Edición: Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí ...

Edición: Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí ©

Coordinación editorial: Aldo Arellano ParedesTextos: Juan Manuel Carreras LópezArmando Herrera SilvaAldo Arellano ParedesMaría José de SimónLuis Ignacio SáinzJavier RamírezSantiago Espinosa de los MonterosAntonio EspinozaJannette BetancourtJorge JuanesLeila DribenLaura Elena González

Traducción: Beatríz Ruiz VillasusoDiseño y fotografía: Mauricio Hernández González

Este libro no puede ser fotocopiado ni reproducido total o parcialmente por ningun medio o método sin la autorización por escrito del editor.

This book may not be reproduced, in whole or in part, in any form, without written permission from de publishers.

Portada: Irving con pixelesisbn:

Museo de Arte Contemporáneo de San Luis PotosíMorelos 235Zona Centro, C.P. 78000, San Luis Potosí, S.L.P.Tel. (444) 814 4363 / 814 [email protected]

MateriaanimadaMaría José de Simón

Gobierno del estado de san luis Potosí

Juan Manuel Carreras López

Gobernador Constitucional

Armando Herrera Silva

Secretario de Cultura

Museo de arte ConteMPoráneo de san luis Potosí

Aldo E. Arellano Paredes

Dirección General

David G. García Reséndiz

Museografía

Mauricio Hernández González

Diseño

Cecilia Meza Covarrubias

Relaciones Públicas

Gerardo Juárez Lozano

Subdirección Administrativa

Berenice Palacios Macías

Contabilidad

Margarita Juárez Álvarez

Documentación

Marco A. Cuautli Peña

Seguridad y Mantenimiento

Junta de Gobierno

Museo de arte ConteMPoráneo

Juan Manuel Carreras López

Presidente Honorario

Armando Herrera Silva

Presidente Ejecutivo

Fernando Carrillo Jiménez

Secretario

Elías Pesina Rodríguez

Vocal

José Luis Ugalde Montes

Vocal

María de los Remedios Pérez Zamora

Vocal

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Contenido

La materia animada de María José de Simón 17

Desde la mirada del arte de María José de Simón 27

Materia Animada. María José de Simón 33

Obra escultórica deteriorable 39

Materia animada: prefiguraciones 47

A propósito de María José de Simón 47

María José de Simón y el instinto creativo 93

María José de Simón; La pregunta agazapada 121

Sueños no revelados 131

La tensión como clave del movimiento 141

Fragmentos, despojos, silencio 169

María José de Simón: entre el clasicismo y la nueva pintura 185

Tiempo residual 199

Semblanza 211

Catálogo de obra 223

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En San Luis Potosí, la cultura y el arte son instrumentos de reflexión que nos permiten comprender los fenómenos de la existencia humana, identificarnos con la otredad, e in-tegrarnos con el mundo que nos rodea. Por ello nuestros museos y recintos culturales suelen convertirse en fuentes de abundan-tes contenidos sensoriales y en escenarios de propuestas estéticas ricas, complejas y profundas, las cuales pretendemos que im-pulsen al público a un mayor conocimiento y a una mayor relación de cordialidad con su entorno, pues la cultura genera comu-nidad y sentido de orgullo y de pertenencia hacia esta tierra generosa.

Tal es el caso de “Materia animada”, ex-posición plástica de María José de Simón cuyo cuestionamiento en torno al paso del tiempo y la consecuente re-significación del objeto utilitario a modo de obra de arte, se hermana con la búsqueda de respues-tas que le otorgan un espíritu propio a las piezas pictóricas y escultóricas que la com-

La materia animada de maría José de simón

María José de siMón’s aniMated Matter

In San Luis Potosí, Culture and Art are instruments of reflection that allow us to understand the phenomena of human existence, identify with otherness, and integrate with the world around us. That is why our museums and cultural sites tend to become sources of abundant sensory content and rich, complex and deep aesthetic proposals, which we hope will encourage the public to greater knowledge and a greater cordial relationship with their environment, since the culture generates community and sense of pride and belonging to this generous land.

Such is the case of “Animated Matter”, a plastic exhibition by María José de Simón whose questioning about the pass of time and the consequent re-signification of the utilitarian object as a Work of Art, is associated with the search for answers that they give their own spirit to the pictorial and sculptural pieces that compose it. In them, the imagination and the libertarian

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ponen. En ellas, la imaginación y el espíritu libertario de toda una generación de crea-doras hispanoamericanas añade, al discur-so de lo estético, el lenguaje concreto del género, enfocado fuertemente hacia la pro-testa vista como propuesta estética.

Si la educación artística es una forma de vincularnos con el futuro y anticiparnos a los retos que nos depara la previsible reac-ción de un planeta agotado por la acción del ser humano, la obra de María José de Simón es un mensaje muy claro en torno a esa preocupante realidad. Bajo esa premi-sa, la generación del mañana es el principal destinatario de su creación, lo que nos deja a nosotros el contemplarnos, a manera de espejo, en el reflejo de nuestra correspon-sabilidad social.

México es un país cuyas principales ca-pitales son museos vivos y en constante movimiento, gracias a la poderosa energía de un pueblo que se siente identificado con

spirit of a whole generation of hispanic-american creators add, to the discourse of the aesthetic, the concrete language of the genre, strongly focused on the protest seen as an aesthetic proposal.

If the artistic education is a way to link with the future and anticipate the challenges that the foreseeable reaction of a planet exhausted by the action of the human being, the work of María José de Simón is a very clear message about that worrying reality. Under that premise, the generation of tomorrow is the main recipient of its creation, which allows us to contemplate ourselves, as a mirror, in the reflection of our social co-responsibility.

Mexico is a country whose main capital are living museums and in constant movement, thanks to the powerful energy of the people that feels identified with what challenges their paradigms and confronts their social conventions. In this sense, the museums of

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aquello que desafía sus paradigmas y con-fronta sus convencionalismos sociales. En ese sentido, la planta museística de San Luis Potosí posee una energía poderosa que expande continuamente sus horizontes mediante exposiciones como esta “Mate-ria animada” que hoy habita los muros del Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí.

Juan Manuel Carreras LópezGobernador Constitucional del Estado de San Luis Potosí

San Luis Potosi possess a powerful energy that continually expands its horizons through exhibitions such as this “Animated Matter” that today inhabits the walls of the Museum of Contemporary Art of San Luis Potosí.

Juan Manuel Carreras LópezConstitutional Governor of the State of San Luis Potosi

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Cat. 1

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desde La mirada deL arte de maría José de simón

FroM the PersPective oF Maria José de siMón’s art

Desde la mirada del arte, el artista nos contem-pla; y es en ese espejo de miradas donde se reconocen y se funden los espíritus del creador y el espectador. Bajo esa óptica, la permanencia de la obra es la eternidad del autor que se sustenta sobre la brevedad de quien pasa frente a un cuadro, se detiene ante una escultura, observa una escena tea-tral o se desliza sobre un verso.

En ese asombroso encuentro entre lo efíme-ro y lo eterno surge, como una epifanía, la reflexión en torno a lo creado: aquello que por su belleza nos atrapa, también nos de-fine como entes espirituales e intelectuales. La sensibilidad del pensamiento es, por ende, superior a la emocionalidad del cora-zón; pero no ocurre la primera sin la segun-da y, en consecuencia, no existe arte sin la conjunción de ambas premisas.

