folder 2016 (pdf)

1

V I I I

F E S T I W A L

T R A D Y C J I I A W A N G A R D Y

M U Z Y C Z N E J

2 3

and music to Clifford Geertz’s understanding of culture, politics and state as opera. The opera is the art of conventions that with ease and not by any coincidence become metaphors for social interactions and political systems.

The immersion of opera theatre in social and political contexts does not only mean cognition of the world but also a strong presence in the ecstatic communication and conscious participation in social life. The contemporary operatic renaissance – the new-opera, sound theatre, avant-garde music theatre – stems not only from the search for new forms and artistic conventions or active transformations of the soundscape, but it is also an attempt to realize new possibilities in human life.

This year’s edition of CODES – the Festival of Traditional and Avant-garde Music will combine objects’ and people’s singing as well as baroque conventions and contemporary vocal practices. Prophetic anticipations will meet contemporary reinterpretations of eternal topoi of love and suffering, postmodern play – the old conventions and quasi-opera dimension of contemporary pop culture.

We will try and listen attentively to get closer to the mystery of the world that is being constantly created anew by people and communities from acoustic trifles – whispers, murmurs, laughter, screams and singing.

Jerzy Kornowicz Jan Bernad Mirosław Haponiuk

LADIES AND GENTLEMEN,

“different speech” is the language that has been changed and processed, that is ceremonial, strange, particular, and unique. It may be ornamentally festive and straightforwardly slangy, it may also be the hate or love speech, a discourse of faith or despair, a curse or a prayer, memory or anticipation, and a vehicle for transgressing a given state and quality. This speech, born out of the strange use of voice, turned into declamation, singing, Sprechgesang, opera, music theatre, and even gave performative powers to the language, and its causativity in social life.

“Different speech” refers to the origins, to the birth of music out of the spirit of language, to the birth of singing out of the spirit of speech, and finally to the birth of theatre – in Nietzsche’s terms – out of the spirit of music. It revokes the worn-out metaphor of theatrum mundi but also directs towards music originating from and describing elemental social situations – from human dialogue on the stage of life and behind the scenes.

To listen attentively to these different types of speech means to return to the opera, to music whose roots can be traced back to chanting, cantillation, words, and whose narrative world emerges from the basic linguistic forms, just like in Arthur Rimbaud’s poem “Vowels.” The return to the opera is the return to the pre-semantics, to the primordial unity of sound and meaning, and to the logogenic understanding of music. Yet, it is also a tribute paid to the music perceived as elation, as the extension of movement, as an acoustic gesture, and explosion of feelings and loftiness.

The understanding of music as expressive speech refers directly to Jean-Jacques Rousseau and Herbert Spencer, as well as to the early Italian opera and its stile rappresentativo or the early-baroque stile recitativo. It recalls Richard Wagner’s interaction of music and drama, Arnold Schoenberg’s instrumental recitatives, and leads beyond stage

prowadzi także poza scenę i poza muzykę – do idei Clifforda Geertza i rozumienia kultury, polityki, państwa jako opery. Wszak opera jest sztuką konwencji, które nieprzypadkowo tak łatwo stają się metaforami sytuacji społecznych, czy ustrojów politycznych.

Zanurzenie teatru operowego w społecznym i politycznym kontekście jest nie tylko uczestnictwem w rozpoznawaniu świata, ale również gorącym udziałem w ekstazie komunikacji i sposobem przytomnej obecności w życiu społecznym. Współczesne odrodzenie opery – nowa opera, teatr dźwięku, awangardowy teatr muzyczny – wynika nie tylko z poszukiwania nowych form i konwencji artystycznych, czy aktywnego zmieniania audio-sfery, ale jest również próbą ucieleśnienia nowych możliwości dla ludzkiego życia.

Podczas tegorocznej edycji Festiwalu Tradycji i Awangardy Muzycznej KODY zestawimy śpiew przedmiotów ze śpiewem ludzkim, barokowe konwencje z praktykami wokalnymi naszych czasów. Profetyczne antycypacje spotkają się ze współczesnymi reinterpretacjami nieśmiertelnych toposów miłości i cierpienia, postmodernistyczną zabawą dawnymi konwencjami i quasi-operowym wymiarem współczesnej kultury popularnej.

Spróbujemy choć trochę zasłuchać się i zbliżyć do tajemnicy świata, wciąż na nowo tworzonego przez ludzi i ludzkie wspólnoty także z dźwiękowych drobiazgów – z szeptów, pomruków, śmiechów, krzyków i śpiewów.

Jerzy Kornowicz Jan Bernad Mirosław Haponiuk

SZANOWNI PAŃSTWO,

„inna mowa”, to mowa zmieniona, przetworzona, uroczysta, dziwna, szczególna i wyjątkowa. Może być ozdobnie świąteczna i slangowo dosadna, może być mową miłości i nienawiści, dyskursem wiary i zwątpienia, przekleństwem i prośbą, pamięcią i antycypacją, wehikułem przekroczenia jakości i stanu. To mowa zrodzona z dziwnego użycia głosu, prowadząca do recytacji, śpiewu, Sprechgesang, opery, teatru muzycznego, aż do performatywnych mocy języka – do jego sprawczej roli w życiu społecznym.

„Inna mowa” odsyła do praźródeł, do narodzin muzyki z ducha języka, śpiewu z ducha mowy, a w efekcie do narodzin teatru – po nietzscheańsku – z ducha muzyki. Odsyła do muzycznego doświadczenia teatru, do teatralnego doświadczenia muzyki. Przywołuje na nowo wyświechtaną metaforę theatrum mundi, ale także kieruje ku muzyce wywiedzionej z elementarnych sytuacji społecznych i opisującej te sytuacje – z ludzkiej dialogiczności na scenie i za kulisami teatru życia codziennego.

Wsłuchiwanie się w różne warianty innej mowy, oznacza dla nas powrót do opery, do muzyki wyrosłej z uśpiewnienia, kantylacji, ze słowa, w której świat przedstawiony wyłania się z elementarnych form językowych, jak w słynnym wierszu Artura Rimbaud’a „Samogłoski”. Powrót do opery jest powrotem do prasemantyki – do pierwotnej jedności dźwięku i znaczenia, do logogenicznego rozumienia muzyki. A z drugiej strony to również hołd złożony muzyce rozumianej, jako uniesienie, jako przedłużenie ruchu, jako dźwiękowy gest, eksplozja uczuć i patosu.

Rozumienie muzyki jako ekspresywnej mowy wiedzie wprost do myśli Jana Jakuba Rousseau i Herberta Spencera, ale również do wczesnej opery włoskiej i jej stile rappresentativo, czy wczesnobarokowego stile recitativo. Przywołuje wizje współdziałania muzyki i dramatu Ryszarda Wagnera, recytatywy instrumentalne Arnolda Schoenberga,

STR. 10

STR. 16

STR. 56

STR. 26

STR. 30

STR. 57

STR. 38

STR. 40

STR. 38

STR. 48

STR. 52

STR. 58

STR. 44

STR. 58

4 5

14MAJA 2016 SOBOTA

12:00, 16:00, 18:00

Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lubliniepl. Teatralny 1

HANS VAN KOOLWIJK „BAMBUSO SONORO” – INSTALACJA DŹWIĘKOWA

19:00

Sala Kameralna, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie pl. Teatralny 1

„OCTOPUS” – KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY THEATRE OF VOICES (DANIA)

Else Torp – sopranSigne Asmussen – mezzosopranJakob Bloch Jespersen – basChristian Westergaard – instrumenty klawiszoweDaniel Plewe – projekcja dźwięku

20:30

Sala Operowa, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie pl. Teatralny 1

„PAST AND PRESENT” – KONCERT COCOROSIE (USA)

22:00

Mała Sala, Centrum Kultury w Lublinie ul. Peowiaków 12

SPOTKANIE Z ARTYSTAMI

22:00

Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie) ul. Peowiaków 12

„CZAS TAŃCA”

Tęgie Chłopy

13 MAJA 2016 PIĄTEK

12:00, 16:00, 18:00

Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1

HANS VAN KOOLWIJK „BAMBUSO SONORO” – INSTALACJA DŹWIĘKOWA

19:00

Sala Kameralna, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1

ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINA) „IYOV” (HIOB) – OPERA-REQUIEM NA FORTEPIAN PREPAROWANY, WIOLONCZELĘ, PERKUSJĘ I GŁOSY / PREMIERA POLSKA

Roman Grygoriv – muzyka, dyrygentIlia Razumeiko – muzyka, fortepian Vlad Troitskyi – reżyseriaMaryana Golovko, Anna Marych – sopranyOleksandra Mailliet – mezzosopranAndrey Koshman, Ruslan Kirsh – barytonyYevgeniy Rakhmanin – basJanna Marchynskaya – wiolonczelaAndrey Nadolskiy – perkusjaJerzy Rogalski - głos

20:30

Sala Operowa, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1

DAVID LANG (USA) „LOVE FAIL” – OPERA-NOWA / PREMIERA POLSKA

Quince Contemporary Vocal Ensemble (USA) – wykonanie David Lang – reżyseriaLydia Davis – teksty / opowiadaniaJim Findlay – scenografia, oprawa wizualnaJennifer Tipton – światłaBeth Morrison Projects – produkcja

22:00

Mała Sala, Centrum Kultury w Lublinie , ul. Peowiaków 12


22:00

Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie) , ul. Peowiaków 12

„CZAS TAŃCA”

Tęgie Chłopy

12MAJA 2016 CZWARTEK

19:00

Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie , pl. Teatralny 1

„ŻYWIOŁY” – PERFORMANCE DŹWIĘKOWY / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY

Hans van Koolwijk (Holandia) – obiekty dźwiękowe, wykonanie Hans van Koolwijk, Jan Bernad – scenariusz muzyczny Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka MiędzykulturowychInicjatyw Twórczych „Rozdroża” pod kier. Moniki Mamińskieji Jana Bernada – śpiew

20:30

Sala Widowiskowa, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12

PIOTR KUREK „IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON” – OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY

Piotr Kurek – muzyka, dramaturgiaMichał Libera – libretto, dramaturgiaŁukasz Sosiński – scenografiaLaura Ociepa – wizualizacje Natalia Przybysz, Anastazja Bernad – głosyHilary Jeffery – puzonKamil Szuszkiewicz – trąbkaJerzy Rogiewicz, Hubert Zemler – instrumenty perkusyjne

22:00

Oratorium, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12


22:00

Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie), ul. Peowiaków 12

„CZAS TAŃCA”

Zawołany Skład Weselny

11MAJA 2016 ŚRODA

19:00

Kościół oo. Dominikanów, ul. Złota 9

„NA ROZDROŻU” – KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTOWAL KODY

Olga Pasiecznik – sopranEnsemble Tourbillon w składzie:Petr Wagner (Czechy) – viola da gamba, kierownictwo artystyczneJustyna Rekść-Raubo – viola da gambaMarcin Świątkiewicz – klawesyn

20:30

Sala Widowiskowa, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12

JAGODA SZMYTKA „RÊVE RAVE” – OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENE FESTIWALU KODY

Jagoda Szmytka – koncept, kompozycjaWojtek Mazolewski Quintet – wykonanie, improwizacjeHalina Przebinda, Kuba Mikurda – dramaturgiaMoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – oprawa wizualnaMagdalena Franczuk – trailer

22:00

Oratorium, Centrum Kultury w Lublinie , ul. Peowiaków 12


22:00

Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie), ul. Peowiaków 12

„CZAS TAŃCA”

Gęsty Kożuch KurzuKapela Bornego z Podzamcza

Organizator zastrzega sobie prawo do zmian w programie.

P. 10

P. 16

P. 56

P. 27

P. 30

P. 38

P. 40

P. 44

P. 58

P. 38

P. 49

P. 52

P. 58

P. 57

6 7

12MAY 2016 THURSDAY

19:00

Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Square

“THE ELEMENTS” – SOUND PERFORMANCE / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Hans van Koolwijk (The Netherlands) – objects, music Hans van Koolwijk, Jan Bernad – music scenario Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative Initiatives “Crossroads” directed by Monika Mamińska and Jan Bernad – vocals

20:30

Sala Widowiskowa, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street

PIOTR KUREK “IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON” – OPERA NOUVEAU / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Piotr Kurek – music, dramaMichał Libera – libretto, dramaŁukasz Sosiński – stage designLaura Ociepa – video design Natalia Przybysz, Anastazja Bernad – vocalsHilary Jeffery – tromboneKamil Szuszkiewicz – trumpetJerzy Rogiewicz, Hubert Zemler – percussion instruments

22:00

Oratorium, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street

MEET THE ARTISTS – OPEN DISCUSSIONS WITH THE FESTIVAL’S ARTISTS

22:00

Festival Club (basement of the Centre for Culture in Lublin), 12 Peowiaków Street

“DANCE NIGHTS”

Zawołany Skład Weselny

11MAY 2016 WEDNESDAY

19:00

Dominican Church, 9 Złota Street

“AT THE CROSSROAD” – CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Olga Pasiecznik – sopranoEnsemble Tourbillon with:Petr Wagner (Czech Republic) – viola da gamba, art direction Justyna Rekść-Raubo – viola da gambaMarcin Świątkiewicz – harpsichord

20:30

Sala Widowiskowa, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street

JAGODA SZMYTKA “RÊVE RAVE” – OPERA NOUVEAU / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Jagoda Szmytka – concept, composition Wojtek Mazolewski Quintet – improvisations, performanceHalina Przebinda, Kuba Mikurda – drama MoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – video and set design Magdalena Franczuk – trailer

22:00

Oratorium, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street


22:00


“DANCE NIGHTS”

Gęsty Kożuch KurzuKapela Bornego z Podzamcza

The organizer reserves the right to change the programme.

13 MAY 2016 FRIDAY

12:00, 16:00, 18:00

Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Sq

HANS VAN KOOLWIJK “BAMBUSO SONORO” – SOUND INSTALLATION

19:00

Chamber Room, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Square

ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINE) “IYOV” (JOB) – OPERA-REQUIEM FOR PREPARED PIANO, CELLO, DRUMS AND VOICES / POLISH PREMIERE

Roman Grygoriv – music, conductorllia Razumeiko – music, grand piano Vlad Troitskyi – directorMaryana Golovko, Anna Marych – sopranosOleksandra Mailliet – mezzosopranoAndrey Koshman, Ruslan Kirsh – baritonesYevgeniy Rakhmanin – bassJanna Marchynskaya – celloAndrey Nadolskiy – percussionJerzy Rogalski - voice

20:30

Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Sq

DAVID LANG (USA) “LOVE FAIL” – OPERA NOUVEAU / POLISH PREMIERE

Quince Contemporary Vocal Ensemble (USA) – vocals David Lang – directorLydia Davis – storiesJim Findlay – set and video designJennifer Tipton – lightsBeth Morrison Projects – production

22:00

Mała Sala, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street


22:00


„DANCE NIGHTS”

Tęgie Chłopy

14MAY 2016 SATURDAY

12:00, 16:00, 18:00

Opera Hall foyer, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Square

HANS VAN KOOLWIJK “BAMBUSO SONORO” – SOUND INSTALLATION

19:00

Chamber Room, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Square

“OCTOPUS” – CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL THEATRE OF VOICES (DENMARK)

Else Torp – sopranoSigne Asmussen – mezzosopranoJakob Bloch Jespersen – bassChristian Westergaard – pianoDaniel Plewe – sound design

20:30

Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Square

“PAST AND PRESENT” – CONCERT COCOROSIE (USA)

22:00

Mała Sala, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street


22:00


“DANCE NIGHTS”

Tęgie Chłopy

8 9

P R O G R A M G Ł Ó W N Y

M A I N P R O G R A M M E

10 11

She has repeatedly collaborated with symphonic orchestras in Poland and all over the world conducted by such masters as Harry Bicket, Ivor Bolton, Frans Brüggen, Paul Mc Creesh, René Jacobs, Roy Goodman, Heinz Holliger, Philippe Herreweghe, Kazimierz Kord, Jerzy Maksymiuk, Jean-Claude Malgoire, Marc Minkowski, Kazushi Ono, Andrew Parrott, Krzysztof Penderecki, Trevor Pinnock, Andreas Spering, Christoph Spering, Antoni Wit. Pasichnyk is a laureate of the s’Hertogenbosch International Vocal Competitions (the Netherlands, 1994 – 2nd prize), the Mirjam Helin International Singing Competition in Helsinki (1999 – 2nd prize) and the Queen Elisabeth Music Competition in Brussels (2000 – 3rd prize, Special Oratorio Prize and the Audience Award).

She is also a winner of various awards in Poland – the Polityka’s Passport (Paszport Polityki) – the annual award presented by the Polityka weekly magazine (1997), the Fryderyk Music Award in 1997 and 2004 for the best soloist album presented by the Phonographic Academy, (Szymanowski’s “Songs from the Kurpie Region” and “Chantefleurs et Chantefables” by Lutosławski), the Orfeusz Prize at Warsaw Autumn festival (1999), the Golden Cross of the Order of Merit of the Republic of Poland (2001) and the Andrzej Hiolski Prize (2004) for the best female opera act (as Melisande in Debussy’s “Pelleas et Melisande”, the Grand Theatre – Polish National Opera in Warsaw). In 2005 and 2010 she was nominated for the “the best female singer of the artistic season” by the international opera magazine “Opernwelt” for the role of Almirena (in Handel’s “Rinaldo”) and Roxana (in Szymanowski’s “King Roger”). In 2006 the artist received a prize at the Opernfestspiele festival in Munich, in 2007 – Cyprian Kamil Norwid Award, in 2011 – the annual award of the Polish Minister of Culture and National Heritage, and in 2012 she was merited with the Officer’s Cross of the Order of Merit of the Republic of Poland. She has recorded over fifty albums and DVDs released by Dabringhaus und Grimm, Harmonia Mundi, Naxos and Opus 111.

PETR WAGNER

Born in Prague, he studied cello in his hometown Music Conservatory with Josef Chuchro. This was followed by musicology at the Charles’ University in Prague and at the Royal Holloway University of London. It was there where he learned the secrets of mastery of viola da gamba under Richard Boothby. He continued studying the instrument with Jaap ter Linden at the Akademie für alte Musik in Dresden. After finishing his education in Dresden, he was invited to study under Wieland Kuijken at the Royal Conservatory in the Hague, where he received the Uitvoerend Musicus soloist diploma. As a soloist, chamber musician, and basso continuo player, Petr Wagner performed at a number of festivals in Europe and other parts of the world – in Israel, Japan, and Mexico.

In 1998 he founded the Ensemble Tourbillon with internationally

“AT THE CROSSROAD” CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Olga Pasichnyk (soprano) and Ensemble Tourbillon: Petr Wagner – viola da gamba, music direction Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba Marcin Świątkiewicz – harpsichord

The programme will include vocal and instrumental music of the Italian masters – Antonio Caldara, Giovanni Bononcini, Attilio Ariosti, pearls of French baroque music by Marin Marais and Antoinie Forqueray and contemporary harpsichord improvisation by Marcin Świątkiewicz.

Programme: “Allemande La Laborde” by Antoine Forqueray (1747) “Plainte” by Marin Marais (1711) “In lagrime stemprato” by Antonio Caldara (from “Madalena a piedi di Christo”) (1700) “La Polonaise” by Marin Marais (1701) “La Couperin” by Antoine Forqueray (1747) “Pompe inutile” by Antonio Caldara (from “Madalena a piedi di Christo”) (1700) “Tal vicina a Giglio by Attilio Ariosti” (from “La Placida”) (1709) “Improvisations” by Marcin Świątkiewicz “Le Labyrinthe” by Marin Marais (1717) “La Regente” by Antoine Forqueray (1747) “Il Goder un bel sembiante” by Pietro Baldassari (from “Il giudizio di Paride”) (1707) “Chi serva la beltà d’amor lascivo fa” by Antonio Caldara (from “Madalena a piedi di Christo”) (1700)

OLGA PASICHNYK

Pasichnyk was born in Ukraine. She studied piano and musical pedagogy in her hometown of Rivne and voice in the Kiev Conservatory. During her postgraduate studies at the Fryderyk Chopin Academy of Music in Warsaw in 1992 she gave her debut performance at the Warsaw Chamber Opera and four years later in Théâtre des Champs-Élysées in Paris in the role of Pamina. It was then that her real international career took off. She has taken part in over forty operas by, among others, Monteverdi, Gluck, Handel, Mozart, Weber, Bizet, Rossini, Verdi, Puccini, Biset, Debussy, Tchaikovsky and an array of contemporary composers. These roles were both critically acclaimed and appreciated by public. She is also performing chamber repertoire and recitals with her sister Natalya Pasichnyk – a pianist, numerous oratories and symphonic concertos in almost all of the European countries, USA, Canada, Japan and Australia. She has been successful singing in famous concert halls and prestigious opera houses.

„NA ROZDROŻU” KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY

Olga Pasiecznik (sopran) i Ensemble Tourbillon w składzie: Petr Wagner (Czechy) – viola da gamba, kierownictwo artystyczne Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba Marcin Świątkiewicz – klawesyn

Podczas koncertu zostanie zaprezentowana wokalno-instrumentalna muzyka włoskich mistrzów: Antonio Caldary, Attilio Ariostiego, Pietro Baldassariego oraz perły francuskiej literatury muzycznej doby baroku: Marina Maraisa i Antoine’a Forqueray’a oraz współczesna improwizacja klawesynowa Marcina Świątkiewicza.

Program: Antoine Forqueray, „Allemande La Laborde” (1747) Marin Marais, „Plainte” (1711) Antonio Caldara, „In lagrime stemprato” (Aria z oratorium „Madalena a piedi di Christo”) (1700) Marin Marais, „La Polonaise” (1701) Antoine Forqueray, „La Couperin” (1747) Antonio Caldara, „Pompe inutili” (Aria z oratorium „Madalena a piedi di Christo”) (1700) Attilio Ariosti, „Tal vicina a Giglio” (Aria z opery „La Placida”) (1709) Marcin Świątkiewicz, „Improwizacje” Marin Marais, „Le Labyrinthe” (1717) Antoine Forqueray, „La Regente” (1747) Pietro Baldassari, “Il Goder un bel sembiante” (Aria z opery „Il giudizio di Paride”) (1707) Antonio Caldara, “Chi serva la beltà d’amor lascivo fa” (Aria z oratorium „Madalena a piedi di Christo”) (1700)

OLGA PASIECZNIK (PASICHNYK)

Urodziła się na Ukrainie. Studiowała fortepian i pedagogikę muzyczną w rodzinnym Równem. Studia wokalne odbyła w Kijowskim Konserwatorium. W czasie studiów podyplomowych w Warszawskiej Akademii Muzycznej im. F. Chopina w 1992 roku zadebiutowała na scenie Warszawskiej Opery Kameralnej, a cztery lata później na scenie Théâtre des Champs-Élysées w Paryżu jako Pamina. Od tego czasu zaczęła się jej prawdziwa kariera międzynarodowa. Ma na swoim koncie ponad 40 partii m. in. w operach Monteverdiego, Glucka, Händla, Mozarta, Webera, Bizeta, Rossiniego, Verdiego, Pucciniego, Bizeta, Debussy’ego, Czajkowskiego oraz kompozytorów współczesnych. Role te przyniosły jej wielkie uznanie krytyki i publiczności. Występuje także w repertuarze kameralnym oraz w recitalach z siostrą pianistką Natalią Pasiecznik, licznych koncertach oratoryjnych i symfonicznych we wszystkich niemal krajach Europy, Stanach Zjednoczonych, Kanadzie, Japonii i Australii. Odnosiła sukcesy, śpiewając w słynnych salach koncertowych i na wielu prestiżowych scenach operowych.

Wielokrotnie współpracowała z orkiestrami symfonicznymi w Polsce i na całym świecie pod batutą takich mistrzów, jak m.in. Harry Bicket, Ivor Bolton, Frans Brüggen, Paul Mc Creesh, René Jacobs, Roy Goodman, Heinz Holliger, Philippe Herreweghe, Kazimierz Kord, Jerzy Maksymiuk, Jean-Claude Malgoire, Marc Minkowski, Kazushi Ono, Andrew Parrott, Krzysztof Penderecki, Trevor Pinnock, Andreas Spering, Christoph Spering, Antoni Wit. Artystka jest laureatką międzynarodowych konkursów wokalnych w ’sHertogenbosch – Holandia (1994 – II nagroda), im. Mirjam Helin w Helsinkach (1999 – II nagroda) oraz im. Królowej Elżbiety w Brukseli (2000 - III nagroda, nagroda specjalna w dziedzinie muzyki oratoryjnej oraz nagroda publiczności).

