ARTE CONTEMPORANEO.

ALUMNOS QUE HAN PARTICIPADO EN ESTOS ESQUEMAS:

MARGARITA GONZÁLEZ RODRÍGUEZ............ 1 MARGARITA GONZÁLEZ RODRÍGUEZ……..…. 2 Mª VICTORIA GALLEGO HURTADO ………..…. 2 LORENA FERNANDEZ GÓMEZ………………..... 3 PATRICIA GARCÍA-LUENGOS CALLEJO…..… 4 Mª JUANA GARRIDO RODRÍGUEZ…………..... 5 ENRIQUE GALLEGO ……………………………..… 6 ROSA M. DE LA TORRE …………………………… 6 MERCEDES PORTERO TORNERO …………..…. 7 ROSA Mª DE LA TORRE TERCERO …………... 8 MARÍA GONZÁLEZ DEL YERRO …………..…… 9 IGNACIO J. ZABALZA ………………..………… 10 MARÍA ISABEL ESPIÑEIRA CASTELOS…..… 11 ANTOLÍN BARRERO PEGADO ………………… 12 Mª VICTORIA GALLEGO HURTADO ……….... 13 PATRICIA GARCÍA-LUENGOS CALLEJO….... 13 PALOMA VALDERAS JARA…………………..….. 13 GUILLERMO DE LA PAZ SERRA MARTINEZ… 14 ANA MARÍA TOLIVIA HUERTA …………………. 15 …..

TEMA 1. EL DESENCANTO DE LA REVOLUCIÓN Y LA CRISIS DEL CLASICISMO

1. (TEORÍA E HISTORIA): El arte como sentimiento / El fracaso de la razón y la importancia de lo mágico / El gusto por lo exótico / La dualidad clásico-romántico

� Desde mediados s. XVIII reacción moral e intelectual contra el arte representativo del lujo refinado cortes europeas, el Rococó � origen en Ilustración (reflexión racional sobre vida que estimulará investigación, progreso y bienestar con fin de mejorar condición humana: hombre es centro mundo y razón regirá sus actos)

� Diderot pide moral artística, acorde con nueva importancia clases medias que identificaban moralidad con virtud cívica y patriotismo, según ideales elaborados por él, Mostesquieu, Voltaire y Rousseau

� Anhelo profundo de purificar la sociedad buscando autenticidad y restablecer leyes naturales basadas en razón que reconociesen dignidad hombre � culto a lo primitivo con recuperación Antigüedad a través de la arqueología (descubrimiento Herculano y Pompeya en 1737 y 1748) y de la literatura de Homero.

� Hacia 1750, Roma será meta donde mejor apreciar nuevo ambiente neoclásico. � Y desde allí, teóricos “restablecimiento artes” serán pintor Mengs y sobre todo erudito prusiano

Winckelmann con su Historia del Arte de la Antigüedad (1764), que elogia clasicismo griego y postula concepto belleza absoluta� el sentimiento es condición indispensable para enfrentarse obra arte, considerándola como algo vivo capaz producir sentimientos. Sentimiento será motor para contemplar belleza, de la cual modelo ideal serán representaciones de héroes de arte griego, que con prudencia contienen llama pasiones � obras neoclasicismo mostrarán distanciamiento y falta expresividad que les hará rozar frialdad.

� Burke escribe en Inglaterra “Indagación filosófica acerca origen nuestras ideas sobre lo sublime y lo bello” (1757): emociones y pasiones ante contemplación estética son fuente creatividad, desconfiando de postulados razón que buscan belleza ideal. Distingue entre bello (placentero, atrayente) y sublime (ligado a sentimientos de miedo, infinitud y pena). Influencia, pero sobre todo en Romanticismo.

� Price en 1794 añade nueva categoría de bello: lo pintoresco, que se encuentra en rudeza, irregularidad y variación de formas, colores y luces.

� Lo Clásico y lo Romántico son teorizados entre mediados s. XVIII y mediados del siguiente siglo: • Clásico por Mengs y Winckelmann • Romántico por partidarios renacimiento Gótico y por pensadores alemanes para quienes arte es la revelación de lo sagrado.

Distinción por áreas geográficas: • Clásico corresponde a mundo mediterráneo (relación hombres con naturaleza es clara y positiva) • Romántico corresponde a mundo nórdico (naturaleza es fuerza misteriosa con frecuencia hostil)

Relación con dos grandes fases Historia Arte: • Clásico con arte mundo antiguo, grecorromano • Romántico con arte cristiano Edad Media (románico y gótico)

Pero tanto Clasicismo como Romanticismo son dos formas distintas de idealizar, aunque primero pretenda llegar a la máxima claridad, y segundo a la más ardiente pasión.

� Lenguaje clásico se convertirá en el de Revolución Francesa y en su vehículo de educación (ilustrando heroísmo del pueblo y virtud cívica) � en Imperio pasará a ser propaganda: culto a personalidad emperador y lenguaje del poder.

� Otros factores integrantes Neoclasicismo, como gusto por exótico, medieval, pintoresco y estética sentimiento, cobran papel destacado en Imperio y muestran estrechos límites con Romanticismo. Aunque campañas Napoleón extenderán Clasicismo por países ocupados, rechazo a ocupantes estimula búsqueda autóctono e interés por medieval como herencia histórica.

� Fracaso aspectos revolución = muchos artistas desconfían de razón como única orientación artes � nace interés por oculto, misterioso o mágico (Füssli, Goya...), abriendo puertas a Romanticismo.

� A partir de ese momento, todas las evoluciones de carácter progresista que se darán en arte s. XIX van a ser rebeliones contra principios normativos clasicismo, que Academias Bellas Artes y Salones exposición intentarán mantener.

2. (FRANCIA)

2.2 LOS INICIADORES DEL ROMANTICISMO EN FRANCIA

2.3 LOS DISCÍPULOS DE DAVID: F. GERARD, A.L. GIRODET Y J.GROS

2.1 DAVID, RETRATISTA DEL EMPERADOR

� Jacques-Louis DAVID (1748-1825): pintor más importante de Neoclasicismo. � Formación intelectual amplia y completa, con recopilación desprejuiciada de estilos: eclecticismo culto, consciente

y magnífico. � Tras 5 años aprendizaje en Roma, comienza su período intelectual (década de los 80), en medio ambiente de

confianza en perfección hombre: tomará de Rousseau fuerte elemento moral, casi puritano� El Juramento de los Horacios (1784), su indiscutible gran obra, exaltando mundo heroico de pasiones simples, y Los líctores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos muertos (1789)

� A partir de 1793 será organizador fiestas y ceremonias revolucionarias. Miembro más influyente del Comité de Instrucción Pública y uno de firmantes pena muerte Luis XVI� El juramento del juego de la pelota (1791), inacabada, La muerte de Marat (1793) con algunas derivaciones de tipo romántico en la exaltación casi religiosa del héroe revolucionario

� Tras muerte en guillotina de Robespierre, David encarcelado varios meses, pero con Napoleón recuperará parte destacada posición social y artística� Coronación (1804) marcará la pauta para todo un género posterior de ceremonias.

� Tras segundo y definitivo destierro Napoleón, David cae en desgracia y se exilia a Bruselas, donde morirá.

� David había creado considerable escuela de pintores, que obtendrán sus mejores éxitos durante el Imperio� el Neoclasicismo empezó a disgregarse por acción de fermentos románticos que ya contenía desde principio y por

� Influencia de: primitivos italianos + vasos etruscos (en realidad griegos) + en temática, poemas épicos Cantos gaélicos del bardo Ossian (falsificación del clérigo Macpherson) �

� Resultado pintura cada vez más alejada clasicismo ortodoxo de David: es el mal llamado Prerromanticismo francés, con autores de la talla de Gérard, Girodet, Gros e Ingres. Otro grupo que se aparta de la ortodoxia clasicista: Primitivos o Barbudos, que luchaban por retorno auténtico y sin restricciones a lo primitivo.

� François GÉRARD (1770-1837) entra taller David con 16 años, llegando a ser pintor de cámara de Luis XVIII y Luis Felipe.

� Sus obras tienen cierto carácter romántico� Ossian invocando a los fantasmas por las orillas del Lora, retratos de la familia de Napoleón o el de Madame Recamier. Pero su prestigio se basó en ilustraciones de Virgilio, etc.

2.4 LA POSTURA DE INGRES

� Anne-Louis GIRODET (1757-1824) uno de pocos teóricos que salió de taller David, con romántico ensayo en defensa pintura literaria.

� Busca ser imaginativamente intelectual� temas intrincados con marcadas notas románticas� Apoteosis de los héroes caídos (recepción generales napoleónicos en los Campos Elíseos) y El entierro de Atala (evidente atmósfera sombría, católica y romántica)

� Jean-Antoine GROS (1771-1835) el más interesante de los alumnos de David. � Conoce a Napoleón en 1796, y se convertirá en el pintor del héroe y sus hazañas� Napoleón en Arcole y Los

apestados de Jaffa. � Cuadros que le darán fama y honores entre los románticos sin entenderlo él muy bien, porque su ideal artístico estaba

consagrado al arte más clásico� La batalla de Abukir y Napoleón en el campo de batalla de Eylau.

� Jean-Auguste Dominique INGRES (1780-1867) mejor alumno de David pero el más problemático de sus seguidores: su clasicismo se caracteriza por absorción elementos románticos + traslado Ideal de la Antigüedad romana al Alto Renacimiento.

� Lo que realmente le diferencia de David: su concepto global de pintura� línea comienza a ser modificada deliberadamente para reproducir la imagen ideal + no desea hacer llegar la virtud a través de su pincel � será capaz de someter a la supremacía de la forma cualquier contenido ético-político, y su pintura será valiosa per se.

� Lo mejor de su obra son los retratos: Bonaparte como Primer Cónsul o los tres retratos de la familia Rivière (aquí, Mademoiselle Rivière).

� En futuros retratos y hasta final de su vida, se empeñará en distorsionar imágenes, como en el de Madame de Senonnes, con características faciales imposibles y manos invertebradas.

� Lo mejor de Ingres serán las figuras aisladas: en este grupo entran desnudos femeninos de bañistas y odaliscas, imágenes tan hermosas como inalcanzables por su alta sensación de irrealidad� La bañista de Valpiçon (no podemos ver su cara, y está colocada en un interior cuyo silencio es solo interrumpido por el agua de una fuente); La Gran Odalisca (vuelve su cara para mirarnos, y está representada con aún mayor irrealidad) y Odalisca con esclava.

3 (INGLATERRA)

3.1 INGLATERRA: LA IMPORTANCIA DE LOS RETRATISTAS Y LA PERMANENTE INFLUENCIA DE LOS MODELOS DE VAN DYCK

3.2 J. REYNOLDS, T. GAINSBOROUGH Y G. RONNEY

� La Real Academia se creará tardíamente, y única manera de llegar a Italia era gastar grandes sumas de dinero o acompañar a alto personaje� influirá en que la pintura inglesa no esté tan influenciada por el Clasicismo.

� Sin embargo, sostenida por una clase media culta y poderosa, aparecerá corriente de creadores que elevarán arte inglés casi al mismo nivel que otras escuelas europeas� la existencia de burguesía opulenta hará que géneros de pintura más desarrollados sean paisaje y, especialmente, el retrato, en el que insisten en el aspecto psicológico frente al retrato cortesano o mitológico de influencia francesa.

� En ellos pervivirá la influencia del maestro flamenco Van Dyck, afincado en Londres durante el s. XVII, la cual podemos encontrar claramente en Reynolds o Gainsborough, los más altos exponentes del denominado Período Clásico de la pintura inglesa (hasta 1830), época dorada del mismo modo que en política y economía.

� Joshua REYNOLDS (1723-1792) Es conocido básicamente como retratista, aunque también asuntos heroicos y poéticos. Sus discursos en la entrega anual de Premios Academia crean cuerpo doctrina (“…una mera copia de la Naturaleza no puede producir jamás una cosa grande… ni cautivar el corazón del espectador”).

� Con tiempo, sus modelos empezaron a parecer extraños en su amaneramiento de ropajes clásicos, posturas antinaturales y gestos grandilocuentes� el mundo de lo cotidiano de los hombres de Gainsborough será el contrapunto perfecto (enemistad entre ambos).

� Retratos de Sir John Molesworth; Georgiana, Condesa Spencer, y su hija; Ladies Amabel and Mary Jemima Yorke; John Murray; Charles Coote; George Grenville, Lord Heathfield.

� Thomas GAINSBOROUGH (1727-1788) prerromántico más por su personalidad que por su producción.

� Se inclinó más hacia pintura de paisaje puro, pero se le conoce más por sus retratos de nobleza rural tratados con ligereza ademanes y fluidez actitudes, lejos parafernalia de Reynolds.

� Retratos de Mr. y Mrs. Andrews, Hijas del pintor, Condesa de Howe, El niño azul.

� George ROMNEY (1734-1802) ya retratista de éxito, marchará a Roma para realizar estudios de arte. A su regreso a Londres, conocerá a Emma Hamilton (entonces llamada Emma Hart), su musa, de la que realizará más de 60 retratos. Espíritu inquieto, patente sobre todo en sus obras alegóricas e históricas.

� Retratos de Emma Hamilton, y para finalizar último de Miss Willoughby.

3.3 LA RELEVANCIA DE LOS PINTORES VISIONARIOS: WILLIAM BLAKE Y FUSSLI

� William BLAKE (1757-1827) Poeta, pintor, ilustrador y editor de sus propias obras. Patente prerromántico, su época no vio más que un torpe pintor y poeta, y olvidado hasta hace 50 años por historiografía del arte� fue un visionario centrado en su propio mundo, poblado de apariciones, el cual resulta hoy especialmente atractivo.

� Nueva técnica de impresión, la Iluminated Printing, creando espléndidas obras únicas como ilustraciones su libro Jerusalén. Además utilizó las técnicas de la acuarela, el grabado y el dibujo con gran libertad� todo ello permitirá la luminosidad específica de sus imágenes y un estilo muy característico.

� Obras: El anciano de los días, Eloin creando a Adán, Nabucodonosor, Newton, Urizen, La escalera de Jacob…

� Johann Heinrich FÜSSLI (1741-1825) de origen suizo, fue también prolífico escritor que permanecerá 8 años en Roma.

� Buscará en Shakespeare, Dante y Milton escenas aterradoras que llevará a su máxima tensión, como los dibujos inspirados en Divina Comedia entre los que destaca Dante y Virgilio en el gélido infierno del Cocito.

� Su clasicismo estuvo combinado con manierismo, siendo Miguel Ángel su principal inspiración.

� Destacan El Juramento de Rütli, Pesadillas, o Soledad al amanecer.

Tanto para Blake como para Füssli, la Antigüedad supone un modelo que debe ser continuado� pero ellos se niegan a mirar únicamente en ellos su precisión de formas, la exactitud de proporciones y el equilibrio composición� intentan aprender de ellos sus más interesantes pensamientos: Füssli luchará contra “imitar servilmente”, y Blake defenderá que la Invención (incluso por encima de la Naturaleza) debe ser la finalidad principal de cualquier artista

4 (GOYA)

4.1 FRANCISCO DE GOYA Y LA IDEA MODERNA DE LA PINTURA

� Francisco de GOYA (1746-1828) viaja por su cuenta a Italia en 1770. En 1772 decora una bóveda del Pilar de Zaragoza. Tras casarse con Josefa Bayeu, hermana de los pintores Bayeu, ingresa en Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara (1774 a 1779)� es ahora un pintor de costumbres en confección cartones para Real Fábrica, con composición animada, cromatismo amable y luminosidad poco común� destacan La cometa, El Quitasol, La gallina ciega, El pelele, etc.

� En 1780 nombrado académico de San Fernando. � En 1786 nombrado pintor de Carlos III � En 1789 nombrado pintor de cámara de Carlos IV. Inicia intensa relación con Ilustrados

(Jovellanos) � En 1792, grave enfermedad que deja prácticamente sordo� más intimista y pesimista � En 1799 nombrado primer pintor de cámara de Carlos IV � En 1808 nombrado pintor de cámara de José I � En 1812 muere su esposa, Josefa Bayeu. � En 1814 regresa Fernando VII que le ocasiona problemas (también con Inquisición) � En 1819 se traslada a la “Quinta del Sordo”, donde realiza las Pinturas Negras � En 1824, con recrudecimiento absolutismo Fernando VII, marcha a Burdeos para evitar

represalias. Allí morirá en 1828.

� En España s. XVIII, socialmente atrasada y políticamente reaccionaria, los pocos intelectuales predispuestos a Iluminismo europeo viven con lucidez desgarradora tragedia nación regresiva en medio Europa en pleno progreso. Goya es uno de ellos. Se interesa con Clasicismo que Mengs introduce en España, y por el optimismo russoniano de Gainsborough. Pero para Goya la razón no es más que el exorcismo con el que evoca y al mismo tiempo intenta apartar los monstruos del oscurantismo español.

� La primera fase de su obra culmina con aguafuertes de Los Caprichos (1799), donde la razón saca de inconsciente monstruos superstición e ignorancia pero no con fina ironía como Voltaire, sino con sarcasmo furibundo.

� Goya enfrenta a ideal de lo bello de Mengs, la realidad de lo feo� artista es testigo de su época, y no tiene culpa de ser “testigo de cargo”. Su expresionismo exasperado, que él enfrenta al de Mengs y al de David, no es una elección libre.

� Ante una Europa Neoclásica, Goya parece una monstruosa excepción y él será el verdadero origen del Romanticismo histórico: razón divinizada de Revolución llegará a España tarde y con bayonetas francesas para implantar un despotismo laico� Goya lo vivirá como una desgracia. Se colocará al lado de la “nación” española: otro paso más hacia el Romanticismo histórico.

� Y en las pinturas murales de la Quinta del Sordo (1820-1822), sus Pinturas Negras, realiza una confesión general, porque el verdadero realismo consiste en sacar fuera todo lo que se tiene dentro, no esconder nada, no seleccionar, y se rodeará de fantasmas que son su única realidad, prueba de la síntesis del Goya visionario y el Goya realista.

� El atroz cuadro de Los fusilamientos fue pintado en 1808, mientras Ingres podía permitirse el lujo de pintar su Bañista de Valpiçon y Canova retrataba desnuda a Paulina Bonaparte. David podía pintar el asesinato de Marat recomponiendo el desorden y el dolor, lo ha convertido en una estatua, el cuadro refleja ya la Historia. Pero en Goya no hay nada que se acabe y pase a ser historia: lo más destacable es el terror, porque la idea por la que mueren ya ha desaparecido. Esos hombres en unos instantes estarán muertos como ya lo están los anteriores en un horrendo revoltijo de barro y sangre, y como dentro de poco lo estarán los siguientes, mientras la ciudad duerme� ésta es la perspectiva desesperada de la Historia de España que nos ofrece Goya, donde no hay sitio para lo bello y sí para el dolor y el horror. La imagen quema como una llamarada: es otra característica romántica.

� En la pintura de Goya se desborda imaginación, característica todavía barroca, pero es una imaginación trastornada y desesperada. Goya es la antítesis de David. Goya y unos cuantos liberales como él se consuelan con el sarcasmo. David, mientras, cultiva lo bello. Y, sin embargo, votará la condena de su Rey.

4.2 LOS RETRATOS CORTESANOS

4.3 LOS GRABADOS, CRÓNICA DE LO COTIDIANO Y EVASIÓN DE LA REALIDAD

� Los retratos fueron el género que más cultivó� refleja con realismo al retratado, por lo general altos personajes de la corte y en especial femeninos, pero también su simpatía o no ante él.

� A partir de 1800, ejecutados con pinceladas sueltas, cortas y luminosas, con mayor penetración psicológica. Excelente tratamiento de calidades de vestidos, objetos, etc.

� Obras: Carlos III cazando (1786-88), Familia del Duque de Osuna (1788), Duquesa de Alba (1795), Jovellanos (1798), Familia de Carlos IV (1800), La Duquesa de Chinchón (1800) y su esposo, Godoy (1801), etc.

� Grabados y dibujos son de gran fuerza expresiva y llenos vigor. Expresan crítica sociedad y política, y en ellos se mezcla pesimismo, humor y sátira.

� Caprichos: 80 láminas estampadas y grabadas al aguafuerte y aguatinta. Comienza ejecución en 1797 y publicados en 1799. Por temor Inquisición, regalados a Carlos IV. Temas� amor, brujería, “mundo al revés”, anticlericalismo, etc. Composición maciza, violento contraste de blanco y negro. Fauna horrenda o grotesca de monstruos y diablos. Destaca El sueño de la razón produce monstruos.

� Desastres de la Guerra: realizados entre 1810 y 1819. Refleja crueldad y violencia, siendo la muerte la protagonista junto a la peor cara del ser humano. Impide la distancia que hace de la violencia un espectáculo. Aquí, Ya no hay remedio.

� Tauromaquia: serie realizada entre 1814 y 1816 sobre el tema que tanto apasionaba al artista. Aquí el torero Pepe-Hillo.

� Disparates: serie de 22 estampas que se supone se realizaron entre 1815 y 1823. De difícil interpretación por el carácter hermético de sus temas. Aquí, Modo de Volar.

� En definitiva, Goya es germen de modernidad con su pintura, ya que anuncia movimientos pictóricos posteriores: � Romanticismo (por individualismo, preocupación psicológica, apasionamiento: Carga Mamelucos) � Impresionismo (por pincelada suelta y vibrante: La lechera de Burdeos) � Expresionismo (por despreocupación forma para conseguir mayor valor expresivo: Pinturas negras,

Desastres de la guerra) � Surrealismo (por mundo de fantasía que representa: Disparates, Caprichos)

� También realizará otro tipo de composiciones, en principio más amables: El entierro de la sardina (1812-1819), Mujeres leyendo una carta (1812-1814), La Aguadora (indeterminada)

BIBLIOGRAFÍA:

El Siglo XIX. El cauce de la memoria, de Mª Dolores Antigüedad y Sagrario Aznar El arte moderno, de Argan Historia del Arte, de Alianza Editorial

ESQUEMA REALIZADO POR: Margarita González Rodríguez. Centro Asociado Gregorio Marañón FOTOS: Olga’s gallery, google, wikipedia

4.4 LA PINTURA DE SUS ÚLTIMOS AÑOS

� 2 de Mayo de 1808 en la Puerta del Sol de Madrid (1814)

� Los fusilamientos de la Moncloa del 3 de Mayo de 1808 de los defensores de Madrid (1814), una de las cumbres de la pintura mundial en las que se ha expresado de forma más conmovedora y patética la violencia.

� Ambas obras son realizadas por encargo del Consejo de Regencia.

� A partir de su traslado en 1819 a la Quinta del Sordo, comienza a pintar sobre su superficie de revoco la serie de 14 Pinturas Negras, hasta 1823. No las asignó título, y fueron trasladadas a lienzo en 1873 ante su inminente destrucción. Reciben este nombre tanto por la gama de colores empleados como por su tenebrosa significación pesimista. Expresan un mundo interior desolado y terrible.

� Destacan Saturno devorando a sus hijos, Pelea a garrotazos, El Perro y Aquelarre

� En 1824 marchará a Burdeos para evitar represalias. Y allí, después de la terrible tristeza anterior, nos encontramos con que realizará todavía obras espléndidas:

� Hará Escena de toros (1824), festejo tan querido por él y en el que probablemente participara en su juventud.

� Y, sobre todo, una más que espléndida, esplendorosa Lechera de Burdeos, preludio del impresionismo en 1827 (un año antes de su muerte)

� Su lema será AÚN APRENDO

TEMA 02. LA ARQUITECTURA CLÁSICA COMO PROPAGANDA D EL IMPERIO

1. (FRANCIA): La arquitectura en Francia bajo Napoleón / Durand y Précis des leçons d’architecture / El clasicismo ortodoxo de la Academie des Beaux-Arts: Quatrèmere de Quincy / Los arquitectos de Napoleón: Percier y Fontaine / El estilo Imperio.

INTRODUCCIÓN Durante la segunda mitad del s. XVIII: � Movimiento ilustrado provoca reflexión racional sobre todos aspectos de vida, buscando mejorar

condición humana � demandaron lógica / claridad / simplicidad / rectitud moral � afectará a creación artística general (Rousseau pide arte didáctico y Diderot una moral artística)

� Rococó y Barroco se rechazan simultáneamente en: ● Francia (fundamentalmente por la Ilustración) ● Alemania (mayormente por repudio burguesía de cultura francófila, que se asociaba a Rococó) ● Inglaterra (por buscar una escuela artística propia)

� Nuevas clases medias ascienden, aportando ideales de virtud cívica, patriotismo o democracia, buscándose modelos e inspiración en la Historia Antigua con influencia descubrimiento arquitectura griega � voluntad recuperar arte Antigüedad da lugar a Neoclasicismo, de repercusión internacional, siendo su principal teórico y difusor Winckelmann, para quien lo griego era + perfecta abstracción belleza y propugnó emulación de sus cualidades estéticas y morales (fusiona Ilustración con arte de Antigüedad)

� Arte más característico del Neoclásico: la Arquitectura, en donde se sustituye Barroco por clasicismo de inspiración grecorromana, tendiendo a:

● construcción contundente y simple ● contraste entre diferentes masas construcción ● volúmenes interiores claramente expresados en exterior ● líneas de corte claro ● ángulos rectos ● aperturas de formas simples sobre las paredes

� Arquitectura neoclásica fue movimiento heterogéneo, característica que irá a más y predominará en tres primeras décadas s. XIX, hasta que corrientes medievalizantes cobran fuerza.

� Aunque durante s. XIX arquitectura fluctúa entre la posición clasicista y la renovadora, es modelo tradicional el que se sostiene desde instancias oficiales (Academias y luego Escuelas de Bellas Artes). Pero debate y tolerancia del siglo permitirán una arquitectura tendente al eclecticismo.

� Dentro de Arquitectura neoclásica pueden distinguirse cuatro períodos o maneras: ● 1) Clasicista: intento, dentro del barroquismo imperante, de aplicar racionalidad a la arquitectura. Enlaza con clasicismo francés. Se da en segunda mitad s. XVIII. ● 2) Arquitectura de la razón o revolucionaria: proyectos utópicos, que en muchas ocasiones no se llegan a construir. ● 3) Arquitectura al servicio del Imperio: se da con Napoleón ya emperador, con las grandes obras que embellecen París y son imitadas en todas partes � internacionalización de Neoclasicismo. ● 4) Urbanistas utópicos: posee ya componentes románticos y se da a mediados s. XIX.

Panteón Dormitorio Malmaison Arco del Carroussel

1.1 La arquitectura en Francia bajo Napoleón / Durand y Précis des leçons d’architecture / El clasicismo ortodoxo de la Academie des Beaux-Arts: Quatrèmere de Quincy / Los arquitectos de Napoleón: Percier y Fontaine / El estilo Imperio.

� Arquitectura monumental al servicio del Imperio � será punto culminante de construcción neoclásica, con extensión por toda Europa

� Desde Luis XIV, Francia enseña arquitectura en Academia Arquitectura, pero Revolución reorganizará sistema formativo: se creará Academia de Bellas Artes (englobando también pintura y escultura). También se crea Escuela Politécnica para enseñanza ingeniería, y será aquí sin embargo donde, entre 1802 y 1805, Jean Nicolas Louis DURAND (1760-1834) editará su Compendio de Lecciones de Arquitectura, exponente del clasicismo romántico que se convertirá en el manual de arquitectura del primer tercio del s. XIX.

� Durand retoma ideas de su maestro Boullée (pero eliminándolas de elementos utópicos). � Para Durand �objetivo arquitectura: utilidad � medios conseguirlo -> conveniencia (edificio sólido, salubre y cómodo) -> economía (simplicidad, regularidad y simetría) � conjunción anteriores = belleza (no de adornos superfluos que rompen sublime efecto global) � Método de Durand se basaba en combinar elementos horizontales y verticales que dan lugar a partes, y la

combinación de estas partes da lugar al edificio. � Objetivo de su teoría: establecer estructuras representativas para una nueva arquitectura oficial � tipificará

las construcciones que servirán a las funciones de la ciudad, encarnando la imagen pública del Nuevo Estado burgués y laico.

� Otra figura relevante: Antoine C. QUATRÈMERE DE QUINCY (1755-1849), muy implicado en la

Revolución y que, tras la vuelta de su exilio en Alemania, intenta imponer desde la Secretaría de la Academia de Bellas Artes el clasicismo más ortodoxo. Defendía que el estilo y la función eran inseparables en arquitectura. Dirigió la conversión de la iglesia de St. Genevieve en el Panteón.

� Como lenguaje Revolución Francesa era también el de los nuevos valores y el de la Ilustración,

Neoclasicismo será el movimiento artístico ligado a ella y uno de principales elementos propagandísticos de Imperio Napoleónico, y en especial la Arquitectura por su solidez y visibilidad.

� Modelo arquitectónico preferido de Antigüedad fue la arquitectura romana por su solemnidad y en la composición se mantuvo el método racionalista de Durand � surge así el “estilo imperio”, del que serán máximos exponentes Pierre François Léonard FONTAINE (1762-1853) y Charles PERCIER (1764-1838)

� Tras viaje a Italia ambos remodelaron interiores (Palacio de Malmaison, estancias del Louvre…) caracterizándose por:

● riqueza de materiales empleados ● colorido variado ● mezcla de motivos (romanos, egipcios, pompeyanos…) ● aplicación del estilo sobre todo a objetos muebles (aunque también usarán órdenes clásicos para edificios oficiales, como el arco de triunfo del Carroussel).

� Otras tipologías imperiales: columnas, obeliscos, etc.

Museo del Prado Observatorio Astron. Madrid Puerta Toledo Ayuntamiento San Sebastián

2. (ESPAÑA): El eco del Imperio en los países ocupados / La arquitectura de Juan de Villanueva en España: síntesis entre clasicismo y tradición / Silvestre Pérez y la aplicación del clasicismo.

� Renovación artística s. XVIII fue sustentada por la nueva dinastía borbónica. Reyes se sirvieron de la Academia de Bellas Artes de San Fernando para controlar artes. Pero se irá instaurando reformismo ilustrado con ayuda notables ilustrados (Aranda, Floridablanca, Jovellanos, etc.)

� En arquitectura será donde + se note renovación, con abandono del barroco y gran interés por mejorar aspecto poblaciones para reflejar grandeza soberano y bienestar súbditos.

� En estos años sobresalen Ventura RODRÍGUEZ (1718-1785), Francesco SABATINI (1721-1797) que realizó la Puerta de Alcalá, José de HERMOSILLA y Diego de VILLANUEVA.

� En nueva generación arquitectos destaca JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811). Desde sus primeras obras

se detecta influencias de los palacios del renacimiento italiano como el espíritu herreriano � su principal característica es esta síntesis entre clasicismo y tradición.

� Sus principales obras son, en Aranjuez, la Casa de Infantes; en El Pardo, la Casita del Príncipe; en El Escorial, las Casas de Oficios y las Casitas de Arriba y Abajo. Dentro del programa cultural de Carlos III realiza sus tres obras más emblemáticas: el Museo del Prado, el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico. En 1785 comienza a realizar los planos del Museo de Ciencias Naturales, que transformará posteriormente en el Museo del Prado, su obra culmen. Posteriormente realizará la Academia de la Historia o el Oratorio del Caballero de Gracia, ambas en Madrid. También es suya la remodelación de la Plaza Mayor de la capital. Su actividad durante la ocupación francesa será ya muy escasa.

� Isidro GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (1765-1840) discípulo de Villanueva, realiza la Casita del Labrador

del Real Sitio de Aranjuez, con la colaboración en la decoración del Gabinete de Platino de los arquitectos de Napoleón, Percier y Fontaine.

� Lo cierto es que durante ocupación francesa fueron escasas las obras arquitectónicas que se realizaron en

España. Silvestre PÉREZ (1767-1825), alumno de Ventura Rodríguez, será el arquitecto que mejor asimilará en España la arquitectura revolucionaria francesa. Realizó el proyecto de un gran eje que uniría el Palacio Real con la sede de Las Cortes, la iglesia de San Francisco el Grande, pero finalmente no se realizaría. Construye las iglesias de Motrico y Bermeo. Levanta el arco de triunfo de la Puerta de Toledo, en Madrid, y traza la plaza de Santa Ana. Cuando José Bonaparte sale de España, tuvo que exiliarse a Francia, aunque volvió tras su exculpación. Realizaría el Ayuntamiento de San Sebastián.

