Joanna  Mills    Academy  of  Art  University  MFA  Candidate  in  the  School  of  Acting  Final  Review  Book  April  30th,  2015,  3  PM  

Table  of  Contents  

Cover  Letter  and  Autobiography  ........................................................................................  1  

Self-­‐Critique  ...............................................................................................................................  3  

Business  Card  ............................................................................................................................  4  

Resume  ........................................................................................................................................  5  

Headshot  .....................................................................................................................................  6  Poster  for  “A  Long  Distance  Love”  ...............................................................................................  7  

Publicity  Shots  for  “Forever/360”  ...............................................................................................  8  

Final  Project  Concept  .............................................................................................................  9  

Theme  ...................................................................................................................................................  9  

Development  and  Artistic  Influences  .........................................................................................  9  

Challenges  ............................................................................................................................................  9  

Acting  Reel  ...............................................................................................................................  11  

Marketing  Plan  .......................................................................................................................  13  

AAU  Events  ...............................................................................................................................  14  

Proofreader  .............................................................................................................................  14  

Directed  Study  Journals  ......................................................................................................  15

1  

Cover  Letter  and  Autobiography  My  name  is  Joanna  Mills.    I  am  a  24-­‐year-­‐old  woman  originally  from  New  

Boston,  Illinois.    Growing  up  in  such  a  small  town,  I  did  not  have  a  lot  of  exposure  to  the  arts.    The  little  experiences  I  had  performing,  including  singing  in  church  and  performing  in  my  high  school  musicals,  as  well  as  some  advice  from  my  father  that  I  should,  “do  something  [I’m]  passionate  about;  something  [I’ll]  enjoy  getting  up  each  day  to  go  to  work  and  do”,  he  convinced  me  that  acting  was  my  passion  and  I  would  do  anything  I  could  to  be  the  best  actor  I  could  be.      

My  parents  were  definitely  nervous  when  I  told  them  my  career  goals,  but  they  have  always  been  wonderfully  supportive.    They  even  allowed  me  to  attend  a  3-­‐week  acting  for  film  course  in  New  York  City  with  the  School  of  Cinema  and  Performing  Arts  (SOCAPA),  connected  with  Long  Beach  University  when  I  was  16.    This  was  definitely  an  eye  opener  to  so  many  different  ideas  about  acting  and  art  in  general  to  which  I  had  never  been  exposed.    It  only  strengthened  my  desire  to  learn  more.    However,  it  did  convince  me  that  I  wanted  to  go  to  college  a  little  closer  to  home.  

I  went  to  Saint  Mary’s  University  of  Minnesota  for  my  undergraduate  program  where  I  received  my  Bachelor  of  Arts  in  Theatre  Arts  with  an  emphasis  on  performance,  and  a  minor  in  Dance.    It  was  through  this  program  that  I  was  fortunate  enough  to  study  abroad  in  London  with  the  Rose  Bruford  College  for  a  semester  as  well  as  attend  a  2-­‐week  intensive  study  at  the  Gaiety  School  of  Acting  in  Dublin,  Ireland,  under  the  direction  of  Patrick  Sutton.    Immersed  in  so  much  theatre,  I  was  incredibly  inspired.    We  were  even  fortunate  enough  to  be  able  to  put  on  a  production  in  London  and  then  tour  it  to  Dublin  as  well.    It  was  a  great  taste  of  what  a  touring  show  might  feel  like  as  well  as  learning  to  rehearse  in  a  different  space  and  only  getting  to  rehearse  in  the  final  space  perhaps  a  few  days  before  opening.  

As  graduation  approached,  we  began  thinking  about  where  we  would  go  and  what  we  would  do  with  the  rest  of  our  lives.    I  felt  like  I  had  so  much  left  to  learn  that  I  was  afraid  of  settling  down  in  one  area  with  no  knowledge  of  how  I  was  going  to  make  it.    I  decided  to  audition  at  URTAs  in  Chicago  and  found  out  about  Academy  of  Art  University.    With  a  possibility  to  go  back  to  school  and  continue  to  grow,  specifically  in  performance,  I  jumped  at  the  chance  to  continue  my  education.    

In  my  time  at  Academy  of  Art  University  in  San  Francisco,  I  have  been  exposed  to  many  different  things  in  my  work  towards  a  Master  of  Fine  Arts  in  Acting.  Through  this  program  I  have  been  exposed  to  many  new  techniques  with  which  I  was  only  vaguely  familiar.    From  Meisner  and  Alexander  work  to  the  actual  process  of  working  on  a  real  film  set  and  learning  about  all  the  work  it  takes  to  do  voice  over,  this  program  has  truly  helped  me  grow  as  an  actor  as  well  as  an  individual  person.    I  have  not  only  learned  more  techniques  and  tools  to  use,  but  also  have  learned  more  about  myself  and  how  I  tick.      

For  3  years,  I  had  teachers  telling  me  to  try  not  to  be  so  perfect  and  be  ok  with  messing  up  or  to  make  a  strong  choice,  even  if  it  was  wrong.    I  have  in  no  way  mastered  this,  but  I  feel  that  I  have  definitely  taken  huge  steps  forward  in  this  area.    And  without  my  voice  over  class  with  Elaine  Clark,  I  may  not  have  ever  realized  how  

  2  

much  I  do  enjoy  that  portion  of  acting  and  the  freedom  it  gives  me  to  choose  where  I  will  live  instead  of  having  to  settle  down  in  a  big  city.    It  is  more  difficult  than  I  expected,  but  it  is  a  lot  of  fun  and  I  can’t  wait  to  do  more  of  that  work  in  the  future.  

I  also  truly  enjoyed  my  voice  and  speech  classes  with  Rebecca  DuMaine  Miller.    Getting  to  learn  about  the  International  Phonetic  Alphabet  (IPA)  was  like  diagraming  sentences  when  I  was  in  5th  grade  all  over  again,  it  was  so  much  fun!    And  our  accent  work  was  probably  one  of  my  favorite  things  in  all  3  years.    I  love  working  with  accents.  Applying  our  IPA  knowledge  to  the  learning  of  accents  has  actually  come  in  handy  in  helping  out  some  friends  back  home  as  they  were  learning  Southern  dialects  for  a  play.      

I  enjoy  performing  in  all  aspects.    I  love  the  opportunity  to  dance  and  sing  in  musicals,  the  pain  you  can  feel  and  elicit  in  dramas,  and  the  laughter  you  can  produce  in  comedies.    I  find  comedies  more  difficult,  as  so  many  performers  will  agree,  but  other  than  the  added  difficulty  I  still  enjoy  the  challenge.  When  it  works,  the  ultimate  payoff  of  knowing  an  audience  has  found  amusement  in  it  is  incredibly  rewarding.      