Została wyróżniona także w Polsce: Paszportem tygodnika „Polityka” (1997), nagrodami polskiego przemysłu fonograficznego Fryderyk za najlepsze nagrania solowe w 1997 i 2004 roku („Pieśni kurpiowskie” Szymanowskiego i „Chantefleurs et Chantefables” Lutosławskiego), nagrodą Orfeusz festiwalu „Warszawska Jesień” (1999), Złotym Krzyżem Zasługi (2001) oraz Nagrodą im. A. Hiolskiego (2004) za najlepszą kobiecą rolę operową (Melizanda w operze Debussy’ego – „Peleas i Melizanda”, Teatr Wielki – Opera Narodowa). W 2005 i 2010 roku została nominowana przez międzynarodowy magazyn operowy „Opernwelt” do tytułu „Najlepsza śpiewaczka sezonu artystycznego” za rolę Almireny (Händel – „Rinaldo”) i Roxany (Szymanowski – „Król Roger”). W 2006 roku artystka otrzymała także nagrodę monachijskiego festiwalu Opernfestspiele, w 2007 – nagrodę im.

Olga Pasiecznik, fot. B. Wielgosz

12 13

JUSTYNA REKŚĆ-RAUBO

She was born in 1971 in Warsaw. She was awarded the 2nd Prize and a honourable mention at the 2nd Warsaw Cello Competition in 1989, she graduated from the Warsaw Fryderyk Chopin Academy of Music, where she studied in the class of Professor Andrzej Zieliński. She received scholarships of the Stefan Batory Foundation (participation in orchestra and conducting workshops of the Summer Academy in Annaghmakerrig in Ireland in 1997). She has been mastering her skills by participating in numerous courses and master classes conducted by remarkable artists and pedagogues such as: Kazimierz Michalik, Władysław Kłosiewicz, Miloš Sadlo, Marie Leonhardt, Tobias Kühne, Jaap ter Linden, and Marc Caudle. Currently she is studying viola da gamba in the class of Professor Rainer Zipperling and his assistant Mateusz Kowalski. Since 1995 she has been regularly performing with the Musicae Antiquae Collegium Varsoviense ensemble under the direction of Władysław Kłosiewicz at the Warsaw Chamber Opera, specialising in basso continuo. Together with MACV she participated in festivals dedicated to baroque chamber and opera music (for instance: the Claudio Monteverdi Festival, The Handel Festival, and old Polish music). She also collaborates with ensembles directed by Agata Sapiecha, Lilianna Stawarz, Tomasz Adamus, Aureliusz Goliński, Aleksander Tomczyk, Marek Toporowski and Darius Stabinskas (Brevis Consort ensemble from Vilnus).

However, she is also a fan of new music. Since 1993 Justyna Rekść-

acclaimed musicians. The core of the ensemble’s activities is the music of the 17th and 18th centuries – works by Couperin, Bach, Marais, Rebel, Purcell, Finger, Fischer and Handel. The artist regularly records and participates in the radio broadcasts for BBC, Polish Radio, Czech Radio and Czech Television. His solo albums with “Pieces de Viole by Charles Dollé” (Dorian Recordings 2003, re-edition by ArsProduktion in 2012, ARS 38518) and with chamber music of Gottfried Finger (Arta 2006) have won enthusiastic acclaim of critics and listeners all over the world. In 2011, Petr Wagner’s world premiere of the “Pieces de Viole by Roland Marais” was released by the ACCENT label (ACC 24299). The album was immediately well received (among others awarded with the Choc du mois/CLASSICA, Diapason). In 2013 a new album with all Gottfried Finger’s viola da gamba pieces was released. It was recorded with the participation of Petr Wagner and his Ensemble Tourbillon (ACCENT, ACC 24267).

Apart from his career as a concert and studio viola da gamba player, Petr Wagner is a viola da gamba tutor at Brno University; he teaches at the Summer Academy of Ancient Music in Lidzbark Warmiński and also conducts viola da gamba master classes in Prague, Düsseldorf and Moscow.

Cypriana Kamila Norwida, w roku 2011 – doroczną Nagrodę Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego a w 2012 została odznaczona Krzyżem Oficerskim Orderu Zasługi Rzeczypospolitej Polskiej. W swoim dorobku fonograficznym ma ponad 50 CD i DVD, które nagrała m.in. dla wytwórni Dabringhaus und Grimm, Harmonia Mundi, Naxos i Opus 111.

PETR WAGNER

Urodzony w Pradze, studiował wiolonczelę w tamtejszym konserwatorium pod kierunkiem Josefa Chuchro. Następnie studiował muzykologię na Uniwersytecie Karola w Pradze oraz na Royal Holloway University of London. Tam też, pod kierunkiem Richarda Boothby’ego, zgłębiał tajniki gry na violi da gamba. Studia w zakresie tego instrumentu kontynuował pod kierunkiem Jaapa ter Lindena w Akademie für alte Musik Dresden. Po ukończeniu studiów w Dreźnie otrzymał zaproszenie na studia u Wielanda Kuijkena w Królewskim Konserwatorium w Hadze, gdzie uzyskał dyplom solistyczny Uitvoerend Musicus. Jako solista oraz kameralista i muzyk wykonujący basso continuo, Petr Wagner występował na licznych festiwalach europejskich oraz w innych częściach świata – w Izraelu, Japonii, Meksyku.

W 1998 roku założył Ensemble Tourbillon, składający się z muzyków cieszących się międzynarodowym uznaniem. Jądro aktywności zespołu stanowi muzyka XVII i XVIII wieku – dzieła Couperina, Bacha, Maraisa, Rebela, Purcella, Fingera, Fischera i Händla. Artysta regularnie nagrywa i uczestniczy w transmisjach dla BBC, Polskiego Radia, Radia Czeskiego oraz Telewizji Czeskiej. Jego płyty solowe „Pieces de Viole Charlesa Dollé” (Dorian Recordings 2003, reedycja ArsProduktion 2012, ARS 38518) oraz z muzyką kameralną Gottfrieda Fingera (Arta 2006) spotkały się z entuzjastycznym przyjęciem krytyki i słuchaczy na całym świecie. W 2011 roku ukazało się zrealizowane przez Petra Wagnera, pierwsze w historii nagranie „Pieces de Viole Rolanda Marais”, które wydała wytwórnia ACCENT (ACC 24299). Płyta ta została natychmiast bardzo ciepło przyjęta (m.in. nagrody Choc du mois/CLASSICA, Diapason). W 2013 roku ukazała się nowa płyta z muzyką Gottfrieda Fingera, zawierająca wszystkie utwory kompozytora na violę da gamba. Krążek został zrealizowany z udziałem Petra Wagnera i jego Ensemble Tourbillon (ACCENT, ACC 24267).

Poza aktywnością koncertową i studyjną, Petr Wagner udziela się też jako nauczyciel gry na violi da gamba, prowadząc zajęcia na Uniwersytecie w Brnie, podczas Letniej Akademii Muzyki Dawnej w Lidzbarku Warmińskim; prowadzi także kursy mistrzowskie w Pradze, Düsseldorfie i Moskwie.

JUSTYNA REKŚĆ-RAUBO

Urodziła się w 1971 roku w Warszawie. Jest laureatką II nagrody i wyróżnienia na II Warszawskim Konkursie Wiolonczelowym w 1989 roku. Ukończyła warszawską Akademię Muzyczną im. F. Chopina w klasie prof. Andrzeja Zielińskiego. Stypendystka Fundacji im. S. Batorego (udział w warsztatach orkiestrowych i dyrygenckich Letniej Akademii w Annaghmakerrig w Irlandii w 1997 r.). Doskonaliła swoje umiejętności biorąc udział w licznych kursach i zajęciach mistrzowskich u wybitnych artystów i pedagogów takich jak: Kazimierz Michalik, Władysław Kłosiewicz, Miloš Sadlo, Marie Leonhardt, Tobias Kühne, Jaap ter Linden oraz Marc Caudle. Aktualnie studiuje w klasie violi da gamba prof. Rainera Zipperlinga i as. Mateusza Kowalskiego w Akademii Muzycznej w Krakowie. Od 1995 roku występuje systematycznie z zespołem „Musicae Antiquae Collegium Varsoviense” działającym pod kierunkiem Władysława Kłosiewicza w Warszawskiej Operze Kameralnej, specjalizując się w wykonawstwie basso continuo. Z MACV brała udział w festiwalach poświęconych barokowej twórczości kameralnej i operowej (m.in. festiwal Claudio Monteverdiego, Georga Friedricha Haendla, muzyki staropolskiej). Współpracuje także z zespołami prowadzonymi m.in. przez Agatę Sapiechę, Liliannę Stawarz, Tomasza Adamusa, Aureliusza Golińskiego, Aleksandra Tomczyka, Marka Toporowskiego oraz Dariusa Stabinskasa („Brevis Consort” z Wilna).

Jej muzyczne zainteresowania sięgają także muzyki nowej.

Petr Wagner, fot. ze zbiorów artysty

Justyna Rekść-Raubo, fot. Marian Magiera

14 15

Marcin Świątkiewicz was awarded with “Polityka’s Passport” award and scholarships within the Minister of Culture and National Heritage’s scholarship programmes (“Młoda Polska”/ “Young Poland”), the Marshal of the Śląskie Voivodeship’s scholarship and Huygens of the Dutch Government. He is also a finalist of the 1st International Volkosky Harpsichord Competition in Moscow (2010) and the Telemann International Competition in Magdeburg (2007). Marcin Świątkiewicz is also a dedicated pedagogue. His particular interest lies in teaching soloists and courses of improvisation with the use of the partimento metod. His plans for 2016 cover, among others, a premiere of the “Cromatica” solo album he recorded in 2015, recording of the Haydn’s harpsichord concertos with the Arte dei Suonatori orchestra for BIS preceded by the tour and recording of the solo performance of J.S. Bach’s “Harpsihchord Concertos.” His most important concert undertakings include touring with the Arte dei Suonatori in the Baltic countries dedicated to J.G. Müthel, performing H.M. Górecki’s “Concerto for a Harpsichord and Strings” with {oh!} Orkiestra Historyczna, conducting the performance of Purcell’s “Fairy Queen” with Capella Cracoviensis connected with the Year of Shakespeare, and the participation in the extreme series of concerts by Capella Cracoviensis.

finalistą I Międzynarodowego Konkursu Klawesynowego im. Wolkońskiego w Moskwie (2010) i Międzynarodowego Konkursu im. Telemanna w Magdeburgu (2007). Marcin Świątkiewicz jest zaangażowanym pedagogiem. Szczególną uwagę poświęca nauczaniu gry solowej oraz kursom improwizacji w oparciu o metodę partimento. Plany na rok 2016 obejmują m.in. premierę nagranej w 2015 roku solowej płyty pod tytułem „Cromatica”, poprzedzone trasą koncertową nagranie koncertów klawesynowych Haydna z orkiestrą Arte dei Suonatori dla BIS oraz rejestrację w pojedynczym składzie Koncertów Klawesynowych J.S. Bacha. Do najważniejszych przedsięwzięć koncertowych należy poświęcone J.G. Müthelowi tournee w krajach bałtyckich z Arte dei Suonatori, wykonanie „Koncertu na klawesyn i smyczki” H.M. Góreckiego z {oh!) Orkiestrą Historyczną, związane z rokiem szekspirowskim poprowadzenie wykonania „Fairy Queen” Purcella z Capellą Cracoviensis oraz udział w koncertach cyklu extreme tejże orkiestry.

Raubo has been a member of the NONSTROM ensemble established by Paweł Mykietyn that performs contemporary music. She took part in many pre-premiere performances of pieces commissioned for the ensemble and performed at international festivals such as the Warsaw Autumn, 19th Biennale of Contemporary Music in Zagreb, Musica Polonica Nova in Wrocław, Hofkonzerte im Podewil festival in Berlin, and the CONTRASTS festival in Lviv. As a member of the ensemble she was shortlisted for the “Polityka’s Passport” award, and was the laureate of the 4th International Competition of Young Culture in Düsseldorf. He interests in the perception of old and contemporary music led Justyna Rekść-Raubo to the establishment of the Kapela Jazdowska ensemble collaborating with the Ujazdowski Castle in Warsaw, with whom she prepared a programme dedicated to Adam Jarzębski (the Royal Engineer of Ujazdów) interweaving the sounds of historical instruments with the new ones, and also she performed the pre-premieres of Zygmunt Konieczny’s pieces (for viola da gambas consort). She made archive recordings for the Polish Radio and Television and recorded albums. Together with Marek Moś, Justyna Rekść-Raubo is an initiator and a director of the AUKSO Philharmonic Summer taking place every year in the region of Suwałki and in the Pieniny Mountains. Founder and funder of the f.o.r.t.e. Foundation and together with Krzysztof Kilian, of the AUKSO Music Foundation.

MARCIN ŚWIĄTKIEWICZ

Świątkiewicz is one of the most recognised Polish harpsichord players. His interests focus on the historical keyboard instruments, improvisation in historical and contemporary manners and composition. He plays various types of harpsichords and clavichord, but also historic pianos and organs. As a soloist, a chamber musician and a conductor, he has performed in Europe, Asia and both Americas and regularly collaborates with Rachel Podger and the Brecon Baroque ensemble, Capella Cracoviensis, Arte dei Suonatori, {OH!} Orkiestra Historyczna, Bassociation and Scroll Ensemble.

He studied harpsichord and composition at the Royal Conservatory in the Hague and at the Music Academy in Katowice, where he is currently a lecturer and in 2014 he defended his PhD thesis. Marcin Świątkiewicz records for BIS, Channel Classics, Accent, Alpha, Decca, Linn Records, DUX and for radio and television stations all over Europe. The double album with the harpsichord concertos of J.G. Müthel, recorded together with the Arte dei Suonatori orchestra and released in 2015 by BIS was enthusiastically received by the critics and awarded with the Diapason d’Or award, among others. The first solo recording of “Musikalisches Vielerley” with the German baroque music for keyboard instruments was released by the Polish Radio Katowice in 2008.

Od 1993 roku Justyna Rekść-Raubo jest członkiem zespołu NONSTROM zajmującego się wykonawstwem muzyki współczesnej, założonego przez Pawła Mykietyna. Brała udział w prawykonaniach wielu utworów napisanych specjalnie dla zespołu oraz występowała na międzynarodowych festiwalach, m.in. na „Warszawskiej Jesieni”, „XIX Biennale Muzyki Współczesnej” w Zagrzebiu, „Musica Polonica Nova” we Wrocławiu, „Hofkonzerte im Podewil” w Berlinie, „KONTRASTY” we Lwowie. Jako członek zespołu była nominowana do nagrody Paszport „POLITYKI” oraz została laureatką IV Międzynarodowego Konkursu Młodej Kultury w Düsseldorfie. W wyniku zainteresowania zagadnieniem percepcji muzyki dawnej i współczesnej Justyna Rekść-Raubo zainicjowała byt „Kapeli Jazdowskiej” związanej z Zamkiem Ujazdowskim w Warszawie. Z zespołem tym przygotowała program poświęcony Adamowi Jarzębskiemu (Królewskiemu Budowniczemu Ujazdowskiemu) brzmieniowo krzyżujący dawne instrumentarium ze współczesnym, a także prawykonywała utwory Zygmunta Koniecznego (na konsort viol da gamba). Dokonała nagrań archiwalnych dla PR i TV oraz płytowych. Wraz z Markiem Mosiem Justyna Rekść-Raubo jest inicjatorem i dyrektorem festiwalu „LETNIA FILHARMONIA aukso”, odbywającego się co roku na Suwalszczyźnie oraz w Pieninach. Założycielka i fundatorka „FUNDACJI f.o.r.t.e.” oraz (wraz z Krzysztofem Kilianem) „FUNDACJI MUZYKI aukso”.

MARCIN ŚWIĄTKIEWICZ

Jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich klawesynistów. Jego zainteresowania koncentrują się wokół historycznych instrumentów klawiszowych, improwizacji w dawnej i współczesnej stylistyce, a także kompozycji. Gra na różnych typach klawesynów i klawikordów, a także na historycznych fortepianach i organach. Jako solista, kameralista i dyrygent koncertuje w Europie, obu Amerykach i Azji regularnie współpracując z Rachel Podger i prowadzonym przez nią zespołem Brecon Baroque, Capellą Cracoviensis, Arte dei Suonatori, {OH!} Orkiestrą Historyczną, Bassociation i Scroll Ensemble.

Studiował klawesyn oraz kompozycję w Królewskim Konserwatorium w Hadze i w Akademii Muzycznej w Katowicach, gdzie obecnie jest wykładowcą, a w czerwcu 2014 roku obronił pracę doktorską. Marcin Świątkiewicz nagrywa dla m.in. BIS, Channel Classics, Accent, Alpha, Decca, Linn Records, DUX oraz dla stacji radiowych i telewizyjnych w całej Europie. W roku 2015 ukazał się entuzjastycznie przyjęty przez krytykę, nagrodzony m.in. Diapason d’Or, podwójny album z koncertami klawesynowymi J.G. Müthela zarejestrowany z orkiestrą Arte dei Suonatori dla wytwórni BIS. Pierwsze solowe nagranie „Musikalisches Vielerley” z niemiecką barokową muzyką klawiszową zostało wydane przez Polskie Radio Katowice w 2008 roku.

Marcin Świątkiewicz jest laureatem Paszportów „Polityki” i programów stypendialnych Ministra Kultury („Młoda Polska”), Marszałka Województwa Śląskiego i Rządu Holenderskiego (Huygens) oraz

Marcin Świątkiewicz, fot. Greg Klukowski

16 17

JAGODA SZMYTKA „RÊVE RAVE” MIĘDZYGATUNKOWY PERFORMANCE W TRZECH NARRACJACH / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY

Jagoda Szmytka – koncept, kompozycja Wojtek Mazolewski Quintet w składzie: Wojtek Mazolewski, Joanna Duda, Qba Janicki, Marek Pospieszalski, Oskar Török – wykonanie, improwizacje Halina Przebinda – dramaturgia Kuba Mikurda – dramaturgia MoPiToe w składzie: Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys – oprawa wizualna Monika Żyła – reportaż Wojtek Mazolewski – kontrabas, głos Marek Pospieszalski – saksofon tenorowy, klarnet altowy Oskar Török – trąbka, flugelhorn Joanna Duda – wurlitzer, elektronika Qba Janicki – drums, perkusja, elektronika Jagoda Szmytka – głos Marek Krupa – realizacja wizji Mateusz Mazur – realizacja dźwięku Piotr Szamryk – oświetlenie

Zwiastun: Magdalena Franczuk – reżyseria Emil Kalus – zdjęcia Wojciech Rodak – kierownictwo produkcji Barbara Ferlak – scenografia Anna Łączny – charakteryzacja i stylizacje Jagoda Szmytka – kostiumy Jagoda Szmytka, Wojtek Mazolewski, Anna Dzieduszycka – obsada Katarzyna Pergoł – asystentka reżysera Denis Galenkov, Paweł Jóżwicki – asystenci operatora kamery Tomasz Michałowski – as. kierownika produkcji Marta Pleskot, Kalina Wilk – as. scenografki Adam Zapart – korekta koloru Katarzyna Pergoł, Michał Siarek – fotosy Specjalne podziękowania dla PWSFTviT w Łodzi

Tancerze: Kinga Budek, Wiktoria Ciosek, Klaudia Horyńska, Karol Moniuszko, Patrycja Paździerska, Małgorzata Tomankiewicz, Katarzyna Wysocka

RÊVE RAVE – MIĘDZYGATUNKOWY PERFORMANCE W TRZECH NARRACJACH

„RÊVE RAVE” jest kolejną odsłoną „LOST” – wielo-formatowej kompozycji Jagody Szmytki, opowiadającej za pomocą trans-medialnej narracji losy millenialnych bohaterów. Dotychczasowe realizacje „LOST” obejmują spektakle muzyczne wykonywane na żywo, instalacje,

JAGODA SZMYTKA “RÊVE RAVE” CROSS-GENRE PERFORMANCE IN THREE ACTS / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Jagoda Szmytka – concept, composition Wojtek Mazolewski Quintet with: Wojtek Mazolewski, Joanna Duda, Qba Janicki, Marek Pospieszalski, Oskar Török – performed by & improvisations Halina Przebinda – drama Kuba Mikurda – drama MoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – visual design Monika Żyła – festival’s coverage Wojtek Mazolewski – bass, voice Marek Pospieszalski – tenor saxophone, alto clarinet Oskar Török – trumpet, flugelhorn Joanna Duda – wurlitzer, electronics Qba Janicki – drums, percussion, electronics Jagoda Szmytka – voice Marek Krupa – video engineering Mateusz Mazur – sound engineering Piotr Szamryk – lighting design

Trailer: Magdalena Franczuk – direction Emil Kalus – camera Wojciech Rodak – production director Barbara Ferlak – set design Anna Łączny – makeup and styling Jagoda Szmytka – costumes Jagoda Szmytka, Wojtek Mazolewski, Anna Dzieduszycka – cast Katarzyna Pergoł – director’s assistant Denis Galenkov, Paweł Jóżwicki – cameraman’s assistant Tomasz Michałowski – production director’s assistant Marta Pleskot, Kalina Wilk – set designer’s assistant Adam Zapart – color correction Katarzyna Pergoł, Michał Siarek – photo’s Special thanks to The Film School in Łódź

Dancers: Kinga Budek, Wiktoria Ciosek, Klaudia Horyńska, Karol Moniuszko, Patrycja Paździerska, Małgorzata Tomankiewicz, Katarzyna Wysocka

RÊVE RAVE – CROSS-GENRE PERFORMANCE IN THREE ACTS

“RÊVE RAVE” is the next realisation of “LOST” – Jagoda Szmytka’s multi-format composition telling the stories of millennial characters with the use of transmedia narration. The productions to date include live music performances, installations, computer games and internet activities, among others: a cross-genre performance “LOST PLAY” (“Warsaw Autumn”), “LOST PLAY PARALLEL” – a cross-genre

performance with live broadcast (ZKM), “ENTER LOST LEVEL” – an installation consisting in computer games, selfie corners and DIY station (U Dortmund), “PLAY PARK LOST ID” – an amusement park (ZKM), and “LOST in TRANSIT” – an internet show.

“If you want to find the secrets of the universe, think in terms of energy, frequency and vibration” Nikola Tesla “I am a lie who always says the truth” Jean Cocteau “No, I don’t have my name any more. I’m just darkness” Melancholia

“RÊVE RAVE” is a multimedia music performance in three acts – three sessions and three dreams of the “LOST” new characters. Each part opens with a narration (session) that introduces the viewers to the dance sequence (rave).

In the first part – “DIGITAL TOUCH” – Medium Nicole tells a story of Nikola Tesla, an ingenious explorer who foresaw the internet. Then, the Musicians invite the audience to travel inside the sleeping Brain – the sound waves produced by the musicians reflect the electrical activity of human brain. The second part –“REAL FAKE” depicts a Poet and a Musician who participate in a dreamlike surreal narration resembling a screening of Jean Cocteau’s movie. The characters appear on stage in different physical states / state of matter and share their real and imagined projections to the trans, electro music. The third part – “MELANCHOLY” is a hypnotic session, but will it cure the characters of “LOST” from the millennial state of being lost? Three dreams, three raves. Energetic, trans and corporeal music with neon lighting.

gry komputerowe oraz działania internetowe m.in. „LOST PLAY” – międzygatunkowy performance („Warszawska Jesień”), „LOST PLAY PARALLEL” – performance z transmisją na żywo (ZKM), „ENTER LOST LEVEL” – instalację złożoną z gier komputerowych, kącików selfie, stacji DIY (U Dortmund), „PLAY PARK LOST ID” – park rozrywki (ZKM), „LOST in TRANSIT” – serial internetowy.