Braccio Nuovo (Mº Vaticano) Piazza del Popolo Iglesia S.Francesco di Paola

3. (ITALIA): La importancia de las reformas urbanas en Italia: Milán y la Comisión de Ornatos / Giuseppe Valadier y la consolidación de las ruinas romanas / Reformas en Nápoles y en diferentes ciudades.

� Cuando Napoleón ocupa Italia en 1796, introduce las nuevas corrientes arquitectónicas francesas y sus grandes proyectos urbanos �publica decreto suprimiendo murallas Turín y convocando concurso público para reordenar ciudad (quedará finalmente en obras ajardinamiento y apertura nuevas vías y plazas). Los arquitectos italianos del momento tendrán gran respeto por los monumentos de su propia tradición y por los conjuntos que procuraban enaltecer con sus remodelaciones.

� En Milán dominaba Giuseppe PIERMARINI (1734-1808), con tintes barrocos todavía. Realiza la

fachada del teatro de la Scala. Allí también trabaja Simone CANTONI (1739-1818), que muestra influencias francesas, como se ve en la iglesia de Gongonzola. Pero Milán, convertida en centro neurálgico del norte de Italia, ante interés por realizar grandes obras de interés ciudadano creará COMISIÓN DE ORNATOS para controlar planificación ciudad, racionalizando plano de calles. Formarán parte de ella arquitectos como Luigi CANONICA (1764-1844) (Arco Sempione) o L. CAGNOLA (Porta Ticinese). Buscará comunicación centro con bulevares, modificándose puertas de acceso, que se transformarán en arcos de triunfo. Se convoca realización Foro Bonaparte, ganando Antonio ANTOLINI (no se realizará).

� En Roma el Barroco se encuentra todavía muy presente, pero Giovanni Battista PIRANESI (1720-1778)

se aparta de sus reglas y construye la iglesia de Santa María del Priorato para la orden de Malta, de grandes proporciones y variada acumulación elementos decorativos. Primeras manifestaciones plenamente neoclásicas a finales de siglo, con creación Museos Vaticanos, idea del arqueólogo VISCONTI, en donde varios arquitectos realizarán distintas salas para exposición esculturas, destacando Braccio Nuovo de Raffaele STERN (1771-1820). Cuando Papa Pío VII es enviado a París y Roma se integra en estructura administrativa francesa, se busca renovación urbana en la que tendrá gran importancia Giuseppe VALADIER (1762-1839), francés establecido en Roma que propondrá jardín arqueológico en monte Palatino. Lo que realizará será consolidación ruinas romanas, despojándolas de construcciones que se les habían adosado y limpiándolas de maleza. Otro proyecto realizado fue remodelación de Piazza del Popolo, concebida como espacio abierto que se integra en la naturaleza. También trabajó en la restauración de monumentos históricos.

� En Nápoles, los Borbones de España realizan reformas para mejorar la capital y dotarla con equipamientos

necesarios: Foro Carolino, iniciado por Luigi VANVITELLI (1700-1773), al igual que Palacio Real de Caserta; Ferdinando FUGA (1699-1782) proyecta Albergue de los Pobres de grandes dimensiones (se construirá más reducido), etc. En 1805, cuando Nápoles pasa a ser regida por José Bonaparte, se proyecta el foro Napoleone, en el que se construirá en el centro de su columnata la iglesia de San Francesco di Paola por SIMONE y BIANCHI.

� En Venecia, a pesar de ser donde se forma círculo de crítica del pasado arquitectónico, en torno a Carlo

LODOLI (1690-1761), no tiene arquitectura neoclásica de relieve. Giovanni Antonio SCALFAROTTO (1700-1764) es autor de iglesia de San Simeone Piccolo, junto al Gran Canal, y Giovanni Antonio SELVA es coautor del Mausoleo de Canova. Ocupación francesa de Venecia iniciará proyectos urbanos de mejora, como la reforma de la plaza de San Marco.

� En Florencia se trata de realizar el foro Napoleone, pero en la práctica se limitarán al remozamiento de

residencia familia imperial y de palacios Pitti y Medici.

Puerta Brandenburgo Karlsruhe Altes Museum Gliptoteca

4. (ALEMANIA): Alemania y los países nórdicos: Goethe y la misión educativa de la arquitectura / El ideal griego y la influencia francesa de Durand / Los modelos griegos y Langhans y Gilly / Weinbrenner y los proyectos para Karlsruhe / Schinkel y el eclecticismo arquitectónico / El Munich de Leo von Klenze / La fórmula clásica en Suecia y Dinamarca.

� Desde 1815, acabadas campañas napoleónicas, la Confederación Alemana experimenta gran auge constructivo, en parte motivado por división administrativa que implica creación nuevos edificios públicos. Como reacción a dependencia estilística de Francia en s. XVIII, y gracias a viajes a Italia y al conocimiento de lo que se hacía en Inglaterra y Países Bajos, crece deseo encontrar estilo homogéneo alemán � escritos de Johann Joachim WINCKELMANN (1717-1768) los que mejor definen guía arquitectura alemana que encuentra en clasicismo griego: belleza está en proporciones edificio y no en decoración.

� Más tarde, Johann Wolfgang GOETHE (1749-1832) también muestra admiración por arquitectura griega. Atribuye valor educativo a la arquitectura, y busca edificios que expresen fin para el que fueron concebidos.

� También tendrán influencia los arquitectos de Napoleón, Percier y Fontaine y, sobre todo, el tratado de Durand: de él tomarán su concepción práctica de arquitectura y el repertorio de edificios, con estilo que engloba clasicismo tópico, renacimiento italiano y ecos medievales.

� Karl Gottfriend LANGHANS (1732-1808) es primero en demostrar gusto por lo arqueológico, con su

Puerta de Brandenburgo en Berlín, inspirada en los Propileos de Atenas. Friedrich GILLY (1771-1800) muestra influencia francesa en proyecto monumento a Federico el Grande en Berlín y un Teatro Nacional prusiano. Su estilo era de gran pureza geométrica y severidad racional, y a pesar muerte prematura tuvo gran influencia.

� Destacan los proyectos de Friedrich WEINBRENNER (1766-1826) para Karlsruhe, como ejemplo de

ciudad clásica diseñada usando ciudad ya existente. Sus discípulos desarrollarán su manera constructiva por todo el país. También comienza la Markplatz.

� En primera mitad s. XIX, trabajan Schinkel y Klenze: � Karl Friedrich SCHINKEL (1781-1841) trabaja sobre todo en Berlín (allí fue jefe Departamento Obras

Públicas y arquitecto del Estado). Fue discípulo de Friedrich Gilly. Consigue eclecticismo estilístico no por caprichosa combinación elementos, sino, en línea Durand, para servir al carácter del edificio. En mayoría sus obras muestra neoclasicismo ortodoxo en apariencia, con empleo estilo griego, como en la Casa de la Guardia, el Teatro Estatal o el Altes Museum. En las residencias campestres que construye en alrededores de Postdam es donde muestra un estilo más ecléctico, como en el Schloss Glienicke o el Schloss Charlottenhof. Sin embargo, para las construcciones religiosas empleó el neogótico, y en otras construcciones como la Academia de Arquitectura o proyectos de grandes almacenes aplica el principio de racionalidad arquitectónica para responder al fin de la obra. Combina pues eclecticismo estilístico con racionalismo compositivo, preocupándose por que la apariencia externa del edificio responda a su carácter.

� Leo KLENZE (1784-1864) trabaja fundamentalmente en Munich, participando en su remodelación. Discípulo de Percier y Durand, construye la Gliptoteca de Munich, destinada a mostrar colección de estatuas griegas originales que restauró el escultor Thorwaldsen. Dentro estilo neogriego, construye el Walhalla en conmemoración de la derrota de Napoleón. De influjo renacentista será la Alte Panakothek y el Ministerio de la Guerra.

� La catedral de Copenhague, obra de HANSEN, es de un aspecto romano riguroso. Este mismo arquitecto

es el autor de la remodelación de Copenhague.

Bolsa Marítima Palacio de Invierno Nuestra Sra de Kazan

Edificio Almirantazgo Cubierta del Picadero de Moscú, de 40 m de luz

� En segunda mitad s. XVIII, evolución arquitectura rusa hacia neoclasicismo está centrada en construcción de San Petersburgo, capital desde Pedro el Grande en 1712, y la cual se configura como ciudad monumental perfectamente programada durante gobierno de Catalina II la Grande, soberana ilustrada que también propició la construcción de importante infraestructura viaria. Trabajarán para ella el italiano Antonio RINALDI (1709-1794) y el escocés Charles CAMERON (1743-1812).

� La configuración de San Petersburgo se completa durante reinado de Alejandro I, con la llegada de arquitectos extranjeros, italianos y franceses principalmente, que colaboraron con los nacionales. En extremo isla San Basilio, el francés Thomas THOMON (1754-1813) construye edificio de la Bolsa Marítima. Al otro lado del río se levantan el edificio del Almirantazgo, remodelado por Andreia Dimitrovich ZAJAROV (1761-1811) con su cúpula coronada por elevada aguja, y el Palacio de Invierno, al que el italiano criado en Rusia Karl Ivánovich ROSSI (1775-1849) antepondrá una plaza formando un hemiciclo con la columna de Alejandro en el centro, conmemorando victoria sobre Napoleón. En la arquitectura religiosa de San Petersburgo destaca la catedral de Nuestra Señora de Kazan, realizada por Andrei VORONIKHIN (1760-1814).

� En el último cuarto del s. XVIII, se construyen en Moscú edificios notables dentro de neoclasicismo

internacional, como el edificio del Senado, en el Kremlin. � A comienzos del s. XIX continúan en Moscú arquitectos extranjeros, entre los que destaca el ingeniero español

Agustín de BETANCOURT (1758-1824), que realizó el Picadero, gran nave de 45 metros ancho (entonces, la +grande de Rusia) que cubrió con sistema cerchas de madera (novedad). Proyectó, organizó y dirigió numerosas e importantes obras arquitectónicas, como el puente sobre el río Nevka, fábricas de armas, canales, abastecimiento de aguas, ferrocarriles, etc.

� A partir de los años 30, tanto en Moscú como en San Petersburgo se hace arquitectura inspirada en modelos

alemanes, para luego abandonar clasicismo a la búsqueda de modelos nacionales que recuperarán el bizantinismo.

5. (RUSIA): El reinado del Zar Alejandro I y el desarrollo de San Petersburgo / El clasicismo internacional de Moscú / El ingeniero Agustín de Betancourt.

Museo Soane Banco de Inglaterra Parlamento de Inglaterra Catedral Baltimore

� En países anglosajones se mantiene interés por arquitectura griega durante segunda mitad s. XVIII, pero se va dotando de un sentido romántico. John NASH (1752-1835) impregna de romanticismo sus “terraces” (hilera de casas adosadas), sobre todo las ubicadas frente a Regent’s Park: dominan valores compositivos arquitectura pintoresca (trazado sinuoso, con variedad volúmenes e irregular), aunque lenguaje es clasicista. Fue rival y coetáneo de ↓

� La obra de John SOANE (1753-1837) es resultado de neoclasicismo y pintoresquismo. Su propia casa (hoy museo) es muestra eclecticismo, un compendio de sus experimentos arquitectónicos e innovaciones estilísticas. Remodeló el Banco de Inglaterra, convirtiéndolo en paradigma de composición diáfana y utilitaria, y permitiéndole exponer sus concepciones arquitectónicas con gran variedad de soluciones: su estilo es muy personal, y esquematiza los elementos de la tradición clásica hasta dotarlos de un aspecto fantástico, en la tradición de Piranesi o Ledoux. Sus interiores son de una gran luminosidad, pareciendo sus bóvedas flotar en luz. Este será su proyecto más importante. Maestro de elegancia lineal, simplicidad compositiva, desornamentación y equilibrio de las masas. Su discípulo, Robert SMIRKE (1781-1867) realizará el Museo Británico, obra de gran austeridad.

� En Inglaterra el Gótico había tenido continuidad, siendo visto como una especie de estilo nacional. Cuando

en 1836 se tiene que reconstruir Parlamento se decide hacerlo en estilo medieval � enfrentamiento con clasicistas, y finalmente compromiso: - estructura clásica, por Charles BARRY (1795-1860)

- ornamentos góticos, por Augustus W.N. PUGIN (1812-1852) Las dos torres (Victoria Tower y Clock Tower) dan aire pintoresco a construcción. Su plan constructivo es lógico y ornamentación regular y repetitiva, siendo cada sector del edificio estrictamente simétrico. Pugin fue un gran defensor del Gótico. Sus ideas tuvieron una gran expansión y no sólo en Inglaterra.

� En Norteamérica, neoclásico fue adoptado como estilo nacional y dominará hasta mediados de s. XIX: principal defensor es Thomas Jefferson, que relaciona sistema político que defiende con arquitectura basada en Antigüedad clásica, siendo Grecia y Roma ejemplos morales para nuevo estado. La Constitución del nuevo estado, de 1787, crea nuevas instituciones que requieren edificios e imponen principios democracia: tanto arquitectura oficial como civil o religiosa reflejan esta visión, y los Propileos se reproducen (a otra escala) delante de las casas de las campiñas en costa oriental.

� Principal autor: Benjamín LATROBE (1764-1820). Influido por Soane, destacan su Banco de Pensilvania y la Catedral de Baltimore. Sus sucesores, principalmente Robert MILLS (1781-1855) siguen con mismo estilo (pureza de formas, lógica compositiva y economía de medios) tanto en edificios públicos como privados: bancos, iglesias y sobre todo los Capitolios de los Estados federados.

� Pierre Charles L’ENFANT (1754-1852) fue arquitecto e ingeniero francés responsable diseño de

Washington. Con uso largas avenidas unidas en puntos clave marcados por edificios importantes o monumentos, ciudad es representación simbólica del poder radiando de una fuente central. El proyecto se lo encargó George Washington, que acabó prescindiendo de él ante insistencia de L’Enfant en control total del proyecto. La Casa Blanca se construyó más tarde por James HOBAN, y hubo de ser reconstruido tras la guerra de 1812 y pintado para encubrir daños por fuego. También destacan obelisco del Washington Memorial, proyecto de Robert Mills; el Lincoln Memorial, de Henry BACON, y el Jefferson Memorial, de John Russell POPE.

� A partir de 1840, el estilo neogótico comienza a imponerse en Estados Unidos, en contexto de reacción al

clasicismo y desarrollo del romanticismo.

6. (INGLATERRA y AMÉRICA): Inglaterra y América: John Soane entre la tradición clásica y el pintoresquismo / El resurgir del Gótico / Estados Unidos y el renacimiento a la griega: mansiones y capitolios / El urbanismo de las ciudades / El proyecto de L’Enfant para Washington.

Plano Washington W. Memorial Lincoln Memorial Jefferson Memorial

Casa Blanca, fachada Sur Casa Blanca, fachada Norte BIBLIOGRAFÍA:

El Siglo XIX. El cauce de la memoria, de Mª Dolores Antigüedad y Sagrario Aznar El arte moderno, de Argan

ESQUEMA REALIZADO POR: Margarita González Rodríguez. Centro Asociado Gregorio Marañón FOTOS: google, wikipedia, artehistoria

1.1 LA ARQUITECTURA EN FRANCIA BAJO NAPOLEÓN Y SU ECO EN OTROS PAÍSES

� La Arquitectura monumental al servicio del Imperio supone el punto culminante de la construcción neoclásica. Con las campañas napoleónicas en su momento de éxito se difunde también la arquitectura oficial napoleónica. Para Durand la Arquitectura debe tener como objetivo único la utilidad y los medios para alcanzarla serían la conveniencia (edificio sólido, salubre y cómodo) y la economía (simplicidad, regularidad y simetría).

� De la conjunción de estos aspectos surgirá la belleza, pero no de la aplicación de adornos superfluos, que rompen el efecto global (lo sublime). Este método se basa en combinar elementos horizontales y verticales que dan lugar a partes, la combinación de estas partes da lugar al edificio.

� La base compositiva es racionalista, pero la combinación de formas muy diversas hacen tender al eclecticismo, en realidad, este método casaba con los gustos y tendencias de la época y de ahí su éxito y difusión.

� El lenguaje de la Revolución Francesa era también de los nuevos valores y el de la Ilustración. Así pues el Neoclasicismo fue el movimiento artístico ligado a la Revolución Francesa y, posteriormente, uno de los principales elementos propagandísticos del Imperio Napoleónico.

� Se utilizaron los modelos clásicos como símbolo del poder napoleónico y como herramienta de exaltación imperial.

� El modelo preferido fue la arquitectura romana debido a su solemnidad, en cuanto a la composición se mantuvo el método racionalista de Durand. Se origina así el llamado “estilo imperio”, que tendría a Pierre-François-l. Fontaine (1762-1853) y a Charles Percier (1764-1838) como

� En Arquitectura, probablemente el arte más característico del Neoclásico, se volvió también la vista a la Antigüedad y se tendió a la construcción contundente y simple. En los proyectos neoclásicos se buscaron los contrastes entre las diferentes masas de la construcción, con volúmenes interiores claramente expresados en el exterior: contornos no partidos, líneas de corte claro, ángulos rectos, aperturas de formas simples sobre las paredes…

� Aunque durante el siglo XIX la arquitectura fluctúa entre la posición clásica –que intenta dar continuidad a los modelos vigentes desde el siglo XVI- y la renovadora –que quiere sustituir ese modelo tanto con la incorporación de nuevos materiales como por la identificación entre construcción y arquitectura.

1. INTRODUCCIÓN

Segunda mitad del siglo XVII

Principales exponentes. Las características principales de estos trabajos fueron:

� Riqueza de materiales empleados

� Variado colorido � Mezcla de motivos (romanos,

egipcios y pompeyanos � Aplicación del estilo sobre

todo a objetos muebles y equipamientos de estancias.

� Reordenación urbana de París � Fachadas largas y seriadas

(concepto neoclásico) con soportales, tres plantas y ático.

� Monotonía formal como producto de los sucesivos bloques alineados.

� Estilo clasicista, pero con elementos italianos (arcos) que le restan pureza.

TEMA 2. LA ARQUITECTURA CLÁSICA COMO PROPAGANDA DEL IMPERIO (Resumen)

3. LAS REFORMAS URBANAS EN ITALIA

2. LA ARQUITECTURA DE LA FASE NAPOLEÓNICA EN ESPAÑA

Generalidades

� La renovación artística del siglo XVIII fue sustentada por la nueva dinastía borbónica y permitió la llegada de artistas extranjeros que trajeron sus nuevas corrientes y pensamientos a la Península Ibérica. Los reyes se sirvieron de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, para ejercer el control sobre las artes.

� Es en la arquitectura donde antes aparece el impulso renovador. Se produce un rechazo generalizado al barroco. Había un gran interés por dotar a las poblaciones de un aspecto más noble y lujoso que pudiera reflejar la grandeza del soberano y el bienestar de sus súbditos.

� Sobresalen como arquitectos Ventura Rodríguez (1718-1785) y Francesco Sabatini (1721-1797).

� Después de unos años de una labor crítica y teórica desde la Academia, nace una nueva generación de arquitectos su figura más representativa es Juan de Villanueva (1739-1811). Es el arquitecto que mejor refleja la consecución y codificación de un auténtico lenguaje neoclásico. Sus primeras obras son de importancia menor, pero se detectan ellas tanto influencias de los palacios del renacimiento italiano como la presencia del espíritu herreriano. Es esta síntesis entre clasicismo y tradición la principal característica de la obra de Villanueva. Autor en El Escorial de las casas de Oficios frente al monasterio y también de las Casitas de Arriba y de Abajo, El Museo del Prado, el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico.

� Coetáneo de Villanueva fue Ignacio Haan (1758-1810) que destaca por sus obras en Toledo bajo el mecenazgo del Cardenal Lorenzana.

� Isidro González Velázquez discípulo de Villanueva, crea la Casita del Labrador del Real Sitio de Aranjuez (1794), con la colaboración en la decoración del Gabinete de Platino de los arquitectos de Napoleón Percier y Fontaine.

� Los Comneno (Alejo I, Juan II y Manuel I) recuperan Nicea y Éfeso, controlando el Egeo y sometiendo a los serbios.

� Tras la segunda cruzada Manuel I, cambia las alianzas: se alejan de Venecia y se acercan a Pisa, Génova, a la causa del Papa y la liga Lombarda.

� Esto permite atacar a Roger II de Sicilia, pero se romperá la paz con los sultanes de Rum con la derrota del ejército bizantino.

� Federico I firma la paz con la Liga Lombarda � Rápida decadencia del poder Imperial después de 1180

Generalidades

� La influencia de la ocupación napoleónica también tuvo gran repercusión en Italia. Un ejemplo es el Arco de Sempione, en Milán, proyectado por Luigi Cagnola casi como una reproducción del Arco del Carrousel. La huella napoleónica se manifiesta sobre todo en los grandes proyectos urbanos.

� Milán fue la ciudad que más proyectos de forma austera fueron pensados de entre ellos, el más ambicioso fue el Foro Bonaparte . El primer proyecto fue de Antolini (1756-1814), que pretendía crear una enorme plaza circular, además de ubicar dos edificios públicos, llevando así el sello de los modelos utópicos ilustrados. Canonica realizaría dos proyectos más modestos.

� Los modelos grecorromanos y los espacios abiertos de grandes dimensiones son las coincidencias de los diferentes proyectos presentados.

� En Roma, Giuseppe Valadier (1762-1839) realizó la remodelación de la piazza del Popolo. El espacio se concibe abierto e integrándose en la naturaleza. Otra intervención destacada fue la remodelación de la Plaza de San Marcos de Venecia. En Nápoles también se hicieron algunas reformas significativas, como el Palacio de Caserta y la Ópera de San Carlo.

(

� Con la necesidad de una nueva arquitectura que cumplimentara los ideales del nuevo siglo se publica en Alemania el libro “¿En qué estilo deberíamos construir?” (1828) de H. Hübsch.

� Múnich se convirtió en una de las ciudades más monumentales de Europa a partir de los planes urbanos iniciados en este período.

� Karl von Fischer (1782-1820) y Leo von Klenze (1784 -1864), Fischer remodeló y creó plazas de diferentes formas utilizando siempre grandes proporciones y cerrando vías y plazas con edificios públicos y privados de entidad arquitectónica. Practicó un clasicismo romántico muy personal. Lo más interesante de la remodelación urbanística fue el trazado modular, en el que se abrían plazas que le daban movilidad. Se rompió el concepto de urbanismo que existía en Europa hasta entonces.

4. ALEMANIA Y LOS PAÍSES NÓRDICOS

4. 1 CLASICISMO ROMÁNTICO O ATICISMO DE ESPÍRITU ROMANTICO

� Roma es la principal protagonista del clasicismo romántico en Italia. Dominan la simplicidad, la rotundidad volumétrica y la gran escala, buscando el efecto global (lo sublime), pasando por encima de los detalles. La Iglesia de San Antonio de Padua, de Pietro Nobile , busca un efecto escenográfico muy barroco con su pórtico jónico hexástilo resaltado por el muro que le precede.

� En los edificios de escala menor si se utiliza una decoración minuciosa y el juego de llenos y vacíos. El café Pedrocchi, de Giussepe Japelli, es un buen ejemplo. Aunque sigue el mismo sentido racional, la decoración menuda le resta austeridad. El propio Japelli añadió un cuerpo neogótico, acentuando su aspecto pintroresco.

1. En Alemania se produjo una de las mejores arquitecturas neogriegas de toda Europa, con Karl Friedrich Schinkel y Leo von Klenze como principales protagonistas. En 1788-1791 se construye en Berlín la Puerta de Brandemburgo, obra maestra de Karl Gottfried Langhans (1733-1808) e inspirada en los Propíleos de Atenas. Destaca también el Palacio de Mármol de Postdam (1789).

2. Otro arquitecto a tener en cuenta David Gilly (1748-1808) consolidó su estilo dentro de una tendencia más avanzada, un estilo de pureza geométrico y severidad racional que le acercaba a Boullé. Heindricha Gentz (1776-1811) continuó divulgando un estilo ático. � Kark Friedrich Schinkel (1781-1841) discípulo de Friedrich Gilly , le inició en el clasicismo

romántico. Adaptó un buen número de estilos históricos (griego, romano, románico, gótico, renacentista italiano) e incluso hizo uso del hierro tanto para decoración como para construcción. Schinkel se preocupó más de los problemas arquitectónicos que de los estilísticos. Apostó por el eclecticismo estilístico. Combina la grandiosidad clásica con el espíritu romántico patente en su acercamiento a lo pintoresco y al neomedievalismo. Se anticipa a la combinación de estilos y tipologías.

� En sus edificios se destacan los grandes volúmenes, un delicado balance de proporciones, un carácter simétrico y un acabado limpio, dando una sensación de trabajo de precisión. Utiliza un lenguaje clásico dentro de la racionalidad constructiva y compositiva. Utiliza formas austeras, de sólida volumetría y de gran escala, produciendo un efecto de serenidad y de unidad de fachadas. Encarna pues el ideal durandiano. Se preocupa por la funcionalidad personal de cada edificio. Teatro Real en Gendarmenarkt (1818-1821), Altes Mus eum (1823-1829).

� Elaboró una serie de dibujos arquitectónicos editados en Berlín y utilizados profusamente. También expuso sus principios teóricos en un libro que no llegó a publicarse. Por otra parte, tras su viaje a Gran Bretaña vislumbró la nueva arquitectura de masas. No tuvo en cambio la oportunidad de mostrar su capacidad urbanista al haberse encontrado un Berlín ya trazado en la etapa anterior.

� Leo Von Klenze (1784-1864) Avanza en la remodelación de Munich comenzada por Fischer. Mantuvo la grandiosidad neogriega en sus obras. A destacar la urbanización de la Königsplatz , estructurada a la manera de las acrópolis griegas. Se encuentra la Gliptoteca. El Walhalla (1831) inspirado en el Partenón y sobreelevado por una serie de rampas que conmemoró el triunfo de Luis I de Baviera sobre Napoleón, sea posiblemente su obra más espectacular y realizada con un objetivo de glorificación.

4. 2 EL CLASICISMO ROMÁNTICO EN ITALIA

BIBLIOGRAFÍA: � El Siglo XIX. El cauce de la memória. Mª Dolores Antigüedad y Sagrario Aznar. Ed.

Istmo. Madrid 1998 � Historia de la arquitectura moderna. Leonardo Benevolo. Ed. Gustavo Gili, S.L.

Barcelona 2005 � El Mundo Contemporáneo. Historia Del Arte. Juan Antonio Ramírez. Alianza Editorial.

Madrid 2006 ESQUEMA REALIZADO POR: Mª Victoria Gallego Hurtado. C.A. de Guadalajara. FOTOS:

4. 3 RUSIA

� En Rusia, especialmente en San Petersburgo donde dominaron las grandes escalas y las cúpulas de enormes dimensiones.

� Un ejemplo de esto es la Catedral de San Isaac , con una gran cúpula sobreelevada por un tambor muy desarrollado y de apariencia barroca. El pórtico corintio pone el acento clásico.

4. 4 ESPAÑA

� En España destaca Agustín Betancourt , un ingeniero militar, nacido en el Puerto de la Cruz (Tenerife), que creó máquinas, viajó por los países más avanzados para importar su recién nacida tecnología y terminó sus días exiliado en Rusia trabajando para el Zar Alejandro I.

� Creó la “Sala de Ejercicios Ecuestres de Moscú ”. Proyectó, organizó y dirigió numerosas e importantes obras arquitectónicas; urbanizó San Petersburgo ; hizo navegables los ríos, canalizándolos, en las proximidades de la ciudad y, por supuesto, realizó una importantísima labor en vías de comunicación.

4. 5 INGLATERRA Y AMÉRICA

� En los países Sajones se mantuvo sobre todo el interés por la arquitectura griega durante la primera mitad del siglo.

� John Nash (1752-1835) impregnó de romanticismo sus Terraces . � Sir John Soane (1753-1835), parte de su obra se conecta con el gusto sincretista y

pintoresco, pero sobre todo es representante de un lenguaje austero de ascendencia clasicista. Su tendencia a un diseño abstracto sin compromisos con la tradición se acentuó con los años.

� Robert Smirke (1781-1867) discípulo de Soane, en su obra predomina la austeridad, como bien se refleja en El Museo Británico (1824-1847).

� Por otra parte en Inglaterra el Gótico había tenido continuidad y había sido visto como especie de estilo nacional. De hecho en 1836 se tuvo que reconstruir el Parlamente y se decidió hacerlo en estilo medieval. Pugin fue un defensor del Gótico, pensaba que éste no era un estilo sino un principio eternamente válido. Primero que no debería haber en un edificio elementos que no sean necesarios, ya sea por conveniencia, construcción o propiedad. Segundo que todo ornamente debería consistir en enriquecimiento de la estructura esencial del edificio.

� En Norteamérica el Neoclásico fue adoptado como estilo nacional y su principal mentor fue Thomas Jefferson , que relacionaba el sistema político que defendía con una arquitectura basada en la Antigüedad clásica, quedando Grecia y Roma como ejemplos morales para el nuevo estado.

� Benjamin Latrobe (1764-1820), podemos destacar el Banco de Pensilvania y la Catedral de Baltimore . En esta última domina el eclecticismo formal (pórtico clásico, torres orientales, etc) y destaca una variada volumetría. Sus sucesores (principalmente Robert Mills ) siguieron insistiendo en el mismo estilo: pureza de formas, lógica compositiva y economía de medios, extendiéndose desde los edificios públicos a tipologías privadas.

• Es considerado el mejor pintor del Romanticismo. Su obra representa la imagen del genio frenético e incontenido.

• Se propuso llegar a la gran pintura de historia buscando la conexión en todas las fuerzas de la pintura.

• Consideró a la imaginación la cualidad artística más importante. • Preocupación por indagar en lo sublime. Lo encuentra en la representación del

instante, en el predominio de la masa pictórica frente a la línea, en los contornos borrosos y en la falta de conexión entre las partes.

• Su obra fue muy criticada, pero bien aceptada. • Características: gusto exagerado por los colores vivos oscuros; intensidad

emocional; sensualidad en las retorcidas figuras femeninas; dinamismo. • Importancia del color: el color es vida y luz. Cada toque color depende y se

refleja en los demás.

TEMA 3: EL ROMAN TICISMO

• CARACTERÍSTICAS:

movimiento cultural que aspira a encarnar en la política, la literatura, la filosofía y las artes los principios revolucionarios.

• Comienzo: con la caída de Napoleón y la consolidación de la restauración.

• Individualismo,representación subjetiva del paisaje, exaltación del pueblo, grito de libertad...

• El artista deja de ser un doméstico del poder.

• La pintura romántica rechaza las convenciones y directrices académicas, y enlaza con los valores de la pintura barroca.

1. Antonio Canova como retratista del Imperio, el recuerdo del Barroco

FRANCIA Y LOS GRANDES PINTORES ROMÁNTICOS

ROMANTICISMO:

1. Importancia del color en detrimento del dibujo neoclásico.

2. Cromatismo y luz, que refuerzan las manchasen su tarea destructora de las formas.

3. Composiciones dinámicas: posiciones convulsas y gestos dramáticos.

4. Culto al paisaje. 5. Temas de las revoluciones

políticas o los desastres que señalan un enfrentamiento fatalista con la naturaleza.

EUGENE DELACROIX (1798-1863)

• FRANCIA: centro artístico de Europa. La pintura romántica alcanza en París su punto culminante gracias a Delacroix y Gericault.

El mundo antiguo pasas a segundo plano y la Edad Media y el próximo oriente se convierten en temas preferidos.

• Es el primer pintor que rompe con la tradición davidiana. • Características: color frente a la línea, movimiento y tensión frente al

reposo. Fuerza, dinamismo y retórica del drama propios de la pintura barroca.

