COLABORADORES DE LOS ESQUEMAS:

- TEMA 1.- FERNANDO FABIÁN SÁNCHEZ CORDERO

- TEMA 2.- LUZ LAPUERTA DIEGO

- TEMA 4.- ELIA RODRÍGUEZ MONTERO

- TEMA 5.- CARMINA MAGDALENO FLORENTÍN

- TEMA 6.- JOSÉ ELIZONDO GUTIÉRREZ

- TEMA 7.- FRANCISCA SASTRE AGUSTÍN

- TEMA 9.- JOSÉ ELIZONDO GUTIÉRREZ

- TEMA 8.- VANESSA CORCHADO CABALLERO

- TEMA 10.- JACINTO MERCADO PÉREZ

CAPÍTULO 1

LA VANGUARDIA Y EL COLOR 1.- INTRODUCCIÓN

ULTIMAS DÉCADAS XIX PRIMERAS DEL XX o Modernidad frente a tradición o Renovación frente a academicismo o Primer manifiesto futurista. 1909

¡Museos, cementerios! EL FUTURISMO

o Negación y desprecio por el pasado o Valoración de

Arte prehistórico Arte negro Oceanía, América prehispánica, esquimales

2.- LA NEGACIÓN DEL PASADO, EL MITO DE LO NUEVO

VANGUARDIA o Término militar y político o Renovación. Cada obra ruptura con lo anterior o Desprecio por las realizaciones del pasado o Desarrollo principal entre 1900 y 1945 o Vigencia hasta 1980 o Numerosos grupos y movimientos

Duración limitada Grupos minoritarios

o Ruptura con la unidad de estilo y principios académicos o Rechazo a la tradición como modelo o Ruptura con la noción de tiempo o Rompe con amplios periodos de los estilos y corrientes o Imposible hegemonía duradera

Aceleración del tiempo artístico Cada tendencia breve, acelerada, sustituida por una nueva Fauvistas, expresionistas, cubistas, futuristas…

o Fenómeno no lineal, sino sincopado, complejo, dispar, contradictorio… Artistas experimentan en la misma línea o con nuevas formas

Gris y Braque con el Cubismo Matisse tras dejar el Fauvismo Picasso tras dejar el Cubismo Kandinsky y Mondrian con la pintura abstracta

Actividad más amplia que la vigencia de cada corriente

3.- ACADEMICISMO Y KITSCH LA MODERNIDAD MODERADA

o El arte del siglo XX no lo forma, exclusivamente, la Vanguardia o Experiencias al margen de la vanguardia, aunque contaminadas por ella

Ruptura con la tradición sin planteamientos radicales

o MARC CHAGALL (1887-1985)

Llega a París en 1910. Contacto con vanguardia Figuración libre, onírica y fantástica Al margen de la lógica Sin contactos con la tradición. Independiente de la Vanguardia

La casa que arde (1913)

o AMADEO MODIGLIANI (1884-1920) En París en 1906. Momento álgido de la Vanguardia Retratos y desnudos

Sugerencia rostros de la escultura negra Sin planteamientos radicales de la Vanguardia

o Desarrollo atemperado y moderado

EL CASO ESPAÑOL Diversos artistas se enfrentan al academicismo Movimientos, tendencias y actitudes individuales

EL ART DÉCO (en su época Estilo Moderno)

Sucedáneo de las vanguardias Alcanza mayor difusión que éstas Movimiento que afecta todas las artes

Pintura, escultura, cine, fotografía, moda… Iconos

o Greta Garbo, Dietrich, Valentino… Diseños de Pierre Bonet Movimiento aséptico ideológica y políticamente Fuentes comunes Clasicismo y Cubismo

Nacionalsocialismo y fascismo Planteamientos idénticos al Racionalismo Arquitectónico

PERSISTENCIA DEL ACADEMICISMO

Resiste ataques a los que le somete las Vanguardias Apoyado por enseñanza oficial arte y lenguaje oficial Estados

Soviético, nacionalsocialismo, fascismo, franquismo Público al que vanguardias le parecía destrucción del arte

Ensimismado en intemporalidad y permanencia

CHAGALL. La casa que arde. 1913

MODIGLIANI. Retrato de Jacques Lipchitz y su esposa. 1916

KITSCH Ni renovación ni conservadurismo No responde a ningún sistema plástico Imaginería blanda, sensiblonería cursi y edulcorada No son arte, sino objetos con apariencia artística Pretende dar belleza a los objetos desde la incongruencia La imitación y el juego con imágenes conocidas

La Gioconda Estampas de carácter religioso Taza de café con una esvástica

o Kitsch o academicismo: el tiempo, elemento al margen de la Historia o Vanguardias: El tiempo es su condición sine qua non

4.- UN NUEVO ESPACIO FIGURATIVO: FAUVISMO Y EXPRESIONISMO

Aparece la Abstracción en 1910 Ensayos giran alrededor de nuevas formas de representación Ruptura con imagen tridimensional desde una visión monofocal Matisse. Combinación de imágenes de figuras y planos de color De la representación a la expresión

o Nueva forma de representar o El valor del color, la expresión o la velocidad (futuristas)

Fauvismo y expresionistas de Die Brücke. o El color y la expresión o Fauvismo

Exaltación límite del color El juego y las combinaciones cromáticas

Mujer con sombrero (1909). Matisse Tendencia plástica Sólo se desarrolla en la pintura

o Expresionismo Expresar por encima de representar Punto de vista único: el ojo del pintor Se plasma el estado de ánimo del artista

Mujer semidesnuda con sombrero. Kirchner Una actitud ante la vida Desarrollo en pintura, literatura, arquitectura, cine…

o Picasso y Braque Ruptura con el sistema de representación Se aproximan a la abstracción, sin abandonar la figuración

5.- LA SATURACIÓN DEL COLOR: EL FAUVISMO En común con impresionismo y postimpresionismo:

o Exaltación del color frente a la forma y el dibujo académico o La pintura reemplaza, incluso, a la representación

o Acciones individuales unidas por estos ideales comunes Salón de Otoño. Origen del nombre

o Torso de un chico. Albert Marquet o Donatello entre fieras (Donatello chez les fauves)

PRIMER GRUPO o Matisse, Marquet, Manguin, Camión y Rouault. Estudio de Moreau

SEGUNDO GRUPO o Escuela de Chateau. Derain y Vlaminck

TERCER GRUPO o Escuela del Havre. Emile-Othon Friesz, Raoult Dufy y Georges Braque

MATISSE, DERAIN Y VLAMINCK

El retrato André Derain (1905). Matisse El retrato de Vlaminck (1905). Derain La línea verde. Retrato de Mme. Matisse (1905). Matisse

o Preocupación por la expresividad del color y la pasta pictórica o Superficie fragmentada en planos encontrados y contrapuestos de color o Suma de fragmentos que desplazan la representación de lo real o La sensación que produce la realidad en la mente del pintor o

o El Paisaje

Paisaje de Collioure (1905). Matisse Montañas de Collioure (1905). Derain El circo (1906) Vlaminck

o Fragmentación más evidente y radical o Valor de lo inacabado, protagonista el color o Distanciamiento del modelado a través de la luz y la sombra

Desarticulación del objeto representado Nueva concepción de la imagen pictórica

DUFY, VAN DONGEN, BRAQUE, ROUAULT Casas viejas de Honfleur (1906). Dufy Modjesko, soprano (1908). Van Dongen

Técnica más moderada que los tres anteriores Braque. Recuperación de la forma antes de su paso al cubismo Rouault. Acentua componente expresivo

Sentimiento místico Correspondencia entre ética y pintura

6.- MATISSE, EL COLOR Y LA SENSACIÓN Había llevado los principios fauvistas a una situación límite Le Luxe I (1906). Ruptura tajante con su obra anterior Las Bañistas. Tema clásico La vanguardia puede ser clásica y lo clásico puede ser vanguardia Recupera la forma en equilibrio con la exaltación cromática

o La danza (1909) o Bodegón con la danza (1909)

Espacio casi plano Lo conceptual impera sobre la captación inmediata de lo real Ordenación del color y la expresividad La pasión circunscrita al orden

Publicación de La Grande Revue (1908) o La expresividad reside en la pasión a punto de estallar en un rostro o o En un movimiento violento o La composición es el arte de combinar los elementos o Cada parte será visible, ocupando el papel que le corresponda o Lo que no tiene utilidad es nocivo

BRAQUE. PUERTO DE AMBERES

ROUAULT. CALVARIO

o Armonía de conjunto o Un detalle superfluo no debe ocupar el lugar de otro detalle esencial o Representar la idea de acumulación de sensaciones a través del color o Efectos sugerentes a través del color, de sus parentescos o contrastes

Mesa servida (1908) Mesa y pared mismo color, rojo. Misma ornamentación Los componentes se confunden

Días después del manifiesto de Matisse, Marinetti lanza el o Primer manifiesto del futurismo

Radical contraposición de La Grande… de Matisse El mito de la violencia y la velocidad Negación sacrílega de toda mirada al pasado

7.- EL COLOR Y LA FORMA: EL EXPRESIONISMO Aparece en Alemania Igual que el Fauvismo, se basa en la exaltación del color Difiere de éste, tanto formal como ideológicamente Tendencia que no es solamente plástica, también ética e ideológica Una actitud ante la vida, visión del mundo, proyección del estado de ánimo Proyección en literatura, música, teatro, arquitectura, cine, etc. Integración de diversas artes: pintura y música, pintura y poesía, etc. Influencias de Van Gogh y Gauguin Versiones procedencia del término Expresionismo Frente al hedonismo y esteticismo fauvista, visión angustiada e insegura Proyección estado de ánimo, inseguro, tenso, propio de una sociedad en crisis La pintura para expresar angustia, aspecto nuevo en la vanguardia Expresionismo de Tintoretto y el Greco. Goya. Pinturas negras. Difiere al ser una actitud individual y no de grupo Precedentes de la expresión en Alemania: Matias Grünewald

8.- EL GRUPO DIE BRÜCKE Incorporan a Alemania al mundo de las vanguardias Entre 1905 y 1913. Alumnos Escuela Técnica Superior de Dresde

Alcanzó desarrollo en otras ciudades como Leipzig o Berlín Expresionismo: Alteración de figuras y objetos en función de la expresión No buscan la representación precisa A través del color, la deformación y la escenografía atormentada e inquietante, buscan provocar un

estado de ánimo desasosegado, inseguro e incierto Comunidad al estilo de los nazarenos o los nabis Forma común de entender la vida Sus motivos

o Desnudos con gran carga erótica o Calles pobladas de transeúntes o Bailarinas y artistas de circo o El pintor y la modelo

Concepción individual subjetiva dificulta concretar los rasgos comunes Inquietudes comunes, preferencias diversas Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) fue otro grupo expresionista Modelos y formas de expresión olvidados

o Maestros medievales o Escultura negra o Arte africano y de Oceanía

Conectar con la historia no manipulada por la lógica ni el academicismo ERNEST LUDWIG KIRCHNER (1880-1938)

o El expresionismo a sus últimas consecuencias. Fue el más activo Marcela (1910)

Aplicación del color de forma arbitraria para subrayar efectos expresivos Figura concebida como amasijo de miembros con cierto orden Espacio creado por líneas y planos de color que aumentan la sensación de

soledad del personaje Cinco mujeres en la calle (1913)

Expresión de la soledad contemporánea La apariencia de alegría es sólo una máscara de soledad Trazos y formas angulosas expresan la angustia del pintor Mirada crítica a la sociedad de su tiempo

El artista y la modelo (1911)

ERICH HECKEL (1883-1970) o Inicios fauvistas o Proyecta una angustia íntima

Desnudo en un sofá (1909) o Grabados en madera

Se acentúan los efectos expresivos Árboles florecidos (1906) Hombre en una llanura (1917)

o La impotencia humana ante la desolación

KARL SCHIMIDT-ROTTLUFF (1884-1976) o Pintura a base de color y pasta pictórica (conexión con fauvismo) o Densa, pesada y agobiante o Inquietud, efecto de inestabilidad y emoción o La naturaleza, realidad inerte, intensa, angustiada

Paisaje noruego (1911) o Cambia a una pintura de planos de color y formas angulosas

Mujer descansando (1912) OTTO MUELLER (1984-1930)

o Formas esquemáticas, angulosas y sintéticas Dos chicas en la hierba (1922)

FRITZ BLEYL o Expresividad silenciosa y emoción intensa y atemperada

OTROS EXPRESIONISTAS

EMIL NOLDE (1867-1956)

o Gran afinidad con Die Brüke o Carácter independiente o Expresión de figuras a límites del esperpento o Deformación de cuerpos y rostros, imágenes irreales

Gente del mercado (1908) o Mancha de color elemento esencial o El trazo de la materia se convierte en protagonista de las expresión o Imágenes mentales y fantasmagóricas, incluso religiosas

La Natividad (1912)

EDVARD MUNCH (1863-1944) o El Grito (1895)

De las primeras obras que impera el expresionismo

Cargada de angustia desoladora e inquietante o Está en Alemania entre 1905-1909 o Idea de soledad, desolación y aislamiento constantes de su pintura

Cuatro muchachas en el puente (1905) Pubertad (1895)

JAMES ENSOR (1860-1949)

o Precursor del expresionismo o Tema frecuente mascaras extraordinaria expresividad

OSKAR KOKOSCHA (1886-1980)

o Pintor de paisajes y retratos Disección del interior de la psicología del personaje

Herwarth Walden (1910) Martha Hirsch (1909)

CHAIM SOUTINE (1893-1943) o Pintura desgarrada y deformada o Caricaturización lleva a los seres a estado de descomposición

Mujer de Rojo (1922) Realizado por FERNANDO FABIÁN SÁNCHEZ CORDERO.

Cezanne

TEMA 2. EL CUADRO Y LA REPRESENTACIÓN: EL CUBISMO

Es una experiencia nueva que desborda los planteamientos clásicos de representación, de los que cuestiona su valor y su vigencia. Se desarrolla fundamentalmente entre 1.907 – 1.914 y es consecuencia de una experimentación lenta y minuciosa de Picasso y Braque, a los que se unen posteriormente Lèger y Juan Gris. Se establece desde la intuición y fue el movimiento más renovador de su tiempo. El precursor más importante es Cézanne.

1. Introducción

Características principales Se rompe la visión de la representación monofocal.

Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético, con una nueva relación entre el espectador y la obra de arte, ya que este debe reconstruirla en su mente.

Los objetos son vistos desde diferentes puntos de vista: perspectiva múltiple.

Desaparecen las gradaciones de luz y sombra. Las formas geométricas invaden las composiciones,

traduciéndose las formas de la naturaleza en simplificaciones: cubos, cilindros, esferas…

No cruzan el umbral del abstracto, permanecen en la figuración.

Los temas principales son los retratos y las naturalezas muertas.

Picasso nace en Málaga en 1.881, y vive en Barcelona y posteriormente en París, donde realiza su formación y decide vivir. En su primera época se distinguen estas dos etapas, en las que hay una preocupación por el color.

a) Azul: (1901 – 1904)

- Junto al color, integra el valor de la forma y el dibujo, con un componente de clasicismo estilizado.

- Hay un sentimiento pesimista y melancólico de la existencia. - Obras:

Maternidad: 1901 (2) Mujer acurrucada: 1902 La vida: 1903 (4) Madre con niño enfermo: 1904 (3)

b) Rosa: (1904 – 1906)

- Se justifica el cambio de color por el cambio de temática, que pasa

a ser mayoritariamente el circo. - Obras:

La familia de acróbatas: 1905 Arlequín sentado: 1905 (5) Mujer en camisa: 1905 (1)

1 2 3

4 5

2. Picasso azul. Picasso rosa

Siente una fuerte inclinación por el arte negro e ibérico, y hace una

interpretación del arte de las culturas primitivas. También se interesa por la escultura egipcia y gótica.

Manifiesta una reducción de la intensidad del color y una radical simplificación de las formas y los volúmenes.

Obras: Retrato de Gertrude Stein: 1906 Autorretrato con paleta: 1906 (7) Mujeres desnudas abrazadas: 1906 Les demoiselles d’Avignon: 1906 -1907 (6)

Este cuadro marca el inicio del cubismo. Supone una ruptura consciente y coherente con el sistema de representación tradicional, a la vez que una recuperación de la forma. Es una composición en torno al desnudo, con influencias iberas, egipcias y primitivas. Introduce la simultaneidad de la visión.

6 7

3. Picasso negro

- Redescubrimiento de Cézanne y el valor de la forma en detrimento del color. - La forma, el orden y la geometría se convierten en el nuevo fundamento de la

pintura, eliminando el valor supremo del color. - Hay una “arquitectura de paisaje”, que presenta los 3 componentes decisivos

del cubismo: Reducción del color. Primacía de la forma Abandono del sistema de perspectiva monofocal.

- Se plantea un nuevo lenguaje plástico: EL CUBISMO PICASSO Obras:

Frutas y copas: 1908 Paisaje de Horta d’Ebre, Fábrica, Mujer sentada: 1909 (9) Mujer con mandolina, Retrato de Ambroise Vollard, Retrato de Daniel –

Henry Kahweiler: 1910 El acordeonista: 1911 (aquí se acentúa el grado de abstracción que aparece en

las obras de 1910). Naturaleza muerta con silla de paja: 1912, que constituye el primer collage.

(10) Violín y frutero: 1913 Mujer con guitarra, El jugador de cartas: 1914

En un momento determinado se plantea el abandono del cubismo y la necesidad de un cambio radical en su pintura. Hay un retorno al orden con recuperación de formas y modelos clásicos.

Dos mujeres desnudas: 1920 Mujer y niño: 1922 Arlequín: 1923

BRAQUE En los primeros años utiliza una trama discontinua de líneas y pinceladas que parecen aplanar el objeto contra el lienzo. También abunda en las composiciones en forma oval.

Violín y vasija, Violín y paleta: 1910 Hombre con violín: 1911 Composición del as de trébol: 1913 (8)

4. Picasso y Braque: la forma y la representación

8 9 El portugués. Braque

10

En las obras de los dos pintores se puede apreciar: Hay una visión de la realidad captada desde múltiples puntos de vista. Hasta 1912 el problema del color es secundario y utilizan una paleta reducida. Distanciamiento de la naturaleza identificable y alejándose de su apariencia,

proceso que camina hacia la abstracción, aunque ambos son de decidida voluntad figurativa.

Introducen nuevos componentes en la pintura (“fragmentos de realidad”), objetos que se integran en el cuadro y confirman su condición de obra figurativa: COLLAGES.

Collages: - Se incorporan objetos planos de la realidad, que se descontextualizan y alteran su

función. - Se introduce en la pintura el objeto representado, lo que proporciona la referencia

de una realidad concreta. - Con frecuencia son letras, números, fragmentos o títulos de periódicos.

Intenta estructurar y sistematizar el cubismo, ya que considera el orden fundamental en el cuadro.

Tiene una concepción de la imagen legible e identificable, y quiere devolver a la pintura su condición académica, por lo que intenta la creación de un lenguaje que se convierta en el Estilo Moderno.

Manifiesta preocupación por la disparidad de la pintura moderna. Tiene una gama más rica de colores. Obras:

El fumador: 1913 (11) Guitarra delante del mar: 1925 (12)

11 J. Gris The man in the cafe

12

5. Juan Gris y el orden de la pintura. (1887 – 1927)

El Cubismo, que comienza como una marcha en solitario de Picasso y Braque, se convierte en un movimiento con un número importante de seguidores, entre los que se encuentran: Metzinger, Gleices, Laurencin, Lèger, Picabia, Duchamp, Delaunay, Duchamp-Villon.

6. El Cubismo de experiencia a lenguaje.

- Metzinger: escribe el primer escrito teórico, y realiza una geometrización rítmica.

- Delaunay: lleva el cubismo a los límites de la abstracción.