Sucede entonces que el objeto insuflado por el arte cobra vida, y asume su personalidad ante el observador al igual que lo hacen los

From the perspective of art, the artist contemplates us; and it is on that mirror of looks where the spirits of the creator and spectator recognize each other and fuse. From this point of view, the permanence of the work is the eternity of the author that is based on the brevity of whoever passes in front of a painting, stops before a sculpture, and observes a theatrical scene or slide on a verse.

In this amazing encounter between the ephemeral and the eternal emerges, like an epiphany, the reflection about the creation: what by its beauty catches us, also defines us as spiritual and intellectual beings. The sensitivity of thought is, therefore, superior to the emotionality of the heart; but the first does not occur without the second and, consequently, there is no art without the conjunction of both premises.

It happens then that the object insuflate by the art comes alive, and assumes its

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animales en cautiverio: girando en círculos dentro de los límites que inhiben su fuga. Y es ahí donde la materia animada, se vuelve igualmente sensible, racional, y trata de co-municarse con nosotros para contar la his-toria de sus cicatrices, de sus rupturas, de sus vetas, de sus días aciagos y sus felices días.

En esa aparente “toma de conciencia” de su existencia como tal, la esencia espiritual de la materia es el recuerdo de su razón de ser; y es ahí donde la obra de arte surge del objeto aparentemente inútil, de aquello que se percibe como obsoleto (que no es otra cosa que la degradación de lo funcional, la pérdida de lo agradable) tal como surge la sabiduría de un mendigo, llámese Diógenes o Tiresias.

María José de Simón así lo hace sentir en cada una de las piezas que conforman esta colección de objetos animados que desfilan como vestigios que han sido recuperados

personality right before the observer just as captive animals do: turning in circles within the limits that inhibit their escape. And that is where matter animated, becomes equally sensitive, rational, and tries to communicate with us to tell the story of its scars, its ruptures, its veins, its dark days and happy days.

In that apparent “awareness” of its existence as such, the spiritual essence of matter is the memory of its reason for being; and this is where the Work of Art arises from the seemingly useless object, from that which is perceived as obsolete (which is nothing other than the degradation of the functional, the loss of the pleasant) as the wisdom of a beggar emerges, call it Diogenes or Tiresias.

María José de Simón makes it feel so in each of the pieces that compose this collection of animated objects that parade as vestiges that have been recovered from oblivion, that have suffered the wear and tear of their

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del olvido, que han sufrido el desgaste pro-pio de su ciclo vital, pero que en manos de la artista recuperan la belleza y el esplendor de aquello que, en principio, fue llamado a la creación para trascender y quedarse den-tro de nosotros, en lo más vivo de nuestras emociones.

Para la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de San Luis Potosí, la presen-cia de artistas de la talla de María José de Simón es ejemplo de que los mensajes del arte deben trascender a la sociedad que los escucha, dentro y fuera de los recintos que los acogen, pues de ese intercambio de mi-radas encontradas en el espejo de la crea-ción es de donde surgirán las respuestas a las preguntas más complejas de nuestra era.

Armando Herrera SilvaSecretario de Cultura de San Luis Potosí

life cycle, but that in the hands of the artist they recover the beauty and the splendor of what, in principle, was called to creation to transcend and stay within us, in the most vivid of our emotions.

For the Ministry of Culture of the Government of the State of San Luis Potosí, the presence of artists of the stature of María José de Simón is an example that the messages of art must transcend the society that listens to them, inside and outside the enclosures that they welcome them, because from that exchange of found looks in the mirror of creation is where the answers to the most complex questions of our era will emerge.

Armando Herrera SilvaMinister of Culture of San Luis Potosi

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materia animada. maría José de simón

aniMated Matter. María José de siMón

El Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí se complace en presentar la exposición Materia animada de la artista española María José de Simón Casuso, quien cuenta con una amplia trayectoria en el ámbito de las artes plásticas, y cuya crea-tividad se ha enfocado principalmente a la producción de pintura, escultura y gráfica.

La obra de María José, a juicio de los espe-cialistas, se ubica en la esfera del arte ges-tual abstracto. Sin embargo, más allá de eti-quetas que deben tomarse sólo como guías orientadoras de tendencias, su trabajo plás-tico abre una multiplicidad de lecturas para el espectador.

La pintura de María José de Simón se carac-teriza por su intensidad. Los violentos em-plastes de colores contrastantes que utiliza, producen no sólo efectos visuales de gran profundidad, sino también un impacto en el estado de ánimo del observador. Mediante una limitada –pero no limitante– paleta de

The Contemporary Art Museum of San Luis Potosí is pleased to present the exhibition animated Matter by the Spanish artist Maria José de Simón Casuso. Who carries a wide trajectory in the plastic arts field and whose creativity has focused mainly on the production of painting, sculpture and graphics.

Maria José’s work, in the opinion of specialists, is located in the sphere of gestural abstract art. However, furthermore the tags which must be taken only as directional guides of tendencies, her plastic work opens up a multiplicity of readings for the spectator.

María José’s painting is characterized by its intensity. The violent plasters of contrasting colors, which she uses, produce not only visual effects of great deepness but also an impact in the mood of the observer. By a limited- but not limiting- color palette, the artist explores nuances, forms and rhythms,

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colores, la artista explora matices, formas y ritmos que al final dan como resultado, cua-dros que invitan al diálogo y a una pausada contemplación.

Sus esculturas, en cambio, son meditadas reconstrucciones de materiales desecha-dos. Por medio de un trabajo paciente y la-borioso, la artista dota a sus piezas de una nueva vida, destinada a la utilidad estética. Se puede decir que sublima la materia y en-riquece lo que fue considerado un objeto empobrecido y sin el menor merecimiento de atención.

Para el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí es un gusto recibir la mues-tra Materia animada, que permite refrendar la vocación de este espacio para la promo-ción y difusión de las expresiones artísticas actuales, donde la premisa fundamental es la calidad de las creaciones y la solidez pro-fesional de sus autores.

Aldo Arellano ParedesDirector GeneralMuseo de Arte Contemporáneode San Luis Potosí

which in the end result as paintings that invite to dialogue and to a paused contemplation.

Her sculptures, on the other hand, are meditated reconstructions of discarded materials. By means of a patient and laborious work, the artist endows her pieces with a new life, destined for aesthetic utility. It can be said that it sublimates the matter and enriches what was considered an impoverished object and without the least deserving attention.

To the Contemporary Art Museum of San Luis Potosi it is a delight to welcome the exhibition Animated Matter, which confirms the vocation of this space for the promotion and dissemination of current artistic expressions, where the fundamental premise is the quality of the creations and the professional solidity of their authors.

Aldo Arellano ParedesGeneral DirectorContemporary Art Museumof San Luis Potosi

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deteriorable sculPtural Work

Parting from the modern language of painting and in a change process towards other sheds of art, I presently make pieces that coincide in part with the concept of “arte póvera”, this is, appreciating the transformations to which the materials are subject, due to climate or chemical changes, deteriorating, transforming the initial piece, exploring the anti-shape, the destruction and procedural dimension. Pieces that at some point can deteriorate and disappear…

The production process is very much present since it creates textures, shadows, unions, shapes that fuse with the final piece, worked with feminine strength and aggressiveness, the action upon the material being by hitting it, twisting it, forcing it to acquire impossible shapes, results in sculptures with no concrete angles, with no common shapes, unstable, and apparently weightless.