By  the  time  I  graduate  I  will  have  a  full  demo  reel  to  send  to  agents,  as  well  as  a  voice  over  demo  that  Elaine  and  I  will  have  put  together.    If  there  were  anything  I  would  change  about  my  thesis  it  would  probably  be  time  management.  If  I  had  been  able  to  get  my  scenes  performed  sooner  in  class,  I  would  have  been  able  to  go  over  all  of  my  scenes  for  my  demo  and  get  everything  turned  in  earlier.  I  would  have  felt  more  confident  and  less  stressed  about  the  entire  ordeal  of  making  a  demo  reel.  My  next  goals  are  to  move  home  and  start  the  process  of  finding  an  agent,  work,  and  to  take  more  classes  to  continue  learning  since  everyone  has  their  own  style  and  concept  of  what  works.    It  is  interesting  to  see  what  resonates  and  what  doesn’t  for  me.    I  would  also  like  to  get  back  into  dance  since  I  have  not  had  as  much  opportunity  to  keep  up  that  portion  of  my  life  the  past  three  years.  

My  plan  right  now  after  graduation  is  to  move  back  to  the  Quad  Cities  area  of  Illinois/Iowa.  I’m  hoping  to  do  voice  over  and  theatre  in  the  area  while  working  to  get  an  agent  in  Chicago,  who  would  send  me  voice  over  work  and  any  day  player,  film,  or  commercial  work  they  may  find  for  me.  It  is  only  a  3  hour  drive  to  Chicago  from  the  Quad  Cities,  so  it  should  be  easy  enough  to  get  up  there  for  auditions  and  work  with  a  little  notice.    I  also  have  the  opportunity  to  find  work  in  a  wide  radius,  as  the  Quad  Cities  are  centrally  located  between  Chicago,  Illinois  and  Des  Moines,  Iowa;  and  St.  Louis,  Missouri  and  the  Twin  Cities,  Minnesota.    And  the  added  benefit  of  voice  over  work  is  that  I  can  look  for  other  voice  over  agents  in  New  York  or  Los  Angeles  and  still  be  located  closer  to  family  in  the  Mid  West.    Hopefully  in  10  years  I  can  have  at  least  1  agent  and  have  the  ability  to  be  paying  my  bills  through  acting  as  my  sole  job.    I  would  also  like  to  be  a  member  of  SAG/AFTRA  by  that  time  and  hopefully,  consistantly  working  with  the  freedom  to  choose  the  projects  on  which  I  will  be  dedicating  my  time.      

3  

Self-­‐CritiquePrior  to  entering  this  program,  I  had  a  base  knowledge  of  several  acting  

technics,  though  mostly  focused  on  Stanislavski’s  method.  I  was  able  to  psychologically  get  into  the  idea  of  the  character  and  their  words.    I  was  also  relatively  good  at  hearing  and  mimicking  accents  and  dialogues.    However,  I  found  myself  getting  hung  up  on  trying  to  be  perfect  or  right;  trying  to  show  the  director  or  professor  exactly  what  I  hoped  they  wanted  to  see.    I  knew  that  I  was  comfortable  with  my  body  in  dance,  but  I  felt  disconnected  from  it  in  my  acting.  I  wanted  to  learn  how  to  bring  the  ideas  of  the  character  together  with  the  body  so  that  I  would  be  able  to  think,  feel,  and  move  completely  as  each  of  the  characters  I  would  get  to  play.  Also,  I  knew  that  I  could  listen  and  respond  to  what  the  other  character  was  saying,  but  after  a  few  weeks  of  rehearsals,  I  would  find  myself  drifting  during  a  monologue  or  long  period  where  I  was  not  required  to  “show”  a  reaction  to  what  was  being  said.    I  wanted  to  learn  how  to  stay  present  in  every  moment  that  I  was  onstage.  

During  my  time  at  Academy  of  Art  University,  I  have  definitely  seen  and  felt  myself  grow  as  an  actor.    My  first  year  here,  my  constant  note  from  all  of  my  teachers  was  that  I  was  trying  too  hard  to  be  “right”  and  “perfect”.    Through  Meisner  I  was  able  to  find  a  wider  range  of  emotions  towards  the  anger  and  sadness  side  of  my  personality  as  well  as  to  get  into  the  habit  of  really  listening  to  my  partner.    I  loved  learning  about  IPA  and  accents  and  just  the  feel  of  words  and  sounds  from  our  Voice  and  Speech  classes.    Alexander  helped  me  to  see  my  body  in  a  new  light  and  gave  me  a  way  to  more  effectively  use  my  instrument.    Acting  for  Performance  1  really  enforced  for  me  the  truth  of  doing  the  homework  and  how  the  emotions  are  not  what  drives  the  performance  but  are  instead  an  effect  from  the  performance.    On  the  reverse  side,  Monologue  Techniques  helped  me  to  tap  into  those  emotions  for  certain  pieces  and  bring  them  to  the  surface  more  readily.    I  loved  getting  to  be  exposed  to  more  plays  through  Culture  &  Identity  in  Modern  American  Theatre  and  Play  Reading  &  Script  Analysis.    It  was  actually  a  joy  to  be  able  to  sit  and  think  about  a  play  in  a  more  scholarly  way  than  I  had  been  practicing  so  far.    It  was  very  similar  to  what  I  had  done  in  undergraduate,  but  with  exposure  to  many  new  plays.    My  voice  over  class  was  an  eye  opener,  but  a  pleasant  one.    It  showed  me  how  much  more  work  goes  into  voice  acting  than  I  had  originally  thought,  especially  since  we  had  to  do  our  own  editing.  But  it  was  surprisingly  fun  getting  to  learn  how  to  do  all  the  technical  bits.    And  of  course,  part  of  the  reason  I  chose  AAU  was  the  chance  to  learn  about  Acting  for  the  Camera  (1-­‐3).    All  of  the  directors  I  had  for  class  pushed  me  in  different  ways.    Whether  they  were  focused  on  the  performance  or  the  look  of  the  whole  scene,  it  gave  me  more  experience  as  well  as  the  ability  to  learn  how  to  take  different  forms  of  direction.  

From  here,  I  know  I  still  have  things  to  improve.    I  need  to  make  sure  I’m  doing  what  I’ve  learned  and  making  sure  I’m  listening  and  responding  truthfully.  I  need  to  continue  to  breathe  through  any  emotions  that  pop  up  so  as  not  to  hold  onto  them  and  become  flat.    I  would  also  like  to  keep  taking  voice  over  classes  and  expand  my  versatility  in  that  field.    Vocal  coaching  and  dance  classes  would  be  enjoyable  as  well,  but  not  quite  as  critical,  more  in  preparation  for  auditions  or  jobs.  