La serie de la Torre Eiffel: a partir de 1910 (13)

- Duchamp: inquietudes futuristas del movimiento. Desnudo bajando una escalera nº 2: 1912 (14)

- F. Lèger: el cubismo es su punto de partida, aunque permanecen los volúmenes con

un cierto sentido naif. Destaca la belleza de los objetos mecánicos. Contraste de formas: 1913 La partida de naipes: 1917 El almuerzo: 1921 (15) Mujeres en un interior: 1922

13 14 15

Otto Wagner (1.841 – 1.918) Es el máximo exponente de la Sezession y pionero del movimiento moderno. En sus obras se aprecia una intensa depuración formal y decorativa, vinculada a los elementos industrializados.

Plantean una acción rebelde y escandalosa con una fe ciega en el progreso, la técnica y la velocidad, lo que se traduce en un arte dinámico, veloz, de captación y exaltación febril del movimiento y de la acción, con un cierto amor a la violencia.

Es la primera tendencia de vanguardia italiana, que aparece en un marco de arraigado conservadurismo artístico.

Sus proclamas son precursoras del fascismo, ya que no es solamente un movimiento plástico, sino también político, ético y social. Marinetti publica en 1909 el Primer Manifiesto Futurista.

Interrumpe con gran fuerza, escándalo, proclamaciones ostentosas y provocadoras, con una intensa actividad de propaganda que traspasa los usos artísticos habituales.

Se produce la identificación de la vanguardia artística y política, junto a una repulsa de la tradición y un odio político al pasado.

En la parte plástica, la representación de los distintos estados de la figura en movimiento.

Los representantes más importantes de este movimiento: - Carlo Carra: Jinete rojo, 1913, con simultaneidad de visiones. (16) - Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con correa, 1912. - Gino Severini: Bailarina en azul, 1912. - Humberto Boccioni.: Fuerzas en la calle, Estados de la mente II, 1911.

16 Boccioni. El ciclista

G. Balla. Lampada ad arco

7. El Futurismo italiano: la rebeldía de lo veloz.

8. Figura y espacio de la escultura.

Sigue una trayectoria independiente, interrelaciona con el cubismo y l a renovación se produce por acciones individuales y experiencias en solitario. Aportaciones innovadoras realizan Duchamp-Villon con “El ocaballo” en 1914, Laurens o Lipchitz.

C. BRANCUSI: 1876 – 1957 Es el gran renovador. Simplifica y reduce las formas, mostrando una atracción por la escultura negra. Tratamiento de la superficie con lisura extrema. Obras:

Musa dormida: 1910 (17) La Maiasta: 1912 Comienzo del mundo: 1924

H. BOCCIONI

Representante del futurismo y de la figura en movimiento. Obras:

Desenvolvimiento de una botella en el espacio: 1912 Línea única de la continuidad en el espacio: 1913 (18)

P. GARGALLO: 1881 – 1935

Experimenta con el metal: Greta Garbo, 1930. El profeta: 1933 J. GONZÁLEZ: 1876 – 1942 Nuevas técnicas y materiales: hierro, soldaduras autógenas, piezas unidas y articuladas. Obras:

Hombre cacto: 1933 La Montserrat: 1936

17 18 J. González. Montserrat gritando

BIBLIOGRAFÍA: El Arte Del Siglo XX. Mª Dolores Antigüedad et alts. Editorial Ramón Areces. ESQUEMA REALIZADO POR: Luz Lapuerta Diego. Centro Asociado Talavera de La Reina. FOTOS: http://www. De distintas páginas.es

Der Blaue Reiter, integra en Munich las fuerzas artísticas renovadoras, con heterogeneidad de tendencias y planteamientos. Surge en enero de 1909 con artistas como Jaulenski, Kandinsky, Kubin, Werefkin o Münter, a los que se une F. Marc en 1911. En 1911 realizan la primera exposición, y en la del año siguiente, 1912, se une Die Brücke. En los años 1911 – 12 realizan la edición de un almanaque dirigido por Kandinsky y Marc, en el que también participan Macke, Klee, Münter o Kubin. Kandinsky: es el principal teórico del movimiento. F. Marc: expresionista, intenso colorido, dibujo y composiciones esquemáticas, aunque posteriormente evoluciona a la abstracción. Macke: sintetiza el color de los fauvistas y expresionistas y realiza una construcción de la forma derivada de Cézanne. La duración de Der Blaue Reiter fue corta, quedando disuelto en 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial.

R. Marc Kandinsky

9. La unidad de la vanguardia: Der Blaue Reiter.

TEMA IV. ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN

2.- ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN.

Pintura y escultura abstracta son aquellas que no existe ningún elemento que pueda ser representación o alusión figurativa en la realidad. No será abstracta una obra que parte de presupuestos figurativos para llegar a límites abstractos.

.Arte abstracto , ¿ podría ser la tendencia definidora del arte del Siglo XX ( según algunos críticos )?. Abstracción. Primera década del siglo XX, por los distintos movimientos de vanguardia. El cuadro se convierte en una imagen a perspectiva. Cubo pictórico. Sustituido por el cuadro – objeto. Irrupción de un fenómeno que se ha desarrollado a través de diversas tendencias. Abstracción es un fenómeno que surgió paralelamente al

desarrollo de la crítica formalista. . También han señalado que las formas abstractas han existido en el

arte con anterioridad. Formas decorativas =ornamento . Carecen de autonomía al ser incorporadas a otro objeto con una

función ornamental y no como formas válidas en si mismas. Arte Abstracto = Primeras realizaciones en 1910. Obras que representan analogías en la abstracción de Turner,

de Monet, aunque tampoco tienen que ver demasiado con ella.

1. INTRODUCCIÓN.

2011 se cumple un siglo de la aparición de la abstracción

ARTISTAS ABSTRACTOS: Kandinsky, Kupka, Delaunay, Mondrian ( ámbito de la representación

con una primera etapa figurativa ). Kandinsky.Aportaciones del Fauvismo y Expresionismo. Kupka. Ilustraciones y pintura postimpresionista. Delaunay. Inclinación inicial por el Cubismo Predominio de la mancha

del color. Mondrian. Figurativa, Cubista, Cubismo abstracto.

PRIMERAS OBRAS ABSTRACTAS:

Inicios figurativos.

Kandinsky con su exaltación del color en pinturas iniciales. Delaunay.

Mondrian obras de influencia postimpresionista como “ Molino al sol “ , y otras como “ Naturaleza muerta de Jengibre “, y “ Composición Oval “.

Kandinsky: “ Los ataques que este arte ha tenido que sufrir constantemente ( ataques a menudo rencorosos son la mejor prueba de su vitalidad y de su importancia “.

Paul Klee. 1879 – 1940. Figurativo y abstracto de forma simultánea. Preocupación teórica. Pintura personal independiente de corrientes. Participa en exposiciones de Der Blaue Reiter Se sitúaba ante el arte con la mentalidad de un primitivo desvinculado de los azares de la historia del arte, del pensamiento y de la cultura. Acudir al arte para crear lo visible. “ La Montaña dell gato “ pintura realizada por un niño o unos cuadros mágicos. “ Harmonía en azul = naranja “

Confusión entre los límites de la abstracción y de la figuración. Público que rechaza la abstracción. Títulos de obras, nombre para identificarlas y diferenciarlas. Los artistas abstractos rechazan la representación, expresión del mundo en que vive el artista. Ausencia de representación.

P. Mondrian Composición Oval

3 KANDINSKY Y LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN. LA APORTACIÓN DE DELAUNAY Y KUPKA.

ROBERT DELAUNAY ( 1885 – 1914 ). Se Inició en la pintura muy joven bajo la influencia de Gaugin. . Atracción por el color.

Cezanne. Cubismo a partir de 1908 “ Tres pinturas de la Torre Eiffel “ , muestran un cubismo cromático y libre donde dará paso a

sus obras abstractas. A base de composiciones de discos de color “ Disco simultáneo “. Descomposición del objeto y de la pintura como expresión de simultaneidad. 1911 y 1914descomposición de la luz. 1908 y 1909 siente inquietudes muy distintas de la descomposición y representación simultánea

de los objetos. Estudió las teorías del físico Chevreul y preocuparse por el problema de la descomposición de la luz y una nueva realidad.

KANDINSKY

1910. Crea su primera acuarela abstracta, 1914 estalla la Primera Guerra Mundial. . Primer ensayo de supresión de la representación.

Suma de toques de pintura de carácter expresivo que sigue un proceso técnico inexistente. Su primer libro. “ De lo espiritual en el Arte “ , se publicó en 1911. Pintura de Kandinsky . Paso de la figuración a la abstracción siguió un proceso lógico Obras “ Boceto para Composición II “; “ Composición VII”; “ Con mancha roja”; “ Mancha

roja “. Abstracción como expresión de manchas, líneas y colores que responden a una “ necesidad interior “.

Años 20, la pintura experimentó un cambio radical. Abstracción realizada a base de combinaciones de forma geométricas. “ Composición VIII “ ( ordenación de expresividad anterior ) ; “ Mensaje íntimo “; “ Punto y línea en el plano “ ( obra teórica de Kandinsky en 1926 ).

Primera Acuerela Abstracta. Composición

VII

KUPKA , FRANK ( 1871 – 1957 ) Obras no figurativas como “ colocación en verticales “. Kupka estudió en Praga y en Viena trasladándose a París. Orienta a lograr un efecto lírico sin abandonar el orden que logra con la combinación geométrica de las formas. Obras de gran complejidad plástica

4. PIET MONDRIAN Y EL NEOPLASTICISMO.

Obra es en realidad una imagen arquitectónica de la pintura o una pintura arquitectónica. No llegó a realizar ni un solo plano. Pintura arquitectónica de Mondrian surge sin ningún fin de utilidad, plástica pura. Invetigación de las combinaciones. Juegos de la geometría llevados con paciencia y constancia. Academia de Amsterdam, pintura postimpresionista ( Van Gogh ), . Preocupación por el orden de la geometría y combinación de líneas verticales y horizontales. Crea el Movimiento De Stijl donde ha publicado diversos artículos. Parte de un principio de

reducción de los componentes de la pintura, simplificación y presencia de líneas verticales y horizontales.

Practicar la pintura y experimentar de una forma constante. Cuadros formados del color. Los tonos alteran la significación de un cuadro y un color.

Composiciones profundamente meditadas. Elemento modulador y ordenador del espacio, de proporciones, de estructura y composición. “ Composición Azul “ 1917. Composición a base de rectángulos. “ Composición, trazos negros sobre fondo blanco “ estructura a base de líneas gruesas horizontales y

verticales. Abstracción neoplástica “ Composición rojo, amarillo, negro “. 1921 Rectángulos, colores planos, armadura que lo ordena

5. LA ABSTRACCIÓN RUSA.MALEVICT. EL CONSTRUCTIVISMO RUSO.

Cauces estrictamente formales e independientes de problemas políticos e ideológicos. Rusia, tras la Revolución de Octubre. Abstracción se integró en movimientos ideológicos de la Revolución. Revolución = Imponer orden social. Antes de la Revolución se produjo un arte de vanguardia de contactos que los artistas mantuvieron con París. Arte de Vanguardia radical. Pero no fue así. 1909 revolución. Michale Larionov ( 1881 – 1962 ). Proceso hacia el “ Rayonismo “ t tendencia basada en el juego expresivo de líneas, síntesis del Cubismo, Orfismo y Futurismo. “ La Diana “ ; “ Composición rayonista, dominio del rojo “. KAZIMIR MALEVICHT ( 1878 – 1935 ). Experiencia Cubista. “Última Exposición futurista 0.10 “ treinta y nueve obras abstractas.

Su abstracción llega a una esencialidad límite y extrema. En el cita do texto. Cubismo al Suprematismo . Malevicht afirma que el Suprematismo es el redescubrimiento del arte puro. “ Cuadrado negro sobre un fondo blanco “ 1914 – 1915, demostración de carácter simplificador de la geometría y de la pintura. Su arte tenía una cuarta dimensión. Inicio y definición de la abstracción geométrica. Mayoría de las realizaciones de los pintores que iniciaban su camino a la abstracción. Principios iniciales. Contradicciones que arranacarán los constructivistas. Suprematistas = Malevicht. Nueva tendencia que haría su irrupción en 1921. “ “EL CONSTRUCTIVISMO “ . Deriva de las realizaciones de VLADIMIR TATLIN 1885 – 1953 ). Intersección de planos , objeto artístico tridimensional. .Desarrollo del Constructivismo, paralelismos entre Vanguardia artística y vanguardia política. Nueva sociedad y nuevo orden político = Arte revolucionario, innovador, y renovador en clara ruptura con las creaciones del pasado.

“ Monumento a la II Internacional “ de Tatlin , maqueta se exhibió en Petrogrado y Moscú. 5 metros de altura pero su monumento real quería que superase a la Torre Eiffel. . Tecnología como referencia al Progreso. Obras de ingienería. Hierro utiliza a través de una articulación construida de piezas. Rompe con las técnicas del esculpido, modelado y escultura. Piezas implantadas en el espacio que no hay delante ni detrás, formada por una conjunción de partes que no existe jerarquía. Infinitud de puntos de vista. La obra se transforma y se hace independiente.

ANTÓN PEVSNER ( 1888- 1962 ). NAUM GABO . Representantes más coherentes de esta

tendenc ia “ Manifiesto realista de 1920 “. Nueva idea del dinamismo en la obra de arte de acorde con la época. Realizar una escultura integrada en el espacio urbano de la ciudad con el fin de integrarlo en la vida. “ Construción. Superficie desarrollable. “.

Este concepto de arte proponía unas posibilidades de actuación en el ámbito de la vida, de introducir el arte en la existencia, de humanizar la mecanización y llegar a toda la sociedad

Eliminando la masa, el volumen compacto de la escultura e introduciendo en e espacio objetos construidos.

Idea del movimiento marcó el ideal de los futuristas. Proyección en el espacio del objeto escultórico y la rutura con el punto jerárquico preferente lo que creará una nueva relación dinámica entre la escultura y el espacio.

Norteamérica. ALEXANDER CALDER ( 1898 – 1976 ) creador de la escultura móvil o piezas de esculturas con la posibilidad de movimiento real en el espacio.

Escultura abierta en la que las imágenes espaciales de la pieza se multiplican con su movimiento y los infinitos puntos de vista del espectador.

6. ARTE Y POLÍTICA: REALISMO Y COMPROMISO..

Entusiasmo revolucionario por la vanguardia fue breve. Kandinsky y Pevsner, se desengañaron y marcharon de Rusia. Corriente Oficialista impuesta desde el Estado., difundir y reforar la ideología. “ Arte Oficial de la URSS “ hasta la desaparición del régimen comunista. Vanguardia = reproche = carácter hermético, condición estética y carente de contenidos

ideológicos. 1932. Stalin. “ “ Decreto sobre la Reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas “.

Imposición.. Control político del Estado. . Asociaciones de artistas. Muchos eran contrarios a la Vanguardia.

La Vanguardia tenía un carácter contestario El arte debe de ser comprensible al pueblo, desarrollar ideas de la revolución y narrar hechos

históricos y su proyección en el mundo social.

SERGI GERASIMOV, VLADIMIR SEROV integrados en esta corriente fueron portavoces de este arte de Estado.

REALISMO Matización . Relacionados con la política no se hace referencia a una tendencia concreta, desarrollo comprometido con la política. Lenguaje e ideología. Carácter figurativo. Narrativo. Literario. Son corrientes políticas, ideológicas, al servicio del poder.

ALEMANIA. Régimen Nazi. Arte de Estado. ARTE HEROICO y controlar la producción artística, persiguiendo el arte de vanguardia ( arte degenerado ).Temas propios del Realismo social basada en la exaltación academicista de un costumbrismo trasnochado.

Regímenes totalitarios , arte comprometido con la realidad concreta, comportamiento antimoderno. BEN SHAN. Pintor norteamericano de origen Ruso. “ La partida de pelota de Mano “ crítica social como la serie de “ guaches “

MÉXICO.

DIEGO RIVERA ( 1886 – 1957 ) fue el primer pintor que ejecutó , una pintura mural en

México de carácter social. Madrid. París. “ Creación “ en el Anfiteatro Bolivar de la Universidad. Pintura nacional de carácter autóctono

desentendida de las modas. Criterio revolucionario , Formas sencillas y simplificadas que parecen derivar de un

primitivismo indígena.

JOSÉ CLEMETE OROZCO ( 1883- 1949 ) pintura mejicana. Muralista. Arte didáctico y como lenguaje de la Revolución y como medio de explicarla. Seguía a ilustradores Mejicanos. Mural utilizado como medio de comunicación.

DAVID ALFARO ( 1896 – 1974 ) Concepción monumental y profundamente expresiva. Realismo comporta el desarrollo del espíritu revolucionario planteado desde un lenguaje conmovedor. “ Los Elementos “ su primer mural. 1922. Barroquismo exacerbado.

EUROPA Repercusión de la realidad social y política del momento. Dadaísmo. Arte de acentúada crítica social. PINTORES DE LA NUEVA OBJETIVIDAD . surge en los años veinte, disolución por los

Nazis. OTTO DIX Y GEORG GROSZ . Representación distorsiona la imagen de lo real para acentuar los contenidos críticos de la pintura. Gran Inquietud. Desasosiego. OTTO DIX : Sylvia von Harden . Denuncia, el estado de una sociedad en crisis, inseguridad, angustia, duda. GROSZ , artista comprometido contra las instancias del poder. Militares, banqueros, burgueses, capitalistas y Clero son criticados. Crisis social y económica después de la Primera Guerra Mundial. “ Los Pilares del País “1926. Acentúa los elementos expresivos hasta la caricatura logrando expresividad ágil.

PICASSO

Renovación, vitalidad, versatilidad de su lenguaje.

“ El Guernica “ ( Reina Sofía ) . Lenguaje expresivo. Un cuadro para el Pabellón de la República española en la Exposición Internacional de París en 1937. El Gobierno le encargó a Picasso un cuadro para el Pabellón. El tema le fue sugerido por el bombardeo de la aviación alemana sobre Guernica. Picasso realizó dibujos preparatorios el 1 de mayo de ese año. Reportaje fotográfico por Dora Maar. Cuadro de grandes dimensiones. Intencionada reducción de colores a blanco, negro y gris. Interpretaciones. No introdujo el acontecimiento. Plasmó la crítica de la muerte del inocente.

Caballo agonizando. Madre con el niño que se halla a la izquierda ( “ piedad “ ), figura del

guerrero muerto del primer término. Edificio de la izquierda envuelto en llamas, derecha a izquierda con una antorcha y arrastrándose. El toro de la izquierda aparece mirando al espectador. Pintor narrador.

En el pabellón aparecieron figuras de Miró, de Alberto Sánchez, de Calder, o Julio

Gónzalez compromiso de la República con la modernidad y de los artistas con la situación dramática de la guerra Civil.

Diego Rivera. Los Yernos

J. C Orozco “ Los Zapatistas “.

D.A Siqueiros “ Eco de um grito “. Picasso. “ El Guernica “.

BIBLIOGRAFÍA: .- Serrano De Haro Soriano, Amparo ; Antigüedad, Mª Dolores ; Nieto, V ; EL ARTE DEL SIGLO XX.METAMORFOSIS DEL ARTE . MADRID (2010) Ed. Ramón Areces. .- Argan, Giulio Carlo ; EL ARTE MODERNO: DEL LUMINISMO A LOS MOVIMIENTOS CONTEMPORÁNEOS (2ª) EDICIONES AKAL, S.A ESQUEMA REALIZADO POR: ELIA RODRÍGUEZ MONTERO Centro Asociado A CORUÑA FOTOS: http://www.artehistoria.com Google Imágenes.

Desnudo bajando una escalera

Rueda de bicicleta

TEMA 5. DADAÍSMO Y SURREALISMO: Una estética de contradicción.

1.1 Introducción Dada, una doble afirmación que desemboca en negación. Nació en Zurich en 1915 en plena guerra mundial. En el Café Voltaire de la

mano del poeta Hugo Ball y su esposa, a quienes se unió el poeta Tristán Tzará. Sus veladas se caracterizaron por su provocación y aunque hubo de cerrar, el germen dada ya existía. Por su carácter nihilista y rupturista, se llamaban antiartísticos. Los siete manifiestos dada fueron escritos por Tzará y en ellos dejó claro que dada no significa nada.

