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Abstracionismo no Mundo e no Brasil

Após o desenvolvimento das pesquisas e experiências que

culminaram com a invenção da fotografia no século XIX, o uso de

imagens nos meios de comunicação ampliou-se na primeira metade do

século XX com surgimento de novas mídias. O desenvolvimento do

cinema, que graças à velocidade das inovações tecnológicas rapidamente

atingiu o seu auge, com a aplicação do som e das cores, após alguns anos

de experimentações em preto e branco e sem falas, impulsionou a indústria

fonográfica e o surgimento da televisão. Nesse contexto imagético, alguns

artistas passaram a considerar que a arte figurativa, mesmo a mais

expressionista, não teria mais função, seja qual fosse a intenção do artista.

A Arte deveria ir além de competir com as mídias que representavam a

realidade tão próxima do expectador.

Na segunda metade do século XX, após a Segunda Guerra

Mundial, o núcleo vital era capturar o gestual do artista e representar o ato

de abstrair as cores e as formas do mundo em pinturas, colagens,

esculturas, gravuras, instalações.

Mulher ll, 1952, Willem De Kooning.

Como surgiu

Composição 8, 1923, Wassaly Kandinsky.

Desde o início do século XX, surgiram inícios

que delinearam os caminhos dos abstratos. Os pioneiros

Wassay Kandinsky e Paul Klee associavam ao uso das

manchas à representação de sons e músicas. Mas foi com

os conceitos pláticos e a estética do Expressionismo, do

Cubismo e do Surrealismo que o Abstracionismo,

informal e lírico, surgiu e se instalou definitivamente no

cenário artístico mundial. Esses movimentos traziam

subjacentes o individualismo, o uso de experiencias, o não

naturalismo, o distanciamento do figurativo e a

valorização das cores, das linhas e das formas puras. Das

figuras psíquicas expressionistas e surrealistas ao ato de

abstrair, a essência figurativa transformada em imagem foi

um passo quase natural, porém uma ruptura essencial na

arte independente.

Quanto ao abstracionismo geométrico, suas

raízes podem ser dectatadas no Construtivismo russo,

na Escola Bauhaus e no Neoplasticismo de Piet

Modrian.

Composição com Vermelho, Amarelo e Azul, 1921, Piet

Mondrian.

COLÉGIO ESTADUAL DA POLÍCIA MILITAR DE GOIÁS – HUGO DE CARVALHO RAMOS

ANO LETIVO 2018 3º BIMESTRE ATIVIDADE COMPLEMENTAR

Série Turma (s) Turno

3º Ano do Ensino Médio A B C D E F G H I J K L M N MATUTINO/ NOTURNO

Professor: Icleia Morbeck/ Guilherme Siqueira Disciplina: ARTE

Aluno (a): Nº da chamada:

Data: / / 2018

Visto do Professor Nota da Atividade

XXXXXXXX

Escola de Civismo e Cidadania

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A arte contemporânea se refere aso movimentos, estilos e tendencias artísticas que ocorreram a partir de

meados do século XX até os dias atuais. O expressionismo abstrato e, consequentemente, a arte abstrata fizeram parte

da arte contemporânea, assim como outras tendências figurativas.

O expressionismo abrstrato foi um movimento artístico norte-americano surgido após a Segunda Guerra

Mundial, marcado pela heterogeneidade de estilos e amadurecido pela presença de artistas europeus vanguardistas em

Nova York (...).

Convergência, 1947, Jackon Pollock.

A diversidade expressiva dos artistas plásticos

norte-americanos se caracterizou por métodos radicais não

ortodoxos, técnicas inovadoras, pelo uso de

instrumentação inédita e pela quebra de conceitos

plásticos.

Entre outros, destacou Jackson Pollock, da Escola

de Nova York, que, em 1947, desevolveu uma técnica

denominada action painting pelo crítico Harold

Rosenberg. A criação da composição passou a ter uma

intensa relação com o artista, que não se preocupava mais

com uma estrutura convencional, em que houve pontos

focais, perspectiva ou relações espaciais entre elementos.

O núcleo vital era a espontaneidade, que atingiu o auge

expressivo. Neste contexto, a Arte não tinha função e a

intenção do artista era a catarse do momento.

Os estilos

Na arte abstrata, não existem temas no conceito clássico da palavra. Os estilos abstratos estão relacionados à

forma da composição definida pelo artista. No decorrer do movimento abstracionista surgiram duas vertentes: a

abstração lírica, a chamada arte informal, e o abstracionismo geométrico.