5  

Joanna Mills Actor ! Dancer ! Singer ! Voice Over Artist

Height: 5’5” ! Eyes: Hazel ! Hair: Chestnut ! Voice: Mezzo

Film Broken Bonds Principal Independent Short Dir. Shuntien Jiang Valerie Principal Sapphire Films Dir. Dominic Stevenson A Constant Rehearsal Principal Independent Short Dir. Christian Ramos Forever/360 Principal Independent Short Dir. Christian Knight To Be A Big Liar Principal Academy of Art University Dir. Shuntien Jiang A Long Distance Relationship Principal Academy of Art University Dir. James Long We Own The Sky Principal Academy of Art University Dir. Dominic Stevenson

Theatre Hair Tribe Member/solos Academy of Art University Clark Houston Shrek Blind Mouse/various Countryside Community Theatre Christina Myatt 5 Women…Dress Mindy Academy of Art University Clark Houston Cinderella Dance Captain African American Shakespeare Co. L Peter Callender Les Misérables Fantine (US) Countryside Community Theatre David Turley Playboy…Western World Widow Quin Saint Mary’s University of MN Patrick Sutton 25th Annual…Spelling Bee Rona (US) Saint Mary’s University of MN Gary Diomandes Robin Hood Maid Marian Treasure Village Children’s Theatre Deborah Clark

Other Bundlematic Meltdown HumbleBee Academy of Art University Voice Over Wirefall Summer Academy of Art University Voice Over Le Corsaire Various Roles MN Conservatory for the Arts Dance Evening…Benny Goodman Jazz Piece MN Conservatory for the Arts Dance Nutcracker Party Parent MN Conservatory for the Arts Dance

Education/Training Academy of Art University, M.F.A. Acting Graduation Date-May 2015 San Francisco, CA Saint Mary’s University of MN, B.A. Theatre, Dance Minor Graduation Date-May 2012 Winona, MN Acting

School of Cinema and Performing Arts 3 week Acting for Film Coarse New York City, NY The Gaiety School of Acting (2 week Intensive) Patrick Sutton Dublin, Ireland Rose Bruford College of Theatre and Performance Tony James London, UK

Voice Voice One (voice over classes) Elaine Clark-1 year San Francisco, CA Private Voice (musical theatre) Judy Myers-2 years Winona, MN Private Voice (classical) Katie Matzke-1 year Winona, MN Private Voice (classical) Delene Mcconnaha-2 years Muscatine, IA

Dance Minnesota Conservatory for the Arts Ballet (4 years), Modern, Pointe (1 year) Winona, MN

Tap, Jazz, Musical Theatre (1 semester) Myrna Rae’s Studio of Dance Ballet (1 semester) Aledo, IL

Stage Combat Unarmed and Armed (2 semesters) Mike Speck Winona, MN

Special Skills Able to move each eye independently from the other; Musical Instruments (flute, guitar, piano); Horseback Riding (Western, English, jumping); Knowledge of basic power tools; Proficient and quick sewer (hand and machine); Dialects (British, Irish, Cockney, Southern, Russian, French)

 

  6  

     

  7  

       

  8  

   

  9  

Final  Project  Concept      Theme  

The  final  review  for  Acting  Majors  is  our  demo  reel.    We  have  been  working  towards  this  goal  for  the  last  three  years.  I  have  been  compiling  film  scenes  since  my  first  semester  at  Academy  of  Art.    In  our  camera  classes,  I  have  tried  to  show  a  variety  of  genres  and  characters  to  give  the  most  versatility  in  my  demo  reel.    However,  in  scenes  outside  of  class  that  I  was  asked  to  act  in,  I  was  most  often  cast  as  the  attractive  female  love  interest  or  the  nice  best  friend.    So  my  thought  is  that  with  my  demo  reel  hopefully  showing  an  ability  to  have  an  acting  range,  I  will  be  able  to  obtain  roles  other  than  just  the  nice  pretty  girl  or  the  sexy  home-­‐wrecker.    But  physically,  that  would  probably  be  the  niche  in  which  I  would  most  likely  be  stereotyped.  

 Development  and  Artistic  Influences     I  was  fortunate  enough  to  have  my  scenes  approved  by  the  instructor.    I  would  choose  scenes  to  try  and  fulfill  what  I  thought  I  was  lacking  in  showcasing  and  Bruce,  Warris,  Diane,  and  our  substitute  professors  would  make  suggestions  based  on  their  ideas  of  what  they  would  like  to  see  and  what  they  thought  worked  as  a  good  scene.    I  also  had  a  few  professionals  in  the  industry  look  at  a  few  of  my  scenes  after  my  first  semester  in  camera  and  commented  that  I  was  performing  “too  big”  for  the  camera.    So  I  worked  to  simplify  my  movements  the  next  two  semesters.    

All  of  my  instructors  were  incredibly  helpful  in  my  growth  as  an  actor.  But  if  I  had  to  choose,  I  would  say  that  Peter  was  probably  the  most  significant  in  my  acting  development.    We  had  him  for  our  first  two  semesters  and  he  really  helped  to  set  the  foundation  of  my  experiences  here.    Everyone  else  has  added  to  the  building  blocks  he  helped  to  put  in  place.  Meisner  was  incredibly  difficult  for  me,  but  at  the  end  of  a  full  year  of  it,  I  could  tell  the  difference  and  growth  I  had  made.  I  have  definitely  grown  since  then  and  have  developed  with  each  class  and  professors’  instruction.    But  Peter  helped  open  the  door  that  has  led  to  so  many  other  discoveries  while  at  this  school.  

For  most  of  my  on-­‐camera  work,  there  was  not  a  great  deal  of  rehearsals.    We  had  occasional  rehearsals  outside  of  class  and  usually  ran  lines  before  the  actual  day  of  shooting  in  class,  but  in  general  there  was  not  a  lot  of  rehearsing  for  our  film  scenes.    I  think  my  level  of  confidence  and  ability  to  reach  my  goals  has  come  from  working  with  the  group  of  talented  actors  I  was  able  to  call  my  classmates  the  last  three  years.    We  have  all  grown  together  and  gone  through  these  same  experiences  while  in  this  program  and  know  that  we  can  count  on  each  other  to  do  the  work  and  offer  any  help  if  one  of  us  is  having  issues.    So  it  all  comes  down  to  being  able  to  trust  your  scene  partner  and  classmates.    Thankfully,  our  group  of  five  was  able  to  stick  together  for  most  of  our  time  here  and  we  were  very  comfortable  together.    This  last  semester  has  been  shaken  up  a  little  with  the  early  graduation  of  the  boys,  but  it’s  allowed  me  the  experience  of  learning  how  to  be  comfortable  with  a  new  scene  partner  much  quicker.    However,  when  I  did  get  the  opportunity  to  have  rehearsals  for  scenes  I  shot  outside  of  class,  it  did  help  with  that  level  of  trust  in  the  

  10  

other  actor.  It  gave  me  the  opportunity  to  let  go,  relax,  and  have  more  fun;  to  trust  in  my  foundation  and  craft,  and  work  off  of  the  other  actor  more.  I  think  when  I  had  the  opportunity  to  do  that,  I  definitely  felt  like  I  was  able  to  more  easily  achieve  my  goals  for  myself  in  the  scene.  

