EL SIGLO XVII. EL BARROCO. 1 · 2019-02-21 · Se han dado diversas interpretaciones sobre el...

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1 EL SIGLO XVII. EL BARROCO.

José Jerónimo Rodríguez Carrasco. Profesor de Geografía e Historia. I.E.S. Maestro Domingo Cáceres (Badajoz)

El SIGLO XVII: EL BARROCO.- a) Concepto de Barroco. b) Contexto histórico. c) Arquitectura.

-Características generales. -Italia: G.L. Bernini, F. Borromini.

d) Escultura. -Características generales. -Italia: G.L. Bernini.

e) Pintura. -Características generales. -Italia: M. Caravaggio. -Flandes: P.P. Rubens. -Holanda : Rembrandt. -España D. Velázquez.

k k k k k k k k k k k a) Concepto de Barroco.

a.1) Término. Se han dado diversas interpretaciones sobre el origen de la

palabra “barroco”, que puede derivar de la palabra “barrueco” (perla irregular) o “baroco” (figura de un silogismo lógico de gran complejidad).

Así pues lo irregular y lo complejo surge en las primeras acepciones del término barroco.

a.2) Interpretaciones. Desde los primeros momentos a la palabra barroco se le dio un sentido

negativo y así aparece en el “diccionario de la Academia Francesa” (1740), que decía: “Dícese de barroco (baroque), en sentido figurado, con referencia a lo irregular, extravagante, desigual,”

Los tratadistas neoclásicos en los siglos XVIII y XIX acentuaron su carácter peyorativo:

-Francesco Milizia comenta en su “Diccionario de las Bellas Artes” (1797) exponía: “Barroco es el superlativo de lo extravagante, el exceso de lo ridículo”.

A mediados del s. XIX superada la fiebre antibarroca del Neoclasicismo se dio un intento de conceptuar el barroco como estilo diferenciado.

-Con H. Wölfflin se inició una corriente de pensamiento afín a una valoración positiva de lo barroco. En su obra: “Renacimiento y Barroco”

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(1888) este autor lo definía como un estilo con un lenguaje propio diferente y en oposición al Renacimiento.

-Según Martín González, el Barroco expresa el estado de la sociedad de su tiempo. Es un arte brillante y ostentoso, con el que se expresaba el poder de los grandes monarcas, la riqueza de los Estados y la próspera situación de la Iglesia Católica.

Otra línea interpretativa define al barroco como el punto final de un ciclo vital (de un estilo artístico):

-H. Focillón, observa en la formas artísticas el mismo proceso biológico que se da en un ser vivo: infancia, madurez, senectud, A su parecer definía el Barroco como la tercera fase de todo estilo. Cada estilo se desenvolvería sucesivamente en tres momentos: Preclásico, Clásico y Barroco. Aplicó esta teoría al Románico, al Gótico y al Barroco.

-Para Eugenio D´Ors, en el mismo sentido que el anterior, el Barroco forma parte del espíritu que se dio periódicamente en muy diversas épocas. Se trataría de una constante histórica que se repetiría a lo largo del tiempo -encontró 22 momentos a lo largo de la Historia susceptible de ser considerados barrocos- y de esta forma “barrocos” serían el último periodo del Arte Romano, el Gótico Flamígero, Barroco propiamente dicho (ss. XVI y XVIII) y el Romanticismo.

-Para algunos teóricos el Barroco fue fruto de la evolución natural de las formas artísticas manieristas a fines de s. XVI.

-Otras teorías insisten en vincular el Barroco con la Contrarreforma, sería una especie de Arte en consonancia con las nuevas ideas emanadas del Concilio de Trento y difundido por la Compañía de Jesús, orden religiosa divulgadora de los preceptos contrarreformistas.

a.3) Definición: El Barroco se entiende actualmente como un estilo que, a

lo largo del s. XVII y parte del s. XVIII (hasta mediados aproximadamente) se muestra definido en sí mismo -no es contrario, ni derivado del Renacimiento-, con un lenguaje propio y complejo que ofrece diversas soluciones estéticas y formales, en el cual se aprecia en general una predilección por lo sensible frente a lo racional y con una visión contradictoria y unitaria a la vez, propia de la época.

a.4) Ámbito. En Italia apareció un barroco exuberante (la corte papal

fue uno de los centros más influyentes) y desde ahí se difundió hacia otros lugares en especial a Centroeuropa (Alemania y Austria), así como en la Corte española de los Austria con centros como Valencia, Sevilla, Toledo, Madrid, en la Península, y Nápoles, Lombardía y Flandes, en el exterior. Otros núcleos fueron: Francia -corte de Luis XIV-, caracterizado por la

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actuación de la Academia y cierto eclecticismo; Holanda -separada de hecho de España desde 1600- constituyó un foco burgués y protestante de gran riqueza artística, pictórica esencialmente. b) Contexto histórico.

Durante el periodo de tiempo en el que se desenvolvió el arte barroco, el

continente europeo estuvo marcado por: 1- Un afianzamiento del poder de los monarcas, en el plano político, dando

lugar a la aparición de las monarquías absolutas (Ej: Luis XIV en Francia), que se justificaban en base a las teorías que defendían el origen divino del poder real. Los monarcas absolutos, se van servir del arte para expresar su poderío y grandeza, a través del levantamiento de espléndidos palacios (Ej. en Francia, el Palacio de Versalles mandado a construir por Luis XIV) o de la propaganda política a favor de la propia monarquía, a través de la pintura (retratos reales y temas históricos de Velázquez, pintor de Felipe IV).

Por otro lado, cabe resaltar el desarrollo de conflictos como la denominada “Guerra de los Treinta Años” (1618-1648), en el que se enfrentaron las dinastías de los Habsburgo austriacos y españoles por un lado y Dinamarca, Suecia y Francia, por otro. Tuvo como principal escenario Alemania. Fue un doble conflicto: religioso -entre católicos y protestantes -y por la hegemonía de Europa.

2- En lo religioso, la división entre protestantes y católicos. La Iglesia

Católica después del Concilio de Trento trata de reforzar su presencia espiritual y poder en los territorios que no habían caído en manos de los reformadores protestantes y se hallaban, por tanto, bajo su influencia y control (Italia, España...). La Iglesia Católica va a consolidar su doctrina y moral religiosa y se sirve del arte como un instrumento para conseguir sus fines, a través del levantamiento de templos suntuosos o de la realización de imágenes (esculturas y pinturas), que muevan al fiel a sentirse conmovido por medio de los sentidos –no por el raciocinio-. Por todo esto las autoridades eclesiásticas se convierten en uno de los principales patrocinadoras de la realización de otras de arte. Mención especial requieren los papas, que desde Roma impulsaron el Arte Barroco, como un símbolo del poder de la Iglesia de la Contrarreforma, frente al protestantismo, y por su afán coleccionista de objetos artísticos, en especial de las grandes familias papales (Borghese, Pamphili...).

Por otra parte, en Holanda el arte va a ser reflejo de los gustos de la rica burguesía mercantil, muy distintos a los de los países católicos.

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3-En el campo de la demografía, el estancamiento y descenso de la población provocado por el ascenso de la mortalidad catastrófica a causa de factores como las sucesivas epidemias de peste que asolaron Europa durante el s. XVII.

4-A nivel económico, la aparición de la teoría mercantilista (la riqueza de una nación reside en la acumulación de metales preciosos, para ello hay que fomentar la exportación y evitar la importación de productos extranjeros) y de la expansión del capitalismo comercial basado en la formación de compañías comerciales, destacando como grandes potencias comerciales Gran Bretaña y Holanda.

5-En el ámbito cultural por los descubrimientos científicos (Ej. teorías de Galileo y Copérnico sobre el Universo) y el afianzamiento del pensamiento racional (Ej. Descartes).

c) Arquitectura. Italia: G.L. Bernini, F. Borromini.

*Rasgos generales.-

1-En la Arquitectura barroca las edificaciones no están estáticas,

inmóviles, sino en movimiento, dándose un predominio de lo curvo sobre lo lineal.

2-Los elementos arquitectónicos adquieren una gran envergadura. Se utilizan atlantes, cariátides, potentes columnas y pilastras; soportando generalmente cubiertas abovedadas. Abundan las cúpulas, que se suelen decorar con frescos. Se utiliza el orden gigante o colosal, a base de gigantescas columnas o pilastras, que sustituyen a la clásica composición de superposición de órdenes clásicos.

-Por lo que respecta a los elementos sustentantes: a-El muro es el fundamental ya que soportes como columnas, pilastras,

etc. se hacen atectónicos, es decir, no tenían una función arquitectónica en el edificio, sino que están relegados a simple elementos decorativos.

b-Hay que destacar también el empleo de la columna tosca o salomónica, que tiene el fuste retorcido, para dar sensación de movimiento.

c-Por otro lado está el estípite, que es una pilastra en forma de tronco de pirámide invertida y truncada, propia de portadas y retablos barrocos.

3-El paso de las formas cerradas del Renacimiento a las abiertas del Barroco.

4-En las fachadas se inició un esquema cercano a los del Renacimiento acentuando el cuerpo central rematado en frontón y dándole mayor importancia al eje vertical sobre el horizontal. Además, se evita todo planismo y se buscan efectos visuales como el claro-oscuro: las columnas se

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aíslan del plano, se abren nichos u hornacinas, las cornisas vuelan. Uso de arcos y frontones partidos.

5-Se dio un gran despliegue decorativo, como placas recortadas y pegadas a la pared, elementos colgantes. El fresco adquirió una considerable importancia para la ornamentación de interiores (bóvedas).

6-Las plantas suelen ser centralizadas con soluciones múltiples: planta circular, elíptico transversal, elíptico longitudinal, combinada, cruz griega alargada, biaxial (dos ejes), octogonal...

7-El edificio barroco. Características: a) La edificación se concibe para contemplarla desde diferentes puntos

de vista, no para observarla frontalmente. Algunos edificios tienen mejor vista desde un lateral. Además las construcciones barrocas expresan movimiento y consiguen efectos ópticos que se logran por medio de formas cóncavas y convexas. La pared tiene una significación dinámica: se curvan los muros y el edificio parece moverse.

b) Hay una interrelación entre el espacio interior y exterior. La pared en muchas ocasiones se agujerea y las cúpulas dan la sensación de bailar en el espacio.

c) Las formas se inspiran en los efectos de movimiento de la Naturaleza. Se imitan rocas, llamas, juegos de agua, la espuma, etc.

d) El predominio del templo como edificio más representativo, aunque también se dan otro tipo de edificaciones.

8-El desarrollo del urbanismo, es decir, de la ordenación de los espacios en las ciudades. Buena muestra de ello es la ciudad de Roma (La Plaza de San Pedro y otras plazas, calles y fuentes de este centro urbano), en España las Plazas Mayores (contraste entre espacios abiertos y cerrados) y en Francia el Palacio de Versalles -palacios y jardines- y las “Plazas Reales” en París”.

Además en Italia hay que remarcar que: 1) Es la cuna de la Arquitectura barroca y donde se hallan los primeros

prototipos. 2) El centro fundamental es Roma, teniendo como impulsores máximos a

los papas. 3) Resaltar el gran empleo de la columna, tanto para decorar fachadas,

como para producir efectos de perspectiva (Ejemplo. Escala Regia del Vaticano).

4) Los edificios se enriquecen con mármoles policromos, bronces, pinturas, mosaicos, etc.

