al servicio del contenido emocional del texto y que tratará de expresar emociones humanas, y lo hará a través de la representación del texto, utilizando gestos musicales que refuerzan sus imágenes, y la expresión del texto, transmitiendo con la música las emociones que el texto sugiere.

Sus misas son muy variopintas. Escribe varias misas cantus firmus e incluye técnicas como el canon de mensuración. Es pionero en la misa de imitación o de parodia, que toma material de todas las voces de un modelo polifónico y lo relabora. La misa paráfrasis, como la Missa Pange lingua, se basa en un cantus firmus y elabora una paráfrasis del mismo en todas las voces, enteramente o en parte, y en cada movimiento. Estos dos últimos tipos de misa difieren

no en el estilo sino en el material empleado, pues se basan en una obra polifónica y en una melodía monofónica respectivamente.

En las chansons se abandonan las formes fixes y se musican textos estróficos o poemas. Todas las voces tienen ahora la misma importancia y su textura puede ser homofónica e imitativa, alternándose distintos estilos y texturas en una misma obra.