 Challenges     Each  scene  you  do  is  different  and  will  present  it’s  own  challenges  to  you.    For  me,  my  biggest  challenge  is  in  finding  the  truth  and  not  trying  to  show  you  what  I  think  the  character  should  be  feeling.    I  have  no  problem  memorizing  lines,  choosing  costume  options  and  so  on,  but  going  deeper  than  just  saying  the  lines  like  they  sounded  the  first  time  I  read  them  in  my  head  is  a  challenge  I  continue  to  face.    This  is  where  my  training  has  come  into  play.  With  the  different  techniques  and  approaches  I  have  been  taught  over  my  educational  career,  I  have  a  plethora  of  tools  to  use.    The  most  difficult  thing  is  deciding  which  tool  works  best  for  me  in  each  project.    For  example,  in  doing  one  of  my  scenes  where  I  had  to  play  a  character  that  is  awakened  from  death  and  told  she  has  about  a  minute  left  to  stay  alive,  I  was  able  to  use  a  lot  of  the  given  circumstances  the  director  and  I  worked  out  to  find  the  emotional  truth  of  what  that  really  meant  to  me  instead  of  simply  playing  the  scene  for  laughs  or  being  cute  with  the  dialogue.    It  really  helped  me  to  feel  more  grounded  and  real  when  dealing  with  her  lines.      

It  also  helps  that  I  have  had  some  amazing  directors  with  whom  I  have  worked.    Some  have  been  more  challenging  to  decipher  what  they  were  saying  into  a  way  that  made  sense  to  me  so  that  I  could  translate  it  into  an  action  or  heightened  circumstances.  There  have  been  a  few  student  directors  that  were  more  difficult  to  work  with  and  hard  to  put  my  trust  in  for  the  final  product.    But  as  a  whole,  I  have  worked  with  some  very  talented  directors  that  have  guided  me  towards  their  vision  for  the  scene  or  film  and  I  have  been  proud  of  the  work  we  have  created  together.    

  11  

Acting  Reel  *ALL  SCENES  MAY  NOT  BE  INCLUDED  IN  FINAL  CUT*  

 

  As  I  began  working  on  my  demo  reel  with  Boris,  the  editor,  we  discussed  looking  for  several  different  things  when  choosing  what  would  go  in  the  final  cut.  One  of  the  things  he  talked  about  getting  was  several  different  looks  for  a  montage  at  the  beginning  that  would  give  a  quick  visual  of  different  hairstyles,  makeup,  and  so  on  that  I  was  able  to  pull  off.    We  decided  that  there  were  some  good  shots  in  three  of  the  short  films  I  had  done  outside  of  class:  Bang’s  Cine  3  Final,  Forever,  and  Illuminate.    They  each  had  several  different  hairstyles  and  lighting  to  them  to  give  the  different  feels.    Bang’s  Cine  3  Final  was  shot  on  a  beach  and  goes  through  the  process  of  me  putting  on  lipstick,  so  you’ve  got  a  before  and  after  image.  Forever  had  several  different  kinds  of  lighting  to  give  it  a  very  warm  feeling  or  a  colder,  more  somber  feel.  I  had  less  dramatic  makeup  than  in  Bang’s  Cine  3  Final  and  my  hair  was  down  and  wavy.  Finally,  for  the  clip  we  used  from  Illuminate,  it  was  in  black  and  white  with  virtually  no  make  up  on  and  my  hair  in  a  messy  bun  falling  around  my  face.    I  am  sadly  looking  out  the  window  in  this  shot  and  at  the  end,  make  a  decision  that  makes  me  smile.     After  the  montage,  Boris  added  different  scenes  that  showcased  additional  differences  for  me.  The  scene  After  the  War  was  added  to  show  a  more  50’s  style  of  hair  and  makeup.    It  also  showed  my  comfort  and  ability  to  use  the  Russian  accent.  Miss  Firecracker  also  showed  my  comfort  with  using  an  accent;  in  this  case  a  Southern  accent.    It  also  allowed  me  to  use  some  physical  comedy  that  was  a  little  larger  than  some  of  the  other  comedy  scenes  I  have  done.     Another  comedic  scene  for  my  reel  is  Afternoon  Delight.  In  this  scene,  I  was  able  to  have  a  lot  of  fun  with  the  balance  of  the  comedic  lines  and  my  straight  delivery  of  them.  I  was  able  to  show  my  ability  to,  as  Boris  put  it,  “act  with  my  mouth  full”,  one  of  my  favorite  ways  to  act.  In  Corporate  Villain,  I  also  interacted  with  food  props,  specifically  pouring  and  drinking  liquids.    This  scene  gave  me  the  opportunity  to  be  very  powerful  and  in  control  of  my  environment.     A  different  kind  of  power  I  was  able  to  portray  was  a  more  immature  struggle  for  power  in  Closer.  I  came  across  as  a  young  woman  yearning  for  and  holding  on  to  power  with  all  of  her  might.    It  also  shows  me  in  a  different  look  than  any  of  my  other  scenes  with  long,  straight  hair;  low,  tight  top;  and  tight,  short  skirt.  Another  of  my  different  looks  was  achieved  in  To  Be  A  Big  Liar.  This  short,  shot  in  black  and  white,  has  a  very  old  Hollywood  glam  feel  to  it.  From  my  hair  and  makeup  to  the  lighting  and  camera  angles,  this  short  feels  incredibly  glamorous.    I  was  also  able  to  show  some  anger,  but  it  is  a  sad  and  frustrated  anger  more  than  an  enraged  anger.  You  see  it  being  held  back  and  bubbling  just  below  the  surface.     The  ability  to  move  through  fight  choreography  was  showcased  in  Safe  Haven.  I  was  also  able  to  embrace  moments  of  pure  fear,  a  difficult  emotion  for  me  to  embrace.  Along  with  difficult  emotions  comes  pure,  gut-­‐wrenching  grief.    I  think  I  was  able  to  capture  this  and  fully  embrace  it  for  Dreamer,  although  a  more  contained  grief  was  equally  shown  in  my  monologue  from  Kin.  They  were  two  very  different  kinds  of  grief,  but  each  with  their  own  struggles  to  conquer.  

  12  

  The  final  side  of  me  I  hope  to  show  in  my  reel  is  the  softer,  happier  side.  In  general,  a  lot  of  my  time  at  the  Academy  has  lacked  a  bit  in  this  area.  But  a  wonderful  example  of  it  would  be  the  joyful  and  laughter-­‐filled  delivery  of  the  monologue  Look  Back  in  Anger.  Pushing  Daisies  was  a  chance  to  see  the  cute  and  sweet  side  of  me  that  hasn’t  been  showcased  in  many  of  my  scenes.  It  is  dark  humor  but  has  an  air  of  innocence  about  it  as  well.  And  my  final  scene  I  used  was  Wonder  of  the  World  where  there  is  such  a  nice  moment  at  the  end.  It  is  so  caring  and  gentle  as  I  break  the  poor  man’s  heart.    However,  this  scene  also  allows  one  to  see  me  playing  the  comedy  straight  and  working  through  a  fair  amount  of  dialogue  in  story  forms.     Boris  and  I  were  able  to  find  a  nice  variety  in  my  scenes,  both  in  looks  and  in  emotional  acting  range.  I  have  done  a  lot  of  work  in  the  past  3  years  and  it  was  interesting  to  look  at  my  growth  from  my  first  few  films  to  this  final  semester.  We  started  in  editing  with  90  minutes  of  film  (which  was  not  even  everything  I  had  shot)  and  have  managed  to  get  it  down  to  about  3  minutes.    I  am  very  pleased  with  my  reel  and  feel  it  properly  displays  who  I  am  and  what  I  am  capable  of.  I  am  so  thankful  I  now  have  such  a  wonderful  and  professional  reel  to  submit  to  agents.      