• Pintor que sirve de punto de partida al posterior Realismo de Coubert y Daumier por su observación del mundo real.

• Pintó temas actuales a su tiempo, captando el momento de mayor dramatismo en cada situación.

La Barca de Dante

Heliodoro Expulsado del templo La Libertad Guiando al Pueblo La Matanza de Quios

Mujeres en Argel La muerte de Sardanápalo

THEODORE GERICAULT (1791-1824)

Obra de EUGENE

DELACROIX

• En su obra, el movimiento de la forma, del color y de la luz están siempre bien dispuestos.

• Su pintura fue considerada impulsiva. • Predilección por los temas literarios y fantásticos. • Observación e la naturaleza y de los colores hallados en

ella.Se adelanta a los impresionistas. • Su viaje a Marruecos cambió su manera de ver el arte. • Obras más importantes

o La Barca de Dante o La matanza de Quíos o Heliodoro expulsado del templo. o La Libertad guiando al pueblo. o Mujeres de Argel o La muerte de Sardanápalo

Coracero Herido

La Balsa de Medusa Escena Londinense La Doma de Toros

Miembros Amputados La Monomaniaca del Juego

• A través de su obra vamos pasar del máximo triunfo de napoleón a su caída.

• Nunca consideró a sus obras como cuadros. Para él eran meros ejercicios.

• Obras más importantes: o Coracero Herido o La Balsa de la Medusa o Escena londinense o La dama de toros o Miembros amputados o Monomaniaca del juego

• Máximo representante del clasicismo. Este clasicismo adolece de cierto aire extraño y oriental.

• Produce una obra contradictoria: una parte apegada al clasicismo, y otra, precursora del arte del siglo XX.

• Importancia del desnudo femenino. • Influencias: David y Rafael • Retratos: combina el sentido de lo Ideal con los rasgos físicos

del individuo. El enfrentamiento entre Ingres y Delacroix, refleja las dos grandes tendencias de la época:

1. La académica, aferrada a la tradición y al dibujo (Ingres). 2. La colorista e innovadora, reacia a las normas (Delacroix)

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1780-

1867)

Obra de THEODORE GERICAULT

Napoleón Entronizado El Baño Turco La apoteosis de Homero: La Gran Odalisca La Fuente

• Obras más importantes o Napoleón entronizado o El baño turco o Retrato de la Señora de Senonnes o La apoteosis de Homero o La gran odalisca o La fuente

THEODORE CHASSERIAU

(1819-1856) • Se especializa como retratista. • Intenta reconciliar el etilo de Ingres con el de Delacroix. • Se aparta del clasicismo de Ingres cuando conoce al Padre

Henri Lacordaire, uno de los precursores de la Doctrina Social Cristiana.

• Facultad de captación de los tipos exóticos. • Obras más importantes:

o Historia de Santa María Egipcíaca o Descendiendo de la Cruz o Las dos hermanas o El silencio, la meditacion y el estudio o 15 aguafuertes que representan la tragedia de Otelo

y Desdémona o Cleopatra le da muerte o El califa de Constantino o El tepidarium

Combate a la orilla de un barranco entre los spahis y los kabiles

LA OBRA DE JEAN AUGUSTE

DOMINIQUE INGRES

El Califa Constantino El Tepidarium Baño en el harem Las dos hermanas,

El fantasma de Banquo, Macbet La toilette de Ester Macbet y las tres brujas Venus Anadiomene

SENTIMIENTO Y NACIONALISMO EN ALEMANIA

• Buena reputación con sus litografías y con escenas anecdóticas

• Viaja a África y Asia.

• Italia: estudia los trabajos de Rafel y de Poussin o Famoso en vida, o Su obra disminuye

importancia después de su muerte.

ALEZANDRE GABRIEL DECAMPS (1803-1860)

• La pintura romántica alemana considera a la obra de arte como una ventana abierta al mundo invisible. Es una pintura mística y religiosa, de claro aspecto literario.

• La pintura de paisaje comienza a tener un contenido religioso.

CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840)

• La mayor parte de sus cuadros representan paisajes imaginarios.

• Toda la Naturaleza constituía el lenguaje jeroglífico de Dios.

• sus cuadros sorprenden al espectador, que tiene la sensación de encontrarse suspendido en el aire.

• Estructura común: en el primer plano puede haber alguna figura humana que siempre está dando la espalda al espectador.

• Muchas obras están impregnadas de un fuerte nacionalismo alemán.

La Cruz de las Montañas

El caminante frente al mar de niebla El sepulcro de los antiguos heroes. El mar de hielo

Monasterio Graveyard en la nieve

La mañana

• Opina que la Naturaleza está repleta de símbolos indescifrables, y que la época moderna contribuye a aumentar la oscuridad de esta oculta simbología.

• Pretende utilizar la música, las matemáticas y el color para construir con ellos una obra de arte total.

• En vida publica un libro sobre la teoría del color:"la Esfera de los colores"

• Obras más importantes:

o La mañana o El descanso en al huida a Egipto.

En Alemania había comenzado un nuevo estilo (que se definió como Biedermaier) que captó a los pocos seguidores de Friedrich.

• Obras más importantes. o La cruz de las montañas. o El caminante frente al mar de niebla. o Sepulcro de los antiguos héroes. o Monasterio Graveyard en la nieve o El mar de hielo

PHILIPP OTTO RUNGE (1777-1810)

CASPAR DAVID FRIEDRICH : OBRAS

3. La escultura alemana: J.H. Dannecker y J. G. Schadow

• publica un método para ayudar en la composición del paisaje.

• Poder de los símbolos 1. La Naturaleza es una fuente de estímulos a os que

corresponden sensaciones que el artista interpreta, aclara y comunica.

2. Las sensaciones se dan como un grupos de manchas más claras, más oscuras, teñidas de distintos colores y no bajo una forma acabada.

3. El dato sensorial es común a todos, pero el artista lo

elabora y clarifica con su propia técnica mental y manual.

4. Se trata de descubrir el significado y el valor de la sensación en cuanto experiencia de lo real.

ALEXANDER COZENS (1717-1786)

• Grupo alemán, La Hermandad de San Lucas, fundada en Viena en 1809 por Franz Pforr y Friefrich Overbeck, llamados irónicamente en Italia, los nazarenos.

• Realizan cuadros historicistas: pretenden recuperar un estilo del pasado, el tardomedieval y el Primer Renacimiento, al que cargaron de connotaciones religiosas culturales (catolicismo) e históricas.

• Pintura sencilla: limpieza en el dibujo, ordenación simple de las composiciones.

• Pintura impregnada de un profundo sentimiento religioso. • Se limitan a testificar la recuperación histórica de estilos del

pasado. • Rafael y Durero:son el punto final de una tradición piadosa que

pretenden recuperar.

Inspiran a los jóvenes sus componentes de otra hermandad de Inglaterra, la conocida como los Prerrafaelistas.

LOS NAZARENOS

Italia y Germania, de

Overbeck: (revivir el

estilo de Rafael.

Entrada del emperador Rodolfo

en Basilea en 1273, de Pforr:

El Carro de Heno

Roma desde el Vaticano

Viata del Campo Santo se Venecia 1842 Lluvia, Vapor y Velocidad 1844

• Para Constable, la fuente principal del artista debe ser la Naturaleza.

• Imagen amable y saludable de la naturaleza.

• elabora sus bocetos al aire libre. • representa lo efímero (novedad para la época). • Concibe la pintura de paisaje como "una ciencia que

debe ejercerse investigando en las leyes de la naturaleza".

• Obra más importante: o El carro de heno

JHON CONSTABLE (1776-1837)

• Eleva el paisaje a la categoría de "pintura noble". • Logra sustituir a los seres humanos y a los dioses

antropomórficos por los elementos naturales. Sus protagonistas: el agua, el viento, la tierra y la nieve.

• La naturaleza se representa en su estado más caótico y desenfrenado: predilección por las tormentas.

• sacaba bocetos al natural y realizaba la obra final en su estudio.

• Cuando comienza a experimentar lo sublime, recibe las primeras críticas.Son pinturas de manchas de color y cotorinos diluidos por una atmósfera vaporosas.

• enfrentamiento con el grupos de Koch. • Defendido por Ruskin. • Influye en Monet. • Percepción visual e intelectual). Representa además

de las cosas, las ideas que éstas suscitan en nosotros. • Obras más importantes:

o Lluvia,vapor y velocidad o Vista del Campo Santo de Venecia

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851)

LOS NAZARENOS

• Obras más importantes. o La cruz de las montañas. o El caminante frente al mar de niebla. o Sepulcro de los antiguos héroes. o Monasterio Graveyard en la nieve o El mar de hielo

LA PINTURA ESPAÑOLA: LOS SEGUDORES DE GOYA.

LEONARDO ALENZA (1807-1845)

• Representación de tipos populares. • Interes en la captación del movimiento. • Influencia de Goya (sobre todo de los Caprichos).

EUGENIO LUCAS VELAZQUEZ (1817-1870)

• Influencia de Velázquez, Murillo y Goya. • Obras sobre papel: experimentación. • escenas de inspiración fantástica. • Uso de manchas al azar como germen de figuras o paisajes

FEDERICO DE MADRAZO (1815-1894) • Obra en diversas etapas:

1. Purista, detallista 2. Suavización de los contornos. Mayor espontaneidad. 3. Retorno a la tradición

• pincelada prieta y brillante

JENARO PÉREZ VILLAAMIL (1807-1854) • Iniciación en el dibujo topográfico. • Influencia de los grandes acuarelistas británicos. • Máximo representante de la pintura de paisaje. • Representa edificios y espacios urbanos. • Llena sus obras de referentes arqueológicos y costumbristas.

El Romanticiso se manifestó en españa durante el segundo cuarto del siglo XIX.

ESQUEMA REALIZADO POR: Lorena Fernandez Gómez. BIBLIOGRAFÍA: Antigüedad, Mª.D. y Aznar, S. El siglo XIX. El cauce de la memoria. Madrid, 1998. Argan, G. El arte moderno. Madrid, 1998 Ramírez, J.A. (director), Historia del arte. El mundo contemporáneo. Madrid, 2005. Rosenblum R. y Janson H.W. El Arte del Siglo XIX. Madrid, 1984. PÁGINAS WEB http://www.artehistoria.jcyl.es

ESTADOS UNIDOS Y LA INFLUENCIA DE LA PINTURA EUROPEA

WASHINGTON ALLSTON • Busca la inspiración en la Biblia, en la poesía y en la literatura.

ESCUELA DEL RÍO HUDSON • Reverencia por la belleza del paisaje americano. • Grandes lienzos • Representante más importante: THOMAS COLE

LUMINISMO • Interés por los efectos atmosféricos de la luz difusa. • Obras pequeñas e intimistas • Máximos representantes: JHON FREDERICK KENSETT, MARTIN J. HEADE y

FRITZ HUGH LANE.

Perseo triunfante

Teseo y el Minotauro

Amor y Psique

Tumba de Mª Cristina de Austria

Paulina Bonaparte

TEMA 4. LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA

Antonio Canova 1757 - 1822

� El modelo de referencia se halla en la Antigüedad clásica. Para el erudito alemán Winckelmann, el ideal de la belleza sólo lo habían alcanzado los griegos al imitar y perfeccionar la Naturaleza. La función del artista sería la de imitar aquellos modelos, pero no para copiarlos, sino para convertirse en inimitable.

� Monocromía y falta de contrastes. � Sobriedad, formas contenidas y líneas elegantes. � Preferencia por las figuras individuales frente a los grupos escultóricos. � Preferencia por la pose frente al movimiento. � Los dos escultores más importantes son Canova y Thorvaldsen.

Canova nos remite a la época helenística, y sus figuras femeninas son de formas maduras y sensuales. Thorvaldsen se retrotrae a la Grecia de mediados del siglo V a.C., excluyendo toda sensualidad, con cierto inmovilismo y con un único punto de vista frontal.

1. Antonio Canova como retratista del Imperio, el recuerdo del Barroco

Escultura neoclásica

Características

� De origen italiano, se formó en Venecia. Sus primeras obras denotan la influencia de la tradición barroca, y en especial de la obra de Bernini (Orfeo y Eurídice, Dédalo e Ícaro)

� Se traslada a Roma, donde finalmente acabaría instalándose. Allí continuó el estudio de las antigüedades, y rápidamente se introdujo en los círculos artísticos, donde se imponen las nuevas tendencias clasicistas, que predominan en su obra a partir de Teseo y el Minotauro. Esta escultura le valió el reconocimiento público y el sobrenombre de “continuador de lo antiguo”.

� Emula (no copia) los modelos clásicos, especialmente los helenísticos: el Apolo de Belvedere (Perseo triunfante), el Laocoonte (Hércules y Licas)…

� Introduce nuevas tendencias estéticas, rompiendo el pathos exigido por los tratadistas neoclásicos, apreciándose cierto patetismo en algunas de sus obras religiosas (Magdalena, Llanto sobre el cuerpo de Cristo).

� En su producción predominan las obras de mármol, a las que solía dotar de una pátina de cera o tratar su superficie con acqua di rota.

� Realiza previamente bocetos preparatorios en cera o terracota, modelados de forma impetuosa, que van acercándose gradualmente al resultado final.

� Monumentos funerarios (Tumbas de los papas Clemente XIII y XIV, Monumento funerario de María Cristina de Austria). No realiza meros retratos funerarios de sus destinatarios, sino imágenes arquetípicas de la muerte. Es recurrente la forma piramidal, relacionada con la simbología de la eternidad.

� Género mitológico. Personajes bellos, elegantes y sensuales (Amor y Psique, Las Tres Gracias).

� Bustos y estatuas realizadas para Napoleón y su familia. Se convierte en el escultor favorito de Bonaparte. Los retratos son personificaciones contemporáneas de héroes o dioses clásicos (Napoleón como Marte pacificador, Paulina Bonaparte como Venus vencedora).

� Su obra cae en desgracia cuando se impone el gusto romántico, siendo tachada de fría y amanerada. Una parte de la historiografía ha concedido mayor valor a sus dibujos y bocetos preparatorios en cera y barro, llenos de vitalidad y espontaneidad, que a sus esculturas de mármol.

Ganímedes

Jasón

Amor y Anacreonte

Ariadna sobre una pantera

2. El modelo griego en B. Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen 1770-1844

� De origen danés, la Real Academia de Copenhague le concedió una beca para formarse en Roma, ciudad donde se instalaría definitivamente, alcanzando un gran prestigio. Permaneció allí hasta 1838, por lo que la mayor parte de su carrera pertenece a la época postnapoleónica.

� Trabajó en la restauración de las figuras del tímpano del Templo de Afaya en Egina, que habían sido adquiridas por Luis de Baviera y se conservan en la Gliptoteca de Munich, lo que avivó su interés por los modelos griegos más antiguos.

� El regreso del escultor a Copenhague fue un gran acontecimiento. El Museo Thorvaldsen, donde sería enterrado, fue erigido por el país en memoria suya.

� Es seguidor y al mismo tiempo antagonista de Canova. � Lleva al extremo los principios clasicistas de Winckelmann. � Su modelo de referencia de la Antigüedad es el de la Grecia

clásica del siglo V a.C. No copia lo antiguo, se propone la reconstrucción de los arquetipos griegos (Jasón, Ganímedes, Hebe).

� Predomina en su producción el género mitológico, aunque también tiene obras de carácter religioso (Cristo bendiciendo). Cultiva asimismo el bajorrelieve (Amor y Anacreonte).

� Sacrifica el movimiento y la luz a un estricto canon de proporciones.

� Reduce al mínimo los contrastes de claroscuro, hasta el punto de que algunas obras de bulto redondo tienen un tratamiento de bajorrelieve.

� Su estilo es severo y solemne. Sus personajes aparecen revestidos de una belleza idealizada que carece de carnalidad, así como de emociones. Encarnan conceptos universales y atemporales. A diferencia de Canova, nunca rompe el pathos exigido por los principios neoclásicos.

3. La escultura alemana: J.H. Dannecker y J. G. Schadow

� Escultor de la corte de Würtemberg, estudió en Roma con

Canova. � Se propone recrear “clásicos modernos”. Es un propagador del

idealismo, su objetivo es alcanzar los ideales de elevación y dignidad que se asociaban a la plástica antigua.

� Cultiva el género mitológico, esculpiendo desnudos femeninos de líneas sensuales (Ariadna sobre una pantera), y el retrato, donde conjuga las características del retrato neoclásico con la percepción de la personalidad del retratado (Schiller).

Johann Heinrich von Dannecker 1758-1841

Princesas Luisa y Federica de Prusia

4. Los problemas de la escultura para plasmar el nuevo estilo romántico

Johann Gottfried Schadow 1764-1850

� Su estancia en Roma le permitió desarrollar profundos conocimientos de las obras de la antigüedad y entrar en contacto con Canova.

� En su país natal sería escultor oficial de la realeza. En 1816 fue elegido para ocupar la dirección de la Academia de Berlín.

� La brusquedad y masculina sobriedad, el orgullo propio de los ciudadanos de la clase media y el prusianismo latente son los rasgos sobresalientes de la concepción del ser humano patente en este escultor.

� Destaca la calidad de sus retratos (General de Húsares von Ziethen). � Su inclinación al naturalismo le aleja de la frialdad neoclásica

(Princesas Luisa y Federica de Prusia).

� En la época, se consideraba que la escultura era fundamentalmente no romántica: por una parte, porque se entendía que era un arte que había alcanzado una cota insuperable de perfección en la antigua Grecia, y por otra, porque se estimaba que sólo podía representar atributos externos (fuerza, serenidad, gracia), mientras que la pintura podía revelar la vida interior, tan importante para los románticos.

� Baudelaire (Por qué la escultura es aburrida) considera que no puede existir una escultura romántica como tal porque, a diferencia del pintor, el escultor no puede controlar la visión que el espectador tiene de su obra. Da por hecho que solamente existe una visión “correcta” para una escultura y considera que es una cuestión de suerte que el espectador la descubra o no.

� Para Sagrario Aznar, el Romanticismo en escultura sólo existió en Francia. � La escultura que hoy denominamos romántica se halla delimitada, por un lado, en sentido literario, en lo

que se refiere a los temas; y en sentido plástico por la búsqueda del efecto pictórico, de los juegos de luces y sombras, interés influido por las peculiaridades de la pintura romántica.

� No existe un movimiento escultórico demasiado relevante. Ello quizá se deba al éxito del clasicismo escultórico, con el que coexiste, y al hecho de que los gobiernos y las academias impulsaron una escultura oficial de corte neoclásico.

� Características de la escultura romántica: - Pictoricismo. - Fuerza expresiva. - Predominio de la narración sobre lo conceptual. - Predominio del movimiento sobre la quietud. - Historicismo. - Pasión. - Sentimentalismo.

� Dado el alto coste de la utilización de materiales nobles en la escultura, se recurre a: - La realización de modelos en tamaño real de escayola con la esperanza de encontrar mecenas

que financien la ejecución en materiales más duraderos. - Salones y Exposiciones Universales. - La realización de esculturas de pequeño formato. - Utilización de técnicas que abaratan los costes, aunque con resultados de poca calidad.

Géneros: � Exaltación de las glorias nacionales (con un sentido muy romántico de la historia). � Inspiración literaria. � Retratos (se aspira a representar no sólo los rasgos, sino la personalidad del retratado). � Caricaturas (variante del género del retrato). � Monumentos públicos (encargos oficiales). � Monumentos funerarios. Durante el Romanticismo, los cementerios se convirtieron en verdaderos museos. El

hombre del siglo XIX quiere que su recuerdo se perpetúe, ya que el olvido constituye para él la auténtica muerte.

5. Los géneros del retrato, el tema heroico y el monumento funerario

Pescador napolitano

La Marsellesa

Jaguar devorando un cocodrilo

Ninfa y sátiro

8. Los pequeños bronces de Géricault

7. A. L. Barye.

6. Rude como intérprete de la epopeya revolucionaria.

� Fue un enfervorecido partidario de Napoleón, que permaneció exiliado en Bruselas un tiempo tras la caída de éste, antes de darse a conocer en los salones parisinos con obras que revelan el dominio de efectos plásticos procedentes de la tradición renacentista francesa e italiana a la vez que apuntan un cierto naturalismo, aunque no por ello carecen de solidez formal.

� Su acercamiento al movimiento romántico se evidencia en el Pescador napolitano, escultura en la que el tema es observado directamente de la naturaleza, sin concesiones a la belleza. Está en la línea del gusto romántico por gentes y lugares lejanos. Contraría el principio neoclásico que considera que las escenas de la vida cotidiana no son dignas de ser esculpidas.

� Sus creencias políticas se reflejarían en obras como La Marsellesa, grupo escultórico del Arco del Triunfo de la Place de l’Etoile (París) que glorifica la Revolución Francesa. Representa al pueblo francés en marcha para defender la República de los ataques extranjeros, liderados por la figura alada de la Libertad.

� Napoleón despertando a la inmortalidad. Obra de carácter lírico y pausado dedicado a la memoria de Bonaparte, que representa la “resurrección de un héroe a la gloria”.

� Las esculturas de Barye son una agitada manifestación de la fuerza de animales salvajes (Jaguar devorando un cocodrilo) y héroes mitológicos (Teseo y el Minotauro).

� Sus obras alcanzan una gran tensión dramática gracias al vigor de las masas y los efectos del claroscuro, de modo que hasta la silueta y el vacío que deja la ocupación de los espacios contribuyen a subrayar su viva expresividad.

� Su especialidad es la escultura de animales, resucitando un género que desde la antigua Roma sólo esporádicamente había tenido un cierto esplendor en el tardomanierismo. Lo que le preocupa no es la verosimilitud zoológica, sino la fuerza expresiva del grupo, intensificada por el compacto diseño monumental.

� Aunque su producción es fundamentalmente pictórica, realizó varios grupos escultóricos de pequeño tamaño que, si bien no pueden calificarse como románticos en cuanto a su estilo, constituyen un intento de extraer de la materia la expresión de un sentimiento apasionado y violento.

� El grupo Ninfa y sátiro, tallado directamente sobre piedra, es un anuncio del fecundo entusiasmo que habría de suscitar Miguel Ángel entre todos los grandes escultores del siglo: la figura femenina se inclina trágicamente resignada, mientras la inacabada masa del sátiro emerge como una sombra que alcanza un violento dramatismo.

François Rude 1784-1855

Antoine –Louis Barye 1796-1875

Théodore Géricault 1791-1824

Isabel II

Frontón del Congreso de los Diputados

BIBLIOGRAFÍA: Antigüedad, Mª.D. y Aznar, S. El siglo XIX. El cauce de la memoria. Madrid, 1998. Argan, G. El arte moderno. Madrid, 1998 Novotny, F. Pintura y escultura en Europa. 1780-1880. Madrid, 2003 Preckler, A.M. Historia del arte universal de los siglos XIX y XX. Madrid, 2003. Ramírez, J.A. (director), Historia del arte. El mundo contemporáneo. Madrid, 2005. Rodríguez, D. Del Neoclasicismo al Realismo. Madrid, 1996. Rosenblum R. y Janson H.W. El Arte del Siglo XIX. Madrid, 1984. PÁGINAS WEB http://www.artehistoria.jcyl.es ESQUEMA REALIZADO POR: Patricia García-Luengos Callejo. Centro Asociado de Palencia.

9. El academicismo de la escuela española: José Piquer y Ponciano Ponzano.

� Seguidor de David D’Angers, se interesó por un realismo

inspirado en la tradición imaginera. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos y fue educado en la visión barroca levantina, por lo que tuvo menos prejuicios a la hora de abandonar la corriente clasicista, produciéndose más fácilmente que en el caso de otros artífices el acercamiento al gusto romántico, tanto en lo que se refiere a la emotividad artística de sus obras como al tratamiento técnico.

� En su obra se advierte la alternancia entre las tendencias románticas (San Jerónimo, Isabel II) y clasicistas (Sepulcro del general Espoz y Mina en la Catedral de Pamplona).

José Piquer 1806-1871

Ponciano Ponzano 1813-1877

� Cursó sus estudios en la Academia de San Fernando de Madrid,

obteniendo una beca para ir a Roma. En la Universidad de la Sapienza fue alumno de Thorvaldsen.

� Fue uno de los escultores más destacados de Madrid. Hizo de los modelos clásicos una opción historicista más, válida con fines representativos, como el alegórico frontón del Congreso de los Diputados.

TEMA 5. LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO EN EL SIGLO XIX

� Primera mitad S. XIX: Declive arquitectura clasicista � Eclecticismo historicista: Con origen en el Neoclasicismo � Romanticismo: Gran componente sentimental y desconfianza de la

razón � Imperio Napoleónico: Aparición de sentimientos nacionalistas

INTRODUCCIÓN

1. EL NACIMIENTO DEL URBANISMO MODERNO

Generalidades � La arquitectura del S. XIX se desarrolla en la ciudad.

� La mejora en la agricultura produjo excedente de mano de obra � Van a la ciudad para trabajar en la fábricas � Aumento de la población en las ciudades

� Reorganización de la ciudad: Infraestructura de saneamiento, alcantarillado, acometida de agua, apertura de calles amplias, derribar murallas y ensanchar los límites de la ciudad

� Ensanches: características comunes en los diferentes países � Trazado ortogonal o de parrilla � Proyecto previo a la construcción � Abrir vías amplias en la ciudad vieja

� Transformaciones urbanas � Degradación ambiental y urbana � Causas: Crecimiento demográfico y ubicación de industrias en cascos

urbanos � Hacinamiento intensivo en las ciudades

2. LAS DIFICULTADES DE LA CIUDAD INDUSTRIAL

Revolución Industrial

� Razones de índole económica � Infraestructuras � Mercado

Localización urbana de las industrias

3. LAS CONDICIONES DE VIDA DE LA CLASE OBRERA: F. ENGELS

F. Engels

� Trabajó en una fábrica en Inglaterra � Escribió “La situación de la clase obrera en Inglaterra”:

� El proletariado no es sólo una clase que sufre, sino que su situación económica le impulsa a luchar por su emancipación

� El movimiento político les lleva al socialismo � Crítica al capitalismo y la burguesía

Familisterio

Howard

Arturo Soria: Ciudad Lineal.

� Soluciones utópicas: � Rechazo de la ciudad tradicional � Nueva organización social y espacial � Lo individual se relega ante el interés colectivo

� Conde de Saint Simón (Francia): � Búsqueda del orden social gobernado por industriales,

banqueros y técnicos, con gran peso de la clase trabajadora � Apoyo filosófico en la planificación de las obras públicas

del Estado � Etienne Cabet:

� Escribió “Viaje a la Icaria” � Ciudad construida sobre plano geométrico � Fábricas, cementerios y hospitales a la periferia � Interior: Peatones por pasajes cubiertos y vehículos por

carriles especiales � Charles Fourier

� Esfuerzo colectivo para lograr la armonía universal que eliminara las diferencias de clase

� Falansterios: - Unidades colectivas productivas que ocuparían un

territorio para su explotación agrícola - Constituidos por tres pabellones comunicados por

calles interiores � Jean Baptiste Godin

� Aplicó las ideas de Fourier al trabajo industrial � Familisterio formado por tres bloques con patios interiores,

con viviendas individuales por familias � Albert Brisbane (Estados Unidos) Aplica las teorías de Fourier y

crea varias colonias que desaparecieron por problemas económicos

� Crítica marxista � Oposición a las reformas de la ciudad y a los socialistas

utópicos � El movimiento obrero realizaría una revolución económica

originando una nueva ciudad sin problemas de vivienda para los obreros

� Engels: condiciones de hacinamiento, suciedad e insalubridad de los barrios obreros

� Nuevo modelo de barrio: � Iniciativas privadas para mejorar la vida del trabajador y

para controlar su posible descontento � Antecedente de la ciudad-jardín

� Ebenezer Howard: Asentamiento circular con calles radiales confluyendo en un centro comercial

� Arturo Soria � Teoría de la Ciudad Lineal � Casas unifamiliares con huerto y jardín � Distribuidas en un bulevar surcado por tranvías

4. LAS PROPUESTAS DEL SOCIALISMO UTÓPICO FRENTE A LOS PROBLEMAS DE LA CIUDAD: FOURIER Y GODIN

5. OWEN Y LA CIUDAD COMUNITARIA

� Mejora de las condiciones de los trabajadores con beneficios de la industria

� La vida en colectividad darían lugar a una mejora del individuo y de la sociedad

� Modelo de aldea con forma de paralelogramo con instalaciones colectivas, viviendas y jardines, rodeados de tierras de labor

� Fracaso de casi todas las iniciativas de este tipo

Panopticon

La Petite Roquette

Hospital de Lariboisiere

Central Park (Nueva York) Hyde Park (Londres)

� Utilización de los avances con el Neoclasicismo � J.N. Durand elabora un repertorio tipológico de edificios de todas las

épocas � sistematización del historicismo � Este funcionalismo pasó a la arquitectura de los ingenieros � 2ª mitad los ingenieros hacen construcciones con módulos

prefabricados de hiero y cristal � Nuevas tipologías arquitectónicas para responder a nuevas

necesidades � Modelo de vivienda colectiva integrado en una estructura unitaria � Viviendas unifamiliares y chalets suburbanos con estilos caprichosos

6. ARQUITECTOS E INGENIEROS ANTE LAS NUEVAS TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS

Arquitectura del siglo XIX

� El estilo clásico se usó en templos, museos, palacios de justicia, bancos y bolsas

� El estilo gótico se usó en Iglesias y para renovación religiosa en diversas confesiones

� Formas pintorescas para lugares de diversión (cafés y cabarets)

Adaptación de los estilos históricos a las

nuevas tipologías

� Grandes almacenes, mercados o edificios para exposiciones se adaptaron a la arquitectura de los nuevos materiales (hierro, hormigón,...)

� Parques � Lugar de esparcimiento � Jardinería paisajista que integra en la naturaleza

arquitecturas para esparcimiento: estanques, lagos, fuentes, grutas, e incluso hipódromos, zoológicos y espacios para exposiciones.

� En las proximidades de los parques aparece arquitectura de lujo

� Hyde Park (Londres) y Central Park (Nueva York) � Prisiones:

� J. Benthan: Panopticon, de planta circular � T. Hardwick: Millbank (Londres) de forma radial � H. Lebas: La Petite Roquette (París) de planta hexagonal.

� Hospitales. Aplicación de las teorías higienistas para hacer un modelo de arquitectura hospitalaria: � B. Poyet; Hospital de La Roquette (París), con dos series de

pabellones incluidos en un cuadrado y distribuidos a los lados de un patio central

� Hospital de Lariboisiere (París) � Hotel-Dieu (París)

Tipologías nuevas

Richardson: Trinity Church of Boston

Rundbogenstil

BIBLIOGRAFÍA:

EL CAUCE DE LA MEMORIA. S. XIX Mª Dolores Antigüedad Sagrario Aznar

ESQUEMA REALIZADO POR: Mª JUANA GARRIDO RODRÍGUEZ. Centro Asociado GREGORIO MARAÑÓN FOTOS: Wikipedia, Arte historia

7. LOS “REVIVALS”

� Generalidades: � Se apoyan en modelos de estudios históricos y literatura � El arquitecto elegía la opción que se ajustase a sus fines � Se pretende crear un estilo nuevo y moderno

� Neogótico: � Inclaterra: rechaza normas rígidas de la arquitectura clásica � Francia: entronca con las grandes catedrales góticas que había que restaurar y conservar

� Neorrománico: � Richardson en Estados Unidos un lenguaje historicista adaptado a una arquitectura sencilla y funcional

� Otros eclectismos consecuencia del Neoclasicismo: paleocristiano, bizantino, renacimiento italiano, Rundbogenstil

� Neoegipcio: � Se popularizó con Napoleón � Carácter funerario: y monumentos conmemorativos cementerios � En Estados Unidos se hicieron bibliotecas, iglesias y sinagogas

� Otros historicismos � Neoárabe � Neoturco � Neohindú

TEMA 6 El Neogótico y los estilos neomedievales

INTRODUCIÓN

1. Hacia la primera mitad del s. XIX �el declinar de la arquitectura clasicista, 2. Comienzan a surgir nuevos elementos � renovación de la arquitectura. 3. El eclecticismo historicista fue � el fenómeno estilístico que marcó � la

arquitectura durante todo el s. XIX hasta � las primeras manifestaciones del movimiento moderno.

o Este fenómeno � escogí y compaginaba los diferentes estilos históricos. o Su origen se hallaba en el movimiento Neoclásico surgido � al amparo de la

Ilustración y en el deseo de ésta de hallar el camino correcto para el hombre. 4. Tras él surgió el Romanticismo, movimiento caracterizado por:

o un importante componente sentimental, o una desconfianza hacia la razón. o Por ello, el estilo clásico dejó paso � al interés por las arquitecturas

medievales; 5. Napoleón con sus ideas imperialistas � había creado en Europa un sentimiento de

nacionalismo. o Se comienza a rechazar el arte del Clasicismo, o búsqueda de estilos autóctonos y de arquitecturas no contaminadas.