1.2 La rebelión de las palabras y de las obras Los artistas se sienten traicionados por las palabras “los bellos paisajes, los

bellos ideales” ante la pesadilla de la Guerra Mundial. Marcel Duchamp (1887-1968) Frente al rey blanco de la modernidad representado por Pablo Picasso, está

Duchamps como el rey negro. Frente al protagonismo del primero, él lanza propuestas de distinto signo y cada artista sigue su camino. Sus principios se inscriben en el Cubismo. La primera obra que le da más renombre: Desnudo bajando la escalera, junta cubismo y Dada. El extraño aspecto mecánico del maniquí que baja la escalera como análisis del movimiento o, como burla del afán cubista por desmenuzar la vida en piezas. La ambigüedad es en Duchamp un enigma siempre abierto. Sus “ready-made” u objeto manufacturado que introduce en el terreno sagrado del arte con el doble propósito de burlarse de esa tradición y reivindicar la belleza oculta de esos objetos: Rueda de Bicicleta, Botellero, como máquinas estériles. La burla grosera en la Gioconda con bigotes y el título LHOOQ. Su gran obra “La novia puesta al desnudo por los solteros…” llamado el Gran Vidrio, dos superficies de vidrio que representan a la novia de blanco en la parte superior y a los solteros en la inferior con el deseo de desnudarla. En ella reúne la temática sexual típica de los Surrealistas, con la iconografía maquinista del Dadaísmo.

1. Dadaísmo o el camarote artístico de lo absurdo

1.3 Invenciones dadaístas El Dadaísmo no es sólo Duchamp, sino muchas propuestas artísticas que desde Zurich se extienden por Europa: Berlín, Colonia, Hannover, París, llegando a Nueva York. “Invenciones dadaístas” más importantes y su repercusión. Cabaret: Ball y Tzara sacuden la ordenada ciudad de Zurich con extrañas actuaciones teatrales, con poemas… es el principio del teatro del absurdo, del happening. Según Ball lo que hacían era celebrar al mismo tiempo una bufonada y un oficio de difuntos. Manifiesto-visual: la expresión de las ideas Dada, se transmiten gráficamente mediante publicaciones literarias, carteles, invitaciones. Ellos separan la forma y contenido de las palabras, prevaleciendo la intención visual no sometida al texto. Así mezclan distintos tipos de letra y tamaños, escriben de derecha a izquierda, de abajo-arriba. Aunque no se entendiese nada, el impacto visual atraía inmediatamente al público. Ready-made: la intervención del artista es mínima. Lo difícil es el máximo cambio de significado con el mínimo de intervención. Otros pueden ser verdaderos collages, puzzles que buscan sorprender sin excluir el humor. Fotomontaje: Es la deconstrucción de la unidad estilística del cuadro o poema tradicional, mediante la inserción de recortes de periódico y carteles en dibujos, pinturas o acuarelas. Grosz, Haussmann y Hoch, han destacado en los fotomontajes cada uno en su estilo. La estrategia es mezclar elementos de la alta y baja cultura. Insertar objetos cotidianos, prefabricados, al ámbito simbólico de la creación visual. Rayogramas y schadografías: Surge de una antigua técnica usada por los botánicos del XIX, que consiste en exponer al sol objetos sobre papel fotosensible. Ray y Schad realizaron interesantes obras experimentales, dándole el nombre de sus apellidos. Schad, objetos pequeños de material textil traspuesto al papel; Ray, composición más sofisticada tanto en la composición como en la graduación de luz, dominio técnico mayor.

Picabia.Parade Amoureuse.1917

Perro a la luz de la luna Joan Miró

El enigma sin fin 1938 Salvador Dalí

Europa después de la lluvia. 1942. Marx Ernst

2.1 Introducción: una herencia problemática La asociación Dadaísmo y Surrealismo es más contextual que estructural. Ambos están en contra del discurso

oficial clasista y nacionalista. Las creaciones de dadaístas y surrealistas, están destinadas a destruir las convenciones culturales y sociales y por eso son piedra de escándalo. Pero, mientras los primeros denuncian y ridiculizan, los surrealistas aspiran a crear un nuevo humanismo reconciliando los aspectos racionales e irracionales del hombre por necesarios. Coinciden en la prevalencia de la idea frente a la forma. Y por último hay una transferencia de integrantes dadaístas en el Surrealismo: Tzara, Breton, Max Ernst, Hans Arp, Duchamp, Picabia, Ray… Ambos movimientos reafirmaron la importancia del azar, aunque para los surrealistas es una vía mágica y mística que permite al inconsciente humano llegar a conseguir sus deseos.

El Surrealismo fue visto como algo incómodo en las vanguardias, por el aspecto figurativo, el uso del simbolismo de la muerte unido al componente sexual y el obsesivo tratamiento de la mujer como objeto.

Fue la última de las vanguardias, el último producto europeo en las artes plásticas. Tras la Segunda Guerra Mundial y el declive europeo lo arrinconan, aunque será el núcleo tanto de la Escuela (pictórica) de Nueva York como del realismo mágico de la literatura hispano-americana.

2.2 Características surrealistas Intenta enlazar psicoanálisis y comunismo, algo difícil de combinar. La figura de André Breton con su

Manifiesto Surrealista, intenta de forma autoritaria mantener el movimiento cohesionado. Se reprocha al Surrealismo que no es posible unir lo inconsciente y la disciplina artística. Sus técnicas artísticas como la libre asociación, el azar y la búsqueda de lo maravilloso, sugieren un artista más como técnico que como un creador.

1.4 Dada y la imagen Artistas como Picabia, Duchamp o Max Ernst mediante violentas

asociaciones, crean paralelismos entre aparatos mecánicos y figuras humanas, para señalar el aspecto maquinal del hombre que por seguir las normas alienan su autonomía convirtiéndolo en títere de su propia vida. También critican el optimismo técnico, ya que saca lo peor del ser humano, destruye y mata en mayor número, algo patente en la Primera Guerra Mundial.

Experimentan con el arte abstracto. La obra de Hans Arp y Sophie Tauber, ejemplo de un arte que busca sus raíces en la naturaleza pero sin copiar sino captando su sentido espiritual. Es la sintonía creativa en una pareja de artistas: riqueza de formas abstractas y utilización de materiales inusuales que define su arte más puramente dadaísta de los años 20.

2. SURREALISMO: LA PINTURA ENTRE EL AMOR Y LA MUERTE

Carnaval del Arlequín

2.3 Cronología: Evolución de la imagen surrealista El surrealismo procede del dadaísmo, pero intenta transformar lo negativo de éste en algo positivo. Se apoya en el inconsciente (psicoanálisis Freud) y en la revolución rusa. Pero ni Freud quiso saber nada de ellos ni el espíritu crítico de los artistas casaba con el comunismo. Sin embargo la estética surrealista como conjunto de diversos elementos artísticos, literarios y sociales, funcionó. Empezó como fenómeno poético que desemboca en la pintura, fotografía, cine. Surge como oposición al cartesianismo, ya en crisis. Es la exaltación del arte como obra del inconsciente y, que junto a subjetividad, individualismo y libertad, seran los pilares de la modernidad. Hay tres momentos claves en su desarrollo.

1. En 1919 son experiencias que van desde la hipnosis a juegos sicológicos colectivos, es la época de los sueños, influida por Giorgio de Chirico.

2. Marx Ernst se hace con el liderazgo, mediante el collage da vida a imágenes en que los tópicos son asaltados por fantasmas de lo inapropiado, el deseo sexual y la razón dentro de una poética de lo extraño y la sinrazón.

3. A partir de 1925 cambia tanto la obra de Ernst como la pintura surrealista. Dos tendencias, el automatismo como un arte semi abstracto y otro que representa sueños y visiones fantásticas. Las técnicas que se emplean son el grattage, frottage, fumage,decocalcomanía, dando lugar al surrealismo abstracto: Ernst, Masson, Joan Miró. La otra tendencia sería figurativa, basada en la representación de sueños, visiones: René Magritte, Frida Kahlo, Paul Delvaux y Dalí. Será la tendencia más conocida y oscurecerá el abstracto en los 30.

Surrealismo abstracto. André Masson y el automatismo libre de la mano, para llegar a crear una imagen. Ha de ser muy rápido para que la creación interior y lo que se hace se correspondan lo más fielmente posible. Joan Miró, se inicia en Barcelona, viaja a París, pintura figurativa, sentido del color primario, amor por lo primitivo (paisaje mediterráneo), se alía con el simbolismo surrealista: La masía, La mesa del guante. En 1925 evoluciona hacia un mundo inconsciente, muy personal y mágico: El carnaval de Arlequín, El nacimiento del mundo. En las que se hace alusión a un espacio abstracto e infinito con una serie de criaturas muy pequeñas, que posteriormente sustituirá por menos figuras y más grandes. Un rasgo(mano, pie) por el todo (hombre) junto con otros elementos de significados más abiertos. El nacimiento del mundo le franquea las puertas del grupo surrealista. Por lo sugerente de su obra era el favorito de los poetas, especialmente de Louis Aragón

De entre todos los artistas de la tendencia figurativa y de los sueños, nos centraremos en Dalí y Magritte.

René Magritte tiene en sus comienzos una obra ligada a la ilustración popular: carteles, anuncios, papeles pintados. Su estilo es límpido y simplificador, pero proponiendo interrogantes. Su surrealismo es intelectual: el sentido del lenguaje de la palabra y el de la imagen: “Esto no es una pipa” dice debajo de un dibujo de una pipa. Quiere decir que no es una pipa sino la imagen de una pipa. O de la idea de pipa y la realidad de una verdadera pipa. En su obra está presente el trayecto entre la representación de las cosas y su realidad. En “La violación” un rostro de mujer es reemplazado por su cuerpo desnudo: une cuerpo y rostro en una imagen que es de ambos y de ninguno al mismo tiempo. Alude quizá a la consideración de la mujer como objeto sexual sin ver su riqueza como persona.

La obra surrealista de Dalí empieza en los años 30, cuando se integra en el grupo surrealista y conoce a Gala Eluard convertida después en su musa y compañera.

Dalí propone su propio método asociativo: la paranoia. Es la visión de alguien cuya obsesión es la perspectiva desde la que se construye su obra.

Logra una obra simbólica que juega con el doble sentido, doble imagen, trampantojo, amor y muerte, paisaje y objetos, la belleza de siempre y el asco. También la yuxtaposición de su formas blandas (decadencia, muerte) junto a lo rígido de acantilados, estatuas, piedras, esqueletos, que aluden a lo eterno.

En este sistema daliniano se enmarcan “el hombre invisible” o “el enigma de Hitler” con imágenes dobles o fragmentadas que se construyen (anamorfosis) frente a la mirada del espectador.

Breton lo expulsa del grupo surrealista en 1934 por su postura política conservadora y su afán de protagonismo.

En Nueva York evoluciona, se centra en la construcción de su propio personaje por encima de la obra. Se convierte en una marca registrada.

A partir de los 50 se instala en España y con su loa al franquismo, ofrece un arte tradicional y una vida extravagante.

El elefante de las Célebes. Marx Ernst

Bodegón loro y frutas. Frida Kahlo

Remedios Varo,Creación de los pájaros Bibliografía: ANTIGÜEDAD,MªDolores,NIETO,Victor y SERRANO DE HARO,Amparo,El arte del siglo XX,EURamónAreces,Madrid,2011 Imágenes extraidas de Imágenes Google y Wikipedia ESQUEMA REALIZADO POR: Carmina Magdaleno Florentín CENTRO ASOCIADO DE ELCHE

2.4 Temas: Meditación en torno a un secreto

En torno al núcleo surrealista se mueven un gran número de artistas, hombres y mujeres de fuerte personalidad que adaptan el Surrealismo a lo aquello que les interesa desde un punto de vista personal. Análisis de los distintos géneros.

Autorretratos como animales. El recurso al simbolismo animal como referencia cultural que

ha pervivido en el tiempo en el arte visual. El Surrealismo hace uso de este imaginario expresivo para dar cuenta de los instintos primitivos del hombre. El artista puede así ahondar en sus propios conflictos eludiendo la confesión directa (no en Frida Kahlo).

Señalar las preferencias de algunos artistas por determinados animales. Leonora Carrington se identifica en el caballo marcando semejanzas en la melena, deseo de libertad y la nobleza del animal; Picasso en el Toro; gatos y pájaros en la obra de Remedios Varo; Frida Kahlo se rodea de monos, pájaros y perros; en Dalí y Miró la obsesión por los insectos en el primero o de extraños signos de puntuación en el segundo. En artistas mujeres aparece la figura de la esfinge, como guardiana de su secreto, reflejando la situación de la mujer en el Surrealismo que es a la vez musa y artista.

Paisajes o espacios de ensoñación. Aunque las primeras obras de carácter surrealista serían las

calles vacías de De Chirico, para los surrealistas el paisaje es el imaginario, resultado de frottage, fumage (Marx Ernst) El ejemplo más notorio de abastracción y figuración entre sueño y realidad es el de Ives Tanguy. Paisaje abierto también es el de Kay Sage, el paisaje costero de Cadaqués que Dalí utiliza de fondo en sus cuadros de los treinta, señalar los curiosos paisajes sexuales de Ithell Colquhoun. El paisaje doméstico de Varo o Carrington como laberinto y símbolo del alma.

Para los fotógrafos surrealistas y los poetas (Breton) el paisaje es la ciudad, donde el azar guía al caminante. Siguen esta senda Man Ray, Henri Cartier Bresson , Dora Maar…

Naturalezas muertas o el Bodegón surrealista Lo que los dadaístas habían tomado para ridiculizar es puesto

en valor desde el Surrealismo. Ya Freud había analizado el valor simbólico de los objetos siempre en relación con la represión y la sexualidad.

En Desayuno con pieles de Meret Oppenheim se ve la tensión entre lo cotidiano, la taza, y lo salvaje, la piel, para reflejar el doble papel de las mujeres de entonces. En los numerosos bodegones de frutas de Frida Kahlo se puede ver de forma directa y exhuberante un canto a la vida, en sus colores, sabores, placeres.

También interesantes los bodegones dalinianos y su tensión entre lo perecedero o blando y lo eterno o duro, que retoman un tema típico del Barroco español, la vida y la muerte.

TEMA 6. LA ARQUITECTURA DESPUES DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

1. Introducción -Efectos en el desarrollo cultural y artístico de la segunda guerra mundial y como los marcos políticos condicionan dicho desarrollo en los diferentes países. -Proceso de cambio o trasvase cultural-geográfico (de Paris-Berlín a Nueva York-Chicago). -En Europa las labores de reconstrucción determinan el modelo arquitectónico, rompiendo principio atemporales modernos en aras de una funcionalidad y compromiso social. -Adecuación del lenguaje arquitectónico a las nuevas situaciones (Fragmentación y disolución del CIAM, figura de Le Corbusier…). -El movimiento moderno se convierte en patrimonio cultural internacional y aparece el Estilo Internacional con la exposición de N.Y de 1932, de clara simplificación y equilibrio volumétrico y progresiva simetría. Rechazado por rigorista y carente de señas de identidad. Su homogeneidad genera monotonía de barrios y ciudades construidas. -se produce una academización del movimiento moderno (sus arquitectos) y un diferentes propuestas en busca del éxito y la espectacularidad que los avances permiten. -Texto de Marchán Fiz sobre la sensibilidad postmoderna en torno a la fragmentación y el eclecticismo (fragmentos y simulacros en la reactualización del pasado).

2. La difusión del Estilo Internacional -Búsqueda de un Estilo Internacional sustancial al arte moderno (Hitchcock, Philip Johnson, Lewis Munford y el primer director de MOMA, Alfred Barr, exposición de 1932. -Características de la Arquitectura Moderna en el libro “The International Style: Architecture since 1922” de Hiitchcock y Johnson:

Edificio aislado Volumen puro modulo como patrón configurador del conjunto Con estructura portante de acero-hormigón revestida de vidrio (a veces) Uso de muros-cortina como único ornamento No precisa de simetría sino de yuxtaposición de módulos Uso de techos planos Arquitectos Gropius, Le Corbusier, Van der Rohe vs Wright o Neutra (posturas funcionalistas

diferentes) Ludwig Mies van der Rohe Director del Illinois Institute of Technology, antes había erigido el pabellón de Alemania en la Expo de Barcelona1929, verdadero manifiesto arquitectónico del Movimiento Moderno.

El pabellón era una síntesis de viviendas unifamiliares relacionadas por algunos con el Estilo de la Pradera de Wright y se caracterizaba por una sucesión de spacios de acusada horizontalidad, cubierta plana y planta abierta solo compartimentada por pilares y muros exentos, patio interior de mármol travertino y cristal (mobiliario-“sillón Barcelona”)

Richard Neutra Arquitecto austriaco formado con Adolf Loos, cuya obra la casa Kaufmann nos muestra una construcción adaptada a un medio desértico. Frente al rigorismo de Mies su criterio es el de atender al bienestar de los propietarios y asegurar las mejores condiciones bioclimáticas; configura una nueva clase de “casa de la pradera” en el uso de plantas libres, módulos yuxtapuestos y grandes ventanales, de cuidadoso tratamiento técnico. Neutra busca la comodidad de los habitantes para una vida mas saludable. Mies van der Rohe y su experiencia en Chicago con un uso casi preciosista de los materiales ofrecidos por la industria y sus constructores. Sustituye los soportes de sección cruciforme por las vigas de doble T. También los rascacielos de cristal con estructura reticulada cubierta con muros cortina. Ejs;

Apartamentos Lake Shor Drive de Chicago (1948-51); dos bloques contiguos sobre solar de diseño asimétrico con distribución simétrica de viviendas sobre planta cuadrada y con fachadas de malla reticular.

Edificios del campus IIT; reflejó estructura portante en las fachadas con edificio central (Crown Hall) de planteamiento monumental y clásico-Schinkel pero bajo ppios del Movimiento moderno

Edificio Seagram de N.Y de estructura de hacer que permite dejar varias plantas diáfanas y cerradas al exterior con piezas de cobre pavonado que ocultan la estructura, mármol pulido y cristales rosados. Renuncia a ocupar toda la parcela dejando espacio para contemplar la técnica moderna del edificio

Elementos cemento, hierro y cristal, nuevo clasicismo para la ciudad.

Frank Lloyd Wright

Mantiene su particular estilo y concepto utópico de lo urbano, frente a los bloques en altura de Le Corbusier, en su Broadacre City de su libro “The Disappearing” 1932. Se ve como utiliza elementos del estilo internacional (hormigón armado y cubiertas planas) pero adecuadas a la tradición americana con importancia de la diferenciación funcional y el transporte (utopia antiurbana). Otros ejemplos son sus oficinas para Johnson en Racine o el diseño helicoidal del Guggenheim para N.Y Louis I. Kahn Profesor de Yale y Pensilvania experimenta una metodología arquitectónica al contrario que Mies, dando a los materiales unas calidades específicas que convierten los centros de trabajo en construcciones atemporales y monumentales, mostrando un juego de volúmenes prismáticos, composiciones asimétricas y techos de hormigón para lograr un expresionismo ausente en el Mov. Moderno. (Coexistencia de motivos

antiguos y modernos). En el Capitolio de Dhaka en Bangladesh muestra su ruptura con el E.I por la espectacularidad del diseño y el empleo rotundo de materiales.

3. La aportación Nórdica Se mantienen ciertas traiciones existentes. En Escandinavia se produjo según Renato Fusco la primera reacción al código del Racionalismo. Eric Gunnar Asplund (1885-1940) Máximo representante de la arquitectura moderna escandinava, en la que evoluciona hacia el modernismo sin olvidar la tradición clasicista dando lugar a un estilo propiamente nórdico de características:

Volúmenes depurados y notorio esquematismo que definirá el diseño escandinavo (Biblioteca Municipal de Estocolmo) en la que recupera el geometrismo de los visionarios del

s.XVIII, al insertar el cilindro, la sala de lectura, en un prisma, una combinación de formas puras con ricos materiales y cuidado de detalles dando una gran monumentalidad y sobriedad decorativa

Ampliación del ayuntamiento de Goteborg en la que muestra su capacidad e influir en monumentos antiguos conciliando tradición y modernidad

Arne Jacobsen (1902-1971)

Con el Dinamarca se incorpora al movimiento moderno con su torre de reloj muestra una esquematización de los modelos tradicionales pero con la ambición de formar parte del paisaje circundante .