I use waste materials, old iron and wood,

turning them in pieces that are never finished. They are collected, saved. I try to give them their beauty back, using found scraps, nailed, included and treated so it becomes part of what once was a tree, returning them their unlived years.

My work might be considered a reflexive critic towards the quantity of discarded materials that surround us and are considered useless.

María José de Simón

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obra esCuLtóriCa deteriorabLe

Partiendo del lenguaje moderno de la pin-tura y en un proceso de cambio hacia otras vertientes del arte, realizo en la actualidad piezas que coinciden en parte con el con-cepto de “arte póvera”, esto es, valoran-do las transformaciones a las que están sujetos los materiales, debidas a cambios climáticos o químicos, deteriorándose, transformando la pieza inicial, explorando la antiforma, la destrucción y la dimensión procesual. Piezas que en algún momento pueden deteriorarse y desaparecer...

El proceso de producción está muy pre-sente dado que crea texturas, sombras, uniones, formas que se fusionan en la pieza final, trabajados con fuerza y agresividad femeninas, la acción sobre el material ya sea golpeándolo, torsionándolo, obligándolo a adquirir formas imposibles, resulta en es-culturas sin ángulos concretos, sin formas comunes, inestables, con apariencia de in-gravidez.

Utilizo materiales de desecho, hierros vie-jos y maderas transformándolos en piezas que no acaban de estar terminadas. Son recogidos, salvados. Intento devolverles su belleza, utilizando pedacería encontrada, clavada, incluida y tratada para que forme parte de lo que alguna vez fue un árbol, de-volviendoles años no vividos.

Mi obra puede considerarse una crítica re-flexiva hacia la cantidad de materiales des-echados que nos rodean y se consideran inservibles.

María José de Simón

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Hay objetos en los que todos los contornos son equívocos y que, no obstante, satisfacen infinita-mente. Son las buenas obras en mosaico, que, en su mayor parte, son desarrollos de poliedros. Pue-de comparárselas a un concierto de música: y no son tanto composiciones de partes como compo-siciones de todos. En esta especie de obra cada parte puede ser la parte principal y posee muchos todos diferentes, regulares y perfectos, y el movi-miento más imperceptible del ojo hace cambiar la idea del todo, lo que produce una riqueza asom-brosa de objetos.

Frans Hemsterhuis*

Contra el olvido, María José Simón recu-pera despojos y, sin aspavientos, proce-de a su deconstrucción. Caza o recolecta desechos que sobreviven por su ejercicio evocativo: detenerse en que, alguna vez, cumplieron función y sentido, vertebraron espacio y clamaron por el porvenir. Nada de esas aspiraciones se sostuvo en los propios

materia animada: prefiguraCionesa propósito de maría José de simón

aniMated Matter: PreFigurations about María José de siMón

There are objects in which all edges are mistaken and, however, are infinitely satisfying. The good mosaic works are, in their majority, polyhedron de-velopments. Those can be compared to a music concert: and they are not as much compositions of parts as compositions of all. In this type of work each part could be the principal and it possesess much of all different, regular and perfect, and the most unpredictable movement of the eye makes the idea of the whole change, which produces an amazing richness of the objects.

Frans Hemsterhuis*

Against oblivion, Maria José de Simón retrieves remains and, with no trouble, she proceeds to its deconstruction. Hunts or recollects wastes that survived trough her evocative exercise: pause in the fact that, once upon a time, they had a function and a sense, vertebrate space and claimed the time to come. None of those aspirations sustained themselves in the very objects or

* (1721-1790): Escritos sobre Estética. Carta sobre la Escultura. Simón, o de las facultades del alma, traducción, introducción y notas de Manuel Pérez Cornejo, Col·lecció estètica & crítica, núm. 6, Valencia, Universitat de València, 1996, p. 107.

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objetos o en sus fragmentos; vejados y mo-dificados, fueron subsumidos en una nueva categoría expresiva de la nada: la basura.

Y la pesadumbre del tiempo sólo pudo con-tenerse en virtud de un instante de empa-tía con esos gajos de antigua materialidad, pensarlos de nueva cuenta, reconstruir con-jeturalmente su origen, dotarlos de un sitio y un signo en la oralidad que desea, amén de analizarlos, insuflarles nueva vida. Luego entonces, el proceso de composición de-viene respiración artificial y posibilidad de intención significante. Lo expresa como si tal cosa el filósofo holandés: “no son tanto composiciones de partes como composi-ciones de todos”.

En su invalidez y al ya no poder cumplir el cometido de su razón de ser, los objetos rescatados adquieren una personalidad dis-tinta, de nuevo tipo, que hace caso omiso de los “faltantes”. Por lo que, su ser lisiado, la

within their fragments; vexed and modified, they were subsumed in a new expressive category of the nothingness: the trash.

And the grief of time could only be contained in virtue of an instant of empathy with these segments of antique materiality, to think of them again, reconstruct their origin conjecturally, gift them with a place and a sign within the desired orality, amen of analyzing them, insufflate a new life. Then again, the composition process becomes artificial breathing and possibility of significant intention. Expressed as if such thing by the Dutch philosopher; “they are not as much compositions of parts as they are compositions of all”.

Within their disability, and not being able to accomplish their duty of their raison d’etre, the rescued items acquire a different personality, of a new type, which ignore the “missing pieces”. Therefore, their crippled being,

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condición de la falta, desaparece hasta en-tronizarse en un holismo volcado al futuro. Al modo de una paradoja, será el recuerdo un lastre, si bien condición necesaria para su recuperación (existencia salvífica) cósica, límite para su movimiento ulterior, ya que los accidentes y las amputaciones, le impedi-rán a esa materia operar en la idealidad de su pasado, debiendo postular una manera distinta de presentificarse en la realidad del mundo, por tal motivo, se reinventa como una totalidad emergente.

Desde este punto de vista, los objetos aban-donados, en la medida en que son interveni-dos y se les transfiere un significado abierto, se metamorfosean en esculturas, lo que sig-nifica conquistar un estatuto objetivo, una volumetría y una identidad en cuanto forma. Semejante proceso de invención y fantasía se impone en lógica del descubrimiento y lógica de su reconocimiento. Existe desde sí, con independencia de la mirada de quien

the missing condition, disappears until it is enthroned in a holism towards the future. To the way of a paradox, the remembrance will be ballast, although the needed condition for the puppet-like recovery (salvific existence), limit for its ulterior movement, in as much as accidents and amputations prevented that matter to operate in the ideality of its past, having to postulate a different manner of presentfying in the reality of the world, for this reason, its reinvented as an emergent totality.

From this point of view, the abandoned objects, as they are intervened and transferred an open meaning, they metamorphose in sculptures, which means to conquest an objective statute, a volumetry and an identity regarding shape. Similar is the process of invention and fantasy imposed in the logic of discovery and the logic of its recognition. It exists from within, with an independence of the watching eye. Without forcing it too much,

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la observa. Sin forzarlo demasiado, quien trabaja la materia prima también interviene su significación, alcanzando y ejerciendo con ello una facultad genética adicional: escultora-artista-creadora.