  13  

Marketing  Plan    

As  I  set  out  to  begin  my  life  as  a  professional  actor,  I  have  come  up  with  a  path  to  help  me  manage  my  career.    My  goal  is  to  focus  mainly  on  voice  over  work.    I  have  contacted  a  local  voice  over  actor  from  the  Quad  Cities  who  has  been  working  for  over  20  years  in  the  business,  both  locally  and  nationally,  as  well  as  having  been  the  talent  director  for  voice  over  and  on-­‐camera  projects  in  the  area  for  several  ad  companies.    He  said  he  is  always  looking  for  voice  over  help.  I  will  also  work  to  get  an  agent  in  Chicago  who  will  be  able  to  send  me  voice  over  work.    Ideally,  that  agent  would  also  be  able  to  represent  me  in  other  acting  areas  as  well,  such  as  getting  me  auditions  for  Day  Player  work,  Film  Auditions,  or  Commercials.      

I  have  looked  over  the  SAG/AFTRA  list  of  agents  and  have  narrowed  the  ones  I  believe  would  be  the  best  fit  down  to  four:  Actors  Talent  Group,  Big  Mouth  Talent,  Gray  Talent  Group,  or  Paonessa  Talent  Agency.  I  talked  with  an  agent  from  Star  Talent  Agency  in  San  Francisco,  did  some  research,  and  decided  these  four  looked  like  they  would  work  well  with  what  I  want  out  of  my  career.  They  do  both  on-­‐camera  as  well  as  voice  over  work.  I  liked  the  layout  of  their  websites.  They  each  had  different  things  that  sparked  my  interest,  such  as  being  selective  of  their  talent  list  but  passionate  with  good  contacts.  I  plan  on  sending  them  my  demo  and  voice  over  reels  once  I  am  closer  to  the  area.  

If  everything  goes  right  with  the  plan  to  do  voice  overs,  I  would  ideally  have  time  to  work  on  going  to  auditions  and  rehearsals  for  the  different  theatre  companies  in  the  Quad  Cities.    I  already  have  quite  a  few  contacts  in  the  Quad  Cities  theatre/acting  community  as  well  as  in  the  Chicago  theatre  community  should  I  end  up  moving  closer  to  Chicago  at  some  point.    Elaine  Clark  has  also  given  me  a  great  deal  of  advice  on  getting  an  agent  with  my  voice  over  reel  and  the  different  sites  I  can  use  to  do  “pay-­‐to-­‐play”  projects  to  gain  more  experience.  

Until  I  can  get  my  acting  career  up  and  going,  I  have  a  friend  who  has  asked  me  to  apply  for  a  job  with  her  insurance  company  as  an  office  assistant.    With  the  money  and  benefits  from  that  job  and  the  flexibility  of  doing  voice  over  work  from  my  home  studio,  which  is  nearly  complete,  this  position  would  work  as  a  good  survival  job.  

Upon  graduating  from  this  program,  I  believe  I  will  be  very  well  prepared  for  following  this  career  path  in  order  to  achieve  my  goals.    I  have  a  full  demo  reel  to  send  to  agents  along  with  a  voice  over  reel.    I  have  had  Laura  Henry’s  coaching  on  nailing  the  audition  and  showcasing  my  talent.    I  have  made  many  talented  contacts  and  friends  between  my  teachers,  classmates,  and  directors.    I  have  a  good  foundation  in  my  education,  technical  abilities,  and  creative  talent,  as  well  as  a  strong  support  system  from  family,  friends,  and  artists.    All  together,  I  believe  this  will  help  me  in  my  pursuit  of  work  in  the  world  of  acting.      

14  

AAU  Events  • Auditioned  for  “Directing  Actors  for  Film  and  Television”  class  all  3  years• Auditioned  for  the  open  production  5/6  semesters• Auditioned  for  Grad  Student  Workshop  of  Anna  in  the  Tropics• Participated  in  “Directing  Actors  for  Film  and  Television”  class  in  2  scenes• Participated  in  Vocal  Workshop  with  Jessica  Berman• Attended  seminar  with  Judy  Kerr• Attended  both  seminars  with  College  2  Career  Acting• Attended  casting  calls  placed  on  466  Townsend’s  call  board• Performed  in  5  Women  Wearing  the  Same  Dress• Performed  in  Grad  Student  Workshops  of  Working  and  Big  Mistake/Multiplex• Performed  in  multiple  short  scenes  for  different  MPT  classes• Performed  voice  over  work  for  several  advertising  students’  finals• Attended  AAU’s  production  of  I  Hate  Hamlet• Attended  AAU’s  production  of  Holy  Days• Attended  AAU’s  production  of  Seminar• Attended  production  of  Vagina  Monologues• Attended  AAU’s  production  of  Lend  Me  A  Tenor• Attended  AAU’s  production  of  Candida• Attended  AAU’s  production  of  Hurly  Burly• Attended  Graduate  workshop  of  Anna  in  the  Tropics• Attended  AAU’s  production  of  Bengal  Tiger  at  the  Bagdad  Zoo• Asked  to  participate  in  portfolio  review• Helped  out  with  URTA’s  auditions  2  years• Nominated  for  Best  Actress  in  a  Scene  at  Epidemic  Film  Festival  2  years• Have  never  missed  a  class  in  my  three  years  at  AAU

Proofreadersv Karen  Millsv Kris  Brewerv Andrea  Gerlachv Katie  Meehanv Polish  My  Writing   polishmywriting.com