Sus famosas sillas Ant o Swan mantenido una enorme difusión como símbolos del diseño sueco Otros ejemplos e influencia de Mies los vemos en SAS Hotel Roya de Copenhague (como el

Seagram de N.Y). Hugo Alvar Aalto (1898-1976)

Mas genuino representante en los CIAM aporta una visión orgánica de la arquitectura que tiene en cuenta los territorios donde se emplazan las obras-edificios

Su arquitectura es para ser habitada, ensalzándose los rasgos vernáculos como la madera (sanatorio de tuberculosos de Paimio) siempre con el lenguaje del movimiento moderno según las necesidades de cada espacio. Se ha convertido en modelo para tipologías sanitarias

Interés por hacer mas acogedores los espacios, aislándolos con diferentes materiales Necesidad de humanizar y responder a las necesidades del individuo mediante la creación y

combinación de distintos objetos técnicos. Ayuntamiento de Saynatsalo (1949-52) tras separarse del racionalismo y deseo de ordenar los

espacios con apariencia heterogénea (uso del ladrillo), forma de U Inserción en la naturaleza e importancia del mobiliario diseñado por él y su esposa de diseños

ergonómicos y objetos de uso cotidiano (MOMA 1939 Exposición)

4. la lección de Le Corbusier Único que permanece en una Europa marcada por la postguerra. Los ideales de modernidad quedan supeditados a la reconstrucción y en Francia se intenta evitar la saturación de Paris mediante una política urbanística de nuevas ciudades “Villes nouvelles”. Sospechoso de colaboracionismo ve como sus propuestas de poner en marcha sus antiguas teorías sufren de cierto aislacionismo, sin embargo se le encarga proyectos de reconstrucción de lugares bombardeados

donde deja de manifiesto su sentido de la monumentalidad en los enclaves urbanos puesto a debate en los CIAM. El reto aparece en el encargo de la construcción de “Unité d´Habitación en Marsella”:

- donde pone en uso los criterios vanguardistas para la habitabilidad de una vivienda - con todos los adelantos y criterios recogidos en la “Ville Contemporaine” (uso del modulor como

unidad de medida) - Uso escultórico de los materiales y retorno al primitivismo en el relieve - Uso de los “brisesoil” parasoles o celosías y que protege el “pan de verre” - Uso de colores primarios huyendo de la monotonía - “maquina para habitar”(uso de las chimeneas de barco)

Otro ejemplo la capilla de peregrinación de Notre –Dame- du- Haut:

- reflexión de la arquitectura religiosa en el mundo moderno (Renovación) - Icono de peregrinaje - Monumentalidad y “cascarón de cangrejo” o “lona agitada por el viento” - Forma de barco y su significación - Uso del modulor y articulación integrada en la naturaleza(significado místico)

La ciudad India de Chandigarh,

- traslada a la escena urbana los criterios del Mov. Moderno - vuelta a diseños urbanos reticulares con diferenciación funcional del espacio - conexión campo-ciudad - monumentalidad y claro signo escultórico de los edificios institucionales - importante el edificio del parlamento y su cúpula helicoidal (mitología antigua)

5. España, entre la tradición y la renovación

La guerra civil y la fractura en el desarrollo de la arquitectura española, que sale de los circuitos internacionales (hasta los años 50) Desaparición en la guerra de importantes arquitectos (Aizpurúa, Clavé y su GATEPAC o sección española del CIAM) Exilio de la generación de 1925 o depuración de sus ppales representantes (Felix Candela, Roberto Fernández, Bergamín, Sanchez Arcas etc…). Pero para tres de ellos el exilio fue forzoso (Luis Lacasa Navarro, Manuel Sanchez Arcas, Bernardo Giner de los Ríos). Reseñable el pabellón de la República de Lacasa (París 1937), convertido en símbolo (contenía “el Guernica” y “La Montserrat”. Sánchez Arcas continúa su carrera en Polonia y Berlín colaborando con La Casa en el edificio Rockefeller que unía tradición y modernidad. También la Central Térmica de la universidad de Madrid. Como especialista en arquitectura hospitalaria y colaborando con Eduardo Torroja edificó el Hospital clínico de Madrid o el Mercado de Algeciras. Eduardo Torroja fundó el Instituto Técnico de la construcción y la Edificación y parte del Hipódromo de Madrid-maestría en el uso de hormigón- con resultados técnicos excepcionales y referencia obligada (junto con Arniches y Martín Domínguez). Bernardo Giner de los Ríos ve ligada su suerte a la Institución Libre de Enseñanza y lo que ello supone en planteamientos, contenido y objetivos (especialización en Arquitectura escolar). Su relación con proyectos de la II República y sus uso de materiales tradicionales y diseños funcionales han dejado una impronta en tipologías abandonadas tras la guerra civil y no recuperadas hasta mucho después. Su obra “cincuenta años de arquitectura Española”. En cuanto a la arquitectura anterior y posterior a la guerra civil la modernidad no guarda relación con una tendencia política. Tan solo el caso de la Generalitat de Cataluña la opción moderna de Joseph Lluís y Le Corbusier se adscriben a la modernidad. Fernando García Mercadal y su “El Rincón de Goya” introducen el racionalismo centroeuropeo (tibia acogida).

Con la llegada de Franco se establecen ppios funcionalistas travestidos con los emblemas del Régimen. (Gutiérrez Soto, López Otero, Muguruza), desde diferencias encauzan la arquitectura para darle la representatividad y la monumentalidad necesaria. Así Le Corbusier (diseños de barco) inspira a Gutiérrez Soto con el cine Callao de Madrid, intenta definir una arquitectura nacional considerada anacrónica donde el sentimiento nacionalista y tradicionalista se impone a otra consideración (influencia del Escorial…) Pedro Muguruza y su “Valle de los Caídos” verdadero manifiesto de las ansias megalómanas y místicas del dictador, edificado gracias al trabajo de presos políticos Luis Moya (1904-1990) desplegó una cultura arquitectónica en construcciones de centros docentes la medida del Régimen. La arquitectura residencial o burguesa prefirió volver a modelos historicistas y regionalistas y todavía en los años cuarenta con el estilo clasicista de recuerdo vienés en la Banca Viñas Aranda de Vigo (1941-44) de Antonio Palacios Ramilo. Los viajes a Europa ven en la arquitectura mussoliniana les ofreció un modelo a seguir (Casa Sindical como primer edificio moderno del franquismo, donde se recoge el estilo de Giuseppe Terragni pero adaptado a la tradición constructiva madrileña (empleo de piedra y ladrillo rojo) los mismos materiales usados en el Museo del Prado de esquema reticulado con connotaciones fantásticas del pintor Giorgio Chirico de acusado clasicismo moderno. En las arquitecturas menores la pobreza de recursos no se tradujo en una menor calidad en la construcción co Rafael Aburto con modelos que fundían en feliz convivencia la tradición española con el Movimiento Moderno. El Instituto Nacional de Colonización como nuevo tipo de agrupación rural a la búsqueda del asentamiento de la población en el campo (José Luis Fdez del Amo y Belvis del Jarama), presentando viviendas realizadas con materiales autóctonos integrados en el paisaje a la búsqueda de expresividad y pintorequismo, plasticidad sorprendente de su imagen. Vemos como España se incorpora a la modernidad con treinta años de retraso, siendo ya en los años cincuenta en el terreno de la vivienda social donde mas se experimentó (conjunto de viviendas de Montilla de Rafael de la Hoz Arderius, como muestra del uso del módulo de Le Corbusier adecuado a su contexto). El lenguaje de Le Corbusier también inspira el nuevo vocabulario arquitectónico de las iglesias y templos religiosos incluidos en las barriadas, y que no recurren a modelos historicistas, rompiendo con los modelos de planta basilical habituales y mostrando su relación con estructuras industriales. (Nuevas tipologías usadas como reclamo, caso del Santuario de la Virgen del Camino de León.) El grupo R de Barcelona muestra la búsqueda de renovación e innovación y está encabezado por Antoni de Moragas (1913-1985), Josep María Sostres(1915-85) y J.A Balcells(1920-88):

- Elementos de la arquitectura popular Mediterránea para la renovación - Proyección internacional y compromiso social de la arquitectura - Reflexión sobre la vivienda social en la línea de GATEPAC (edificio de pescadores de la

Barceloneta de Jose Antonio Coderch y Manuel Valls) - Bohigas y Martorell se orientaron en la investigación de la vivienda popular (viviendas de obreros

metalúrgicos en la calle Pallars de Barcelona (ladrillo) - El hormigón armado en obras como el Camp Nou de Frncesc Mitjans (1909-2006)-icono de ciudad - La facultad de derecho de Valencia de Fernando Moreno Barberá consolidándose el movimiento

moderno en el empleo de pilotis, vigas, columnas, fachada de malla neutra perforada con perfiles laminados y aspecto ligero (regreso al brutalismo en realizaciones como la Ftad. Biológicas de la ciudad universitaria de Madrid)

Arquitectos de los “veinticinco años de paz “ La mejora de los recursos técnicos y materiales mejoran desde los años 60 dan pas a representaciones ya plenamente representativas de la sociedad industrial:

- Pabellón de los Hexágonos –Expo Bruselas 1958 de José Antonio Corrales y Vázquez Molezún confluyen funcionalismo y organicismo dejando patentes los avances logrados por la arquitectura española

- Gimnasio del colegio Maravillas de Madrid (1960-62) de Alejandro Sota (estructura de acero y hormigón) de gran alarde técnico.

- La influencia de Mies Van der Rohe y sus edificios de cristal queda constatada en el Depósito de automóviles Seat, de Cesar Ortiz- Echagüe y Rafael Echaide

Francisco Javier Sáenz de Oiza (1918-2000)

- Trayectoria centrada en la innovación y relación con movimientos internacionales - Iglesia de Ntra Sra de Aranzazu en Oñate-Gipuzkoa, de manifiesto brutalismo en el tratamiento e

texturas del hormigón y la piedra, - y ruptura con el ideal de Hermita - las torres blancas en la Avda. América en Madrid

Miguel Fisac (1913-2006)

- Experimenta con hormigón armado y hormigón pretensazo para cubiertas que dota de gran expresividad y riqueza de texturas enlazando con las obras del paralelo Informalismo pictórico

- Iglesia del Teologado de San pedro Mártir de Alcobendas Madrid inaugurando una nueva tipología religiosa completada en La coronación de Vitoria

- Ingenioso sistema de cubiertas de hormigón pretensazo y gran ligereza en Los Laboratorios Jorba de Madrid.

6. Después de los maestros

- Consolidación de la arquitectura del movimiento Moderno y transformación según las características de cada país

- No es un código unitario sino doctrinas de modernidad - Aumento demográfico da lugar a diferentes teorías sobre la ciudad - Conciliación en la Europa de los años 50 con la reconstrucción - Se cuestionan las teorías de Le Corbusier y su Ville Contemporaine en el IX Congreso del CIAM

1953. El team X, encargados de organizar el X Congreso en la que cada uno de sus componentes trabajó para hacer una arquitectura adaptada a las circunstancias sociales, culturales e históricas de cada comunidad. Entre ellos: Alison y Peter Smithson con su proyecto Golden Lane como afirmación de un nuevo modo de vida para crear una comunidad basada en la movilidad con bloques de viviendas con calles a diferentes alturas “street in the sky” con un sentido de comunidad en viviendas ejemplo de casa moderna. Trazado curvilíneo y abierto y adecuados al las posibilidades de las New Town inglesas de la posguerra (analizarlas en contraposición a la “Unité” de Le Corbusier. Los Smithson: “Consideramos la arquitectura el resultado directo de un modo de vida” en una sociedad en la que cada vez es mas importante la tecnología y las comunicaciones y necesita de una nueva arquitectura (centros educativos y vivienda social). Los Smithson formaron parte del Independent Group en el ICA junto a Banham, Paolozzi y Hamilton siendo el germen del arte Pop británico. Exposición “Tis is Tomorrow” y el collage de Hamilton. ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy en día sen diferentes, tan atractivos?”. Cofundadores del llamado Nuevo Brutalismo:

- Arquitectura para la sociedad - Centros docentes con pasos elevados a distintos niveles en donde aparece - Estructura portante metálica vista que se ubre con forjados y paneles de hormigón armado - Centros educativos adaptados a las modernas teorías pedagógicas - Composiciones carente de formalismo - Proyecto antigeométrico que crea obra de contundentes de gran vistosidad (departamento de

Ingeniería de la universidad de Leicester, de James Stirling)

Las New Towns sufren una transformación en los años 60 como se ve en le modelo de la Ciudad de Milton Keynes para 250 mil habs establecidos en zonas compartimentadas por una red de calles trazadas siguiendo cotas de nivel. Cada célula corresponde a un área ambiental con distribución equitativa de zonas residenciales y servicios. Aumenta el uso y experimentación de las posibilidades del hormigón armado. Así lo hace el finlandés Aero Saarinen (1910-61) con cubiertas ligeras de diseño abierto y formas aéreas de la TWA en el aeropuerto JFK de N.Y será un modelo imitado. La opera de Sidney proyecto del danés Jorn Uzon (1918-2008) es una prueba de afán de experimentación formal y tecnológica o su fusión habitual en los años 60. Italia se debatió en dos orientaciones claramente divergentes: la que pretendía realizar labores de restauración y de renovación (Giancarlo de Carlo-Team X) de las ciudades con obras claramente respetuosas con la ciudad histórica.(Mercado de Pistoia de Michelucchi o San Juan Bautista a las afueras de Florencia donde todos los parámetros del racionalismo han desaparecido en la búsqueda de la espectacularidad en el tratamiento de los materiales) y los que deseaban una arquitectura singular (Torre Velasca 1958, de Milán del estudio BBPR- rivalizando con la altura de la torre de la catedral, o el palacio de deportes de Roma de Pier Luigi Nervi) 7. La nueva ciudad de Brasilia y otras utopías modernas

- Ciudad utópica que sigue los postulados del Movimiento Moderno promovida por le presidente de Brasil Justelino Kubischeck (1902-1976).

- El proyecto parte del concurso ganado por el arquitecto brasileño Lucio Costa y que formado en Francia comulgaba con el ideario de Le Corbusier.

- Influencias de lo proyectado por Le Corbusier para la ciudad de Chandigarh - Esquema en cruz y eje axial con avda monumental preferente que articula malla de “súper

cuadras” que se curvan para convertirse en “la alegoría planimétrica de un aeródromo” Parte del éxito gracias al arquitecto Oscar Niemeyer

a. Se ocupa de la arquitectura de los edificios nuevos destinados diferentes funciones con escala según su destino

b. Extremo N-S se situó la plaza de los tres poderes c. Los muros uniformemente acristalados de los ministerios contrastan con la arbitrariedad en el uso

de los nuevos materiales d. En todos ellos el lenguaje del mov. Moderno es manipulado a la búsqueda de la mayor efectividad

(última obra- la catedral de Nossa Senhora Aparecida de pta central con 16 columnas hiperbólicas y sentido religioso con un interior revestido de vidrieras que completan un conj. Claramente escenográfico).

La obra es alabada y denostada dentro de los principios del movimiento Moderno. México y la reinterpretación del Lenguaje Internacional

- Aportaciones autóctonas y reconocimiento de una arquitectura nacional - Técnicas mas actualizadas pero presentes las raíces arcaicas - Arquitectos como Juan O´Gorman de rigurosa formación racionalista (la biblioteca central del

recinto universitario) y Mario Pani (la Torre de Rectoria) - Las casa-estudio de Diego Rivera y Frida Khalo con su significación de amistad entre los pintores

y el arquitecto O´Gorman ( arquitectura popular) - Viviendas de Luis Barragan que también une tradición y modernidad y rompe con las pautas del

Estilo Internacional , mostrando su deseo de monumentalidad en las torres triangulares de Ciudad Satélite (perfiles duros, esquemáticos y colorido amplio)

La disolución del Movimiento Moderno en el CIAM de 1959. (XI Edición)

La figura del Japonés Kenzo Tange (1913-2005)

- Propio punto de vista para luchar contra el hacinamiento de las grandes urbes - Teorías brutalistas y uso abusivo del hormigón y células habitacionales (enlazando con Le

Corbusier) - Propuesta para la expansión de Tokio por la bahía (1960) presentando una determinada forma de

planificación urbana que nada tienen que ver con la tradición japonesa, puesto que cifran en lo tecnológico la viabilidad de la obra

Grupo Japonés Metabolism

- Kiyonori Kitutake, Kisho Kurokawa, Arata Izozaki - Participan de ese afán tecnológico en propuestas como Sea City o Marine City, levantadas sobre el

mar - Brutalismo y desarrollo celular se dan la mano con el empleo de módulos independientes que

cobran sentido en el montaje final. Grupo Inglés Archigram

- Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crmpton… - 1961 teorías basadas en el uso de la tecnología como soporte para una forma de vida de la sociedad

de consumo y ciencia-ficción desde un punto de vista estético que enlaza con el pop dando paso a diseños como la Plug-in-City

- Propuestas de maquinas-ciudad (ciudades utópicas de la era espacial) - Richard Bukmister Fuller y su cúpula geodésica para la ciudad de Manhattan - Exposición Universal de Montreal 1967 se presentan las teorías de Fuller junto con proyectos de

Moshe Safdie, Habitat ´67 (estructuras celulares para residencia, prefabricadas individualmente y luego montadas

- En la expo de Osaka ´70, Olimpiadas de Munich ´72 Frei Otto (1925) estructuras textiles y colgantes que podían inflarse en la línea de Fuller. Combina los materiales tradicionales con todo lujo de novedades dando un resultado espectacular. LA ARQUITECTURA HABÍA LLEGADO A SU REFUNDACIÓN.

8. La revisión del espacio moderno. La posmodernidad

Charles Jenks y su polémico “movimientos Modernos en Arquitectura”(1971) donde resalta la fragmentación y direcciones contrapuestas producidas en la búsqueda arquitectónica.

Actitudes individuales en la arquitectura que sustituirían el lenguaje ya gastado del Movimiento Moderno (Jenks)

Robert Venturi y Dennis Scott Brown “learning from Las Vegas”-búsqueda de un nuevo modelo de ciudad tomando como ejemplo Las Vegas

Se rompe con el paradigma del Mov. Moderno según el cual el valor de una obra responde a la unión de concepto y arquitectura

Vuelta a la tradicional arquitectura “de ripias” de ruptura (Venturi…) Charles Moore y la posmoderna Piazza d´Italia en Nueva Orleans (clasicismo?)

Los Five Architects

Meter Eisemann(1932), Michael Graves(1934), Charles Gwathmey (1938-2000) y Richard Meier (1934)

Aplican el viejo repertorio del racionalismo con los materiales y técnicas disponibles Eisemann considerado arquitecto deconstructivista (centro de Aret Wexner de la Universidad de

Ohio)

Richard Meier al contrario ha continuado en la línea de las arquitecturas blancas, acristaladas que dan imagen de refinamiento y claridad de sus líneas y transparencia de sus formas (Ateneo de New Armony en Indiana)

Graves y el edificio Portland, Oregon de brillantes y coloridas fachadas coloridas con referencias a la modernidad también presente en el rascacielos para la ATT de N.Y Interpretadas a escala gigantesca.