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*Antecedentes: Hay una serie de arquitectos y obras arquitectónicas realizadas

durante el s. XVI o en los primeros años del s. XVII, que son considerados como precedentes claros del Barroco italiano:

1-Vignola, autor de; -La iglesia del Gesú de Roma, (interior) que quedó como modelo típico de

iglesia de la Contrarreforma, por crear un espacio interior amplio y funcional (planta única) apto para la predicación a las masas, y por las zonas que se dejan entre los contrafuertes para albergar capillas dedicadas a muy diversas devociones. Se corona con una cúpula en el crucero. Este tipo de iglesia será difundido por la Compañía de Jesús.

2-Giacomo della Porta, quien realizó: -La fachada de la iglesia del Gesú, donde se utilizó unas aletas

terminadas en volutas para unir los dos cuerpos de la fachada y que será un elemento que se repita en muchas obras barrocas.

3-Carlo Maderna, artífice de; -La fachada de la Basílica de San Pedro en Roma. Rompiendo con las ideas

de Bramante primero y Miguel Ángel después, que impusieron una planta de cruz griega, dio al templo forma basilical de cruz latina, mediante la prolongación de uno de los brazos. Al final de éste efectuó una grandiosa fachada en la que recurrió al uso de enormes pilastras adosadas de orden gigante (fuste liso y capiteles corintios), con un frontón en la parte central. Por encima, se situó un ático rematado con estatuas de gran porte.

*Artistas y obras más representativas: a) J. Lorenzo Bernini (1598-1580). Al igual que Miguel Ángel fue un artista integral y sobresalió en el

campo arquitectónico y el escultórico, aunque este último es el predominante. También cultivó la pintura, la decoración, el urbanismo, etc. Estuvo impregnado de los ideales de la Contrarreforma. Sirvió en las cortes de los papas; Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro VII. Obras:

-Baldaquino o tabernáculo de San Pedro. Bernini lo concibe como una obra escultórica. Responde al deseo del papa de resaltar la zona del altar mayor. Está hecho en bronce -color que contrasta con el blanco de los pilares de la cúpula-. Consta de cuatro columnas salomónicas -lo cual lo equipara simbólicamente con el antiguo templo de Salomón- con el fuste en forma de espiral, que le da un sentido ascensional y dinámico al conjunto. Por encima, se sitúan varios fragmentos de entablamentos de los que salen cuatro estilizadas volutas convergentes, que están rematadas por una bola y

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una cruz. Todo el conjunto es de una destacada grandiosidad monumental y sirvió para exaltar el poder del papa Barberini –Urbano VIII- (en la parte superior del baldaquino aparece el símbolo de las tres abejas). Se integra de forma perfecta en el espacio donde se ubica (debajo de la cúpula miguelangelesca y encima de la tumba de San Pedro) y tiene cierto significado escultórico y escenarial.

-Iglesia de San Andrés del Quirinal, de Roma. Sobre una planta ovalada, Bernini contrapone una fachada curva de forma cóncava, con una escalinata convexa

-Palacio Barberini, de Roma. Bernini continuó esta edificación a la muerte de Maderna. Tiene tres cuerpos en la fachada con una superposición de arcos y pilastras. Los ventanales del piso superior muestran juegos ópticos (“trompe d´oeil”: engañaojos), típicos del Barroco, por medio de esas formas cóncavas de las ventanas del piso superior, que dan una mayor profundidad y claroscuro.

-Scala Regia del Vaticano. Está formada por dos hileras de columnas convergentes y progresivamente más delgadas, de manera que la escalera parece más larga de lo que realmente lo es.

-Plaza de San Pedro del Vaticano. Aquí Bernini exhibe sus magnificas dotes como urbanista. Sobre dos brazos rectos convergentes que salen de la fachada de la basílica de San Pedro - dando una apariencia de mayor tamaño a la fachada principal- diseñó otros dos curvos que conforman una monumental columnata con cuatro hileras de columnas toscanas -de unos 15 metros de altura-, rematadas con un entablamento que es coronado con estatuas. Con esta monumental columnata el artista provoca en primer lugar el efecto óptico de impedir la visión directa de la basílica de San Pedro, para, tras cruzarla, dar la impresión de acceder a un enorme espacio abierto.

La plaza en sí tiene forma de elipse, en dos de sus focos colocó dos fuentes y el eje lo ocupa un imponente obelisco egipcio que rompe la idea de una posible existencia de perspectiva central de la fachada del templo.

Bernini había imaginado todo el conjunto arquitectónico-urbanístico de San Pedro como especie de representación simbólica de la Iglesia en la que la cúpula era la tiara de un pontífice y la columnata de la plaza sus gigantescos brazos dispuestos a abrazar a los fieles.

-Palacio Odescalchi. Tiene grandes pilastras de orden colosal. -Santa Asunción de Arizzia. b) Francesco Castelli,” Borromini” (1599-1667).

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Colaboró en sus inicios con Bernini y Maderna. Fue un artista obsesionado por llevar a sus obras la esencia de sus concepciones arquitectónicas. Tuvo cierta rivalidad con Bernini.

Lo más notable de este arquitecto es su desbordada capacidad decorativa. Las plantas y las formas ornamentales que utiliza son de lo más inverosímil, llegándose a hablar de “plantas borrominescas” (de gran complejidad y en las cuales se dan líneas rectas y curvas). Las fachadas de los edificios diseñados por este arquitecto son muy dinámicas, por la alternancia de formas cóncavas y convexas. Obras.

-Iglesia de San Ivo, de Roma. Tiene un plano muy complejo y extraño, que ha sido comparado con el de una abeja. La fachada es curva y se contrapone a la curva que describe la cúpula (mixtilínea), la cual se remata con una linterna y un pináculo de forma espiral (en el exterior) para dar sentido ascensorial. Todo el edificio en su conjunto no es otra cosa que una combinación de líneas curvas, contracurvas y rectas.

-Iglesia de Santa Inés, de Roma. Su planta es de cruz griega, pero lo que sobresale de esta edificación es la apariencia de movimiento y los juegos ópticos que se obtienen al combinar la forma cóncava de la fachada con la convexa de su esbelta cúpula (parece como si la cúpula estuviese más próxima de lo que realmente está). La cúpula está enmarcada visualmente por dos torres ubicadas a ambos extremos de la fachada y que alternan un cuerpo cuadrangular en la parte inferior con otro cilíndrico en la superior.

-Iglesia de Carlos de las Cuatro Fuentes, de Roma. Está emplazada sobre un espacio reducido, en una encrucijada de calles estrechas. Borromini para obtener mayor espacio y visualidad achaflanó una esquina. La fachada expresa una desbordada movilidad por la forma alabeada (curva) y ondulatoria de las paredes, con entrantes y salientes. En el interior los muros también son curvos y en cuanto a la planta, funde una elipse en una cruz griega alargada, para hacer creer que existe un espacio más amplio.

Otros: c)Pietro de Cortona (1596-1669). d)Guarino Guarini (1624-1683). -Iglesia de San Lorenzo, de Turín. -Capilla del Santo Sudario, de Turín.-Santa María de la Divina providencia e) Baltasar de Longhena (1598-1682). -Iglesia de Santa María de la Salud, de Venecia. f) Filippo Juvara (1676-1736). -Basílica de Santa María Superga, de Turín. -Palacio Madama, de Turín.

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*Urbanismo. Con el papa Sixto V se hizo una regulación urbanística de Roma. El

objetivo era unir las siete basílicas principales y templos por medio de amplias avenidas para que pudieran ser visitados en un día, y de esta manera se construyeron: 1-la Strada Felice 2-la Vía Gregoriana. 3-la Strada Pía.

También hay que tener presente la actuación urbanística de Bernini con el diseño de la columnata de la Plaza de San Pedro o de numerosas fuentes para adornar las plazas romanas.

Durante el s. XVIII, resaltan las realizaciones de: -Francesco de Santis, que hizo la ordenación urbanística de la plaza de

España en Roma. -Alessandro Specchi. Puerto de Riperta. Destruido en el s XIX.

3) ESCULTURA * Rasgos generales. 1-Si el Renacimiento representa la serenidad, el equilibrio, la calma, el

movimiento contenido, el Barroco, por el contrario, es la expresión del movimiento desbordado, de las convulsiones, de los sentimientos (como los religiosos, de la ascética y la mística).

2- Los materiales empleados por los escultores variaron según la zona de producción: En Italia prevaleció el mármol en obras que se ubicaban en el interior de las iglesias, combinadas con alabastro y bronce. La piedra se utilizó de manera muy generalizada en todos los lugares y preferentemente en aquellas obras cuya situación se hizo al aire libre. En España y su zona de influencia se empleó la madera casi de manera exclusiva en las realizaciones.

3-Por lo referente a la temática, predominaba lo religioso. También aparecen los temas mitológicos (especialmente en Francia), civiles -resaltando aquí la estatuaria de carácter urbano (en plazas, retratos ecuestres, fuentes, etc.- (en la Roma papal y en la Francia de Luis XIV con gran incidencia), alegorías (en monumentos funerarios y arquitecturas conmemorativas). Por otro lado, se dieron representaciones de lo cruel y espantoso (martirios de santos, castigos de herejes, sepulcros en los que triunfa un cadáver putrefacto, etc.).

4-El movimiento que transmiten las esculturas barrocas no es ordenado como el renacentista, sino espontáneo e imprevisible. Las piernas y los brazos se lanzan al espacio sin ninguna sujeción.

5-Se dan grupos de figuras en las que se suele introducir el paisaje.

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6-En las composiciones hay un predominio de las líneas sesgadas (rotas), y las figuras se disponen exhibiendo frecuentemente escorzos.

7-Se buscan los efectos pictóricos del claroscuro por medio de las arrugas de los ropajes- que también se agitan con un violento dinamismo- y las carnes.

8- Las superficies se tratan de modo diverso para intentar reproducir las calidades de los objetos.

9-El desarrollo del retrato. Se desea plasmar al personaje en su integridad, tanto su condición física como moral, es decir su plena realidad.

10-A modo de recapitulación, comparando los rasgos del Renacimiento: simetría, plasticidad, naturalismo idealizado, estatismo, movimiento en potencia, retrato físico o de parecido, superficie lisa...; el Barroco opondrá, por su parte, los de: asimetría, pictoricismo, naturalismo pleno, movimiento en acto, retrato espiritual y superficie de calidades (formas de los objetos).

*Escultura barroca en Italia. El centro principal de la escultura barroca italiana residió en la ciudad

de Roma y el gran escultor por excelencia de este periodo y estilo artístico fue:

a) J.Lorenzo Bernini (1598-1680). Tuvo a los papas como sus señores e impulsores de sus realizaciones

artísticas. Fue el más genuino representante de la escultura barroca en Europa. Se trató de un artista polifacético que cultivó diversos campos del arte, pero que como Miguel Ángel se consideró escultor por encima de todo. En cuanto a sus rasgos estilísticos destacarían: el agitado y desbordado movimiento que da a sus figuras, la profunda apariencia de realidad y naturalismo de éstas, composiciones en líneas rotas, el reflejo de las texturas y las calidades de los objetos, abarcar multitud de temas (religiosos, mitológicos, funerarios, retratos...), etc. Obras:

-Cabra Amaltea. En esta escultura conserva todavía Bernini el espíritu clásico.