La posibilidad de lo existente y la existen-cia de lo posible ancla en una concepción continua del tiempo, que solo por efectos explicativos se categoriza en fases conven-cionales, artificiales: el presente del pasa-do (la evocación como reconstrucción), el presente del presente (la oportunidad de lo inmediato) y el presente del futuro (la espera y su buenaventura). De detenernos en su al-cance, descubriremos que aquello que hace al tiempo serlo reside con propiedad en su avidez de futuro. Incluso en el recuerdo se criba lo efectivamente acontecido, perma-neciendo aquello que elige por interés el sujeto memorioso en y desde un momento posterior al que –en teoría- desencadena la reminiscencia.

who works the prime matter also intervenes its meaning, reaching and performing with it a genetic additional faculty: sculptress- artist- creator.

The possibility of the existent and the existance of the possible is anchored in a continous conception of time, that only by explicative effects is categorized in conventional phases, artificial: the present of the past (the evocation as reconstruction), the present of the present (the opportunity of the immediate) and the present of the future (the wait and its good fortune). To stop at its scope, we discover that whatever makes time being resides with property on its avidity of future. Even on the remembrance is screened what actually happened, remaining that what chosses by interest the memory subject in and from a posterior moment to which – in theory – unchains the reminisence.

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Tres ejes conceptuales atraviesan el meca-nismo de la memoria en tanto estrategia de preservación si no del ser al menos de sus representaciones, intenciones y quizá cons-telaciones de sentido: affectio, vestigium y concatenatio. La memoria no sólo remite a las afecciones, esas propiedades de que disponen las cosas de influir (afectar) a los órganos sensoriales, sino que se insertan luego en la complejidad sensorial y de la percepción donde se reúnen las representa-ciones (vestigios) del pasado y del futuro, de lo contingente y de lo posible. La memoria es un esquema de la imaginación (σχῆµα o figura, configuratio), es decir, es una estruc-tura (concatenación o secuencia inteligible) por la cual el individuo responde activa o pasivamente frente a la exterioridad.

De modo tal que será la memoria la única causa plausible del surgimiento de la his-toria propiamente humana, pues supone y se propone el desvanecimiento del mito en la razón. Hegel que adoraba el pensa-

Three conceptual axes traverse the memory mechanism as a strategy of preservation if not of the being at least of its representations, intentions and perhaps constelations of sense: affectio, vestigium and concatenatio. The memory not only refers to the affections, those properties of which things dispose to have an influence (affect) on the sensorial organs, but they are later inserted in the sensorial complexity and the perception where the representations (vestiges) are reunited from the past and the future, the contingent and the possible. Memory is a scheme of imagination (σχῆµα or figure, configuratio), namely, it is a structure (concatenation or intelligible sequence) by which the individual responds actively or passively before the exteriority.

So that it will be the memory the only plausible cause of emergence of the human history itself, for it supposes and it’s purposed the fading of the myth within the reason. Hegel who adored the thought of the

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miento de la Hélade, no puede menos que celebrarlo: “La memoria es la cuerda de la que penden estrangulados los dioses grie-gos”, consigna en sus escritos de juventud (¿1796?), aludiendo al imperativo de que sin la inmolación de la divinidad el ser, en cali-dad de sujeto activo, estaría impedido de dotarse de un sentido como destino, y ten-dría que contentarse con la calidad o condi-ción de creatura.

María José Simón dirige todas sus baterías intelectivas y sensibles a reapropiarse del entorno, la circunstancia que nos engulle, y hacerlo para salvarnos en la misma me-dida en que respetemos la naturaleza. Su obra adquiere una connotación de grito o aviso de una muerte anunciada que debe frenarse de tajo, si en verdad confiamos en legar un futuro a las generaciones venide-ras. Paremos el dispendio, recuperemos nuestra condición de ciudadanos por enci-ma de la vocación de consumidores, podría ser su bramido de guerra. Por lo pronto es

Hellas, it cannot but celebrate: “ Memory is the rope in which the strangled Greek gods hang”, he consigns in his Youth Writings (¿1796?), alluding to the imperative that with no immolation the divinity of the being, the quality of the active subject, would be prevented from equipping from a sense of destiny, and it would have to be content with the quality or condition of creature.

María José de Simón directs all of her intellectual and sensitive batteries to re- appropriate from the environment, the circumstance that engulfs us, and doing it to be saved in the same measure in which we respect nature. Her work acquires a connotation of a shout or warnings to an announced death that must be stopped at once, if we really trust in bequeath a future to the upcoming generations. Lets stop the expense, and recover our condition of citizens above the consumer’s vocation; it would be their war bellow. For now it is an idea in movement, transformed in plastic,

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una idea en movimiento, transformada en plástica, una impronta reconocida en las piezas de esta exposición, densa y lumino-sa, agrupada alrededor del nombre de Ma-teria animada, que alberga el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, y que se beneficia de una curaduría rigurosa y un montaje innovador a cargo de Aldo Arellano.

La expositora no varía su método de trabajo tratándose del soporte de su composición, lo mismo aplica para la escultura que para la pintura. En ambas dimensiones o vertientes nos topamos con una crítica reflexiva sobre la escasez y la abundancia, y sus efectos en materia de contaminación ambiental, sa-turación química y cambio climático, de allí que los cuadros registren los procesos de ensamblaje de las masas recolectadas, su itinerancia en favor de la luz y las texturas, la definición de espacios, profundidades y juegos geométricos, sin que mecánicamen-te funjan de bitácora de los volúmenes y las masas. Empero, sí guardan relación poética

an imprint recognized in the pieces of this exhibition, dense and luminous, grouped around the name of Animated Matter, which is hosted by the Contemporary Art Museum in San Luis Potosi, and which benefits from the rigorous curatorship and an innovative assembly by Aldo Arellano.

The exhibitor does not vary her work method when it comes to the support of its composition; the same applies to the sculpture as to the painting. In both dimensions or sheds we come across a reflexive critic about scarcity and abundance, and its effects in matters of enviromental pollution, chemical saturation and climate change, therefore the paintings register the processes of assembly of the masses recollected, its roaming in favor of the light and textures, the definition of spaces, deepness and geometrical games, without mechanically serve as a binnacle of volumes and masses. But, they do keep a poetic relationship in their vocabulary, the matrixes,

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en su vocabulario, las matrices, los sellos, los guiños estéticos; sí defienden un mis-mo código de austeridad y hasta severi-dad que, como lo trae a colación la propia creadora, distinguen al arte póvera, así de-nominado por el crítico genovés Germano Celant (1940; curador de arte contemporá-neo del Museo Guggenheim de Nueva York) en 1967 a propósito de una muestra en la Galería Bertesca-Masnata, por recurrirse a materiales humildes no industriales, que permiten apreciar su capacidad de cambio y deterioro.

Con motivo de su Luto riguroso (2014) en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez de Zacatecas, ya había identificado: “trazos peregrinos, en ejercicio lúdico, en rotación sinfín, gajos del ánimo repelente a pensar de más, sólo lo necesario, esa brizna útil de la mente asumida vasalla de la emoción y el ánimo”, aunque en esta oportunidad, tal despliegue de energía incontenible se ex-pande a los bultos y toque materialidades

the seals, the aesthetical winks: they do defend themselves of a same austerity code and even severity that, as it is brought up by the own creator, they mark the arte povera, so called by the Genoese critic Germano Celant (1940; contemporary art curator from the Guuggenheim Museum in New York) in 1967 about a show in the Bertesca-Masnata Gallery, because it recurred to humble, non-industrial materials, that allow their capacity of deterioration and change to be appreciated.