La posmodernidad en Europa

Llega el estilo neoclásico pero tb la recuperación del lenguaje de la modernidad que como el clasicismo había intentado convertirse en código atemporal

Formas brutalistas de las viviendas del barrio Gallaratese de Carlo Aymonino en Milán de acusada horizontalidad y repertorio modernista

El teatro del Mundo de Aldo Rosi para la bienal de Venecia 1980 recordando los teatros flotantes venecianos, así como la influencia de Chirico en el cementerio de san Cataldo de Módena con fachadas en malla

Ricardo Bofill (1939) y su vuelta al academicismo en su Taller de Arquitectura (viviendas para Marne-la-Vallée)

Corrientes tecnológicas de Fuller darán lugar a High Tech edificio-máquina habitada Cierta “arquitectura desnuda” que deja a la vista materiales entretelas etc…, pero esa supuesta

uniformidad es el producto de materiales duros, lisos y brillantes (metal, vidrio, etc…plástico).sus combinaciones decolores y su terminación brillante y atractiva, como el recurso a formas heterodoxas les hacen parecer de la mas rabiosa vanguardia

Norman Foster y la arquitectura high-tech en el edificio de la central de Lloyd´s mostrando su estructura portante para englobar los cerramientos de cristal.Mucho mas avanzado su Commerzbank de Frankfurt como edificio inteligente de planta triangular y estructura de acero y cristal regulador de energía y aprovechamiento de luz solar.

El Deconstructivismo

Rompe con las normas del Mov.Moderno Rompe con las normas lógicas que han regido la construcción siempre Composiciones arbitrarias, abstracción geométrica, espacios imposibles y apariencia de

innovación-mas rabiosa vanguardia- Exposición del MOMA N.Y 1988:”Deconstructivist Architecture” con Peter Eisenman, Zaha

Haalid o Frank Gerhy con obras de autor La aplicación de las nuevas tecnologías como por e.”Morphing” (metamorfosis formal) en el

sorprendente edificio del National Nederlanden de Gerhy en Praga apodado “Ginger y Roger”. Método similar se utilizo para el diseño del Guggenheim de Bilbao.

Escrito por: JOSE ELIZONDO GUTIÉRREZ

Abstract composition

Karl Appel

TEMA 7 EL GESTO Y LA MATERIA: EL INFORMALISMO

Al final de la II Guerra Mundial hubo un gran desarrollo de la abstracción desplazando al surrealismo como movimiento hegemónico, pero su ideología permaneció vigente en la nueva tendencia llamada Informalismo o Arte Otro, abstracción expresiva, vital y palpitante.

Conforma muchas tendencias que tienen en común su carácter abstracto, pero ninguna la define por completo: Expresividad del gesto, propia del Expresionismo abstracto. La pintura como acción, la Action painting. La pintura de materia, a través de la cual se conecta con la naturaleza, un nuevo paisaje y una realidad

inédita, inadvertida y desconocida. Las caligrafías pictóricas, pintura espontánea como la escritura (impronta del arte oriental).

No tiene unos principios normativos, homogéneos y disciplinados, sino al revés es la suma de planteamientos y experiencias que siguieron cauces diversos. Pretende ser corriente universal que rompe con la noción de grupo, está formada por un nº inmenso de participantes, aunque también existieron grupos dentro de ella como el llamado COBRA donde destacó Karl Appel (1921-2006)¸ con una abstracción desgarrada con toques figurativos y de una gran expresión, o los españoles Dau al Set y El Paso. Los artistas que crean esta tendencia se mueven en un mundo plástico indefinible de abandono y repulsa crítica de las concepciones formales preexistentes:

Desprecian el valor de la forma construida limitadora de lo espontáneo, contraria a la subjetividad. Plantean la forma como imprecisa, dinámica, contraria a toda metafísica y a todo lo inmutable. Michel Tapié, crítico de arte dio nombre a la tendencia como el desarrollo de diferentes actitudes y

perspectivas individuales, importantes son las diferencias profundas que existen entre los individuos; y este arte muestra lo más profundo de la intimidad humana y de la subjetividad del artista.

Nueva forma de entender y ejercer la pintura: expresión libre sin limitaciones ni cortapisas. Todas las orientaciones tienen el interés común por el valor de la materia como forma de configurar y

descubrir una realidad otra, desde el gesto y el signo, o desde la poética espontánea de la mancha y el trazo. Y la única forma existente en esta tendencia, es la propia de la materia trabajada o descubierta por el artista (incorporada a la superficie o extraída de ella).

Tuvo gran expansión, fue la tendencia hegemónica vanguardista e importante referencia en el arte del s. XX. En ella sobrevive el arte de vanguardia que se estaba agotando, pero en el inicio de los años 60 fueron tantos los

autores y obras que cayó en crisis. La mayoría abandonaron la tendencia y hasta el mismo pintar.

1. INTRODUCCIÓN

2. EL PAISAJE DE LA MATERIA

EL INFORMALISMO O ARTE OTRO:

-Abstracción expresiva -Pintura de acción -Pintura gestual -Pintura de materia -Pintura caligrafíca. -Etc.(Múltiples orientaciones)

Experimentación, por medio del valor plástico y expresivo de la materia con una nueva relación entre realidad y representación.

Con la idea surgida del Surrealismo de interpretar de forma diferente la realidad, aunque siempre la realidad apareció como referencia de una recuperación del sistema de representación tradicional. pero con una concepción al margen de las limitaciones de la representación.

El Arte Otro en su búsqueda de valorar también la realidad desde una nueva perspectiva, inédita, sustituye esta representación por un descubrimiento y una valoración de la presentación de la pintura como una nueva realidad, que nunca había sido atendida, estableciendo un nuevo valor del material, utilizando el soporte como elemento expresivo. Se crea la imagen con la misma materia donde se concentra la expresión. El soporte no se oculta y cubre por la pintura, se presenta en su escueta materialidad.

Introduce el azar, abierto a la imaginación que suscita la materia, desde el diálogo con el mundo inmediato, que había acompañado al hombre desde sus orígenes, y descubierto, a través del esfuerzo por situarse en un estrato primitivo.

La nueva realidad adquiere gran valor para la pintura contemporánea, crea una nueva estética de los materiales.

Gran Pintura (1958) Salomon R.Guggenheim Museum N.York 197,5x255 cm Oleo sobre lienzo

La ventana )1963)

Saco B (1953) Tela de saco y óleo 1x0,86 m.

Cabeza de rehén 14

Alberto Burri (1915-1995/Italia)

En sus Otages (1943-1955), la materia se convierte en la protagonista, no es una materia aplicada para representar, sino para expresar su plasticidad., inspirada en fragmentos de cuerpos humanos desmembrados. Fue el pionero de este arte Otro al descubrir una nueva realidad y pintura y ”competir” con la naturaleza al prescindir de la representación y presentar una realidad “Otra”. En su obra Profile (1945) la materia descubierta se utiliza como material plástico en sí mismo y no como medio técnico para la representación.

Esta nueva sensibilidad tuvo una proyección importante en la valoración de los objetos y de las obras de arte. El valor plástico conferido a la materia, a las texturas, a las imperfecciones y a la expresividad de las superficies, muestra del paso del tiempo, ha convertido en nuevos valores estéticos de una sensibilidad ajena a cualquier análisis científico pero integrada en el gusto contemporáneo.

Ciertas texturas de la escultura contemporánea o de los paramentos de la arquitectura, como los muros encalados, pavimentos desgastados, la madera vieja, etc. son una consecuencia de la influencia ejercida por este nuevo valor conferido a la materia por el informalismo.

Esta tendencia, la pintura de materia, arraigó enseguida en la obra de muchos artistas.

ARTISTAS

Antoni Tapies (1923/Barcelona)

Lucio Muñoz (1929-1998/Madrid)

Pintor y escultor, abstracto de España, representante de esta corriente. En su pintura, es el valor de la textura en las imágenes parietales como las improntas

introducidas por la presencia de un universo inédito de signos. Introducía el azar surgido de los supuestos imaginativos suscitados por el material. Su sensorialización áspera y mural es su aportación fundamental, convierte la pintura

en nueva realidad, con imágenes análogas a muros silenciosos sorprendidos, basadas en la elementalidad de su materia y con la presencia de gestos y signos producidos como por azar. Nos enseña a percibir nuevos paisajes inadvertidos de la realidad.

Desde 1950 se interesa por la materia pictórica frente al dominio de la forma, realiza Buscaba una pintura orográfica collages con materiales residuales, alternando abstracción con el primitivismo., recreándose en la presentación de texturas rugosas.

En sus temas se encuentran símbolos del campo de la sexualidad, del universo o de la muerte: figuras geométricas (ovalo, cuadrado, círculo, triángulo), signos como la cruz (Pintura con cruz en rojo/1954), constante en su carrera (griega, latina, en aspa, en forma de T (asociada a su apellido), números, letras, entre otros.

Sus creaciones tienden a la abstracción, es el valor de las texturas de las maderas sorprendidas, como un estrato geológico, calcinado e imprevisto. Quitando o añadiendo, descubre una realidad desconocida como la aparición de un sustrato arqueológico.

Cuando “termina” un cuadro muestra el último estado de sus diferentes fases. Cada vez que quita una astilla y aparece la madera descarnada configura una nueva imagen, que la pintura altera y reconvierte, a su vez, en múltiples imágenes. Por eso se dice, que sus cuadros no están acabados, sino detenidos en su ejecución y creación. En algún momento, deja el cuadro pero no lo termina, porque lo que hace no es pintura de materiales, sino una indagación con la realidad de la materia misma. Se trata de por azar establecer un dialogo con un mundo inmediato que había acompañado al hombre desde sus orígenes, descubierto ahora por el esfuerzo de situarse en un estrato primitivo. La materia del cuadro abandona su condición de composición abstracta o de medio para representar, y adquiere un valor en sí misma.

En 1955 deja la figuración y ordena la imagen, en composiciones geométricas de planos que varían sobre una gama de color, utiliza polvo de minerales y pigmentos secos mezclados con colas y barnices. Desde1958, utiliza la tabla de madera como soporte habitual, la abre grietas, quema su superficie y levanta las capas superficiales desvelando su estructura intima. Con los colores oscuros, terrosos y pardos dramatiza su obra.

Jean Fautrier (1898-1964/Francia)

Encuentra una solución inédita con la utilización del soporte de arpillera como “pintura”. Transforma la materia pulsante, que se agita y consume antes de tomar la forma definitiva,

utiliza desechos, materiales no tradicionales: Sacos, maderas, hierros, plásticos combustos, tejidos, alquitrán, moho, limaduras, serrín, piedra pómez, caolín, cola, celofán, cellotex, cemento; y a través del color, textura y artesanía convierte en objeto artístico.

No se reconocen formas definidas, sino que los materiales mismos, organizados con cuidado, otorgan eficacia y expresividad a la composición. De tal manera que la transformación plástica de los materiales conforma a posteriori un objeto “polimatérico”; alcanzando en este sentido un abstractismo artístico puro de la materia.

(1946) Óleo s/tela

Cuadro 62 (1959) Le Bateau Ivre 1945 Óleo s/sacos Óleo s/lienzo Kunsthaus

Blue Poles (1953) Óleo s/tela Colección particular. Nueva York

3. EL GESTO Y EL ACTO DE PINTAR

Manolo Millares (1928/Las Palmas-1972/Madrid)

Encuentra una solución inédita utilizando como soporte de arpillera convertido en objeto e imagen “Otra” desde 1955, aquí son todavía un elemento que añade a la superficie del cuadro junto con otros materiales como arena, cerámica o madera. La arpillera es una evocación de las telas con las que se envolvían las momias guanches. Realizaba sus obras con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura, después los cubría con capas chorreantes de pintura, de colores negro, blanco y rojo.

Cofundador del grupo El Paso (1957).

Wols (1913/Berlín-1951/París)

Pintura con una nueva poética de las realidades olvidadas e inadvertidas donde la materia aparece trabajada con signos y huellas casuales y rasguños del azar.

Estilo fuerte y agresivo, rebelde y afín a un sentimiento muy negativo. Pinturas con chorros de colores, como si hubiera tachado lo hecho, y con gestualidad nerviosa, como el expresionismo abstracto americano. Improvisaciones de líneas y manchas de colores muy expresivas, precursor del gestualismo.

La Pintura de acción o pintura gestual unió el resultado con el mismo acto de pintar forma parte del llamado “Arte Otro”. Los surrealistas, no alcanzaron nunca esto, por su lenta ejecución que lo alteraba. Esto lo consiguió este tipo de pintura, al eliminar las barreras interpuestas entre la idea y el resultado durante su ejecución.

Todos los pintores de esta corriente sabían a dónde querían llegar y lo que tenían que hacer para conseguirlo. Y también sabían que muchos de los componentes del cuadro irían surgiendo en el proceso (el azar de un chorreón, la superposición de una mancha, la salpicadura de una gota de pintura, la mezcla azarosa de la pasta de color), eliminando la lógica en la ejecución. Había que proyectar con la pintura un gesto, un grito, un estado de ánimo interior.

Intentaban relacionar su actitud y forma de pintar con el espíritu primitivo, del buen salvaje libre de contaminación cultural. Primitivismo se identificó con gestualidad y caligrafía de lo espontáneo. El primitivismo como valor y mito de lo no establecido tuvo otras dimensiones, aparte de la caligráfica, una dimensión figurativa como en los graffiti, pinturas de monigotes imágenes espontáneas, aparentemente indefinidas, formadas igualmente por signos. Testimonios efímeros de lo espontáneo revela los signos del azar sobre la materia y el primitivismo de la figura como otra forma de entender lo espontáneo y primitivo. Se trata de establecer el valor de la imagen desde los supuestos de lo casual, de lo involuntario y lo inadvertido como expresión espontánea de una forma artística derivada de una nueva poética planteada en torno a la emotividad del signo. Lo cual se vinculaba tanto por el gesto, como por la acción y el graffiti a una acción “casual” del individuo. Porque el Arte Otro era una tendencia basada en el culto a lo individual y lo espontáneo.

Jackson Pollock (1912-1956/Estados Unidos)

Willem, de Kooning (1904-1997/Estados Unidos)

Pintura de acción como proyección directa de la idea y el resultado. Todo se centra en el acto de pintar. Extendía el lienzo en el suelo o pared, y distribuía la pintura sin tocarlo;

el chorro (dripping), el gesto espontáneo transmitían al cuadro el pulso de un estado de ánimo y de una actitud vital. Prefería trabajar, así, que en caballete, no extendía el lienzo del todo, le sujetaba al suelo o pared, necesita tener un soporte duro que le acerca a la obra y le ayuda a pintar a su alrededor, era como “estar en el cuadro”.

El dripping o acto de pintar es un proceso natural, como una cascada o chorro de agua que proyecta el trazo como surgido de lo espontáneo, y la pintura que resulta era producto del subconsciente del pintor, de su estado anímico y de sus inquietudes existenciales, es la imagen buscada por el autor, pero que no controla, ni desea hacerlo. Aparecen manchas pequeñas, salpicaduras y superposiciones de colores, surgidas de la espontaneidad como el grafismo de una escritura.

Tensión concentrada de la pintura, encarna la espontaneidad de la palabra, la escritura, la acción y el dinamismo físico del pintor. El resultado es algo buscado, pero no en todos sus componentes que proporcionan ese gesto intencionado de espontaneidad incontrolada.

ARTISTAS

Su pintura fue otra forma de pintura de acción, no es un proceso dinámico sobre el lienzo, su forma es más tradicional, proyecta un estado de ánimo en la aplicación espontánea del gesto al aplicar el pincel o brocha en el lienzo.

Siguió una agresividad, con referencias figurativas semiocultas, de una expresividad inquietante donde el gesto se sobrepone a la pintura.

Sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados

Asheville (1948) Excavación (1950)

Tour Square (1956)

Dama (1959) Óleo s/lienzo 160x130 cm.

La Tolona (1959) Óleo s/lienzo 200x150

Cast. 1964

Corp de dame, la rose incarnate Barbe des colères

Franz Kline (1910-1962/Estados Unidos) Su pintura fue otra forma de pintura de acción, no es un proceso

dinámico sobre el lienzo, su forma es más tradicional, proyecta un estado de ánimo en la aplicación espontánea del gesto al aplicar el pincel o brocha en el lienzo.

Redujo el color al blanco y negro fundamentalmente acentuando el valor espontáneo del gesto como protagonista de la pintura. No son trazos negros sobre el fondo de la tela, sino que pinta tanto el blanco como el negro y para él los dos tienen la misma importancia

Se le ve referencias a la caligrafía china, pero él siempre lo negó. Puentes túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas industriales parecen ser más aceptadas como su inspiración.

Caligrafía de dimensiones gigantescas y completamente abstracta, su brochazo es furioso, con una gruesa y tosca tachadura. Argan dijo que es una “iconografía del no”.

Antonio Saura (1930-1998)

(Huesca)

Presenta una acentuada reducción del color (blanco, negro y gris). Desarrolla composiciones gestuales y a veces se apoyan en referencias

figurativas de muy honda expresividad. Desarrolla una poética gestual que muestra un inquieto mundo goyesco muy expresivo.

Funda el grupo El Paso (1957) con otros artistas españoles (Canogar, Feito, Millares), que utilizan el nuevo leguaje gestual del proceso creativo.

Simplifica el color y acentúa el componente expresivo utilizando solamente el blanco, el negro, el gris y algún ligero toque de rojo, para desarrollar composiciones explosivas de angustia y rebeldía.

Distribuye la pintura en chorreos, estrías, surcos o acumulaciones zonales, realiza estructuras en forma de abanico o generadas por un remolino, suspendidas de un punto determinado o formadas por diversos entrecruzamientos de líneas. La composición se dinamiza gracias a líneas diagonales que surcan enérgicamente el lienzo.

También formó parte del grupo El Paso (1957). Sus obras intuitivas, pasionales, realizadas con urgencia que el tiempo, la edad y las teorías

reclamaban. El informalismo fue para él algo sustancial, místico, autoafirmación y autorrealización, representaba la libertad, lo irrepetible y único, hecho con caligrafía directa y espontánea.

Rafael Canogar (1935-1998/Toledo)

Georges Mathieu (1921/Francia) Identificando primitivismo con gestualidad y con una caligrafía de lo espontáneo desde los años

40 intenta representar en sus obras la libertad más total y absoluta frente a las teorías, contra aquellos que parecían seguir las huellas del Cubismo, del Constructivismo y del Surrealismo.

Sus caligrafías pretenden alcanzar la relación directa entre el impulso y el resultado, sin mediar la razón, la cultura artística y los modos académicos. Ese automatismo plástico que parece pertenecer a la línea de la automoción surrealista, para él es sinónimo de expresión liberada de las ataduras de los sistemas plásticos y concepciones formales preexistentes, entiende una forma “Otra” de entender la pintura con la pureza e “ingenuidad” de un primitivo.

Sus pinturas son de gran formato y se crean muy rápidamente, y de manera impulsiva. Mathieu demostró que la pintura se había convertido en el tema de la pintura. Los movimientos

de la pintura y la pincelada se había convertido en su "contenido".

Jean Dubuffet (1901-1985/Francia)

El primitivismo tuvo una dimensión figurativa en sus graffiti, pinturas de monigotes imágenes espontáneas, aparentemente indefinidas, formadas igualmente por signos. Testimonios efímeros de lo espontáneo

Su obra Cuerpo de Damas (1959) revela los signos del azar en la materia y el primitivismo de la figura muestra una forma distinta de entender lo espontáneo y lo primitivo, donde el tema es un figura humana, pero en contra de los cánones de la belleza, entendida como concepto represivo que se aplica al cuerpo desnudo y sobre todo al de la mujer.

Pretendía crear un arte libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut (arte bruto), que crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños, los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos, como sus famosas dames, o seres infrahumanos, figuras deformes, absurdas y grotescas como sus barbas.

Autumn Rhytm (1950)

Pintura Nº 2 (1954)

Mujer (1949) Óleo, esmalte y carboncillo s/lienzo 152,4 x121,6 cm.

Centro Blanco

4. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO. UN ARTE NORTEAMERICANO

El estallido de la II Guerra Mundial cambio la hegemonía mantenida por París hasta entonces como centro de renovación artística y de vanguardia a Nueva York, la capital de los Estados Unidos. Su precedente fue en 1913 con el Armory Show, gran exposición de obras de arte moderno que contrastaba con el academicismo que imperaba allí y se convirtió en el referente posterior del arte norteamericano. Desde el inicio de la IIGM se fraguó la idea de que Estados Unidos tendría que ser el centro de defensa del arte frente a la barbarie nazi, y se creó la conciencia de necesidad de un arte propio americano. Desde 1945 se aprecia un interés creciente por la vanguardia norteamericana, apoyado por los medios de comunicación y por la euforia de la victoria de la guerra. Esta vanguardia norteamericana, que pronto se conocería en París, se basaba fundamentalmente en una tendencia, el Expresionismo abstracto.