Na abstração lírica, a expressão do artista era representada por manchas uniformes e cores aleátorias, como

fizeram Wassaly Kandinsky, Paul Klee e Joan Miró.

Na abstração geométrica, a representação é feita por formas geométricas combinadas de maneira aleatória no

espaço, à semelhança de Pablo Picasso, Georges Braque e Piet Mondrian.

A abstração lírica

Em 1947, o artista francês Georges Mathieu

ouganizou uma exposião em Paris sobre a abstração

lírica. Inspirado na caligrafia oriental, Mathieu

utilizava as linhas e as cores em composições

serenas, não agressivas. Fizeram parte dessa vertente

vários artistas, como Nicolas de Stael, Wols, Jean

Fautrier, Hans Hartung e Antoni Tapies, cujos estilos

variaram entre linhas espessas, cores frias e formas

disformes, numa ampla diversidade pictórica.

A tinta acrílica srugiu em torno do fianal da

década de 1940 com o nome de magna, sendo

inicialmente à base de tinta a óleo e, mais tarde, à

base de água. Na década de 1950, os artistas

abstratos passaram a utilizá-la em razão da textura

fina, usando-a como carimbos para formar manchas

sobre telas ou como sprays.

T 1989 E 12, 1989, Hans Hartung.

No Brasil, a pintora inglesa Sheila Brannigan, o pintor cearence Antônio Bandeira e o modernista

pernambucano Cícero Dias implnataram a bstração lírica na década de 1960, em oposião ao abstracionismo

geométrico, que já estava presente entre os artistas brasileiros desde meados da década anterior.

Tal como nos primordios, o lirismo abstrato no Brasil também foi orientado pelas raízes orientais, expressas

na beleza do traço, no tratamento das cores e na estilização do tema representado pelos artistas nipo-brasileros

Manabu Mabe e Tomie Ohtake.

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A fome, 1961, Manabu Mabe.

Cinza e vermelho, 1977, Tomie Ohtake.

O abstracionismo geométrico

A gênese do abstracionismo geométrico está no início do século XX com o construtivsimo russo que

explorava a forma geométrica em duas e três dimensões, técnica que recebeu o nome de suprematismo.

O artista russo El Lisstzky levou o suprematismo à Alemanha,

onde doi incorporado pela Escola Bauhaus, frequentada por Klee e

Kandinsky, entre outros artistas, mas foi na década de 1930, em Paris, por

meio do cubismo sintético de Picasso, que a abstração geométrica passou a

se expandir. Nessa época, surgiu o termo arte concreta, usado por Theo

van Doesburg em uma revista homônima, que fazia forte oposição ao

abstracionismo lírico.

Branco sobre o branco, 1918, Kazimir Malevich.

Após a Segunda Guerra Mundial, com a mudança de Piet Mondrian para Nova York, o estlo se estabilizou e

influenciou novas gerações de artistas em vários países, entre eles o Brasil.

Muitas vezes, as composições abstratas e geométricas, tanto pinturas como esculturas, apresentam influencia

da Auquitetuta, observada no jogo de cores e nas sobreposições das formas. As referências urbanas estão presentes em

obras de vários artistas, como Milton Dacosta e Afredo Volpi. (...)

Composição, 1942, Milton Dacosta.

Sem título, década de 1970, Alfredo Volpi.

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A partir da segunda metade do século XX, as

artes no Brasil receberam um importante impulso

com a abertura dos museus de arte moderna, em São

Paulo e no Rio de Janeiro (...). Nesse contexto, a arte

noderna foi renovada com o abstracionismo

geométrico aqui denominado arte concreta. No ano

de 1951, o pintor russo Samsor Flexor, incentivado

pelo então diretor do Museu de Arte Moderna de São

Paulo, o frnacês Leon Dégand, abriu o Altlier-

abstração na cidade, divulgando o estilo e foamando

novos artistas.

Vaivém diagonal, 1954, Samsor Flexor.

Ideia visível, 1957, Waldemar Cordeiro.

Em 1952 durgiu o Grupo Ruptura, lidrado

por Waldemar Cordeiro, que realizou a primeira

exposição de arte concreta no Museu de Arte

Moderna de São Paulo, implementando a arte

abstrata definitivamente no cenário artístico

brasileiro. Surgiram nomes que marcaram toda a

geração do final do século XX, tanto na pintura como

na escultura: Algredo Volpi, em sua fase concreta e

abstrata geométrica, e também Amilcar de Castro,

Hélio Oiticica, Ivan Serpa, Lygia Clark Franz

Weissmann, entre outros.