6. Hacia 1845, los revivals gozaban de gran difusión. o La exaltación del pasado nacional conlleva � el estudio de los monumentos

de cada país, o dando paso a la fase recurrente y son varios los estilos que pueden servir de

inspiración. o Es el período que corresponde a los estilos neos: neogótico, neorrománico...

7. El neogótico fue el más extendido, o tantas variedades como países existían. o se apoyaba en los modelos que proporcionaban � los estudios históricos y

la literatura. 8. También se recuperarán otros estilos � el romántico (neorromántico), el

paleocristiano, el bizantino o el renacimiento italiano. 9. La influencia que llegaba desde Egipto, � por campañas napoleónicas a este país,

� en el ámbito de la arquitectura funeraria, en cementerios o en monumentos conmemorativos.

10. Otros estilos permanecieron menos fieles a los originales� estilos neoárabes, neohindú o neoturco.

11. Con los revivals llegaba la posibilidad de � elegir aquella opción que se ajustase mejor a la intención del arquitecto.

o Éstos empezaron a construir en diversos estilos � sin conexiones estilísticas entre ellos de forma aparente.

12. Los arquitectos de esta etapa � también mostraban entusiasmo por el avance de la ciencia y de las técnicas � era buscado en las nuevas concepciones arquitectónicas.

Tanto el jardín público como las ordenaciones urbanísticas adquieren gran importancia, de acuerdo con las exigencias de la sociedad de la época que poco a poco se va configurando.

INGLATERRA Y EL GÓTICO COMO CONSTANTE

Augustus Welby Northmore Pugin

(1812-1852),

1. No puede hablarse de moda gótica en la arquitectura inglesa del siglo XIX porque � el estilo gótico nunca abandonó la arquitectura de este país, presente desde 1600.

2. Thomas Rickman identificó en su obra –An Attemps to Discriminate the Styles of English Architecture (1815)- las diversas etapas del Gótico inglés.

3. El contexto sociopolítico inglés propiciará desde finales de la segunda década � el auge del Gótico, iniciándose:

o el proceso de transformación del gótico pintoresco en Neogótico o coincidiendo con la opinión religiosa �lo convertirá en modelo arquitectónico.

4. Apoyados por el movimiento ultraconservador “Oxford Movement”, plantean un retorno al cristianismo primitivo; provocando discrepancias en el seno anglicano.

o La arquitectura gótica es para ellos � paradigma del edificio religioso. 5. En 1818 se aprobó, en el Parlamento inglés, � el Church Building Act � la total

aprobación del uso del estilo gótico, � construcción de nuevos templos,. 6. Se escogía para tal fin porque era un estilo funcional � al que se le podían incorporar

nuevos materiales como el hierro. 7. Con fecha anterior a 1840, � la expansión del Neogótico respondió a parámetros de orden

económico. 8. Mientras en el resto de Europa � se limitan a considerar al Gótico como un elemento más

del pintoresquismo, � en Inglaterra adquirirá mayor protagonismo.

1. Augustus Welby Northmore Pugin (1812-1852), �

defiende el modelo de ciudad medieval.

2. Convertido al catolicismo en 1835, Pugin defenderá el Gótico � como el estilo cristiano perfecto en sus

estructuras para el culto.

3. Pugin defiende la arquitectura gótica, � representa a

la auténtica religión (la cristiana); siendo superior � a

la arquitectura griega y romana que sólo representan

� al paganismo.

4. Pugin era uno más de los que deciden atacar la Reforma anglicana-responsable.

o Para él, al igual que otros muchos de sus

colegas, � la edad Media tenían un sentido

simbólico � debía de ser imitada.

5. En las iglesias que Pugin realizó intentó plasmar sus tesis.

o Por ello, levantó edificios

inspirados en el gótico

histórico.

PUGIN Y LA NOSTALGIA DE LA CIUDAD MEDIEVAL

6. Sólo lo logró en algunas de sus construcciones como la Iglesia de St.Giles en Cheadle (Staffordshire), con su única torre rematada con una alta aguja opaca y cabecera plana. o La nave central tiene una cubierta exterior a dos aguas de elevada cumbrera.

o El interior está lleno de pinturas. 7. Otros de sus proyectos quedaron incompletos � por falta de

presupuesto económico: 8. El interior de la Iglesia de St.Barbabas (1842), hoy catedral

católica de Nottingham, no se llegó a decorar � resultó un edificio muy diferente al que había proyectado su autor.

9. Entre otras obras de Pugin destacan las iglesias de: o St.Oswald en Liverpool (1840-42) y o St.Wilfred Hulme en Manchester (1839-42.

10. Pugin colaboró con otro arquitecto -Charles Barry- en la construcción del Parlamento de Londres;

o una de las escasas construcciones civiles de importancia del estilo

neogótico. o Construido en 1837 para sustituir � desaparecido Parlamento,

destruido por incendio en 1834.

A.W. Pugin. St. Giles, Cheadle, 1845. A.W. Pugin, Grabado de Contrasts, 1836

11. Cuando en 1836 Barry logra el proyecto del Parlamento, � el Neogótico había entrado en fase madura;

o alejándose del pintoresquismo o incorporando significados religiosos y nacionalistas. o Barry acepta la realización del edificio siguiendo este

estilo, o pero aflora el sentido clasicista de este arquitecto. o El resultado es un edificio de planta regular, � sólo

alterada en el lado interior. 12. Pugin diseñó para el edificio una decoración gótica flamígera. 13. Las numerosas torres, � ofrecen el contrapunto a la horizontalidad

del edificio y supone � permanencia de lo pintoresco. 14. Tras la muerte de Barry, � su puesto lo ocupó su hijo E.

Middlenton. 15. Se considera obra de Pugin � la Torre del Reloj, o posee detalles del gótico más ornamental y pintoresco. 16. partir de 1850, � el Neogótico inglés entra en una fase de gran

originalidad. � resalta policromía y cuidadoso tratamiento materiales.

17. Pugin también rechaza el modelo del Clasicismo al que considera pagano.

18. El hierro no era bien visto aceptándose en pequeñas dosis y preferiblemente oculto.

Todas estas ideas fueron defendidas a través de The Ecclesiologist, para todo el mundo anglohablante

JOHN RUSKIN (1819-1900) Y LA UNIÓN DE RELIGIÓN Y ESTÉTICA

1. Durante el período victoriano, � el Neogótico continuaría consolidándose en Inglaterra. 2. A Pugin le sucedió � Ruskin quien también utiliza el gótico 3. Para Ruskin, religión y estética se unen � recuperar un pasado medieval. 4. Ruskin exalta el trabajo artesano al modo medieval � frente al puramente mecánico. 5. En sus libros The seven lamps of Architecture (1849) y Stones of Venice ( 1851-1853),

defiende la idea de que la arquitectura afectaba de forma directa a los intereses del hombre. 6. Ruskin mantiene la idea de � arquitectura gótica, sociedad y religión forman una cohesión. 7. Para Ruskin, � los estilos arquitectónicos prioritarios y con valor eran cuatro:

o el Románico de Pisa, o el Gótico primitivo de las repúblicas italianas occidentales, o el Gótico veneciano y o el primitivo inglés decorado.

8. Se oponía a la restauración de edificios antiguos � si se cuidaban no era necesaria su posterior restauración.

9. El Neogótico victoriano alto se caracteriza por � su diversificación y por la generalización del color interior y exterior.

10. La década de los 60 supuso � momento de mayor auge del Victoriano alto. 11. El Gótico victoriano tardío � se limitó a repetir modelos ya conocidos, sobre todo � en diseño

de los templos.

WILLIAM MORRIS Y EL GÓTICO COMO FORMA DE VIDA

1. William Morris (1834-1896) continuó y matizó las ideas de � Pugin y Ruskin. 2. En 1853 conoció en el Exeter College de Oxford a � Edward Burne-Jones y colabora en el

campo artístico que incluiría a la hermandad de los prerrafaelistas � a la que pertenecían personajes como Dante Gabriel Rossetti y Ford Madox-Brown.

3. Sigue los pasos de Pugin y Ruskin � al adoptar el gótico rechazando el mercantilismo. 4. Para Morris el arte era la expresión que encarna � el interés por la vida. 5. Únicamente bajo el socialismo sería posible � una arquitectura moderna. Eso sí, el nuevo

estilo sólo � venir de fuente antigua: la arquitectura gótica. 6. La concepción arquitectónica de Morris lo abarcaba todo: decoración, paisaje... 7. Morris formó una hermandad artística con � Philip Webb y los pintores prerrafaelistas,

unión que se plasmó en � la construcción de la Red House en Bexley Heath (Kent) que Webb hizo para residencia de Morris.

8. Morris se ocupó de la decoración de la vivienda � aspecto medieval. 9. En 1861, junto a Marshall, Faulkner y Co. fundaron � empresa dedicada al diseño de

muebles, vidrios,telas,papeles,etc. 10. En el Debating Hall de Oxford (1856-57), Morris realizó, junto a Rossetti y otros

compañeros, � los frescos del techo. 11. Con posterioridad, hicieron vidrieras para templos como los de

o St.Michael en Brighton (1859-62) y o los de St.Philip y St.James en Oxford. (1862)

En Ramsgate

Akademisches Gymnasium. Sühnhaus, destruida durante la Segunda Guerra Mundial.

En Ramsgate (imagen a la derecha), por la que pagó un elevado precio, pudo permitirse explayar su profunda apreciación por la vigorosa estructura y profusa ornamentación del Gótico inglés de principios del siglo XIV. El resultado es una conmovedora pieza de arqueología viva que influiría en seguidores como G. G. Scott, J. L. Pearson y G. F. Bodley.

Lassus Sainte Chapelle Las Arts and Crafts.

FRANCIA: REVIVAL Y RESTAURACIÓN

1. Durante el Imperio del Primer Romanticismo, se comenzó � descubrir la Edad Media. 2. El desencanto producido poe Revolución � reflexionar sobre la validez de las corrientes

laicas y racionalistas. 3. Desde las obras escritas � se fomenta esta recuperación romántica, del pasado medieval,

� valor histórico y espiritual del gótico. 4. En 1795 se crea el Musée des Monuments Français. 5. Gracias al movimiento romántico literario � se recupera el arte medieval. 6. Las publicaciones de personajes como Théophile Gautier � aumentaron los

conocimientos sobre la arquitectura gótica. 7. Chaupy publicó entre 1823 y 1831 los dos volúmenes de Cathédrals françaises �

Chartres, Amiens, Arles, Reims o Estrasburgo. 8. En 1837 se creó � la Comission des Monuments Historiques en la que estuvieron

escritores como � Merimeé y arquitectos como Viollet-le-Duc. 9. Lassus y Viollet-le- Duc desarrollaron unas normas sobre restauración � que

proporcionaban el regreso al gótico como símbolo del arte nacional. Las principales obras restauradas fueron:

o la Saint-Chapelle (1838-1849), � por Lassus y o Nôtre Dame (1845), realizada conjuntamente por Lassus y Viollet;.

10. En 1846 el clero francés � inclinado a la elección del gótico � estilo construcciones religiosas.

11. Pero lo que impulsó de forma definitiva el afianzamiento del gótico en Francia fue la polémica � Académie des Beaux-Arts, del proyecto de F. C .Gau para � la iglesia de Saint Clotilde (1847-57) de París.

12. Gau había propuesto un edificio de estilo gótico con una cubierta metálica, � desató las iras de los académicos � inadecuadas formas, del pasado, para un edificio moderno.

13. El informe del rechazo de la Académie � contestado desde todas las revistas especializadas.

Munich - "Rathaus".

LASSUS Y LA SAINT-CHAPELLE

1. Lassus � iniciador giro radical en � restauraciones medievales � generó amplio debate en esta práctica.

2. En 1830, llevará a cabo la restauración de � la iglesia de Saint-Germaine l’Auxerrois, en París.

3. Lassus ganó en 1835 un premio � proyecto de restauración para la Saint-Chapell. o El edificio � situación de abandono y o la intención de Lassus � devolverle su riqueza primitiva o reponiendo elementos del edificio.

4. Así, se conseguiría recuperar un edificio comenzado siglo XIII y protegía estilo original del edificio.

5. En esta obra � Viollet-le-Duc, y la colaboración entre ambos será estrecha.

LASSUS Y VIOLLET-LE-DUC NOTRE DAME

1. En 1844, Lassus y Viollet-le-Duc � encargo restaurar catedral de Nôtre Dame París. 2. Esta tarea quedó aplazada desde � la Restauración y se puso de actualidad con �

publicación obra Nôtre Dame de Víctor Hugo. Éste criticó arquitecto encargado proyecto por falta de comprensión del gótico.

3. Lassus y Viollet-le-Duc materializaron � sus teorías de “restitución integral” del edificio. 4. En 1857 murió Lassus � dejando al frente a Viollet-le-Duc quien edificó la flecha del

crucero � dibujo conservado de Gameray. 5. Escultores y vidrieros utilizaron � técnicas medievales + mismos materiales � imitar lo

antiguo, consiguiendo � efecto deseado por Viollet. 6. Viollet-le-Duc � reponer templo absoluta minuciosidad, sirviéndose � únicamente de lo ya

existente en él. 7. Para el arquitecto, � no sólo completar el estilo del edificio + sino llegar a comprender el

proceso construcción; sirviéndose � restos de estructura y de la decoración. 8. Con la restauración de Nôtre Dame se produjo � intenso debate.

Hauberisser. Su Rathaus en San Juan (Saarbrücken 1897-1900)

VIOLET-LE-DUC Y LA CONSAGRACIÓN DEL NEOGÓTICO

1. EugèneViollet-le-Duc � figura más importante en la renovación arquitectónica. 2. Introdujo su propio método � plasmado en su obra Dictionnaire raisonnée de

l’architecture (1854-68) 3. Estos mismos conceptos � en otra de sus obras –Entretiens sur l’architecture- 4. El objetivo de Viollet � crear un nuevo sistema de proyección arquitectónica � supere a

la tradición victoriana. 5. Viollet llevará a cabo importantes restauraciones:

o Catedral de Saint-Sernin de Tolouse, o Clermont-Ferrand o Castillo de Pierrefonds.

6. Viollet-le-Duc también investigó � la arquitectura militar medieval, � restauraciones de Carcasonna y recinto amurallado.

o Entre 1853 y 1879 intentó � devolver a esta villa su primitivo aspecto. 7. Viollet posee � nueva concepción del Gótico. 8. Bajo una concepción positivista, � analiza el edificio gótico,

o Viollet explica esta arquitectura como � un sistema de equilibrios que tiene en las nervaduras de las bóvedas su base organizativa.

o El hierro se adecua perfectamente al trazado goticista� le convertía en el estilo idóneo para la tecnologización de la arquitectura.

9. Para Viollet el problema de la arquitectura � no residía en el estilo, sino en: o la renovación de las formas constructivas, o en su racionalización, o en la incorporación de nuevas tipologías. o Ponía así las bases para � conciliación de la arquitectura y la tecnología.

10. Sus proyectos de nueva planta � fueron escasos 11. Realizó algunas viviendas de pisos en � el casco antiguo de París, � marcadas por la

racionalidad compositiva y evitando ornamentaciones gratuitas.

LOS PAÍSES GERMÁNICOS: EL GÓTICO COMO ESTILO NACIONAL

1. Alemania no tenía, en el siglo XIX, � una tradición gótica que derivase en un Renacimiento neogótico � tuvo que buscarlo en las corrientes románticas de la literatura.

2. Fue el movimiento � del Sturm und Drang � reivindicaría el pasado histórico � búsqueda de las raíces germánicas.

3. Se busca: o la exaltación de la naturaleza, o de los sentimientos y o de la libertad. o Se vuelve hacia lo genuinamente germánico, o Las corrientes literarias propias del primer romanticismo � ligadas a

concepciones del nacionalismo alemán reavivado con motivo de la invasión napoleónica.

4. El desmembramiento de Alemania entre 1799 y 1806 � surgir con fuerza la idea de una unidad nacional.

5. La arquitectura nacional alemana se identifica con � la tradición gótica, según Schlegel. o Sostiene que � la arquitectura gótica es el estilo que mejor se adapta al clima

nórdico, o dentificando el gótico con la arquitectura nacional.

6. Si se recuperara el arte genuinamente alemán � se recobraría la grandeza de la cultura y de la raza germánica.

7. La recuperación del gótico aúna � la condición de símbolo religioso + político de la unidad alemana.

8. La arquitectura gótica, � representa también a la religión. � es la arquitectura del cristianismo.

9. En ambientes protestantes � la preferencia se inclina hacia el Románico, de ahí � la popularidad del llamado Rundhagenstil (estilo de arco redondo)

La Catedral de Colonia

1. Es la construcción que mejor representa el revivalismo y el simbolismo del Gótico arquitectónico en Alemania.

o comenzada en 1248 o terminándose su restauración con � la llegada del neogótico. o El encargado fue Sulpiz Boisserèe.

2. Desde 1808, Boisserèe se dedicó � plantear la restauración de la catedral, � llevaría 30 años.

3. La restauración prosiguió � desde 1824 con la colaboración de Friedrich Albert, 4. En 1880. se hacen cargo del proyecto Joseph Gärres, Friedrich Zurirner y Richard

Voigtel. 5. Con la colaboración de Friedrich von Schmidt � se levantaron las dos agujas caladas,

� copiadas literalmente de las agujas de la catedral de Brujas � construida en el s. XV por Hans de Colonia.

6. La Catedral de Colonia fue � primer proyecto neogótico de la cultura europea. 7. La Catedral de Colonia se convirtió en � símbolo de Renacimiento y de la unidad

nacional. o Despertó el interés de Federico Guillermo IV de Prusia, o envió entre 1810 y 1830 a su arquitecto de Berlín, � Carl Friedrich Schinkel

como asesor.

LA TEORÍA ARQUITECTÓNICA DE SCHINKEL

1. Carl Friedrich Schinkel � perfectamente documentado � modo de construir en Gótico, 2. Durante la ocupación napoleónica, � Schinkel se entusiasmó con el gótico � identificaba con

estilo propiamente alemán. 3. De entre estas construcciones religiosas góticas destaca � proyecto de mausoleo que ideó en

1810 � para la reina de Prusia. o Fue diseñado con formas góticas en una estructura estilizada. o En el interior, los pilares sustentan bóvedas � reproducen bosque de palmeras, o En 1815, el rey de Prusia le encargó � proyecto para la Catedral en la Postdam de

Berlín � conmemoraría la guerra contra Napoleón. � no llegó a construirse. 4. Entre 1819 y 1821, Schinkel � llevó a cabo construcción monumento en Kreuzber � en

hierro y forma de aguja calada. 5. En 1825 construyó � la iglesia Friedrich Werder en Berlín, � continuaba los modelos de

iglesias medievales alemanas de planta de salón: las Hallenkirches.

LOS AYUNTAMIENTOS

1. Durante el Neogótico � se edificaron edificios civiles, � Ayuntamientos.

2. Los más notables son los de: o Viena, edificado por � Schmidt en 1867. � sobriedad.

o Munich, obra de � Georg von Hauberrisser; entre 1867 y 1874. �

desbordamiento decorativo por tardía fecha de su ejecución.

3. Ambas construcciones inspiradas � modelos medievales de las Rathaus de Dresde, Danzing o Lubeo.

Realizado por: Enrique Gallego y Rosa M. de la Torre Bibliografía: Mª DOLORES ANTIGÜEDAD y SAGRARIO AZNAR: El Siglo XIX. El Cauce de la Memoria, Itsmo, Madrid, 1998 GIULIO CARLO ARGAN: El Arte Moderno, Akal, Madrid, 1991. RENÉ HUYGHE: El Arte y el Mundo Modern, Planeta, Barcelona, 1978 JANE TURNER (Editor): The dictionary of art, McMillan, London, 1998 ARQUITECTURA MODERNA/2. DIFUSIÓN Y DESARROLLO DE LA ARQUITECTURA CLÁSICA TARDÍA Y DEL NEOGOTICISMO: Robin Middleton y David Watkin, Aguilar, Madrid, 1989.

LOS ESTILOS NEOMEDIEVALES EN LOS ESTADOS UNIDOS

1. En Estados Unidos, � por dominación del clasicismo, � no se producirá arquitectura neogótica hasta los años cuarenta. o Con la llegada de textos de Ruskin, � Neogótico será aceptado,

� Por la iglesia anglicana como por la católica, como nuevo modelo a seguir. Desde este momento, el Neogótico se utilizará en la construcción de templos y de escuelas.

2. Richard Upjohn (1802-1874) representa � primer neogótico norteamericano o la Iglesia de la Trinidad de Nueva York (1844).

3. Para el victoriano alto, � personajes como Ware and Van Brunte, con o el Memorial Hall de Cambridge, Massachusetts (1870)

4. Henry H.Richardson o Iglesia de Gracia (1867) en Medford, Massachussets.

5. James Renwick inició en 1858 o la Catedral de San Patricio en Nueva York, � inspirada en los modelos catedralicios

europeos. � aquí se ve la importancia del Neogótico en Estados Unidos. 6. De inspiración del gótico europeo continental, � las torres adquieren gran protagonismo �

pueden competir con famosos rascacielos. 7. El Neogótico norteamericano � muy empleado en la arquitectura religiosa,

o como resultado iglesias en madera de pequeñas dimensiones. 8. También se utilizó en la fabricación de � casas unifamiliares, como las de Andrew

J.Downing, autor libro � Cottages Residences.

Regent’s street

TEMA VII. LA ARQUITECTURA DEL ECLECTICISMO.

• El eclecticismo, del griego “escoger”, define una actitud de escoger y compaginar los diferentes estilos históricos.

• El arquitecto escogía el estilo que mejor se ajustaba a sus fines, incluso utilizando varios en la misma obra, sin problemas de coexistencia estilística ni profesional.

• Había interés en encontrar un estilo nuevo, ya que se tenía al mismo tiempo nostalgia por el pasado medieval y entusiasmo por el progreso.

• Se utilizan nuevos materiales como el hierro, el hormigón armado o el cristal (arquitectura de los ingenieros).

• Aparecen nuevas tipologías arquitectónicas: viviendas colectivas, estaciones de ferrocarril, grandes almacenes, bancos, hospitales, prisiones o parques (como lugar de esparcimiento en vez de complemento de la arquitectura palaciega).

• La ciudad es el marco donde la arquitectura del eclecticismo historicista cobra sentido.

• Existe un gran interés por racionalizar y mejorar el trazado de las poblaciones: calles mas amplias y rectas, derribo de las murallas, ya sin función defensiva, o ensanches, basados en proyectos previos y generalmente con un trazado ortogonal o de parrilla.

1. Inglaterra y el renacer de la tradición clásica

John Nash y Regent´s Street

William Inwood se vale del Erecteón de la Acrópolis de Atenas para construir la iglesia de San Pancracio, en Euston Road, con el pórtico de cariátides.

Introducción

• Proviene del palladianismo, de la revisión arqueológica de la arquitectura griega y romana, y de lo pintoresco.

• El período conocido como Regency (1810-1830) se centra en Regent´s Park y en la reordenación de Regent´s Street, obra que se encomienda a John Nash.

• Encargo doble: parcelar Marylebone, gran propiedad real al norte de la ciudad, y trazar una nueva arteria norte-sur que conecte la residencia real de Carlton House con Marylebone.

• Objetivo añadido: ofrecer “un límite y una completa separación entre las calles y las plazas ocupadas por la nobleza y la alta Burguesía”

• En ningún momento se buscó la regularidad ni la simetría, sino que para enlazar los distintos tramos, se valió de las confluencias de calles o de algunos edificios de referencia. Las formas clásicas son usadas a la propia conveniencia del arquitecto.

• Las formas griegas interesan todavía

Halifax Town Hall de Charles Barry

Charles R. Cockere ll y la arquitectura

bancaria.

• Existió una corriente que se inspira en el Renacimiento italiano, sobre todo en lo que se refiere a instituciones comerciales o bancarias, e incluso villas palaciegas.

• Se construye también con cubiertas elevadas, siempre usando las curvas, como en la arquitectura francesa del segundo imperio, mezclados con los efectos de policromía propios de la época victoriana.

• Es una época en la que se construyen bastantes hoteles, que siguen la moda del Segundo Imperio, con altas mansardas y pabellones al estilo francés.

El British Museum, de Smirke, es representativo de este estilo neogriego, aunque debido a que se tardó mucho en construir, pasó por distintas fases.

William Wilkins construyó el Hospital de San Jorge en Hyde Park, tomando como modelo el monumento a Trasilo,

Escocia sigue anclada en el clasicismo griego hasta pasada la mitad de la centuria. Playfair es el autor del proyecto de la Royal Scotish Institution, realizada en orden dórico, y de la National Gallery of Scotland, que sigue el modelo del Museo Británico.

Charles Robert Cockerell mezcló el estilo griego con el romano, renacentista y barroco. En la fachada suroeste del Ashmoleam Museum de Oxford las columnas parecen pedestales para las esculturas, y separan los tres huecos de medio punto que serán característicos de toda su arquitectura.

Charles Barry es el autor del Traveller´s Club de Londres, en la línea de los palacios del siglo XVI.

Albert Hall Mansions

Kensington Gore

• Norman Shaw encarna el resurgir de las formas y materiales tradicionales.

• Construye en Londres varios conjuntos de viviendas adosadas de ladrillo visto, con detalles de terracota, altas fachadas tableteadas y ventanas simétricas.

Gilbert Scott realizó un proyecto para el Foreing Office.

Lagham Hotel, de John Giles, de pabellones cuadrados y mansardas curvas y piramidales, con mezcla de la arquitectura victoriana, y alternancia de materiales, como ladrillo y piedra de Suffolk.

Realiza el proyecto de New Scotland Yard, en Londres; edificio que concibe como un bloque en forma de castillo, en alusión a Escocia, con torreones en las esquinas, alas cubiertas y hastiales apuntados. Se conjuntaban elementos barrocos con los muros policromados.

2. Francia, de la Restauración al segundo imperio.

• A la restauración de los Borbones, tras el fin del Imperio napoleónico, se hace una arquitectura basada en el clasicismo académico de Qatrémere de Quince, y hay un desinterés total por los edificios emblemáticos.

• Dos obras son fundamentales en este período, ambas con influencias de las basílicas paleocristianas: Notre Dame de Lorette y Saint Vicent de Paul.

• Luis Felipe de Orleáns a su llegada al poder trae de nuevo las modas e ideas del imperio, e incluso termina las obras inacabadas.

• El denominado Estilo Francisco I quiere recuperar el pasado nacional, que pasa por el Neogótico y la arquitectura del Renacimiento francés.

Notre Dame de Lorette, de Hebas, repite el aspecto exterior templario con pórtico tetrástilo de orden corintio e interior dividido en cinco naves.

Saint Vicent de Paul, de Lepere y Hittorff, que cuenta con la originalidad de la decoración pintada sobre todo en el pórtico hexástilo.

Visconti remodela la iglesia de los Inválidos, para colocar el sepulcro del emperador y de los grandes generales del imperio.

Se acaba también la iglesia de la Madelaine, que había empezado Vignon, como templo dedicado a la gloria del ejército del emperador, y su interior se concibe como una terma romana. Huvé completa el edificio con una sucesión de espacios abovedados con cúpulas artesonadas.

Se termina el Arco de la Plaza de la Estrella, por obra de Blouet, que lo completa con grupos escultóricos de corte romántico encargados a Cortot y Rude.

Godde y Lesuer amplían el Hotel de Ville, en el Estilo Francisco I, de acuerdo al modelo de los chateaux del Loira.

Hittorff da una nueva ordenación a la Plaza de la Concordia, construyendo fuentes y colocando lámparas de hierro fundido en forma de columnas rostrales, y en el centro coloca el Obelisco traído de Luxor en las campañas napoleónicas. Remodela los Campos Elíseos y la Place de l´Etoile con farolas y fuentes.

• Otro grupo de arquitectos opta por una postura reformadora. Todos ellos pasan varios años en Roma pensionados por un premio de la Academia.

• El principal arquitecto de esta corriente es Labrouste, que se enfrenta a la Academia oponiendo a su clasicismo ideas nuevas como:

- El uso del hierro en las nuevas construcciones - Cada edificio debía adecuarse a su función.

La Biblioteca de Santa Genoveva, de Labrouste en el exterior tiene unas líneas bastante severas que recuerdan las del Templo Malatestiano de Alberti. Se emplea el hierro en la estructura vista, en los elementos arquitectónicos y en las cubiertas. Toda la decoración se adecua a los libros, y así consigue convertir la arquitectura en algo funcional y no simbólico

Otras obras y arquitectos importantes de este periodo son: • El Pabellón de Estudios de l´Ecole, con influencias de los palazzos

renacentistas en su fachada, es de Duban, que se caracteriza por su interés por lo decorativo.

• El Hospicio General de Nantes, de los hermanos Douillard, con una planta donde los pabellones se distribuyen simétricamente.

• El manicomio de Charenton, de Gilbert; es de planta rectangular y los pabellones que están unidos entre sí tienen galerías con columnas clásicas de orden dórico. La iglesia se parece a un templo clásico.

• La prisión de La Roquette de planta poligonal, es de Lebas

• Paris pasa a ser el centro administrativo de la nación, y se construye una nueva imagen de la ciudad.

• Participa activamente Haussmann; siendo arquitecto jefe de Paris Víctor Baltard.

• Se proyecta modificar la red viaria y se potencia un sistema de anillos constituidos por los boulevards, con algunas vías radiales, con grandes confluencias de calles en zonas destacadas usando un monumento como punto de referencia.

• Se proyecta también mejorar el alcantarillado, el abastecimiento de agua y la iluminación por gas.

• Se remodelan muchos parques y se abren otros nuevos.

Visconti, proyectó la unión del palacio del Louvre con el de las Tullerías, mediante dos alas en cada uno de los lados de la fachada oeste del Louvre, que se extendieron hasta el otro palacio. La obra es terminada por Lefuel, y las altas mansardas y la decoración escultórica convierten esta obra en el modelo oficial del Segundo Imperio.

Segundo Imperio

El Rundbogenstil

3. Alemania, entre la herencia de Schinkel y la arquitectura de Luis II de Baviera.

• La obra que mejor identifica este Paris del Segundo Imperio es la Ópera, encargada a Charles Garnier.

• Fachada con superposición de elementos, desde el pórtico a la monumental galería de columnas de orden gigante, con abundante decoración escultórica, que da al conjunto un lujoso aspecto.

• Mármoles y esculturas doradas dan teatralidad a la obra.

• Este tipo de construcción suntuosa, representativa y emblemática se denominó Estilo Napoleón III.

Adolphe Alphand adapta el Bois de Boulogne a la moda inglesa, con lagos y caminos, en línea romántica, y con edificios entre los bosques. Se remodela también el Bois de Vincennes o el de Montsouris.

• A la par que el Gótico, imagen del nacionalismo, surge el Rundbogenstil o estilo de arco redondo, genuinamente alemán.

• Es una mezcla del estilo paleocristiano, bizantino y románico, junto al Gótico y a los criterios funcionalistas de Durand.

• Se identifica también con la arquitectura de los protestantes, mientras que el Gótico enlazaba más con el catolicismo.