About her Rigorous Grief (2014) at the Abstract Art Museum Manuel Felguérez in Zacatecas, it was already identified: “pilgrim traces, on a ludic exercise, in a never ending rotation, segments of the repellent feeling to overthink, only the necessary, that useful blade of the assumed vassal mind of emotion and feel”, even though in this opportunity such irrepressible energy deployment expands to the bulks and touches rough materialities until it alters their primal

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duras hasta alterarles su identidad primi-genia, ya que en el origen fueron cosas x, y, z, mientras ahora renuncian por voluntad de la fabuladora de onirismos en la vigilia, a cualesquiera utilidades inmediatas, para erguirse en faros o “dédalos de espejos” en el verso de Jaime Torres Bodet, mostrando la destrucción de la geografía donde mora-mos destructores cual termitas y la impudi-cia de exhibir su tortura y agonía.

María José Simón, conciencia adolorida de nuestros abusos, cuyas obras, en dos y tres dimensiones, son prefiguraciones de una expiación indispensable: liberar la natura-leza y salvar el entorno para concedernos una oportunidad salvífica. El arte como pe-nitencia, el arte como gozo, el arte como conciencia, que reconoce la dicha de toda Materia animada.

Luis Ignacio Sáinz

identity, since they were originally things x, y, z, while for now they voluntarily renounce to the wavering of oneirisims in the vigil, to whichever immediate utilities, to raise in headlights or “turning them into mirrors” in Jaime Torres Bodet’s verse, showing the geographical destruction where we live as destructors just like termites and the indecency to exhibit its torture and agony.

María José Simón, sored conscience of our abuses, whose work, in two and three dimensions are prefigurations of an indispensable atonement: to free nature and save the environment to grant us a salvific opportunity. Art as penitence, art as joy, art as conscience, which recognizes the bliss of all animated Matter.

Luis Ignacio Sáinz

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maría José de simón y eL instinto Creativo

María José de siMón and the creative instinct

Durante las décadas de los cincuenta y sesenta del pasado siglo, artistas plásticos de varios países europeos abandonaron de manera radical cualquier tipo de expresión con referencias figurativas y se dedicaron a explorar con diversos materiales y soportes para crear obras cuyo contenido visual fue-ra sólo formas, colores y materia. Surgirían así el informalismo, el tachismo, el gestua-lismo, el signo, la pintura matérica y otras corrientes emparentadas y/o derivadas de la abstracción.

El crítico e historiador de arte italiano Gi-llo Dorfles dio cuenta de esos movimien-tos con agudo sentido de la oportunidad y atinados juicios, haciendo una clara dis-criminación entre artistas que consideraba “escasamente auténticos” y aquellos que le parecían dotados de una “genial capa-cidad inventiva”. Dorfles no proponía que estos artistas fueran los “inventores” de ta-les corrientes, por el contrario, advertía que sus obras procedían de otras realizadas en épocas anteriores, y que todas ellas

During de Fifties and Sixties of the past century, plastic artists from several European countries radically abandoned any kind of figurative expression and committed themselves to explore with diverse materials and supports to create pieces which visual content was based on shapes, colors and matter only. And so informalism, tachisme, the painterly gesture, the sign, the matter painting emerged and other related or derivated currents of abstraction.

The Italian critic and art historian Gillo Dorfles noticed this moves with an acute sense of opportunity and keen judgments, clarifying the discrimination between artists whom he considered “scarcely authentic”, and those who seemed gifted with a “grand inventive capacity”. Dorfles did not suggest that those artists where the “creators” of such currents, on the contrary, he remarked that their works proceeded from others produced in previous times, and that they all possessed “certain easily identifiable common characteristics”. Among the

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poseían “algunas características comunes fácilmente identificables”. Entre los creado-res de aquel momento menciona a Wols, Georges Mathieu, Hans Hartung, Pierre Soulages, Mark Tobey, Jackson Pollock, Antoni Tàpies, José Guinovart, Alberto Burri y muchos más.

Gillo Dorfles tenía la esperanza de que este tipo de arte pudiera, con el tiempo, uni-versalizarse y ser aceptado por todos los estratos de la población, aunque también observaba que tales movimientos artísticos estaban, en ese tiempo, aún en desarro-llo y podían rápidamente decaer. El crítico no creía en la “lenta e irremediable” desa-parición de la pintura y la escultura ante el avance de la tecnología y los productos in-dustrializados. Hoy constatamos que el arte objetual (pintura, escultura, grabado, etc.) se sigue produciendo, pese a que el arte no objetual (conceptual) parece dominar en los grandes escenarios de exhibición y venta de arte contemporáneo.

creators of that time he mentions Wols, Georges Mathieu, Hans Hartung, Pierre Soulages, Mark Tobey, Jackson Pollock, Antoni Tàpies, José Guinovart, Alberto Burri and many others.

Gillo Dorfles had hopes that this kind of art could, over time, become universal and accepted by all sectors of the population, even though he also noticed that such artistic movements where, at that time, still under development and could rapidly fall. The critic did not believe in the “slow and irremediable” disappearing of painting and sculpture to the advance of technology and the industrialized products. Nowadays we are consistent that objectual art (painting, sculpture, engraving, etc.) is still being produced, despite that the non objectual (conceptual) seems to rule the great stages of exhibition and contemporary art sale.

Proof that the plastic currents of mid 20th century prevail is the work of María José

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Muestra de que las corrientes plásticas de mitad del siglo XX siguen vigentes es la obra de María José de Simón, originaria de San-tander, Cantabria, y con residencia en México. La artista se asume como afín al arte póve-ra (arte pobre) en cuanto a su producción escultórica. A partir de objetos encontra-dos (maderas y metales diversos), María José elabora piezas de una singular belleza, ajenas al utilitarismo que distinguió a esos materiales cuando estaban en uso. No son ready made ni arte objeto; son materias re-animadas –tal como anuncia el título de la exposición– por medio de la manipulación o, si se quiere, de la intervención creativa de la autora.

Además, sus intervenciones no pretenden ser añadidos que alteren la naturaleza pro-pia de los materiales, sino que busca in-tegrarlos a una nueva expresión donde se reconfigura su espacialidad, y sus propieda-des tridimensionales adquieren significados puramente estéticos.

de Simón, born in Santander, Cantabria, and currently living in Mexico. The artist considers herself as akin to arte póvera (poor art) when it comes to her sculptural production. Parting from found objects (wood and diverse materials), María José elaborates pieces of a singular beauty, alien to the object’s utilitarianism that characterized those materials when they were at use. They are not ready made or object art; they are reanimated matters –just as the exhibition’s title announces- by manipulation, or if required, by the author’s creative intervention. Besides, her interventions do not pretend to be an add-on which alters the material’s own nature, but it seeks to integrate them to a new expression where their spatiality is reconfigured and its tridimensional properties acquire purely aesthetic meanings.

If the sculptures within their meticulous making and reiterated circularity propose and dispose of a serene reading that sooths

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the spirit, María José’s paintings, on their behalf, are stain explosions, seized gestures that rummage the matter to unravel a dynamic and solid visual content at the same time. It is the painting-painting which explores itself just as it manifests. They are undeliberated compositions to be discovered stain by stain, in an instinctive manner.