-Rapto de Proserpina. Tema mitológico: Proserpina, hija de Zeus y de Deméter, es raptada por Plutón -que estaba enamorada de ella-mientras recogía flores, y es llevada a los infiernos, Su madre tras intensas búsquedas la localiza en el infierno Proserpina va a estar condenada a compartir su vida entre la tierra y el mundo subterráneo. Es un grupo escultórico influenciado por las composiciones manieristas de lucha. Crea un tipo de figuras combatiendo que se impuso en el Barroco (sentido helicoidal

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de la composición). Hay que resaltar el contraste entre la fuerza y poderío de Plutón y el pudor femenino y temor de Proserpina.

-Apolo y Dafne. Es otro tema mitológico: La metamorfosis de Dafne (descrita por Ovidio); según la cual cuando Apolo, castigado por Cupido a enamorarse de Dafne -por haberse burlado de él-, a quien el dios del amor le había lanzado otra flecha que le hizo odiar el amor en general y el de Apolo en particular. En este grupo escultórico Bernini muestra una escena dinámica, con la representación del momento en que Apolo persiguiendo a Dafne toca a ésta con su brazo y ésta comienza a convertirse en laurel (contraste del dinamismo con la quietud). En adelante Apolo para consolarse, toma el laurel como su árbol y se venga así de Cupido, haciendo que los vencedores de los juegos píticos - de Apolo- sean coronados con laurel . Remarcar la belleza y el suave incurvamiento del cuerpo de Dafne, que contrasta con la aspereza del tronco del árbol (textura). Su rostro muestra la angustia por la metamorfosis a la que se estaba viendo sometida, en cambio Apolo absorto contempla con desconcierto la escena (sentimientos).

-David (Galería Borguese). -Se cree que es un autorretrato-. Bernini dispone a este personaje bíblico en un instante de máxima tensión retorciéndose sobre si mismo, en disposición de lanzar la honda. El esfuerzo que realiza está perfectamente marcado en su cara: fruncir el ceño, meter los labios hacia dentro, etc.; a diferencia de la serenidad y equilibrio que transmitían las obras homónimas de Donatello y Miguel Ángel, que transmiten momentos distintos, antes y después de la acción

-Baldaquino, de la Basílica de San Pedro. Se podría considerar también como una obra escultórica.

-San Longinos, de la Basílica de San Pedro. Es una grandiosa e impetuosa figura, que tiene los brazos abiertos (en uno de ellos sostiene una lanza). Está colocada sobre un nicho de uno d los pilares que sostiene la cúpula de Miguel Ángel.

-Éxtasis de Santa Teresa. Se encuentra en la iglesia de Santa María Victoria de Roma. Se trata de un grupo escultórico que relata el instante del milagro del éxtasis místico de Santa Teresa; el momento está acentuado por la iluminación de una ventana que le da mayor relieve. La Santa se apoya suavemente sobre una nube y parece estar flotando en el aire (composición en diagonal). Es preciso incidir sobre la incontenible agitación de los ropajes y el sentir del goce espiritual que trasluce el rostro de Santa Teresa (con los ojos cerrados y los labios abiertos, como si hubiera perdido la consciencia). A su lado un ángel, adolescente y de enigmática sonrisa, con una flecha en la mano apunta hacia la Santa.

-Busto del cardenal Borghese. Se trata de un retrato. Incide Bernini en el carácter extrovertido del personaje. El cardenal parece que está en

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animada conversación. El iris y las pupilas están fuertemente excavados contribuyendo a recalcar la expresión de realismo.

-Tumba de Urbano VIII, de la Basílica de San Pedro. En ella es importante el papel de las alegorías; Bernini las saca de su aislamiento y las coloca de intermediarias entre el espectador y el Papa. Destacar ese esqueleto que sale del sepulcro, disponiéndose a colocar el letrero con el nombre del pontífice. A ambos lados aparecen las representaciones alegóricas de las virtudes de la Caridad y la Justicia. El papa está en la parte superior, sentado, en disposición de bendecir a los fieles.

-Tumba de Alejandro VII, de la Basílica de san Pedro. Fue una de las últimas obras de Bernini. El Papa aparece presidiendo el conjunto en la parte más elevada, de rodillas y orando, preparándose para morir. La muerte está simbolizada por un esqueleto, que se agita levantando el telón de separación del mundo de los vivos de él de los difuntos y que porta un reloj de arena para indicar la brevedad de la existencia humana. A los lados hay asimismo varias alegorías alusivas a las cualidades de dicho pontífice.

-Cátedra o silla de San Pedro, de la Basílica de San Pedro. Tema que pretende dar respuesta al cuestionamiento por parte del protestantismo de la autoridad e infabilidad de los papas. La Cátedra se suspende en el aire sostenida por cuatro padres de la Iglesia (San Agustín, San Ambrosio, San Atanasio y San Juan Crisóstomo). La coronan dos angelillos que sostienen las llaves y la tiara (símbolos de la autoridad de San Pedro sobre la Iglesia). Por encima se abre un hueco en el muro por donde penetra la luz, que tiene el significado de traer la iluminación divina a través del Espíritu Santo, en figura de paloma y rodeado por un abigarrado conjunto de nubes, serafines y rayos dorados.

Bernini mostró otra de sus múltiples facetas embelleciendo magníficamente las plazas de la ciudad de Roma gracias a la construcción de fuentes monumentales:

-Fuente de la Barcaza. Ubicada en la plaza de España. Posee un gran simbolismo: un barco representa a la Iglesia, que navega por el mundo bajo la enseña (bandera) de los Barberini.

-Fuente de Tritón. Desarrolla en este conjunto un tema mitológico: el dios Tritón, hijo de Poseidón, representado mitad hombre y mitad delfín.

-Fuente de los Cuatro Ríos. Se sitúa en la Plaza Navona, en el centro de este espacio urbano de forma rectangular. Armoniza perfectamente con la fachada de la iglesia de Santa Inés (Borromini). Tiene un obelisco que simboliza los cuatro continentes Los ríos se manifiestan antropomorficamente (forma humana), representando al Ganges, al Danubio, al Río de la Plata y al Nilo. Asimismo el artista da cabida al paisajes mediante la presencia de árboles y animales.

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Otros escultores: b) A. Algardi (1595-1654). c) F. Duquesnay. d) Pietro Tacca. *Ya del s.XVIII es: e) Pietro Bracci (1700-1773). d) Pintura.- *Características Generales.- La pintura barroca tiene como características que la singularizan: 1-El realismo y naturalismo. Se rompe con los cánones de belleza

establecidos con el Renacimiento. Se pinta todo lo que se ve, lo feo y lo bonito, lo agradable y lo molesto, desde una hermosa Venus hasta un cadáver putrefacto.

2-En cuanto a la temática, ésta se amplía: bodegones y naturalezas muertas (pintura de objetos); paisajes puros sin la presencia del ser humano; tipos populares (pintura de género, la que representa escenas de la vida cotidiana) (Ejemplo. algunos de los cuadros de Velázquez); los retratos, presentando al personaje tanto en su aspecto físico como espiritual (recogiendo los fugaces estados de ánimo). Los temas religiosos siguen ocupando un puesto destacado y debido al realismo tendieron hacia asuntos cruentos como martirios de santos, además la pintura influenciada por las tendencias místicas introduce en los cuadros elementos sobrenaturales, del más allá (resplandores que se mezclan con las nubes, ángeles que revolotean, etc. Sin embargo, la mitología y los desnudos no perderán terreno y se mantendrán presentes.

3-El predominio del color sobre el dibujo. El dibujo nítido para señalar el contorno de las figuras deja paso a manchas de color (a veces anchas pinceladas) que dan una apariencia de imprecisión e indefinición de las formas.

4-La profundidad continua. Mientras los pintores del Renacimiento marcaban la perspectiva por planos (un primer plano con figuras y otros lejanos con fondos arquitectónicos, paisajes, etc.) los maestros del Barroco prescindieron de estos planos y distanciaban las figuras de manera continua. Los procedimientos para la obtención el volumen son: los escorzos, un primer plano oscuro y un fondo luminoso, los juegos de luces, un primer plano muy desarrollado en contraste con el fondo, etc.

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5-El estudio de la luz. A los pintores barrocos interesó sobremanera cómo incidía la luz sobre los objetos y dejaba zonas muy intensamente iluminadas y otras en penumbra o en oscuridad. (Tenebrismo). La luz era la que daba forma a los objetos y a las figuras, y no quedaba subordinada a estas como en el Renacimiento.

6-Las composiciones asimétricas y atectónicas. Las composiciones renacentistas simétricas en torno a una figura que ocupa el centro y la disposición de las figuras en torno a líneas verticales u horizontales, son sustituidas por estructuras asimétricas y por líneas diagonales y otros elementos como disponer una parte de una figura fuera del cuadro, etc.

7-La captación del movimiento. Las figuras se agitan con un vivo dinamismo, frente a la quietud o movimiento contenido del Renacimiento.

8-La grandiosidad. Se pintaron no sólo gigantescos frescos, sino monumentales cuadros al fresco. Además se empleó el óleo sobre lienzo.

* Pintura Barroca en Italia. Se pueden distinguir varias tendencias: 1-El naturalismo de Caravaggio (tenebrismo). a) Michelangelo Merisi, “Caravaggio” (1571-1610). Nació en Caravaggio (Milán) Es una de la figuras estelares de la pintura.

Personaje rebelde y bohemio, tuvo un temperamento violento y pendenciero, incluso dio muerte a un hombre (en una pelea motivada por el juego) por lo que estuvo durante un tiempo fugitivo de la justicia. Rasgos estilísticos:

1) En general su obra está marcada por un profundo naturalismo, ya que tomaba la realidad tangible como modelo de sus obras aplicándola a temas históricos, religiosos del pasado. El artista escoge modelos a los que transforma en protagonistas de sus cuadros.

2) La utilización del claroscuro (tenebrismo). La luz y su incidencia sobre las figuras es un elemento clave para este artista. Utiliza una luz de claraboya o de sótano, colocando el foco de luz fuera del lienzo. Concentra la luz sobre manos y rostros. El color está subordinado a la luz e impregnado de sombras. Las figuras toman forma a medida que la iluminación incide sobre ellas. Da asimismo unos profundos contrastes entre zonas iluminadas y áreas oscuras (aire de misterio).

Otros rasgos de la pintura de Caravaggio:

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1) En sus primeras obras todavía no es tenebrista y pinta sobre fondos claros, apareciendo la figura toda luminosa, y además en ellos no cuenta historias, no hay asunto o tema y, si existe, es un pretexto (influjo de la escuela de Venecia del s. XVI).

2) Sus cuadros son sobrios, de pocos personajes (nuevo concepto pictórico).

3) Los personajes que introduce en sus composiciones son tipos populares, de la vida cotidiana, de la calle. Mete dentro de escenas religiosas a pobres y harapientos. (Ejemplo. una mujer ahogada en el río Tíber le va a servir para componer el tema de la muerte de la Virgen). A veces puede parecer como excesiva la vulgaridad del tratamiento que Caravaggio hace de los temas religiosos, lo cual fue motivo de rechazo de alguna de sus obras por parte de las autoridades religiosas.

4) El paisaje no le interesó y en primer plano refleja frecuentemente naturalezas muertas.

5) Puso gran interés por captar la psicología de los personajes. Los gestos de sus personajes son muy expresivos, que suelen tener una mirada significativa y penetrante.