Galería Nacional de Arte de Karlsruhe, obra de Hübsch. Defiende el empleo del arco de medio punto y el abovedamiento, al estilo bizantino o románico, apoyándose en razones estructurales y técnicas, no históricas.

La Ludwigstrasse, obra de Von Gärtner donde es presencia constante el estilo de arco redondo. En esta misma calle está la Ludwinskirche, también suya, que recuerda al románico italiano, con dos torres en la fachada.

Bürklein, discípulo de Gärtner realiza el Maximilianeum en Munich con aires renacentistas.

El Herrenchiemsee, de Von Dollmann quiere imitar el palacio de Versalles. Construido por encargo de Luís II, que era un gran admirador de Luís XIV de Francia y se interesaba por la construcción de lujosos castillos y mansiones.

El Castillo de Neuschwanstein, obra de Eduard Riedel al modo de un castillo de cuento de hadas. Dedicado al mundo de Wagner, al que el rey Luis II admiraba profundamente.

La Rathaus de Berlín es obra de Waesemann, y se construye de ladrillo, como los palazzos italianos, con una torre cantonada, en el estilo de arco redondo que también tiene gran difusión en Prusia.

El Museo Nuevo de Berlín, obra de Stüler, que sigue el clasicismo de Schinkel.

Gotfried Semper construye en Dresde la Pinacoteca Real, al estilo renacentista, con una planta axial que centra la cúpula octogonal después del pórtico de acceso, mientras que en el Ayuntamiento de Winterthur usa modelos neogriegos y el aspecto de los templos clásicos. Hace una gran labor teórica en el campo de la arquitectura, y dice que el estilo es la consecuencia de los materiales y la técnica, así como de las condiciones ambientales e incluso de las influencias personales.

El Rathaus de Hamburgo, de Haller, está hecho a base de gabletes y una elevada torre central con un agudo chapitel. A este estilo nacional se le conocerá con el nombre de Meistersinger.

Austria

Con Francisco José, la capital, Viena, se moderniza reordenando el glacis con la construcción de la ringstrasse, a lo largo de 30 años, en la que trabajaron varios arquitectos alemanes.

Schmitd, es el autor del Rathaus de Viena.

El Burgtheater de Viena es obra de Semper, con una fachada convexa, que le da gran plasticidad, en orden gigante y con pilastras adosadas.

El Parlamento de Viena es obra de Hansen, en estilo neogriego con un pórtico octástilo, elevado, y dos cuerpos a cada lado, en forma de templo hexástilo, y todo realizado de mármol, lo que hace que el edificio resulte un tanto frío.

La Universidad de Viena es obra de Ferstel, en un estilo académico renacentista, muy decorado, rematado con elevadas mansardas.

Semper realiza la ampliación del Palacio Imperial, Hofburg, adaptándose a la obra primigenia de Von Erlach. Destaca la exedra con el cuerpo bajo almohadillado, y el superior a modo de galería de columnas pareadas.

• A partir de la constitución del primer parlamento unificado se supera el neoclasicismo y se busca un nuevo estilo que sirva de emblema de la nueva unión nacional.

• En Venecia y Milán se consolida la concepción opuesta a la clásica y se intenta conseguir una arquitectura funcional que tenga un simbolismo civil y cumpla su función social

• El Neorrenacimiento se convierte en el estilo nacional, debido a que estaba totalmente inmerso en la tradición italiana.

4. Italia y la vuelta al Renacimiento.

La estación de Porta Nova, de Turín, es obra combinada de Ceppi y Mazzucheti. Su fachada en arcos recuerda al estilo del arco redondo y es de destacar el enorme luneto de la fachada que hace que entre la luz al interior.

La fachada de San Pedro de Trento, al modo del Cuatrocento, es una obra de Pietro Selvático, que propone la superación del Neoclasicismo recurriendo a los modelos del pasado y que el estilo nacional italiano, debía gozar de los principales rasgos de la tradición del país: la simplicidad y riqueza de las basílicas romanas, la sencillez y belleza de la arquitectura lombarda y de Bramante.

La Piazza Della Exedra de Roma la construye Koch, edificando en ella unas viviendas monumentales, con el piso bajo porticado y fachadas de gran empaque.

Palacio de Justicia de Roma, de Calderini, con planta cuadrada y numerosos patios interiores, de estilo neobarroco.

Ensanche Barcelona (Cerdá)

BIBLIOGRAFÍA:

EL SIGLO XIX: EL CAUCE DE LA MEMORIA ( Mª Dolores Antigüedad Sagrario Aznar) APUNTES DE ARTE CONTEMPORANEO CURSO 2009-10 (Mª Isabel Espiñeira Castelos) ESQUEMA REALIZADO POR: MERCEDES PORTERO. Centro Asociado ALBACETE FOTOS: www.artehistoria.es www.wikipedia.es www.arteespana.es

En España los ensanches datan de finales del siglo XIX, en plena Revolución Industrial, para adaptar las ciudades al crecimiento demográfico y las nuevas actividades industriales. La necesidad indujo a los gobiernos a legislar este aspecto. La primera Ley de Ensanche data de 1864 y permite a los Ayuntamientos urbanizar terrenos, expropiando el terreno para usos públicos a su costa y cediendo a cambio impuestos. Los ensanches se caracterizan por seguir una cuadrícula de calles regular con lo que suelen presentar una imagen característica peculiar, por la rectitud de sus calles y su homogeneidad. En 1860 fue aprobado el ensanche de Madrid, que tres años antes había proyectado en un trazado ortogonal el ingeniero Carlos María de Castro, triplicando su superficie. Se introdujo la zonificación, delimitando los terrenos dedicados a la industria, la vivienda intensiva, zonas de media densidad o parque urbanizado, y segregada socialmente desde el principio (zona aristocrática, burguesa u obrera) mediante tres tipologías de manzana diferentes. El Ensanche de Barcelona, aprobado en 1859, es obra del ingeniero Ildefonso Cerdá, que propuso un crecimiento ilimitado, planteando el ensanche como una nueva ciudad no articulada en torno al casco histórico. El trazado propuesto consistía en una cuadrícula de calles que definían manzanas achaflanadas en sus esquinas con jardines en el y espacios para servicios públicos repartidos de forma igualitaria, aunque finalmente la densificación acabó siendo mayor de la prevista.

5. Arquitectura y urbanismo en España: la importancia de la ley de ensanches.

El monumento a Vittorio Enmanuelle, en Roma, de Sacconi, está concebido como un altar romano, similar al de Zeus y Atenea en Pérgamo, levantado en mármol sobre un basamento escalonado que acoge la estatua ecuestre del rey.

TEMA 8: LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES

A. Escuela � ligada a Revolución Industrial + avances tecnológicos + sobre todo a fabricación en serie � va a condicionar la construcción.

o El diseño, � diferente en las dos escuelas. o En esta escuela � ingeniero se plantea:

� ¿qué tipo de materiales utilizar? y � ¿qué construcción puedo hacer?. � No hay códigos artísticos � sino funcionalidad.

B. La Revolución industrial plantea � nuevas necesidades: o construcciones ligadas a las comunicaciones, o puentes, viaductos, o estaciones de tren, o mercados centrales, pasajes, etc. o Estos ingenieros están vinculados a � empresas de este tipo + piensan como capitalistas.

ARQUITECTURA E INGENIERIA.

HIERRO Y CRISTAL EN LAS NUEVAS TIPOLOGÍAS

Desde mediados del siglo XVIII, obtención del hierro fundido o colado en grandes cantidades. Empleo de nuevos materiales en construcción: hierro + cristal + acero + hormigón armado (ya en antigua Roma). El enorme desarrollo técnico, industrial y social del siglo XIX incidencia en arquitectura x propiciar volumen edificaciones inimaginables. ç condiciones utilización del hierro y del cemento

1. producción en grandes cantidades a bajo coste. 2. facilidad de transporte. 3. la posibilidad de cubrir grandes espacios 4. La economía en tiempo y coste de producción.

El empleo del hierro en arquitectura más relevancia a la figura del. La arquitectura de los ingenieros nacidas de la revolución industrial. Hasta finales del siglo XIX no se logrará conciliar arquitectura e ingeniería cuando la americana Escuela de Chicago, consiga iniciativas innovadoras + sustrato teórico.

Podríamos diferenciar � tipologías: 1. hierro es el principal componente o el exclusivo� expresión

arquitectura del hierro, 2. otras � sólo contribuye -visto u oculto- estructura del edificio � el

hierro es aplicado de manera parcial � marcando el carácter del edificio.

Por su parte, la industria del vidrio hace grandes progresos técnicos en la segunda mitad del siglo XVIII. En 1806 está capacitada para fabricar hojas de vidrio hasta de 2,50 x 1,70 metros. Se usan grandes lucernarios de hierro y vidrio � en edificios públicos

EL HIERRO, MATERIAL DE CONSTRUCCIÓN DESDE EL SIGLO XVIII

PUENTE DE COALBROOKDALE. Diseñado por Thomas Pritchard y construido por los fundidores John Wilkinson y Abraham Darby en los años 1777-1779 Primer puente de hierro.

Características ge nerales

Los puentes � representaciones más representativas de la ingeniería decimonónica. La mejora de las vías de comunicación + el nacimiento y expansión del ferrocarril � demanda de puentes durante el siglo XIX: madera + piedra tallada y nuevos materiales: el hierro + fundición. Desde que: Darby y Pritchard construyen� el Puente sobre el Severn (1777–79) � abre la posibilidad de experimentar con el hierro como el nuevo material para estas construcciones.

� Con una luz de 30’5 metros, + arco cinco nervios de hierro fundido � más ligero. R. Burdon se sirve del método de Thomas Paine = arco metálico de seis nervios hechos con piezas huecas de hierro fundido � modo de dovelas � sobre el río Wear en 1796 el puente de Suderland.

� con luz 70’8 metros. En el mismo año Teldford � segundo puente sobre el Severn

� longitud de 130 pies y un peso de 173 toneladas. Los puentes de Paine y Teldford emplean � sistema basado en el sistema tradicional: las arcadas con sillares de fundición, aparejadas como sillares de piedra� permite luces mayores, menores pesos En 1801 Teldford propone sustitución puente de Londres � único arco de fundición:

� de 180 metros de longitud � proyecto es abandonado por dificultad expropiar terrenos ambos lados del puente.

La ciudad � marco de todas las obras artísticas� debe ser el hilo conductor de la Historia del Arte en la Edad Contemporánea. 1. Desconexión entre la arquitectura y el resto de las artes plásticas, escultura y pintura.

• A partir del siglo XIX � estilos ya no engloban todas las artes. • El últmo estilo global � el Neoclásico. • A partir de 1820-30 � la arquitectura sigue evolución propia • Y la escultura y la pintura � llevan una evolución diferente.

2. El siglo XIX en arquitectura � se produce una bifurcación basada en estructura docente. • En 1794 � se crea en París la Escuela Politécnica � para ingenieros. • En 1806 � se crea Escuela de Bellas Artes � forman los arquitectos. • Hay escisión en la docencia � se reflejará en la arquitectura.

� Por un lado � nace la ingeniería, � nuevos materiales: hierro vidrio y cemento � solucionar nuevas necesidades.

� Por otro lado � nace la arquitectura identificada con el pasado: Historicismo o eclepticismo, � con códigos artísticos y con materiales viejos (piedra o ladrillo).

Esta dualidad se prolonga todo el siglo XIX:

LOS PUENTES: DE LOS PUENTES COLGANTES A LOS VIADUCTOS DE EIFFEL

En Francia, � se produce retraso tecnológico:

� debido al proceso revolucionario, � Cessart proyecta:

• puente peatonal sobre el Sena � unir Louvre con el Instituto de Francia en 1803,

• Puente de las Artes, � estructura metálica de nueve arcadas de 18’25 metros de luz, � cada una por cinco arcos + pilonos de albañilería.

� Marc Seguin proyecta: • Un puente colgante sobre el Ródano �

emplea cable metálico+ nueva técnica por Europa y Estados Unidos.

� Roebling se basa en sistema de cable para construir sus grandes puentes en Estados Unidos; transmisión las cargas a un cable + estructura, suspendido de torres de albañilería, en los puentes:

• sobre el río Monongela (Pittsburg), el Ohio,

• El desaparecido sobre las cataratas del Niágara

• El del Puente de Brooklyn que une Manhattan con Long Island con pilonos de granito de 83 metros de altura + estructura de 486’5 metros en tramo central sobre el agua.

La técnica de Gustav Eiffel en puentes y viaductos ha determinado:

� su forma es consecuencia de la función de los elementos

o Los viaductos de Busseau sur Creuse y sobre el Bouble � armazones prefabricados + vigascajón de enrejado, + pilares troncopiramidales de gran ligereza.

o La resistencia permite � perfiles estilizados

o Eiffel empleó en el viaducto de María Pia sobre el río Duero y de Garabit � gran arco + tramo recto para sostener las vías + soportes pilares trocopiramidales de celosía.

o En 1887, Eiffel � encargo canal de Panamá.

o Aprovechando los logros de Eiffel, � Arnodin creó nueva tipología de puente, � trasbordador, para diferentes puertos fluviales de Francia:

� Ruan (1889), Nantes y Marsella (1905), con una parte fija y otra móvil.

Puentes:

Puente de Brooklyn, Roebling, 1869.

Taller G. Eiffel.

LAS GRANDES CUBIERTAS DE HIERRO Y CRISTAL: PAISAJES CUBIERTOS E INVERNADEROS

� Cuando Víctor Louis:proyecta una armadura de hierro para cubrir el Teatro Française en el Palais Royal � búsqueda cubierta de estructura metálica � cubrir 22 metros de luz sin gruesos muros de apoyo.

� La segunda construcción es la cúpula de L’Halle aux Blés que levantan Bélanger y el ingeniero Brunet, en 1811, � sustituir anterior de madera de 1782 destruida en un incendio.

� El mercado de grano de París, •••• planta circular, •••• con patio central cubierto con cúpula de

madera en 1767. •••• Bélanger y Brunet � encargo sustituir

sistema de nervios meridianos y horizontales paralelos � otros de hierro + se extendía una red metálica. El ensamblaje � tornillos y pernos, Aspecto final = ligereza y simplicidad.

La correcta utilización recursos estructurales/hierro y cristal � nueva tipología constructiva que se ensaya en la cubierta del mercado de la Madeleine en París proyectada por Veugny en 1824.

���� Resuelta armadura interna en hierro + soportes hierro.

���� Se inicia con él � tipo de mercado cubierto � desaparece la albañilería + sustituida íntegramente x estructuras metálicas prefabricadas.

En 1823 Marchoux construye un pasaje cubierto en solar de la antigua residencia de Colbert en París; la galería Vivienne,

1. iluminada con lucernarios cenitales � hierro y cristal.

Cerca se construye la Galería Colbert, también con 1. rotonda cubierta + cúpula de hierro y cristal.

La Galería Vittorio Enmauele de Milán o la Galería Humberto I de Nápoles � emblemas de ciudad burguesa en planes/remodelación urbanística.

En el segundo cuarto de siglo XIX � desarrolla una nueva tipología aúna:

1. las propiedades formales, funcionales y técnicas del hierro,

2. son los invernaderos, los jardines de cristal, � para el paseo ciudadano + exposiciones, + su propia función.

PABELLONES, MERCADOS, ESTACIONES Y FÁBRICAS

En Inglaterra Burton y Turner, prescindiendo � formas clásicas, construyen el Palm Stove en los jardines de Kew;

1. estructura de formas redondeadas 2. parte central más elevada y 3. los muros lisos formados por las piezas de

cristal. En Francia sobresale el jardín d’Hiver, posiblemente

proyectado por Héctor Horeau, � junto a los Campos Elíseos con

1. una nave de más de 90 metros 2. rematada en semicírculo uno de sus lados; 3. otra nave de extremos también semicirculares

cruzaba + lugar a un crucero de más de 18 metros de altura.

4. Era lugar de esparcimiento = variedades vegetales + café, + salón de baile, + sala de lectura + lugar para exposiciones.

La combinación estructuras metálicas + cristal �

útil otro tipo de edificios � los comerciales, como:

1. mercados cubiertos, grandes almacenes o

galerías.

2. imprescindibles en grandes ciudades +

prueba de modernidad.

Uno de los más significativos � el Antiguo Mercado Central de París, los desaparecidos Halles. Su autor fue V. Baltard plantea:

1. Conjunto de mercados = 14 pabellones

metálicos, alineados por especialidades a lo

largo de calles trasversales y

longitudinales, cubiertas � con estructuras

metálicas y cristal

2. Bajo su influjo aunque a menor escala,

proliferan otros muchos en grandes

capitales del mundo, como: el de Born de Fontseré i Mestre, o el de Sant Antoni de Rovira, ambos en Barcelona.

Otra tipología arquitectónica � grandes cubiertas

de hierro y cristal = importante papel son � las estaciones de ferrocarril.

1. Construcciones mixtas

2. con muros de fábrica

3. estructuras metálicas.

4. la funcionalidad prima sobre otros aspectos

� preciso cubrir amplios espacios y �

hierro se adaptan satisfactoriamente.

Entre las edificaciones destacamos La Gare de l‘Est de París, construida por F. A. Duquesnay:

1. Obra de vago estilo renacentista 2. cubiertas metálicas. 3. Un entramado de costillas de hierro, tirantes y

riostras, cubren la galería y los andenes. 4. El rosetón de la fachada, � llena de luz el espacio

interior, = innovador diseñado esquema de abanico 5. sencillos motivos decorativos. Los ingleses Brunel y Wyatt construyen la

Paddington Station de Londres 1. prefieren amoldar el hierro � a formas

caprichosas / árabe. 2. Destacan sus tres marquesinas paralelas de notable

ingeniería. Las estaciones de ferrocarril � convierten en

monumentos arquitectónicos � formal, + organizador del trazado urbano � arquitectura + ingeniería.

Entre las fábricas destacar edificio que Jules Saulnier proyectó � fábrica de chocolates Ménier:

1. primeros construidos con estructura metálica. 2. Cuatro vigas verticales de sección cuadrada 3. pilares de mampostería � hunden en río. 4. Al exterior � aprecia el esqueleto metálico � red

romboidal / respetar los antiguos sistemas de madera.

5. La fachada � revestida de baldosines de colores + dibujos geométricos realizados por Violet-le-Duc.

H. LABROUSTE Y LAS BIBLIOTECAS DE PARÍS

En 1844, Henri Labrouste (1801–1873) iniciaba en París � biblioteca de Santa Genoveva con:

1. un esqueleto metálico 2. aunar los principios racionalistas +l

empleo nuevos materiales y posibilidades constructivas.

3. Para Labrouste la importancia � su forma de utilizarlos, � adecuados a la función.

4. Biblioteca de Santa Genoveva, tiene � envoltura tradicional = sencilla y neutra, a pesar decoración

5. no desentona en entorno 6. desarrolla proyecto revolucionario �

inspirado en el visionario Boullée. La Biblioteca Nacional es un edificio

construido en siglos anteriores � Labrouste se ve obligado a rehabilitar:

1. edificando de nueva planta � sectores. 2. Proyectó gran sala de lectura rectangular +

ábside semicircular, - cubierta con nueve cúpulas de

terracota vidriada, - forma de cáscara de huevo, - apoyaban sobre arcos y columnillas

metálicas de fundición 9 metros de altura,

- sensación de ligereza al conjunto. - La parte absidal y las cúpulas

poseen linternas traslúcidas � iluminación cenital.

- A continuación de la sala de lectura y comunicada con esta + vano acristalado � encuentra el Magazín Central o depósito de libros, � 4 plantas desde el nivel del suelo más una subterránea

- original sistema de almacenamiento � acoge el casi millón de volúmenes � estructura con elementos metálicos verticales y horizontales / galerías, + un espacio en el centro con pasarelas � para pasar de un lado a otro.

- Esta biblioteca ha sido calificada � una de las obras más bellas del siglo XIX .

LAS GRANDES EXPOSICIONES UNIVERSALES: DEL CRISTAL PALACE DE PAXTON A LA TORRE EIFFEL

Durante la primera mitad del s. XIX � exposiciones nacionales, � mayoría de los países ponen grandes obstáculos al comercio con el exterior � proteger sus nacientes industrias locales. 1. La primera exposición universal � Londres en 1851. 2. Aparece otro fenómeno:

o las Exposiciones Universales. o La primera es en 1851 � en Londres.

���� Exponer y mostrar el avance de la técnica, + desarrollo de la Revolución Industrial. ���� Estas exposiciones � necesitan pabellones ���� construcciones � ligadas a nuevos avances. ���� Las nuevas máquinas� deben exponerse � en edificios nuevos ���� aquí donde aparece � el hierro y el vidrio.

3. Las exposiciones universales � forma interesante de seguir los progresos de la ingeniería � segunda mitad del s. XIX.

4. El mejor ejemplo � Pabellón de la Exposición Universal de Londres de J. Patxon, � llamado el Palacio de Cristal. o Se convocó � concurso de proyectos, � bases:

� Gran superficie, bajo costo, recuperabilidad, rápida ejecución. � No los resolvió arquitecto sino � especialista en invernaderos con hierro y vidrio, y �

sistemas de fácil ensamblaje y ventilación, etc. � Respetaba los árboles que quedaban dentro + les daba luz. � Todos los elementos del Pabellón eran seriados, � Este Pabellón desapareció en 1936 � en un incendio � Sólo quedan � dibujos o láminas. � En planta tenía forma de crucero,

• cinco naves - crucero muy ancho casi en el centro. • Era modular + naves laterales podían reducirse o ampliarse. • La techumbre � bóvedas de medio cañón en cristal unido por hierro. • No había muro, si columnas de hierro huecas � por ellas iban desagües y cables. • No había compartimentación interior ni decoración . • Los nuevos valores � tecnología, seriación y sencillez � no gustaron • Le llamaron el monstruo de cristal. • Lo criticaban por:

- no tener solidez, ni estabilidad, ni arquitectura, - por ser una obra de Ingeniería, - el Estado sí lo eligió porque � daba imagen de nueva Inglaterra + moderno

imperio colonial. - Este edificio � diseñado por Paxton. - Su propuesta destacará � aspecto económico. � dependerá de; la prefabricación total + la

rapidez montaje + posibilidad de su total reutilización y recuperación + experiencia de Paxton � construyendo invernaderos.

En 1855 Francia � competir con Inglaterra � Exposición x construir un pabellón de hierro y cristal como � Londres, o Nueva York en 1853: 1. industria francesa no capacidad técnica � edificó, J. M. V. Viel,

- planta rectangular con pabellones de esquina - ocupación de 192 metros de largo por 48 de ancho; - su arquitectura era tradicional, - se cubrió la parte central con una estructura de arcadas de celosía de hierro y cristal - con una luz de 48 metros. - El modelo de cubierta � similar al de las construcciones mixtas estaciones ferroviarias - por primera vez, se utilizaron elementos de hierro forjado � que se habían suprimido

los tirantes.

En 1855 Francia.

- Al edifico popularmente se le conocerá como “Palacio de Cristal”. � da impresión de irreal y de abarcar un espacio indefinido.

- El carácter debido a � (a) formación de su creador -no era un arquitecto- sino un ingeniero experto en jardinería (b) la idea que edifico deberá aceptar los productos fabricados en serie + contará con un presupuesto pequeño.

- Pero su gran aportación, � creación de un espacio amplio, diáfano e ilimitado + eliminar distinción entre espacio interior y espacio exterior � sutil combinación de una grácil estructura metálica pintada de azul y vidrio transparente que permiten / iluminación constante y total.

- Palacio de Cristal � más cerca pintura impresionista que clásica.

Las sucesivas exposiciones universales � gran repercusión � desarrollo de construcción, � sedes y pabellones - carácter efímero- y enorme difusión �verdadero campo de pruebas experimentan materiales y técnicas estructurales.

En 1867 se celebra la segunda Exposición Universal, �

enorme pabellón que Krantz levantó � Campos de Marte. 1. Se proyectó una planta oval de 490 metros de largo por 336

de ancho,

2. seis anillos concéntricos, � tantas naves de altura

decreciente hacia el interior.

3. La cubierta de cristal sostenida por arcos metálicos �

apoyaban sobre pilares laterales prolongados por encima de la

cubierta + unidos con tirantes a la clave de los arcos.

4. La galería exterior y más amplia, � destinada a las máquinas +

las otras a las materias primas, al vestuario, al mobiliario, etc.

5. Los parisienses critican edificio mucho más � que ingleses

criticaron el de Paxton . Francia, tras avatares políticos � en 1878 una nueva

Exposición Universal � superara en extensión y en propósitos a la

anterior.

1. se dispuso de dos áreas situadas en un mismo eje a uno y otro

lado del Sena,

2. utilizando edificio monumental permanente -el Palacio del Trocadero- de estilo ecléctico;

3. la otra zona estaría en los Campos de Marte � con

construcciones provisionales con predominio del hierro �

proyectadas por Hardy y Eiffel � con fachada al Sena.

En 1867

La nueva Exposición Universal de París de 1890 -centenario de la toma de la Bastilla- el momento culminante, � la más importante de las exposiciones del s. XIX. Es la Exposición Universal de París.

1. En ella se realizan dos grandes obras modernas: o La Sala de las Máquinas de Dutert y Contamin, � inspirada en la de Patxon y o la Torre Eiffel (realizada dos años antes).

� De esta última � resaltar como innovación � la sitúan dentro de la ciudad.

� París daba imagen: • moderna nación francesa y • l culto a la Revolución Industrial.

- Eiffel era un ingeniero especialista en viaductos y puentes. - Realizó � puente colgante sobre el Duero en Oporto. - Resolvía problemas reales � con técnicas geométricas +

materiales modernos. - La torre es lo peor que hizo porque � no soluciona ningún

problema, - sólo quería integrar � culto a la técnica dentro de la ciudad. - Los cuatro arcos del primer piso son � arcos parabólicos de

viaductos. 2. Las grandes estructuras en hierro � resultado experimentación formal y técnica

etapas anteriores 3. culminación de la búsqueda de un mundo arquitectónico nuevo. 4. Sus elementos fundamentales serán tres,

o un palacio con planta en forma de U, o la galería de las máquinas y o la torre de 300 metros de altura construida por Eiffel.

� El palacio es una obra pesada y aparatosa + con una cúpula cargada de ornamentación.

� la galería y la torre � obras de mayor envergadura � hasta entonces en hierro.

� Ante el espacio de la galería de las máquinas, los contemporáneos reaccionaron con asombro e incertidumbre.

• El gran ambiente de 115 x 420 metros • se sostiene con arcos de hierro con tres articulaciones. • Desgraciadamente la galería de las máquinas fue derribada en 1910.

o La torre presentada por Eiffel � resultado diferentes experiencias de sus construcciones anteriores + construcción de puentes.

���� La torre es una construcción curiosa, incluso rara, ���� a pesar de aparente funcionalidad � mostrar descarnadamente su estructura, � no tiene

más finalidad que la simple demostración de las posibilidades ilimitadas de la técnica. ���� Por su inutilidad, � concebida como una obra de arte moderna + manifiesto provocador y

desafiante. ���� Rápidamente la torre � será objeto de innumerables críticas ���� hay técnicos que sostienen que � la torre acabará cayéndose, ante ello Eiffel mantiene �

que la torre es bella � expresa materialmente la realidad de lo que es el cálculo de estructuras; + las curvas de las cuatro costillas darán impresión de fuerza y belleza.

���� Cuando, finalmente, se concluye la torre � reacciones contrarias se vuelven favorables, � convenciendo a sus detractores por su calidad publicitaria

Las construcciones en hierro parecen haber alcanzado ahora su cúspide. Sin embargo en los dos últimos decenios del siglo XIX, un nuevo sistema de construcción, el del hormigón armado, hace grandes progresos invadiendo el campo de la edificación común.

1890

Esquemas Realizados por: Rosa Mª de la Torre Tercero. Bibliografía: Antigüedad, Mª.D. y Aznar, S. El siglo XIX. El cauce de la memoria. Madrid, 1998. Argan, G. El arte moderno. Madrid, 1998 Ramírez, J.A. (director), Historia del arte. El mundo contemporáneo. Madrid, 2005. Fotos: http://www.artehistoria.com

TEMA 9. LA REVOLUCIÓN NORTEAMERICANA

La arquitectura, por las innovaciones, adquiere interés frente al academicismo europeo� Ej: Escuela de Chicago Inicio revolución� construcción Chicago tras incendio de 1871 y soluciones aportadas por asoc. técnica entre ingenieros y arquitectos: � Sencillas y originales (al margen de los estilos históricos) � Basadas en prefabricados de madera y estructuras metálicas Proliferan edificios: mercados, almacenes, oficinas, tiendas.

James Bogardus�pionero en empleo de hierro (anfiteatro feria Mundial de Nueva York, no realizado. Novedad� desmontable y reutilizable

Dependencia de Europa� arquitectos europeos que importan modas: � 1852 American Society of Civil Engineers � 1857 American Society Institute of Technology � 1866 William Robert Ware: Massachusets Institute of Technology: 1er

curso universitario. Fundador escuela de arquitectura Universidad Columbia (N.Y) importa métodos franceses.

Guerra Secesión � desencadena avance industrial en norte � pasan a la vida civil ingenieros militares El nuevo academicismo aporta la originalidad, sinceridad y racionalidad en el uso de los materiales que caracterizarán a la arquitectura americana.

1. La estética del hierro y el cemento

Revolución Norteamericana

Puente entre eclecticismo medieval y arquitectura tecnificada de la E. Chicago. Entre arquitectura dependiente modas europeas y otra americana. Alumno Ecole des Beaux-Arts, trabaja en taller de Thèodore Labrouste. Construye iglesias, bibliotecas, estaciones de ferrocarril, casas particulares�empleo románico sin desprecio rasgos arquitectura autóctona � Grace Episcopal Church (1867–68) Massachusetts: gótico victoriano alto : composición asimétrica, formas

piramidales, vanos apuntados � Trinity Church (1874-77) Boston: referencias románico: elementos arqueológicos, cubiertas piramidales de las

torres, policromía de influencia francesa o cimborrio de referencia española � Se vale del Románico como lenguaje que se adapta a cualquier obra: Crane Memorial Library de Quincy

(1880-83) Massachusetts: disposición de ventanas en hileras, arquerías s/vanos, aparejo rústico, policromía uso diferentes piedras, acceso a través de arco con gruesas dovelas.

� Fin de siglo�viviendas Shingle Style: muros recubiertos ripias de madera: Glessner House (1886) Chicago. � Marshall Field Store. 1885:aparejo de granito sin pulir, estructura interna de hierro. Hileras de arcos en

fachada y ático rematado en cornisa

Condiciones que llevan al uso del hierro y

cemento

� Su producción en grandes cantidades a bajo coste. � Facilidad de transporte � Cualidad como material móvil y posibilidad de cubrir grandes espacios

con mínima ocupación de apoyos � Economía en el tiempo y en el coste de la producción � Avance en cálculo matemático del reparto de cargas � Escuelas especializadas.

2. Henry Hobson Richardson y el Románico

Trinity Church Grace Episcop Church

Marshall Field Store Crane Memorial Library Glesssner House

Tras muerte de Richardson: dos corrientes antagónicas � Charles Follen McKim formación francesa, dependencia estilos

pasados. Movimiento conservador�fuentes en arquitectura griega, romana y renacimiento italiano.

- Bostón Public Library (1888-95) Mckim y Stanford White: modelo Renacimiento Italiano. Planta cuadrada. Sala lectura con bóveda casetones, patios con arcadas renacentistas. Inicio Renacimiento Americano.