In the relentless struggle of placing, taking away and superimpose, the artist, the pigments and the support have engaged a silent but intense discussion, which result is offered to the spectator still at ebullition. In the end, the work reveal its message from the bottom of a solid structure, but it keeps a residue of mystery for further visits. One must be very attentive to decipher her multiple messages.

To sum up, María José de Simón is an authentic heiress and continuer of the 20th

Si las esculturas en su meticulosa elaboración y reiterada circularidad proponen y dispo-nen a una lectura serena que apacigua el ánimo, las pinturas de María José, por su parte, son explosiones de manchas, gestos arrebatados que hurgan en la materia para desentrañar un contenido visual dinámico y sólido a la vez. Es la pintura-pintura que se explora a sí misma y como tal se manifiesta. Son composiciones no premeditadas que se descubren mancha a mancha, de mane-ra instintiva.

En la lucha sin tregua de poner, quitar y sobreponer, la artista, los pigmentos y el so-porte han entablado una discusión silenciosa pero intensa, cuyo resultado se ofrece al espectador todavía en ebullición. Al final, la obra revela su mensaje desde el fondo de una sólida estructura, pero guarda un resto de misterio para próximas visitas. Hay que estar atento para descifrar sus múltiples mensajes.

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En síntesis, María José de Simón es una auténtica heredera y continuadora del arte abstracto del siglo XX, que aún está lejos de agotar sus posibilidades expresivas por-que nace y se desarrolla a partir de los sen-timientos más profundos y verdaderos del ser humano.

Javier Ramírez

century’s abstract art, which is far away from draining her expressive possibilities because it is born and developed from the most profound and true feelings of the human being.

Javier Ramírez

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No son ready made ni arte objeto; son materias reanimadas por medio de la manipulación o, si se quiere, de la intervención creativa de María José.

Javier Ramírez

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En su invalidez y al no poder cumplir el cometido de su razón de ser, los objetos rescatados adquieren una personalidad distinta, de nuevo tipo, que hace caso omiso de los “faltantes”.

Luis Ignacio Sáinz.

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Situarse frente a la obra de María José de Simón es emprender un largo y misterioso viaje. Es frecuente que como observadores entremos en un estado de alerta y nos pre-paramos a lanzar una mirada despojada de expectativas. Ante su trabajo, esa mirada es sorprendida por una obra poco convencio-nal y con una genética infrecuente.

María José de Simón se enfrenta a cada una de sus piezas despojada de un plan. No hay proyecto previo. Nada condiciona la tela se-gundos antes de que ella pueda vaciar en ella los primeros trazos. De pronto, comien-zan a surgir formas inesperadas que brotan de una impronta plena de lirismo.

Su trabajo, parecería hecho casi en auto-mático, deriva en misteriosas formas que al poco de mirarlas desentrañan inexplica-bles espacios que hacen del espectador un caminante, un investigador, un ser que escudriña entre las oquedades claras para develar el punto en el que se encuentra.

maría José de simón; La pregunta agazapada

María José de siMón; the crouched question

To stand in front of Maria José de Simón’s work is to undertake a long and mysterious journey. It is frequent that as external observers we enter to a state of alert and prepare ourselves to throw a gaze stripped of all expectations. Before her work, that glance is surprised by an unconventional work and an infrequent genetics.

María José de Simón faces each of her pieces stripped off a plan. There is no previous project. Nothing conditions the fabric seconds before she can pour on it the first traces. Suddenly, unexpected shapes that bloom out of a stamp full of lyricism.

Her job, which could seem almost automatically made, drifts in mysterious shapes that shortly after being looked at, unravel unexplainable spaces that turns the spectator into a walker, an investigator, a being that scrutinizes between clear cavities to reveal a point in which it is found.

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Gruesos trazos negros refieren al punto de observación. Estamos parados bajo una enramada, o dentro de ella quizá. Somos privilegiados observadores de la luminosi-dad y a la vez presos dentro de una enorme mancha oscura. Pero ese cautiverio es pla-centero. Nada en su interior asfixia porque es autónomo y se convierte en una suerte de otro con el cual convivir.

No hay figuración, y tampoco un riguroso abstracto ceñido a las escrupulosas reglas que lo definen. Si cupiese el término, se tra-ta de una pintura instintiva que desata en quien la mira los más singulares mecanis-mos de asociación.

La sangre española de María José de Si-món es la misma que corre por la venas de su trabajo. La brutalidad y decisión en sus trazos nos recuerdan a los mejores: Joan Hernández Pijuán, Antoni Tàpies, Albert Rafols Casamada y el autodidacta como ella Antonio Saura; todos ellos están sin ha-

Thick black traces refer to the observation point. We are standing beneath an arbor, or inside it perhaps. We are privileged observers of luminosity and altogether prisoners inside a wide dark stain. But this captivity is pleasant. Nothing on its interior suffocates because it is autonomic and it becomes a sort of another to live with.

There is no figuration, and neither a rigorous abstract tight to the scrupulous rules that define it. If the term could fit, it is an instinctive painting that unbinds in whoever looks at it, the most singular of association mechanisms.

María José de Simón’s Spanish blood is the same that runs through the veins of her work. The brutality and decision on her traces remind us of the best: Joan Hernández Pijuán, Antoni Tàpies, Albert Rafols Casamada and just as herself, the self-taught Antonio Saura; all of them

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ber sido invitados, no en los colores ni en la composición, tampoco espiándole detrás del cristal, pero ahí, agazapados para lan-zarnos un guiño a través de las maneras de percibir un espacio, resolverlo, darle cuerpo y dejarlo para que ande solo su propio ca-mino.

María José anda por la vida con el pincel y la espátula en la mano. Medita, se apro-xima, revisa, rechaza, duda, ataca, fuma, deshace, cubre sus huellas como fugitivo acosado, da la espalda, anda y desanda con la misma facilidad. De pronto algo en su percepción la obliga a detenerse y para. La obra está resuelta, aunque para nuestra suerte las preguntas nunca terminen y cada obra prometa ser la definitiva sin serlo.

Santiago Espinosa de los MonterosVarsovia, Polonia.Octubre de 2016.

remain uninvited, not in colors and neither in composition, not even spying behind the glass, but there, crouched to throw us a wink through the manners to perceive a space, solve it, give it some body and leave it to walk its own path.

María José goes trough life with brush and spatula in hand. She meditates, approximates, revises, rejects, doubts, attacks, smokes, undoes, covers her tracks as a harassed fugitive, turns her back, walks and un-walks with the same ease. All of a sudden something in her perception obliges her to stop, and so she does. The work is done, even tough for our own luck the questions never end and each work promises to be the final without actually being it.

Santiago Espinosa de los MonterosWarsaw, Poland. October 2016.

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¡Forastero! Hay sueños inescrutables y de lenguaje oscuro, y no se cumple todo lo que anuncian a los hombres.Homero

¿Qué podría amar a no ser el enigma?Giorgio de Chirico

Wolfgang Paalen acuñó el término “prefigu-ración” para referirse a la capacidad de cier-to tipo de pintura para expresar formas en potencia, formas que aún no son tales. La verdadera pintura, según el extinto maestro austriaco, es aquella que tiene capacidad de prefigurar un nuevo estado de cosas, de proyectarse desde el presente y con la ri-queza acumulada del pasado, hacia el futu-ro, a través del arma de la imaginación. Las poéticas de carácter abstracto-informal que se han practicado desde hace mucho tiem-po se pueden entender bajo los parámetros paalenianos. El informalismo es una forma de expresión que elimina naturalmente cual-

sueños no reveLados

unrevealed dreaMs.