6) En cuanto a la composición, dispone a la figuras cortadas (por una mesa, un cuadro...).

7) Importancia de los escorzos y utilización de un punto de vista bajo, que engrandece las figuras.

8) Caravaggio se despreocupó por el problema del espacio y da a sus cuadros un fondo neutro, de vaga claridad u oscuro ya en su etapa tenebrista.

9) Por lo que respecta a los colores, presenta la huella de la escuela de Venecia.

En su obra artística se distinguen dos etapas: 1ª Etapa. Obras: -Muchacho con cesto de frutas. Se centra en resaltar las calidades de los

frutos u hojas. Fondo neutro. -Baco. Tema mitológico representado en la figura de un joven en la que

algunos han querido ver un autorretrato de Caravaggio. Minuciosidad en la ejecución de las frutas, las hojas de vid que coronan la cabeza de Baco, la botella y la copa, etc.

-La Buenaventura. La vida bohemia de los bajos fondos de Roma inspiró muchos cuadros de Caravaggio. En éste en concreto aparece una mujer

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echando la buenaventura, es decir, adivinando el futuro mediante las líneas de la mano. Resaltar los ricos atavíos de los personajes.

2ª Etapa (tenebrista) Obras: -La vocación de San Mateo. Asunto sacado de un pasaje del Nuevo

Testamento (Mat.9,9), cuando Jesús pasa por delante de un despacho de impuesto donde estaba un hombre llamado Mateo y le dijo: “sígueme” y él levantándose le siguió. Esta escena religiosa que parece estar sacada de una taberna de Roma. La luz entra por una especie de claraboya en la parte superior materializando las figuras, incidiendo especialmente en los rostros. La figura de Cristo que señala a San Mateo- quien al sentirse aludido hace un significativo gesto-, se sitúa en la penumbra.

-El martirio de San Mateo. En el centro aparece la figura del santo, tirado sobre el suelo y a punto de recibir el martirio. Ante este hecho el resto de los personajes huyen despavoridos y expresan temor e incluso terror. En la parte superior un ángel que aparece en escorzo se inclina para dar al santo el premio de la palma del martirio. Resaltar la incidencia de la luz.

-La muerte de la Virgen. Es un grandioso lienzo que Caravaggio pintó para la iglesia de Santa María della Scala, de Roma. Para este cuadro el pintor se sirvió como modelo de una mujer que había muerto ahogada en el río Tíber y tenía el vientre hinchado, lo que dio un gran realismo e impacto a la escena y provocó el rechazo de las autoridades eclesiásticas. La Virgen aparece tendida rodeada por los apóstoles (que aparecen como si fueran personas humildes), que se muestran afectados al contemplar la escena. La composición es en torno a líneas diagonales y destaca el estudio de la luz, que incide en aquello que nos quiere resaltar el autor.

-La cena de Emaús. Tema evangélico que relata el momento cuando un caminante se encuentra con los discípulos que iban camino de Emaús, al ser tarde le invitaron a quedarse con ellos y durante la cena al dar la bendición descubren que es Cristo. Los discípulos aparecen reflejados por medio de tipos populares, que hacen claros gestos de sorpresa (uno está levantándose al tiempo que retira la silla, otro abre repentinamente los brazos) ante la bendición de Cristo. Incidencia de la luz sobre el rostro de Cristo. Resalta el bodegón en el primer plano del cuadro.

-El entierro de Cristo. Está en la iglesia romana de Santa María de Vallicella. La escena parece contemplada desde un punto de vista bajo. Es notable el naturalismo y realismo de las figuras. Destaca la belleza del cuerpo luminoso de Cristo.

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-La crucifixión de San Pedro. La composición está ordenada a base de dos líneas diagonales (la marcada por la cruz y la señalada por la cuerda). Sensación de realidad por medio de: las arrugas de San Pedro, la suciedad de los pies del verdugo... sobresale igualmente el escorzo del personaje que empuja para levantar la cruz. El foco de luz que ilumina la escena procede de arriba.

-La conversión de San Pablo. La luz que procede de arriba es el elemento determinante que esta composición, dándole un aire de misterio y metafísico. El tema reflejado es el momento en que Saulo es derribado del caballo por mandato divino y queda ciego. Indicar la viveza de esos brazos abiertos que nos dejan ver claramente la ceguera del personaje.

2-La escuela de Bolonia. El clasicismo de los Carracci. Caracteristicas. Se dio durante el s. XVII. Tiene la denominación de “clasicismo” por su

relación con el Arte del Renacimiento. Se caracterizó: 1- Por su eclecticismo, es decir, por reunir lo bueno y más representativo

de una serie de artistas renacentistas italianos: -La “terribilitá” de Miguel Ángel. -El sobrio dibujo de los pintores romanos del “Cinquecento”. -La sombra y el movimiento de la escuela de Venecia. -La simetría de Rafael. -El naturalismo de Ticiano, etc. 2-Búsqueda de la belleza ideal, con lo cual entroncaba con los valores del

clasicismo renacentista 3-Composiciones ordenadas como en el “Cinquecento”. 4-Predominio del dibujo sobre los valores táctiles. 5-Utilización de los mitos como representaciones alegóricas de los

personajes que encargan las obras. Esta escuela reunió a una serie de artistas en torno a la primera

Academia de Bellas Artes dedicada a la pintura y que fue fundada por Ludovico (Luis) Carracci, y a la que pertenecieron sus primos Agustín y Aníbal. El más destacado fue este último:

b) Aníbal Carracci ( muerto en l609). En cuanto a sus rasgos formales: -Pinta preferentemente al fresco. -Sus tipos son hombres atléticos de gran porte muscular. -En la composición se concibe el conjunto como una gran “quadratura”,

como si fueran lienzos de caballete encuadra las escenas en molduras de estuco o en figuras pintadas que hacen de marco, ambientando los frescos

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dentro de una arquitectura ilusionista, que aspiraba a reflejar un espacio más amplio y prolongado que el real. (Su modelo de inspiración fueron los frescos miguelangelescos de la Capilla Sixtina),

Obras: Las más destacadas son los frescos que pintó para decorar el salón

grande del palacio Farnesio de Roma, sobresaliendo: -El triunfo de Baco. En la parte central de La bóveda. Baco está sentado

en el trono, en compañía de Ariadna y rodeado de amorcillos, trayendo la felicidad a la Tierra. Otras escenas se refieren a Polifemo y Galatea. Venus y Adonis, Júpiter y Juno, etc. Supone una síntesis de la pintura del “Cinquecento”: de Miguel Ángel, Tiziano y Rafael. Además se fingen espacios como si lo pintado fuera una prolongación de la propia edificación.

-Hércules en la encrucijada (entre la Virtud y el Vicio). -La bacanal. -La huida a Egipto (resalta el paisaje). c) Guido Reni (1575-1642). Fue discípulo de los Carracci. Su técnica es de gran perfección formal,

donde se nota la fidelidad a Rafael. Sus personajes aparecen a veces suplicantes con la mirada levantada a las alturas y las composiciones recuerdan las manieristas.

Obras: -La Matanza de los inocentes. -Judith. -La Aurora. (Casino Rospligliosi). d) Guercino (1591-1666). Conserva los rasgos del clasicismo del XVI, pero también el claroscuro de

Caravaggio. Sus colores son oscuros. Obras: -Frescos de la villa Ludovisi, en Roma. (Tema de la “Aurora”). 3) Barroco decorativo Los decoradores de techos. -Son esencialmente fresquistas (pintura al fresco). -Los lugares preferidos son las bóvedas y cúpulas de los edificios. -En las composiones las figuras experimentan un gran movimiento. Se

enmarcan en “quadraturas” y se da ilusión de espacios que se prolongan más allá de las bóvedas. Se caracterizan por su artificciosidad e ilusionismo.

e)Pietro de Cortona (1596-1669). -Bóveda del palacio Barberini. Roma . En esta obra crea un entramado

arquitectónico ilusionista. Tema: Unión de conceptos alegóricos, mitológicos y emblemáticos -escudos-. Significado: el papa poeta Urbano VIII, es

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elegido por la Divina Providencia debido a sus virtudes; Valor, piedad, justicia y prudencia.

f) Lucca Giordano- Lucas Jordán (1632-1705). g)Padre Pozzo. -Fresco de la Iglesia del Gesú. Roma. 4) La escuela de Venecia. S. XVIII. g) J.B. Tiépolo (1696-1770). h) Antonio Canale, “Canaletto” (1720-1780). i) Francesco Guarid (1712-1793).

-Flandes: P.P. Rubens. Holanda : Rembrant.

-Introducción. Durante los siglos XVII y XVIII se produjo un momento de especial

esplendor en el campo pictórico para Los Países Bajos, escindidos políticamente en dos partes: Flandes, al Sur, con mayoría de población católica- que permaneció fiel a la dinastía de los Habsburgo- y Holanda, al Norte, adherida al protestantismo (calvinismo) -reconocimiento de su independencia por España en 1648, paz de Westfalia-y que en poco tiempo se convirtió en una potencia marítima y comercial. - Pintura Flamenca.

*Flandes. Rasgos generales: a-La importancia de los temas religiosos. b-Se quiere transmitir a través de los cuadros los aspectos más gozosos,

positivos y placenteros de la vida del hombre, que se expresan en escenas costumbristas (bodas, fiestas...), en ricos bodegones llenos de exquisitos manjares (animales de caza, frutas...).

*Pintores más destacados:

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a) Pedro Pablo Rubens (1577-1640).

Rubens nació en Alemania, aunque sus padres eran de origen flamenco, se estableció en Amberes y realizó durante su vida frecuentes viajes por Europa, debido a su condición de diplomático, en uno de ellos visitó Italia (1600-1603) admirando a los grandes pintores del siglo XVI y XVII. También estuvo en España.

En cuanto a sus rasgos estilísticos son esencialmente los siguientes: 1-La vistosidad del colorido de sus cuadros, generalmente en tonos

cálidos, donde se ve el influjo de los pintores venecianos, como Tiziano, algunas de cuyas obras copió.

2-El movimiento, que tanto gustó a los artistas barrocos. Pero se trata de un movimiento exaltado, desbordante, apasionado, que se plasma en el retorcimiento y redondez de los cuerpos, composiciones en torno a líneas diagonales, la ondulación de árboles...

3-La utilización de tipos gruesos. Pocos pintores como Rubens han sabido reflejar en figuras la carnosidad de las figuras a través de personajes gordos que reflejan la amplitud de sus cuerpos. (Está presente el recuerdo de las formas voluminosas de Miguel Ángel).

4-La técnica al óleo. El empleo de pinceladas anchas y sueltas (rápidas). Aplicaba la pintura en muchas capas transparentes con poco pigmento y mucho óleo.

5-Abarca infinidad de temas: retratos, religiosos, mitológicos, paisajes.... Su obra fue muy fecunda entre sus principales realizaciones están: *Las religiosas: -La Anunciación. -La adoración de los Reyes Magos. Lienzo de excepcionales dimensiones.

La composición la marca una línea diagonal que parte del Niño y que lleva a contemplar como toda la comitiva se inclina hacia él. Por otro lado subrayar el rico colorido.