El Expresionismo abstracto daba cabida a múltiples orientaciones pero todas ellas bajo el signo de la abstracción.

ARTISTAS Jackson Pollock (1912-1956/Estados Unidos)

Fue el pintor representante de este nuevo arte norteamericano. Por su novedad y su actitud revulsiva incidió más en la idea de un arte nuevo que, desvinculado de las tradiciones artísticas, expresase el nuevo espíritu norteamericano.

Es evidente, que dentro del llamado Informalismo, su Pintura de Acción, con su agresividad y la propuesta de una nueva forma de pintar, se convirtió en una referencia del nuevo arte norteamericano,

Referido también en el punto 3º (gestual).

Franz Kline (1910-1962/Estados Unidos) Pintor gestual, de honda expresividad, que parte de la combinación del blanco y el

negro para construir estructuras cuyas imágenes recuerdan un desarrollo de formas propias de un mundo industrial y tecnificado pero eliminando la construcción formal y geométrica. La mancha de color, expresiva y dinámica es su principal elemento.

Referido también en el punto 3º (gestual).

Willem, de Kooning (1904-1997/Estados Unidos)

En 1953 mostró al público un conjunto de 6 obras “mujer”, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y grueso empaste, era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto.

Denominadas diosas negras, venus cruzadas con carteles publicitarios, ídolos contemporáneos y banales. Pintadas a contracorriente, cuando todos en América estaban en la abstracción, él se propone acabar con los tópicos tradicionales sobre el arte y la belleza. El mismo dice: “eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz –toda esa charla absurda sobre la línea, el color y la forma…-.

A finales de la década de 1950 evoluciona a un estilo más abstracto, que evoca formas paisajísticas y, desde entonces, los alterna, combinándolos en ocasiones.

Se le observa gran influencia de Picasso Referido también en el punto 3º (gestual).

Mark Rothko 1903-1970 Estados Unidos)

Máximo representante de la poesía de la mancha de color, que convierte la simplificación cromática del cuadro en páginas de un profundo lirismo.

Pintura calmada, basada en el color, Argan la define como impresionismo abstracto, propio de un artista contemplativo y de gesto lento, gran observador, como han dicho de él un místico. La pintura se humaniza al suprimir el impulso irracional de la ejecución y transmitir un equilibrio entre subjetividad y racionalidad. Su ejecución era, lenta y sosegada, y las imágenes resultantes estaban dotadas de un hedonismo trascendental.

Contrastan colores serenos y reposados planos de color. Se combinan planos de color de perfiles desdibujados, confusos y ambiguos. Es ejemplo de simplificación y paradigma del concepto mismo de abstracción. El plano de color tiene sus contornos y límites desdibujados

Después de la IIGM abandona la figuración (signos primitivos) y se centra en el color, y más aún en 1950. Aplica una pintura ligera en dos o tres rectángulos de contornos suaves, que llenan una tela de dimensiones cada vez mayores, según él, para estar dentro del cuadro. Superpone capas de color poco empastado, con ligeros cambios de tono brillantes y sensuales (recuerdo de Matisse), Argan escribe “su gesto calmado y seguro es como el gesto del artesano que pinta una pared, que le da una, dos, tres manos, hasta que la superficie alcanza un determinado grado de densidad o de transparencia; y allí donde había un plano rígido e impenetrable, hay ahora un telón que deja pasar la luz o que la produce por medio del color.

Transmitía imágenes que revelan la expresión de una actitud y un sentimiento ante el mundo y ante la vida, como se ve en sus últimos cuadros donde el negro lo invade todo.

Sin título, 1964 28x40 Serigrafía

5. EL CASO ESPAÑOL

Clifford Still 1904-1980

Estados Unidos) Máximo representante de la poesía de la mancha de color, que convierte la simplificación

cromática del cuadro en páginas de un profundo lirismo. La mancha adquiere primacía al centrar la expresividad en la misma realidad del color. Muestra imágenes de gran intensidad donde los colores contrastan y se contraponen como

formas vivientes y cortadas con gran dinamismo muy distinto del reposado Rothko. Sus destellos irregulares de color dan la impresión de que una capa de color se ha "roto" en la

pintura, revelando los colores debajo. utiliza un grueso empaste , que muestra sutiles tonos que brillan a través de las superficies de pintura.

Las composiciones en la pintura de campos de color se caracterizan por grandes superficies planas combinadas de color, exentas de elementos sígnicos o gestuales, con las que se crean atmósferas que transmiten una gran sensación de espacio. Sus preocupaciones eran espaciales. Trabajaba su espacio pictórico en profundidad, a partir de un tono generalmente oscuro. Para él la vertical ascendente se había convertido en obligatoria, lo que le daba una sensación gótica, una metáfora sobre la aspiración al cielo y a la luz. Esa nota de ascensión gótica recibe entonces sitio para respirar y dilatarse con una expansión del espacio en sentido horizontal.

La renovación del arte español de los últimos 50 años partió de la Primera Bienal Hispanoamericana de Arte (12-10-1951) gracias al cambio de actitud del régimen hacia el arte, aunque, los precedentes artísticos ya existían en los años 40, y contradictoriamente esta recuperación ocurría en el contexto artístico hostil de posguerra y aislamiento internacional siguiente al final de la IIGM, acentuado por el régimen existente que promocionaba un lenguaje artístico historicista basado en Imperio. La victoria sobre el Eje dejó aislada a España, y desde entonces, tuvo que cambiar algo su actitud, y respecto al arte se produjeron estos cambios en dicha Bienal.

Precedentes: Reconstrucción de la 2ªEscuela de Vallecas(1939-1942) después de la Guerra Civil, la 1ª fue antes de la

guerra (1927-1936). Fue breve, pero confirmó el mantenimiento de la idea de modernidad, que perduró. Creación del Grupo Pórtico en Zaragoza (1947), que desde 1949 se orientó hacia la abstracción. Creación del grupo Dau al Set, en Barcelona (1948) (surrealista), con breve duración, pero ejerció una

importante influencia en la década de los 50. Celebración de la Primera Semana Internacional de arte Contemporáneo de Santander (1949), promovida

por la Escuela de Altamira, de gran influencia en el desarrollo de una vanguardia radical. El Informalismo español:

La abstracción y el surrealismo anterior fueron su caldo de cultivo. Tendencia de la pintura española incorporada a la vanguardia consiguiendo reconocimiento internacional. Recibieron los planteamientos desarrollados por artistas de esta tendencia fuera de España, gracias a los

viajes al extranjero (París, sobre todo), al conocimientos de algunos artistas decisivos y de algunas exposiciones que pusieron en contacto a los nuestros artistas con los extranjeros que mostraban esta nueva expresividad abstracta, como fue la de la Sala Gaspar de Barcelona (2-57) que luego se expuso en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Madrid (2 veces 1957).

El informalismo español alcanzó unas características propias muy marcadas, movimiento pictórico con una actitud existencial ante la vida, por medio de unos componentes puros de la pintura, como el gesto, la materia, la mancha y la expresión libre del color para plasmar un grito desgarrador y sin limitaciones.

El Grupo El Paso, español (1957) (R.Canogar, L.Feito, J.Francés, M.Millares, A.Saura, M.Rivera, P.Serrano, A.Suárez, M.Conde, J.Ayllón, M.Chirino y M.Viola) mantuvo la expresividad y el gesto como componentes plásticos esenciales, utilizaron un nº reducido de elementos que alcanzaron la categoría de protagonistas: la materia, la expresividad y el color. Con escaso desarrollo de abstracción como imagen lírica (Fernando Zobel/1924-1984) o de exaltación expresiva del color (José Guerrero/1914-1991). En cambio tuvo gran desarrollo la experimenentación de una expresividad en la que el color se presenta como un ejercicio de reducción. Expresión de una actitud vital, de alcances y significados complejos. En el catálogo de la exposición de artistas de este Grupo (2-1958) decían su deseo de divulgar y fomentar un arte ajustado a las necesidades de la época, con características particulares españolas en una obra de carácter internacional; integrándose en las corrientes renovadoras y progresistas del momento y aportando lo singular español, con un arte de vanguardia en relación con sus raíces autóctonas de la pintura española desde una nueva mirada.

Muchos pintores informalistas españoles desarrollaron una especie de negación del color, en contradicción con el valor dado a la materia y al gesto; consecuencia de una actitud rebelde y de repulsa política, de oposición ideológica al régimen, como forma de negar esa política y su asfixiante contexto social-cultural. Se logró con una desgarrada expresividad del gesto y el obsesivo patetismo del color, hasta crear el llamado “color de la negación del color” así se produce un color como el de las pinturas negras, goyescas, que se identifican con el mundo disconforme de Goya, traspasable a la realidad actual de estos artistas.

Pequeño azul 1962 Técnica mixta 90x217 cm.

Humboldt em el Orinoco 1968 65x81 cm. Óleo, tinta y aguada s/papel

Hombre caído 19 1966 51x72 cm. Óleo, tinta y aguada s/papel

Sarcófago para Felipe II 1963 Pintura plástica s/arpillera dos piezas. 130x97 cm.

ARTISTAS

Antoni Tapies (1923)

Barcelona)

Lucio Muñoz (1929-1998)

Madrid)

Manolo Millares (1928/Las Palmas)

(1972/Madrid)

Descrito en el punto 2 (matérico). En los inicios está muy cercano a Klee: el espacio, las formas abstractas, los monigotes y lo

grotesco, el humor o la ironía, aparecen siempre. Pero desde fechas tempranas da indicios de su camino personal: materiales inusuales (arroz, cuerdas, tierra, polvo…), interés por la materia, la textura, la pasta pictórica, la superficie del cuadro como membrana en la que actuar (rasgar, hacer incisiones, raspar, manchar, horadar…) y no como fondo ilusionista sobre el que representar. Esto le acerca a los matéricos franceses como Fautrier, también se relación con él en sus cuadros de cuerpos: ambos comparten la idea de cuerpo como piel maltratada y erosionada.

En la 1ª mitad de los 50 configura su lenguaje personal: los muros. Superficies de gran tamaño, no siempre verticales, construidas con una pasta muy densa, hecha de distintos materiales, y que aparecen pintarrajeadas, arañadas como los muros de las calles de las ciudades, viejas por el paso del tiempo y de los habitantes. Sobre esos muros vemos las señas de identidad de la colectividad a la que el artista pertenece, Cataluña. Los símbolos culturales y políticos ocupan un lugar importante, como lo ocupa su actividad política de oposición al régimen autoritario y de oposición al centralismo, así el dice: “que mis esfuerzos aparezcan en el cuadro. Quizá son una forma de testimoniar esta búsqueda febril debida a mí, a nuestra ceguera en este país y en esta época, una forma de testimoniar nuestra aspiración a la luz y a la libertad.

Descrito en el punto 2 (matérico).

Descrito en el punto 2. (matérico). Desde su estancia en Madrid, formando parte del grupo el Paso aunque con una labor

muy personal, parecida a Pollock, su preocupación surgida del surrealismo de su interés por el subconsciente y lo primigenio de las culturas desaparecidas (cultura guanche de las Palmas) hace que sus primeras obras las pictografías (1951-1952) recuerden estas formas primitivas, que parecen signos prehistóricos, pero también recuerdan influencias de Miro y Klee. En 1953, empieza a utilizar arpilleras, todavía en fragmentos, y a la vez que somete al cuadro a estructuración más geométrica y sencilla, pero más elaborada, construyendo con ellas los Muros. (Burri trabajaba en Italia con arpilleras y Tàpies construía sus propios Muros por la misma época).

Antes de entrar en El Paso las arpilleras forman absoluta autonomía y los cuadros se hacen a base de ellas, las arruga, las tuerce, las dobla, las rasga, las mancha de pintura hasta convertirlas en Hornúnculos, trapos desgarrados, maltratados y torturados, como despojos humanos, que conservan el recuerdo de las momias guanches. Este material poco frecuente, de desecho, se presenta de una manera evidente, física y brutal, de tal forma que el cuadro ya no es un lugar donde representar algo sino un objeto en sí mismo. Cualquier sugerencia de espacio ilusionista ha desaparecido por completo.

Estas arpilleras, elegidas también por razones éticas (estética y ética son términos inseparables en la España de estos años) y destrozadas como cuerpos maltratados, consiguen transmitir una sensación de angustia, de miseria y de opresión, pero también la grandeza del material humilde, como material artístico.

Su arte está hecho para la denuncia y José Hierro dijo de él: “sus obras no quieren seducir por su belleza, sino tal vez espantar con su dramatismo…tanto se cargan a veces de ira que su misma agresividad las hace insoportables para el disfrute diario.

Desgarra, rompe, cose y recorta sus arpilleras, y rasca la superficie del fondo con el mango del pincel, escribiendo una caligrafía personal que cada vez toma mayor desarrollo en las pinturas sobre papel de los últimos años. Su paleta es muy reducida y sobria: marrón de la arpillera, negro, rojo y blanco. Desde su entrada en el Paso hasta la mitad de los 60 el negro es el protagonista, un negro denso y pastoso en obras más desagarradas y dramáticas, desde 1964 el blanco cobra importancia en las Antropofaunas y los Neandertalios que siguen teniendo como motivo principal el ser humano. nos muestra seres humanos, demasiado humanos.

En sus últimos tiempos evoluciona no sólo a la figuración, también aclara la paleta, pinta en papel e introduce objetos (zapatos, tubos, cacharros); además colaboró con algunas de las primeras experiencias encaminadas al conceptual en España.

Crucifixión, 1963 130x162 cm. óleo s/lienzo

Retrato imaginario Brigitte Bardot 1958 250x200 cm. Óleo s/lienzo

BIBLIOGRAFÍA: El arte del siglo XX. Editorial Universitaria Ramón Areces. UNED Autores: Mª Dolores Antigüedad del Castillo-Olivares Victor Nieto Alcaide Amparo Serrano de Haro Soriano El arte después de la guerra Historia 16 Historia del arte nº 35 Autor: María Santos Garcia Felguera ESQUEMA REALIZADO POR: Francisca Sastre Agustín Centro Asociado: Gregorio Marañón FOTOS: Fuentes diversas de internet Observaciones: En el último punto he puesto más cosas de las que vienen en el libro básico, por eso de ser arte español.

Antonio Saura (1930-1998)(Huesca)

Rafael Canogar (1935-1998/Toledo)

Descrito en el punto 3 (gestual). El principal responsable del grupo El Paso. Sus primeras obras arrancan del surrealismo, pero desde 1955 estando en España

comienza una pintura gestual, de gesto automático, cercana a Pollock y De Kooning, pero también a Wols y Appel, y, sin abandonar nunca del todo la figuración, que para él constituye el esquema imprescindible para no perderse en el caos.

Hace una pintura violenta, cargada de expresividad, con muy pocos colores, sobre todo, negro y blanco, en sus últimos años amplia su paleta.

Sus temas u obsesiones son pocas y repetidas: mujeres, crucificados, personajes históricos, multitudes, el perro de Goya, Rembrandt, curas y desnudos. Todos ellos forman una galería de curiosidades, una parada de monstruos, una cámara de maravillas negativa. Transforma en monstruo todo lo que toca.

Sus monstruos no sólo proceden de la Historia, también conoce a fondo el arte anterior a él y lo utiliza, también usa imágnes de la cultura de masas como fotografías de revistas con actrices, sus propias fotografías, también la sexualidad ocupa un tema crucial en su obra. Supone una crítica a la propaganda nacionalista, a la cultura que le circunda, al poder, etc. en general al mundo que le rodea.

Descrito en el punto 3 (gestual).

Manuel Viola (1916/Zaragoza) (1987/Madrid)

Desde 1944 su dedicación por la pintura es plena. Paulatinamente deja el surrealismo para interesarse por la abstracción expresionista. A comienzo de los cincuenta llega a España y se une al grupo El Paso. En este tiempo su estilo se define por completo

Su obra se integra dentro del informalismo castellano, al que aporta un acusado sentido de cromatismo, con colores violentos y contrastados. La luz que introduce provoca un juego dialéctico entre la claridad y la sombra. Se trata, pues, de una plástica vitalista, que introduce en España la pintura de acción, una pintura que, sin ser figurativa, estimula la imaginación.

Desde finales de los años 50, asimila el negro como protagonista de su pintura, como negación de la tela. Son telas negras cargadas de golpes de color (blanco, rojo, amarillo) aplicado de forma violenta. La monumentalidad dramática de sus pinturas sobrecoge al espectador, que puede percibir cómo el espacio surge en forma de la luz (El espacio por la luz). En sus propias palabras: “Para mi necesidad plástica, el color no es color, sino el testigo de la luz y las tinieblas”. Entronca con una pintura tenebrista-expresionista (Zurbarán, Goya, Velázquez), pero también con una luminosa y opulenta (Rubens), todas de gran plasticidad.

Tema 8. EL POP ART, LA NUEVA FIGURACIÓN Y LOS REALISMOS

1. Introducción. Terminada la II Guerra Mundial, la reactivación económica de los años 60 trajo un cambio en los gustos estéticos, de manera que se reaccionó contra el expresionismo abstracto de los años de guerra, una de las reacciones fue la abstracción pospictórica, la otra el pop – art, esta corriente reacciona desde la figuración que se va a servir para sus creaciones de objetos cotidianos con técnicas de cine, publicidad, comic, etc. Pretenden reflejar la vida urbana, mantenerse al día y convertir el arte en la vida misma, aunque también hay una profunda crítica a la sociedad de consumo. Sus obras están llenas de cosas “super – reales”.

2. El Pop art. Pop, es la abreviación del inglés popular, que alude a lo masivo y comercial. El término arte Pop denomina a un acontecimiento estilístico ocurrido en el arte occidental, aproximadamente entre 1956 y 1966, en Inglaterra y E.E.U.U., que surge como oposición al expresionismo abstracto. Fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine erótico. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. Es básicamente, entonces, un arte conceptual que contiene diversos aspectos en su desarrollo, debido a la investigación plástica de sus miembros, quiénes pasaron por el "chorreo", las esculturas blandas, la serigrafía, el collage, los objetos, etc. En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo. Las características del arte pop son las siguientes: 1-. Es figurativo y realista (aspecto este último que las vanguardias habían olvidado desde el Realismo del siglo XIX), pero con pleno dominio de todas las técnicas aparecidas entre el siglo anterior y los años sesenta del siglo XX. 2-. Tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres,está enraizado en el medio ambiente urbano, y en los aspectos especiales de éste: comics, fotos, publicidad, Hollywood, los parques de diversiones, los medios de masas en su faceta más sensacionalista, los artículos domésticos, las bencineras, los hot- dogs y el dinero. 3-. Los motivos son no tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo. Las imágenes con que trabajan los artistas son obvias: la Gioconda, Elvis, dólares, etc., y cuándo las imágenes no lo son, por lo menos han sido bastante publicadas, como las fotos de sillas eléctricas, choques de autos, la bomba atómica y otras del mismo estilo. Con esto, se plasma las constantes de interés: la fama, el glamour, la muerte, la violencia. Además, con la repetición de imágenes (rostro de Marilyn, por ejemplo), se reduce al "famoso" a un mero elemento de composición. 4.- también es popular, pasajero, de bajo costo, producido en masas, fácilmente olvidable. La ilusión de volumen se da por superposición de planos . 5.- Se mantienen las proporciones, desaparece el claroscuro, la transparencia y toda pincelada que haga reconocer al artista.