� Otros� interés por expresión funcional y un empleo inteligente de los

materiales: Sullivan y Wright

Renacimiento Americano

3. Chicago. Nuevas tipologías: los almacenes

Chicago: ejemplo de arquitectura moderna. Época cumbre 1883-1893, desarrollo continua hasta1ª Guerra Mundial. Engloba a una serie de arquitectos que tuvieron el sentimiento de estar haciendo algo especial 1830�se funda, plan urbano: trazado en cuadrícula 1840�crecimiento económico y social�aumento población. Finales XIX�nudo comunicaciones Arquitectura originaria�en madera, sistema balloom (elementos madera prefbricados y ensamblados mediante clavos) se completa con edificios comerciales de estructura metálica. Incendio 1871 destruyó todo. La reconstrucción �características edificación nueva ciudad. Nuevo trazado�parcelas cuadradas que en el Loop �especulaciones. Se construye�máximo aprovechamiento�construcción en altura. � Invento ascensor: 1ºvapor 1864, propulsión hidroeléctrica 1870, eléctrico 1887 � Mejoras técnicas: estructura hierro fundido, luego forjado y después acero � Edificio�forma paralelepípedo � Arquitectos e ingenieros con diferentes visiones arquitectura. En nueva construcción se mezclan:

o Funcionalidad o Avances Técnicos o Criterios estéticos

3.1 La escuela de Chicago y el desarrollo del rascacielos

William Le Baron Jenney (1832-1907) ingeniero militar. Formado en la Ècole Polytechnique y en la Ècole Central. Profesor de Universidad Michigan 1879: First Leiter Buildng: planta rectangular, columnas y vigas horizontals de hierro y envoltura exterior de ladrillo. Referencias a estilos históricos son nulas. Tramos lisos, .molduras simulando capitel y cornisa con matacanes

Estructuralistas

BIBLIOGRAFÍA: El siglo XIX. El cauce de La memoria. Mª Dolores Antigüedad y Sagrario Aznar. Ediciones Istmo. ESQUEMA REALIZADO POR: María González Del Yerro. Centro Asociado Gregorio Marañón. Madrid

1885: Home Life Insurance Buildng: estructura metalíca. 10 plantas + 2. Sobre zócaleo mampostaría�armazón metálico de hierro en los 5 primeros pisos y de acero el resto. Vigas y pilares metálicos recubiertos ladrillos refractarios�sostienen vigas doble T Burnhan & Root el 1º estudia en la Ècole des Beaux-Arts, el 2º ingeniero 1881-82. Montauk Building: edificio comercial de 10 plantas. Muros mampostería, columnas de hierro, destruido en 1902. Mole maciza con ventanas regularmente distribuidas, ausencia decorac. Novedad�sistema cimentación: balsa flotante: plancha reforzada con nervaduras acero. 1886-87 Rookery Building: esqueleto metálico. En torno a patio central cuadrado cubierto por entramado de hierro y cristal. Ventanas ordenadas en hilera y coronadas por arco. Entrada monumental con arco. Perímetro soportado por columnas�aperturan vanos acristalados. Novedad�patio central (galería comercial) en forma balconadas. Influencia modelos franceses Monadnock Building: 17 plantas. Muro exterior de ladrillo�función portante. Esqueleto interior metálico con pilastras hierro forjado. Esquema vow-windows (miradores poligonales de formas convexas.

Neorrománticos

Louis Sullivan (1856-1929)�deseo revisión crítica del pasado. Posición alejada del movimiento conservador de fines de siglo. 1887-1889. Auditorium de Chicago. Dependencia de Richardson: � Paralelepípedo, en sus fachadas�bandas verticales rematadas en arco que cobijan

ventanas � Basamento: aparejo rústico�recoge entradas � Sobre entrada�maciza torre cuadrada también con bandas rematadas en arco. � Interior: abundancia decoración formas curvilíneas, inspiradas Naturaleza. 1890-91 Wainwright Building: desaparece recuerdo Richardson sustituido�forma derivada de sistema estructural � Sullivan se preocupa de la fachada�fábrica de ladrillo rojo a modo de retícula

ortogonal. � Edificio concebido como columna: basa, fuste y capitel. Nace el verticalismo

Feria Internacional Chicago 1893�deseo recuperar tradición clásica pero la Escuela de Chicago busca independencia de herencia europea. Por eso Sullivan realiza Transportation Building �escayola blanca, alternativa a arquitectura clasicista. Sullivan defiende que la forma sigue a la función. Los edificios de oficinas�reflejo de sus funciones, con características propias: 1º piso entrada, entreplanta y plantas parecidas en anchura, al final un ático donde está el equipamiento mecánico. Eso se usó en el Wainwright y en Guaranty Buiilding de Buffalo (1894-95) 1899-1901 Schlesinger & Mayer: culminación de su búsqueda formal. Estructura horizontal, sólo acentúa la verticalidad en pabellón torreado. � Estructura malla reticular �reflejada en la fachada: líneas recubiertas de terracota � Amplias y horizontales ventanas � Destinado a grandes almacenes�función reclamo�esquina curva, torre circular

con quiosco hierro, inspiración francesa. Decoración acentuada.

Montauk Building

Home Life Insurance

Monadnock Building

Rookery Building

Wainwright Building

Auditorium de Chicago

Sistema construcción acero�gran expansión en EEUU�barrios negocios. Se plantea una guerra de alturas no pasa a Europa donde se usa hormigón armado. Los logros de la Escuela de Chicago�oscurecidas por desaparición edificios y por corrientes más conservadoras

TEMA 10. El realismo como reflejo de la sociedad in dustrial

1.1 El Realismo :

� Reacción contra el Romanticismo � El avance científico y el pensamiento positivista � Desarrollo urbano y proletariado � El manifiesto comunista � El compromiso social del artista � Salones y Exposiciones � Las exposiciones de productos industriales � La crítica del arte � El desarrollo de la fotografia

1.Los cambios en las artes hasta la revolución de 1848

1.2 La reacción contra el Romanticismo

� un arte científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, � es sobre todo, progresista y social. � No cree en la belleza única, � ni en lo sublime, � ni en los modelos clásicos, � ni en las academias. � Su única fuente ha de ser la directa observación del natural: copiar las costumbres y los usos de la

sociedad para mejorarlos. No obstante el movimiento realista francés, � protesta en una sociedad predominantemente burguesa, Es cierto que los cuadros de Courbet eran socialmente incendiarios,

� pero lo eran no por lo que decían, sino por lo que no decían.

� Sus representaciones desidealizadas,.

Fue con referencia al “Entierro en Ornans” que la palabra Realismo llegó a ser aplicada al arte de Courbet por el critico Champfleury.

El Realismo alcanzó su forma más sólida y coherente en Francia, con ecos, � en otros lugares de Europa y

Estados Unidos, � se constituyó como el movimiento dominante tanto en pintura como en literatura, desde

aproximadamente 1840 hasta 1880. � Tendrá consecuencias en el arte posterior: � Por la época en que pintaba sus obras de madurez, en especial “El entierro en Ornans”, Courbet

insistía en: 1. la superficie pintada como nadie lo había hecho:

� espeso empaste extremadamente visible y � la pintura es aplicada en muchas ocasiones con espátula.

2. Las nuevas ideas democráticas fueron. 3. El pensamiento del socialista Proudhon no fue extraño al realismo. 4. Aunque los realistas se abstuvieran de hacer comentarios morales en sus obras, su actitud

era un compromiso ético con los valores de la verdad, la honestidad y la sinceridad.

1. Como movimiento pictórico, el Realismo es: � el resultado directo del Romanticismo y � una reacción contra él. � Este movimiento anclado en:

a. la filosofía positivista de Auguste Comte y b. en el empirismo que tanto contribuyó a impulsar las ciencias c. Los temas literarios y las historias del pasado se sustituyen por temas de

actualidad. 2. Es más exacto entender el Realismo como un movimiento que exige un cierto

compromiso social y político por parte del artista, y no como un estilo uniforme bajo el que puedan agruparse las imágenes producidas.

3. Se trata de una corriente plural que va desde la imagen testimonial de Courbet hasta la caricatura crítica de Daumier, pasando por los descubrimientos empíricos de la luz que afectan particularmente a la representación del paisaje.

Ville d avray

"Claro en un bosque profundo. Bosque de Fontainebleau", óleo, 1862.

"El sembrador", óleo, 1850

Después de la tormenta, 1899

2. La pintura de paisaje

Corot y el paisaje rural

� Figuras pequeñas y lo que destaca es el paisaje � Utiliza gamas altas y medias. Raramente usas sombras profundas.

Tonos nacarados � En los primeros cuadros no personas ni animales � Fragilidad, fluidez , el juego de sombras difusas, de reflejos y

sombras mas sostenidas : Corot y el impresionismo � Paisajes muy limitados

Nostalgia y sentimiento en Millet

� Ve a los campesinos como actores de un drama ordenado de un drama ordenado de forma diaria

o El sembrador � Refleja la sencillez y la dureza de la vida campesina en los más

variados aspectos. � Cuadros tratados de socialistas y subversivos

o Las espigadoras

T. Rousseau y la Escuela de Barbizon

� Se le considera realista porque sus pintores presentan las figuras y los paisajes sin pose. Elige más sus valores cromáticos.

� Los cuadros presentan una preocupación por las impresiones momentáneas de la naturaleza. Preconiza el impresionismo

� Se empapa del romanticismo. Pinta al aire libre. Estudia los efectos luminosos y representa la atmosfera.

� Influencia del paisajismo holandés o Alrededores del bosque de Fontainebleau

EE. UU y la Hudson River School

� Movimiento estadounidense de mediados del siglo XIX influido por el romanticismo.

� Las pinturas representan el rio Hudson y sus alrededores

Homer

� Influenciado por Corot luego conocido como pintor de marinas

o El juego del croquet o Después de la tormenta

T. Eakins

� Pinta poderosas obras basadas en la realidad. � Hace posar a un modelo masculino

Labourages Nivernais

Pintura y realidad social

Coubert

� Inmerso en la política y convencido republicano y defensor de los

trabajadores, quiso reflejar en su arte la idea de la sociedad. Su pintura se inspira en acontecimientos de su propio tiempo.

o Los picapedreros � Con esta obra quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para

corregirla ya que el pintor tiene un misión que cumplir o Un entierro en Ornans

� Esta obra se considera un arte científico, naturalista, anti clásico, anti romántico, anti académico, progresista y social, cuya fuente debía ser la observación directa del natural

� Estilo seguro, dibujo poderoso y acertado estudio lumínico ligeramente inspirado en Caravaggio

o El Estudio o Muchachas a orillas del Sena o Buenos días Señor Coubert

Meissonier

� Máximo representante en Francia del realismos burgués alejado de la

critica social. Se interesa por asuntos costumbristas elaborados con delicadeza y detalles.

� Obras de pequeño tamaño � Supo interpretar el gusto del Segundo Imperio Francés. � Se interesa también por la temática militar

� El más mundano de los realistas. Trabajo bastante la litografía y fue un gran caricaturista

o Calle Transnoain, 15 de Abril de 1834 � Estilo muy personal y poderoso, espontaneo. Solo conocía la pintura

de M. Angel a través de grabados. o Vagón de tercera clase

Daumier

Rosa Bonheur

� Pintora de animales

o La feria de los caballos o Arando en Nivernais

Las consecuencias del realismo en Europa

Alemania

� El realismo alemán es denominado por la mayoría de los tratadistas

como naturalismo � Naturalismo: Considera la naturaleza como única realidad existente.

Como criterio artístico, la convicción de que el ideal se encuentra en lo natural, dado que sólo el naturalista puede y debe aparecer para mitigar la violencia del fanatismo endurecedor.

� Menzel: Representa el paso como un presente vivo. Estudia la época correspondiente con sus personajes y utensilios sin dejar de observar la naturaleza. Se aleja de idealizar hazañas de guerra y personajes históricos. También se dedica a reproducir escenas de la vida moderna. Pinta paisajes interiores (Hoy de los más brillantes realizadores del s. XIX)

� Leibl: Aúna la intención de representar lo visible y el ideal de la perfección. No introduce ningún rasgo de acción o dramatismo. Cuadros semejantes a bodegones

o Tres mujeres en la iglesia � Monumentalidad y sencillez y captación casi fotográfica de los

detalles

Italia

� En 1853, un grupo de artistas partidarios de la pintura al aire libre.

Pincelada suelta y rápida tienen la denominación de Macchiaiol o manchadores. Se oponen al Romanticismo y al Academicismo. Afirman que la imagen de la realidad es un contraste de manchas de colores y de claroscuro. Movimiento que merece el nombre de escuela.

España

� Cordier: Pasión por la antropología. Línea romántica siente amor por lo exótico. Llama la atención su precisión. Pionero en la escultura policromada

� Belleuse: Prolífico y versátil. Neorococó. Escultura decorativa. Joyas, chimeneas decoración arquitectura.

� Carpeaux: Pintor y escultor. La superficie no es un valor predominante o La danza o El conde Ugolino y sus hijos

Realismo y escultura

Los escultores del II Imperio francés

� Punto de partida la exposición de Paris de 1889 ( La visita al Hospital , de Luis Jimenez). A partir de aquí, 1890, la multiplicación de obras.

� Dos vertientes. Una de resultados suaves y agradables y otra de connotaciones más críticas y comprometidas socialmente. La primera tuvo éxito entre la sociedad burguesa. Se trata de un realismo centrado en asuntos cotidianos. Prevalece la visión edulcorada y anecdótica. Parte de un realismo verdadero para acabar en no falso y rayando lo costumbrista.

� Antonio Gisbert: Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros. � Eduardo Rosales: Evoluciona del rígido academicismo hacia la la ligereza

del pigmento y la pincelada del impresionismo. o Testamento de Isabel la Católica o Saliendo del baño

� Mariano Fortuny: Pinta la Campaña de Marruecos. Se libera de convencionalismo y academicismos y se siente atraído por lo oriental. Recoge numerosas escenas costumbristas. Caracterizado por el preciosismo y la luminosidad. Cuidado dibujo, amplitud espacial, gran sentido del color y estudio lumínico. Verosimilitud en los detalles. Capta la expresión de los personajes

o La Batalla de Tetuan o La vicaria

� Carlos de Haes: Introductor del paisajismo en la pintura española. Vistas compuesta a la manera clásica aunque con predominio de la tierra frente al cielo ( 1/3 del lienzo). Crea una importante escuela paisajista madrileña

Belgica

� Constant Meunier: Por su vida decide testimoniar su compromiso único con la clase trabajadora. Protagonistas los obreros que monumentalizaba con un físico rotundo a las figuras de fuerza

o El Estibador

BIBLIOGRAFÍA:

El cauce de la memória. Ed. Istmo El arte moderno. Ed Akal

ESQUEMA REALIZADO POR: Ignacio J. Zabalza. Centro Asociado Pamplona FOTOS: http:// www.artehistoria.es

� Jules Dulon : Comprometido con el socialismo militante y tuvo que huir de Francia.

� Bellver: Cuidadoso y expresivo sin caer en detallismos excesivos. Evoluciona del realismo hacia un naturalismo. Se copia del natural sin dejar espacio a la imaginación llegando a caer en lo desagradable o en lo sensible.

o Ángel Caído � Belliure: Puente con el modernismo.

o Grupo alegórico del edificio de La Unión y el Fénix o Estatua ecuestre del General Martinez Campos

� Vincenzo Vela: Escultor suizo. Prolífica obra. Conmemorativa y oficial. Sobriedad y marcado verismo social

� Achille D’Orsi: Aspiraciones hacia el realismo o Los parasitos

� Inglaterra: Armstead y J.P. Birning

Puvis de Chavannes

Gustave Moreau

TEMA XI. RESPUESTAS AL REALISMO

Puvis de Chavannes � Panteón de

Paris � Escalera Museo

de Lyon � Alegoría de las

artes y las ciencias

� Arte emocional, con sensación de angustia, reflejo de la muerte

� Intelectual , Puvis de Chavannes � Mundo alucinado y elitista de Redon � Arte de los Rosacruces � Subyace en todos la aspiración a la

trascendencia � Importancia de los Símbolos,

fundamento del movimiento � Posibilidad del conocimiento mágico � El artista debe descifrar las claves y

convertirlas en estética � Medio de acceder a la realidad, y a la

vez evasión de la misma � Rebeldía, amor por lo extravagante, lo

misterioso y lo exótico

SIMBOLISMO

Características

Aprende de Delacroix y Couture, aunque no experimenta con la composición ni con los elementos de la obra. Se relaciona con Gauguin. Sus obras se recuerdan por su aspecto ilusionista: trabajaba sobre un lienzo encolado al muro. Obras muy decorativas. A veces roza la rigidez académica, no es un revolucionario

Gustave Moreau

El aduanero Rousseau

Odile Redon

Sus obras parecen alucinaciones. Salomé es la dualidad mujer/muerte. Hace gala de abigarramiento, profuso uso de las joyas y cromatismo

Odile Redon Crea metáforas pictóricas del mundo onírico y literario. Pasa del dibujo a la litografía. Obras suyas: El sueño, San Sebastián, El caballero místico

Rosacruces. Representaciones llamativas: cabellos largos, extrañas miradas, flores exóticas, alusión a leyendas celtas y a Bizancio. Acercamiento al mundo sensorial

Obras: Eva, Sorprendido, Autorretrato con paisaje y Tigre en una tormenta tropical

Tono poético, busca exotismo y sensibilidad infantil. Ingenuidad que da a los trabajos aspectos de caricatura. Prima la fantasía. Complejo colorido, estilo intuitivo. Obras de escenas selváticas, con figuras de animales salvajes.

ESQUEMA REALIZADO POR: María Isabel Espiñeira Castelos (C. A. Fuerteventura) BIBLIOGRAFIA:

� EL CAUCE DE LA MEMORIA ( Mª Dolores Antigüedad Sagrario Aznar) � HISTORIA DEL ARTE ( F. Hartt) � www.artehistoria.es � www.wikipedia.org

FOTOGRAFIAS: www.wikipedia.org - www.artehistoria.es

Vinculado al Simbolismo francés Punto de encuentro entre el mundo nórdico y el mediterráneo. Influencias del romanticismo alemán Contraste sueño-realidad Obra principal: La isla de los muertos

Admiraban a Rafael, aunque no vuelven al Renacimiento. Influencia pintores holandeses y del daguerrotipo. El tema debía interesar por sí mismo y el artista debe interpretarlo.

� Hunt se interesa por la Naturaleza, con paisajes realistas, aunque inspirados en la Literatura. Su obra más importante es La Luz del Mundo.

� Millais admira los pintores del Qattrocento y su Ofelia es la obra maestra del movimiento. Con el tiempo queda anclado en el Academicismo. La obra La carpintería es de vivos colores, y representa la Sagrada Familia pero con modelos tomados de la clase obrera.

� Madox Brown tiene influencia de los flamencos barrocos y de los románticos franceses.

� Rosetti sigue una vía propia, de exaltado romanticismo. Su obra principal Ecce Ancilla Domini representa a la Virgen como aterrorizada ante la presencia del Ángel, que la apunta con la vara de nardos, símbolo de la virginidad

Hermandad Prerrafaelita

Arnold Böklin

TEMA XII EL IMPRESIONISMO

1.1 La pintura en el París de los años 60. La ruptura con los géneros tradicionales y el reflejo de la realidad.

Innovaciones

1. La pintura en el París de los años 60. La ruptura con los géneros tradicionales y el

reflejo de la realidad. El Salón de los Rechazados de 1867. La crítica de Baudelaire y Zola. La

aparición del Impresionismo. E. Manet y las nuevas experiencias estéticas. Las modernas

teorías ópticas de Chevreul. El grupo impresionista: Claude Monet, Camille Pisarro, Alfred

Sisley, Auguste Renoir y Edgar Degas. Los impresionistas españoles: Darío de Regoyos y

Aureliano de Beruete. El luminismo de Sorolla.

El Impresionismo será en Pintura la corriente dominante en los últimos años del siglo XIX

El Impresionismo en pintura partió del desacuerdo con, los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón Parisino. Los Impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas.

� Pintar al aire libre frente al motivo.

� Observar directamente. � Importancia a la luz. � Relativizar los colores. � Temas cotidianos. � Técnica en el color.

Descomposición. El espectador

Impresión, amanecer. Oleo sobre tabla. 48x63. Museo Marmottan, París. Claude Monet En este oleo, el pintor distribuyó las pinceladas sobre la tela con extremada libertad, creando efectos enormemente sugestivos, capaces de estimular la fantasía y la sensibilidad poética del espectador. Será el crítico Leroy el que al ver dicha obra le atribuye a este modo de pintar el calificativo “Impresionista”, para designar a los osados pintores

1.2 El Salón de los Rechazados de 1867. La crítica de Baudelaire y Zola.

Todo comenzó aproximadamente cuando Manet seleccionó para el Salón de la Academia tres telas que fueron rechazadas. No fue el único recusado: aquel año el jurado fue particularmente severo de 5.000 obras sólo se aceptaron 2.217. Las propuestas de los excluidos y las polémicas de los críticos alcanzaron un punto crítico, hasta el extremo de la intervención de Napoleón III. Los jueces del Salón decidieron conceder a los excluidos una posibilidad de hacer valorar por el público las bondades de sus creaciones, exponiéndolas en otra ala del palacio de industria, que se llamo el Salon des Refuses. De esta forma se creó tal expectación, que a la inauguración de la misma se agolpó el público en la entrada, superando las visitas del Salón oficial. De cualquier forma, esta no fue una solución acatada por los Impresionistas, y empezaron a pensar en organizar exposiciones colectivas de carácter privado. Se fundó para ello la Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores. Baudelaire, crítico y poeta francés se hace intérprete de los deseos de los impresionistas. También el escritor Émile Zola defendió en numerosos escritos a estos pintores, entre ellos a Manet, al cual Zola, subrayó sus afinidades estilísticas con los grandes maestros de la pintura española, sobre todo Velázquez y Goya. Como ejemplo, en el Cristo Muerto y dos ángeles, en el Salón de 1864, los críticos al ver esta tela, reprocharon a Manet el excesivo y crudo realismo con que había representado el cuerpo de Cristo, que según ellos no era adecuado para una representación sagrada. Sólo Baudelaire lo defendió, aunque observó que la herida en el costado está a la izquierda en vez de, como debiera ser, a la derecha En el Retrato de Émile Zola que Manet realizó a su amigo, y partidario, aparece en su estudio sosteniendo en las manos un volumen de la Historia de la Pintura de Charles Blanc. A la derecha, sobre el escritorio, se entrevé el ocuspulo una nueva manera de pintar de Manet, publicado en el 1867. Arriba a la derecha, junto a una reproducción de los borrachos de Velázquez y de una estampa japonesa, se ve la foto de la Olimpia de Manet, que Zola había defendido de numerosas críticas negativas.

1

1 Baudelaire, que era amigo de Manet desde 1860, no le dedicó como crítico más atención que unas pocas líneas en Pintores y aguafuertistas. si apreciaba su obra no se preocupó por demostrarlo públicamente. Y cuando alaba su pintura, el elogio suena desafinado: en una carta a Thoré, define a Manet como a un hombre marcado por el romanticismo desde su nacimiento y niega que se haya inspirado en la pintura española ( desmiente que conozca siquiera a Goya”. Salones y otros escritos de arte. Baudelaire. Pág. 29.

1.3. E. Manet y las nuevas experiencias estéticas

Al contrario de lo que predicaban los impresionistas, sobre el abandono de los talleres y la preferencia de pintar al aire libre, en plein air, Manet en sus estructuras de luz y sombras fueron realizadas en interiores y tras de sí dejaron variados estudios preliminares, es por esto que Manet no fue considerado un impresionista. Durante mucho tiempo, hizo uso de los modelos formales de los viejos maestros, pero de una forma irreconciliable con el eclecticismo habitual, por lo que suscitó numerosas protestas. Le consideraban un pintor de fragmentos, desprovisto de ideas y facultades como dibujante. Entre sus aportaciones con respecto al color, renunciará a la utilización de tonos intermedios, interesándose por el fuerte contraste entre blancos y claros con el negro puro, color rechazado por los pintores académicos. Es por esto que se considere su arte como fragmentario, pues abandona la coherencia que otorga a un cuadro el claroscuro. Dentro de su polémico repertorio podemos encontrar obras como:

Concierto en la Tullerías, 1862, donde Manet hace gala de su ingenio esquivo, reflejando los elegantes placeres comunitarios de París. Nos muestra una multitud anónima, con toda una galería de retratos de sus familiares y amigos. Otro de los cuadros de Manet y sin duda el más escandaloso, rechazado en el salón de 1863, fue: El almuerzo sobre la hierba. Manet se inspiró, como era de costumbre, en la pintura antigua, transformando el tema mitológico en una escena contemporánea, desorientando a los críticos y al público. La mujer en primer plano, que tanto escandalizo por su descarada desnudez, Victorine Meurent, al lado un hermano del pintor y a su lado, con barba el escultor hermano de la esposa del pintor Ferdinand Leenhoff. Más escandalosa si cabe fue la Olimpia pintada en 1863, para esta pintura Manet se inspiró en la Venus de Urbino de Tiziano, también en la Maja desnuda de Goya¹ y en la Gran odalisca de Ingres. Los críticos del Salón no entendieron su extremada modernidad, se detuvieron en los aspectos exteriores y marginales, como la sustitución del perrito, presente en la Venus, por un gato negro, símbolo erótico o demoniaco. También la figura de la camarera con el gran ramo de flores da pábulo a michas interpretaciones, en general morbosas y llenas de malicia.

1.4. Las modernas teorías ópticas de Chevreul.

A menudo los impresionistas aumentaron la intensidad de las tintas y acentuaron los contrastes, según las indicaciones contenidas en el ensayo de Michel Egéne Chevreul, sobre la ley del contraste simultáneo de los colores, texto básico de sus investigaciones cromáticas. Este compendio influyó con gran fuerza en el arte de los impresionistas. Se publicó en París en 1839. Chevreul era químico, director de la sección de tinturas de la fábrica de tapices de los gobelines de París y posteriormente director del museo de Historia Natural. El se preguntaba por qué, en las tapicerías, algunos colores nos parecen más apagados que otros. Estudió los colores primarios, amarillo, rojo y azul, y los complementarios, es decir, la unión de los otros dos: violeta para el amarillo, verde para el rojo y anaranjado para el azul. Basándose en sus investigaciones, sostenía que, por la ley del contraste simultáneo, si acercamos los colores complementarios, estos multiplican su efecto sobre el ojo humano adquiriendo mayor vivacidad e intensidad. Para demostrar esta tesis, Chevreul publicó en 1864 el libro “Des couleurs et de leur applications aux arts industriels á l’aide des cercles crhomatiques”, en el que presentaba el Cercle Chromatique, un circulo en el que demarcó las relaciones precisas entre los colores. El científico llegó también a sugerir a los pintores el uso de marcos de colores para ampliar los efectos luminosos de sus cuadros; los impresionistas se interesaron en esta propuesta, que fue, no obstante, descartada de inmediato por la feroz oposición de los galeristas y los compradores (sólo a principio del siglo XX fue en parte adoptada por los futuristas). Otra enseñanza que los impresionistas recibieron de Chevreul fue la “Teoría de la Mezcla óptica”: ellos extendían sobre la tela toques separados de pigmentos puros que llamaban la atención del espectador, mucho más que los mismos colores cuando se mezclaban en la paleta. Estas teorías fueron ampliadas posteriormente por Charles Blanc, crítico de arte.

Algunos autores consideraban poco acertado calificar de “impresionistas” a grupos de pintores no franceses, contemporáneos o posteriores a Monet o Renoir como los alemanes, noruegos, rusos, portugueses, ingleses, italianos, o porque no españoles, como el caso de Sorolla, que al no disfrutar de un grupo se les calificó más de luministas, plenairistas o incluso de realistas independientes. De todos ellos, ni las intenciones di la técnica se asimilaban a la del grupo parisién, único que puede llevar de modo idóneo el calificativo de impresionistas, y eso casi reduciéndolo a los cuatro miembros esenciales: Pissarro, Monet, Renoir y Sisley. Le3s precedieron Degas y Manet. Participaron artistas de varias generaciones: de los treinta: Manet, Degas y Pisarro, de los cuarenta: Monet, Renoir, Sisley, Cezane, Bazille… Esta fue la autentica generación impresionista.

1.5. El grupo impresionista: Claude Monet, Camille Pisarro, Alfred Sisley, Auguste Renoir y Edgar Degas.

El grupo impresionista.

Claude Monet (1840-1962) Considerado quizás como el más purista entre los pintores del grupo. Se esforzó por incorporar una nueva visión incorporando la noción del carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies le servían únicamente para dar coherencia al conjunto. Desde un primer momento le dio verdadera importancia al tema principal del movimiento impresionista: la luz como elemento de la vida y la atmosfera como medio de la misma. Su pintura basada en el color y la intuición se dirigiría con el tiempo irremediablemente hacía las corrientes más vanguardistas de la primera mitad del siglo XX, convirtiéndose en influencia para artistas como Kandinsky o Jean Fautrier.

Monet. Baños de la Grenouillere

Monet. Nenúfares

Camile Pisarro (1830-1903) Boulevard des Italiens. Pisarro

Niebla en voisins. Sisley El moulin de la Galette. Renoir Mujer desnuda sentada. Renoir

Fue el menos espectacular de los impresionistas, de carácter conservado, fue pintor más tonal que esencialmente colorista. Su arte, fue menos intenso que el del resto de los del grupo, y la sobriedad de sus cuadros lindaba a veces con lo trivial. Su pintura pasó por varias fases, desde el impresionismo constructivo hasta el puntillismo, pasando por la trasparencia de Monet. Es por esto, que se le consideraba un pintor ecléctico, muy influenciado por la tradición del clasicismo francés.

Alfred Sisley (1840-1899) Durante su vida siguió fielmente las directrices de Monet, aunque nunca abandonó la “caza del motivo” y se dejó llevar por un romanticismo lleno de poesía. A pesar de todo llegó a ser el más puro dentro del movimiento en el sentido de no derivar hacia la pintura de figuras. Auguste Renoir (1841-1919). Mejor que ningún otro del grupo, Renoir nos convence de que la estética impresionista fue sobre todo de carácter hedonista. El placer parece ser su cualidad más evidente. De la mano de Monet, descubrió que las sombras no son pardas ni negras, sino coloreadas en su periferia y que el color local de los objetos queda modificado por la luz que los ilumina, por reflejos de otros objetos y por el contraste de colores yuxtapuesto. Ambos comenzaron a utilizar frecuentemente colores puros y a prescindir de los negros, pardos y tonos terrosos. Liberaron la pincelada y la luz se fue convirtiendo en el gran unificador de la figura del paisaje. A raíz de sus obras, en las que interpretó el desnudo, comenzó a convertirse en algo más que un pintor impresionista. Siguió con esta línea, ya que, como muchos otros se sintió incomodo con las imposiciones del movimiento y se volvió a la realización de temas más estructurados.

Edgar Degas (1834-1917). Este pintor será el que más se aproxime al grupo aunque jamás consiguió ser un artista tan famoso como, por ejemplo, Renoir o el mismo Monet. Se aprecia en su pintura ciertos toques ulteriores con influencias de Ingres o Watteau, es por esto que se le haya tildado de anti impresionista, su estela fue Ingres y de ahí se denota su particular factura al rematar una obra. También trabajó la escultura y a su obra se la consideró como una transición del estilo romántico al estudio del movimiento impresionista.

1.6 Los impresionistas españoles: Darío de Regoyos y Aureliano de Beruete. El

luminismo de Sorolla.