„Jeśli chcesz odkryć tajemnice wszechświata, myśl w kategoriach energii, częstotliwości i wibracji” – Nikola Tesla „Jestem kłamstwem, które zawsze mówi prawdę” – Jean Cocteau „Nie, nie mam już imienia. Jestem ciemnością” – Melancholia

„RÊVE RAVE” to multimedialny spektakl muzyczny w trzech częściach – trzy seanse i trzy sny nowych bohaterów „LOST”. Każda z części rozpoczyna się pasażem narracyjnym (seansem), który wprowadza w sekwencję taneczną (rave).

W części pierwszej zatytułowanej „DIGITAL TOUCH” Medium Nicole snuje opowieści o Nikoli Tesli – genialnym odkrywcy, który przewidział internet. Następnie Muzycy zabierają publiczność w podróż w głąb Mózgu podczas snu – proporcje fal dźwiękowych generowanych przez Muzyków odpowiadają proporcjom fal aktywności elektrycznej Mózgu. W części drugiej – „REAL FAKE” – Poetka i Muzyk biorą udział w sennej, surrealistycznej narracji przypominającej projekcję filmową Jean’a Cocteau. Bohaterowie pojawiają się na scenie w różnych stanach skupienia, zwierzają się sobie z rzeczywistych i urojonych projekcji w rytm transowej, elektronicznej muzyki. Część trzecia „MELANCHOLIA” to seans hipnotyczny – czy wyleczy on ostatecznie

„RÊVE RAVE” Screenshot from Trailer by Magdalena Franczuk

18 19

The audience will have an opportunity to visit the selfie-corner at the Festival Club and transform into one of the characters of “RÊVE RAVE” to the sounds of rave music, or take an elevation ride with the Party Boy. Also, during the whole Festival, the audience will have a chance to meet Monique DeVoid, a reporter recovering and publishing dreams on the Festival’s website.

Part 1 – “DIGITAL TOUCH” 1. Narration I 2. Dream I – NREM I – “Encoding of the Dream in the Brain” 3. Dream I – NREM II – “Sleep Spindles” 4. Dream I – NREM III – “Slow Motion” 5. Dream I – REM “Digital Trash in the Brain”

Part 2 –“REAL FAKE” 6. Narration II 7. Dream II – NREM I – “RESET” 8. Dream II – NREM II – “REBUILD” 9. Dream II – NREM III – “REWIND” 10. Dream II – REM – “REVER”

Part 3 – “MELANCHOLY” 1. Narration III 2. Dream III – NREM I – “Happy Pills” 3. Dream III – NREM II – “Rainbow” 4. Dream III – NREM III – “Flow” 5. Dream III – REM – “Raising Up”

JAGODA SZMYTKA

Jagoda Szmytka studied art history, philosophy, music theory and composition in Wroclaw, Graz, Frankfurt/Main and Karlsruhe. Her music has earned her recognition as a composer through numerous features at festivals and institutions such as Warsaw Autumn, Wien Modern, Lucerne Festival, Huddersfield Contemporary Music Festival, Ultraschall Berlin, Eclat Stuttgart, Ferienkurse Darmstadt, Tonhalle Düsseldorf, Deutschlandfunk Cologne, Royaumont Paris, Polish National Opera Warsaw, and many others. The composer has received numerous awards, scholarships and residencies including Staubach Honorarium and the Stipend Prize of Darmstadt International Summer Course for New Music (Germany), scholarships from the DAAD and the Arts Foundation Baden-Württemberg, residencies at Herrenhaus Edenkoben and La Muse en Circuit Paris. Jagoda Szmytka frequently works as an artist in residence at ZKM Centre for Art and Media Karlsruhe. Her portrait album “Bloody Cherries” was released in 2015 on WERGO/EZM.

Jagoda Szmytka composes for people, about people, and with people. Her ”social composing” examines interpersonal and social processes such as communication and identity creation, often by reference

bohaterów „LOST” z millenialnego zagubienia? Trzy sny – trzy rave’y. Energetyczna, transowa i cielesna muzyka w neonowej oprawie.

Publiczność festiwalowa oprócz spektaklu może odwiedzić kącik selfie zainstalowany w Klubie Festiwalowym, gdzie przy dźwiękach rave’u każdy może wcielić się w jednego z Bohaterów „RÊVE RAVE” lub przejechać się rave’ową windą z Party Boyem. Natomiast w przerwach między koncertami w trakcie całego Festiwalu można spotkać się z Monique DeVoid – reporterką spisującą i publikującą na stronie Festiwalu na życzenie sny.

Część 1 – „DIGITAL TOUCH” 1. Narracja I 2. Sen I – Faza NREM I – „Kodowanie Snu w Mózgu” 3. Sen I – Faza NREM II – „Wrzeciona Snu” 4. Sen I – Faza NREM III – „Slow Motion” 5. Sen I Faza REM – „Digitalny Śmietnik w Mózgu”

Część 2 – „REAL FAKE” 6. Narracja II 7. Sen II – Faza NREM I – „RESET” 8. Sen II – Faza NREM II – „REBUILD” 9. Sen II – Faza NREM III – „REWIND” 10. Sen II – Faza REM – „REVER”

Część 3 – „MELANCHOLIA” 11. Narracja III 12. Sen III – Faza NREM I – „Happy Pills” 13. Sen III – Faza NREM II – „Rainbow” 14. Sen III – Faza NREM III – „Flow” 15. Sen III – Faza REM – „Raising Up”

JAGODA SZMYTKA

Studiowała historię sztuki, filozofię, teorię muzyki i kompozycję we Wrocławiu, Grazu, Frankfurcie nad Menem i w Karlsruhe. Jej muzyka uzyskała międzynarodowe uznanie dzięki licznym wykonaniom w ramach takich festiwali i instytucji jak Warszawska Jesień, Wien Modern, Lucerne Festival, Huddersfield Contemporary Music Festival, Ultraschall w Berlinie, Eclat w Stuttgarcie, Ferienkurse Darmstadt, Tonhalle Düsseldorf, Deutschlandfunk w Kolonii, Royaumont w Paryżu, Teatr Wileki Opera Narodowa w Warszawie. Kompozytorka otrzymała wiele nagród, stypendiów, rezydencji, w tym Staubach Honorarium i Stipendienpreis przyznane przez Ferienkurse Darmstadt (Niemcy), stypendium DAAD, Kunststiftung Baden-Württemberg, rezydencję w Herrenhaus Edenkoben oraz w La Muse en Circuit (Paryż). Jagoda Szmytka pracuje często jako artystka w rezydencji w ZKM Karlsruhe. W 2015 roku ukazała się jej portretowa płyta „Bloody Cherries” nakładem wytwórni WERGO (seria EZM).

Jagoda Szmytka, fot. Andoz Krishnadas

20 21

WOJTEK MAZOLEWSKI

Wojtek Mazolewski to trójmiejski basista i kompozytor. Założyciel i lider Pink Freud i Wojtek Mazolewski Quintet. Jego muzyczne działania dały początek boomowi polskiej muzyki jazzowej na początku XXI wieku, a niekonwencjonalna, jak na warunki sceny rodzimego jazzu aktywność wpłynęła na nową lokalizację tego gatunku muzycznego w świadomości przede wszystkim młodego słuchacza.

Mazolewski to muzyczny partner m.in. Pete’a Warehama, Dennisa Gonzalesa, Tima Berne, Wojtka Waglewskiego, Lecha Janerki, Fisza, Emade oraz wielu innych. Autor muzyki filmowej i teatralnej. Prowadzi autorską audycję w Polskim Radio oraz w Chilli Zet. Laureat prestiżowych nagród muzycznych, prezentuje nowe oblicze polskiego jazzu w Europie, Ameryce Południowej i Japonii.

Prowadząc swój sztandarowy zespół Pink Freud, wydał w 2007 roku w Universal Music Polska album zatytułowany „Punk Freud”, rozpoczynając tym samym przełom w recepcji jazzu w Polsce, którego echa brzmią do dziś. W 2009 r. zmienił skład osobowy Pink Freud oraz Wojtek Mazolewski Quintet i otworzył nowy rozdział swojej muzycznej biografii. „Monster of Jazz”(2010), „Smells Like Tape Spirit” (2011), “Wojtek w Czechosłowacji” (2011), „Horse and Power”(2012) to albumy, które odniosły nie tylko sukces wydawniczy, ale przede wszystkim zaowocowały trasami koncertowymi na całym świecie. Najnowsza płyta Wojtek Mazolewski Quintet „Polka” (2014) łączy tradycję z nowoczesnością – muzycznie (m.in. covery Major Lazer, Rage Against The Machine i Nirvany) i ideowo – wydaniu towarzyszy specjalna oprawa graficzna – na okładce znalazło się zdjęcie Małgorzaty Braunek zrobione przez mistrza fotografii Tadeusza Rolke. Płyta „Polka” osiągnęła status „Złotej Płyty”.

JOANNA DUDA

Pianistka, kompozytorka, artystka wizualna, założycielka projektów: AuAuA, J=J, Hotgod, Bambuko. Na co dzień gra i komponuje dla Wojtek Mazolewski Quintet. Stypendystka Kulturalnego Miasta Gdańska (2010, 2012, 2015). Nominowana do nagrody TVP Kultura Gwarancje Kultury 2011 w kategorii „Debiut Roku” oraz Grand Prix Jazz Melomani w kategorii Nadzieja Melomanów. Joanna Duda na początku lutego 2015 roku stworzyła instalację multimedialną/performance TRACK(S) na zamówienie Trafostacji – Centrum Sztuki Współczesnej w Szczecinie (cykl wystawienniczy Trafo Plug-In Project Room). Instalacja miała swój pokaz na Festiwalu Present Performance w Gdańsku pod koniec czerwca 2015 r. Koncertuje solo w odsłonie akustycznej (solo piano) jak i elektronicznej w Paryżu (cykl koncertów w stacji naukowej PAN w Paryżu), Pradze (Międzynarodowy Festiwal Pianistów Jazzowych, Salon Polski organizowany przez Instytut Polski w Pradze), Tokio (Hot Buttered Club), Bukareszcie (koncert otwierający festiwal muzyczno-teatralny News From Polska organizowany przez Institutul Polonez

Jagoda Szmytka komponuje dla ludzi, o ludziach oraz z ludźmi. Poprzez „społecznościowe komponowanie” Szmytka bada interpersonalne i społeczne procesy takie jak komunikacja, budowanie tożsamości, często w relacji do fenomenów wpływających na współczesne życie lub odwołujących się do społecznego wymiaru życia muzycznego (teatry muzyczne: LIMBO LANDER, LOST, LOVE LABEL).

Jagoda Szmytka komponuje „dla uszu, oczu i myśli” – jej „intertekstualna muzyka” wykorzystuje takie formaty jak mixed media, cross-genre, czy trans-media. Kompozycje Szmytki są mieszanką tekstów, obrazów i dźwięków, które budują gęste struktury odnoszące się do kulturt wysokiej i pop kultury, filozofii oraz rzeczywistości. Jagoda Szmytka jest założycielką i liderką dwóch projektów: PLAY – platformy do inicjatyw społeczno-kulturalnych oraz ENTER – kolektywu specjalizującego się w wykonywaniu Muzyki Referencyjnej.

to phenomena which influence modern life or the social dimension of making music (music theatre projects: LIMBO LANDER, LOST, LOVE LABEL).

Jagoda Szmytka writes music ”for the eye, ear and thought”; her “intertextual music” incorporates formats such as mixed media, cross-genre, and trans-media. Szmytka’s compositions are a mixture of texts, images and sounds that create dense structures referring to both high and pop culture, philosophy, as well as reality.

Jagoda Szmytka is a founder and leader of two projects: PLAY - Platform for social and cultural initiatives and ENTER collective specialized in performing Referential Music.

WOJTEK MAZOLEWSKI

Wojtek Mazolewski is a bass player and composer from Gdansk; a founder and leader of Pink Freud and Wojtek Mazolewski Quintet. His musical achievements led to the early 21st century boom in Polish jazz, while his unconventional activities on Poland’s jazz scene helped this music genre enter the consciousness of young listeners in particular.

Mazolewski has collaborated with Pete Wareham, Dennis Gonzales, Tim Berne, Wojtek Waglewski, Lech Janerka, Fisz, Emade, and many others. He has composed music for film and theatre. He hosts his own radio shows on Polish Radio and Chilli Zet. The winner of prestigious music awards, Mazolewski is an ambassador of a new face of Polish jazz in Europe, South America and Japan.

In 2007 with his flagship project Pink Freud, he released by Universal Music Polska an album titled ”Punk Freud” that marked a breakthrough in the reception of jazz in Poland, which continues today. Following the 2009 lineup changes in Pink Freud and Wojtek Mazolewski Quintet, he started a new chapter in his musical biography. The albums he recorded, namely ”Monster of Jazz” (2010), ”Smells Like Tape Spirit” (2011), “Wojtek w Czechosłowacji” (2011), and ”Horse and Power” (2012), not only garnered rave reviews but also spawned world tours. Wojtek Mazolewski Quintet’s latest album, ”Polka” (2014), combines the traditional with the modern, both in terms of music (the album features covers of Major Lazer, Rage Against The Machine and Nirvana) and idea – the album cover artwork includes a photo of actress Małgorzata Braunek taken by renowned photographer Tadeusz Rolke. ”Polka” became a gold-selling record.

JOANNA DUDA

Pianist, composer, creator of the projects: J=J, Hotgod, AuAuA, Bambuko & many more. Member of the Wojtek Mazolewski Quintet. Holder of Gdansk city’s cultural scholarship in 2010, 2012, 2015. She was nominated for the Polish Television “The Guarantee of Culture” Award in the category “Debut of the Year” and “Plus Grand Prix Jazz Melomani” Award in the category “Music Lovers’ Hope” in the same year. In February 2015 Joanna has created a multimedia installation “TRACK(S)” commissioned by TRAFO – Contemporary Art Centre in Szczecin (Trafo Plug-In Project Room). “TRACK(S)” was also shown in its outdoor version on Present Performance Festival in Gdańsk. Joanna Duda is often invited to play solo concerts on piano or/and electronics. She has performed in, among others, Paris (series of concerts at the PAS in Paris), Prague (International Jaaz Festival, Polish Saloon organized by the Polish Institute in Prague), Tokio (Hot Buttered Club), Bucharest (opening of the News From Polska festival organized by Institutul Polonez). In 2013 Joanna started working with Amareya Theatre. Together with the group she performed at international theatre/dance festivals in Poland all around the world

Wojtek Mazolewski, fot. Marta Wojtal

22 23

OSKAR TÖRÖK

He has graduated from the Karol Szymanowski Academy of Music in Katowice, under the direction of professor dr hab. Piotr Wojtasik, jazz trumpet. He has been a co-founder and member of various projects, including: Oskar Maurice, Vertigo, Bucinatores Orchestra, Concept Art Orchestra, Points Septet, Points Rataj Quintet, Wojtek Mazolewski Quintet, Iva Bittová a Čikori, Leszek Mozdzer, Iva Bittová, Dresch Mihály, Oskar Török – Mosty Gesharim 2012, Vladimír Václavek, Sato-San To. He has recorded many albums, among others: Vertigo, Live U Staré Paní, Vertigo Quintet & Dorota Barová, Metamorphosis, TAJ, Skinny, Salep Obludárium, Smells Like Tape Spirits, Wojtek w Czechosłowacji, Polka, Zvon, Imprints, Zorya, Auris, Barvy Radugy, Chord Nation, Barok Progresywny, Dance Of Hunchback.

HALINA PRZEBINDA

Halina Przebinda is a culture manager, director and producer of artistic programmes, shows and festival; member of the European Festivals Association. She graduated from the Philosophy and History Department at Jagiellonian University in Krakow. Przebinda began her career as a Programme Director of the Rotunda Student Culture Centre at Jagiellonian University and as Director of the Student Song

Bartłomiejem Chmarą i Tomaszem Sroczyńskim współtworzy zespół Tirvious Wagon. Razem z bratem Łukaszem oraz kuzynami Szczepanem i Nikodemem tworzą synthpopowy zespół Santa Barbara.

OSKAR TÖRÖK

Absolwent Akademii Muzycznej w Katowicach, specjalność - trąbka, ukończona pod kierunkiem dr. hab. Piotra Wojtasika. Współzałożyciel/członek projektów: Oskar Maurice, Vertigo, Bucinatores Orchestra, Concept Art Orchestra, Points Septet, Points Rataj Quintet, Wojtek Mazolewski Quintet, Iva Bittová a Čikori, Leszek Mozdzer, Iva Bittová, Dresch Mihály, Oskar Török – Mosty Gesharim 2012, Vladimír Václavek, Sato-San To. Współpraca w projektach muzycznych zaowocowała wieloma albumami, między innymi: Vertigo, Live U Staré Paní, Vertigo Quintet & Dorota Barová, Metamorphosis, TAJ, Skinny, Salep Obludárium, Smells Like Tape Spirits, Wojtek w Czechosłowacji, Polka, Zvon, Imprints, Zorya, Auris, Barvy Radugy, Chord Nation, Barok Progresywny, Dance Of Hunchback.

HALINA PRZEBINDA

Menadżer kultury, reżyser, producent programów i widowisk artystycznych oraz festiwali, juror European Festivals Association.

w Bukareszcie). W 2013 rozpoczęła współpracę z Teatrem Amareya, z którym występuje na festiwalach na całym świecie (m.in. Japonia, Niemcy, Francja, Rosja, Turcja, Izrael, Grenlandia).

QBA JANICKI

Od najmłodszych lat jest związany ze środowiskiem artystycznym funkcjonującym w bydgoskim klubie Mózg. Jest absolwentem Akademii Muzycznej w Krakowie w klasie perkusji Łukasza Żyty. W swojej karierze scenicznej zagrał setki koncertów, na których występował m.in. z takimi artystami jak: Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Kris Wanders, Roscoe Mitchell, Steve Buchanan, Jacek Sienkiewicz, Bartłomiej Chmara, Risa Takita, Stefan Węgłowski, Tomasz Sroczyński czy wiele orkiestr symfonicznych i zespołów kameralnych. Aktualnie funkcjonuje w zespołach Wojtek Mazolewski Quintet, Mazzoll/Janicki/Janicki, Bambuko, Hania Piosik/Qba Janicki, Kondensator Przepływu. Oprócz bycia muzykiem jest także producentem, tworzącym muzykę do spektakli oraz słuchowisk w teatrach Starym, Powszechnym i Polskim. Produkował także muzykę do filmu dokumentalnego przedstawiającego sylwetkę Daniela Wallace’a dla australijskiego nadawcy ABC. Zaznaczył swoją obecność na scenie hip hopowej produkując płytę Hore, legendarnego rapera Vienia. Dodatkowo na co dzień współprowadzi, wraz ze swoim ojcem, klub Mózg w Bydgoszczy i w Warszawie, a będąc założycielem Mózg Foundation oraz członkiem Stowarzyszenia Artystycznego Mózg współorganizuje dziesiątki wydarzeń artystycznych każdego roku oraz flagowe projekty Mózg Festival i Letnie Pranie Mózgu.

MAREK POSPIESZALSKI

Saksofonista, klarnecista. Ukończył Akademię Muzyczną w Krakowie. Od najmłodszych lat zafascynowany awangardą jazzową, muzyką improwizowaną oraz nowymi brzmieniami, otwarty na wszelkie muzyczne gatunki. Na swoim koncie ma udział w kilkudziesięciu festiwalach m. in. Moers Jazz Festival, Delhi Jazz Festival, Utsav Jazz Festival, EXPO Shanghai 2010, European Jazz Festival in Athens, Ars Musica Festival Brussels, Jazzforum Budapest, Warsaw Summer Jazz Days, Tauron Nowa Muzyka, Open’er Festival, OFF Festival, Enter Music Festival. Koncertował w wielu salach koncertowych, a także brał udział w dziesiątkach koncertów radiowych i telewizyjnych. Udziela się głównie na polu muzyki improwizowanej. Razem z Tomaszem Sroczyńskim wydał swój autorski album BARENESS. Aktualnie jest członkiem kwintetu Wojtka Mazolewskiego. Nagrywał i koncertował z Dennisem Gonzálezem i jego Yealls At Eels, Marco Eneidim, Piotrem Damasiewiczem i Power of the horns, Empe 3 Mateo Pospieszalski Project, YeShe, Graal, Yanina Free Wave. Współpracował z Krzysztofem Knittlem, Maciejem Obarą, Pawłem Kaczmarczykiem, Nikolą Kołodziejczykiem, Jerzym Mazzollem, Rafałem Mazurem, ale również z artystami sceny elektronicznej, popowej, czy rockowej takimi jak Igor BOXX(Skalpel), Fisz/Emade, Zakopower, Armia. Z Qbą Janickim,

(Japan, Germany, France, Russia, Turkey, Israel, Greenland).

QBA JANICKI

Since he was little, he has been associated with the artistic environment of Mózg club in Bydgoszcz. He graduated from the Music Academy in Cracow in the percussion class of Łukasz Żyta. As a stage musician he played hundreds of concerts and performed with artists such as: Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Kris Wanders, Roscoe Mitchell, Steve Buchanan, Jacek Sienkiewicz, Bartłomiej Chmara, Risa Takita, Stefan Węgłowski, Tomasz Sroczyński and many symphony orchestras and chamber ensembles. At the moment, he plays in Wojtek Mazolewski Quintet, Mazzoll/Janicki/Janicki, Bambuko, Hania Piosik/Qba Janicki, Kondensator Przepływu. Apart from being a musician he is also a producer, who creates music for theatrical plays and radio plays for theaters Stary, Powszechny and Polski. He produced music for a documentary depicting the character of Daniel Wallace for the Australian public broadcaster ABC. He made his mark on the hip hop stage with the production of the album Hore by legendary rapper Vienio. In addition, together with his father, he co-runs Mózg club in Bydgoszcz and Warsaw. Being a co-founder of Mózg Foundation and a member Mózg Artistic Association he co-organizes dozens of artistic events every year as well as flagship projects Mózg Festival and Letnie Pranie Mózgu.

MAREK POSPIESZALSKI

Saxophonist and clarinettist who graduated from the Academy of Music in Kraków. Since the early childhood he has been fascinated by avant-garde jazz, improvised music, and new sounds, and open to all music genres. He has participated in numerous festivals, including: Moers Jazz Festival, Delhi Jazz Festival, Utsav Jazz Festival, EXPO Shanghai 2010, European Jazz Festival in Athens, Ars Musica Festival Brussels, Jazzforum Budapest, Warsaw Summer Jazz Days, Tauron Nowa Muzyka, Open’er Festival, OFF Festival, Enter Music Festival. He performed in many concert halls and during various radio and TV concerts. His main area of interest is improvised music and recorded his album BARENESS together with Tomasz Sroczyński. He is a member of Wojtek Mazolewski Quintet. He has also performed and recorded with Dennis González and his Yealls At Eels, Marco Eneidi, Piotr Damasiewicz i Power of the horns, Empe 3 Mateo Pospieszalski Project, YeShe, Graal, Yanina Free Wave. He has also cooperated with Krzysztof Knittel, Maciej Obara, Paweł Kaczmarczyk, Nikola Kołodziejczyk, Jerzy Mazzoll, Rafał Mazur, as well as pop, electronic and rock artists, including Igor BOXX(Skalpel), Fisz/Emade, Zakopower, Armia. He is a member of Tirvious Wagon band together with Qba Janicki, Bartłomiej Chmara and Tomasz Sroczyński. He is also a member of a family band Santa Barbara with his brother Łukasz and cousins – Szczepan and Nikodem.

Wojtek Mazolewski Quintet, fot. Michał Andrysiak

24 25

Absolwentka Wydziału Filozoficzno-Historycznego UJ. Debiutowała jako Dyrektor Programowy Centrum Kultury Studenckiej UJ Rotunda i Dyrektor Studenckiego Festiwalu Piosenki. W 1995 roku założyła firmę TOProduction, specjalizującą się w produkcji spektakularnych przedsięwzięć, programów telewizyjnych i filmów dokumentalnych. W swoich pracach wykorzystuje nowoczesne techniki, łącząc koncerty z grafiką i animacją. Jako pierwsza w Polsce rejestrowała programy muzyczne i koncerty w technice 3D. Dyrektor Biura Programowego TVP S.A. w latach 2008 – 2009. Jej realizacje są emitowane na antenach TVP1, TVP2, TVP Rozrywka, TVP Info, TVP Kultura, TVP Polonia, TV Polsat. Programy jej autorstwa były wielokrotnie nominowane i nagradzane na festiwalach i przeglądach krajowych i międzynarodowych. Odznaczona Krzyżem Kawalerskim Orderu Odrodzenia Polski za wybitne zasługi w pracy twórczej i działalności artystycznej, za osiągnięcia w promowaniu polskiej kultury.