  15  

Directed  Study  Acting  Journals    

Week  1  (Play  Production-­‐Hair)  –  This  week  was  just  introduction  week.    We  talked  about  what  Clark  expects  from  us  in  this  production  and  Maggie  talked  about  costuming  things.    Mostly  don’t  touch  your  hair  for  the  rest  of  the  semester  unless  she  tells  us  to!!    We  discussed  what  Clark  wants  to  hear  for  auditions  next  week  also,  then  jumped  right  in  and  started  learning  music.    We  went  over  part  of  Aquarius  and  I  Got  Life.    I  think  this  is  gonna  be  really  fun.    I  think  I’ll  audition  for  Sheila  and  put  down  that  I’m  open  to  anything.    That  way  I  can  audition  for  the  biggest  female  role  and  hopefully  be  considered  for  any  of  the  others.    Also,  Easy  to  Be  Hard  has  the  most  opportunity  to  make  Clark  “feel  something”  and  show  acting  ability,  which  is  what  he  wants.    Man  this  is  a  weird  show!  Definitely  a  new  kind  of  experience.    Week  2  (Play  Production-­‐Hair)  –  We  got  our  librettos  today!  Unfortunately  they  are  the  funky  kinds  that  only  have  the  vocal  line  of  music.    Not  ideal,  but  doable.    Auditions  went  all  right.  I  got  called  back  to  sing  Aquarius.    Everyone  else  sang  it  in  a  mix,  so  I  decided  to  just  go  for  it  and  belt  it.    Made  a  noise  I’ve  never  made  before  on  one  of  the  notes  coming  down,  but  in  general  it  was  a  fun  audition.    We  also  went  over  other  songs  at  the  beginning  of  class,  like  Flesh  Failures,  Eyes  Look  Your  Last,  and  Walking  in  Space.    The  cast  list  came  up  on  Friday  and  I  was  a  little  disappointed  that  I  didn’t  get  a  name  character.    However,  Katie  pointed  out  that  I’ve  got  a  solo  in  Ain’t  Got  No  and  am  one  of  the  back  up  singers  on  Air.    Clark  did  say  he  was  moving  some  of  the  solos  around  to  different  people.    No  matter  what,  it  should  still  be  lots  of  fun.    I  can’t  wait  until  the  choreographer  comes  in!!    Week  3  (Acting  for  the  Camera  3)  –  I  shot  a  scene  from  Pushing  Daisies  this  week.    Throughout  the  week,  I  worked  to  make  sure  my  lines  were  memorized  and  my  costume  options  were  put  together.  I  did  all  the  technical  preparations,  including  emailing  everyone  and  turning  in  the  production  request.    Then  I  tried  to  get  into  the  character  a  bit  more.    The  hardest  part  was  that  she  wakes  up  in  this  environment  and  seemed  to  be  reacting  to  situations  and  lines  given  to  her  by  the  other  character.  I  decided  my  best  bet  would  be  to  try  and  simply  not  have  any  preconceived  notions  about  what  the  lines  should  sound  like  and  put  all  of  my  focus  on  listening  to  the  other  actor  and  his  lines.    When  we  got  into  class,  we  had  Harry  Weiner  as  our  substitute  this  week.    I  had  never  met  Harry  or  worked  with  my  fellow  actor,  so  was  a  bit  nervous  but  resolved  to  do  my  job  as  best  I  could.    As  we  began  to  talk  about  the  characters,  Harry  told  us  that  we  had  the  pacing  and  tone  of  the  scene  correct,  but  needed  a  deeper  layer  and  understanding  underneath.    As  he  talked  to  the  other  actor  about  his  overall  objective,  I  struggled  again  with  what  my  objective  might  be.    The  best  I  could  come  up  with  was  a  need  to  experience  life  while  she  could,  but  as  this  had  little  to  do  specifically  with  the  other  actor/character,  I  was  unsure.    When  Harry  and  the  class  began  to  talk  about  my  character,  we  decided  that  my  instincts  had  been  correct,  but  that  we  would  tweak  them  to  involve  the  other  actor/character.    In  the  end,  my  overall  objective  was  to  get  as  much  meaning  out  of  life  as  possible.    This  fix  really  helped  me  to  find  the  smaller  beats  in  this  amusing  scene  and  to  make  it  more  truthful  and  real  instead  of  

  16  

simply  amusing  and  cute.    For  instance,  the  part  where  he  asks  me  to  tell  him  who  had  killed  me;  and  my  response,  “That  is  so  sweet!  I  just  want  to  put  you  in  my  pocket!”  became  much  more  meaningful  as  he  was  giving  the  next  38  seconds  I  had  to  be  alive  some  kind  of  meaning.    The  hardest  part  overall  of  the  shooting  day  was  the  close-­‐up  of  my  eyes  and  face.    Between  trying  to  hold  still,  keep  my  mouth  closed  but  relaxed  and  pleasant,  not  move  my  eyes,  try  not  to  have  my  arteries  pump  too  noticeably,  and  wake  up  and  be  afraid  of  him  was  EXCEEDINGLY  challenging;  especially  showing  the  fear.    In  the  end,  I  asked  Harry  if  I  could  try  a  really  over-­‐the-­‐top  expression  of  fear.    He  said  to  go  ahead  and  when  I  did,  it  still  wasn’t  enough!!  So  I  went  even  bigger  and  we  finally  got  the  shot.    Another  prime  example  of  “it’s  better  to  try  and  go  too  big  and  get  pulled  back  than  to  go  too  small  and  have  to  have  it  pulled  out  of  you.”    Week  4  (Play  Production-­‐Hair)  –  This  week  in  class,  we  continued  to  learn  more  of  the  songs  the  tribe  sings  in.    As  it’s  almost  every  number  in  the  show,  it’s  taking  a  while.  We  also  got  to  meet  our  choreographer  this  week.  Alex  had  us  do  some  movement  based  on  the  Laban  Movement  Analysis  (LMA).    It  was  very  similar  to  the  movement  we  did  in  Dyan  McBride’s  vocal  production  class  including  float,  glide,  and  flick.    I  would  consider  it  more  movement  than  dance,  but  Alex  had  us  do  the  8  different  movements  in  groups  and  some  of  them  actually  looked  choreographed.    So,  though  this  is  not  a  “dance  show”,  I  am  still  very  excited  to  get  to  work  with  her  next  week.    At  the  end  of  class,  we  discussed  with  Clark  the  time  period  that  Hair  is  set  in.    We  talked  about  his  experience  and  first  hand  knowledge  of  the  time  surrounding  the  Vietnam  War  and  what  was  going  on  in  America.    He  encouraged  us  to  think  about  what  we  might  be  willing  to  stand  up  and  protest  for.    Personally,  I  would  be  more  inclined  to  try  and  petition  or  have  a  committee  meeting  with  higher  officials  than  to  protest.    To  me,  protesting  is  a  way  to  get  attention,  whether  that  ends  up  being  the  attention  of  the  people  you  want  to  enact  the  change  you  seek  or  simply  the  attention  of  annoyed  citizens  and  police  officers  is  not  always  certain.    I  tend  to  be  more  diplomatic  and  would  rather  go  through  channels  and  meet  with  people  to  work  towards  the  change  I  want  to  see  happen.  We  also  had  a  classmate  (Maria  I  think?)  do  some  research  about  the  song  Three-­‐Five-­‐Zero-­‐Zero  and  told  us  it  was  based  on  a  poem  talking  about  the  death  count  coming  out  of  Vietnam.    So  as  I  was  trying  to  memorize  lyrics,  rhythms,  and  notes  this  weekend,  I  also  took  the  initiative  to  look  up  some  of  the  references  I  sang  about  and  did  not  understand.    For  me,  this  was  specifically  in  the  song  Hashish  with  all  the  drug  names.    Dexedrine,  Benzedrine,  and  Methedrine  are  all  amphetamines  that  were  used  in  the  70’s  as  diet  aids  and  stimulants.    They  also  create  a  stimulant  high  that  caused  many  people  to  use  them  recreationally.    Benzedrine  was  the  brand  name  of  an  inhaler  that  was  sold  and  later  replaced  by  Benzedrex.    Methedrine  is  a  brand  of  methamphetamine.      Week  5  (Play  Production-­‐Hair)  –  This  week  was  a  bit  unsettling.  We  did  a  little  music  at  the  beginning  and  I  was  feeling  confident  because  I  had  worked  on  getting  2  of  the  3  songs  we  went  over  memorized  the  previous  week.    Donna  wasn’t  quite  as  good  as  I  had  thought  it  was.    Then  we  worked  on  dance.  That  part  was  fun,  but  I’m  a  