España recibió el impresionismo tardíamente, el romanticismo se mantuvo largamente en el tiempo y en la época de la restauración comienza a ser superado por el realismo. El paisajismo que se había iniciado en España durante el romanticismo, derivó hacia el paisaje costumbrista, pero el realismo de Carlos de Haes impuso una corrección a este “tipismo”. Concursos, mecenas y ayuntamientos favorecieron el costumbrismo al igual que los museos de Bellas Artes de las distintas capitales de provincias. Cataluña y el País Vasco, con una floreciente burguesía, favorecieron la entrada del gusto artístico Francés. Madrid aún irá a remolque instalada en el casticismo tradicional. Dentro de los pintores más destacados en el movimiento impresionista español destacamos a: Darío de Regoyos, Aureliano de Beruete y Sorolla. Luces eléctricas en la concha. Regoyos 1906 Los lavaderos del Manzanares. 1904. Beruete

Darío de Regoyos (1857-1913) Nacido en Ribadesella. Fue alumno del paisajista Belga Carlos de Haes, de quien hereda la tradición paisajista romántica. En el año 18833 pasa a formar parte del grupo L’Essor y participará en la creación del grupo los XX revolucionarios donde conocerá a algunas vanguardias como Ensor y Rodin Su estilo se puede definir como paisajista, con fuertes conexiones como el puntillismo, cultivando el retrato de forma esporádica. A pesar de que Regoyos arranca del expresionismo y evoluciona hacia el impresionismo, termina siendo un artista que ejecuta su pintura dentro de las pautas postimpresionistas, dado que su pincelada es suelta y fluida. Aureliano de Beruete (1845-1912). Técnicamente es un artista de pincelada suelta y fluida, finalmente impresionista, de composiciones abiertas y luminosas. Más apegado a la corriente tradicionalista del paisaje que a las incipientes vanguardias. Su temática más depurada que su técnica, refleja paisajes cercanos al entorno urbano o panorámico del campo castellano. Con Carlos de Haes se formó en la Academia de San Fernando y fue amigo de otros impresionistas españoles como Regoyos o Sorolla. Viajó a París y tomó contacto con los trabajos paisajísticos de la Escuela de Barbizón, de ellos tomó la técnica del “plein air”

Joaquín Sorolla. (1863-1923). Sorolla también realizó su viaje a París y a Italia. También por España, donde realizaría numerosos cuadros donde la luz jugó un importante papel: “realismo de luz”. El paisajismo ocupó buena parte de su obra, también cultivó el retrato y la pintura social donde adoptó cierta crítica. Ya en la primera década del siglo X, su éxito en París le hizo conocido en Norteamérica lo que le permitió trabajar en el Hispanic Society.

Los niños en la playa. Sorolla. Paseo a orillas del mar

Remolcando la barca

Otro pintor qué destacaría fue Ignacio Zuloaga, así como los catalanes Eliseu Meifrén, Nicolau Raurich, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Joaquín Sunyer, Isidro Nonell y Joaquím Trinxet, quienes contribuyeron a restituir al arte español el rango internacional y un carácter independiente, dos aspectos impulsados de manera decisiva por la escena artística catalana. Almendros floridos. Trinxet Isla de San Luis en París. Rusiñol.

2. Impresionismo y escultura: La aportación de los pintores impresionistas a la escultura.

Edgar Degas y la búsqueda del movimiento. Auguste Rodin y la renovación de la escultura. La

fugacidad de Medardo Rosso. Los escultores después de Rodin: la búsqueda de la

monumentalidad y la forma.

La modernización de la escultura se produjo, al igual que la de la pintura, por una doble vía: la que, desde la realidad, conducía a una visión intrascendente y fugaz de las cosas, y la que, desde la imaginación, trataba de sugerir una idea más allá de lo visible. El punto en común entre la pintura y la escultura lo encontramos en la ductilidad de la superficie y la destrucción de los límites tradicionales de objeto escultórico y de su percepción estable. La pintura impresionista atiende a la luz y el color. Sin embargo, algunos pintores impresionistas realizan esculturas con un aspecto similar al de sus cuadros. Destacan entre otros, Degas, que esculpe bailarinas y Renoir que realiza relieves. Sin embargo, el escultor considerado impresionista, por excelencia, es Rodin el escultor más grande de la época.

2. 1 Impresionismo y escultura: La aportación de los pintores impresionistas a la escultura.

2. 2. Edgar Degas y la búsqueda del movimiento.

Edgar Degas (1834-1917), pintor y escultor francés. Cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían gran agudeza visual: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos físicos de las modelos. Las esculturas de Degas permiten distinguir la transición de la estatuilla romántica al estudio del movimiento impresionista, y es la consecuencia del camino emprendido por Honoré Daumier, puesto que la vida se manifiesta en continuas variaciones, la figura movida en su reflejo más claro. El barreño. Degas Danseuse. Degas La petite danseuse de quatorze ans. Degas

Auguste Rodin (1840-1917), escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura; el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma.

2. 3. Auguste Rodin y la renovación de la escultura.

El recurso artístico de Rodin de hacer visible la creación de la forma a partir del caos como proceso dramático, prometeico, se debe en alguna medida a la obra de Medardo Rosso. La configuración sumaria que hace perder la forma fue sugerida seguramente por los impresionistas En el año 1880, el Estado Francés encargó al artista Rodin la realización de un relieve destinado a decorar la entrada de un supuesto museo de Artes Decorativas de París que finalmente no fue creado. El escultor trabajó durante años en el proyecto, pero la obra basada en la Divina Comedia de Dante, no llegó a ocupar el sitio para el que había sido concebida. Sin embargo, de la monumental empresa de Rodin, titulada La Puerta del Infierno, surgieron piezas independientes que se transformarían luego en iconos de la escultura moderna; entre ellas, El Pensador, El Beso y La Eterna Primavera Las Puertas del Infierno. El Pensador Honore de Balzac Hombre dando un paso

Los burgueses de caláis

El Beso

2. 4. La fugacidad de Medardo Rosso.

Autor que mejor representa el impresionismo escultórico. La factura inacabada de sus obras, la desfiguración de la forma., la fluidez e informalismo de sus modelados, la materia licuada, las superficies irisadas y rugosas le dan plenamente ese título de escultor impresionista, con las reservas que conlleva y con lo difícil que resulta el adscribir ningún tipo de escultura en el impresionismo por ser un estilo eminentemente pictórico. La obra de Rosso es reducida, pero enormemente adelantada y precursora de la escultura del XX, especialmente del informalismo. Su técnica es inacabada, resulta a veces difícil encontrar la figuración en ellas, por lo que en ocasiones parecen abstracciones. Rosso utiliza la cera, que le permite esas cavidades de fluidez movimiento fugaz y evanescente. Otro material que utiliza con frecuencia, y por las mismas razones es el yeso. Su tema es en realidad, la luz, emanando de una farola imaginaria sobre las figuras. Al caer quiebra y absorbe todos los detalles individuales hasta que de las figuras sólo quedan las masas principales, tal como podrían verse súbitamente entre las sombras. Su descubrimiento de que incluso el acontecimiento más vulgar pudiera ser rico en matices psicológicos que podían ser expresados gracias al ir y venir de la luz, se convirtió en fuente de inspiración para los futuristas italianos y en elemento importante en su concepción del dinamismo implícito en la vida moderna.

Bambino Malato Niño al sol

Ecce Puer Madame X

Rodin y Rosso marcan los puntos histórico-estilísticos finales del movimiento formal transitorio y expansivo del siglo XIX. Su arte desencadenó en Hildebrand y más tarde en Maillot, el movimiento contrario: la forma serena, calmada y desdramatizada, que de nuevo retorna del espacio al bloque

BIBLIOGRAFÍA:

� El Siglo XIX. El Cauce de La memória. Mª Dolores Antigüedad Sagrario Aznar. � Historia de los Estilos Artísticos II. Desde El Renacimiento AL tiempo presente. � Historia Del Arte. El Realismo y El Impresionismo. Salvat. � El Impresionismo. Gabriele Crepaldi. � Txema Franco Iradi. Bilbao, Enero del 2004. Contrastes y armonías del color. � SUMMA ARTIS: Historia general del Arte. Arte Europeo del siglo. XIX. � Historia del Arte Universal. S.XIX y XX. Ana María Preckler. Tomo I. � Salones y otros escritos sobre arte. Charles Baudelaire

ESQUEMA REALIZADO POR: Antolín Barrero Pegado. Centro Asociado de Mérida. Badajoz. FOTOS:

� picasaweb.google.es � http://www.artnet.com/artist/559854/jacques-lucien-schnegg.html

2. 5. Los escultores después de Rodin: la búsqueda de la monumentalidad y la forma.

Agust Rodin fue el gran artífice de la renovación de la escultura, pero después del gran maestro francés, otros aparecen en la palestra con ansias de renovación. En el S.XX, artistas como Maillol o Lucien Schnegg intentaron seguir la estela de Rodin. Veían su obra sincera, llena de fuerza y expresividad, una recuperación del clasicismo pero llevándolo a las inquietudes contemporáneas. La tendencia de Rodin a presentar fragmentos del cuerpo como esculturas acabadas abrió el camino de algunos artistas después de la 1ª Guerra Mundial, que tenían la necesidad de representar la angustia y el deseo a partir de lo fragmentario. Aristide Maillol (1861-1944), escultor francés cuyas obras se caracterizan por su volumen y realismo sencillo y serenidad que podrían alinearse con el constructivismo o post-cubismo. Destruir la forma y monumentalidad de la antigua escultura era el objetivo de estos artistas renovadores. Como reacción al movimiento impresionista, Maillol, crea figuras calladas, de líneas claras, cuyas formas cerradas no niegan su procedencia de bloque. La Nuit. Femme accroupie. Lucien Schnegg, nació en Burdeos en 1864. Además de su propia escultura, colaboró con Rodin que apreciaba y admiraba su obra. Femme Agenouillée Torso de Afrodita Ambos escultores vieron en la obra de Rodin, una invitación a recuperar la sinceridad, la claridad y el equilibrio del arte antiguo, y proclaman la necesidad de un nuevo clasicismo

Tema 13. La crisis del Impresionismo: los postimpresionistas.

2. LAS INVESTIGACIONES CIENTÍFICAS SOBRE EL COLOR: LOS PUNTILLISTAS

� El Impr esionismo adolece de una falla muy grave al desproveer de impresiones al tema, a la composición, al autor, al espectador, el único sentido de la pintura es estético, y éste se agotó rápidamente.

� El Neoimpresionismo es básicamente un movimiento de reacción ante el Impresionismo. Los mismos pintores impresionistas inician un nuevo giro en la pintura, el impresionismo ha pintado la mera apariencia.

� Tanto los nuevos como los viejos pintores se ven en la necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica.

� Las respuestas a esta necesidad serán diferentes según tendencias como el puntillismo o el Simbolismo, o según los pintores, difícilmente clasificables en una Escuela concreta, como Cézanne.

� Los tres grandes promotores de esta orientación –Cézanne , que tanto influyó en el cubismo , Van Gogh, en el expresionismo y Gauguin , en el fauvismo - huyen de la atmósfera de París en busca de horizontes inéditos.

1. LA SUPERACION DEL LENGUAJE IMPRESIONISTA. EL NEOIMPRESIONISMO Y EL SALON DE LOS INDEPENDIENTES

2.1 GEORGES P. SEURAT

� Se oponen al impresionismo por su preocupación por el volumen, las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien redondeadas, donde la luz y forma hallan una síntesis perfecta. Así los cuadros reflejan orden y claridad, pero renuncian a los perfiles. La base se halla en la pincelada, siempre atenta al principio de la división de los tonos. Los cuadros semejan mosaicos.

� Pretende recuperar el carácter científico de la investigación cromática. Para conseguirlo retoma las investigaciones sobre el color local y sus combinaciones de primarios, ejecutadas en pinceladas minuciosas que eviten las mezclas heterogéneas de los impresionistas.

� El resultado es bastante extraño, puesto que las imágenes se encuentran sometidas a sólidas composiciones geométricas, lejos de la espontaneidad de los impresionistas.

� Los colores se aplican en puntos de color primario, uno junto a otro que, vistos desde lejos, se mezclan en la retina dando el efecto de gamas cromáticas.

� Creado y desarrollado por G. Seurat, quien lo denominó en un primer momento cromo-luminismo, el lenguaje popular lo convertiría en Puntillismo, por la forma de la pincelada que extiende puntitos de color por la superficie del lienzo, o divisionismo, por la rígida separación de los colores primarios y locales en estos puntitos.

� Seurat continúa con la investigación óptica del impresionismo, pero rechaza su ejecución improvisada. Corrige la espontaneidad impresionista volviendo a unos métodos más académicos y utiliza los apuntes al aire libre para componer en el estudio cuadros meditados y calculados. Como Cézanne, somete la pincelada fragmentada de los impresionistas aun riguroso orden. Pero lo mejor que caracteriza a Seurat es su empeño en crear, a partir del impresionismo, una pintura “científica”.

� Seguirá la ley de Chevreul , según la cual los objetos adyacentes no sólo intercambian reflejos de sus propios colores, sino que crean en cada uno reacciones complementarias propias. Con un conocimiento mayor que el de los impresionistas y un ojo más disciplinado, tenía que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes simultáneos producidos por los colores que le rodeaban.

� Se interesaba también por las propiedades psicológicas de la línea y pensaba que las líneas horizontales y verticales expresaban respectivamente reposo y tensión, las líneas ascendentes, alegría y felicidad, y las líneas descendentes, melancolía y tristeza.

� ESQUEMA REALIZADO POR: Mª Victoria Gallego Hurtado, C.A. Guadalajara. � BIBLIOGRAFÍA:

� El siglo XIX. El cauce de la memória. Mª Dolores Antigüedad y Sagrario Aznar. Ed. Istmo. Madrid 1998 � El Mundo Contemporáneo. Historia Del Arte. Juan Antonio Ramírez. Alianza Editorial Madrid 2006 � El impresionismo y otros ismos Del s. XIX. Nicole Tuffelli, Joaquim Soler Llopis, Marta Masafret Soane. Ed.

Larouse. Colección Reconocer El Arte. Madrid 2007

4. LA SOLIDEZ DE LA FORMA EN PAUL CÉZANNE (1839-1906)

3. ITALIA Y LOS “DIVISIONISTI”

� Divisionismo y puntillismo son estilos muy cercanos. Sin embargo, el divisionismo posee cualidades

sociales formales que lo separan del inocuo cromo-luminismo de los franceses. � Los artistas que practican el divisionismo son inconformistas sociales, frecuentemente vinculados al

anarco-sindicalismo o a lo que posteriormente se establecerá en el nacional-socialismo del fascio de Moussolini.

� Además, la técnica divisionista difiere un tanto de la puntillista . Sus pinceladas son más largas y fluctuantes, lejos de la mesura aburrida de los puntitos coloreados de Seurat o Signac. Esto les permite realizar composiciones más dinámicas, cercanas a los planteamientos de los que será el Futurismo, que requiere introducir el desplazamiento de los cuerpos en el espacio y en el tiempo.

� Además no se restringen a la colocación de pinceladas en colores primarios que luego la retina ha de mezclar para obtener las gamas, sino que emplean colores tonales en franjas de color tan violentas que no es posible esperar una mezcla óptica de los mismos.

� Por último, el divisionismo se aproxima en su temática al simbolismo que se practicaba en Francia y Gran Bretaña, se ocupan por sus compromisos sociales en temas cargados de emoción y que resulten aleccionadores. Su influencia sobre el recién nacido futurismo se mantuvo hasta 1911.

� Amigo de los impresionistas, singularmente de Pisarro, no aceptó la versión sensualista de éstos, sus cuadros vuelven a recobrar la fuerza de la realidad plástica, conculcada por el fervor luminoso impresionista. Sabe conciliar en sus cuadros el problema científico (el volumen) con el gusto puramente estético. Este escultor-pintor crea diversos procedimientos para obtener o acentuar el bulto, pero renuncia al negro y al gris, medios tradicionales para la obtención de sombras, sus sombras son violeta, al igual incrementa los contrastes de colores de modo que se produce el engaño que distienda los planos, concibe el cuadro a base de cuerpos geométricos. Su pincelada ha nacido en la cuna de los impresionistas, de suerte que se distribuye en largos restregones, que organizan plásticamente el objeto. No sin razón, Cézanne es el padre del constructivismo, que pugna por devolver la construcción plástica de la realidad, tras la desmaterialización producida por la luz impresionista.

� Obras: Jugadores de Naipes, Madame Cézanne en el invernade ro, Grandes bañistas, El jarro azul, Tres calaveres, Autorretrato con fondo rosa, Tejado s rojos, L’Estaque, Casas en Provenza…..

5. VICENT VAN GOGH (1853-1890) Y LA EXPRESIVIDAD EMOCIONAL

� Como un personaje de tragedia rusa, busca el sentido de su existencia. De Rubens captará el encendido cromatismo de sus lienzos y la estampa japonesa le hará pintar con esa fluyente cursividad de perfiles. Su naturaleza neurótica le hace encontrarse triste en París, su llegada a Arles (Provenza) le sitúa en el buen camino. Arles es para Van Gogh como Toledo para el Greco. La luminosidad del cielo y el deslumbrante amarillear de sus trigos en la época de sazón, madurez, despiertan el genio de su creación. Luego, la tragedia, lucha contra la amenaza de su locura. Sólo la pintura logra salvar su inquietud. Trabaja febrilmente, procurando evadirse del mundo y de sí mismo. Hasta que el suicidio señala el fin de aquella terrible angustia, que en vano trató de llenar Van Gogh con su caridad primero, y sus pinturas después. Buscó siempre colores puros, y con ellos quiso expresar las pasiones humanas, los impresionistas descubrieron el encanto del color puro, sobre todo los divisionistas, sólo que él descubrió que el color posee una carga emotiva.

� Obras: Jarrón con girasoles, Los comedores de patatas, La terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles, La habitación de Van Gogh en Arles, N oche estrellada, El retrato del d octor Gachet.

LA SUPERACION DEL LENGUAJE IMPRESIONISTA.

LAS INVESTIGAC

IONES CIENTÍFICAS SOBRE EL COLOR: LOS

Tema 13. La crisis del Impresionismo: los postimpresionistas. Ampliación Pintores postimpresionistas.

LA SOLIDEZ DE LA FORMA EN PAUL CÉZANNE (1839-1906)

PAUL GAUGIN (1848-1903): EL VALOR DE LO PRIMITIVO

VINCENT VAN GOGH (1853-1890) Y LA EXPRESIVIDAD EMOCIONAL

LA OBRA DE HENRI DE TOULOUSSE-LAUTREC (1864-1901)

LA ESCUELA DE PONT-AVEN Y LA BÚSQUEDA DEL SIMBOLISMO

TEMA 14. EL MODERNISMO: A LA BÚSQUEDA DE UN ESTILO INTERNACIONAL

� El Modernismo o Art Nouveau abarca un período que va, aproximadamente, desde la década de 1880 hasta la de 1920, aunque su momento álgido fue, sin duda, la década de 1890.

� OBJETIVO PRIMORDIAL: conseguir un lenguaje innovador que rompa con la tradición historicista y académica y que pueda responder a las demandas de la triunfante sociedad industrial.

� DIFERENTE DENOMINACION PARA UN MISMO MOVIMIENTO ESTÉTICO INTERNACIONAL: Modernismo en España, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jungendstil en los países germánicos o Liberty en Italia, es decir, cada uno de estos nombres diferentes aluden a lo “moderno”, lo “nuevo”, lo “joven” o lo “libre”, en contraposición a lo viejo, a lo histórico, a lo tradicional.

1. LA RENOVACION FORMAL DEL ARTE: EL NUEVO ESTILO MODERNO.

NACIMIENTO DEL MOVIMIENTO ARTISTICO

LA NATURALEZA COMO MOTIVO.

CARACTERISTICAS

� Formas curvas, serpentinas, el coup de fouet, la línea dinámica, constituyen el SÍMBOLO ESTÉTICO de este estilo, que en su afan de renovación abandona la tradición y busca la FUENTE DE INSPIRACION en la naturaleza.

� El artista recrea la Naturaleza, no como reflejo inmediato de lo observado, sino como resultado de la reflexión y la intuición.

� Reproduce la Naturaleza desde sus sentimientos y su sensibilidad, como si se tratase de un nuevo romanticismo.

� Se toman de la Naturaleza, las formas vegetales, los temas florales, pero interesa sobre todo captar el crecimiento incesante del mundo natural, su perpétuo movimiento, siempre dentro de una concepción asimetría en la representación que rompe con los planteamientos formales del clasicismo.

� También en época tardía, como en la Sezession vienessa, se utilizó la línea recta y la estilización como notas dominantes.

� Común a todos los artistas modernistas fue el proceso personal de análisis de esas formas naturales hasta comvertirlas en símbolos –como decía Voysey- o en el proceso intelectual de convertir la naturaleza en puro ornamento

� La línea ornamental no es sino el reflejo de la energía del que la traza, la perfecta unión entre el artista y la naturaleza ( Van de Velde_1923).

� La nota más característica: deseo de hacer un arte integrado en la vida cotidiana a la que contribuye a embellecer; como son las entradas al Metro de París realizadas por Hector Guimard o las del de Viena por Otto Wagener, símbolos de una moderna sociedad urbana que desea verse reflejada en los objetos que le rodean.

� Es un arte propio de una minoría burguesa industrial culta que desprecia los gustos de las clases medias y que se siente distanciada de la aristocracia.

� Primeros antecedentes de este nuevo estilo se pueden localizar en la influencia de WILLIAM BLAKE (1757-1827) en el primer Art Nouveau inglés, y en los pintores prerrafaelistas como ROSSETTIy BURNE-JONES.

� Rossetti descubrió a Blake cuando pudo hacerse con el libro de notas que éste había llenando con poemas y diseños; sus imágenes fantásticas, las líneas ondulantes, , la figura humana tratada como puro ornamento , con antecedentes de un modernismo que recogerá sus motivos y los llevará a su obras.

� Así, Blake está ya perfectamente asimilado en los trabajos de A.R. MACKMURDO (1851-1946), que utiliza sus formas llameantes para encuadernaciones, en respaldos para sillas o en los diseños de telas.

� Casi todos los autores encuentran el origen del Art Nouveau en

Inglaterra que había desempeñado desde mediados del siglo un importante papel en el campo de las artes decorativas y en el diseño.

� Así, inglés HENRY COLE (1808-1882) puso de manifiesto la ausencia de

calidad en el diseño de los objetos de uso cotidiano que achacaba a la total separación que se había producido entre industria y arte. Esta inquietud le llevó a fundar en 1855 un museo que recopilara la historia de las artes decorativas y que permitiera, con un criterio didáctico, conocer la evolución de las artes aplicadas a través de los tiempos.

� El arquitecto OWEN JONES (1809-1876) que había intervenido en la

decoración del Crystal Palace, publica en 1856 The Gammar of Ornament, una recopilacon de motivos decorativos de diferentes épocas y procedencias, árabes, chinos, egipcios, celtas, medievales europeos, que eran el resumen de los trabajos y viajes que venia realizando desde fines de los años 30. Sus motivos, tomados de la naturaleza, como plantas y flores, ejercieron gran influencia en los diseños posteriores de telas y papeles pintados con formas claramente delineadas, planas y distribuidas con una marcada asimetría, siempre alejada de los temas procedentes del historicismo. Este repertorio constituyó un importante apoyo docente en la Escuela de Diseño que H.Cole fundó en 1857 con el objetivo de formar diseñadores de objetos de uso cotidiano.

� Jones influyó en WILLIAM MORRIS (1834-1896) que, con el arquiteto

Webb y la hermandad prerrafaelista, con Burne-Jones, Madow-Brown y D.G. Rossetti, pretendían hacer un arte para la vida cotidiana en el que todos los géneros artísticos estuviesen representados con carácter manual y artesano.

� El concepto de Morris de ARTE TOTAL, estará muy presente en los

arquitectos del Art Nouveau que, desde Horta a Van de Velde o Gaudí, asumirán la tarea arquitectónica hasta sus menores detalles en decoración y mobiliario.

� La creación por Morris de empresas dedicadas a la fabricación de todo tipo de

accesorios para la decoración, con diseño de muebles, telas, papeles pintados, vidrieras, etc., realiazdos de manera artesanal, asi como la fundación de diversas agrupaciones o asociaciones artesanales, nacidas a partir de la constituida por él en 1883, la Arts Workers Guild, confluyeron finalmente en la fundación de la Arts and Crafts Exhibition Society, que organizaba exposiciones periódicas con la producción de sus asociados.

2. FUENTES O PRECEDENTES DEL ART NOUVEAU

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3. MUEBLES DE MAJORELLE , VIDRIOS DE GALLÉ Y LAS JOYAS DE LALIQUE

MAS FUENTES_ OTRAS INFLUENCIAS EN EL ART NOUVEAU: SIMBOLISMO Y JAPONISMO

- La obra de los Prerrafaelistas y la Pintura Simbolista, como la de G.Moreau (1826-1898) llena de detalles deslumbrantes o la de Odilon Redon (1840-1916) plagada de símbolos fantásticos salidos del inconsciente y del ensueño, son una fuente de motivos para el modernismo que heredará de ellos el refinamiento por las imágenes y un mundo fabuloso y melancólico plagado de ninfas, quimeras cisnes, sirenas, de representaciones de la mujer y de flores que se cargan de sentido alegórico.

- El Japonismo, o moda por el arte del Extremo Oriente, introducido en el mundo artistico desde los años 50, suscitó mayor interés cuando Japón participó en la Exposicion Internacional de Londres en 1862, abriéndose tiendas que venden piezas japonesas y chinas.

- El alemán Salomon Bing (1838-1905) importará a París objetos orientales y su negocio, ya denominado L’Art Nouveau, asumirá la importancia del Arte Japonés en los planteamientos del lenguaje artístico nuevo.

- El norteamericano J.M. WHISTLER (1834-1903) fue un artista muy influenciado por el arte japonés, como se puede apreciar en su cuadro la sala de los pavos reales

- Su rastro será reconocido en los años 90 por pintores que, como Beardsley, tomarán el esquema simple y plano, las formas curvas y oramentales del arte japonés y las combinaran con todo un mundo alegórico heredado del simbolismo.

- La estética japonesa se extenderá con rapidez, sobre todo en el mundo del grabado, en el que serán fuente de inspiración las obras de Hokusai (1760-1849) y, especialmente, las de UTAMARO (1753-1806).

- E.W. GODWIN (1833-1886), arquitecto y artista unitario, hizo muebles con un supuesto diseño anglo-japonés, fabricando piezas de líneas puras y sencillas que reelaboraban los planteamientos formales de lo oriental y una era una imitación del estilo al modo de los historicismos.

- El sistema de Godwin influirá en el Art Nouveau tardío, sobre todo en las obras de Mackintosh y la Escuela de Glasgow.

LOUIS MAJORELLE - Su obra se caracteriza por la utilización de elementos

naturalistas en sus formas y en sus marqueterías. - Su producción de muebles comenzó en la década de los

años 90. - Son muebles embellecidos por entrelazamientos, tomando

como inspiración la naturaleza: plantas, troncos, nenúfares, cardos, libélulas, etc.

- Con el cambio de siglo, en 1900, introdujo un taller de fragua para los artesanos con el fin de producir pomos y bisagras en el espíritu de las líneas fluidas de su trabajo de carpintería.

- En su taller se realizaron balcones de hierro forjado, pasamanos de las escaleras y numerosos detalles exteriores.

- Evolucionará hacia formas más simples y más desnudadas. - En el apogeo de la Belle Epoque, las obras de Majorelle

triunfaron proporcionándole una clientela internacional. -

- La actividad profesional del padre favoreció que muy pronto realizase diseños para decoraciones de vidrio y cerámica, incluso antes de realizar sus estudios de diseño, botánica y mineralogía en Weimar (Alemania), y los de el arte del vidrio en Meisenthal (Alemania).

- En 1870 produce VIDRIOS y diseños de muebles y cerámica, en la fábrica de su propiedad en la que destaca su gran producción.

- Creó en 1901 la ALLIANCE PROVINCIALE DES ARTISTES conocida como la ÉCOLE DE NANCY.

- Está muy influido por TRABAJOS VENECIANOS EN VIDRIO y más tarde por los SIMBOLISTAS FRANCESES..

- Es un gran maestro en TODAS LAS TÉCNICAS, destacando por aprovechas LA IMPERFECCIONES, tales como LAS BURBUJAS DE AIRE, EMPAÑADOS Y GRIETAS.

- Su fama la alcanzó por LOS VIDRIOS OPACOS , en capas superpuestas de dos o más colores, con diseños inspirados por su pasión por la botánica , tallados con gran delicadeza, que hará que estos temas naturalistas de líneas sinuosas, lo conviertan en UNO DE LOS PRECURSORES DEL ART NOVEAU

EMILIO GALLÉ

RENÉ LALIQUE -Aunque en 1880 trabajaba para los fabricantes y

distribuidores de joyería parisina, hasta 1885 en el crea su propio taller no realizará sus ideas CREANDO JOYAS con temas basados en la naturaleza. -Sus temas son la naturaleza flora y la fauna de LA CAMPAGNE, y los grabados japoneses, dejando que sus creaciones siempre fuesen más allá de los límites del objeto. -En 1889 figuran sus joyas en la Exposición Universal en PARÍS aunque bajo los nombres de las firmas de joyería, como VeVer y Boucheron, para las que había trabajado. -Será en 1897 cuando expone una colección de peinetas de cuerno y marfil, tan novedosas que impresionarán al propio Emilio Gallé, que publicará un artículo en el que los destaca como EL PRECURSOR DEL NACIMIENTO LA JOYERÍA MODERNA. -Su obra es una reacción contra la joyería del imperio francés, es las joyas combina los brillantes, engastados con esmeraldas y zafiros.

4. LAS REVISTAS DE ARTE_LA ILUSTRACION_EL CARTEL

LA ILUSTRACION

: AUBREY BEARDSLEY

� Su trabajo es semejante al de Alphonse Mucha, el gran cartelista checo.

� La mayoría de su obra son CUADROS EN TINTA de diversa temática (mitología, erotismo, caricaturas.

� Contrastando amplias zonas negras con otras blancas, zonas con detalle fino y otras sin ninguno.

� Su dibujo tiene las incurvaciones propias del grabado japonés. � Está influido por el simbolismo y el esteticismo, la contrapartida

británica al decadentismo y el simbolismo. � Su estilo de gran sensibilidad imaginativa y hedonismo, con una

temática, a veces, macabra, lo sitúan dentro del movimiento artístico europeo del fin-de-siécle.

� Destaca en sus obras cierta atmósfera fatalista , siendo sus ilustraciones eróticas más famosas las que versan sobre temas de historia y mitología, como LISÍSTRATA y SALOMÉ.

� Fue también caricaturista e hizo algunas tiras cómicas políticas, reflejando el irreverente ingenio de Wilde en el arte.

� Su obra es la imagen de la DECADENCIA de su época, en la que su influencia fue enorme, claramente visible en los simbolistas franceses.

EL CARTEL: ALFONS MUCHA

- Produjo una gran cantidad de pinturas,carteles pósteres, avisos

e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras,empapelados y decorados teatrales.

- Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas.

- Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración.

- Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.

- siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación.

- Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava, una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

- Al invadir los alemanes Checoslovaquia, Mucha fue arrestado e interrogado por los ocupantes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su país invadido y vencido.

- Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.

-

LA PINTURA DECORATIVA DE

KILMT

- Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Wiener Sezession , un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la "Sagrada Primavera").

- La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud.

- Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros.

- A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas.

- Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908.

- La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 y con su primera versión de Judith, de 1901. - Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo.

- Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I y El beso.

- Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas

de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles.

- Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa.

- Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café".

- Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. - Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.

BIBLIOGRAFIA: - ARGAN, G. C. El arte moderno. Del iluminismo a los movimientos contemporáneos. Ed. Akal, Madrid, 1991.

- ANTIGÜEDAD, M.D. y AZNAR S. EL SIGLO XIX. EL CAUCE DE LA MEMORIA. Págs. 274-301. Ediciones ISTMO. Madrid, 1998. - CALVO SERRALLER, F. EL ARTE CONTEMPORÁNEO. Págs. 163-166. TAURUS-SANTILLANA Ediciones. Madrid. 2006

- FAHR-BECKER, G. EL MODERNISMO. Pásgs. 131-147. Ed. h.f.ullmann. Barcelona, 2008

ESQUEMA del TEMA 14 DE Hª DEL ARTE CONTEMPORANEO realizado por guilleRmo de la paz serra martinez

ESCULTURA:

� La escultura modernista es marcadamente sensual, mezcla curiosa de realismo y simbolismo. Dignos de mención son:

� Ricardo Bellver (1845-1924): Ángel caído, en el parque del Retiro en Madrid, Agustín Querol y Subirats (1860-1909): Sagunto, Miguel Blay (1866-1936): Eclosión, Josep Llimona: Desconsuelo y Luis Doménech y Montaner.

� El Modernismo catalán siguió el mismo criterio y llenó las casas, las calles, las plazas, los teatros, los hospitales, las iglesias con estos nuevos conceptos que se expresaron, como es lógico en escultura, en dos orientaciones diferentes:

- Por un lado como un arte decorativo formando parte de los edificios.