KUBA MIKURDA

Krytyk, tłumacz, redaktor, teoretyk filmu. Wykłada w Szkole Filmowej w Łodzi. Autor monografii „Nie-całość. Zizek, Dolar, Zupancic”. Zredagował m.in. książki poświęcone twórczości Terry’ego Gilliama, Braci Quay (z Adrianą Prodeus), Waleriana Borowczyka (z Michałem Oleszczykiem i Kamilą Kuc) i surrealizmowi w kinie polskim (z Kamilą Wielebską). Pięciokrotnie nominowany do nagrody PISF w kategoriach książka o filmie oraz audycja radiowa/program telewizyjny. Współzałożyciel think-tanku „Restart”. Dwukrotny prezes Stowarzyszenia Film 1,2. Współpracował między innymi z Canal+, Katedrą Kultury Współczesnej (IK UJ), MFF T-Mobile Nowe Horyzonty i Krytyką Polityczną. Przełożył „Realne spojrzenie. Teoria kina po Lacanie” Todda McGowana i fragmenty „Lacrimae rerum. Kieślowski, Hitchcock, Tarkowski, Lynch” Slavoja Žižka.

MOPITOE (MOLIBDEN PINKY TOE)

Powstały w 2015 roku kolektyw artystyczny skupiający artystów o niebanalnej percepcji. Założony w Łodzi przez Bognę Kowalczyk (reżyserka, animatorka) i Małgorzatę Andrys (scenografka, graficzka) kolektyw szybko powiększył się o innych artystów poznanych w Łódzkiej Szkoły Filmowej - Konrada Śniadego (reżyser, montażysta) oraz Monikę Łuczak (fotografka). Kolektyw zajmuje się szeroko pojętą sztuką wizualną od produkcji klipów muzycznych, scenografii wirtualnej, przez wizualizacje, po wystawy galeryjne. Z każdym kolejnym działaniem MoPiToe walczy o miejsce dla sztuki w kulturze masowej łącząc artystyczne formy wyrazu z estetyką popkultury.

MAGDALENA FRANCZUK

Studentka V roku fotografii PWSFTviT w Łodzi, reżyserka krótkich form filmowych, z pasją sięga również po pióro. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego z 2015 r. Laureatka konkursu

„Dolina Kreatywna, czyli czego szuka młoda sztuka” organizowanego przez TVP Kultura (2014 r.), finalistka międzynarodowego konkursu Slideluck Warsaw (2014) oraz trzykrotnie wyróżniona na International Photography Awards (2 x 2014, 2012). Jest również laureatką konkursów dziennikarskich i dramaturgicznych. Jej fotografie i filmy były pokazywane na licznych wystawach w Polsce i za granicą. W 2015 r. jej prace można było oglądać na Festiwalu TIFF we Wrocławiu, Międzynarodowym Festiwalu Fotografii Interphoto w Białymstoku i Opolskim Festiwalu Fotografii OFFoto. Magdalena Franczuk kolekcjonuje starocie i bibliofilskie egzemplarze książek. To właśnie ślady przeszłości inspirują ją najbardziej. Jej styl fotograficzny syntetyzuje rozległe inspiracje malarstwem, filmem, teatrem i literaturą. Obecnie pracuje nad projektem „The Book of Wonder” („Księga Cudowności”), który zostanie zaprezentowany na jej wystawie indywidualnej w CSW Zamku Ujazdowskim oraz w postaci wydawnictwa książkowego.

Festival. In 1995 she founded TOProduction, a company specialized in producing spectacular projects, TV programmes and documentary films. Her works embrace modern technology, combining concerts with graphics and animation. Halina Przebinda pioneered 3D recording of music programmes and concerts in Poland. In the years 2008 – 2009 she held the position of Director of Programme Office on Polish Television. Broadcast on TVP1, TVP2, TVP Rozrywka, TVP Info, TVP Kultura, TVP Polonia, TV Polsat, her productions received numerous nominations and awards at domestic and foreign festivals and reviews. She has been awarded the Knight’s Cross of the Order of Polonia Restituta for her outstanding achievements in the creation and promotion of Polish culture.

KUBA MIKURDA

Kuba Mikurda is a film critic and theoretician, translator and book editor. He teaches at the Film School in Lodz. He authored a monograph titled ”Nie-całość. Zizek, Dolar, Zupancic.” He edited and co-edited books about Terry Gilliam, Brothers Quay (with Adriana Prodeus), Walerian Borowczyk (with Michał Oleszczyk and Kamila Kuc) and surrealism in Polish cinema (with Kamila Wielebska). He is five-time Polish Film Institute award nominee for best author of a book about films and radio/TV show. Mikurda is a co-founder of the ”Restart” think-tank. He was twice appointed President of the Film 1,2 Association. He has collaborated with Canal+, Jagiellonian University’s Department of Modern Culture, MFF T-Mobile Nowe Horyzonty Film Festival and Krytyka Polityczna. He translated into Polish Todd McGowan’s ”The Real Gaze: Film Theory After Lacan” and selections from Slavoj Žižek’s ”Lacrimae rerum. Kieślowski, Hitchcock, Tarkowski, Lynch.”

MOPITOE (MOLIBDEN PINKY TOE)

MoPiToe (Molibden Pinky Toe) is a collective of artists with original perception. Founded in 2015 in Lodz by Bogna Kowalczyk (director, animator) and Małgorzata Andrys (stage designer, graphic artist), the collective quickly expanded to include two artists graduated from the Film School in Lodz, Konrad Śniady (director, film editor) and Monika Łuczak (photographer). The collective deals with visual art, from music clip production and virtual stage design to visual art and gallery exhibitions. MoPiToe struggles with its every action to place art in mass culture by combining forms of artistic expressions with pop-culture aesthetics.

MAGDALENA FRANCZUK

Magdalena Franczuk is a fifth year student of photography at the Film School in Lodz, director of short films and writer. In 2015 she received a scholarship from the Minister of Culture and National Heritage. Franczuk won numerous competitions including ”Creative valley,

or what young art is looking for” organized by TVP Kultura (2014) and the international Slideluck Warsaw (2014); she is also a three-time winner of honourable mentions from the International Photography Awards Competition (2 x 2014, 2012). In addition to this, she also won numerous journalism and playwriting contests. Her photographs and films were shown at domestic and international exhibitions. In 2015 her works were displayed at the TIFF Festival in Wrocław, International Photography Festival ”Interphoto” in Białystok, and OFFoto Photography Festival in Opole. Magdalena Franczuk collects antiques and luxury book editions. The past is what inspires her most. Her photographic style is a synthesis of vast spectrum of painting, film, theatre and literature inspirations. Currently she is working on a project titled ”The Book of Wonder,” which will be displayed at her solo show at the Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art and published as a book.

Kuba Mikurda, fot. Magdalena Franczuk Magdalena Franczuk, fot. ze zbiorów artystki

26 27

„ŻYWIOŁY” PERFORMENS DŹWIĘKOWY / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY

Hans van Koolwijk (Holandia) – obiekty dźwiękowe, wykonanie Hans van Koolwijk, Jan Bernad – scenariusz muzyczny Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” pod kier. Moniki Mamińskiej i Jana Bernada – śpiew

U podstaw kompozycji „Żywioły” leżą pytania o początki muzyki, artykulacji dźwięku, świadomości mowy, śpiewu i kopiowania otaczającej człowieka fonosfery. Projekt jest efektem pracy laboratoryjnej prowadzonej w latach 2014-2015 pod kierunkiem Jana Bernada nad fenomenem zjawisk akustycznych powstających podczas wykonywania tradycyjnych pieśni tradycyjnymi technikami. Zastosowane procedury i metody wyodrębniły te zjawiska w na tyle dużym stopniu, że pozwoliło to na postawienie tezy, że: alikwoty, „uderzenia diafoniczne” (beat diaphony) były w przeszłości integralną częścią śpiewu archaicznego. Traktowano je jako naturalną część dźwięku, przypisując im jednocześnie pochodzenie ze sfer świata niewidzialnego. Dziś wiele tych zjawisk można odnaleźć w efektach muzyki eksperymentalnej XX i XXI w. osiąganych przy pomocy urządzeń elektronicznych, czy preparowaniu instrumentów. Potwierdza to tezę, że „historia muzyki zatoczyła koło i wróciła do punktu wyjścia”. Wróciła, ale już bez funkcji łączenia widzialnego świata z sakralnym wymiarem świata niewidzialnego.

Kompozycja „Żywioły” to spotkanie dwóch światów muzyki: śpiewu i muzyki instrumentalnej w kontekście pytań o źródła muzyki i kultury człowieka. Z nadzieją i ciekawością podejmujemy to wyzwanie.

-Jan Bernad

HANS VAN KOOLWIJK (HOLANDIA)

Holenderski artysta dźwiękowy i konstruktor eksperymentalnych instrumentów. Od 1986 roku pracuje i porusza się w przestrzeni między sztukami wizualnymi a muzyką. Koncertował w takich miejscach jak Stedelijk Museum w Amsterdamie, Muzeum Sztuki Współczesnej Le Casino w Luksemburgu, wystawiał swoje prace w salach koncertowych – Rudolfinum w Pradze i Recital Hall w amsterdamskim Concertgebouw. Van Koolwijk występuje na całym świecie i współpracuje z różnymi artystami przy różnorodnych projektach. W 1998 roku współprodukował operę pod kierownictwem Agnes Ponizil dla Drezdeńskiego Centrum Muzyki Współczesnej, w 2001 roku występował z Willemem Tanke na organach podczas Biennale Muzyki w Rotterdamie, w 2000 roku ze Schreck Ensemble w Kunsthaus Essen, a w roku 2002 z Noise Makers Fifes – eksperymentalnym zespołem z Brukseli – w centrum kultury De Vooruit w Gandawie.

“THE ELEMENTS” SOUND PERFORMANCE / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Hans van Koolwijk (The Netherlands) – sound objects, performed by Hans van Koolwijk, Jan Bernad – music scenario Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative Initiatives “Crossroads” directed by Monika Mamińska and Jan Bernad – vocals

What stands at the core of the composition entitled “The Elements” are questions about the origin of music, the articulation of sound, the awareness of speech, singing and imitation of the surrounding phonosphere. The project is the outcome of an experimental study conducted under Jan Bernad in 2014-2015 on acoustic phenomena which occur during the performance of traditional songs by traditional techniques. The applied procedures and methods helped distinguish these phenomena to a great extent, leading to a thesis that harmonics and beat diaphony used to make part of archaic singing. They were considered inherent in sound and thought to come from the invisible world. Many of these phenomena can today be found in the effects produced using electronic devices or prepared instruments in twentieth and twenty-first century experimental music. This confirms the thesis that “the history of music has come full circle and returned to the starting point.” Even though it has come back to the starting point, it no longer connects the visible world with the sacred dimension of the invisible.

“The Elements” is a meeting of two musical worlds – the world of singing and the world of instrumental music; a meeting which raises questions about the origins of music and human culture. Curious about the outcome of this meeting, we take this challenge.

-Jan Bernad

HANS VAN KOOLWIJK (THE NETHERLANDS)

Hans van Koolwijk is a Dutch sound artist and builder of experimental musical instruments. Since 1986 he has been working in the space between visual art and music. He has given concerts in museums such as the Amsterdam Stedelijk Museum and Le Casino, the Museum of Contemporary Art in Luxembourg, and has also had exhibitions in concert halls such as the Rudolfinum in Prague and the Recital Hall of the Amsterdam Concertgebouw. Van Koolwijk has given many performances around the world and has also worked together with various performers, including an opera production by Agnes Ponizil for the Dresden Centre for Contemporary Music 1998, with Willem Tanke on organ for the 2001 Rotterdam Music Biennial, with the Schreck Ensemble in the Kunsthaus in Essen in 2000, and with the Noise Makers Fifes, a Brussels-based experimental group in Gent in 2002.

ZMT OMIT “Rozdroża”, fot. Renata Kamola

28 29

Jego najważniejsze dzieło – „Bambuso Sonoro” – narodziło się z pomysłu na ukazanie solisty grającego równocześnie na wielu fletach. Bambuso to rzeźba dźwiękowa wykorzystywana czasem w roli instrumentu muzycznego, dzięki czemu doznania wizualne są ściśle związane z dźwiękowymi. Od 30 lat van Koolwijk tworzy coraz to nowe urządzenia dźwiękowe – niektóre proste, inne bardzo skomplikowane. Jedną z niezwykłych rzeźb dźwiękowych stworzonych przez van Koolwijka jest „Klankkaatser” – wysoki przedmiot w kształcie elipsy, wewnątrz którego umieszczono urządzenie dźwiękowe składające się z fletów. Poprzez zróżnicowanie ciśnienia wiatru, dźwięki fletów różnią się między sobą głośnością, tonami, barwą i tempem. Światło w „Klankkaatserze” zmienia kolory i intensywność i jest zsynchronizowane z kompozycją dzieła muzycznego. Dźwięk i obraz pokrywają się i dzięki temu odbiorca może odnieść wrażenie, że widzi dźwięk.

JAN BERNAD

Artysta muzyk, kompozytor, badacz kultury tradycyjnej. W Iatach 1974-76 pracował przy realizacji projektów parateatralnych w Teatrze

“Bambuso Sonoro”, his central work, originates from the idea of a single performer operating multiple flutes simultaneously. The Bambuso is an unpolished sound sculpture that is sometimes used as a musical instrument, whereby the visual is closely related to the aural. For the last 30 years, van Koolwijk has been creating and constantly adding to his extensive palette of sound machines, some very simple and others very complex. One of the outstanding sound sculptures created by van Koolwijk is the “Klankkaatser” – a high elliptically shaped object in which there is a sound machine of flutes. Through variations in wind pressure, the sounds of the flutes differ in volume, tone, timbre and tempo. The light in de Klankkaatser changes in colour and intensity and is synched with the musical composition. Sound and image overlap, as if you were watching sound itself.

JAN BERNAD

Artist, musician, composer, and researcher of traditional music. In the years 1974-1976 he was involved in para-theatrical projects at J. Grotowski’s Laboratory Theatre. In the years 1977-1983 he

worked with the Gardzienice theatre as a musician and actor. In 1991 he initiated the establishment of Muzyka Kresów Foundation (Borderland Music Foundation) that has organized traditional music festivals, concerts, seminars, workshops and field studies, including International Summer School of Traditional Music (since 1998), and The Oldest Songs of Europe Festival (since 1999). In 1999, together with Monika Mamińska, he established The International School of Traditional Music Ensemble that reconstructs and performs Polish religious and secular traditional songs. In 2006 the Ensemble performed at the 49th Warsaw Autumn Festival and it initiated a series of projects combining traditional and contemporary music in works of such composers as K. Knittel, T. Wielecki, T. Stańko, J. Kornowicz, J. Szmytka, and A. Kościów. Jan Bernad authored “Pieśni Polskie” (Polish Songs) and “Trzy dźwięki” (Three Sounds) music performances. He has cooperated with the National Theatre in Warsaw, The Helena Modrzejwska National Stary Theatre in Cracow, and Kazimierz Dejmek New Theatre in Łódź and wrote music to theatre performances. He is the initiator of the “Rozdroża” (Crossroads) Centre for Cross-cultural Creative Initiatives founded in 2008 in Lublin, where he is the Artistic and Programme Director. He is also the initiator and co-creator of the CODES – Festival of Traditional and Avant-garde Music. In 2011 he was awarded the Medal for Merit to Culture – Gloria Artis for his achievements in the field of promotion of traditional music and bringing together traditional and contemporary music.

TRADITIONAL MUSIC ENSEMBLE OF THE CENTRE FOR INTERCULTURAL CREATIVE INITIATIVES “CROSSROADS” DIRECTED BY MONIKA MAMIŃSKA AND JAN BERNAD

The Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative Initiatives “Crossroads” was established on the basis of traditional singing workshop groups conducted by Monika Mamińska since 2008. The members of the ensemble are conversant with the folk repertoire of the Podlasie, Kurpie and Lublin regions as well as with songs from diverse parts of Ukraine. So far, the Ensemble has taken in interdisciplinary projects fusing traditional songs with other genres of music, among others performing improvised music alongside clarinettist Jerzy Mazzoll (“Arrhythmic Variations on Eight Songs of Spring”), performing alongside Mikołaj Pałosz “Six Variations on a Traditional Lithuanian Song” by Krzysztof Cybulski, and participating in Jan Bernad’s music happening entitled “Spring Procession.”

Members: Marianna Bartnik, Anna Długosz, Renata Franczak, Ilona Gumowska, Magdalena Jakubowska, Hanna Linkowska, Paulina Litwin, Paulina Malarczy, Weronika Nowacka, Ewa Rydzewska, Aleksandra Wójcik; Director: Jan Bernad; Cooperation: Monika Mamińska

Laboratorium J. Grotowskiego. W roku 1977 znalazł się w pierwszym składzie Teatru Gardzienice, gdzie przez 7 lat pracował jako muzyk i aktor. W roku 1991 zainicjował powołanie w Lublinie Fundacji „Muzyka Kresów”, w ramach której współorganizował festiwale muzyki tradycyjnej, koncerty, konferencje naukowe, warsztaty muzyczne i badania terenowe (od roku 1998 Międzynarodową Letnią Szkołę Muzyki Tradycyjnej, a od 1999 Festiwal „Najstarsze Pieśni Europy”). W ramach Fundacji w roku 1999 powołał, wraz z Moniką Mamińską, Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej rekonstruujący i wykonujący polskie świeckie i religijne pieśni tradycyjne. W 2006 r. Zespół wystąpił podczas 49. edycji Festiwalu Muzyki Współczesnej „Warszawska Jesień”, co dało początek serii projektów łączących muzykę tradycyjną z muzyką współczesną m.in. w utworach K. Knittla, T. Wieleckiego, T. Stańki, J. Kornowicza, J. Szmytki i A. Kościówa. Autor spektakli muzycznych „Pieśni polskie” (2005) i „Trzy dźwięki” (2008). Współpracował m.in. z Teatrem Narodowym w Warszawie, Teatrem Starym w Krakowie i Teatrem Nowym w Łodzi pisząc muzykę do spektakli teatralnych. Inicjator powołania w 2008 roku w Lublinie Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża”, w którym pełni funkcję dyrektora artystyczno-programowego. Pomysłodawca i współtwórca Festiwalu Tradycji i Awangardy Muzycznej KODY w Lublinie. W 2011 roku odznaczony brązowym Medalem Gloria Artis – Zasłużony Kulturze za osiągnięcia na rzecz upowszechniania muzyki tradycyjnej oraz budowanie związków pomiędzy muzyką tradycyjną, a współczesną.

ZESPÓŁ MUZYKI TRADYCYJNEJ OŚRODKA MIĘDZYKULTUROWYCH INICJATYW TWÓRCZYCH „ROZDROŻA” POD KIER. MONIKI MAMIŃSKIEJ I JANA BERNADA

Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” powstał z grup warsztatowych prowadzonych przez Monikę Mamińską od 2008 r. Członkowie zespołu opanowali tradycje śpiewacze Kurpiów, Lubelszczyzny i Podlasia, śpiewają też pieśni z różnych regionów Ukrainy. Zespół brał udział w projektach łączących pieśni tradycyjne z innymi gatunkami muzyki, m.in. z muzyką improwizowaną w projekcie „Arytmiczne wariacje na osiem pieśni wiosennych” z Jerzym Mazzollem, w kompozycjach Lidii Zielińskiej „Zagubione ogniwo” i Krzysztofa Cybulskiego „Sześć wariacji na temat litewskiej pieśni tradycyjnej” z Mikołajem Pałoszem oraz w happeningu muzycznym „Korowód wiosenny” Jana Bernada.

Skład: Marianna Bartnik, Anna Długosz, Renata Franczak, Ilona Gumowska, Magdalena Jakubowska, Hanna Linkowska, Paulina Litwin, Paulina Malarczy, Weronika Nowacka, Ewa Rydzewska, Aleksandra Wójcik; prowadzenie: Jan Bernad; współpraca: Monika Mamińska

Hans van Koolwijk, fot. ze zbiorów artysty Jan Bernad, fot. Ernest Klęgorek

30 31

PIOTR KUREK “IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON” OPERA NOUVEAU / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL

Piotr Kurek – music, drama Michał Libera – libretto, drama Łukasz Sosiński – stage design Laura Ociepa – video design Magdalena Łazarczyk – kostiumy Natalia Przybysz – vocal Anastazja Bernad – vocal Hilary Jeffery – trombone Kamil Szuszkiewicz – trumpet Jerzy Rogiewicz – drums and percussion Hubert Zemler – drums and percussion

Piotr Kurek’s debut opera is a utopian fantasy about the world where people disappear every day. The plot of this science fantasy is based on Alan Weisman’s book “The World Without Us.” More than a suggestive forecast or wistful reflection on what will happen “after us”, the opera is a brilliant and factual analysis of the things that will lead to our disappearance; the processes this will start, as well as the forms of life and non-life it will create. What will happen to the food left behind? How will the sewage systems devoid of human control behave? And finally, what will the landscape of our planet be like when the Coliseum will become nothing but insignificant debris devoured by nature?

“Ivy Snowstalkers of Ancient Apron” is a chamber opera referring to the reductionist aesthetics of this genre created in the 1960s in the United States. There is no room here for dialogues sung by opera divas or a cornucopia of stage design effects. The genre assumes that every musician on stage becomes an actor working with objects and narratives, and, based on this assumption, the opera creates a specific “landscape of characters”, the purpose of which is to tell an epic story in a music format.

Commissioned by the CODES Festival, the project is Piotr Kurek’s first such a large-scale attempt to enter the world of instrumental music. Renowned for his electronic music projects, in particular synthesizer music, in “Ivy Snowstalkers of Ancient Apron” Kurek tries to convey his experiences through a sextet of musicians associated with non-academic music who operate mainly on Warsaw’s independent music scene. Responding to the main theme of the opera, Kurek will prepare music referring to procedures that govern the world of technology and nature, the processes of which gain their own logic when devoid of human interference.

-Piotr Kurek, Michał Libera

PIOTR KUREK „IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON” („BLUSZCZOWE PRZEŚNIEGOŚLADOWCE Z ANTYCZNEGO CHAŁATU”) OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY

Piotr Kurek – muzyka, dramaturgia Michał Libera – libretto, dramaturgia Łukasz Sosiński – scenografia Laura Ociepa – wizualizacje Magdalena Łazarczyk – kostiumy Natalia Przybysz – głos Anastazja Bernad – głos Hilary Jeffery – puzon Kamil Szuszkiewicz – trąbka Jerzy Rogiewicz – instrumenty perkusyjne Hubert Zemler – instrumenty perkusyjne

Pierwsza opera w karierze Piotra Kurka to utopijna fantazja na temat świata, z którego z dnia na dzień znikają ludzie. Osią narracji jest skrupulatnie podbudowana naukowo fantazja na ten temat autorstwa Alana Weismana przedstawiona w książce „World Without Us”. Bardziej niż sugestywną prognozą czy rzewną refleksją na temat tego „co po nas”, jest ona błyskotliwą i rzeczową analizą tego, co nasze zniknięcie umożliwi; jakie procesy uruchomi, jakie formy życia i nie-życia stworzy. Co stanie się z pozostawionym po nas jedzeniem, jak zachowają się systemy kanalizacji wyjęte spod naszej kontroli i jaki będzie krajobraz naszej planety, kiedy Koloseum będzie już nic nie znaczącym gruzem pożartym przez przyrodę?

„Bluszczowe prześniegośladowce z antycznego chałatu” to kameralna opera odwołująca się do redukcjonistycznej estetyki tego gatunku powstałej w latach 60. w Stanach Zjednoczonych. Nie ma w niej miejsca na śpiewane dialogi między divami operowymi, ani feerię efektów scenograficznych. Zakłada ona, że każdy muzyk na scenie zawsze już jest aktorem, który pracuje z przedmiotami i narracjami i z tej właśnie obserwacji tworzy ona określony „krajobraz postaci”, których celem jest opowiedzenie pokaźnej historii w muzycznym formacie.