-Los trípticos de la Erección de la Cruz y el Descendimiento. Catedral de Amberes. El segundo dedicado al Descendimiento de Cristo de la cruz -en la tabla central- se articula en torno a líneas curvas, que van formando formas cóncavas y convexas, marcadas por el cuerpo de Cristo muerto y las figuras que lo sostienen, una arriba y otra abajo; así como por líneas diagonales. La luz se focaliza en torno al cuerpo de Cristo y la sábana que lo envolverá, que resalta sobre un fondo más bien oscuro.

-la Sagrada Familia y San Juan. *Las mitológicas: -Las Tres Gracias (Museo del Prado). Eran personajes de la mitología

griega, hijas de Zeus que simbolizaban la belleza, el deseo o el amor. Sus

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nombres eran: Áglae (la deslumbrante), Eufrósine (la gozosa); Talía (la floreciente). Se las solía representar como tres jóvenes desnudas y entrelazadas por los hombros. En la Gracia de la izquierda Rubens utilizó como modelo a su segunda esposa, Helena Fourment. En este cuadro de Rubens aparecen como cuerpos femeninos carnosos y voluminosos. La composición de esta obra es en torno una elipse, al tiempo que el cuadro exhibe un rico colorido. Esta escena la inserta dentro de un fondo paisajístico, con una serie de símbolos que aluden al amor o el deseo (los ciervos, la guirnalda de rosas o Cupido que sostiene la fuente del amor en forma de cornucopia, representación de la abundancia o fecundidad).

-Diana y sus ninfas perseguidas por Sátiros (Museo del Prado). El tema presentado es la persecución y ataque por parte de los sátiros (medio hombres, medio machos cabrios), demonios de los bosques, que personificaban los rudos instintos sexuales, a un grupo de ninfas, jóvenes divinidades de la Naturaleza. Contrasta la musculosidad y tonos más oscuros de los sátiros y los colores nacarados de las ninfas. Resalta asimismo el juego de diagonales de la composición.

-El Juicio de Paris (Museo del Prado). La diosa Eris (la discordia) dolida por no haber sido invitada a la boda de Tetis y Peleo, planeó vengarse del resto de los dioses y se presentó en el banquete arrojando una manzana de oro que sería para la más hermosa de las damas presentes. Allí estaban Hera (Esposa de Zeus, simbolizada por el pavo real), Afrodita (diosa del Amor, junto al dios Eros), Atenea -Juno y Minerva para los romanos-(diosa de la inteligencia y protectora de Atenas, aparece con el casco, la lanza y la lechuza, símbolo de la sabiduría), quienes pensaron que se atribuiría a cada una de ellas por separado. Para dirimir la disputa Zeus mandó llamar a Paris (hijo del Rey de Troya) nombrándole juez. Para influir en su decisión cada diosa le ofreció una recompensa. Este se decidió finalmente por Afrodita, quien le dio como premio el amor de la mujer más hermosa, Helena, esposa del rey de Esparta Melenao. Paris la raptó llevándosela a Troya, provocando la célebre "Guerra de Troya".

-El rapto de las hijas de Leucipo. (Pinacoteca de Munich). Destaca el movimiento desbordado personificado en las dos figuras femeninas que se incurran violentamente. La composición es en torno a líneas diagonales.

-El rapto de las Sabinas. Movimiento y líneas diagonales. -La educación de María de Médici *Retratos: -María de Médici. Retrato de la esposa de Enrique IV de Francia y madre

de Luis XIII. Rubens coloca al personaje sobre un fondo neutro, que exhala una vitalidad excepcional.

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-Duque de Lerma (Museo del Prado). Retrato ecuestre. El duque de Lerma fue el valido de rey Felipe III. En esta representación el caballo está colocado en un osado escorzo, apareciendo además con la cabeza curvada y con las crines y el rabo en ondulante movimiento. El retratado está reflejado con toda la profundidad psicológica, mirando con altanería al espectador. Al fondo, la panorámica de una batalla.

-Justus Lipsius y sus alumnos. (Palacio Pitti, Florencia). Retrato colectivo. Composición en torno al arco que describen los personajes, que están al lado de la mesa. Se trata de un homenaje de Rubens al filólogo Justus Lipsius que había sido su maestro y el de su hermano. Escena cargada de símbolos: el florero de tulipanes que alude a la muerte, el busto del filósofo Séneca, la vista del Palatino (Roma)…

-Autorretratos. *Temas históricos: -Las bodas de María de Médici. -la derrota de Senaquerib (antiguo rey asirio). * Paisajes: -Paisaje con Filemón y Baucis. (Está a medio camino entre lo real y lo

fantástico. El paisaje es lo predominante, las figuras son casi anecdóticas) -Paisaje con Meleagro y Atalanta (un tema mitológico sirve de excusa

para transmitir un fondo paisajístico: árboles y troncos retorcidos, caminos serpenteantes, etc.)

b) Antonio Van Dyck (1599-1641).

Van Dyck fue el principal discípulo de Rubens y un artista de gran precocidad (empezó su carrera pictórica a los 18 años). Viajó por Italia y los diez últimos años de su vida los pasó ejerciendo como pintor de cámara del rey inglés Carlos I.

Destacó como un gran retratista. Es el pintor de la aristocracia. En sus retratos trató de expresar la consideración social del individuo (su “status”).Sus figuras tienen una gracia y delicadeza especial y además son más estilizadas que las de Rubens.

Obras: *Retratos: -Retratos del rey Carlos I de Inglaterra (varios). -La duquesa de Oxford. -El pintor y sir Endimion Porter.

c) Jacob Jordaens (1593-1678).

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Características estilísticas. El modelado de sus figuras es menos corpulento que el de Rubens. Su pincelada es más dura y los cuadros denotan menor movimiento y habilidad compositiva en contraste con Rubens. Los temas preferidos de Jordaens fueron los de género, es decir temas populares, de tradición flamenca (Brueghel), en los que se encierra una enorme sátira y crítica social.

Obras: -El rey bebe. Exaltación de la alegría de vivir o crítica a la glotonería. -La familia de Jordaens en el jardín. Otros: d) A.Brouver (1606-1638) y David Teniers, “El viejo” y “El joven”. e)

Synders. Pintó bodegones.

3- Pintura holandesa. *Holanda. Rasgos generales: -La clientela del arte holandés, a diferencia de lo que ocurre en otros

países donde la Iglesia o los monarcas son los que patrocinan a los artistas, es la rica y prospera burguesía mercantil.

-Influida por el gusto burgués, la temática de los pintores holandeses fue preferentemente civil: interiores de casas, escenas históricas, cuadros de corporaciones o entidades (retratos colectivos), etc. Por la intervención de la doctrina protestante del calvinismo, que rechaza la decoración interior y las imágenes en los templos, la pintura religiosa tuvo muy poca repercusión (la religiosidad quedaba relegada al ámbito de lo privado y al no haber clero el artista tenía más libertad para interpretar los temas), aunque una excepción la constituye Rembrant. Otro tema muy abundante en las obras de los pintores holandeses fue el paisaje, en el que un cielo amplio-ocupa la mayor parte del cuadro-lleno de nubes es uno de los máximos protagonistas, también destaca la amplitud del horizonte (la línea del horizonte se coloca muy baja) y otros elementos como molinos de vientos, canales, caminos, arboledas, etc.

-La minuciosidad y detallismo en la recreación de todo tipo de objetos. -En cuanto a la técnica resaltan por la perfección de su dibujo, el dominio

del color-de un mismo color se extrae una gran gama de tonalidades-, las pinceladas sueltas, el reflejo de la luz etc.

*Pintores.

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a) Rembrandt Van Rijn (1606-1669).

Supone la cumbre de la pintura holandesa del s. XVII. Pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de Amsterdam. Abarcó un amplio espectro de temas: retratos, paisaje, interiores de casas, religiosos, mitológicos, etc. Sus obras están llenas de idealismo y subjetivismo: es el pintor de las ideas (por ejemplo, a través de figuras de ancianos, quiere evidenciar conceptos como la pobreza o la sabiduría) y del espíritu (que trasluce en sus temas religiosos, donde quiere llegar a la pureza y hondura espiritual despojándola de todo aparato ritual).En sus figuras busca la expresividad de las miradas. En su técnica es importante el estudio de la luz a través del contraste violento de luz y oscuridad, es decir, en la línea del tenebrismo de Caravaggio. Se trata de una luz misteriosa que envuelve a los personajes. Es además, una luz nocturna que parte del tenebrismo y crea penumbras. Por lo que se refiere al color, tiende a la monocromía; le interesa resaltar el brillo de los objetos metálicos en la oscuridad y crear zonas que parecen irreales entre las luces y las sombras del cuadro. Los paisajes que pinta Rembrandt están llenos juegos de luces coloreadas, que parecen sacadas de un sueño. Su producción artística fue muy abundante.

Obras: 1-Retratos. Son sus temas preferidos: -Autorretratos. Tiene una gran cantidad – en torno a 60 en total- (desde

su juventud a sus últimos días). En uno de ellos donde Rembrandt aparece en edad avanzada, domina la sensación de misterio que transmite la oscuridad y la angustia en el rostro.,

-Retratos de sus familiares: de Saskya, su primera esposa, persona de condición acomodada; de Hendrinje, mujer de extracción social más humilde con la que tuvo una relación sentimental –pero no se pudo casar- , de Tito, su hijo.

-Lección de Anatomía del doctor Tulp. Retrato de corporación. El autor transmite en él de manera perfecta la diversidad de grado de atención entre los personajes que contemplan la disección del cadáver. Se trataba de los restos de un ahorcado cedidos por las autoridades para prácticas médicas. La luz, que proviene de la parte superior izquierda, se centra en los rostros pero sobre todo en el cuerpo inerte del muerto, y contrasta con el fondo oscuro y el negro de la ropa de los personajes. Los siete personajes que escuchan la charla se organizan en torno a una composición piramidal. Uno de ellos sostiene en la mano una hoja con el nombre de todos los presentes

-Ronda de Noche. Retrato de corporación. En esta obra cambia el estatismo que normalmente se les da a los retratos para introducir en la

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escena a los personajes en movimiento (los personajes preparan sus armas para entrar en acción: un ejercicio de tiro). Retrata aquí al cortejo militar de los arcabuceros de Amsterdam. Es una acción que se desarrolla a plena luz del día, aunque da la impresión de oscuridad por el ennegrecimiento de los pigmentos con el tiempo. La composición es diagonal, el colorido vivo de los ropajes de los personajes y el claroscuro que da cierto aire de misterio a la escena.

-Síndicos de los pañeros. 2-Temas religiosos: A diferencia de lo que era normal en Holanda a Rembrant le interesó

seriamente lo religioso. Obras: -Erección de la Cruz. -Descendimiento de la Cruz. Una luz que viene de arriba es la que ilumina

el cuadro, especialmente el cuerpo inerte de Jesús y ese deslumbrante manto blanco en el que será envuelto el cuerpo.

3-Mitológicos: Son escasos: -Ganímedes. Trata a este personaje de la Antigüedad con ironía, como un

niño asustado. -Dánae. Desnudo femenino en medio de un gran fondo paisajístico. 4-Paisajes: En sus paisajes se expresa movimiento y contrastes lumínicos que

parecen reflejar pasajes oníricos (de sueños) que parecen estar más allá de la realidad:

-Paisaje tempestuoso. 5-Natulalezas muertas. -El buey desollado (Museo del Louvre). Es un tema que impresiona por su

descarnado realismo. En cuanto a la técnica usa amplia pinceladas, que depositan el pigmento en grumos que dan la sensación de relieve (Influencia en el expresionismo).

b) Frans Hals (muerto en 1666).