  17  

little  worried  that  my  dance  background  might  hurt  me  in  this  production.    Alex  wants  more  pedestrian  movements  and  less  “dance”  movements.    The  problem  is  that  a  lot  of  my  pedestrian  movements  look  “dance-­‐like”.    So  need  to  work  on  that.    We  also  only  got  1  of  the  3  dances  learned  that  she  wanted  to  teach  us,  so  we’ll  have  to  really  book  it  next  week.    The  biggest  problem  I  think  is  that  there  are  35  people  she  is  choreographing.    That  is  going  to  take  longer  than  teaching  15  or  20  people  the  same  thing.    Finally,  we  did  a  read/sing  through  of  the  whole  show.    Man  do  I  now  feel  unprepared!!  Having  mini  panic  attacks  that  I  won’t  be  able  to  memorize  all  the  songs  and  dances  in  time.    Right  now  I’m  definitely  more  focused  on  just  getting  the  correct  words  and  notes.    I  was  so  frustrated  that  I  couldn’t  find  the  correct  notes  on  some  of  the  songs  that  I’ve  always  been  able  to.    Why  is  it  that  last  semester  I  felt  confident  about  being  a  graduate  student  ready  to  finish  and  go  off  into  the  world  and  this  semester  I  feel  like  I  am  failing  at  everything?    I  did  however  find  a  website  that  took  all  of  the  references  in  Hashish  and  explained  them,  so  now  I  know  what  I’m  saying  in  this  song.    It  has  actually  helped  in  memorizing  as  well.    Hopefully  this  trend  continues  and  I  can  learn  everything  much  quicker.    Week  6  (Play  Production-­‐Hair)  –  Ok,  this  week  was  much  less  dramatic  than  last.    I’ve  been  going  over  my  music  and  I’m  feeling  pretty  confident  about  it.    I  keep  checking  songs  off  of  my  list  that  I  feel  comfortable  with  and  my  list  of  things  I  need  to  work  out  is  getting  shorter.    I  still  need  to  look  through  the  script  and  learn  my  text,  but  since  most  of  the  tribe’s  text  has  to  do  with  responding  to  the  leads,  I  don’t  feel  too  worried  about  that.    We  were  also  able  to  learn  Donna  and  Hashish.    Donna  is  a  lot  of  fun  with  good  energy  and  I  get  to  lift  Christina,  which  makes  me  feel  strong  and  manly.    Hashish  was  a  bit  more  difficult  to  learn,  but  that  was  mostly  because  we  were  all  still  making  sure  we  had  all  of  the  words  and  didn’t  have  a  karaoke  track  for  it  so  our  timing  always  seems  off.    I’ve  got  the  words  down,  but  it  takes  me  a  few  seconds  sometimes  to  remember  what  comes  next.    Clark  talked  to  us  about  not  having  extensively  defined  characters  in  this  show  and  that  means  we  have  to  bring  even  more  of  ourselves  than  we  normally  would  into  the  character.    So  over  the  next  few  rehearsals  as  we  begin  to  block  the  show  (hopefully),  I  will  begin  to  focus  more  on  what  I  bring  into  this  character,  especially  since  I’m  feeling  more  confident  with  the  songs.    Week  7  (Play  Production-­‐Hair)  –  This  week  we  learned  the  choreography  for  Hair.    It’s  kind  of  crazy!  Over  half  the  cast  had  terrible  headaches  by  the  end  of  learning  it  just  because  the  entire  song  is  us  whipping  our  hair  around  and  basically  throwing  out  our  necks.    If  I  thought  Donna  was  high  energy,  it  is  nothing  compared  to  Hair.    But  after  dinner  when  I’d  given  my  neck  time  to  recover  a  bit,  I  felt  much  better.    Hopefully  only  doing  the  dance  once  will  keep  the  neck/head  pain  down  to  a  minimum  during  the  run.    We  also  got  to  start  blocking  the  show,  which  was  actually  really  fun!    Clark  kept  warning  us  that  it  would  go  fast  and  we  needed  to  not  just  wait  for  him  to  tell  us  what  to  do,  but  it  wasn’t  nearly  as  intimidating  as  he  made  it  out  to  be.    I  get  to  climb  on  the  scaffolding  and  sing  from  the  top  for  Ain’t  Got  No,  which  is  so  cool!    When  we  got  to  Ain’t  Got  No  Grass  though,  I  had  a  bit  of  an  issue.    As  we  were  running  through  what  Clark  had  just  given  us  (running  up  and  down  the  

  18  

stairs  around  the  audience),  I  totally  slipped  and  my  foot  went  between  the  stairs  ant  the  railing!  I’ve  got  some  scrapes  and  what  will  no  doubt  be  incredibly  impressive  bruises  but  mostly  I  just  laughed  and  shook  my  head  that  I  would  be  the  first  one  to  get  hurt  at  rehearsal.    Everyone  was  very  nice  and  concerned  about  it  though.    Shona  took  good  care  to  bring  me  ice  and  make  sure  it  was  elevated  and  Clark  didn’t  make  me  sit  for  too  long  before  asking  if  I  could  come  back  onstage  to  do  more  blocking.    It  was  a  good  mix  of  being  taken  care  of  but  still  asked  to  do  my  job,  which  I  was  more  than  happy  to  resume.    The  only  nerve-­‐wracking  thing  now  is  that  we’ve  got  spring  break  and  then  about  5  more  rehearsals  before  we  open  the  show!  Not  very  much  time  when  we’ve  only  blocked  about  a  quarter  of  the  show  so  far!    Week  8  (Play  Production-­‐Hair)  –  This  week  was  all  about  characterization.    We  blocked  up  through  about  the  first  half  of  Act  1  and  choreographed  I  Got  Life  and  Three-­‐Five-­‐Zero-­‐Zero.    Alex  and  Clark  both  told  us  to  add  our  own  groove  to  the  movements  and  make  sure  to  have  an  action  and  real  characterization.    Clark  also  told  us  to  make  sure  not  to  play  the  mood  of  the  show  but  play  an  action.    So  this  week  I  worked  on  fleshing  out  my  character  a  bit  more.    I  also  took  a  piece  from  our  Audition  Techniques  class  and  decided  to  do  a  “I  need  you  to  admit/agree  _____”  for  each  of  the  song  numbers.    So  far,  I’ve  come  up  with:  My  name  is  Josie.  I’m  24,  a  tomboy,  and  I’m  all  about  love  and  breaking  stereotypes.    I  left  my  home  in  the  Midwest  (Joy,  Illinois),  when  I  was  16.    I  hitchhiked  to  New  York  City  and  met  Jeanie  who  introduced  me  to  Claude  and  the  tribe.    I  am  very  spiritual  but  wasn’t  convinced  there  was  only  one  way  to  worship  like  I  was  brought  up  to  believe.    Hence,  the  age  of  Aquarius/New  Age  thinking  was  so  attractive  to  me.  However,  I  am  disappointed  that  all  of  New  York  isn’t  as  open-­‐minded  as  I  expected  or  hoped  it  would  be.  The  Tribe  has  become  my  family  and  we  just  want  to  convince  people  to  entertain  the  idea  that  there’s  more  than  one  way  to  do  or  go  about  something.    I’ve  got  “I  need”  statements  for  songs  1,  2,  4,  and  5  so  far.    I’ve  also  been  working  to  just  have  all  of  the  music,  blocking,  choreography  we’ve  done  so  far  memorized.  I  feel  like  once  we  get  the  blocking  all  down,  books  out  of  our  hands,  and  our  costumes,  it  will  help  us  to  get  our  characters  more  fleshed  out,  especially  for  a  show  like  this  where  the  characters  are  less  defined  by  the  script.    So,  I’ll  keep  working  on  adding  to  everything  we’ve  done  and  keep  everything  straight  in  my  head  and  physicalized  in  my  body.    Week  9  (Acting  for  the  Camera  3)  –  The  scene  I  shot  this  week  was  a  short  scene  but  took  a  lot  more  prep  work.    I  did  some  research  into  the  military’s  “Don’t  Ask,  Don’t  Tell”  act  and  found  out  it  was  repealed  in  late  September  of  2011.    Also,  the  military  would  not  send  notice  of  death  to  a  fiancé  at  first,  but  they  would  eventually  be  notified  and  would  be  recognized  at  any  funeral  services.    So  I  rewrote  some  of  the  final  paragraph  that  was  the  official  letter  from  the  military,  since  we  made  it  into  a  two  female  scene.    I  also  knew  that  having  to  do  such  a  gut-­‐wrenching  scene  would  take  a  lot  more  emotion  from  me  to  make  it  real  and  the  last  thing  I  wanted  was  to  have  it  look  fake  or  pushed.    I  did  an  emotional  recall  like  Melissa  had  taught  us  in  Monologues  1.    It  worked  wonderfully  at  my  apartment,  but  I  had  a  little  more  