Projekt zamówiony przez Festiwal KODY jest pierwszą tak szeroko zakrojoną próba wejścia Piotra Kurka w świat muzyki instrumentalnej. Znany ze swych projektów elektronicznych, a w szczególności muzyki syntezatorowej, w „Bluszczowych prześniegośladowcach z antycznego chałatu” zajmie się przełożeniem swych doświadczeń na sekstet muzyków związanych z muzyką nie-akademicką, w większości tworzących na warszawskiej scenie niezależnej. Odpowiadając na główny temat opery, przygotuje on muzykę odnoszącą się do proceduralności rządzącej światem techniki i natury, których procesy bez udziału człowieka zyskują swą własną logikę.

-Piotr Kurek, Michał Libera Piotr Kurek, fot. Laura Ociepa

32 33

PIOTR KUREK

Musician and composer. He has collaborated both with theatre and modern dance companies, e.g., TR Warszawa, Lublin Dance Theatre, Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-Pape, and with independent choreographers and directors, including Anna Ladas, Magdalena Szpecht, Ryszard Kalinowski and Robert Drobniuch. Kurek authored many instrumental projects: Heroiny, Suaves Figures (with Sylvia Monnier), Piętnastka (with Hubert Zemler), ABRADA (with Francesco de Gallo). He has performed at music and theatre festivals including Unsound (New York), CTM (Berlin), UH Fest (Budapest), OFF Festival (Katowice). In 2014 and 2015 he was a special guest on the European tour of American guitarist and vocalist Bonnie “Prince” Billy.

MICHAŁ LIBERA

Sociologist by education who started doing music in 2003. He is a playwright, author of sound essays, operas and experimental radio forms created in collaboration with Martin Küchen, Ralf Meinz, Rinus van Alebeek, Joanna Halszka Sokołowska, Daniel Muzyczuk, Komuna//Warszawa (premiered at Body/Mind Festival, Museum of Modern Art, Off-Biennale Budapest). Libera runs a conceptual pop label called “Populista” devoted to musical over-interpretation, and produces a series of reinterpretations of music from the archives of the Polish Radio Experimental Studio (Bôłt Records). He has curated a variety of concerts, festivals and anti-festivals, music programmes for exhibitions; he also won the honourable mention award at the 13th Architecture Biennale Venice.

ŁUKASZ SOSIŃSKI

Visual artist. He creates installations and visual art. His works were exhibited in many places in Poland and across Europe. He collaborates with Galeria Wschód. In Warsaw he co-runs with Magdalena Łazarczyk an art curated project ”Realny Obszar Działań.” From 2012 to 2014 he was a member of the band Airth, and in collaboration with Piotr Szwajgier they performed music for the reading of Szczepan Orłowski’s drama ”Pod”, staged at Nowy Teatr in Warsaw. Currently he is enrolled in the Interdisciplinary Doctoral Studies at the University of Arts in Poznan.

LAURA OCIEPA

Visual artist, who uses various media in her work. Currently studying in Warsaw. Her photographs have been published in Polish and international magazines. She shows her videos and performances to her friends. Ociepa’s works were displayed at exhibitions and group projects, including “Young Fashion Photographers Now” and “Wola Warm-up.” Her solo show titled “Rutyny i Anomalie” was a project

PIOTR KUREK

Muzyk i kompozytor. Współpracował z grupami teatralnymi i tańca współczesnego: TR Warszawa, Lubelskim Teatrem Tańca i Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-Pape oraz niezależnymi choreografami i reżyserami, m.in. Anna Ladas, Magdaleną Szpecht, Ryszardem Kalinowskim i Robertem Drobniuchem. Jest autorem wielu projektów instrumentalnych Heroiny, Suaves Figures (z Sylvią Monnier), Piętnastka (z Hubertem Zemlerem), ABRADA (z Francesco de Gallo). Uczestniczył w festiwalach muzycznych i teatralnych, m.in. Unsound (Nowy Jork), CTM (Berlin), UH Fest (Budapeszt), OFF Festival (Katowice). W 2014 i 2015 roku był gościem specjalnym na europejskiej trasie amerykańskiego gitarzysty i wokalisty Bonnie „Prince” Billy’ego.

MICHAŁ LIBERA

Socjolog zajmujący się muzyką od 2003 roku, ostatnio głównie jako dramaturg, autor esejów dźwiękowych, oper i eksperymentalnych form radiowych, przy których współpracuje m.in. z Martinem Küchenem, Ralfem Meinzem, Rinusem van Alebeekiem, Joanną Halszką Sokołowską, Danielem Muzyczukiem, Komuną// Warszawa (premiery na festiwalu Ciało/Umysł, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej, na Off-Biennale w Budapeszcie). Libera prowadzi konceptualno-popowe wydawnictwo Populista poświęcone nadinterpretacji muzyki oraz produkuje serie reinterpretacji muzyki z archiwów Studia Eksperymentalnego Polskiego Radia (Bôłt Records). Jest kuratorem rozmaitych koncertów, festiwali i anty-festiwali, programów muzycznych do wystaw, w tym laureatem wyróżnienia na 13-tym Biennale Architektury w Wenecji.

ŁUKASZ SOSIŃSKI

Artysta wizualny. Zajmuje się m.in. instalacją i szeroko rozumianym obrazem. Wystawiał w licznych miejscach w kraju i Europie. Współpracuje z Galerią Wschód. Wspólnie z Magdaleną Łazarczyk prowadzi w Warszawie projekt artystyczno-kuratorski Realny Obszar Działań. W latach 2012-14 członek grupy muzycznej Airth, z którą wspólnie z Piotrem Szwajgrem wykonywał muzykę do czytania dramatu „Pod” Szczepana Orłowskiego w Teatrze Nowym w Warszawie. Doktorant na Interdyscyplinarnych Studiach Doktoranckich na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.

LAURA OCIEPA

Artystka wizualna tworząca za pomocą różnych mediów. Studiuje w Warszawie. Fotografie publikuje w polskich i zagranicznych magazynach. Video i performens pokazuje znajomym. Brała udział w wystawach i projektach zbiorowych m.in „Young Fashion Photographers Now”, „Wola Warm-up”. Na wystawie indywidualnej „Rutyny i Anomalie” prezentowała projekt zainspirowany nowymi legendami miejskimi.

MAGDALENA ŁAZARCZYK

Absolwentka studiów licencjackich kierunku: Sztuka Rejestracji Obrazu na wydziale Komunikacji Multimedialnej poznańskiego Uniwersytetu Artystycznego. W 2015 obroniła dyplom magisterski na wydziale Sztuki Mediów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie zrealizowany w Pracowni Działań Przestrzennych prof. Mirosława Bałki. W swoich działaniach używa różnych mediów, takich jak: video, fotografia, instalacja, performens. Finalistka konkursu „Artystyczna Podróż Hestii (2014) oraz Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko 7 (2013). Laureatka Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne osiągnięcia w twórczości artystycznej (2015). Otrzymała nagrodę Zaiksu za najlepszą pracę dyplomową w dziedzinie sztuki nowych mediów na wystawie „Coming Out” 2015, oraz honorowe wyróżnienie na Wystawie Najlepszych Dyplomów ASP w Gdańsku (2015).

NATALIA PRZYBYSZ

Znana szeroko jako wokalistka polskiego zespołu soul i R&B Sistars. Po zawieszeniu zespołu Sistars działalność Natalii możemy śledzić głównie pod nazwą Natu (solowy projekt), gdzie poza kompozycjami i licznymi kolaboracjami producenckimi (Envee, Trębski, Zagórski, Zabrodzki) stała się liderem zespołu z niepowtarzalną energią, którą można poczuć podczas występów live. Inspirowana soulem, jazzem i funkiem nie kryje pasji dla starych, analogowych brzmień z wytwórni Motown i instrumentów z epoki. Wydała albumy: „Natu & Envee – Maupka Comes Home”(2008) i „Gram Duszy”(2010). W sierpniu 2011 r. Natu supportowała Erykę Badu na jej koncercie w Warszawie. Latem

inspired by new urban legends.

MAGDALENA ŁAZARCZYK

Magdalena Łazarczyk is a young artist living and working in Warsaw, Poland. In her works Magdalena uses different media such as photography, video, installation. In 2013, she received her Bachelor’s degree at the University of Arts in Poznań ( photography 2010- 2013). In 2015, she completed her Master’s degree at the Department of Media Art at the Studio of Spacial Activites, led by Mirosław Bałka at the Academy of Fine Arts in Warsaw. Finalist of The Young Art Biennial “ Fish Eye” (2013); Hestia Art Journey competition, Award of the Minister of Coulture and National Heritage for outstanding artistic achievement (2015); honourable mention at the national exhibition The Esteemed Graduates of the Polish Academies of Fine Arts, Gdansk, 2015; Zaiks Award for the best diploma in New Media Arts at the Best Degree Pieces Academy of Fine Arts in Warsaw, “Coming Out” (2015).

NATALIA PRZYBYSZ

Natalia Przybysz is best known as a vocalist with the Polish soul and R&B band, Sistars. Following the band’s break-up, Natalia started her solo project, Natu, creating music in collaboration with numerous producers including Envee, Trębski, Zagórski, and Zabrodzki. She has become the leader of a band with unique energy that is best felt during live shows. Inspired by soul, jazz and funk, she does not hide her passion for old, warm motown sounds and vintage instruments. She released two solo albums: ”Natu & Envee – Maupka Comes

Michał Libera, fot. Igor Omulecki

Łukasz Sosiński, fot. ze zbiorów artysty

34 35

2012 r. stworzyła projekt z okazji 50-lecia debiutu artystycznego Janis Joplin, z którym ruszyła w trasę na letnich festiwalach, m.in.: Przystanek Woodstock (premiera projektu), Męskie Granie, jak również na jesiennej trasie koncertowej. Według redaktorów Jazzsoul przedpremierowa trasa koncertowa „Kozmic Blues” była jednym z najważniejszych wydarzeń w 2012 r. Sukces projektu przyczynił się do wydania w czerwcu 2013 r. płyty „Kozmic Blues: Tribute to Janis Joplin”. Kolejna jej autorska płyta pt. „Prąd” wydana nakładem Warner Music Poland ukazała się w listopadzie 2014 roku. Album pokrył się platyną. Natalia Przybysz była również dwukrotnie nominowana do nagrody Fryderyka.

ANASTAZJA BERNAD

Wokalistka, aktorka, absolwentka Warszawskiej Szkoły Filmowej, grała w Teatrze Provisorium w spektaklach „Bracia Karamazow” i „Lód” w reż. Janusza Opryńskiego. Od piętnastu lat zajmuje się śpiewem tradycyjnym wykonując głównie polskie pieśni tradycyjne. Członkini Zespołu Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej, występowała w kraju i zagranicą, śpiewała w dwóch spektaklach muzycznych „Pieśni polskie” i „Trzy dźwięki” w reż. Jana Bernada. W 2006 r. wystąpiła z zespołem podczas 49. edycji Festiwalu Muzyki Współczesnej

Home” (2008) and ”Gram Duszy” (2010). In August 2011 Natu opened for Erykah Badu’s concert in Warsaw. In summer 2012 Przybysz created a project celebrating the 50th anniversary of Janis Joplin’s artistic debut, which she presented at summer festivals such as Woodstock (project premiere) and Męskie Granie, as well as on tour in autumn. The Jazzsoul journalists hailed the project’s premiere tour ”Kozmic Blues” to be one of the most important music events in 2012. The success of the project led to releasing in June 2013 “Kozmic Blues: Tribute to Janis Joplin.” Released by Warner Music Poland in November 2014, her next album ”Prąd” received the Platinum Record award. Natalia Przybysz was nominated twice for the Fryderyk Award.

ANASTAZJA BERNAD

Vocalist and actress; Warsaw Film School graduate. She played in Provisorium Theatre’s productions ”The Brothers Karamazov” and “The Ice”, both directed by Janusz Opryński. Interested in traditional singing for fifteen years, she mainly performs Polish traditional songs. She is a member of the International School of Traditional Music, with whom she has performed in Poland and abroad, and sang in two music shows directed by Jan Bernad, ”Polish Songs” and ”Three Sounds.” In 2006 she performed with

„Warszawska Jesień” w projekcie łączącym pieśni tradycyjne z muzyką eksperymentalną. Śpiewała w utworach T. Wieleckiego, K. Knittla, C. Duchnowskiego, A. Kościówa, J. Kornowicza i J. Kochana. Uczennica wybitnych nauczycieli śpiewu tradycyjnego m.in. Jewgienija Jefremowa, Hanny Koropniczenko, Władimira Iwanowa, Swietłany Własowej, Rytisa Ambrazeviciusa i Jeleny Jovanovic.

HILARY JEFFERY

Puzonista, improwizator i kompozytor muzyki elektroakustycznej, wychowanek słynnego Barton Workshop z Amsterdamu. Obecnie jeden z najbardziej rozchwytywanych puzonistów w Europie – występuje w takich orkiestrach jak legendarny Zeitkratzer, zrzeszającym obecnie śmietankę berlińskiej sceny improwizatorów Splitter Orchestra, Inconsolable Ghost, LYSN – psychodeliczno-minimalistycznym kolektywie grającym muzykę dronową oraz w niezliczonych mniejszych projektach. Sam o sobie mówi, że jest „puzonistą pustyni” – odkąd ćwierć wieku temu wyjechał na Saharę próbuje oddać w swojej muzyce „ciszę przestrzeni, która stała się centralnym i utrzymującym się czynnikiem wpływającym na jego sztukę”.

the ensemble at the 49th International Festival of Contemporary Music “Warsaw Autumn”, where they presented a project combining traditional songs and experimental music. She sang pieces composed by T. Wielecki, K. Knittel, C. Duchnowski, A. Kościów, J. Kornowicz and J. Kochan. She learned singing under many renowned teachers of traditional singing, including Yevgeniya Yefremova, Hanna Koropniczenko, Vladimir Ivanov, Svetlana Vlasova, Rytis Ambrazevicius and Jelena Jovanovic.

HILARY JEFFERY

Trombonist, improviser and composer of electroacoustic music, graduate of the prestigious Barton Workshop in Amsterdam. Currently he is one of the most popular trombonists in Europe. He collaborates with the legendary Zeitkratzer, Splitter Orchestra featuring the renowned artists of Berlin’s improv music scene, Inconsolable Ghost, the minimal psychedelic ensemble LYSN who play drone music, and has been involved in a vast number of small projects. He describes himself as a “desert trombonist”; since his journey to the Sahara twenty-five years ago, he has been trying to convey the experience of ”silent space that has become a central and sustaining influence for his work” with music.

Natalia Przybysz, fot. ze zbiorów artystki Anastazja Bernad, fot. Hanna Linkowska Hilary Jeffery, fot. ze zbiorów artysty

36 37

KAMIL SZUSZKIEWICZ

Trębacz, kompozytor, improwizator. Aktywna postać na warszawskiej scenie muzyki niezależnej, znany głównie z własnych projektów (m.in. Kapacitron), współpracy z Marcinem Maseckim (Profesjonalizm) oraz szeregu projektów z Hubertem Zelmerem. Autor płyt „Prolegomena” (2011), „Bugle Call and Response” (2014), „Istina” (2015) oraz komiksu dźwiękowego „Robot Czarek” (2015). Prowadzi zespół Zebry a Mit. W roku 2016 stypendysta MKiDN.

JERZY ROGIEWICZ

Kompozytor, perkusista i pianista. Ukończył z wyróżnieniem klasę kompozycji Zbigniewa Bujarskiego na Akademii Muzycznej w Krakowie. Jako instrumentalista-improwizator występował z wieloma wybitnymi muzykami, m.in. Toshinori Kondo, Kazuhisa Uchihashi, Hannoda Taku, David Thomas, Ray Dickaty, Wojtek Traczyk, Paweł Szamburski, Piotr Zabrodzki, Tomasz Duda. W latach 2005-2012 członek zespołu Levity – instrumentalnego tria, uważanego za jeden z najważniejszych zespołów grających nowoczesny jazz w Polsce. W latach 2009-2011 perkusista zespołu Pink Freud. Od 2010 współpracuje z Marcinem Maseckim (zespoły Profesjonalizm, Warszawska Orkiestra Rozrywkowa, Polonezy, trio V/TLD z DJ Lenarem). Jest również członkiem rockowego

KAMIL SZUSZKIEWICZ

Trumpet player, composer and improviser. Active on Warsaw’s independent music scene he is best known for his individual projects (e.g. Kapacitron), his collaboration with Marcin Masecki (Profesjonalizm) and Hubert Zelmer. He recorded three albums: “Prolegomena” (2011), “Bugle Call and Response” (2014), “Istina” (2015), and authored a sound cartoon titled ”Robot Czarek” (2015). He leads a band called Zebry a Mit. In 2016 he received a scholarship from the Minister of Culture and National Heritage.

JERZY ROGIEWICZ

Composer, drummer and pianist. He graduated with honours from the composition class under Zbigniew Bujarski at the Academy of Music in Krakow. As an instrumentalist and improviser, he has performed with many distinguished musicians, including Toshinori Kondo, Kazuhisa Uchihashi, Hannoda Taku, David Thomas, Ray Dickaty, Wojtek Traczyk, Paul Szamburski, Peter Zabrodzki, and Tomasz Duda. In the years 2005-2012 he was a member of Levity, an instrumental trio considered one of the most important Polish modern jazz bands. From 2009 to 2011 he was a drummer with Pink Freud. In 2010 he started collaboration with Marcin Masecki (bands: Profesjonalizm,

zespołu Der Father (płyta Wake Up, Lado ABC, 2014). W 2013 roku prawykonany został jego utwór „Muzyka Poważna” na 10 instrumentów improwizujących.

HUBERT ZEMLER

Perkusista, kompozytor. W latach 1999 – 2004 studiował na Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie. W jego repertuarze są utwory kompozytorów XX i XXI wieku, takich jak Helmut Lechenmann, (jego „AIR” wykonane zostało na koncercie inauguracyjnym festiwalu „Warszawska Jesień” 2015), Steve Reich, Tadeusz Wielecki, Zygmunt Krauze, Tomasz Sikorski, Cornelius Cardew, Zdzisław Piernik, Arturas Bumsteinas. Równolegle z klasyczną edukacją i współpracą z orkiestrami symfonicznymi (orkiestra Teatru Wielkiego – Opery Narodowej, Sinfonia Varsovia) udzielał się w zespołach jazzowych, zgłębiając tajniki improwizacji, muzyki eksperymentalnej. Współtworzy warszawskie zespoły sceny niezależnej: Piętnastka (wraz z Piotrem Kurkiem), Slalom, Shy Albatross, trio jazzowe LAM, duet Pilokatabaza oraz angażuje się w wiele projektów z pogranicza muzyki współczesnej i improwizacji. Materiał z solowym repertuarem Huberta Zemlera został wydany na dwóch płytach: „Moped” (LADO ABC, 2011) oraz „Gostak & Doshes” (Bołt Records, 2014).

Warszawska Orkiestra Rozrywkowa, Polonezy, V/TLD trio with DJ Lenar). He is also a member of the rock band Der Father (album “Wake Up”, Lado ABC, 2014). His piece “Classical Music” for 10 improvising instruments premiered in 2013.

HUBERT ZEMLER

Drummer and composer. In the years 1999 – 2004 he studied at the Fryderyk Chopin University of Music in Warsaw. His repertoire includes pieces by 20th and 21st centuries composers including Helmut Lechenmann’s ”AIR” (performed at the opening concert of “Warsaw Autumn” Festival 2015), Steve Reich, Tadeusz Wielecki, Zygmunt Krauze, Tomasz Sikorski, Cornelius Cardew, Zdzisław Piernik, Arturas Bumsteinas. Besides his classical education and cooperation with symphony orchestras (Polish National Opera’s Sinfonia Varsovia orchestra), he played with jazz bands, exploring the secrets of improvisation and experimental music. He is a co-founder of Warsaw-based indie bands: Piętnastka (with Piotr Kurek), Slalom, Shy Albatross, jazz trio LAM and the Pilokatabaza duo; he is also involved in a number of projects combining contemporary music and improvisation. Hubert Zemler released two solo albums: ”Moped” (LADO ABC, 2011) and ”Gostak & Doshes” (Bôłt Records, 2014).

Jerzy Rogiewicz, fot. ze zbiorów artysty Hubert Zemler, fot. Maciej Włodarczyk

38 39

HANS VAN KOOLWIJK (THE NETHERLANDS) „BAMBUSO SONORO” SOUND INSTALLATION

The central work of Hans van Koolwijk, the “Bambuso Sonoro “, originates from the idea of a single performer operating a number of flutes simultaneously. The Bambuso is an unpolished sound sculpture that is used as a musical instrument, whereby the visual is closely related to the aural. Sounds can be seen, as it were. One wants to be physically present, preferably between the flutes, to see the performer sweat, to experience the effort needed to produce the sounds.

Van Koolwijk has given many performances with the Bambuso, including locations such as Macba, the Contemporary Art Museum in Barcelona, for Grame in Lyon, for the ISCM Centre for Contemporary Music in Warsaw, in the Rudolfinum in Prague, for the ISCM in Ljubljana, for Musica Viva in Lisboa, for La Noche en Blanco in La Abadía in Madrid, and in many places in the Netherlands.

Hans van Koolwijk’s outrageous “Bambuso Sonoro,” an agglomeration of pipes, tubes and valves roughly the size of a kitchen block, contains dozens of interconnected bamboo flutes, and is all but tranquil. Standing behind its tables of switches and pedals, the artist elicits a cacophony of whistles, grunts and flutters from his machine. Although it looks like the artist is improvising, his playing is carefully organized and aimed at exploiting the instrument’s full potential. Marinus de Ruiter (Amsterdam Weekly)

HANS VAN KOOLWIJK P. 27

HANS VAN KOOLWIJK (HOLANDIA) „BAMBUSO SONORO” INSTALACJA DŹWIĘKOWA

Jego najważniejsze dzieło – „Bambuso Sonoro” – narodziło się z pomysłu na ukazanie solisty grającego równocześnie na wielu fletach. Bambuso to rzeźba dźwiękowa wykorzystywana czasem w roli instrumentu muzycznego, dzięki czemu doznania wizualne są ściśle związane z dźwiękowymi, a dźwięk staje się widoczny. Publiczność chce doświadczać fizycznej obecności, najlepiej pomiędzy fletami, aby zobaczyć pracę artysty i wysiłek włożony w produkcję dźwięku.

Van Koolwijk prezentował instalację „Bambuso Sonoro” na całym świecie, między innymi w barcelońskim Muzeum Sztuki Współczesnej Macba, w Lyonie (Grame), w Warszawie (ISCM), w Pradze (Rudilfinium), w Lubljanie (ISCM), w Lizbonie (Musica Viva), w Madrycie (La Noche en Blanco, La Abadía) oraz w Holandii.

Marinus de Ruiter napisał w „Amsterdam Weekly”, że „Bambuso Sonoro” to niezwykła i ogromna instalacja, zbiorowisko rur, tub i zaworów, która składa się z połączonych ze sobą bambusowych fletów i na pewno nie można opisać jej jako coś spokojnego. Stojący za pedałami i włącznikami artysta produkuje kakofoniczne gwizdy, chrząknięcia i drgania. Mimo że jego praca wygląda jak improwizacja, każdy dźwięk jest dokładnie przemyślany i ma na celu pokazać pełen potencjał instrumentu.

HANS VAN KOOLWIJK STR. 26

“Bambuso Sonoro”, fot. ze zbiorów artysty

40 41

ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINA) „IYOV” (HIOB) OPERA-REQUIEM NA FORTEPIAN PREPAROWANY, WIOLONCZELĘ, PERKUSJĘ I GŁOSY / POLSKA PREMIERA

Roman Grygoriv, Ilia Razumeiko – muzyka Vlad Troitskyi – reżyseria

Występują: Maryana Golovko – sopran Anna Marych – sopran Oleksandra Mailliet – mezzosopran Andrey Koshman – baryton Ruslan Kirsh – baryton Yevgeniy Rakhmanin – bass Jerzy Rogalski – głos Janna Marchynskaya – wiolonczela Andrey Nadolskiy – instrumenty perkusyjne llia Razumeiko – fortepian Roman Grygoriv – dyrygent Tenpoint – wizualizacje na żywo Max Kapusta – produkcja dźwięku

ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINE) “IYOV” (JOB) OPERA-REQUIEM FOR PREPARED PIANO, CELLO, DRUMS AND VOICES / POLISH PREMIERE

Roman Grygoriv, Ilia Razumeiko – music Vlad Troitskyi – director

Cast: Maryana Golovko – soprano Anna Marych – soprano Oleksandra Mailliet – mezzosoprano Andrey Koshman – baritone Ruslan Kirsh – baritone Yevgeniy Rakhmanin – bass Jerzy Rogalski – voice Janna Marchynskaya – cello Andrey Nadolskiy – percussion llia Razumeiko – grand piano Roman Grygoriv – conductor Tenpoint – live visual design Max Kapusta – sound producer

Premiera opery „Hiob” miała miejsce 21 września 2015 roku na głównej scenie festiwalu GogolFest 2015. Nowa wersja opery została zaprezentowana w Kijowie w marcu 2016 roku.