¡Foreigner! There are inscrutable dreams and of a dark language, and everything they announce to men is not fulfilled.Homer

What shall be loved if not the enigma?Giorgio de Chirico

Wolfgang Paalen wedged the term “prefiguration to refer the capacity of a certain type of painting to express potential forms, forms that are not yet so. The true painting, according to the extinct Austriac master, is that which has the capacity of prefigurating a new state of things, to project from the present and with the accumulated richness of the past, towards the future, through the weapon of imagination.

The poeitcs of an abstract-informal character that have been practiced since long ago can be understood under the paalenian parameters. The informalism is a

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quier referencia figurativa para resaltar en el soporte bidimensional la realidad de los co-lores y los trazos en el juego del acto crea-tivo. Sin embargo, en este tipo de obras el espectador muchas veces puede registrar asociaciones figurativas, elementos repre-sentativos que a menudo son deliberados.

La pintura es un lenguaje, es un arte que, por su naturaleza misma, es una represen-tación; una representación que no puede rehusarse a decir, a expresar. Aún el arte abstracto (un arte de invención pura, de emoción y sentimiento) dice, expresa algo. ¿Puede un artista abstracto despojarse de las experiencias visuales que a lo largo del tiempo se han ido acumulando en su me-moria? Siempre he creído que tal cosa es imposible. Aún cuando un artista haya deci-dido voluntariamente internarse en los labe-rintos de lo informal y orientar su proceder hacia problemas de color, forma y ritmo, siempre habrá en su obra elementos rela-cionados con experiencias visuales que lo

way of expression that naturally eliminates any figurative reference to highlight the bidimensional support of the reality of colors and traces in the game of the creative act. However, in this sort of works the expectator often can registrate figurative asociations, representative elements that are usually liberated.

Painting is a language, an art that, by its own nature, it’s a representation; a representation that can not refuse to say, to express. Even the abstract art (an art of pure invention, emotion and feeling) says, expresses something. Can an abstract artist disposse of the visual expereinces which through time have been accumulated in his memory? I have always believed that such thing is impossible. Even when an artist has voluntarily decided to intern himself in the labrynths of the informal and guide its behaviour towards color, shape and rhythm problems, always will there be in his work elements related to visual experiences

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han marcado o con elementos inconscien-tes que emergen de su interior.

Pintora abstracto-informal, María José de Simón (Santander, España, 1963) afirma que su obra proviene de lo más profundo de su ser, del espacio de libertad que al-berga los sueños. Su pintura, sin duda, le da la razón. La pintora sabe que en el juego formal de la abstracción lírica todo se vale: azar, emoción, impulso gestual, subjetividad pasional… Dueña de una buena cocina pic-tórica (chorreados, esgrafiados, manchas, acentos), pone sus medios y sus obsesio-nes al servicio de la reflexión existencial. En su aventura onírica, no se desborda a la ma-nera de la action painting, sino que recurre a esquemas de configuración más contro-lados, buscando mantener sobre el sopor-te referencias figurativas que el espectador está llamado a interpretar.

María José de Simón no pretende en ningún momento representar la realidad, recrear lo

that have marked him or with unconscious elements that emerge from within.

Abstract-informal painter, Maria José de Simón (Santander, Spain, 1963) assures that her work comes from the deepest of her very being, from the freedom space that shelters dreams. Her painting, undoubtfully, suits her right. The painter knows that within the formal game of lyric abstraction, everything is valid: chance, emotion, gestual impulse, passional subjectivity… Owner of a good pictoric cuisine (drippings, sgrafitto, stains, accents), she offers her resources and obssesions to the service of existencial reflextion. In her oniric adventure, she does not overflow to the ways of action painting, but she appeals to the most controlled configuration schemes, looking to maintain over the figurative references support that the expectator is called to interpretate.

María José de Simón does not pretend at any moment to represent reality, recreate

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the visible, but within her informalist game we are invited to let the imagination fly and guess what is there in her painting. What do we see in her paintings? In Paalenian terms, potential shapes that pregifure a new state of things. Stony structures that presage a possible world? The truth is that we do not know: Maria José de Simón’s painting is presented before us as something indecipherable. I believe that the only certainty that we could have before the pictorical and graphic works of this author is that we are in front of another creative enigma. What can we do? What can we say? Perhaps the best would be to opt for a discrete silence and the joy of the aesthetic contemplation.

Antonio EspinozaMéxico City, October 2015.

visible, pero en su juego informalista nos invita a echar a volar la imaginación y adi-vinar lo que hay en su pintura ¿Qué vemos en sus cuadros? En términos paalenianos, formas en potencia que prefiguran un nuevo estado de cosas. ¿Estructuras pétreas que presagian un mundo posible? La verdad es que no lo sabemos: la pintura de María José de Simón se nos presenta como algo indescifrable. Creo que la única certeza que podemos tener frente a la obra pictórica y gráfica de esta autora es que estamos ante un enigma creativo más. ¿Qué podemos hacer? ¿Qué podemos decir? Quizá lo me-jor sea optar por un discreto silencio y por el goce de la contemplación estética.

Antonio EspinozaCiudad de México, octubre de 2015.

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Contra el olvido, María José de Simón recupera despojos y, sin aspavientos, procede a su deconstrucción. Caza o recolecta desechos que sobreviven por su ejercicio evocativo: detenerse en que, alguna vez, cumplieron función y sen-tido, vertebraron espacio y clamaron por el porvenir. Nada de esas aspiraciones se sostuvo en los propios objetos o en sus fragmentos; vejados y modificados, fueron subsumidos en una nueva categoría expresiva de la nada: la basura.


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La tensión ocurre por el enfrentamiento de los opuestos. En la pintura, se hace mani-fiesta a través del tránsito visual que im-pone a la retina la composición dada en el cuadro; es la fuerza que atrae o repele, pro-vocando la sensación de movimiento.

La magnitud y dirección de los estados de tensión en los cuadros más recientes de María José plantean un escenario más complejo. La dirección del campo visual es definida no por un solo elemento, sino por conjuntos de formas compactas que trazan surcos y que se comprimen junto a cuer-pos monolíticos de color que -en contra-posición- detienen la sensación de flujo. El fenómeno tensional del conjunto nos deja con una impresión visual de magnitud casi explosiva.

La relación que se da entre las formas, ta-maños, posiciones y contrastes de los ele-mentos en sus cuadros parecen entablar entre sí, una pugna por ocupar un espacio en la configuración de sus lienzos: de ahí la noción de fuerzas encontradas.

Jeannette Betancourt

La tensión Como CLave deL movimiento

tension as key oF MoveMent.

Tension ocurrs by confontation of the opposites. In painting, it manifests through the visual transit that imposes the retina the composition given on each painting; that is the strenght that attracts or repells, provoking the sense of moving.

The magnitude and direction of the states of tension in María José’s most recent paintings present a more complex scenary. The direction of the visual field is defined not by an only element, but by sets of compact shapes that trace furrows and are compressed along monolitic colored bodies that –in counterposition- stop the sensation of flow. The tensional phenomenon of the set leaves us with a visual impresion of an almost explosive magnitude.

The relation given between shapes, sizes, positions and contrast of the elements in her paintings seem to engage with each other, a struggle to occupy a space in the configuration of her canvases: hence the notion of encountered forces.