Principales representantes, en EEUU: Robert Rauschenberg: ropa de cama, botellas de Coca Cola; Jasper Jons: bandera americana, latas de cerveza, dianas; Roy Liechstenstein: comics sentimentales y de violencia; Andy Warhol: (serigrafías) latas de alimentos, personajes famosos (Marylin Monroe, Mao) accidentes de autos, dólares, autorretratos; Christo: esculturas envueltas en plástico o materiales biodegradables, envoltura de monumentos o edificios. En Inglaterra: Richard Hamilton: collages. En Reino Unido Eduardo Paolozzi: fotografías de objetos en microscopios, aviones. Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre 1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes El autor más conocido es Andy Warhol (1930 – 1987), quien tras graduarse en Arte Comercial se instaló en Nueva York, colaborando con diferentes publicaciones como ilustrador, y publicista, para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En los años 60 se dedicó a la pintura realizando su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de grand formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell En 1963 inauguró en Nueva York “La Factory”, un taller desde el que impulsó diferentes actividades artísticas. A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale Su labor pictórica es intencionadamente superficial, despersonalizada y repetitiva, rechaza la originalidad de la obra de arte, muchas de sus creaciones fueron reproducidas por medios mecánicos como la proyección fotográfica o la serigrafía. Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

Otros autores importantes: - Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005), se le puede considerar el primero con su obra realizada en1947 “I was a rich man’s playting” (“Yo era el juguete de un hombre rico”); collage sobre papel, 35,5*25,5 cm, donde ya aparecen, aunque de manera rudimentaria, elementos de una sociedad de consumo todavía incipiente y una pistola que dispara la palabra pop. - Richard Hamilton (nacido en 1922), presenta en 1956 en la exposición titulada “This is Tomorrow” (Esto es mañana) un collage que ha sido considerado, por otros autores, como la primera obra Pop: “Just what is it that makes today’s home so different, so appealing?” (Exactamente ¿Qué es lo que hace al hogar de hoy tan diferente, tan atractivo?). En esta obra están ya todos los elementos iconográficos propios del Pop: televisor, magnetófono, aspiradora, un cómic ampliado y enmarcado, la lata de jamón de York... La suma de todos estos

componentes es lo que da respuesta al interrogante planteado por Hamilton. También presente enla obra el ingrediente erótico, que será una de las constantes de este arte.

Paolozzi Hamilton - David Hockney (nacido en 1937), nos deja muchos cuadros dedicados a su familia, amigos e incluso autorretratos. Después también se interesa por los embalajes y por las piscinas de los chalets lujosos, con los efectos del agua. Como retrato de familia citamos “El Sr. y la sra. Clarck y Percy” (1970, acrílico sobre lienzo), donde el preciosismo del artista raya a una altura colosal, con muestras de surrealismo, optical, expresionismo, pop, minimalismo... consiguiendo, que esta obra sea la mejor representación del manierismo contemporáneo. -Allen Jones (nacido en 1937), decididamente erótico e incluso pornográfico especialmente con sus esculturas de fibra de vidrio, como por ejemplo “Girl table”. En su pintura podemos citar “Man-Woman” (Tate Gallery, Londres), óleo sobre lienzo que sin embargo está tratado semejandoacrílicos, recortes y collages.

Hockney. El Sr. y la sra. Clarck y Percy Allen Jones .Man-Woman Artistas norteamericanos darán continuidad a esta propuesta de apropiación de la iconografía simbólica de la cultura de masas comenzada por Paolozzi y por Hamilton. -Robert Rauschenberg (1925-2008), se consagra internacionalmente en 1964 en la Bienal de Venecia que le otorga el primer premio. Realiza las “combine painting” inspiradas en la “all sound music” de John Cage. No escapa al expresionismo abstracto, pero pronto se inclina por nuevas experiencias como utilizar objetos descontextualizados para producir un cambio de significación. La diferencia con Marcel Duchamp reside en que éste pretende asombrar, de subvertir la tradición, mientras que Rauschenberg trata de crear otros objetos a partir de objetos percibidos de otra manera. Son obras representativas “Coca-cola plan”, “Monograma”, “Jeroglífico” y ya más cercano al pop “Tracer” (1963, óleo y serigrafía) - Jasper Johns (nacido en 1930), se interesa por la ambigüedad de los sistemas de signos que utiliza la sociedad contemporánea (números, banderas, dianas, más adelante, mapas), que para él son elementos exteriores previamente formados, convencionales, despersonalizados, objetivos, y los vacía de contenido a fuerza de repetirlos y agrandarlos en series, lo que se convertirá en una forma habitual del trabajo entre los artistas pop. Famosas son sus series de banderas americanas o de dianas como “Diana con cuatro caras” (1955), “Tres banderas” (1958). Después elige números y letras, pero pronto comienza a introducir objetos físicos como “Casa de locos” (1962) y también a mostrarlos sueltos como esculturas realizadas en bronce (“Linterna I”, “Bombilla inglesa” de 1968). Su obra es neutral, consiste en la creación de un objeto nuevo, de uso común o del imaginario del ciudadano medio americano;

resulta atrayente, ingeniosa, nada emotiva, pero encierra a su vez un sentido crítico que hace plantearse una serie de preguntas nada fáciles de responder y que despejan el camino a los siguientes artistas.

Rauschenberg Jasper Johns. Diana con cuatro caras En el pop americano hay dos figuras emblemáticas: Andy Warhol(ya visto) y Roy Lichtenstein. -Roy Lichtenstein (1923-1997), ya a finales de los cincuenta hacía cuadros de expresionismo abstracto en los que incluía personajes de Disney. A comienzos de los sesenta, conoció a Allan Kaprow y, a través de él, entró en contacto con el grupo de happenings; a partir de entonces hizo sus primeras pinturas pop con personajes de cómic y de envoltorios de chicle. En sus cuadros, como Whaam!, utiliza de manera sistemática la trama tipográfica de la imprenta como base –como estilo- y las tiras de cómic como motivo iconográfico; Lichtenstein dice “los acepto como cosas que están ahí, en el mundo... Los signos y las tiras de cómic son interesantes como tema. Hay algunas en el arte comercial que son útiles, están llenas de fuerza y vitalidad”. Whaam! (1963, 172*269 cm, dos paneles juntos) Su interés por el cómic le viene del contrate entre la fuerza emocional de los temas que tratan –el amor, el odio, la guerra...- y la técnica distanciada, fría, estándar e impersonal que utilizan. Igual le sucede a él en sus pinturas, presenta temas emotivos de un modo frío y formalista, simplificando al máximo el color y la forma, dando igual importancia a las cualidades abstractas y decorativas de la pintura, sin que, aparentemente, se pueda detectar la personalidad del artista. La perfecta realización, la pulcritud de los dibujos, la limpieza de los colores, las tramas exactas, los textos explicativos o las palabras onomatopéyicas son de una neutralidad tan gélida que por exagerada nos emociona, y en estos momentos, vistas con la distancia del tiempo, se tornan emotivas e íntimas.

Rubia esperando We Rose up Slowly, (1964)

Fue un pintor en el sentido más tradicional de la palabra, lejos de trabajar como una máquina como muchos críticos le reprocharon. A él le gustaba hacer sus propias pinturas y además quería que fuesen obras de arte. La técnica que utilizaba era partiendo de un dibujo dado, de un cómic, hacía un boceto con las formas básicas y los colores, lo trasladaba con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, utilizando las tintas de la imprenta –la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco- hace primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos, con un ayudante, como hacían los clásicos. Tom Wesselmann (1931-2004), destacan sus grandes desnudos, gigantescas madonnas modernas a las que adorar enteras o por partes, eso sí las partes más eróticas. Con el recuerdo de Matisse en la simplificación de los colores, la planitud y la sensualidad, empieza por hacer una serie de collages “Pequeño gran desnudo americano” (1961), jugando con el término “gran” que se aplicaba al sueño y a la novela americana. En busca de otra escala realiza los Grandes desnudos en los años sesenta que a veces lleva a las tres dimensiones. Con telas superpuestas en varios planos, colores lisos y formas simplificadas al máximo, hace una imagen que resume las aspiraciones de la sociedad de consumo tal como las presenta la publicidad o el cine, por medio de metonimias: gruesos labios rojos, dientes blancos, melenas rubias, etc. También realiza assemblages de tamaño natural, como los Cuartos de baño, de 1963, en los que a la pintura se unen objetos de verdad: sus grandes desnudos pintados aparecen junto a botes de champú o laca de uñas, cortinas y toallas de baño de verdad, o se dejan ver por una puerta abierta, como para los ojos de un voyeur.

Gran desnudo americano, 1968 Collage en la bañera (1963), óleo y assemblage sobre tela - James Rosenquist (nacido en Dakota del Norte, 1933), publicista y escaparatista lo que determina su obra. Son famosas “I love you wilh my Ford” (Te amo con mi Ford) (1961), óleo sobre lienzo, o F-111 (1965), mural. - Claes Oldenburg (nacido en Estocolmo en 1929), nacionalizado estadounidense. Quizá el primero de los denominados “esculto-pintores”; con una enorme influencia de los ready-made y del surrealismo de Dalí (“Máquina de escribir blanda” de 1963) cargado todo ello con una fuerte crítica sobre la banalidad de la civilización urbana, su suciedad, blandura, falta de imaginación y reflexión. - Oldenburg parte de objetos cotidianos, banales y los somete a una doble metamorfosis: cambia los materiales y altera el tamaño, los materiales son blandos (telas, plásticos...) y el tamaño de las cosas crece desmesuradamente. Por este proceso de metamorfosis el artista desnaturaliza el objeto, lo hace otro, sin dejar de ser el mismo, porque siempre es reconocible; enseña a ver de otro modo aquellas cosas que vemos a diario sin reparar en ellas; plantea preguntas sobre la función de la obra de arte y su estatus en la sociedad contemporánea; pero también quiere ampliar la experiencia estética al campo de los palpable, por eso su obra se dirige tanto a la vista como al tacto; en lugar de pintar el objeto le interesa hacerlo palpable, pasar del ojo al dedo. En 1992 realizó para Barcelona la escultura “Mistos”.

Te amo con mi Ford Teléfono público blando, 1963. Vinilo relleno con fibra, sobre tabla. -Otros artistas del Pop: Indiana, D’Arcangelo, Ton Wolfe, Al Bengston, Edward Ruscha, Mel Ramos, Wayne Thieband. En Francia sobresalen M. Raysse y A. Jaquet; en Italia, M. Rotella, Pistoletto y M. Cerolli; en Bélgica, P. Mara; en Alemania, W. Gaul y G. Richter. -En España el grupo valenciano Equipo Crónica formado por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo (éste último se retira pronto); los tres pintores se definen como un grupo de trabajo, con métodos colectivos y fines supra-individuales. En su serie “La recuperación” de 1967-69, los motivos protagonistas son los mitos de la España del siglo de Oro en el contexto de los años sesenta. Desmitificándolos al sacarlos de su contexto habitual y colocarlos en un ambiente moderno.

Las meninas 3.- la nueva figuración: La Neofiguración o Pintura Neofigurativa es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y de manera expresionista. Surge como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial, en especial durante los años 1950 y 1960. El término fue acuñado a principios de los años sesenta con motivo de dos exposiciones llevadas a cabo en la Galería Mathias Fels de París. La primera tuvo lugar en 1961 y la segunda en 1962, en cuyo catálogo Michel Pagon acota el nombre. Se trata del surgimiento de una alternativa respecto a las tendencias dominantes de abstracción y el reciente nouveau realisme (nuevo realismo). El término agrupa artistas de tendencias muy diversas que participan del subjetivismo y de cierto tratamiento informal, al tiempo que recurren a la representación figurativa. Entre los más destacados están Appel, Jorn (llamado Asger Oluf Jorgensen), Bacon o Dubuffet. La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad («iconocidad»), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas, como las obras de Francis Bacon, compuestas de manera desordenada (grupo Cobra). A lo largo de los sesenta la expresión se aplica a una sensibilidad figurativa más fría y distanciada, que se extiende por Europa como contrapunto al arte pop americano. Estos artistas, Adami, Arroyo, Erró, Klasen, Monory, Stampfli o Télémaque, no presentan un estilo unificado pero si podemos detectar en sus producciones técnicas similares: encuadres cercanos a los del cine y el cómic, pintura al acrílico en grandes superficies lisas, utilización de la fotografía y el episcopio.

En 1964 supone el reconocimiento oficial del grupo gracias a la exposición "Mitologías cotidianas". El desarrollo personal de los autores que integraron el movimiento hizo que se fuera perdiendo la identidad colectiva del grupo a lo largo de la década de los setenta. Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami (pintor), Raysse, Klasen, Proweller) y la centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré). El pintor más representativo es el irlandés Francis Bacon, quien retrata la soledad, el horror y la angustia contemporáneas en sus figuras aisladas y deformes. Ejemplo: Estudios sobre el retrato del papa Inocencio X, de Velázquez. Entre los artistas neofigurativos famosos se encuentran Jorge Figueroa Acosta, Fernando Botero, el Grupo Hondo (España), Antonio Berni, Verónica Ruiz de Velasco y Oswaldo Viteri. Derivaciones de esta tendencia son los pintores realistas del grupo alemán Zebra y los muchos hiperrealistas estadounidenses. 4.- tendencias neoconstructivistas: Neoconstructivismo o neoconcretismo. Frente a los estilos abstractos de otros movimientos, continúa en la segunad mitad del siglo XX, aquella modalidad de abstracción que con carácter constructivo, concreto y no abjetivo se fundamenta en estructuras y figuras geométricas que constituyen el eje fundamental del cuadro. Ahora se llamará Neoconstructivismo o Neoconcretismo, corriente que sería heredera y continuadora de loa primeros constructivismos, ruso,centroeuropeo y holandés de las primeras décads del siglo y posee las mismas características que aquellos: la de ser un arte netamente geométrico, plasmado en figuras y tramas ordenadas (el Constructivismos geo métrico de tipo anaraquico y desordenado no tendrá lugar ahora). La fascinación y el misterio por lo geométrico iniciados por el filósofo griego Pitágoras en el siglo V a.C., seguía atrayendo al hombre de forma filosófica y artística. Las personalidades de Malevich, mondrian,…continuaran ahora siendo las fuentes de inspiración. En el año 1960 hubo una gran exposición de arte concreto que tuvo lugar en Zurich. Dos artistas van a actuar de puente entre el Constructivismos de la primera mitad de siglo y el de la segunda, al vivir y trabajar en las dos mitades de la centuria; ambos provienen de la Bauhaus alemana, uno como profesor y el otro como alumno de dicha entidad: el alemán Josef Albers y el suizo Max Bill. También Ben Nicholson Por otro lado, y como una derivación de ese Neoconstructivismo, emerge un arte abstracto geométrico que producirá unos efectos visuales ilusorios, sumergiendo al espectador en una realidad virtual. Sería el llamado Op-art, que también será continuador del primer constructivismos, aunque va a ser más innovador que el Neoconstructivismo, ya que la investigación óptica virtual no tenía precedentes artísticos. Op-art (derivación del neo constructivismo) El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Las mayores influencias artísticas de este movimiento son el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl o neoplasticismo y el Bauhaus. Además de tener importantes influencias intelectuales, psicológicas y científicas sobre la fisiología y la percepción. El Op-Art se caracteriza por varios aspectos: 1.- La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. 2.- Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra. Algunos teóricos han interpretado el nacimiento del Op Art como una reacción contra el expresionismo abstracto, el estilo dominante en la pintura estadounidense desde la década de los 50. El nuevo estilo era ligero y desenfadado, y se desmarcaba de solemnidad espiritual de un Mark Rothko o un Pollock. Como pionero de esta frivolización del arte, el Op Art también preludiaría la llegada del "arte de broma": el Pop. Artistas representativos: Víctor Vasarely Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo. Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga. Entre 1936 y 1948 participa en el Salón de los Surindependientes y en el de las Nuevas Realidades. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. 5.-NUEVOS REALISMOS: Nuevo realismo (en francés, Nouveau Réalisme y en inglés New Realism) es un movimiento artístico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany (quien en 1960 publica un manifiesto donde lo

define como un nuevo enfoque de lo real, firmada el 27 de octubre de 1960, en el taller de Yves Klein, por nueve personas: Yves Klein, Arman, Francois Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely y Jacques de la Villeglé) y el pintor Yves Klein durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años sesenta del siglo XX. Aplicado a las corrientes de reacción contra el expresionismo abstracto, se caracteriza por recurrir a la apropiación de imágenes triviales realistas, representando objetos de deshecho de la sociedad, así como imágenes obtenidas de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la industria. Técnicamente, gusta de los assemblage y del azar, recordando en todo momento la importancia de lo real, sin ser necesaria para ellos la transposición de emociones. Arman, Daniel Spoerri y Jean Tinguely, son algunos de sus miembros más destacados. Su obra ejerce importante influencia en el sucesivo tratamiento del objeto. Son contemporáneos del Pop Art estadounidense, y a menudo son vistos como su trasposición a Francia, por su uso y su crítica de los objetos comerciales producidos en masa, como los carteles cinematográficos rasgados de Villeglé, o las colecciones de basura y escombros de Arman. No obstante, el Nuevo Realismo mantuvo una relación más cercana con el dadaísmo que con el Pop Art. De hecho, su segundo manifiesto, escrito entre el 17 de mayo y el 10 de junio de 1961, se tituló 40° au-dessus de Dada (40º por encima de Dadá). Klein, sin embargo, tomó cierta distancia en fecha tan temprana como 1961, rechazando la herencia dadaísta. Se disolvió en 1970. La primera exposición de los «Nouveaux réalistes» tuvo lugar en noviembre de 1960 en el festival de Vanguardia de París. Esta exposición fue seguida por otras: en mayo de 1961 en la Galería J.; en Nueva York en 1962 y en la Bienal de San Marino en 1963 (que sería la última muestra colectiva del grupo). El movimiento tuvo dificultades a la hora de mantener un programa cohesivo después de la muerte de Yves Klein. Fuera de Francia, cabe citar a pintores estadounidenses y británicos como Lucian Freud, Alex Katz, Alfred Leslie y Alice Neel. Su movimiento se denominó New realism, y presentan algunas diferencias con sus homólogos franceses. Así, aunque abordan temas de la vida cotidiana, suelen practicar un arte realista que recuerda a la Nueva objetividad. Concepciones del Nuevo Realismo Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que ellos tomarían partes y las incorporarían a su obra. Buscaban unir lo más posible la vida y el arte. Estos artistas declararon que se habían juntado sobre la base de su «singularidad colectiva», queriendo decir con ello que se habían unido a pesar de, o quizás debido a, sus diferencias. A pesar de toda la diversidad de su lenguaje plástico, percibían la existencia de una base común para su obra, siendo éste un método de apropiación directa de la realidad, equivalente, en términos de Pierre Restany, a un «reciclado poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria». Abogaban por un regreso a la «realidad», en oposición al lirismo de la pintura abstracta, pero evitando las trampas del arte figurativo, al que consideraban o bien pequeño burgués o realismo socialista. Usaban objetos exteriores para explicar la realidad de su tiempo. Aplicaron la técnica del décollage (lo opuesto a los collages), en particular a través del uso de carteles rasgados o lacerados, una técnica de François Dufrene, Jacques Villeglé, Mimmo Rotella y Raymond Hains. A menudo estos artistas trabajaron en colaboración y era su intención presentar sus obras de arte en la ciudad de París de manera anónima. Análisis crítico Los artistas recuperan los objetos de la sociedad para hacer reliquias, símbolos potentes del consumo. Un ejemplo son las compresiones de César, que ponen en escena automóviles, siendo el objetivo transformar un objeto de culto de nuestra sociedad y hacer algo distinto, a través de sus formas geométricas.