Hiob (po hebrajsku Iyov) jest główną postacią biblijnej Księgi Hioba, która opowiada historię jego życia, dumy, zwątpienia, poszukiwania sensu życia i śmierci, nadziei i żalu. Centralnym elementem przedstawienia jest fortepian, który zamienia się w prawdziwą orkiestrę. Pianista i wokaliści używają różnych instrumentów perkusyjnych, takich jak werble, marimba, pałki kotłowe, trójkąty, raidy, a także monet, kluczy, palców i paznokci do gry na strunach i na pudle fortepianu. Instrument brzmi jak klawesyn, perkusja, a czasem nawet jak syntezator i elektroniczny generator dźwięku.

Muzyka „Hioba” łączy w sobie minimalizm i awangardę, neoklasycyzm i muzykę rockową. Polifoniczne fragmenty chóralne i instrumentalne interludia przeplatają się z fragmentami, które wykorzystują pełny zakres ludzkiego głosu: śpiew klasyczny, jazzowy, tradycyjny, a nawet oddech, krzyk, szept i śpiew alikwotowy.

Dramaturgia przedstawienia oparta jest na połączeniu recytatywów

The premiere of the opera “IYOV” was held on September 21, 2015 on the main stage of the biggest festival of contemporary art in Ukraine – 8th International multidisciplinary festival “GogolFest 2015.” The updated version of the opera was presented in Kiev in March 2016.

Job (Iyov in Hebrew) is the central character of the Book of Job in the Bible. This is a story of his life, pride, and disbelief, the search for the meaning of life and death, as well as the story of hope and regret. The central element is the piano that turns into a real orchestra. The pianist and singers use a wide range of percussion instruments, such as snare drum, marimba and timpani sticks, triangle, and ride cymbal. They also use coins, keys, fingers and nails to play the strings and the body of the grand piano. The instrument sounds like a harpsichord, drums and, occasionally, as a synthesizer or electronic sounds generator.

Music of “IYOV” combines minimalism and the avant-garde, neoclassicism and rock. Polyphonic choral episodes and instrumental interludes alternate with the parts that use a full range of human voice: from classical, jazz and folk singing to breathing, screaming, whispering and overtone singing.

The dramaturgy of music performance is based on the contrasting compilation of recitatives (based on the Book of Job) and parts of Requiem – a Catholic Mass that refers to traditional Latin texts.

Opera-requiem “IYOV” is a synthesis of ancient Greek drama, baroque opera, oratorio, Requiem, and the techniques of postmodern theatre. It is the mystery of the birth of a new sound inside the piano and the demonstration of endless possibilities of the human voice.

VLAD TROITSKYI

Vlad Troitskyi was born in Ulan-Ude, Russia. He graduated from the Radio Technician faculty of Kiev Polytechnic Institute in 1987, and completed a post-graduate course at Kiev Polytechnic Institute in 1990. In 2002 he received his diploma in acting and directing at the Russian Theatre Art Academy in Moscow. Troitskyi is the founder, director and art director of DAKH Centre of Contemporary Arts, where he directed more than 35 performances. In 2004 he founded the “DakhaBrakha” ethno-chaos band, and in 2007 he launched an audio-visual-theatre-literature-philosophic art project: “GogolFest” – the Festival of Contemporary Art. He is also the founder of the Dakh Daughters Band. Recently Vlad Troitskyi directed the opera “Die Tote Stadt” (“The Dead City”) by Erich Wolfgang Korngold in Hungary. In 2004 he staged the improvisation opera “Coriolanus” based on Shakespeare’s tragedy.

“Hiob”, fot. ze zbiorów artystów

42 43

ROMAN GRYGORIV

Ukrainian composer, conductor and author of chamber, vocal, symphonic works, and theatre music. Roman Grygoriv was born in Ivano-Frankivsk, Ukraine. He continues postgraduate studies at the National Music Academy – master’s degree in composition – A. Gavrylets’ class. He is also the chairman of the PORTO FRANKO artistic foundation, the founder and director of international festivals, such as: the Frank Opera fest, Porto Franko (Ukraine), MOZART 2014 (China), and the Music from Europe in 2015 (China), as well as the manager of international festivals, including the O-Fest 2014-2015 (Ukraine). Since 2011, Roman has worked as a composer and artist for the National Presidential Orchestra of Ukraine. In 2014 he joined the National Union of Composers of Ukraine. In 2015, together with composer Ilia Razumeiko, he created the opera-requiem “IYOV” for the international “GogolFest 2015” Festival (director – Vlad Troitskyi).

ILIA RAZUMEIKO

Ukrainian composer, author of chamber, vocal, and symphonic works. He was born in Zaporozhia, Ukraine. In 2007 he graduated from Zaporozhia Music College (class of music theory). In the years 2007-2012 he studied at the Kiev Conservatory (Prof. A. Gavrylets’ composition class), and in the years 2012-2013 he worked at the National Theatre of Operetta of Ukraine. From 2013

(opartych na Księdze Hioba) i fragmentów Requiem – mszy katolickiej odwołującej się do tradycyjnych tekstów łacińskich.

Opera-requiem „Hiob” jest połączeniem antycznego dramatu, opery barokowej, oratorium, Requiem i technik używanych w teatrze postmodernistycznym. Jest to misterium narodzin nowego dźwięku wewnątrz fortepian i ukazanie nieskończonych możliwości ludzkiego głosu.

VLAD TROITSKYI

Urodzony w Ułan-Ude w Rosji, absolwent Wydziału Radiotechniki Politechniki Kijowskiej (1987), studiów podyplomowych w Politechnice Kijowskiej (1990) oraz studiów w zakresie sztuki aktorskiej i reżyserii w Moskiewskiej Akademii Teatralnej (2002). Założyciel oraz dyrektor artystyczny Centrum Sztuki Współczesnej DAKH, gdzie wyreżyserował ponad 35 spektakli, a także (w 2004 r.) zespołu DachaBracha, którego muzykę określa jako etno-chaos, oraz zespołu Dakh Daughters Band. Pomysłodawca zainicjowanego w 2007 r. Festiwalu Sztuki Współczesnej „GogolFest” łączącego sztuki audiowizualne z teatrem, literaturą i filozofią. Reżyser wystawionej na Węgrzech opery zatytułowanej „Die Tote Stadt” („Martwe miasto”) autorstwa Ericha Wolfganga Korngolda oraz opartej na tragedii Williama Szekspira opery improwizacji pod tytułem „Koriolan” (2004 r.).

ROMAN GRYGORIV

Urodzony w Iwano-Frankiwsku, ukraiński kompozytor, dyrygent, twórca utworów kameralnych, wokalnych i symfonicznych, autor muzyki teatralnej. Obecnie student kompozycji w klasie A. Gavryletsa w Ukraińskiej Narodowej Akademii Muzycznej. Dyrektor fundacji artystycznej PORTO FRANKO, a także pomysłodawca i dyrektor wielu międzynarodowych festiwali, takich jak Frank Opera Fest, Porto Franko na Ukrainie, MOZART 2014 w Chinach, Music from Europe in 2015 w Chinach. W latach 2014-2015 dyrektor festiwalu O-Fest. Od 2011r. kompozytor i muzyk Ukraińskiej Narodowej Orkiestry Prezydenckiej, a od 2014 r. członek Związku Kompozytorów Ukrainy. Współtwórca (z kompozytorem Ilią Razumeiko) operowego requiem zatytułowanego „IYOV”, napisanego w 2015 r. na zlecenie międzynarodowego festiwalu sztuki „GogolFest” 2015 (organizowanego pod kierownictwem Vlada Troitskyiego).

ILIA RAZUMEIKO

Urodzony w Zaporożu, ukraiński kompozytor, autor utworów kameralnych, wokalnych oraz symfonicznych. Absolwent Zaporoskiego Kolegium Muzycznego w klasie teorii muzyki. W latach 2007-2012 słuchacz Konserwatorium Kijowskiego w klasie kompozycji profesora A. Gavryletsa, a w latach 2012-2013 pracownik Teatru Narodowego Operetki Kijowskiej. Absolwent Konserwatorium Wiedeńskiego w klasie

kompozycji instrumentalnej pod kierunkiem profesora Martina Lihtfusa (2013-2015) oraz student kompozycji elektroakustycznej w klasie profesora Karlheinza Esela (od 2015 r.). Organizator wielu międzynarodowych festiwali, takich jak jak Frank Opera Fest, Porto Franko w Iwano-Frankiwsku, O-Fest-2013 w Kijowie, MOZ-ART 2014 w Shenzhen (Chiny), Interior II w Wiedniu, oraz współorganizator (z kompozytorem Romanem Grygorivem) Music from Europe in 2015 w Harbin w Chinach. Współautor operowego requiem „IYOV”, napisanego w 2015 r. na zamówienie VIII Międzynarodowego Festiwalu Sztuki Współczesnej „GogolFest” 2015.

through 2015 he studied at the Vienna Conservatory in the class of instrumental composition (Prof. Martin Lihtfus). Since 2015 he has been studying electroacoustic composition in the class of prof. Karlheinz Esel. He organized international festivals, such as the, Frank Opera fest, Porto Franko (Ivano-Frankivsk, Ukraine), O-Fest-2013 (Kyiv, Ukraine), MOZ-ART 2014 (Shenzhen, China), Interior II (Vienna, Austria), and the Music from Europe in 2015 (Harbin, China) with a composer Roman Grygoriv. In 2015, they had also created “IYOV”, an opera-requiem, commissioned for “GogolFest 2015” – the 8th International multidisciplinary Festival of Contemporary Art.

Vlad Troitskyi, fot. ze zbiorów artysty

Roman Grigoriv, fot. ze zbiorów artysty Ilia Razumeiko, fot. ze zbiorów artysty

44 45

DAVID LANG (USA) „LOVE FAIL” OPERA-NOWA / POLSKA PREMIERA

David Lang – kompozycja, reżyseria Quince Contemporary Vocal Ensemble w składzie: Elizabeth Pearse, Kayleigh Butcher, Amanda DeBoer Bartlett, Carrie Henneman Shaw – wykonanie Lydia Davis – opowiadania David Lang – tekst na podstawie utworów Marie de France, Gottfrieda von Strassburga, Sir Thomasa Malory’ego, Beroul, Tomasza z Anglii, Beatriz de Dia i Ryszarda Wagnera Jody Elff – projekcja dźwięku Jim Findlay – scenografia, oprawa wizualna Jennifer Tipton – światła Suzanne Bocanegra – kostiumy

Jason Kaiser – inspicjent sceny Josh Higgason – realizacja oprawy wizualnej Oliver Wason – asystent oświetleniowca

Beth Morrison Projects – produkcja Beth Morrison – producent kreatywny Jecca Barry – główny menadżer Jesse Heffler – zastępca producenta James Fry – kierownik produkcji Melanie Milton – administrator/specjalista ds. rozwoju Liene Camarena – menadżer zespołu

Na zamówienie: Next Wave Festival 2012 organizowany przez Brooklyn Academy of Music , The International Festival of Arts & Ideas, The John F. Kennedy Center Abe Fortas Memorial Fund, The Center for the Art of Performance, UCLA, Wake Forest University / Secrest Artists Series oraz Hancher Performances, University of Iowa. Światowa premiera „love fail” odbyła się w czerwcu 2012 roku podczas The International Festival of Arts & Ideas przy wsparciu teatru Yale Repertory Theatre. Osoby, którym należą się szczególne podziękowania to: Steve A. Block, David i Kiki Gindler, Leslie Lassiter, Raulee Marcus oraz Vina Spieler.

SŁOWO OD KOMPOZYTORA

Co decyduje o nieustającej popularności historii Tristana i Izoldy? Przez prawie 1000 lat zdołano opowiedzieć ją w rozmaitych wersjach, dokonując wielu zmian i dodając przedziwne szczegóły. „Najwspanialsza historia miłosna, jaka kiedykolwiek powstała!” Ale dlaczego? Oczywiście – mamy tu ekscytację, dramat, miłość, pożądanie, wstyd, śmierć i smoki. Według mnie prawdziwy powód jest jednak taki, że miłość Tristana i Izoldy jest dziełem przypadku, skutkiem wypicia miłosnego napoju. Nie mieli zamiaru go wypić, nie spodziewali się, że zakochają się w sobie. Piją go i nagle – BUM! – wszystko się zaczyna. To prawie jak laboratoryjny eksperyment próbujący odpowiedzieć na pytanie, czym może być

DAVID LANG (USA) “LOVE FAIL” OPERA NOUVEAU / POLISH PREMIERE

Composed and directed by David Lang Performed by Quince Contemporary Vocal Ensemble: Elizabeth Pearse, Kayleigh Butcher, Amanda DeBoer Bartlett, Carrie Henneman Shaw Stories by Lydia Davis Words by David Lang after Marie de France, Gottfried von Strassburg, Sir Thomas Malory, Beroul, Thomas of Britain, Beatriz de Dia and Richard Wagner Set and video design by Jim Findlay Lighting design by Jennifer Tipton Sound design by Jody Elff Costume design by Suzanne Bocanegra

Stage managed by Jason Kaiser Josh Higgason – Video Engineer Oliver Wason – Associate Lighting Designer

Produced by Beth Morrison Projects Beth Morrison – Creative Producer Jecca Barry – General Manager Jesse Heffler – Associate Producer James Fry – Production Manager Melanie Milton – Admin/Development Associate Liene Camarena – Company Manager

Commissioned by Brooklyn Academy of Music’s 2012 Next Wave Festival, The International Festival of Arts & Ideas, The John F. Kennedy Center Abe Fortas Memorial Fund, The Center for the Art of Performance at UCLA, Wake Forest University / Secrest Artists Series and Hancher Performances at the University of Iowa. “love fail” made its world premiere June 2012 at The International Festival of Arts & Ideas with support from Yale Repertory Theatre. Special thanks: Steve A. Block, David and Kiki Gindler, Leslie Lassiter, Raulee Marcus, and Vina Spieler.

COMPOSER’S NOTE

Why is it that people still like the story of Tristan and Isolde? It has been told repeatedly for almost 1000 years, in many different versions, with all manner of strange details added or changed. “The greatest love story ever!” But why? Of course, there is excitement, drama, love, lust, shame, death, dragons. I think the real reason why is because the love of Tristan and Isolde begins by accident - they drink a love potion. They didn’t mean to drink it, and they didn’t mean to fall in love. They drink and - BAM! - it starts. It is almost a laboratory experiment into what love might be like without any of the complications of how real love begins or works - without David Lang, fot. Peter Serling

46 47

miłość jeśli pozbawimy ją wszystkich komplikacji towarzyszących rodzącemu i rozwijającemu się uczuciu – obezwładniającego podekscytowania, zawstydzenia, frustracji, poczucia winy lub rywalizacji tak często będących udziałem zwykłych śmiertelników.

Sądziłem, że dowiem się czegoś na temat miłości mając okazję badać ją na przykładzie dzieła, w którym mnogość szczegółów zaczerpniętych z różnych wersji opowieści o Tristanie i Izoldzie zestawiona zostanie z tekstami, które są bardziej współczesne, bliższe nam, bardziej rzeczywiste. Poszukiwania rozpocząłem od literatury i sporządziłem wybór swoich ulubionych udziwnień tej historii; np. w wersji Marie de France, Tristan wycina swoje imię na drewnianym patyku, by Izolda mogła je odnaleźć; kiedy Izolda zauważa je, od razu odczytuje wiadomość, którą chciał jej przekazać ukochany – a jej treść, co niesłychane, liczy wiele stron. Albo taki przykład: Tristan i Izolda piją napój sądząc, że to wino, natomiast Gottfried von Strassburg, by dodać sytuacji niemałego dramatyzmu, opisuje, że piją oni nie wino, ale wychylają z kielicha ból, który nigdy nie ustanie. (W następnym rozdziale Gottfried wymienia ówczesnych mu poetów germańskich z XII wieku, po czym udowadnia czytelnikowi, że jest o niebo lepszy od całej reszty.) Dokonałem więc kompilacji najdziwniejszych incydentów z różnych wersji romansu, usunąłem imiona oraz wszelkie inne informacje, które mogłyby wskazywać na jego historyczne pochodzenie i zestawiłem je z opowieściami współczesnej autorki – Lydii Davies. Są one w zaskakujący sposób podobne do tamtej –traktują o miłości, honorze i szacunku między dwojgiem ludzi, ale wydają się nam bardziej czytelne.

W dużej mierze tekst „love fail” opiera się na tym, co znalazłem w Internecie – dzięki Ci, google translate! Chciałbym też wyrazić podziękowania dla Roberta W. Hanninga i Joan Ferrante, A. T. Hatto i Alana S. Fedricka – do ich wersji tłumaczeń tekstów zaglądałem wielokrotnie.

- David Lang

DAVID LANG

W 2008 roku David Lang zdobył Nagrodę Pulitzera za utwór „the little match girl passion” („pasja dziewczynki z zapałkami”) napisany na zamówienie Carnegie Hall dla grupy wokalnej Paula Hilliera – Theatre of Voices. Utwór ten jest regularnie wykonywany przez najważniejsze zespoły muzyczne i taneczne, opery i grupy teatralne na całym świecie.

Na liście jego najnowszych kompozycji znajduje się koncert „man made” („rękami ludzkimi”) napisany dla zespołu So Percussion i grupy orkiestr, między innymi BBC Symphony i Los Angeles Philharmonic, utwór „mountain” („góra”) dla Cincinnati Symphony, oraz „death speaks” („język śmierci”) dla Carnegie Hall i artystów takich jak Shara Worden, Bryce Dessner, Nico Muhly i Owen Pallett.

W 2015 roku Lang skomponował muzykę do filmu Paolo Sorrentino

the excitement, embarrassment, frustration, guilt or competition present in the courtships of ordinary people.

I thought I might learn something about love if I could explore this in a piece, putting details abstracted from many different retellings of Tristan and Isolde next to texts that are more modern, more recognizable to us, more real. First I scoured the literature and took my favorite weird incidents from the originals; for example, in Marie de France’s version Tristan carves his name on a stick for Isolde to find, she sees it and immediately knows what message Tristan means to convey, and that message - incredibly - is many many pages long. Another example: Tristan and Isolde drink the potion, thinking it is wine, and Gottfried von Strassburg writes, dramatically, that it isn’t wine they are drinking, but a cup of their never-ending sorrow. (This, before the chapter in which Gottfried lists all the other germanic poets working in the 12th century, and then tells you why he is so much greater than they are.) I compiled the oddest incidents from these versions of their romance, took out all the names or technological information that would make the texts seem ancient, and put them next to stories by the contemporary author Lydia Davis. These stories are oddly similar to the Tristan stories - they are also about love, honor and respect between two people, but they are much more recognizable to us.

I based my words on scraps of the text I found on the internet - thank you google translate! I do want to acknowledge the translations of Robert W. Hanning & Joan Ferrante, A. T. Hatto, and Alan S. Fedrick, whose versions of these texts I consulted more than once.

- David Lang

DAVID LANG

David Lang received the Pulitzer Prize in 2008 for his piece “the little match girl passion”, commissioned by Carnegie Hall for the vocal ensemble Theater of Voices, directed by Paul Hillier. His work is regularly performed by major music, dance, opera and theatrical organizations throughout the world.

Recent works include the concerto “man made” for the ensemble So Percussion and a consortium of orchestras, including the BBC Symphony and the Los Angeles Philharmonic; “mountain” for the Cincinnati Symphony; and “death speaks”, for Shara Worden, Bryce Dessner, Nico Muhly, and Owen Pallett, at Carnegie Hall.

In 2015 Lang composed the music for Paolo Sorrentino’s film “Youth”, for which he received Academy Award, Golden Globe, and Critics Choice nominations, among others.

„Młodość,” który zdobył wiele nagród, między innymi Nagrodę Akademii Filmowej, Złoty Glob, czy nominacje do Critics’ Choice Award.

Lang wykłada kompozycję na Yale School of Music , jest także współzałożycielem i dyrektorem artystycznym legendarnego nowojorskiego festiwalu muzycznego Bang on a Can.

QUINCE CONTEMPORARY VOCAL ENSEMBLE

Z precyzją i elastycznością współczesnych muzyków kameralnych, Quince Contemporary Vocal Ensemble specjalizuje się w eksperymentalnym repertuarze, który zmienia paradygmaty współczesnej muzyki wokalnej. Okrzyknięty „nową potęgą wokalnej doskonałości i innowacyjności” przez „The Brooklyn Rail”, Quince Ensemble stale poszerza granice wykonywania tradycyjnego wokalnego repertuaru. Artystki z Quince Ensemble, zafascynowane nową jakością muzyczną, regularnie składają zamówienia na nowe utwory, dając możliwość szerszego spojrzenia na muzykę żyjących kompozytorów i wspierają wysiłki podejmowane przez różnego rodzaju instytucje zajmujące się muzyką i cyklami koncertów oraz uniwersytety, których celem jest włączenie współczesnego repertuaru do swoich programów. Quince Ensemble brał ostatnio udział w cyklu Contagious Sounds Series autorstwa Vicky Chow, a.per.io.dic’s John Cage Festival w Chicago, w koncercie charytatywnym Philip Glass: Music with Friends w ramach Issue Project Room na Brooklynie oraz w Bemis Center for Contemporary Arts w Omaha w Nebrasce.

Quince Ensemble w składzie: Elizabeth Pearse (sopran), Kayleigh Butcher (mezzosopran), Amanda DeBoer Bartlett (sopran) i Carrie Henneman Shaw (sopran) doskonale radzi sobie z wyjątkowymi wyzwaniami muzycznymi i łączącymi gatunki literackie repertuarem współczesnym.

Lang is Professor of Music Composition at the Yale School of Music, and is co-founder and co-artistic director of New York’s legendary music festival “Bang on a Can”.

QUINCE CONTEMPORARY VOCAL ENSEMBLE

With the precision and flexibility of modern chamber musicians, Quince Contemporary Vocal Ensemble specializes in experimental repertoire that is changing the paradigm of contemporary vocal music. Described as “a new force of vocal excellence and innovation” by The Brooklyn Rail, Quince continually pushes the boundaries of traditional vocal ensemble literature. As dedicated advocates of new music, Quince regularly commissions new works, providing a wider exposure for the music of living composers, and supports the efforts of concert series and universities who strive to incorporate contemporary repertoire into their programming. Quince has recently been seen on Vicky Chow’s Contagious Sounds Series, a.per.io.dic’s John Cage Festival in Chicago, on the Philip Glass: Music with Friends benefit concert at the Issue Project Room in Brooklyn, and at the Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, NE.

Comprised of vocalists Elizabeth Pearse (soprano), Kayleigh Butcher (mezzo soprano), Amanda DeBoer Bartlett (soprano), and Carrie Henneman Shaw (soprano), Quince thrives on unique musical challenges and genre-bending contemporary repertoire.