Hals trata de plasmar en sus retratos el temperamento y psicología de cada uno de los personajes, incluso da gran expresividad y alegría a los rostros de sus figuras. Por lo que toca a su técnica predomina en ella las anchas pinceladas (manchas).Obras:

-La gitana. Refleja en la cara de este personaje del pueblo una especie de sonrisa pícara, que nos muestra la psicología del personaje, sugiriendo una forma de ser un tanto descarada o desvergonzada de aquella chica. En técnica hay que aludir a pinceladas sueltas.

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-El hombre que bebe (o el alegre bebedor) -Los regentes del asilo de ancianos . Las regentes del asilo de ancianos.

d) Vermeer de Delft. (1632-1675).

Vermeer fue uno de los creadores y máximos cultivadores de cuadro de interior, como expresión de la vida burguesa. En sus cuadros de interior aparecen pocos personajes, a los que coloca en un escenario realista, ocupados en sus labores cotidianas. Por otro lado, es el pintor holandés que mejor captó la luz. La luminosidad de sus cuadros es suave y colorista sin grandes contrastes entre zonas iluminadas y zonas de sombra.

Obras: -La lechera. En este cuadro la luz penetra a través de una ventana y da

vida al interior de una habitación donde una figura de mujer (la lechera) se dispone a verter un jarro de leche sobre un cuenco. Resaltan los tonos amarillos y azules del vestido de la lechera y la minuciosidad de los objetos esparcidos en la habitación tratados como un bodegón.

-El pintor en su taller. En el aparece un pintor sentado ante su caballete y pintando. Tiene como modelo a Clío, la musa de la Historia, cuyos atributos son la corona de laurel, el libro en el que se registran los hechos heroicos y la trompeta de la fama (su significado no está claro). Naturalezas muertas en la mesa. (máscara y otros objetos). Hay una minuciosidad y detallismo en la recreación de los objetos que llenan la habitación. Se da un magnífico estudio de la luz. En cuanto a tonos el artista empleó con preferencia los amarillos y azules.

-La joven de la perla, es uno de los cuadros más conocidos de este artista y ha sido puesto de actualidad por un libro editado y una película realizada sobre esta obra pictórica en fechas recientes. En esta obra el artista sobre un fondo oscuro presenta el busto de un chica joven –según se piensa puede tratarse de un retrato de una sirvienta o de una hija del pintor- que mira fijamente al espectador mientras permanece con la boca entreabierta. Llama la atención el turbante que lleva sobre la cabeza y el brillo de la enorme perla que cuelga de su oreja.

-La mujer que cose (la encajera) -Mujer leyendo. -El geógrafo. -Vista de Delft. En esta obra paisajística Vermeer captó la sensación

atmosférica y quiso plasmar el efecto producido por la aparición de los rayos del sol después de una tempestad. La ciudad es la verdadera protagonista del cuadro. De ella resaltan hitos como el canal, las torres de las iglesias, las puertas de acceso…Los personajes que aparecen en el

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extremo inferior izquierda están inmóviles y son como meros contrapuntos de la composición. El significado del cuadro sería el de la ciudad como representación simbólica de una sociedad burguesa.

* Otros d) Ostade.e) Terborch.f) Metsu. g) Pieter de Hoogh -Paisajistas f) Jacob Ruysdael (1628-1682) g) M.Hobbema (1638-1709). -Bodegonistas: h) Claesz; Heda , Heem.

-España: D. Velázquez.

A) Rasgos generales. Entre ellos cabe distinguir: 1-El naturalismo y realismo, se expresa la realidad de las cosas tal como

es, desde un tema mitológico tratado con tipos populares de la época (“Los borrachos” de Velázquez) hasta un cadáver en descomposición que nos recuerda la brevedad de las triunfos mundanos (“Finis gloriae mundi” de Valdés Leal).

2-Las composiciones sencillas. 3-El predominio de la temática religiosa y dentro de ella hay una

preferencia por los asuntos místicos (Ej. Inmaculadas de Murillo) y ascéticos. También se cultiva la mitología, tratada de forma desenfadada (Velázquez). Uno de los temas más abundantes de los cuadros del barroco español es el de género, es decir, personajes y tipos populares, gente de la calle, se dieron incluso algunos pintorescos (“la mujer barbuda” de Ribera) u otros que sirven para representar escenas mitológicas, en otros en cambio se transmiten escenas de diversión popular. Otro tema a resaltar es el de los bodegones, normalmente con pocos objetos y en los cuales el interés del artista se centra en transmitirnos la calidad de los objetos: Zurbarán, Sánchez Cotán. Igualmente están presentes los paisajes, pero acompañados de figuras humanas y obras sobre escenas históricas.

4-La gran fuerza de la influencia de la pintura italiana, principalmente del tenebrismo de Caravaggio, que fue recogida en la paleta de célebres pintores hispanos (Ribalta, Ribera, Zurbarán...), por tanto el estudio de la luz es esencial en sus obras; y por otro lado de la flamenca.

5-Hay muchos estudiosos del arte que para clasificar a los pintores correspondientes a este estilo artístico hacen alusión a escuelas artísticas teniendo en cuenta el lugar dónde trabajan. Sin embargo es preciso decir

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que son considerables las diferencias existentes entre artistas a los que se encuadra dentro de una misma escuela. Centros artísticos prominentes fueron: Madrid, Sevilla, Valencia, y otros menores como Toledo, Granada, etc.

B) La Escuela de Valencia. El tenebrismo. Rasgos: influencias de Caravaggio (naturalismo y tenebrismo). a) José de Ribera, “Spagnoletto” (1591-1652). Nació en Játiva. Marchó muy pronto a Italia, donde transcurrió la mayor

parte de su vida. Estuvo en Roma, moviéndose entre gente humilde y en Nápoles, donde contó con el apoyo de los virreyes. En su estilo el tenebrismo se dejó sentir en los en los fondos oscuros de los que emergen las figuras, pero a diferencia de Caravaggio su arte es de un más acentuado colorido (los colores son brillantes). Su dibujo es también de gran perfección; su pincelada pastosa de forma curva y envolvente. En las composiciones muestra ante todo sencillez (pocas figuras). Lo más abundante de su temática gira entorno a los temas religiosos (martirios de santos, visiones místicas o santos de carácter ascético -ayunando o haciendo penitencia-). También menudean en sus cuadros personajes populares, (entre ellos pobres y mendigos) posiblemente sacados de los ambientes humildes de Roma. Los temas mitológicos los presenta unas veces irónicamente y otras mostrando a poderosos personajes que exhiben toda su fuerza.

Obras: * Temas populares. -El niño cojo o el patizambo. El niño sonríe ajeno a la tragedia de su pie

deforme. Lleva una muleta al hombro, mientras pide limosna mediante un papel que dice en latín; “Dame una limosna por amor de Dios”.

-La mujer barbuda.(Hospital Tavera, Toledo). Retrato de Magdalena Venturi de los Abruzos -región de Italia-que siendo ya mayor le creció la barba y el bigote.

-Vieja usurera. * Temas mitológicos. -Sileno embriagado. Representa al dios en grandiosas proporciones y un

enorme vientre abultado, borracho y aún bebiendo, mientras un burro rebuzna.

-Arquímedes. Un sabio de la Antigüedad toma forma en su optimista mendigo.

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En ambos cuadros toma a burla la mitología humanizandola por medio de tipos de la calle

Otros; Apolo y Marxias; Ixión; Ticio. Estos tres cuadros son expresión de grandes personajes de poderosa

musculatura. * Temas religiosos 1)Bíblicos -Isaac y Jacob. Se narra en esta obra un pasaje bíblico (Antiguo

Testamento), el engaño al que sometió Jacob, con la complicidad de su madre, a su padre Isaac (ciego) para que le reconociera primogénito en vez a su hermano Esaú. Composición en diagonal. El colorido es variado, destaca el tono carmín de la colcha y el rojizo del amplio cortinaje del fondo. Además en primer plano sitúa un auténtico bodegón.

-El sueño de Jacob. Se trata de otra escena del Antiguo Testamento, cuándo Jacob –mostrado como un tipo robusto- huyendo de su Esaú , que lo buscaba para matarle, tiene un sueño mientras duerme apoyado en una piedra (en el cuadro Jacob parece dormir apaciblemente). En ese sueño ve ángeles y se le anunció que esa tierra sería para él y su descendencia. La composición es en diagonal. El colorido es muy rico.

2) Martirios -El Martirio de San Bartolomé (San Felipe) El autor se sirve de

personajes vulgares para transmitir un tema religioso. Sobresale la incurvación violenta del cuerpo de este santo, que marca con una diagonal el eje compositivo del cuadro y, por otro lado, la musculatura del santo y de los verdugos que elevan su cuerpo para martirizarlo. Colorido.

3) Santos ascéticos o míticos. -San Andrés. El santo aparece con la piel rugosa sobre huesos que

parecen pegados a ella (costillas , clavícula...) -Representaciones de santos ermitaños (aparecen en cuevas en las que la

luz viene de fuera): -San Pablo. Minucioso estudio de la anatomía: piel arrugada del santo,

delgadez que salta a la vista sus escuálidos músculos, el resalte de las venas. Estudio de la luz, que incide en el cuerpo mortificado. Sentimiento ascético.

-La Magdalena penitente. Gran belleza del rostro de la santa. La atención del cuadro se dirige al rostro y la mirada (luz). Colorido.

-Otros: San Juan Bautista, Santiago el Mayor, San Jerónimo Penitente, etc.

b) Francisco Ribalta (1565-1628). -Cristo abrazando a San Bernardo. Expresión de goce en el rostro de San

Bernardo al bajar estrechar Cristo sus brazos sobre él. La luz incide sobre

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el cuerpo de Cristo (estudio de la anatomía) y sobre el hábito blanco del santo.

C) Escuela Andaluza. -Sevilla 1ª mitad del siglo XVII. a) Francisco de Zurbarán (1598-1664). Zurbarán nació en Fuente de Cantos. Se formó como pintor en Sevilla

donde transcurrió la mayor parte de su vida. Fue de la misma generación que Velázquez. Sus clientes fueron preferente monjes y él, como ningún otro, los plasmó en sus obras. En sus cuadros trató de llegar a reflejar lo más elevado directamente -sin retórica (sin andarse por las ramas)-. En ellos transmite los ideales de la Contrarreforma y el intenso fervor de las Órdenes Religiosas. Zurbarán es el pintor de lo místico y de la expresión de los estados del alma, pero de forma serena, ya que los temas que pinta son siempre gozosos, no hay crueldad, solo contemplación afectiva. Los cuerpos de sus personajes aparecen inmóviles como si las fuerzas del cuerpo se hubieran congelado en un instante. En resumen, fue el pintor de la espiritualidad de los monjes. Por otra parte, es también tenebrista, ya que una luz blanca es la que ilumina muchos de sus cuadros. Otro género que cultivó fue el bodegón, al igual que Sánchez Cotán. Asimismo utilizó procedimientos ilusionistas en sus cuadros, propios de la pintura barroca (Ej. fingir una tela dentro del cuadro que parece clavada en una pared). Sus escenas se desarrollan en un ambiente cerrado por lo general (fondos neutros, arquitectónicos; a veces recurre al paisaje). En sus obras se aprecia una falta de profundidad. Tuvo escasa imaginación inventiva (Ej. las figuras aparecen en filas paralelas), sin embargo dotó de un gran poder expresivo a las manos y los rostros.