- Por otro lado como expresión de una personalidad independiente, libre de compromisos arquitectónicos.

� Eusebi Arnau es también un gran escultor que desarrolló su

actividad principalmente colaborando con arquitectos, en especial Domènech i Montaner, sus obras realizadas a ve-es con la ayuda de Eusebi Arnau, Pau Gargallo y Alfons Juyol, están presentes en Barcelo-na y en el resto de Cataluña.

� Merece mención Pau Gargallo nacido en Maella (Aragón), es algo diferente en la escultura modernista catalana, ya que al final de su lamentablemente corta vida, ya representaba figuras fuera de los estándares figurativos haciendo de la escultura algo distinto a una estricta copia de la realidad.

� Otros artistas como Carreres y Clarasó tuvieron también una importante participación en el desarrollo del Modernismo en Cataluña.

TEMA XV. LA ARQUITECTURA PARA EL FIN DE SIGLO

o La última década del siglo XIX conoció la eclosión y el desarrollo de la arquitectura situada entre la tradición historicista y la renovación moderna.

o Se conoce como: modernismo, art Nouveau, Mode Style. o El modernismo es un movimiento articulado en torno a las artes decorativas, con

intensas relaciones con la pintura y el diseño gráfico, cuya influencia fue transmitida a la arquitectura.

o El modernismo es la desembocadura del movimiento Arts and Crafts británico, que, ideado y desarrollado por Morris, pretendía reaccionar contra la fealdad de los productos industriales, así como contra la monotonía y alineación que suponía su elaboración para el trabajador.

o Morris, desde una perspectiva socialista, propugna el retorno a una producción artesanal para superar ambos problemas, si bien su postura no sólo resultó ser utópica, sino también elitista, ya que dicha producción manual implicaba costes elevados y los productos resultantes sólo estaban al alcance de las clases acomodadas.

o Esa independencia de su fracaso social, la propuesta y los resultados del movimiento fundado por Morris alcanzarán la última década del siglo gran potencia, y hallarán continuación con nombres como Walter Crane (1845-1915) o C. R. Sabe (1863-1942).

o No obstante, hubo autores en la propia Inglaterra que aceptaron la producción industrial de objetos.

o Uno de los más importantes fue The Grammar of Ornament (1856) de Owen Jones (1809-1874).

o También tuvieron gran protagonismo Henry Cole, creador de las Escuelas de Diseño en 1857; Christopher Dresser (1834-1904), autor de numerosas publicaciones, como El arte del diseño decorativo (1862) o Estudios sobre el diseño (1874), o Arthur Markmurdo. Todos ellos compartieron el mismo objetivo de mejorar la calidad del diseño mediante la creación de modelos renovados, lo que lograrán, aunque continúen basándose en las formas del pasado. Sus recursos serán la inspiración en la iconografía medieval y oriental; el uso de la línea como forma dinámica y la creación de estructuras como consecuencia del desarrollo de formas. Su herencia será recibida por el modernismo.

o A todo ello se añadirá la imitación de las formas de la naturaleza tanto vegetales como animales o elementos atmosféricos, sin olvidar la figura humana, en especial la femenina, de la que el cabello sirve con frecuencia para la realización de estilizadas y dinámicas composiciones. En otros casos, estos elementos se geometrizan, acercándose más a las composiciones abstractas de tradición islámica, de gran influencia en Jones.

o Todas estas peculiaridades pueden constatarse en los distintos objetos, así como en la pintura y en la ornamentación aplicada a la arquitectura. Sin embargo, es preciso preguntarse si en esta última las novedades quedan limitadas a ese cambio de ropaje o si, por el contrario, afectan también a su concepción espacial o a la integración de los nuevos materiales. La respuesta no puede ser rotunda, ya que se trata de una arquitectura de tránsito. Como tal, en ocasiones, ofrecerá productos verdaderamente renovadores, mientras que en otras permanecerá más cerca de la tradición.

1. LA ARQUITECTURA MODERNISTA

LAS TENDENCIAS DECORATIVAS:

BÉLGICA Y VÍCTOR HORTA (1861-1947)

o El nacimiento del art noveau se sitúa en Bruselas, desde donde se extenderá al resto de Europa; mientras en Estados Unidos tiene una cierta autonomía tanto por su gestación cuanto por sus formas. Bruselas, dominada por el academicismo arquitectónico y artístico, verá formarse grupos de artistas que se opondrán a ese arte oficial. En 1844 se crea el Grupo de los Veinte, en torno al cual se agrupan autores de distintos territorios creativos, artísticos y literarios, fundamentalmente. Sus actividades favorecerán la difusión de las nuevas tendencias como el postimpresionismo, interesándose también por la arquitectura y las artes decorativas.

o Sus sucesores de la Libre Estética incidirán en esa línea. La convergencia de las teorías inglesas del movimiento Arts and Crafts y los pintores postimpresionistas (Van Gogh, Seurat, Beardsley o Crane) daría lugar a la consolidación del modernismo. � Víctor Horta es el que consagra la arquitectura modernista en 1892, fecha

en la que construye la Casa Tassel en Bruselas.

.

� Destaca el vestíbulo octogonal que da paso a la caja de la escalera, presidida por una columna de hierro ampliada encima del capitel por una estructura lineal de aspecto vegetal. Los juegos florales prosiguen en la barandilla, en las paredes, en el suelo, siguiendo los modelos ingleses. Lo trascendental es que Horta ha llevado a la tridimensionalidad los elementos ornamentales bidimensionales, sometiendo al hierro a estas formas vegetales. El hierro visto vuelve a aparecer en la fachada, combinando con la piedra y el vidrio en una composición abombada. Curvatura que se repetirá

� en el Hôtel Solvay,

� mientras que en el Hotel van Edtvelde (1897) y en el Hotel Aubecq (1900), el vestíbulo y la caja de la escalera, respectivamente, se rematan con sendas cúpulas de cristal.

� Excepcional, en cierto modo, por la supresión del ornamento en su Casa del Pueblo (1896), ubicada en un solar muy irregular, donde la estructura de hierro visto alcanza su máxima expresión, sobre todo en el salón de actos. En el exterior se combina bien con el ladrillo –limitado al máximo-, creando, como se ha señalado repetidamente, un verdadero “muro-cortina”.

� En la obra de Horta el modernismo muestra su lado más avanzado, aquel que asume el hierro como material al servicio de una idea racional de la arquitectura, La ornamentación, salvo excepciones como la apuntada, seguirá siendo esencial, si bien abandonará las referencias historicistas para centrarse en las formas de la naturaleza, vegetales en su caso.

Castel Beranger

LA PROYECCIÓN DE HENRY VAN DE VELDE (1863- 1957)

FRANCIA Y LA OBRA DE HECTOR GUIMARD (1867-1942)

o Fue el principal protagonista del Modernismo. Inicialmente pintor, se interesaría por las artes decorativas, bajo la influencia inglesa, a la que une su fascinación por la línea, presente en buena parte de la pintura finisecular. En 1894 levanta su propia casa en Uccle, cerca de Bruselas, concibiéndola como una obra de arte total, es decir, la arquitectura como la suma del edificio propiamente dicho más su decoración externa e interna y su mobiliario.

o Esta idea daba continuidad a la de Morris, y tras convertirse en esencial para el modernismo, se transmitirá al design (diseño industrial), del que será precursor gracias a sus formas siempre antinaturalistas y a su apuesta por unos objetos funcionales en sus trazas universales en su alcance. En 1903 fundará en Weimar la Escuela de Artes Decorativas, predecesora de la Bauhaus, fundada en ese mismo lugar en 1919.

o Con anterioridad, Van de Velde se había convertido en un diseñador de artes decorativas muy conocido cuya incidencia no se limitó a Bruselas, sino que alcanzó París, al organizar el primer salón del art noveau el año 1895, en una sala expositiva, previamente transformada por van de Velde, a la que llamará “Casa del art noveau”

o En él tiene el modernismo parisino a su representante más característico. Iniciado bajo el goticismo racionalista, cambiará su óptica tras visitar a Horta en Bruselas en 1895. El arquitecto belga le aconsejó, observar los tallos de las plantas, más que las flores, incidiendo así en el juego de líneas. Guimard combina el racionalismo constructivo ejecutado en hierro con la experimentación organicista de la decoración.

o Con anterioridad compartía esa concepción morrisiana de la síntesis de las artes, constatable en su proyecto para el edificio de la ru La Fontaine (Castel Béranguer), en donde diseña hasta los tiradores de las puertas, como hará en el Hotel Guimard (1909). Sin embargo, sus trabajos más conocidos son las estaciones del metro de París, construidas entre 1900 y 1905 con elementos prefabricados. Desde entonces forman parte de los símbolos arquitectónicos de la ciudad.

o El Castel Béranger es un trabajo transitorio importante en la carrera de Guimard. Con 36 apartamentos, cada uno diferente del siguiente, es un compuesto del planeamiento racional y del intento y de la expresión no-racionales. Guimard debía explotar su competición como ocasión para promover su estilo. Con este fin efectuó

una exposición del edificio y su contenido en el salón du Figaro en 1899, mientras que simultáneamente publicaba un libro del trabajo.

o La construyó como un palacio cristalino permutable, prefabricó piezas del hierro fundido y del cristal, creándolo en oposición al gusto clásico francés de la cultura.

Castel Beranger Metro de Paris

EL PREDCOMINIO DE LOS VALORES VOLUMÉTRICOS EN LA ESCUELA DE GLASGOW; MACKINTOSH (1868-1928)

o Dentro de la arquitectura modernista existen dos vertientes: la denominada “dinámica” o “floral”, desarrollada en el eje Bruselas-París-Barcelona, con algunas extensiones, y otra vertiente denominada por lo geométrico, que confluirá con el prerrafaelismo, su eje, en este caso, sería Glasgow-Viena-Darmstadt, con expansión a otras ciudades alemanas.

o Es un prólogo de la arquitectura del siglo XX. No obstante, el modernismo, aun en la primera vertiente, supuso una abierta oposición al academicismo reinante, abordando las relaciones de la arquitectura con la industria y sus sistemas de producción. Puso fin, en muchas ocasiones, al historicismo en favor de una decoración inspirada en la naturaleza, se mostró contradictorio en sus citas historicistas o en su interés por la elaboración manual de muchos elementos, sobre todo decorativos.

o Una de las variantes de l'Art Nouveau se encuentra en Escocia, donde Mackintosh hereda la tradición de los Arts and Crafts y elabora una aportación original al nuevo estilo.

o Frente a la predilección por las formas curvas, vegetales y orgánicas, otros artistas de fin de siglo se decantaron por las figuras rectilíneas, abstractas y geométricas en su búsqueda de nuevos caminos para la arquitectura. Es el caso del escocés Mackintosh, que empezó decorando interiores con un estilo lineal y perpendicular cargado de símbolos celtas. En 1897 ganó el concurso para la nueva escuela de Arte de Glasgow (1898-1909), que sería su obra maestra y uno de los edificios germinales de la arquitectura moderna.

o o El edificio presenta un esquema planimétrico muy lineal: en el lado de la entrada,

dos filas de aulas disfrutan de vistas sobre la Renfrew Street; en la parte posterior está la escalera principal rodeada por una galería dedicada a museo, en los lados extremos del edificio existen dos cuerpos destinados respectivamente a la dirección y a la biblioteca. Se observa un deseo de hacer asimétricos los elementos de la fachada, siendo la falta de simetría una característica constante de casi toda la obra de Mackintosh.

o El tratamiento de la fachada expresa la función y la jerarquía espacial del interior del edificio, algo característico del movimiento moderno.

o Entre 1897 y 1912 diseñó el prototipo para la cadena de salones de té de Mrs. Cranston, en Glasgow. Aunque se le considera adscrito al movimiento Art Nouveau, su obra no guarda demasiada relación con la riqueza ornamental de sus coetáneos franceses o catalanes. Ejerció una profunda huella en los diseñadores de la secesión vienesa, en cuya exposición de 1900 obtuvo un merecido reconocimiento internacional. Su obra ejerció una gran influencia en el desarrollo del movimiento moderno, sobre todo gracias a su poética sencilla y racionalista

EL “DOMESTIC REVIVAL” Y LA ARQUITECTURA FUNCIONAL DE VOYSEY

o Otro de los factores que contribuyeron al proceso de renovación de la arquitectura fue el movimiento ingles Arts and Crafts, que durante la segunda mitad del siglo XIX había defendido la recuperación de las artes y los oficios tradicionales amenazados por la Revolución Industrial.

o Su inspirador, William Morris, proponía volver a la producción manual y a un diseño sencillo y sincero. Sus ideas arquitectónicas se plasmaron en la casa que para él construyó en 1859 el arquitecto Philip Webb, conocida como la Red House. Esta voluntad de simplificación arraigó profundamente en la arquitectura doméstica inglesa de finales de siglo.

o Charles Voysei (1857-1941) Discípulo aventajado e individualista de los

seguidores del movimiento Arts and Crafts, desarrolló en la década de 1980 un estilo muy personal, de una gran fuerza y sencillez. En torno a 1900 construyó para la alta burguesía inglesa numerosas mansiones campestres que se distinguen por una composición a base de volúmenes simples, muros blancos, hileras de ventanas, amplios miradores y voluminosas chimeneas que atraviesan cubiertas de pizarra; a esto se añaden unos espacios interiores abiertos y fluidos.

o Todos estos rasgos se aprecian en una de sus mejores obras: Broadleys (1898-

1899), junto al lago Windermere o La importancia del Garden Movement Cobra importancia este movimiento de

casas campestres a partir de Voyseis. Edwin Lutyens (1869-1944) desarrolló la primera parte de su larga carrera dentro de esta línea de recuperación de los oficios artísticos. Enriqueció los métodos constructivos vernáculos sin renunciar al espíritu de la tradición. Evolucionó posteriormente hacia actitudes más historicistas y acabó como arquitecto oficial del gobierno británico en la India, construyendo en los años veinte el Palacio del Virrey en Nueva Delhi.

En 1896, el alemán Hermann Multhesius fue enviado a Inglaterra para estudiar las últimas innovaciones en el campo de la arquitectura doméstica. De vuelta a su país, en 1903, publicó el libro Das englische Haus (“la casa inglesa”), que sería el vehículo para la propagación de los ideales Arts and Crafts en Europa Central

o Olbrich, discípulo de Otto Wagner, fundó en 1897, junto al pintor Gustav Klimt y el arquitecto Josef Hoffmann el movimiento de la Wiener Sezession, club de artistas inconformistas donde se iban a discutir las nuevas tendencias y a exponer obras de jóvenes de vanguardia. Olbrich construyó el edificio de la Sezession de Viena en el año 1898, que puede considerarse el manifiesto arquitectónico del Modernismo vienés.

o Olbrich construyó el edificio de la Sezession de Viena en el año 1898, que puede

considerarse el manifiesto arquitectónico del Modernismo vienés. Una acumulación de formas geométricas se corona por una cúpula calada, que, más que apoyada, parece sostenida por cuatro pilones truncos de tradición wagneriana. La cúpula hecha de flores de metal, parece un enjambre de avispas que tiembla en el aire.

o Este edificio contiene el germen de muchas características de las versiones del Art

Nouveau que produjeron los austríacos: la inspiración clasicista, la axialidad perspectiva, la tendencia a la reducción estereométrica y decorativa...

o En planta, lo que diferencia la forma del edificio de la cruz griega, es el reflejo de las dos zonas y funciones distintas de la construcción. Esta, realizada con una estructura de hierro, lleva en su superficie exterior un revestimiento formado por un abundante follaje dorado. Es éste, sin duda, el elemento de mayor impacto y constituye el elemento más propio del gusto pictórico de Olbrich.

LA SEZESSION VIENESA

JOSEP MARIA OLBRICH (1867-1908)

LA VERSATILIDAD DE OTTO WAGNER (1841-1918)

o Las dos primeras décadas del siglo XX fueron para la arquitectura una etapa de transición. Los últimos residuos de la estética decimonónica y el decorativismo del art noveau se abandonaron a favor de una mayor simplicidad formal y una mayor racionalidad constructiva. En Europa, la crisis de la Primera Guerra Mundial provocó, sin embargo, una explosión de fantasía creativa.

o Otto Wagner, arquitecto y diseñador austriaco, máximo exponente de la Sezession vienesa y uno de los pioneros del movimiento moderno. su influencia no comenzó hasta 1894, cuando asumió la cátedra de Arquitectura de la Academia de Bellas Artes de Viena.

o Desde su nuevo puesto reclamó una renovación estilística que cristalizaría pocos años después con la Sezession, fundada en 1897, El propio Wagner ingresó dos años después en este movimiento contrario a la Academia, cuya influencia ya era explícita en su casa de apartamentos Majolikahaus (1898, Viena), repleta de elementos decorativos Art Nouveau, como las rejas de hierro forjado de los balcones y la fachada de cerámica vidriada. La nueva arquitectura tomó forma gracias a las obras para el ferrocarril metropolitano de Viena (Stadbahn), concluidas en 1901. Uno de sus hitos más destacados es la estación de Karlsplatz, donde ya se aprecia una intensa depuración formal y decorativa, vinculada a los elementos industrializados

o Wagner confirmó esta evolución en sus dos obras posteriores, el edificio del periódico Die Zeit (1902, Viena) y, en especial, la Caja Postal de Ahorros de Viena (Postparkassenamt, 1904).

o Wagner ejerció una importante influencia en la arquitectura del siglo XX, tanto para las corrientes más vanguardistas como para las menos arriesgadas. De hecho, sus propuestas se consolidaron como modelos del nuevo clasicismo académico, el Art Déco le debe gran parte de su repertorio formal y, al mismo tiempo, fue uno de los principales pioneros en la transición hacia el movimiento moderno, tanto por sus experiencias constructivas como por sus aportaciones espaciales y conceptuales.

o Tras su apoyo explícito a los jóvenes de la Secesión, Otto Wagner siguió evolucionando en su estilo, y durante la primera década del siglo construyó, ya con más de setenta años, sus obras más maduras. Combinando las ideas de simplificación compositiva, adecuación funcional y honestidad constructiva –expuestas en su libro- con los principios esenciales del clasicismo de su primera etapa, Wagner logró una síntesis que se revelaría fundamental para el futuro desarrollo de la arquitectura.

o El mejor ejemplo construido de dicha síntesis es la Postsparkasse, la sede central de la Caja de Ahorros, construida en Viena entre 1904 y 1906. Además de construir numerosos edificios singulares, Wagner continuó sus investigaciones urbanas, que se plasmaron en su libro Die Grosstadt (“La gran ciudad”), publicado en 1911, que incluía un plan de escapa metropolitana para la ampliación de Viena y un proyecto detallado para el nuevo distrito 22.

LA VANGUARDIA HOLANDESA

HENDRIK PETRUS BERLAGE Y EL PLAN DE AMSTERDAM

o Los Países Bajos se mantuvieron neutrales durante la Primera Guerra Mundial, por lo que el sector de la edificación no sufrió un parón tan drástico como el resto de Europa. A un ritmo más lento, en Ámsterdam se continuó con la construcción de grandes barrios de vivienda social, fundamentalmente en el ensanche proyectado por Berlage a principios de siglo. Revisado completamente en 1915, el plano definitivo de Ámsterdam sur muestra un trazado viario a base de ejes monumentales, amplias avenidas arboladas y calles secundarias que, conjuntamente, definen grandes manzanas cerradas con patios ajardinados. El plan de Berlage marca la transición entre el urbanismo decimonónico y las nuevas ideas de ciudad que se iban a consolidar tras la guerra.

o HENDRIK PETRUS BERLAGE (1856-1934) Arquitecto y urbanista neerlandés. Se

formó en la escuela politécnica de Zúrich, a finales de los 70. Tras su regreso a Ámsterdam en 1881, empezó su carrera asociándose con Cuijpers. Siguiendo los principios del racionalismo estructural, trataban de racionalizar su propio eclecticismo en un esfuerzo por desarrollar un nuevo estilo nacional, intento que culminó en el Rijksmuseum de Ámsterdam, en 1885, obra que tuvo gran influencia en la propuesta que Berlage presentó al concurso de la Bolsa de Ámsterdam en 1883, diseñada en colaboración con T. Sanders. Recibió el encargo de construir la bolsa. Rehizo el diseño siguiendo una sintaxis de arcos de ladrillo que había estado desarrollando, primero en una villa en Groningen y luego en un inmueble de oficinas en La Haya.

EL MODERNISMO EN CATALUÑA: LA RENAIXENÇA

o Estos edificios servían de vehículo a una construcción explícita, sin embargo, la formulación final del estilo de Berlage dependería del estilo de la Bolsa, su proyecto más importante, fruto de un arduo proceso de simplificación, manteniendo la imagen inicial de tres volúmenes rectangulares iluminados cenitalmente.

o Plan Zuid – Südliche Stadterweiterun von Ansterdam. La experiencia de Berlage se basa en la aplicación de una ley general, la holandesa de 1901 que distingue claramente las diversas escalas del proyecto: plan general, plan parcial, proyecto arquitectónico.

o En este siglo XIX se opera en Cataluña un movimiento socio-político cultural. Se habla de una Reinaxença catalana, en el sentido de un resurgir en el marco de una personalidad propia. El proceso de industrialización estimula la riqueza y crea, al mismo tiempo, la palanca que hará posible una gran arquitectura. Existe, por otro lado, una opulenta burguesía, que busca en la obra de arte el símbolo parlante de su hegemonía. Arte e industria se confabulan, ofreciendo un producto práctico y armonioso a la vez. Es el objetivo europeo de las Arts and Crafts. Barcelona entra con decisión en la era de las exposiciones antes que Madrid. Por esta vía penetra una corriente europea muy saludable. La más famosa fue la 1888.

o En el modernismo bruselense existe una reivindicación de la Edad Media. En Cataluña, este proceso se acentúa, ya que la Renaixença procura hallar un costado tradicional a todo el movimiento, y, en balde, el gótico fue la gran aportación catalana al arte peninsular. La afición a la cerámica, al mosaico y la azulejería se propaga desde Madrid, dentro de una corriente neomudéjar.

o LLUIS DOMENECH I MONTANER (1849-1923) Y LA HERENCIA MEDIEVAL o Se ocupó de la construcción de varios edificios de estilo ecléctico en el Ensanche

barcelonés (edificio de la editorial Montaner y Simón, hoy fundación Tàpies), antes de convertirse, a partir de 1900, en uno de los grandes representantes del Modernismo en Cataluña, ejerciendo una gran influencia en la difusión del Modernismo desde su cátedra de la Escuela de Arquitectura de Barcelona.

o Sus obras se caracterizan por una mezcla de racionalismo constructivo y de ornamentación fabulosa, inspirada en la arquitectura hispano-árabe y por el gusto por el dibujo curvilíneo tan característico del Modernismo. En el Restaurant del Parc de la Ciutadella de Barcelona (actualmente Museo Zoológico), construido en 1888 en el recinto de la futura Exposición Universal de Barcelona, inspirado en las formas del goticismo nórdico, ofrece soluciones que se adelantan a su tiempo (estructura de hierro y mosaicos) y que desarrolló después en el Palau de la Música Catalana (1908) que está ricamente recubierto de mosaicos, cerámica y vidrieras policromadas. Las características citadas están también presentes en sus principales conjuntos arquitectónicos: el Hospital de Sant Pau y el Institut Pere Mata de Reus.

Editorial Montaner y Simon. Palau de la Música Catalana JOSEP PUIG I CADAFALCH (1867-1957)

o Arquitecto español, destacada figura de una de las tendencias del modernismo catalán de finales del siglo XIX y principios del XX, que se caracterizaba por la pasión por lo medieval y el empleo de elementos de tipo historicista para buscar la novedad y originalidad de una nueva época.

o En su primer edificio, el café Els Quatre Gats (Barcelona, 1897), muestra ya elementos que serán característicos de su obra, como la policromía estructural, el uso expresivo de técnicas artesanales y las citas ornamentales. Son también interesantes la fábrica textil Casarramona o las salas de las bodegas Codorníu.

o Una de sus obras más representativas es la casa Amatller en el paseo de Gracia (1900), rompedora, con su silueta y policromía, de la monumental monotonía del Plan Cerdà (al que se oponía apasionadamente). En ésta y en otros ejemplos, como la casa Macaya (1900) o la casa Quadres (1904), articula un esquema de tipología de palacio medieval en torno a un patio del que parte la escalera a la planta principal.

o Además de otras construcciones interesantes, como la casa de Pich i Pou (1920) y la casa Casarramona (1923), son reconocidas sus intervenciones en edificios históricos como el palau de la Generalitat (1914), el monasterio de Sant Joan de las Abadesses (1915), las iglesias visigóticas de Tarrasa (1920) y su proyecto de ordenación de la plaza de Catalunya (1923).

Casa Amatller, 1898-1900. Torre Codorníu, 1904.

ANTONIO GAUDÍ (1852-1926) Y LAS ESTRUCTURAS ORGÁNICAS o Su figura representa la versión más singular de todo el modernismo europeo. Su

producción, deudora en sus inicios del historicismo –que, nunca es literal: casa Vicens (1883), en Barcelona, Colegio Teresiano (1888), en la misma ciudad, o Palacio Episcopal de Astorga-, deriva de inmediato hacia una arquitectura dominada por las formas geológicas y orgánicas, extremadamente expresionistas. La obra gaudiniana presenta un alto grado de experimentalismo, compatibilizando para ello los elementos más evolucionados, como la estructura metálica –por ejemplo, en la Casa Milá de Barcelona- con la recuperación de fórmulas de construcción tradicionales –la bóveda de ladrillo catalana en el Palacio Güell (1885)- o la investigación de estructuras basadas en la observación de la naturaleza –el arco catenárico en especial, inspirado en la construcción de los panales: Cooperativa obrera tarraconense (1873-1885), Colegio Teresiano, etc

o El arco catenárico lo utilizaba profusamente y, basicamente, se logra suspendiendo

una cadena por sus dos extremos, para después invertir la forma resultante. o Esa trasposición de las formas y estructuras naturales a la arquitectura le permiten

configurar espacios de enorme complejidad y organicidad, como los “celulares” de la Casa Milá o la gran cúpula de apariencia casi inmaterial que cierra el espacio central del Palacio Güell.

o En la Casa Batlló, con una planta semejante a la Tassel de Horta, la distribución

interior se hace más esponjosa, al utilizar líneas sinuosas como límites de las habitaciones. Tanto en ésta como en las demás obras, Gaudí diseñará todos y cada

uno de los componentes interiores, buscando la unidad total de toda la obra; unidad que se completa en el exterior, al convertir las fachadas y la cubierta en auténticas piezas plásticas: las escultóricas chimeneas (Vicens, Güell, Milá);

o Los tejados de formas orgánicas (el caparazón de un dragón en la Batlló); las

formas óseas que sustituyen a las columnas en los balcones (Batlló, Milá); el muro exterior convertido en un espacio multicolor (Batlló), etc.

Casa Milá o la Pedrera Casa Batlló Fachada Paseo de Gracia o Casa Milá, 1906 – 1910. La Casa Milá, conocida como “la Pedrera” se encuentra

entre las más singulares, en ella concurren un sistema constructivo muy renovador, una composición dinámica y una fachada expresionista, más que moderna.

o En relación a lo primero, la eliminación de los muros de carga, sustituidos por

estructuras de hierro, le permite establecer una distribución en planta a base de formas geométricas irregulares, muy organicistas, entre los dos patios: uno central tras la fachada en chaflán (paseo de Gracia), otro ovalado tras la lateral (calle de Provenza). En el primer proyecto, Gaudí contempló una rampa de acceso a los sótanos, que acogerían las cuadras y los garajes. Esta rampa ascendería hasta las azoteas.

o Finalmente fue desechado porque absorbía demasiado espacio. La fachada constituye

el elemento más singular de esta edificación. Se trata de una enorme masa de piedra ondulante apoyada en un armazón de vigas y tirantes de hierro, horadada por huecos y salpicada de manojos de hierros enrevesados que hacen de antepechos. Retranqueado en la parte superior, surge un segundo cuerpo (la terraza) en forma de quilla invertida en cuyo interior se distribuyen las chimeneas, las cajas de las escaleras y los depósitos de agua. Son verdaderas esculturas exentas que desde abajo parecen centinelas amenazantes.

o La potencia expresiva de este edificio ha llevado a algunos autores, como Oriol

Bohigas, a situarlo como antecedente del expresionismo arquitectónico alemán. La paciente labor artesanal de cada bloque pétreo o del trencadís lo insertan, sin embargo, en la tradición moderna, como el resto de la obra gaudiniana.

o Su trabajo culmina con el Templo de la Sagrada Familia, que había sido iniciado en

1882 por Francisco de Paula del Villar, bajo un proyecto neogótico convencional. Gaudí se hizo cargo del mismo en 1883, tras la muerte del primero. Su dedicación a partir de 1910 y hasta su muerte fue prácticamente exclusiva. A partir de una base goticista avanza hacia un organicismo extremo que convierte el edificio en un objeto casi visionario, lo que explica que fascinase tanto a los surrealistas.

BIBLIOGRAFÍA: El Siglo XIX. El Cauce de la Memória. Victoria Antigüedad y Sagrario

Aznar Arte Moderno. Carlo Argan ESQUEMA REALIZADO POR: Ana María Tolivia Huerta. Centro Asociado Gregorio Marañón Madrid FOTOS: http://www. Wikipedia.org

LA CIUDAD LINEAL DE ARTURO SORIA.

o La Revolución Industrial jugó un papel decisivo en las transformaciones urbanas. En los países más desarrollados será la causante de una degradación ambiental y urbana que obligará a imponer soluciones. Los motivos esenciales de tal degradación fueron dos: el crecimiento demográfico y la ubicación de las industrias en el interior de los cascos urbanos. La creciente industria atrae a las ciudades a un ingente número de personas que aquéllas que no estarán en condiciones de absorber, produciéndose un hacinamiento cada vez más intenso con las consecuencias sanitarias que pueden suponerse. Ante estos hechos, los arquitectos de los diversos países optaron por sus soluciones particulares.

o Arturo Soria (1844-1920), arquitecto español nacido en Madrid, uno de los más destacados representantes del urbanismo contemporáneo en España.

o Tras una primera parte de su vida entregado a la política, se dedicó a elaborar estudios técnicos e iniciativas industriales. Entre sus propuestas teóricas destaca la ciudad lineal. Impresionado por la congestión de la ciudad tradicional, organizada en torno a un núcleo central, propone una alternativa radical: una banda continua ilimitada de anchura controlada recorrida a lo largo de su eje por una o más líneas férreas. La calle central, densamente arbolada, tendría una anchura mínima de 40 metros.

o Las calles transversales serían de 20 metros de ancho y 200 metros de longitud. Las zonas verdes serían dominantes frente a la superficie construida. Se concibe una ciudad extensiva, formada por pequeñas villas aisladas. Soria intentó llevar a la práctica su modelo con una ciudad lineal extendida en forma de herradura, en torno a Madrid, de 58 kilómetros de longitud, apoyándose en la línea férrea empezada en 1890.

o Diversos factores como el precio de parcela o el control de usos, desvirtuaron su solución original. No obstante, queda la conclusión de la anticipada visión que Arturo Soria tuvo de los medios de transporte cara al desarrollo de la ciudad futura.

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Settings\RMT\Escritorio\HACU\LAMINAS\temas_esq Plantilla: C:\Documents and Settings\RMT\Datos de

programa\Microsoft\Plantillas\Normal.dot Título: Egipto d-origenes al 1 periodo intermedio Asunto: HAU Autor: Rosa M. de la Torre Palabras clave: Comentarios: Fecha de creación: 10/01/2010 13:54:00 Cambio número: 3 Guardado el: 10/01/2010 14:06:00 Guardado por: Rosa M de la Torre Tiempo de edición: 15 minutos Impreso el: 12/01/2010 11:08:00 Última impresión completa Número de páginas: 131 Número de palabras: 5.051 (aprox.) Número de caracteres: 27.784 (aprox.)