Quince Ensemble, fot. Karjaka Studios

48 49

„OCTOPUS” KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY THEATRE OF VOICES (DANIA)

Else Torp – sopran Signe Asmussen – mezzosopran Jakob Bloch Jespersen – bas Christian Westergaard – instrumenty klawiszowe Daniel Plewe – projekcja dźwięku

Program koncertu: Cathy Berberian, „Stripsody” (1966) Arvo Pärt, „Variations” (1977) Kaija Saariaho, „Lonh” (1996) Simon Steen-Andersen, „Mono” (2014) Erik Peters, „Variations” Lou Reed/David Lang, „Heroin” (2007) Nicolai Worsaae, „Et Rappe” (2012) John Cage ,„Aria” (1958)

Grupa Theatre of Voices została założona w Kalifornii przez Paula Hilliera, ale obecnie rezyduje w Danii. Działalność muzyków skupia się na interpretacji kompozycji dawnych mistrzów – od Perotina przez Dowlanda aż po Buxtehudego – oraz na pracy z utworami dwudziestowiecznych twórców, takich jak Berio, Pärt, Reich, Cage, czy Stockhausen. Theatre of Voices współpracuje z najbardziej uznanymi na świecie artystami, takimi jak London Sinfonietta czy Kronos Quartet oraz regularnie występuje na Festiwalu Edynburskim, w londyńskim Barbican Centre i nowojorskiej Carnegie Hall. Właśnie w Carnegie Hall odbyło się premierowe wykonanie „little match girl passion” Davida Langa – utworu skomponowanego na zamówienie Theatre of Voices. Utwór nagrodzony został w 2008 roku Pulitzerem, natomiast wydany z nim album zdobył nagrodę Grammy w roku 20-lecia działalności grupy (2010). W 2013 roku grupa TOV została nominowana do nagrody muzycznej Nordic Council Music Prize, a w 2014 roku utwór „My Heart’s in the Highlands” z albumu Arvo Pärt „Creator Spiritus” w wykonaniu Theatre of Voices został wykorzystany we włoskim filmie nagrodzonym Oscarem „Wielkie Piękno”. Grupa prowadzi także warsztaty i zajmuje się projektami filmowymi; obecnie współpracuje z duńską dokumentalistką Phie Amboe oraz z nominowanym do Oscara islandzkim kompozytorem Jóhannem Jóhannssonem.

ELSE TORP

Specjalistka od muzyki barokowej oraz wczesnej muzyki klasycznej, zwłaszcza Bacha i Haydna; w ostatnich latach zwróciła się także ku różnorodnym obszarom nowej muzyki. Nagrała płyty solowe z kompozycjami Dietricha Buxtehude, Georga Philippa Telemanna, Christopha Ernsta Friedricha Weyse, Ib Nørholms oraz Davida Langa. Wykonywany przez nią utwór Arvo Pärta „My Heart’s

“OCTOPUS” CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL THEATRE OF VOICES (DENMARK)

Else Torp – soprano Signe Asmussen – mezzosoprano Jakob Bloch Jespersen – bass Christian Westergaard – piano Daniel Plewe – sound design

Programme of the concert: “Stripsody” (1966) by Cathy Berberian “Variations” (1977) by Arvo Pärt “Lonh” (1996) by Kaija Saariaho “Mono” (2014) by Simon Steen-Andersen “Variations” by Erik Peters “Heroin” (2007) by Lou Reed/David Lang “Et Rappe” (2012) by Nicolai Worsaae “Aria” (1958) by John Cage

Theatre of Voices was founded in California by Paul Hillier, but is now based in Denmark. Current projects include music ranging from Perotin to Dowland, Carissimi, Buxtehude and Bach, and many of today’s most eminent composers such as Berio, Pärt, Reich, Cage, Pelle Gudmundsen-Holmgreen and Stockhausen. Theatre of Voices works and records with some of the world’s best instrumentalists, including London Sinfonietta and Kronos Quartet, and has performed regularly at Edinburgh Festival, Barbican Centre and Carnegie Hall. In 2008 TOV performed at the opening of Berliner Festspiele with Stockhausen’s “Stimmung” at the composer’s own request, along with a performance at BBC Proms. David Lang’s “little match girl passion”, commissioned for TOV and premiered at Carnegie Hall won the 2008 Pulitzer Prize, and the CD of the work won the group a Grammy Award in 2010 – the year of the group’s 20th anniversary. In 2013 TOV was nominated for the Nordic Council Music Prize, and in 2014, “My Heart’s in the Highlands” from Theatre of Voices’ Pärt “Creator Spiritus” CD was used in Oscar-winning Italian movie “La Grande Bellezza.” The ensemble also offers workshops and works on film projects - currently with Danish documentatist Phie Amboe and Oscar nominated Icelandic composer Jóhann Jóhannsson.

ELSE TORP

Specialises in baroque and early classical music, above all of Bach and Haydn, but in recent years her work has grown to encompass diverse areas of new music as well. Her solo recordings include music by Buxtehude, Telemann, Weyse, Ib Nørholm, and David Lang. Her recording of Pärt’s “My Heart’s in the Highlands” was featured in the Sorrentino film “La Grande Bellezza” and on a compilation curated by Nick Cave for the MOJO Magazine.

TOV Quartet, fot. Lars Bjarnoe

50 51

in the Highlands” znalazł się na ścieżce dźwiękowej do filmu „Wielkie piękno” w reżyserii Paola Sorrentino oraz na kompilacji przygotowanej przez Nicka Cave’a dla czasopisma MOJO.

SIGNE ASMUSSEN

Śpiewaczka operowa i diva salsy; specjalizuje się w recitalach piosenki kameralnej czerpiąc swój repertuar z całego świata. Nagrodzona w 2009 roku prestiżową nagrodą Aksel Schiøtz Prize. Nagrała solowe płyty z muzyką Benta Sørensena, Gunnera Berga, Axela Borup-Jørgensena. Jej niedawny występ w operze „Antikrist” skomponowanej przez Rueda Langgaarda został bardzo dobrze przyjęty przez publiczność.

JAKOB BLOCH JESPERSEN

Bas-baryton. Swoją przygodę z muzyką rozpoczął w Kopenhaskim Chórze Chłopięcym. Laureat nagrody duńskich krytyków muzycznych w 2013 r. Specjalizuje się w recitalach i często wykonuje pieśni, np. „Liederkreis” op. 39 Schumanna czy „Podróż zimową” Schuberta (niedawno wystawiona we współpracy z Holland House).

CHRISTIAN WESTERGAARD

Studiował w klasie fortepianu w Duńskiej Królewskiej Akademii Muzycznej razem z Amalie Malling i Niklasem Sivelövem. Założyciel oraz dyrektor artystyczny Liedkompagniet, który przyczynił się do powtórnego zainteresowania pieśniami duńskimi oraz twórczością kompozytorów takich jak Rued Langgaard i Herman D. Koppel. W latach 1999-2000 laureat głównej nagrody w konkursie Danish Steinway Competition. Pracował jako akompaniator w Duńskiej Królewskiej Akademii Muzycznej w Kopenhadze oraz Królewskiej Akademii Operowej. Zdobywca stypendiów Van Hautena oraz Sonning Music Foundation.

DANIEL PLEWE

Absolwent nauki o komunikacji, akustyki technicznej i muzykologii na Berlińskim Uniwersytecie Technicznym. Jego twórczość oscyluje na pograniczu muzyki i technologii, ze szczególnym uwzględnieniem akustyki wirtualnej oraz interakcji dźwiękowej. W roku 2007 zbudował na zlecenie największy na świecie system syntezy dźwięku WFS składający się z 2700 głośników. Współpracował z wieloma zespołami, kompozytorami oraz muzykami; twórca live electronics (improwizowanej muzyki elektroakustycznej), przestrzennych koncepcji dźwiękowych oraz oprawy dźwiękowej do wielu przedstawień. W 2010 r. zrealizował duże wystawy multimedialne poświęcone fuzji przestrzeni i mediów. Od 2011 r. członek Ensemble Mosaik, zespołu specjalizującego się w muzyce współczesnej. TOV Quartet, fot. Lars Bjarnoe

SIGNE ASMUSSEN

Opera singer and salsa diva, specialises in intimate song recitals drawing repertoire together from around the world, for which she was awarded the prestigious Aksel Schiøtz Prize in 2009. Her solo recordings feature music by Bent Sørensen, Gunner Berg, Axel Borup-Jørgensen, and her recent performance in Rued Langgaard’s “Antikrist” received widespread public acclaim.

JAKOB BLOCH JESPERSEN

Bass-Baritone Jakob Bloch Jespersen acquired his initial musical education as a member of the Copenhagen Boy’s Choir. In 2013 he received the Danish Music Critic’s Choice award. Jakob has a particular interest in recitals and regularly performs major works of the Lied genre, such as Schumann’s “Liederkreis” op.39 and Schubert’s “Winterreise” – the latter recently staged in collaboration with Holland House.

CHRISTIAN WESTERGAARD

Christian Westergaard trained piano at the Royal Danish Academy of Music with Amalie Malling and Niklas Sivelöv. Founder and artistic director of Liedkompagniet, which has renewed the focus on Danish Lied art with composers, including Rued Langgaard and Herman D. Koppel. In 1999 and 2000 Westergaard won First Prize in the Danish Steinway Competition. He has also been an accompanist at the Royal Danish Academy of Music in Copenhagen and the Opera Academy. He has received the Van Hauen Grant and the grant of the Sonning Music Foundation.

DANIEL PLEWE

Daniel Plewe studied Science of Communication, Technical Acoustics and Musicology at the Technical University in Berlin. His main focus is based on the intersection of music and technology with special interests in virtual acoustics and sonic interaction. In 2007 he completed a software development commission for the worlds largest wave field synthesis system with 2700 loudspeakers. He works together with ensembles, composers and musicians, creates live-electronics, designs spatial sound concepts and does sound for various performances. In 2010 he worked on large-scale multi-media exhibitions investigating the fusion of space and media. Since 2011 Daniel is a member of the contemporary music Ensemble Mosaik.

52 53

„PAST AND PRESENT” KONCERT COCOROSIE (USA)

Duet CocoRosie został stworzony przez siostry Biancę i Sierrę Casady w Paryżu; obecnie siostry tworzą i mieszkają w Nowym Jorku. Siostry, zarówno utalentowane, jak i ekscentryczne mają wiele fanów wśród takich artystów jak: Anthony Hegarty (Anhoni), Devendra Banhart czy Jim Jarmusch. Bianca i Sierra szukają inspiracji w wielu gatunkach muzycznych, takich jak hip-hop, blues, folk i opera, ale ich utwory są także komentarzem do sytuacji społecznej i politycznej. W ich muzyce nie brakuje również nawiązań do osobistej historii sióstr, które po rozwodzie rodziców zostały rozdzielone. Sierra wyjechała do Paryża, aby uczyć się śpiewu operowego w tamtejszym konserwatorium, a Bianca została z matką na nowojorskim Brooklynie. Po dziesięciu latach siostry spotkały się w Paryżu.

CocoRosie ma na swoim koncie siedem albumów, w tym dwie EP-ki. Pierwszy album „La Maison de Mon Rêve,” wydany i nagrany w mieszkaniu sióstr na Montmartre w 2004 roku zaintrygował i zachwycił słuchaczy na całym świecie. Przy nagrywaniu albumu „Tales Of A Grass Widow” wydanego w 2013 roku siostry współpracowały z islandzkim producentem Valgeirem Sigurðssonem, znanym także ze współpracy z Björk, múm czy Feist. Ich najnowszy album zatytułowany „Heartache City” ukazał się w październiku 2015 roku (polska premiera odbyła się w kwietniu 2016) i jest muzycznym powrotem do korzeni duetu.

Siostry tłumaczą: „Podobnie jak przy poprzednich płytach, same napisałyśmy i nagrałyśmy większość materiału w naszym studio na farmie na południu Francji. Wystarczyło niewiele sprzętu, trochę zabawek vintage i starych instrumentów. Wracając do 4-śladowego stylu pracy, ograniczyłyśmy się do tego, co najważniejsze, do własnego akustycznego akompaniamentu, a także instrumentów i zabawek wyjętych z walizek z czasów albumu „La Maison”.

“PAST AND PRESENT” CONCERT COCOROSIE (USA)

Two sisters – Bianca and Sierra Casady – established CocoRosie in Paris, but now they live and work in New York. The fans of this talented and eccentric duo include artists such as Antony Hegarty (Anohni), Devendra Banhart and Jim Jarmusch. Bianca and Sierra derive inspiration from different music genres: hip-hop, reggae, folk music and even opera, as well as from current political and social events. What is more, their music refers to their personal experiences – long travels across the United States, separation of the sisters (Sierra moved in with her father after her mother threw her out while Bianca stayed with her mother in Brooklyn), Sierra’s moving to Paris to study operatic singing at the Conservatory, and finally the sisters’ reunion in France.

CocoRosie has released seven albums, including two EPs. Their debut album - “La Maison de Mon Rêve,” recorded in 2004 at the sister’s apartment in Montmartre, intrigued and enchanted audiences worldwide. The “Tales of A Grass Widow” released in 2013 was produced with Valgeir Sigurðsson, an Icelandic producer known for his cooperation with Björk, múm or Feist. Their latest album, “Heartache City,” was published in October 2015 (it premiered in Poland in April 2016) and it is considered the duo’s return to their artistic roots.

Bianca and Sierra explain: “Like many of our past records, we wrote and gathered much of the material at our farm studio in the south of France with minimal equipment, vintage toys and antique instruments. Going back to a ‘4-track’ style approach, we limited ourselves to essential, acoustic accompaniment, played by us, and select percussion, toys from our old suit cases dating back to the “La Maison” days.”

Cocorosie, fot. Patricio Colombo

54 55

C Z A S T A Ń C A

D A N C E N I G H T S

56 57

“DANCE NIGHTS”

GĘSTY KOŻUCH KURZU

Maria Stępień – fiddle, bass, baraban drum Joanna Gancarczyk – bass, vocals, baraban drum, frame drum Kazimierz Nitkiewicz – trumpet Marcin Lorenc – fiddle, bass, baraban drum

Gęsty Kożuch Kurzu (“a thick layer of dust”) was formed in 2011. The band performs traditional rural music from the whereabouts of Łódź rich in the regional music traditions (of Łęczyca, Łowicz, Opoczno, Rawa and Sieradz). Each of them has their own separate style, which the musicians of GKK attempt to learn about and eternalise. The musicians derive inspiration from personal encounters with remarkable traditional musicians and archive recordings.

The musical masters of Gęsty Kożuch Kurzu include: Sławomir Czekalski (born 1944 in Wola Popowa, living in a village of Orątki) – an accordion player from the borderland between Łęczyca and Łowicz regions – and the Dobrzelniacy band, Tadeusz Kubiak (born in 1923 in Mchowice and still living there) – a fiddle player of the Łęczyca and his band, Czesław Skrzydłowski – (born in 1935 in the village of Skrajne, living in Pabianice) – a fiddle player from the Sieradz region, or the late fiddle player of the Rawa region – Stanisław Klejnas (born in 1905 and died in 1988 in Raducz). One of Gęsty Kożuch Kurzu’s fellow bands is Kapela Witaszewiacy from the village of Witaszewice (municipality of Piątek).

Recently, Gęsty Kożuch Kurzu – decided to expand their core instrument section (fiddle, bass and drum), and they have added

„CZAS TAŃCA”

GĘSTY KOŻUCH KURZU

Maria Stępień – skrzypce, basy, baraban Joanna Gancarczyk – basy, śpiew, baraban, bębenek obręczowy Kazimierz Nitkiewicz – trąbka Marcin Lorenc – skrzypce, basy, baraban

Kapela Gęsty Kożuch Kurzu powstała w 2011 roku. Gra tradycyjną muzykę ludową z okolic Łodzi, wokół której nie brakuje bogatych w tradycję muzyczną regionów (łęczycki, łowicki, opoczyński, rawski czy sieradzki). Każdy z nich posiada odrębny styl i charakterystykę, które muzycy GKK starają się poznać i utrwalić. Inspiracją i źródłem są dla nich bezpośrednie spotkania z wybitnymi muzykantami lub archiwalne nagrania.

Wśród mistrzów Gęstego Kożucha Kurzu trzeba wymienić m.in. Sławomira Czekalskiego (ur. 1944 Wola Popowa, zam. Orątki) – harmonistę z pogranicza regionów łęczyckiego i łowickiego – wraz z kapelą Dobrzeliniacy, Tadeusza Kubiaka (ur. 1923 Mchowice i tam zam.) – skrzypka łęczyckiego wraz z jego kapelą, skrzypka sieradzkiego Czesława Skrzydłowskiego (ur. 1935 Skrajne, zam. Pabianice), czy nieżyjącego już skrzypka rawskiego Stanisława Klejnasa (ur. 1905 – zm. 1988, zam. Raducz). Jedną z zaprzyjaźnionych z Gęstym Kożuchem Kurzu zespołów jest też Kapela Witaszewiacy, ze wsi Witaszewice (gmina Piątek).

Do starszego, tradycyjnego składu – skrzypce, basy i bębenek – kapela Gesty Kożuch Kurzu w ostatnim czasie włączyła trąbkę – instrument, który w ostatnich kilku dziesięcioleciach coraz częściej pojawia się w tradycyjnych składach, choćby w muzyce łęczyckiej.

a trumpet, an instrument whose popularity among traditional bands, also those in the Łęczyca region, has significantly increased over the recent decades.

KAPELA BORNEGO Z PODZAMCZA (THE BORNY ENSEMBLE FROM PODZAMCZE)

Mateusz Borny – suka (folk vertical fiddle) Piotr Deptuła – fiddle Anna Lipińska – fiddle Robert Miedziocha – basolia Bartosz Gajdzik – frame drum

The Ensemble was founded in the spring of 2012. Its core repertoire features Polish traditional music performed on fiddles, frame drum, basolia (folk instrument similar to the cello) and suka (folk vertical fiddle from the Biłgoraj region. Their repertoire draws on the music of folk masters from the Roztocze region: Stanisław Głaz, Bronisław Bida, Stanisław Fijałkowski, Leon Krzos, Zbigniew Butryn and their students. The Ensemble is interested in close interaction with the audience and in the raw sound of music. They can be frequently heard at urban and rural dances, mostly on the Eastern side of the Vistula River.

ZAWOŁANY SKŁAD WESELNY (THE CHOICEST WEDDING ENSEMBLE)

Mateusz Niwiński – fiddle Jakub Zimończyk – three-row accordion Agnieszka Niwińska – singing, frame drum Mariza Nawrocka – singing, basolia

KAPELA BORNEGO Z PODZAMCZA

Mateusz Borny – suka biłgorajska Piotr Deptuła – skrzypce Anna Lipińska – skrzypce Robert Miedziocha – basy dłubane Bartosz Gajdzik – bęben obręczowy

Kapela Bornego z Podzamcza działa od wiosny 2012 r. grając polską muzykę tradycyjną. Korzystają z takich instrumentów jak skrzypce, suka, basy dłubane i bęben obręczowy. Materiał czerpią przeważnie od mistrzów Roztocza Zachodniego: Stanisława Głaza, Bronisława Bidy, Stanisława Fijałkowskiego, Leona Krzosa, Zbigniewa Butryna oraz ich długoletnich uczniów. Kapelę interesuje surowe brzmienie muzyki i bliska interakcja z odbiorcą. Można ich spotkać zarówno na miejskich, jak i wiejskich potańcówkach, przeważnie po wschodniej stronie Wisły.

ZAWOŁANY SKŁAD WESELNY

Mateusz Niwiński – skrzypce Jakub Zimończyk – harmonia trzyrzędowa Agnieszka Niwińska – śpiew, baraban Mariza Nawrocka – śpiew, basy

Repertuar kapeli czerpie przede wszystkim ze skrzypcowej muzyki zachodniej Radomszczyzny, głównie od kajockiego skrzypka Piotra Gacy. Najchętniej grają mazurki śpiewaki, ciągłe drogowce, drobne obery, stare skrzypcowe poleczki ogrywane także przez harmonię trzyrzędową, a czasem klarnet. Pomimo, że ich naturalny obszar działalności to kilkanaście wsi kajockich pomiędzy Przytykiem a Drzewicą, w ich muzycznych marszrutach zdarza się im zapuszczać

Gęsty Kożuch Kurzu, fot. Tomek Ogrodowczyk

Kapela Bornego z Podzamcza, fot. ze zbiorów artystów

58 59

aż do Wisły, skąd grają wybór powiślaków i światowców. Cenią sobie starą, taneczną nutę sprzyjającą spotkaniom, której towarzyszy śpiew, wprowadzając publikę nieodwołalnie w radosny stan ruchu wirowego.

TĘGIE CHŁOPY

Maniucha Bikont – tuba, śpiew Maciej Filipczuk – skrzypce Ewa Grochowska – skrzypce, śpiew Mateusz Kowalski – akordeon Michał Maziarz – skrzypce Dorota Murzynowska – baraban Szczepan Pospieszalski – trąbka Stanisław Witkowski – saksofon altowy, klarnet Michał Żak – klarnet Marcin Żytomirski – skrzypce

Kapela Tęgie Chłopy kontynuuje tradycje muzyki tanecznej Kielecczyzny w jej autentycznej i niestylizowanej formie. Repertuarem i instrumentarium nawiązuje do najlepszych wzorów – tradycyjnych kapel ogrywających dawniej wesela i wiejskie zabawy w okolicach Łagowa i Opatowa, m.in. kapeli braci Witkowskich z Orłowin, Krakowiaków ze Zbelutki, Antoniego Witkowskiego z Cisowa i wielu innych. Nazwa zespołu jest muzyczną deklaracją: Chłopy grają przede wszystkim kieleckie „chłopy” – trójmiarowe, śpiewne melodie typowe dla wschodniej Kielecczyzny, zwane także „światówkami” lub „śpiwami”. Tęgie Chłopy chcą grać do tańca tak, żeby „sufit się podnosił” – jak to się ponoć zdarzało na zabawach ogrywanych przez słynną kapelę braci Witkowskich. W podnoszeniu sufitu wydatnie pomaga obecność mocnej sekcji dętej – trąbki, klarnetu i tuby.

The band’s repertoire is based primarily on the fiddling traditions of the western Radom region, mainly on pieces by “kajocki” fiddler Piotr Gaca and his accordion player son, Stanisław. Together they play śpiewaki (sing-along) mazurkas, continuous drogowiecs, small-time obers, old-time poleczkas – all arranged to be performed also by an accordionist and sometimes by a clarinettist. Although their natural area of activity is the region of several “kajockie” villages strewn between Przytyk and Drzewica, in their musical excursions they occasionally happen to venture down to the Vistula River region, hence the powiślaks and światowiecs – whose names are derived from the local geography – in their repertoire. They appreciate vintage dance tunes accompanied by singing, thus they inevitably succeed in putting the audience in a joyful state of a swirling spin.

TĘGIE CHŁOPY (THICKSET PEASANTS)

Maniucha Bikont – tuba, vocals Maciej Filipczuk – fiddle Ewa Grochowska – fiddle, vocals Mateusz Kowalski – accordion Michał Maziarz – fiddle Dorota Murzynowska – baraban drum Szczepan Pospieszalski – trumpet Stanisław Witkowski – alto saxophone, clarinet Michał Żak – clarinet Marcin Żytomirski – fiddle

The Tęgie Chłopy band is continuing the traditions of dance music of the Kilece region in its authentic and non-stylised form. Its repertoire and instrument line-up are inspired by the most supreme

role models – the traditional bands playing at rural weddings and dance gatherings in the countryside around the towns of Łagów and Opatów: the band of Witkowscy brothers of Orłowiny, Krakowiacy of Zbylutka, Antoni Witkowski of Cisów and many others. The name of the band is a musical manifesto: Chłopy play mainly chłopy – three-time melodious dance tunes typical for the eastern part of the Kielce region, also known as światówki or śpiwy. Tęgie Chłopy wish to “raise the roof” when they play – apparently this used to be the case when the famous band of Witkowski brothers would play during the dance bashes in the region. The roof-raising factor seems to be significantly enhanced by the mighty brass section – a trumpet, a clarinet, and a tuba.

Members of the band are involved in organising the summer Kielecki Tabor music festival in the village of Sędek near Łagów (2013, 2014). Searching for the oldest tunes, musicians and singers of the Kielce region, the members of the band have covered hundreds of kilometres. They gather to learn the local melodies and are usually invited to stay at the clarinet player Stanisław Witkowski’s house and at Maria Kowalik’s and Maria Gałka’s houses, both of whom are local, Sędek-based singers.

The band performs at dance nights and traditional music festivals all over Poland – at the All the World’s Mazurkas (Warsaw), Crossroads (Kraków), Jagiellonian Fair (Lublin), Sounds of the North (Gdańsk). In 2014 the band took part in the performance of “Orszak weselny/Żałobny rapsod“ (“Wedding March/Funeral Dirge”), a piece written by Jacek Hałas and Darek Błaszczyk and produced by Polish Radio.