Obras: *Temas mitológicos e históricos: En la Corte madrileña intervino en la decoración del Salón de Reinos del

palacio del Buen Retiro (empresa acometida por el rey Felipe IV). -El socorro -defensa- de Cádiz. Es uno de los pocos cuadro de tema

histórico que pintó Zurbarán. Refleja el momento la defensa del ataque inglés de 1625. El fondo del cuadro parece un decorado teatral en el que está desarrollando la lucha, que es contemplada por un grupo de generales que planifican la estrategia militar. Es una pintura estática, sin movimiento.

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-Los trabajos de Hércules. Tema mitológico. Fue una serie cuadros que Zurbarán pintó para el Salón de los Reinos del Palacio del Buen Retiro. Hércules, hijo de Zeus y de Alcmena, una mortal, victima de un engaño recibió un castigo injusto; tuvo que superar una serie de pruebas, los llamados "Doce Trabajos de Hércules", entre los que estuvieron: acabar con el león de Nemea, cuya piel luego utilizó para cubrir su cabeza y cuerpo, matar a la hidra de Lena (de siete cabezas), deteniendo el curso del río Alfeo.., y que si las superaba sería convertido en dios. En estos tres "trabajos" aparece representado por Zurbarán.

Hércules es tratado como un símbolo de poder al servicio de la monarquía española (simbolizando al rey en su actividad), representando la fortaleza al servicio del bien.

* Temas religiosos. Como ya hemos analizado Zurbarán sobresalió por ser el pintor de los

monjes, resaltando los cuadros que hizo para: el monasterio de San Pablo de Sevilla (desaparecidos casi todos), las pinturas de la Cartuja de las Cuevas de Sevilla (San Hugo en el refectorio, La Virgen de los Cartujos), las del monasterio sevillano de la Merced (Aparición del apóstol San Pablo a San Pedro Nolasco), los cuadros para la Cartuja de Jerez de la Frontera (Los Santos Cartujos: San Bruno, el beato John Houghton, San Antelmo, cardenal Alberganti...) y

Un apartado especial hay que hacer sobre las obras del Monasterio de Guadalupe:

1- Se encuentran en la sacristía de dicho Monasterio. Constituye una de las pocas series de cuadros que se han conservado en el sitio para el que fueron concebidas.

2-Unas relatan episodios relacionados con la Orden Jerónima y sobre personajes ilustres pertenecientes a ésta; otras se refieren a la vida de San Jerónimo o acontecimientos importantes en la historia del convento: actos de caridad, humildad, milagros o apariciones. Entre ellas resaltan:

-La misa del padre Cabañuelas. El Padre Cabañuelas había tenido dudas sobre el misterio de la eucaristía. De repente, observó, diciendo la misa, que se elevaba la patena con la hostia consagrada y oía una voz que le decía: “calla lo que ves y termina lo que has empezado”. Hay que destacar el gesto de sorpresa del pabre Cabañuelas y el acompañante (acólito) que no se entera de nada.

-El padre Gonzalo de Illescas. Se trata de un magnífico retrato. El personaje, que estaba escribiendo, suspende la escritura para mirarnos de manera inquisitiva. Zurbarán en este cuadro se ha recreado en los objetos. En el fondo aparece una escena que alude a las cualidades del retratado.

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-La visión de fray Pedro de Salamanca -La despedida del padre Carrión -El milagro del padre Salmerón. El padre Salmerón en estado de éxtasis,

apareciendo de rodillas y con las manos juntas, recibe la caricia de Cristo que apoya suavemente la mano sobre este.

-Las tentaciones de San Jerónimo. De este cuadro merece la pena reseñar el tenebrismo, la influencia de Ribera y la simbología de las tentaciones que aparecen en forma de mujeres.

Otros: -La apoteosis de Santo Tomás de Aquino. -Cuadros sobre santas, que en opinión de algunos son verdaderos retratos

de damas de la época, en las cuales aparecen con vistosos vestidos: Santa Casilda (Zurbarán pintor de l as calidades se centra aquí en la ricas telas que viste la santa. Un lujoso traje que parece un anacronismo, pero que responde a la moda española del siglo XVII y le permite recrearse en un rico colorido: dorado, verde terciopelo, azul y rojo)., Santa Polonia, Santa Agueda, Santa Margarita, Santa Bárbara, Santa Marina, etc.

-Inmaculada (del Museo del Prado). * Bodegones. Los bodegones de Zurbarán son sobrios y en ellos se deleita en la

plasmación de las calidades de los objetos: el brillo de los metales, la textura de la cerámica, la piel de diversas frutas, etc.

-Bodegón con cacharros. (Museo del Prado). -Agnus Dei (Cordero). (Museo del Prado). Otros: b) Francisco Pacheco (1564-1654). c) Juan de Roelas (muerto en 1625). d) Herrera “el Viejo” (muerto en 1656). -Granada. b) Alonso Cano (1601-1667). -El milagro del pozo. Relata el momento en el que San Isidro rescata a su

hijo que ha caído a un pozo. Rasgos femeninos de los rostros. Rico colorido. Sevilla Segunda mitad del siglo XVII,

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a) Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682). Las preocupaciones artísticas de Murillo eran más pictóricas, como el

color, que plásticas (en relación al volumen y cualidades de los objetos). Los protagonistas de sus cuadros se inclinan hacia la gracia, incluso Murillo embellecía la realidad, haciéndola amable y agradable, aun en temas de miseria y pobreza. Sus modelos tienen cierto aire delicado y femenino. Creó en sus obras atmósferas cálidas y doradas (fondos de cuadros como los de la Inmaculada). Los colores que utiliza son transparentes, pero dando lugar al mismo tiempo en sus cuadros a espesas sombras que hacen surgir imágenes vaporosas (se han comparado con el tenebrismo de Rembrant). En cuanto a la temática de sus lienzos es sobretodo religiosa, trata de recoger el sentimiento místico, tan en voga en la religiosidad de la época y humaniza a las figuras religiosas acercándolas a la religiosidad popular (Ej. Vírgenes con rostro de niñas). También por medio de sus pinceles plasmó, los ambientes populares de los barrios sevillanos, haciéndose eco de la vida de mendigos y golfillos, los cuales parecen ser felices en su condición humilde.

Obras: *Religiosas. -Cristo que se desclava para abrazar a San Francisco. -Sagrada Familia del pajarito. -El Buen Pastor. (Museo del Prado). Murillo muestra a Cristo como a un

pequeño pastorcillo que posa suavemente la mano sobre el lomo de una mansa oveja en medio de fondo vaporoso

-San Juan Bautista con el cordero. -Los niños de la concha. -Inmaculadas. El tema de la Inmaculada fue el que más fama le dio. Este

artista representa a la Virgen María con rostros de niñas o de adolescentes, vestidas con amplios ropajes que se agitan al viento y que se elevan al cielo en medio de un fondo nebuloso de tonos cálidos y rodeados de pequeños angelillos juguetones (Ej. Inmaculada del Museo del Prado, antes de Soult; Inmaculada del Museo de Bellas Artes de Sevilla.)

-Anunciaciones. -El sueño y la revelación del patricio Liberio. (son dos cuadros) * Costumbristas. -Niños comiendo melón y uvas – o niños comiendo fruta- (Pinacoteca de

Munich). Pintura de género. Presenta a dos niños con aspecto de pobres, por aparecer descalzos y vestidos con harapos que disfrutan degustando distintas frutas, uno está metiéndose en la boca un racimo de uvas y otro mordisquea una tajada de melón que sostiene en la mano.

-Gallegas a la ventana.

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b) Valdés Leal (1622-1690). Valdés Leal fue sevillano. Encarna el lado más barroco de la pintura, es

decir, el apasionamiento y el movimiento. Tuvo un temperamento violento que se vio reflejado en sus pinceles. Tendió a reflejar lo melodramático y se interesó por temas especialmente desagradables o macabros. Pintó también Inmaculadas, en cuyas composiciones se aprecia un excesivo recargamiento de ángeles y motivos decorativos. Por lo que respecta a su técnica tuvo una ejecución rápida, con una pincelada irregular, amplia y deshecha. Su colorido es muy brillante.

Obras: *Cuadros para el Hospital de la Caridad. Son sus obras más singulares.

Esta institución fue fundada por un noble sevillano, don Miguel de Mañara, al que dedicó sus bienes y los últimos años de su vida. Los cuadros principales de Valdés Leal son los que protagonizan temas como la llegada de la muerte y el Juicio Final:

- “In Ictu Oculi” (Ictus-us: golpe, herida; se prodria traducir por: “En un abrir y cerrar de ojos”). Aquí se expresa la terrible miseria del fin de todo humano: la muerte. En él aparece un esqueleto portando un ataúd y una guadaña (símbolos de la muerte), que apaga con la mano una vela, representación de la vida, y se posa sobre el globo terráqueo y las vanidades del mundo (armas -espada- , cetros, libros, coronas, tiaras, etc.). Además, el esqueleto parece que tiene fijada su mirada en el espectador, mientras señala el letrero: “In ictu oculi”.

- “Finis Gloriae Mundi”. En la parte superior está reflejada una balanza que pende de la mano de Cristo (símbolo de la justicia divina) que está pesando las buenas y malas obras. En la zona inferior del cuadro se observan varios cadáveres en ataúdes abiertos en pleno proceso de descomposición y que exhiben los signos de poder y distinción que tuvieron en vida (obispo con sus vestimentas, caballero con el hábito de la Orden de Calatrava...).Valdés Leal querría significar la oposición entre las grandezas del mundo y la rigurosidad de la muerte que reduce todo a nada.

D) La Corte.Velázquez. a) Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660). Velázquez es uno de los pintores más grandes de la Historia de la pintura

española y universal. Nació en Sevilla cuando era la ciudad comercial más importante de España

(comercio con América). Trabajó desde pequeño en el taller de Pacheco, donde se formó como pintor y con cuya hija se casó. En 1622 marcha a Madrid donde el todo poderoso Conde Duque de Olivares le permite

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establecer los primeros contactos en la corte y un año después (1623) tras realizar varios retratos de gran trascendencia fue nombrando pintor de cámara del rey Felipe IV, autentico mecenas de Velázquez. La protección real le permitió vivir sin agobios económicos, y dedicarse con entera entrega a la producción artística y no tener que vender sus cuadros para subsistir. Conoció a Rubens. Hizo dos viajes a Italia (De 1629 a 1631 y de 1649 a 1651) en los cuales pudo admirar a los grandes artistas italianos del Renacimiento y de su época, comprar obras de arte y componer algunas de sus cuadros más afamados. Murió en Madrid en 1660.

Sus realizaciones se caracterizaron por: -Una elaboración minuciosa; sus cuadros están hechos sin prisas y

abundan en ellos los retoques. -La gran variedad de temas de su pintura: populares, mitológicos,

retratos, religiosos, paisajes, desnudos... -Pintar generalmente “allá prima”, o sea, sin dibujo previo. -No ser barroco según algunos tratadistas por la ausencia del sentido del

movimiento pero si lo es por el interés que muestra por la profundidad (perspectiva aérea) y la difuminación de las líneas (esfumado). El efecto de la profundidad lo consigue por medio de la luz, que incide sobre neblinas o nebulosas (La rendición de Breda) o sobre el polvo suspendido en el aire del interior de los edificios (Las Meninas), es a lo que se ha llamado “perspectiva aérea”. Otras veces se logra disponiendo el fondo del cuadro con mayor luz que el primer plano (Las Hilanderas).