Se constata también la desaparición del material noble, los nuevos realistas ya no utilizan bronce o piedra, sino chapa o cemento, materiales industriales. «La escuela nizarda ha venido a enseñarnos la belleza de lo cotidiano. Hacer del consumidor a un productor de arte. Una vez que un ser se integra en esta visión, ser vuelve muy rico, para siempre. Estos artistas quieren apropiarse el mundo para dárselo. A ustedes les corresponde acogerlos o rechazarlos». El objeto como material Los «ensambladores» realizan montajes de diversos objetos, desde la ropa interior femenina hasta piezas metálicas. La acumulación de Arman, es una aglomerado de coches de marca Renault, que trabajó directamente para encontrar su materia prima. Su obra no tiene utilidad particular sino que quiere sobre todo el movimiento y el color, donde no se retiene más que los efectos plásticos. La materia prima no se desdeña, sino que se utiliza para trabajar sobre ella y convertirla en material. Otra forma de transformar esta materia en material, según César, es su espuma de poliuretano, un material casi vivo que escapa al control del artista, es la materia la que fija sus propios límites, y la obra se independiza del proyecto plástico. Gérard Deschamps, por su parte, ensambla trapos, ropa interior femenina (lo que hizo que le censuraran en numerosas ocasiones) o expone toldos de indicación del ejército americano, placas de blindaje, chapas onduladas irisadas por el calor, patchworks, globos en cajas en plexiglás o en redes, monopatines, «pneumoestructuras» hechas de boyas o colchones neumáticos, y velas. El objeto como rechazo También es ensamblador Daniel Spoerri, cuya obra da cuenta de la sociedad de consumo que come. Usa los cubos de basura de sus vecinos, de su congéneres. Se trata de coger un momento importante del día, que es fijo y reinvertirlo en el arte. La resina se pega contra la pared como una tela. Su pretensión es fijar el tiempo de un momento considerado agradable mientras que la sociedad quiere cada vez más hacer de él una mercancía y presionar. La comida no es ya el momento distendido que era antes, sino que se convierte en el nuevo objetivo de las grandes sociedades de consumo, que se encuentra más a menudo en una sucursal de comida rápida que en la casa de cada uno. Hay que hacer algo rápidamente, de manera simple, sin que importe si es realmente bueno. Es necesario hacer rápidamente, alimentarse, comer, bulímicamente, para llenarse, Spoerri hace hincapié aquí en la necesidad de una vuelta a las fuentes, y de otro tipo de sociedad de consumo. Fundó en 1962 el grupo Eat art («arte de la comida»). Un itinerario paralelo, aunque distinto, siguen los llamados «cartelistas», como Jacques de La Villeglé, Raymond Hains, François Dufrêne y Mimmo Rotella, quienes se vuelven hacia el universo de la publicidad y de la sociedad de consumo, seleccionando carteles que quitan, superponen, desgarran y recomponen Las «Actions-spectacles» Las «Actions-spectacles» (Acciones-espectáculo) son lo que más tarde se llamarán performances donde la obra de arte se construye (o se destruye) delante del público. Uno de los ejemplos más conocidos son las anthropométries («antropometrías» o «mujeres pincel») de Yves Klein, en las que el pintor cubría de azul ultramar a una serie de mujeres jóvenes desnudas que ruedan sobre una tela blanca, dejando el rastro visual de sus movimientos. Este azul es el color azul intenso patentado por Klein como el International Klein Blue o Azul Klein Internacional (IKB, =PB29, =CI 77007). ESQUEMA REALIZADO POR: VANESSA CORCHADO CABALLERO.

TEMA 9. FUERA DEL CUADRO: NUEVOS LENGUAJES

1. La pérdida de la materialidad en el arte

Segunda mitad del s.xx se rompe el esquema de análisis del arte a través de los criterios de:

“noción estilo” como nomenclatura temporal (Barroco, Romanticismo etc...) evolución continuada (según difs. criterios…)

A partir de entonces el arte se convierte en algo distinto:

Construcción ideológico-formalista de Alfred Barr y crítica de arte de Clement Greenberg. Ambos crean un puente entre la concepción pictórica del Renacimiento y las primeras vanguardias dando lugar a una concepción formalista del arte

Crisis de la visión formalista de la modernidad artística y de una aproximación metodológica que enlace el pasado con la Historia del arte del s.xx

Dificultad de utilizar categorías de análisis existentes para las nuevas realidades artísticas (surrealismo, dadaísmo: “la bailarina de los ismos” que diría Damián Bayon)

Características más importantes de la situación actual:

Inexistencia de un sistema y una “voluntad de estilo” Eclecticismo del “todo vale”(cultura de supermercado) Doble interpretación: Positiva(recuperación de tendencias y valores que el mov.moderno había

ido dejando de lado) y Negativa(estancamiento del tiempo artístico) El multiculturalismo reemplaza el mono-culturalismo dominante del pasado inmediato De-semantización del símbolo artístico como resistencia a la utilización unilateral de la imagen

(crítica al sistema y al uso comercial e instrumentalización política) -Ultimo momento clásico: el lirismo subjetivo del informalismo: La huella de la mano:

La mano se convierte en lenguaje abstracto-subjetivo en la que el gesto desnudo era prueba y señal a la vez (lenguaje de lo íntimo y personal)

Su alta tensión emocional y la imposibilidad de que no derivase en una retórica de estilo provoca su progresiva desaparición del panorama artístico. (Análisis del libro de Calvo Serraller)

Crisis del informalismo debido a:

Agotamiento de una concepción del mundo (el elemento simbólico de la guerra fría) Regeneración generacional ante un nuevo escenario internacional que rompe la anterior

simplificación maniqueísta (moral y política: guerra fría) Nuevas propuestas basadas fundamentalmente en la desvalorización del objeto tradicional y nuevo interés por el proceso de creación más que por el resultado en sí. Se establecen dos tendencias: El arte como acción y el arte como lenguaje (siendo sus límites difusos).

2. LA VIOLENCIA DE LA ACCIÓN: Happenings, performance…

Imposibilidad o dificultad en su categorización (reminiscencias futuristas, dadaistas etc… en las acciones de George Mathieu y el grupo Gutai, Kein en Francia-ver imagen)

Origen del término “happening” en Allan Kaprov, 1958 Comparte “el gesto ”informalista pero lo desgaja de su papel de “medio”

El “gesto” como obra trasladando el arte gestual d e Pollock a las performances, happenings y acciones.

Incorporación del espectador a la obra de arte (hibridación de difs.géneros) El happening busca la participación del espectador, la performance no Allan Kaprow y Pierre Restany: fundir arte y vida (aspiración vanguardista) Mecanismo de comunicación y técnica de participación colectiva: el espectador co-autor

(Happening:-superación de la dialéctica ficción-realidad) Pasar de observación a experimentación y la influencia y descubrimiento del entorno Reseñables los Happenings de Robert Rauschenberg y las Performance de bruce Nauman.

Salto al vacío: Yves Klein(1960) caída: Bas Jan Ader (1970).Ámsterdam Dibujo de Kooning borrado: Robert Rauschenberg(1953) En cuanto a la performance:

Novedades: El factor espacial y temporal claramente determinados (frente a conceptos tradicionales), para mostrar su caducidad

Empeño de representar lo real eludiendo el uso del símbolo, verdadero proceso de sublimación metafórico del arte

Bruce Naumann: tortura del Payaso(1987) Las Performance de Joseph Beuys (1921-1986) Características:

Abrir la percepción del espectador a diversos elementos sensoriales (didácticas) Su obra es individual y en ella el mito, razón e intuición se funden en un nuevo sentido Dibujos delicados de procesos vitales y simbolismo material y primigenio En un objeto introduce una variante que nos hace verlo “por primera vez” Ej: Silla de grasa: Al añadir lo “ideal” grasa-blandura del asiento, la silla pierde su función

corriente. Así Beuys nos empuja a la reflexión sobre la función de las cosas y los deseos de nuestra vida

Ej: como explicar los cuadros a una liebre muerta: en la que dando una dimensión global y sinestésica a lo que tradicionalmente se considera un acto visual (pag 253)Silla de grasa: Beuys(1963)

Joseph Beuys: Como explicar los cuadros a una liebre muerta La performance feminista ( años 70):

Influidas por obras de Simone de Beauvoir, Betty Friedman y Judith Butler, además de Judy Chicago y Miriam Shapiro

Elemento reivindicativo de visibilización de la otredad (temas de dominación patriarcal) Betty Friedman y su obra: “La mística de la femineidad”(1963) Busca la expresión de una problemática a la vez que una toma de poder de la mujer Redefinir lo conceptos patriarcales de mujer y su representación icono-fetichista Búsqueda de una “posición activa” contra el talante patriarcal y de representación de la sociedad

patriarcal, en busca de una autoliberación artística

Judi Chicago.”The dinner party” y “ hogar dulce hogar” Bomba femenina de Nancy Spero (1966)

3. Land Art: Dramatización del paisaje (Ppios años 70)

Surge de los campo de color del informalismo llevados a escala monumental Para cambiar la mirada (“Ready-made”) Espacio natural como medio de intervención artística que cambia la propia concepción del espacio Connotaciones primitivistas pre-modernas ( en busca del mapa simbólico- hacia las raíces), como

viaje iniciático ( ej, del “grand tour” del XVIII) Vida como horizonte de libertad y descubrimiento personal (“salvaje oeste”) Obra como espacio abierto en una declaración de intenciones estéticas Formas elementales y geométricas (minimal-art). Para Rosalind Krauss (“sculpture in a expanded field”- escultura extensa) Sentido de de-materialización, posición indeterminada entre arte y vida Destacar dos tipos de obras: monumental-sublime (Walter de María concepto de sublime y

adaptación minimalista-“campo de relámpagos” del paisaje con reminiscencias románticas de Friedrich y Robert Smithson, con su “Malecon en espiral”-dibujo sobre superficie-contrastes y perspectiva irreal).

No olvidar la obra de Nancy Holt(1938) y sus túneles-catalejos del paisaje con una mirada plural y

diversa a través de los puntos de luz creados mediante agujeros (rompiendo la mirada falocrática-unidireccional)

Inclinación hacia la obra no perdurable sería el segundo de los aspectos ante señalados (solsticios, etc…)

Tema ecológico y mitificación del paisaje y de la tierra

Spiral Jetty: Robert Sminthson Islas rodeadas: Claude Túneles de sol: Nancy Holt Campo de relámpagos: de María

4. Body Art o el sentido del cuerpo

Cuerpo humano como soporte de la actividad artística Pinturas corporales de Yves Klein o Pedro Manzoni y sus “esculturas vivientes”(1961)-cuerpo

firmado-estatus de obra de arte Un paso mas-todo lo que viene del propio cuerpo se convierte en “material artístico”(leyenda del

rey Minos) El accionismo Vienés (Hermann Nietsch, Gunter Brus, Otto Muehl y Rudolf Schwarzkoger):

Perspectiva sicológico-social en la indagación experimental sobre el cuerpo(arte-vida) Componente catártico dolor-placer en una representación simbólica y socializante del sexo, muerte

etc… Se exponen las antiguas limitaciones de la libertad de ser para una nueva identidad Denuncia social sobre la opresión y la experiencia del cuerpo individual jugando siempre con los

límites de lo público-privado Artistas como Chris Burden (“deadman”), Vito Acconci(“Seed Bed”, simulación de

masturbación-fertilización, Ulay Abramovich, o Ana Mendieta y sus rituales de curación simbólica.

Obras entre lo conceptual y el Body Art “posiciones de lectura para quemaduras de segundo grado” de Dennis Openheim.

Huellas azules: Klein Inponderabilia dando vida posiciones de lectura… aliento de artista

5. Arte conceptual y el pensamiento visual (a partir de la crisis de los 60)

Acción/obra que cuestiona el arte como fetiche-mercancía Artista solitario como maestro y construcción de un ejercicio de pura visualidad Para algunos críticos, esto englobaría todos los epígrafes citados y los siguientes Sin embargo distinguiremos aquellas obras basadas en la acción y el arte conceptual de

componente analítico y no comportamental Es pues, arte bajo el signo de los conceptos con dos tendencias: -la que analiza el sistema

lingüístico y la que analiza la percepción de ese lenguaje: la lectura Se hace uso de representaciones frías-neutras mediante técnicas museísticas Serán ej. Importantes: Joseph Kosuth con su “una y tres sillas” y su trinidad conceptual y

connotaciones aristotélicas. La voz en off de los carteles escritos a maquina que acompaña a las obras (Dios teórico)-

entronización del lenguaje con respecto al objeto (cambio) Otros lenguajes no tan explícitos como la metáfora de las tres coca-colas (tesis-antítesis y síntesis

hegelianas) Representación de la representación(no de la realidad) Para Peter Osborne el problema radica en la definición de algo que define En términos históricos como propio del movimiento de “desmaterialización” Función de los textos en el contexto artístico (Yoko Ono:”instrucciones para pintura” donde, según

Osborne se invita a participar siendo el texto necesario para la comprensión de la propia obra En la obra de Jenny Holzer los mensajes se introducen a través de un lenguaje publicitario y cómo

Victor Burgin “Posesión” juega a la descontextualización de la imagen por medio del texto con un componente de análisis-reflexión crítica, como hará On Kaawara en su reflexión sobre el tiempo de “Me desperté a las…”

Una y tres sillas: Kosuth Proyecto Coca-cola: Cildo Meireles Sobrevivir: Jenny Holzer Posesión: Víctor Burgin

6. Minimal y Povera: Dos construcciones físicas diferentes (Norteamericano y Europeo-Italiano)

Transición entre el final de la pintura abstracta surgida del informalismo y la obra conceptual Distintos desarrollos entre una percepción visual y conceptual moralizante Se sitúan en contra de la emotividad artística de los informalistas a favor de objetividad perceptiva

dentro del propio idioma abstracto trabajando fundamentalmente la visibilidad (Newman, Reinhardt y Rothko.

Reduccionismo y “objetualización”, se resalta la superficie plana del cuadro “bidimensionalidad” de Greenberg (paradoja óptica del cuadro-objeto) Del racionalismo de la forma y el espacio al “misticismo matemático”: El Op Art y el

descubrimiento geométrico de la pintura (Max Bill, Soto, Agam etc.) Vocabulario reducido de carácter geométrico y empleo de elementos prefabricados: de creación a

producción de las cosas-mercancía (igual al Pop) Rechaza toda referencia todo lo que esté mas allá de la obra en cuestión. Los artistas minimal mas

conocidos como Donald Judd, Carl André, o Richard Serra La udad. básica de inteligibilidad no será la obra sino el número siendo una fórmula mas que una

estructura

Serialización repetitiva similar al Pop (iconografía social), pero construyendo su propio lenguaje en base a geometría simple y universal.

Características para los propios autores y quien los estudia:

Claridad perceptiva y equilibrio entre forma y escala Máxima legilibilidad y sistema de reglas autorreguladoras Ausencia de ambigüedad o retórica Su tridimensionalidad dentro del espacio real impide su interpretación metafórica (es un arte

ensimismado-autoreferencial). Concepto de instalación. Relación estructural que subordina las partes al todo (Donald Judd) Como menciona Rosalind Krauss evitan la composición relacional Según Krauss el significado surge del espacio público y depende de lo que nosotros seamos

capaces de percibir en esa interacción Michael Asher encuentra una iconografía oculta de lo cotidiano, incluyendo así lo minimal en un

espacio histórico-social. En cuanto al Povera :

Movimiento italiano surgido en 1967 y liderado por el crítico Germano Celant Descubrimiento de nuevos materiales (industriales, desechos et… Como respuesta a la dureza del arte geométrico, Op art y al carácter normativo del Minima Propone una vuelta a la valoración de lo natural, y subjetivo, emoción y a los valores vitales Para Ana María Guasch reivindica la activación de los materiales (su capacidad de transformación

que adquiere “calidad plástica”) Carácter modesto de los materiales y los procesos a los que los somete:

1. el material, variado y de componente subjetivo, existencial 2. proceso simple de manipulaciones y acciones no industriales

Deseo de recuperar la identidad mediterránea frente a un arte convertido en la mercancía de una sociedad industrial (Ej. “la Venus de los trajes” de Pistoletto).

Similitudes y diferencias entre Povera y Minimal:

El povera usa materiales orgánicos o de animales vivos (Kounnellis) El minimal se basa en la tecnología, frialdad agresiva,… Ambo dotan al material de una importancia mítico-histórica El minimal mira al futuro y el Povera al pasado En ambas el material se dinamiza en el proceso de construcción (Povera como “minimal sucio”) Ambas funcionan entre la “idea” y la “materia” Ambas anticipan la importancia de la instalación como práctica artística de futuro.

Donald Judd terminal: Serra Venus de los trapos: instalación de luces Pistoletto fluorescentes: Dan Flavin

9.La ironía de una figuración culpable

Reaparición de un arte figurativo ecléctico pero no retorno a la tradición clásica Utiliza los hallazgos de lo abstracto con protagonismo de la pincelada Figuras yuxtapuestas y no narradas y colores (Bacon) y líneas (Freud) propio virtuosismo que

amenazan la udad. del cuadro-tensión estilística Distanciamiento del tema y la técnica (como crítica a la pre-modernidad) Uso de lo absurdo y lo grotesco y la burla como intermediarios entre la obra y el espectador. No se basa en representaciones naturalistas sino ha asimilado la crisis de representación según

Valeriano Bozal sobre la representación pictórica No naturalidad del signo pictórico y arbitrariedad donde la pintura al tomar conciencia de si misma

ya no pude ser mera imitadora Como reacción ante el ostracismo sufrido y necesidad de establecer una relación más directa con el

espectador (heterodoxia). Tres estilos que caracterizan a la pintura en los 70 y triunfan en los 80:

1. Pintura figurativa y narrativa con influencias expresionistas… y que une una mirada retrospectiva y una búsqueda europea por recuperar la preminencia pictórica. Arte culto que vuelve a las raíces iconográficas nacionalistas (Alemania, Italia, tb. España).

Refugio del mov. Expresionista que enlaza con la Alemania pre-nazi Neoexpresionismo alemán y transvanguardismo italiano (figuraciones “nacionalistas”) Grupo de los “Neue wilden” caracterizados por: figuración, importancia de la subjetividad del

artista y recuperación iconográfica o intelectual de los viejos maestros (no-formal o estilística)-Anselm Kiefer, Markus Luperz, Rainer Fetting. Revitalizan la identidad nacional usando la mitología alemana.

Siguen a Baselitz y su “inversión del motivo” (pinta o expone boca abajo) sin huir de su carácter ornamental y expresionismo metafórico de la sociedad alemana actual-alegato de la libertad y subjetividad del artista( Luperz o Penck)

Transvanguardia italiana (Bonito Oliva) ecléctica y en la línea alemana pero con sus propias referencias simbólico-culturales (de la “historia” italiana). Para Oliva laminada es hacia el pasado como reacción a la crisis que no comunica, dando importancia al signo y el color en este retorno a las fuentes. Proponen una nueva subjetividad pero, a diferencia de los neo-expresionistas alemanes, se autoexcluyen de los debates sociales y políticos (resurrección del héroe-mito pero ridículo y a la vez necesario). Caracterizados por su eclecticismo, citacionismo y narratividad de gran fuerza icónica (enigma y solución).

En España se muestra un arte que se sale de su “aislamiento” apareciendo nuevos valores al amparo de las nuevas corrientes internacionales (años 80-era del entusiasmo).En la línea de la transvanguardia se recupera un arte figurativo y una pintura simbólica de raíces mediterráneas (Pérez Villalta, Carlos Franco, Miquel Barceló etc…).También se da un estilo neoexpresionista-

Neu Wilde mostrándonos como la pintura española se mueve al compás de la escena internacional entre la neo-abstracción de Barceló, el neo-expresionismo de Verdugo y el residuo Pop algo irónico de Alcolea o Ugalde.

2. La llamada “bad paintng” norteamericana que es su propia versión del neoexpresionismo (Julian Schnabel, David Salle o Eric Fischl), exuberantemente sensual y comercial donde continua el equívoco figurativo-abstracto, narración-decoración. Aspecto premeditadamente incompleto de una “autosuficiencia-desganada” Muestra lo justo para demostrar lo que puede llegar a ser. Juega a su propio “sabotaje” técnico utilizando como excusa temas voluntariamente banales,

en un presente perecedero, y ligeramente provocadores sexualmente.

3. La llamada pintura decorativa o “pattern painting” reivindica su papel decorativo rechazando

cualquier otro, pasando del “horror vacui” al “all over” en un intento de entroncar con el “arte de la calle” (graffiti de Keith Harina, Basquiat…).- Gusto estridente y provocativo tanto cromáticamente como en la relación del lleno y del vacío.

Realizado por: JOSE ELIZONDO GUTIERREZ