Kapelę tworzą muzycy zaangażowani w organizację Kieleckiego Taboru Domu Tańca w Sędku koło Łagowa (2013, 2014). Starając się dotrzeć do najstarszego repertuaru Kielecczyzny, członkowie kapeli przejechali wspólnie setki kilometrów w poszukiwaniu muzykantów i śpiewaczek tego regionu. Wspólnie spędzają czas na nauce miejscowych melodii, goszcząc zwykle u klarnecisty Stanisława Witkowskiego, a także u śpiewaczek z Sędka i okolic – Marii Kowalik i Marii Gałki.

Kapela grała do tańca podczas zabaw tanecznych i festiwali muzyki tradycyjnej w całej Polsce – m.in. Wszystkie Mazurki Świata (Warszawa), Rozstaje (Kraków), Jarmark Jagielloński (Lublin), Dźwięki Północy (Gdańsk). W 2014 roku kapela wzięła udział w spektaklu Jacka Hałasa i Darka Błaszczyka „Orszak weselny/Żałobny rapsod“, zrealizowanym przez Polskie Radio.

W roku 2016 Tęgie Chłopy za płytę „Dansing” zdobyły druga nagrodę w konkursie fonograficznym Polskiego Radia - Folkowy Fonogram Roku 2015.

Zawołany Skład Weselny, fot. ze zbiorów artystów

Tęgie Chłopy, fot. Jakub Nowotyński

60 61

Z A M Ó W I E N I A F E S T I W A L U K O D Y

W O R K S C O M M I S S I O N E D B Y C O D E S F E S T I VA L

62 63

COMMISSIONS OF „CODES” – THE FESTIVAL OF TRADITIONAL AND AVANT-GARDE MUSIC (2009-2015)

THE LABYRINTH OF KNOSSOS FOR MUSIC ENSEMBLE AND DANCERS (2015)

Luiz Henrique Yudo (The Netherlands/Brazil) – music Dorota Porowska – choreography and direction

Performed by The Lublin Crown Court Orchestra led by Przemysław Stanisławski and Marek Stefankiewicz, Labyrinth Dance Group – dance

WORKS COMPOSED FOR THE FIELD RECORDINGS PROGRAMME FOR BANG ON A CAN: KRZYSZTOF WOŁEK „BŁOTO / MUD” (2015) JAROSŁAW SIWIŃSKI „TIMECODE” (2015) ARTUR ZAGAJEWSKI „WOODCUTS” (2015)

Performed by Bang On A Can (USA): Ashley Bathgate – cello Robert Black – bass Vicky Chow – grand piano David Cossin – percussion Mark Stewart – guitars Ken Thomson – clarinets

LIDIA ZIELIŃSKA „MISSING LINK” (2014)

Performed by Lidia Zielińska – music, sound direction, live electronics, electronic instruments Maciej Czarnecki – percussion Malwina Paszek – hurdy-gurdy and other instruments Anna Zielińska – amplified viola Szymon Józwiak – sound Rafał Zapała – live electronics Monika Mamińska -Domagalska – vocals (solo) Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative Initiatives “Crossroads” – vocals

PIERRE JODLOWSKI (FRANCE) „INTERACTIVE LANDSCAPES” (2013)

Performed by Mikołaj Iliuk’s Hutsul Ensemble (Ukraine) – traditional instruments Pierre Jodlowski – electronics

ZAMÓWIENIA FESTIWALU TRADYCJI I AWANGARDY MUZYCZNEJ „KODY” (2009-2015)

„LABIRYNT Z KNOSSOS” NA ZESPÓŁ INSTRUMENTALNY I TANCERZY (2015)

Luiz Henrique Yudo (Holandia/Brazylia) – muzyka, Dorota Porowska – choreografia i reżyseria

Wykonanie: Orkiestra Trybunału Koronnego pod kier. Przemysława Stanisławskiego i Marka Stefankiewicza oraz Formacja Taneczna Labiryntu

UTWORY NAPISANE DO PROGRAMU FIELD RECORDINGS DLA ZESPOŁU BANG ON A CAN: KRZYSZTOF WOŁEK „BŁOTO” (2015) JAROSŁAW SIWIŃSKI „TIMECODE” (2015) ARTUR ZAGAJEWSKI „WOODCUTS” (2015)

Wykonanie: Bang On A Can (USA) w składzie: Ashley Bathgate – wiolonczela Robert Black –kontrabas Vicky Chow – fortepian David Cossin – perkusja Mark Stewart –gitary Ken Thomson – klarnety

LIDIA ZIELIŃSKA „ZAGUBIONE OGNIWO” (2014)

Wykonanie: Lidia Zielińska – muzyka, reżyseria dźwięku, live electronics, instrumenty elektroniczne Maciej Czarnecki – instrumenty perkusyjne Malwina Paszek – lira korbowa i inne instrumenty Anna Zielińska – altówka amplifikowana Szymon Józwiak – realizacja dźwięku Rafał Zapała – realizacja live electronics Monika Mamińska – śpiew (solo) Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” – śpiew

PIERRE JODLOWSKI (FRANCJA) „INTERACTIVE LANDSCAPES” (2013)

Wykonanie: Kapela Huculi Mikołaja Iliuka z Werchowyny (Ukraina) – instrumenty tradycyjne, Pierre Jodlowski – media elektroniczne

TO IGOR STRAVINSKY (RUSSIA) – KWADROFONIK (POLAND) „THE RITE OF SPRING – COMMENTS” (2013)

Performed by Kwadrofonik: Emilia Sitarz, Bartosz Wąsik – piano Magdalena Kordylasińska, Miłosz Pękala – percussions Jacek Łumiński – choreography Sebastian Zajkowski – choreography management Silesian Dance Theatre, Lublin Dance Theatre, Dance Theatre Department of the PWST in Cracow – dance

JERZY MAZZOLL, TOMASZ SROCZYŃSKI „RITE OF SPRING VARIATION” (2013)

Performed by Jerzy Mazzoll – clarinet Tomasz Sroczyński – violin, electronics

IGNACY ZALEWSKI „INITIAL IN A LIGHTNING” (2013)

Performed by Leszek Lorent Percussion Ensemble – percussions

CEZARY DUCHNOWSKI „SADHANA” (2013)

Performed by Cezary Duchnowski – electronics

ALEKSANDER KOŚCIÓW „LITHANIAE” (2013)

Performed by Łucja Szablewska – soprano International School of Traditional Music Ensemble directed by Jan Bernad – vocals Lublin Philharmonic Orchestra, Szymon Bywalec – conductor Beata Chwedorzewska – art direction

JUKEBOX (FRANCE), MITCH & MITCH „I HIT YOU – BATTLE OF HITS” (2013)

Performed by Jukebox: Fabrizio Rat – piano Louis Laurain – trumpet Fidel Fourneyron – trombone Ronan Courty – bass Julien Loutelier – drums

DO IGORA STRAWIŃSKIEGO (ROSJA) – KWADROFONIK (POLAND) „ŚWIĘTO WIOSNY – KOMENTARZE” (2013)

Wykonanie: Kwadrofonik w składzie: Emilia Sitarz, Bartosz Wąsik – fortepian Magdalena Kordylasińska, Miłosz Pękala – instrumenty perkusyjne Jacek Łumiński – choreografia Sebastian Zajkowski – realizacja choreografii Śląski Teatr Tańca, Lubelski Teatr Tańca, Wydział Teatru Tańca PWST w Krakowie – taniec

JERZY MAZZOLL, TOMASZ SROCZYŃSKI „RITE OF SPRING VARIATION” (2013)

Wykonanie: Jerzy Mazzoll – klarnet basowy Tomasz Sroczyński – skrzypce, media elektroniczne

IGNACY ZALEWSKI „INICJAŁ W BŁYSKAWICY” (2013)

Wykonanie: Leszek Lorent, zespół perkusyjny pod kier. Leszka Lorenta – instrumenty perkusyjne

CEZARY DUCHNOWSKI „SADHANA” (2013)

Wykonanie: Cezary Duchnowski – media elektroniczne

ALEKSANDER KOŚCIÓW „LITHANIAE” (2013)

Wykonanie: Łucja Szablewska – sopran Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej pod kier. Jana Bernada – śpiew Orkiestra Symfoniczna Filharmonii im. H. Wieniawskiego w Lublinie Szymon Bywalec – dyrygent Beata Chwedorzewska – reżyseria

JUKEBOX (FRANCJA), MITCH & MITCH „I HIT YOU – BITWA NA HITY” (2013)

Wykonanie: zespół Jukebox w składzie: Fabrizio Rat – instrumenty klawiszowe Louis Laurain – trąbka Fidel Fourneyron – puzon Ronan Courty – kontrabas Julien Loutelier – perkusja

64 65

and Mitch & Mitch: Mitch – guitars, piano, harmonica, vocals Mitch – bass, vocals Serious Mitch - percussion instruments, guitar, piano, vocals, personal charm Mr. Bitch - drums, guitar, percussion instruments, sampler, lousy vocals James Boned Mitch – drums, percussion instruments, sampler, micro-vocals Crackin’ Mitch – vibraphone Mitch the Kid – trumpet Mad Mitch – saxophone Spiral Mitch – trombone

MANUEL M. HERVÁS LINO (SPAIN) „CAMPANORIA XV. MUSIC FOR THE LUBLIN BELLS” (2012)

Performed by manuel m. hervás lino – conductor

MARCIN MASECKI „THE POLONAISE” (2012)

Performed by Marcin Masecki - piano Orchestra: Maurycy Idzikowski, Filip Mazurkiewicz – trumpet Paweł Postaremczak – alto and tenor saxophone Tomasz Duda – alto and baritone saxophone Wacław Zimpel, Michal Górczyński – clarinet bass clarinet, Michal Tomaszczyk – trombone Piotr Wrobel – trombone, tube Jerzy Rogiewicz – percussion

MARCIN DYMITER „PROJEKT 100! CREDO – THE FUTURE OF MUSIC” (2012)

Performed by Marcin Dymiter aka emiter – electronics Tomasz Chołoniewski – drums Jerzy Mazzoll – bass clarinet Ignaz Schick – turntable, electronics Jérôme Noetinger – tape recorder DJ Lenar – turntable

TADEUSZ WIELECKI „SHOUTS” (2011)

Performed by Anastazja Bernad, Klaudia Niemkiewicz – vocals Wojciech Kaproń – dance Orkiestra Muzyki Nowej

oraz zespół Mitch & Mitch w składzie: Mitch – gitara, instrumenty klawiszowe, harmonijka, głos Mitch – gitara basowa, głos Serious Mitch – perkusjonalia, gitara, melodika, instr. klawiszowe, głos, urok osobisty Mr. Bitch – perkusja, gitara, perkusjonalia, sampler, parszywy głos James Boned Mitch – perkusja i perkusjonalia, sampler, mikro-głos Crackin’ Mitch – wibrafon Mitch the Kid – trąbka Mad Mitch – saksofon Spiral Mitch – puzon

MANUEL M. HERVÁS LINO (HISZPANIA) „CAMPANORIA XV. MUZYKA NA DZWONY LUBLINA” (2012)

Wykonanie: manuel m. hervás lino – dyrygent

MARCIN MASECKI „POLONEZ” (2012)

Wykonanie: Marcin Masecki – fortepian Orkiestra w składzie: Maurycy Idzikowski, Filip Mazurkiewicz – trąbka Paweł Postaremczak – saksofon altowy, saksofon tenorowy Tomasz Duda – saksofon altowy, saksofon barytonowy Wacław Zimpel, Michał Górczyński – klarnet, klarnet basowy Michał Tomaszczyk – puzon Piotr Wrobel – puzon, tuba Jerzy Rogiewicz – perkusja

MARCIN DYMITER „PROJEKT 100! CREDO – PRZYSZŁOŚĆ MUZYKI” (2012)

Wykonanie: Marcin Dymiter aka emiter – elektronika Tomasz Chołoniewski – perkusja Jerzy Mazzoll – klarnet basowy Ignaz Schick – gramofon, elektronika Jérôme Noetinger – magnetofon szpulowy DJ Lenar – gramofon

TADEUSZ WIELECKI „KRZYKI” (2011)

Wykonanie: Anastazja Bernad, Klaudia Niemkiewicz – śpiew Wojciech Kaproń – taniec Orkiestra Muzyki Nowej

ANTANAS KUČINSKAS, RYTIS AMBRAZEVIČIUS (LITHUANIA) „SINGSHELF STATION I” (2011)

Performed by Antanas Kučinskas – electronics Rytis Ambrazevicius – vocals, traditional instruments Džiugas Katinas – visual design

JAGODA SZMYTKA „IN THE GREEN LIGHT OF THE SUN” (2011)

Performed by Kwartludium: Dagna Sadkowska – violin Michał Górczyński – clarinet, bass clarinet Paweł Nowicki – percussions Piotr Nowicki – piano The International School of Traditional Music Ensemble (Poland) - vocals

„IN” (2011)

Performed by Joel Grip (Sweden/France) – bass Pierre Borel (France) – saxophone kr39 – guitar, electronics Kosma Ostrowski – visual design

„NIESKOŃCZONA/UNFINISHED” (2011)

Performed by Joanna Duda - piano Ewa Grochowska – violin Łukasz Borowiecki – electronics Katarzyna Kasica – visual design

„HER AND THEM (2011)”

Performed by Iva Bittová (Czech Republic) – vocals Leszek Możdżer – piano Jacek Kochan – drums

ARTURAS BUMŠTEINAS (LITHUANIA/POLAND) „NEW ANTHEM OF SYLT” (2010)

Peformed by Arturas Bumšteinas – electronics Kęstutis Pleita (Lithuania) – viola, electric guitar Tadas Žukauskas (Lithuania) – viola, bass guitar Natalia Kawałek – vocals, gongs

ANTANAS KUČINSKAS, RYTIS AMBRAZEVICIUS (LITWA) „PIEŚNI SZELFU KONTYNENTALNEGO. STACJA I” (2011)

Wykonanie: Antanas Kučinskas – elektronika Rytis Ambrazevicius – śpiew, instrumenty tradycyjne Džiugas Katinas – wizualizacja

JAGODA SZMYTKA „W ŚWIETLE ZIELONEGO SŁOŃCA” (2011)

Wykonanie: Kwartludium w składzie: Dagna Sadkowska – skrzypce Michał Górczyński – klarnet, karnet basowy Paweł Nowicki – instrumenty perkusyjne Piotr Nowicki – fortepian Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew

„W” (2011)

Wykonanie: Joel Grip (Szwecja/Francja) – kontrabas Pierre Borel (Francja) – saksofon kr39 – gitara, elektronika Monika Mamińska – głos Kosma Ostrowski – wizualizacje

„NIESKOŃCZONA/UNFINISHED” (2011)

Wykonanie: Joanna Duda – fortepian Ewa Grochowska – skrzypce Łukasz Borowiecki – elektronika Katarzyna Kasica – wizualizacje

„ONA I ONI” (2011)

Wykonanie: Iva Bittová (Czechy) - głos Leszek Możdżer - fortepian Jacek Kochan – perkusja

ARTURAS BUMŠTEINAS (LITWA/POLSKA) „NEW ANTHEM OF SYLT” (2010)

Wykonanie: Arturas Bumšteinas – elektronika Kęstutis Pleita (Litwa) – altówka, gitara elektryczna Tadas Žukauskas (Litwa) – altówka, gitara basowa Natalia Kawałek – śpiew, gongi

66 67

JAN BERNAD „THREE SOUNDS” (2009)

Performed by The International School of Traditional Music Ensemble – vocals Jan Pilch, Marek Olma – percussions

„TOO SHARP EXCHANGE OF SOUNDS ON LAPTOPS AND VIOLINS” (2009)

Performed by Laptop trio Phonos ek Mechanes – electronics Jan Gaca, Ewa Grochowska, Maciej Filipczuk – violins

PIOTR KUREK „SONGS OF THE BALKANS” (2009)

Performed by Piotr Kurek – electronics

AGATA ZUBEL, CEZARY DUCHNOWSKI „SZYMANKI KURPIANOWSKIE” (2009)

Performed by ElettroVoce: Agata Zubel – vocals Cezary Duchnowski – electronics Marcin Grabosz – piano Anastazja Bernad – vocals

„LULLABIES” (2009)

Performed by Tomasz Stańko – trumpet The International School of Traditional Music Ensemble – vocals

JAN BERNAD „TRZY DŹWIĘKI” (2009)

Wykonanie: Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – głosy Jan Pilch, Marek Olma – perkusjonalia

„ZBYT OSTRA WYMIANA DŹWIĘKÓW NA LAPTOPY I SKRZYPCE” (2009)

Wykonanie: Trio laptopowe Phonos ek Mechanes – elektronika Jan Gaca, Ewa Grochowska, Maciej Filipczuk – skrzypce

PIOTR KUREK „PIEŚNI BAŁKANÓW” (2009)

Wykonanie: Piotr Kurek – elektronika

AGATA ZUBEL, CEZARY DUCHNOWSKI „SZYMANKI KURPIANOWSKIE” (2009)

Wykonanie: ElettroVoce w składzie: Agata Zubel – głos Cezary Duchnowski – elektronika Marcin Grabisz – fortepian Anastazja Bernad – głos

„KOŁYSANKI” (2009)

Wykonanie: Tomasz Stańko – trąbka Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew

„ODYSSEY” (2010)

Performed by Antimos Apostolis – guitar, piano Grigoris Ikonomu – guitar Jorgos Skolias – vocals

„PAST AND FUTURE” – AUDIO-VISUAL PERFORMANCE (2010)

Performed and produced by Aleksander Janas/kolektyw kilku.com – video Dariusz Kociński – sound

PAWEŁ ROMAŃCZUK, TOMASZ ORSZULAK „POLISH COUNT-OUT RYMES” (2010)

Performed by Paweł Romańczuk - concept, small instruments, sampler Tomasz Orszulak – string instruments Jędrzej Kuziela – percussions Piotrek Łyszkiewicz – clarinets “La Musica” Choir

ALLA ZAGAYKEVYCH (UKRAINE) „NORTHWEST” (2010)

Performed by Electroacoustic’s Ensemble (Ukraine): Alla Zagaykevych – electronics, vocals, improvisations Iryna Klymenko – vocals Sergii Okhrimchuk – violin, improvisations Vadim Jovich – percussions, improvisations

HILMAR ÖRN HILMARSSON (ICELAND) „BREAKING THE ICE” (2010)

Performed by Steindór Andersen (Iceland) – vocals Hilmar Örn Hilmarsson (Iceland) – piano, electronics String quartet from Lublin

ALEKSANDER KOŚCIÓW „GORZKIE ŻALE” (2010)

Performed by Andrzej Bauer, Warszawska Grupa CELLONET – cellos The International School of Traditional Music Ensemble – vocals

„MARATHON OF THE INTUITIONISTS” (2009)

Performed by Krzysztof Knittel, Jerzy Kornowicz, Ryszard Latecki, Mieczysław Litwiński, Tadeusz Wielecki, Tadeusz Sudnik and guests

„ODYSEJA” (2010)

Wykonanie: Antimos Apostolis – gitara, klawisze Grigoris Ikonomu – gitara Jorgos Skolias – głos

„PAST AND FUTURE” – SPEKTAKL AUDIO-WIZUALNY (2010)

Wykonanie: Aleksander Janas/kolektyw kilku.com – obraz Dariusz Kociński – dźwięk

PAWEŁ ROMAŃCZUK, ORSZULAK „WYLICZANKI POLSKIE” (2010)

Wykonanie: Paweł Romańczuk – kompozycja, małe instrumenty, sampler Tomasz Orszulak – kompozycja, instrumenty strunowe Jędrzej Kuziela – instrumenty perkusyjne Piotrek Łyszkiewicz – klarnety Chór „La Musica” – śpiew

ALLA ZAGAYKEVYCH (UKRAINA) „NORTHWEST” (2010)

Wykonanie: Electroacoustic’s Ensemble (Ukraina) w składzie: Alla Zagaykevych – media elektroniczne, głos, improwizacje Ira Klymenko – głos Sierhij Ochrimczuk – skrzypce, improwizacje Vadim Jowicz – instrumenty perkusyjne, improwizacje

HILMAR ÖRN HILMARSSON (ISLANDIA) „PRZEŁAMUJĄC LODY” (2010)

Wykonanie: Steindór Andersen (Islandia) – śpiew Hilmar Örn Hilmarsson (Islandia) – klawisze, elektronika Kwartet smyczkowy z Lublina

ALEKSANDER KOŚCIÓW „LENTEN LAMENTATIONS” (2010)

Wykonanie: Andrzej Bauer, Warszawska Grupa CELLONET – wiolonczele Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew

„MARATON INTUICJONISTÓW” (2009)

Wykonanie: Krzysztof Knittel, Jerzy Kornowicz, Ryszard Latecki, Mieczysław Litwiński, Tadeusz Wielecki, Tadeusz Sudnik i ich goście

68 69

ORGANISERS:

Jerzy Kornowicz – Festival Commissioner Renata Kamola, Grzegorz Paluch – Festival Coordinator’s [email protected]

“Crossroads” Centre for Intercultural Creative Initiatives Peowiaków 12, 20-007 Lublin www.rozdroza.com, [email protected] Tel. +48 81 466 61 67, Fax. +48 81 466 61 64

Mirosław Haponiuk – Director of CROSSROADS CICI Jan Bernad – Artistic Director of CROSSROADS CICI

Anna Gorgol, Anna Horyńska, Renata Kamola, Eliana Kisielewska, Karolina Majkowska, Monika Mamińska-Domagalska, Grzegorz Paluch, Krzysztof Twaróg

Technical Manager Jarosław Rudnicki

Design of festival logo Robert Zając / kilku.com

Design of festival visual identification and promotional materials Motyf Studio / motyfstudio.com

Photo documentation Tomasz Kulbowski / kulbowski.com

Film documentation Kaiju / kaiju.pl

Cooperation Justyna Żukowska, Kamila Olech

Translations Magdalena Jung, Renata Kamola, Renata Kujawska, Karolina Majkowska, Weronika Nowacka, Bartosz Wójcik

Editing and proofreading Renata Kamola, Karolina Majkowska, Grzegorz Paluch, Bartosz Wójcik

The organizers would like to thank all voluntary assistants for their work at the Festival.

The festival is supported by the Ministry of Culture and National Heritage.

ISBN 978-83-938325-5-2

ORGANIZATORZY:

Jerzy Kornowicz – Komisarz Festiwalu Renata Kamola, Grzegorz Paluch – Koordynatorzy Festiwalu [email protected]

Ośrodek Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” ul. Peowiaków 12, 20-007 Lublin www.rozdroza.com, [email protected] Tel. +48 81 466 61 67, Fax. +48 81 466 61 64

Mirosław Haponiuk – Dyrektor OMIT Rozdroża Jan Bernad – Dyrektor artystyczno-programowy OMIT Rozdroża

Anna Gorgol, Anna Horyńska, Renata Kamola, Eliana Kisielewska, Karolina Majkowska, Monika Mamińska-Domagalska, Grzegorz Paluch, Krzysztof Twaróg

Menadżer techniki Jarosław Rudnicki

Projekt logo festiwalu Robert Zając / kilku.com

Projekt i opracowanie, identyfikacji oraz materiałów promocyjnych Motyf Studio / motyfstudio.com

Rejestracja fotograficzna Tomasz Kulbowski / kulbowski.com

Rejestracja filmowa Kaiju / kaiju.pl

Współpraca Justyna Żukowska, Kamila Olech

Tłumaczenia Magdalena Jung, Renata Kamola, Renata Kujawska, Karolina Majkowska, Weronika Nowacka, Bartosz Wójcik

Redakcja i korekta tekstów Renata Kamola, Karolina Majkowska, Grzegorz Paluch, Bartosz Wójcik

Organizatorzy dziękują wszystkim wolontariuszom za pomoc przy organizacji Festiwalu.

Festiwal dofinansowano ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

ISBN 978-83-938325-5-2

W W W . K O D Y - F E S T I W A L . P L

70

Organizator / Organiser

Patronat honorowy / Honorary patronage

Mecenasi / Patrons

Partnerzy / Partners

Patroni medialni / Media patrons

folder 2016 (pdf)

Documents

Transcript of folder 2016 (pdf)