As esculturas abstratas

O conceito abrstracionista nos objetos

tridimensionais adquiriu uma aplitude expressiva

decorrente dos experimentos com materiais e da

ousadia de conteúdo. Nas últimas décadas do século

XX, destacam-se estilos tridimensionais como o

minimalimo, a arte cinética e as instalações. No

Brasil, surgem as manifestações ambientais, os

Penetráveis e os Parangolés do brasileiro Hélio

Oiticica, os bixos de Lyigia Clark e as árvores

calcinadas de Franz Krajcberg, entre outros.

Sem título, Donald Judd, 1980, aço e alumínio.

Bicho em si, 1962, Lygia Clark.

No Brasil, o concretismo escultórico foi representado por artistas pláticos que marcaram toda uma geração. A

obra de Amilcar de Castro, em grandes chapas de ferrro, é caracterizada por dobras e cortes secos que surpreendem o

espectador pela estética marcada entre o equilíbrio e a simplicidade da forma.

Franz Weismann representa o titmo, o dinamismo, criando módulos que dialogam com linhas e volumes, o

interior e o exterior, a profundidade e a reentrância.

Já Lygia Clark usou o alumínio pra criar a série “Bichos”, cuja plasticidade surpreende pelo movimento das

superfícies que se articulam, alterando a composição.

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A arte cinética e a Op Art

Pavão, 1941, Alexander Calder.

Na arte cinética, o efeito visual é

fundamenteal para o artista. As esculturas são

construções cujos elementos sse relacionam e

provocam movimentos, algumas vezes, por meio de

pequenos motores ou mesmo pelo vento. O artista

utiliza objetos diversos, geralmente em grande escal,

linhas, luzes e espaços para provocar um efeito

visual que surpreenda o espectador.

O interesse pelo efeito vidual da composição

bidimensional fez surgir a op art (optical art), que

empregava combinações de formas geométricas e de

cores, estruturadas de maneira a provocar efeitos de

movimento e profundidade na percepção visual da

composição. A inglesa Bridget Riley, o húngaro

Victor Vasarely e o boliviano Jesus Rafael Soto são

alguns de seus representantes.

Movement in squares – Bridget Riley 1961.

As intalações do brasileiro Helio Oiticica podem ser encontradas em vários países. Ao assumir o

tridimensional, Oiticica construiu uma obra que denominou arte ambiental, representada por um conjunto sensorial

fundamentalmente relacionado com o espaço por meio de um conjunto de materiais diversos. Sua pesquisa

experimental foi, na maioria das vezes, fundamentada no cotidiano, e as instalações mantinha interação cosntante com

o espectador, tandoto pelo conteúdo como pela forma. Assim como os trabalhos da artista Lygia Clark, sua

contemporânea, as obras de Oiticica traziam estranhamento, curiosidade e a constatação de reunirem a essência da arte

contemporânea brasileira do final do século XX.

Glossário

Instalação: arte espacial com construções e montagem de materiais, permanentes ou temporárias, que permitem a interatividade com o

espectador.

Op Art: expressão inglesa que significa “arte óptica”, arte abstrata com efeitos ópticos.

Arte cinética: instalações e obras de arte que contém movimento.

Minimalismo: tendência da escultura norte-americana, na década de 1970, caracterizada pelo mínimo de recursos, adquirindo

aparência homogênea e plana.

Arte concreta: arte abstrata não figurativa.

Suprematismo: movimento abstrato pioneiro fundado em Moscou, em 1913, que pregava o uso de cores puras sobre o fundo branco e

das formas básicas geométricas.

Action painting: pintura de ação causada pelos movimentos corporais do pintor e pelo ato de borrifar, gotejar, chapiscar e atirar a tinta

sobre o suporte utilizando materiais diversos, como colhers de pedreiro e bastões.

Magna: pintura com pigmentos moídos misturados em resina acrílica e diluentes.

Arte figurativa: aquela que tenta representar figuras e/ou objetos, ou até mesmo lugares, da nossa realidade objetiva.

Arte abstrata: utiliza-se somente das formas cores e texturas, sem retratar nenhuma figura. A significação da obra depende,

essencialmente, da cor e da forma, quando o artista rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser

abstrata.