-El empleo de colores como el verde, el azul y el blanco, con cierta preferencia sobre los demás que además tienen gran brillo.

-El profundo sentido de la realidad, pero más subjetiva que observada. La realidad no la capta tal cual es como si fuera una fotografía, sino que la reinterpreta.

-El recoger la influencia de otros pintores, según la opinión de ciertos historiadores del arte, aunque eso no le quita el mérito que tuvo como pintor: Miguel Ángel, El Greco, Durero, Tiziano y Ribera.

Obras: * Etapa sevillana. Se caracterizó por la influencia del tenebrismo de Caravaggio, los tonos

color madera y por captar las calidades de los objetos. Pintó bodegones, escenas de la vida diaria con tipos populares, cuadros religiosos, etc.

-El aguador de Sevilla. Se interpreta como una alegoría de las edades del hombre (niñez, madurez, senectud). Estudio de las calidades de los objetos.

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-Vieja friendo huevos. Pintura de género en la que una anciana rodeada de variados enseres de cocina (bodegón) ante la mirada de un niño. Las figuras se muestran de medio cuerpo.

- Cena de Emaús. -Jesús en casa de Marta y María. -Inmaculada. -San Juan de Patmos. -Adoración de los Magos. -Sor Jerónima de la Fuente (retrato). -Imposición de la casulla de San Idelfonso. * Primera etapa madrileña. Ya desde 1623 pintor de cámara del rey. Se dedicó fundamentalmente a

los retratos y los temas mitológicos, y se inicia en los temas históricos. Los retratos los suele situar sobre fondos claros, soliendo aparecer la figura aislada en el lienzo. La mitología la hace realidad a través de personajes de la calle en actitud desenfadada. Ahora sustituye las tonalidades madera de su época sevillana por las rosadas y blanquecinas y desaparece el fondo tenebrista (en los retratos)

-Varios retratos del Conde Duque de Olivares, del rey Felipe IV y del infante Carlos.

-Demócrito. -El bufón Calabacillas. -Los Borrachos o El Triunfo de Baco. Varios figuras que parecen pícaros

burlones, sacados de los ambientes de tabernas de la época, se apelotonan en torno a Baco, semidesnudo, celebrando con la alegría del vino cómo este personaje mitológico pone una corona con hojas de vid en la cabeza de uno de ellos. Resaltar el contraste entre la mitad derecha del cuadro con esos personajes populares frente a los desnudos clásicos de la izquierda.

* Primer viaje a Italia. Viaja para conocer y estudiar a los pintores del “Cinquecento”

(venecianos, romanos...). En sus obras aparece un gusto por la mesura y el equilibrio. Desaparecen los tonos negruzcos (tenebrismo), su pincelada se vuelve más fluida. Se interesa ahora por el paisaje, el desnudo y la perspectiva aérea.

-La Túnica de José. -La fragua de Vulcano. La escena representa a Apolo, irradiando una luz

resplandeciente, mientras comunica a Vulcano, dios del fuego y representado como un simple herrero del siglo XVII, que su esposa Venus le había sido infiel con Marte en el momento en el cual se disponía a elaborar

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una armadura con cuatro ayudantes. Resaltar el enojo de Vulcano y la atención y asombro que traslucen los demás personajes ante la noticia. Composición en torno a líneas verticales.

-Retrato de María de Hungría. *Segunda etapa madrileña. A su regreso de Italia, de nuevo en Madrid, Velázquez es ya una

personalidad artística madura y con un modo de expresión personal. Es un pintor cortesano.

-Cristo (de Velázquez). Es un Cristo que denota gran serenidad en relación a otras representaciones de sus contemporáneos. Sentido místico. No expresa tanto el dolor corporal sino el espiritual de estar abandonado a la más absoluta de las soledades.

-Tentaciones de Santo Tomás. *Ahora es el tiempo de sus grandes retratos, donde uso tonos plateados

brillantes, en los que descuella el tratamiento dado a la psicología de los personajes:

-Varios dedicados a Felipe IV. -El príncipe Baltasar Carlos. -Retratos de Bufones: El bufón don Pablos. El niño de Vallecas, ser

deforme con una enorme cabeza. El Primo... -Retratos ecuestres, en los que se dispone al caballo en marcha, saltando

o haciendo una pirueta; y normalmente con el fondo paisajístico de la sierra de Guadarrama. Destacar los que hizo para Felipe III, Margarita de Austria.

Por otro lado están los de: *Felipe IV. En él aparece de perfil, con el caballo en corbeta, una

posición difícil para el caballo y para el que lo dirige. Subrayar las correcciones de Velázquez (patas...)

*El Príncipe Baltasar Carlos. Aparece con las galas de general, dominando el galope del caballo- (captación de la atmósfera y división del paisaje en tres franjas diagonales).

*Isabel de Borbón. En este retrato el caballo marcha al paso como si se desplazara en un trono móvil.

Todos ellos estaban destinados a decorar el salón del reino del Palacio del Buen Retiro.

*El Conde-Duque de Olivares. Composición dinámica en tono a una diagonal que forma el caballo en corveta que se gira hacia el fondo del cuadro, mientras el jinete en pose de majestuosidad mira hacia el espectador.

-Temas mitológicos: Esopo y Menipo.

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*Tema histórico: Las Lanzas o La rendición de Breda. Es otro de los cuadros de batallas, destinado al Salón de los Reinos del palacio del Buen Retiro. El cuadro conmemoraba el décimo aniversario de la rendición de la plaza fortificada holandesa de Breda (1625) frente a las tropas españolas, mandadas por Ambrosio de Spínola. Resalta la hidalguía del vencedor que quiere evitar la humillación del vencido (J Nassau). En la composición se distingue la verticalidad de las lanzas de los tercios españoles frente a las escasa y desordenadas picas de los holandeses; así como las diagonales que marcan por un lado la pica un holandés, por otro el estandarte del grupo de los vencedores y el caballo visto desde atrás (escorzo). El fondo es nebuloso, reflejándose la luz en la vaporosidad de las nubes y columnas de humo (perspectiva aérea). La profundidad se afianza con ese paisaje del fondo que se pierde en la lejanía y también es logrado mediante sucesivos planos (visto a través de las lanzas, matizado por diversos colores azules, grises y verdes gracias a la luz y las humaredas).

* Segundo viaje a Italia. El motivo del viaje fue adquirir obras de arte para los salones del

reformado Alcázar de los Austria, para lo cual estuvo en Venecia y pasó una larga estancia en Roma.

Se acrecienta la fluidez de su pincelada, la captación de la atmósfera luminosa y del paisaje.

-Retrato de Inocencio X. Tono rojo carmesí y blanco matizado por la luz. Sobresale el rostro enérgico del papa. Pinceladas largas y sueltas. Se cuenta que cuándo el papa lo vio exclamó: “troppo vero” (demasiado real).

-Retrato de Juan de Pareja. Esclavo y ayudante de Velázquez. También era pintor. Aparece en un gesto de altivez. Introduce la novedad de interesarse por el efecto cambiante de las cosas y de los colores bajo la luz y la atmósfera interpuesta.

-Cuadros sobre la Villa Médicis. Son pequeños lienzos en los que capta como incide la luz en dos momentos puntuales del día, sirviendo de antecedente remoto del movimiento pictórico del Impresionismo.

-Venus del Espejo. Es un desnudo femenino. La composición se ordena en torno a la amplia curva que describe el cuerpo de Venus, la cual aparece de espaldas, desnuda, y mirando hacia un espejo sostenido por un amorcillo donde podemos observar su rostro. Se opone la belleza idealizada del cuerpo con la cara poco agraciada reflejada en el espejo. (Algunos lo sitúan dentro de su último periodo).

*Ultimo periodo.

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Es el de sus algunas de sus obras culminantes de su producción tanto por la complejidad de sus composiciones como por la perfecta plasmación del aire ambiente (perspectiva aérea):

-Las Meninas. – cuadro denominado “la Teología de la Pintura” por Manet- El centro de la composición lo ocupa la infanta Margarita (de 5 años), rodeada de sus damiselas de honor (meninas, de dónde le viene el nombre al cuadro), varios enanos -también un mastín- que esta mirando a los reyes situados fuera del cuadro y que posan para el retrato que les está haciendo Velázquez (a la izquierda) -lo podemos adivinar ya que sus figuras aparecen sobre un espejo al fondo de la habitación-. La luz tiene varios focos, resaltar el de la izquierda en primer plano, que ilumina el rostro de los personajes, los vestidos, joyas... y el que entra por la puerta abierta al final acrecienta el sentido de profundidad. La perspectiva aérea está obtenida por medio del aire denso que envuelve el ambiente de la habitación en la que se desarrolla la escena. En cuanto a la técnica Velázquez utilizó gruesas pinceladas.

-Las Hilanderas o la Leyenda de Aracne. Durante muchos años se ha interpretado como un cuadro costumbrista (un grupo de hilanderas haciendo hilo) hasta que se ha encontrado su significado mitológico: La disputa entre la tejedora Aracne (Ariadna) y Atenea, diosa de la sabiduría y de las artes y oficios. En el cuadro se distinguen varios planos: 1-Un grupo de mujeres. Una de ellas con una blusa blanca y falda verdosa podía ser Aracne, mientras, a la izquierda la que mueve la rueca sería Palas Atenea disfrazada de vieja, pero que queda delatada por su juvenil pierna. 2- Mujer a contraluz, que parece recoger madejas del suelo. 3-Al fondo, una habitación en la que hay tres damas que contemplan un tapiz y la escena en la que Atenea, con casco, lanza y la mano levantada, dirigiéndose en actitud conminatoria a Aracne, delante de su tapiz en el que ha tratado de forma irreverente el tema del rapto de Europa por Zeus (a la que convirtió como castigo en araña). La profundidad se realza por el foco de luz de la parte final (los rayos luminosos caen perpendicularmente) y la mayor oscuridad de la zona donde están las hilanderas.

E) Otros Escuela Madrileña. Discípulos de Velázquez: k) Juan Bautista Martínez de Mazo. Otros: l) Antonio de Pereda (1608-1678). m) Fray Juan Rizzi (1600-1681). Segunda mitad del s.XVII:

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n) Francisco Rizzi, (hermano del anterior). -Auto de Fe de la Plaza Mayor de Madrid. ñ) Francisco Herrera El Mozo. o) José Donoso Jiménez. Los más destacados fueron los retratistas: p) J. Carreño de Miranda (1614-1685). -La Mostrua. -Retratos de Carlos II de niño. -Retratos de Doña Mariana de Austria, -Retrato de la Marquesa de Santa Cruz. q) Claudio Coello (1642-1693). Obras: -Retratos de Carlos II. Desde 1683 era el pintor del rey. -Adoración de la Sagrada Forma, del Monasterio de El Escorial.

UNIDAD DIDÁCTICA ELABORADA POR: • José Jerónimo Rodríguez Carrasco. • Profesor de Geografía e Historia. • I.E.S. Sierra La Calera. Santa Marta

(Badajoz)

EL SIGLO XVII. EL BARROCO. 1 · 2019-02-21 · Se han dado diversas interpretaciones sobre el...

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