  19  

trouble  accessing  it  in  class.    However  I  did  manage  to  break  through  my  reserves  and  tap  into  that  emotion  without  having  it  feel  forced  out  several  times.    It  was  a  new  and  good  learning  experience  for  me,  although  I  was  once  again  reminded  that  I  have  no  idea  how  to  be  fearful  on  camera.  So  my  close  ups  and  extreme  close  ups  were  a  little  more  difficult.    Not  quite  sure  how  to  prepare  for  next  week  when  I  have  to  be  terrified  of  my  abusive  husband  most  of  the  scene…    Week  10  (Acting  for  the  Camera  3)  –  I  was  so  nervous  for  this  week!  When  I  submitted  the  scene  from  Safe  Haven,  I  liked  the  idea  that  I  would  get  to  play  a  character  that  gets  to  stab  someone.  The  physicality  involved  in  the  violent  “choreography”  of  the  scene  appealed  to  me  as  well.    However,  as  I  began  preparing  for  this  week  I  realized  that  a  lot  of  the  emotion  behind  it  was  one  I  knew  would  be  a  challenge  for  me.    I’ve  spent  the  last  3  years  basically  working  on  embracing  anger  and  power  that  to  try  and  find  the  reverse  was  a  little  daunting.    I  found  myself  thinking  how  much  easier  it  would  be  for  me  to  play  the  part  of  the  abuser  than  the  part  of  the  abused.  As  I  told  Katie,  “It’s  ironic  that  I’m  terrified  of  being  able  to  show  I’m  afraid”.    It  is  a  delicate  balance  to  not  show  people  what  you’re  feeling  but  not  hide  it  so  well  the  audience  doesn’t  see  it  at  all.    I  did  a  lot  of  research  into  Stockholm  syndrome  and  why  people  stay  in  abusive  relationships.    I  also  was  able  to  recall  certain  emotions  and  feelings  from  my  own  personal  experience  with  similar  situations.    By  the  time  the  day  of  filming  came  around,  I  had  done  my  homework  and  decided  to  do  what  all  my  acting  teachers  talk  about  it  and  try  to  let  it  go  and  trust  in  my  work.  The  first  few  takes  were  a  little  shaky  in  getting  the  nuances  correct,  but  once  I  found  the  right  level  things  seemed  to  go  pretty  smoothly.    Especially  once  we  got  to  the  actual  violence.    I  knew  that  physicalizing  things  for  me  helped  to  bring  out  anger  and  grief,  but  I  guess  it  hadn’t  really  dawned  on  me  how  much  physicalizing  can  elicit  other  emotions  as  well.    Once  the  adrenaline  of  getting  thrown  around  the  room  began,  the  fear  was  so  much  easier  to  tap  into.  In  fact,  everyone  thought  the  scene  would  take  the  entire  amount  of  shooting  time  but  we  finished  everything  up  2  hours  early!  It  felt  good  and  everyone  said  that  it  looked  very  good  and  convincing  from  the  monitors.    So  hopefully  it  turns  out  well  and  I  can  use  some  of  it  in  my  final  reel.    Week  11  (Play  Production-­‐Hair)  –  In  the  theatre,  there  is  a  wonderfully  difficult,  rewarding,  and  stressful  week  called  “Hell  Week”.  In  this  production,  I  think  “Hell  Week”  is  being  stretched  into  2  weeks  since  we  get  so  few  rehearsals.    We  added  costumes  on  Monday  and  mics  on  Tuesday.    Adrenaline  was  super  up,  at  least  for  me,  on  Monday  so  I  pushed  a  little  to  hard  and  ended  up  blowing  out  my  voice  on  my  first  solo  in  the  first  act.    So  Tuesday  I  didn’t  go  as  full  out.    It  was  fun  to  have  the  mics,  but  our  sound  levels  were  a  little  off.  So  there  were  times  when  the  singers  were  not  quite  on  beat  with  the  piano.  But  I  figure  that  will  get  better  when  we  have  all  of  the  microphone  levels  set  and  the  full  band  there.  The  costumes  on  the  other  hand  are  amazing!  I  was  a  little  unsure  about  my  costume  at  first,  but  it’s  definitely  growing  on  me.  And  everyone  else  looks  really  amazing.  They  are  slowly  adding  different  elements  to  our  costumes  like  jewelry,  flowers,  etc.  It  is  really  helping  bring  character  out  of  each  of  us.    And  Clark  talked  to  us  on  Tuesday  about  Ain’t  Got  

  20  

No  and  the  point  of  view  we  should  be  having  about  what  we’re  saying.    It  was  heartening  to  know  that  I  was  on  the  correct  path.    This  show  can  be  taken  so  many  ways  that  you  just  have  to  choose  one,  go  with  it,  and  see  what  the  director  says.  I  think  our  two  final  tech/dress  rehearsals  next  week  will  be  a  little  crazy,  but  I  think  we’ll  be  ready  for  opening  night.    I  feel  really  good  about  where  we  are  as  a  cast  and  where  I  am  with  my  own  character  development.  It’ll  be  a  good  show.