Jeannette Betancourt

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Quien trabaja la materia prima también interviene su significación, alcanzando y ejerciendo con ello una facultad genética adicional: escultora-artista-creadora.


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En la lucha sin tregua de poner, quitar y sobreponer, la artista, los pigmentos y el soporte han entablado una discusión silenciosa pero intensa, cuyo resul-tado se ofrece al espectador todavía en ebullición.

Javier Ramírez

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fragmentos, despoJos, siLenCio

FragMents, reMains, silence.

Amo la emoción que corrige la regla. Amo la regla que corrige la emoción. Es preciso descubrir, pero guardarse de explicar.Georges Braque

La pintura se dedicó en gran parte de la historia a todo tipo de representaciones: religiosas, mitológicas, históricas, políticas, realistas, simbólicas… Pero a partir de las vanguardias, destacadamente con la pintu-ra inobjetiva, se propuso explorar en esencia sus posibilidades intrínsecas: morfologías, problemática del color y de la línea, papel de la geometría, materiales, formatos, etcé-tera. Concentrada ya pues en sí misma, o sea, en el análisis de la complejidad de sus propios medios y poniendo en juego sus determinantes irreductibles, quiso ser ante todo sólo eso, pintura. Y para cristalizar la lógica rigurosa que define su proceder se dio a afirmar radicalmente una espacialidad bidimensional y plana capaz de confirmar y afirmar superficies netamente plásticas que dan lugar a cuadros que muestran, en tér-minos estrictos, la diferencia de la pintura.

I Iove the emotion that corrects the rule. I love the rule that corrects the emotion. It is precise to discover, but to keep from explaining.Georges Braque

Painting has been largely dedicated from history to all kind of representations: religious, mythologic, historic, politics, realistics, symbolics… But since the avant-garde, with the outstandingly inobjective painting, it’s been purposed to explore in escence its intrinsic possibilities: morphological, color and line problematic, role of geometry, materials, formats, etcetera. Concentrated already on itself, that is to say, in the analysis of the complexity of its own resources and staking its irreducible, it wanted to be first of all, that, painting. And to crystallize the rigorous logic that defines its procedure, it decided to radically affirm a two-dimensional and flat spatiality capable of confirming and affirming clearly plastic surfaces that give rise to paintings that show, in strict terms, the difference of the painting.

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Pues bien, María José de Simón, que de su obra estamos hablando, nos ofrece una propuesta que se despliega dentro de las fronteras de la pintura y que incluye a la par, hay que advertirlo, los tonos aními-cos expresivos de la propia artista. Lo hace mediante el uso de colores sordos, melan-cólicos, teñidos de silencio y poco dados al decorativismo fácil, en lo que podemos considerar una pintura de presagios que corresponde al “vacío de los tiempos” que nos ha tocado vivir. El rigor formal de la propuesta, forjada con planos que recuer-dan ciertas sugerencias provenientes del abstraccionismo constructivo, incluye así la interioridad en acto, el estar consigo misma de María José de Simón. Pensemos en la co-pertenencia de la pintura como tal con el enigma del mundo (“El grito de la tierra”) y con el enigma existencial de quien perma-nece en “penumbras”. Queda lo que queda: dejarse poseer por tal ofrenda, ver, mirar, meditar, volver a ver.

Jorge Juanes

And so, Maria José de Simón, whose work we are talking about, offers us a proposal that unfolds within the borders of painting that includes at the same time, we must warn, the expressive mood tones of the artist herself. She does it by means of deaf colors, melancholic, dyed with silence and a little given into easy decorativism, in which we can consider a prescient painting that corresponds to the “emptiness of times” that we live in. The formal rigor of the proposal forged with plans that recall certain suggestions from constructive abstractionism, including so the interiority in the act, being with herself of María José de Simón. Let’s think in the co-membership of painting as such as the enigma of the world (“The scream of the Earth”) and with the existential enigma of who remains in “the darkness”- It remains what remains: to allow oneself to be possessed by such offering, to see, to watch, to meditate, to see again.

Jorge Juanes

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maría José de simón: entre eL CLasiCismo y La nueva pintura

María José de siMón: betWeen classicisM and the neW Painting.

¿Qué hubiera ocurrido si Malevich no hubie-se pintado el cuadrado negro sobre fondo blanco, Mondrian usado excluyentemente la línea recta y Kandinski el despliegue for-mal abstracto en sus obras más radicales? Simple y sencillamente, el mundo del arte se hubiera privado del gran parteaguas que -Picasso y el cubismo analítico mediante- significó la abstracción en el siglo XX. Y lo fue hasta tal punto que no es aventurado decir que ese período, el de las tendencias de vanguardia surgidas durante las prime-ras décadas de aquella centuria y sus deri-vaciones posteriores, implicaron una suerte de nuevo renacimiento.

¿Por qué, aún a riesgo de reiterarme, cito aquel cuadro de Malevich? Porque al com-pás de los movimientos sociales que cul-minaron con la Revolución Rusa de 1917, Malevich se proponía expulsar del interior del cuadro, cualquier representación realis-ta que tuviera alguna relación con los usos y costumbres del régimen anterior. Además,

What would have happened if Malevich had never painted the black painting over a white background, Mondrian used excluding the straight line and Kandinksi the formal abstract deployment in his most radical Works? Simple and easy, the world of art would have been deprived of the great partway that -Picasso and the analytic cubism through- meant the abstraction on the XX Century. And it was up to the point that it is not adventurous to say that that period, the one with the avant-garde tendencies emerged during the first decades of that century and its posterior derivations, implied a sort of luck of a new Renaissance.

Why, even at the risk of reiterate myself, I quote that painting of Malevich? Because to the beat of the social movements that culminated with the Russian Revolution in 1917, Malevich had the purpose to expell from the interior of the painting, any realistic representation that could have had any relation with the uses and customs of

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Malevich desechaba el despliegue formal aunque éste fuera abstracto, porque en esa expansión veía vestigios de un mundo que la vanguardia sovietica buscó abolir. Ense-guida vino el desencanto y una fisura inevi-table entre el poder político y los intelectua-les y artistas que buscaban incorporarse al nuevo proyecto.

Mientras tales transformaciones estéti-cas sucedían en Europa y, desde los años treinta, en Estados Unidos, España sufría un atraso demoledor al compás de la dic-tadura franquista que concluyó en 1975. Sin embargo, a partir de los años cincuenta aparece en Barcelona el informalismo ca-talán, cuyo representante más célebre fue Antoni Tàpies seguido muy de cerca por Manolo Millares, Rafols Casamada, Guino-vart y otros artistas no menos importantes. Estos y otros autores, como los norteame-ricanos Moderwell, Clifford Still y el francés Pierre Soulages, conforman el sustrato re-ferencial de María José de Simón.

the previous regimen. Besides, Malevich disposed the formal display even if it was abstract, because in this expansion he saw vestiges of a world that the Sovietic vanguard sought abolit. Right away disenchantment came along and an inevitable fissure between political power and the intelectuals and artists, who searched after the new project.

While such aesthetical transformations were happening in Europe and, since the thirties, in the United States, Spain was suffering from a devastating backwardness to the rhythm of Franco’s dictatorship which concluded in 1975. However, from the fifties it appears in Barcelona the Catalan informalism, which biggest and more celebrated representative was Antoni Tàpies, followed very closed behind by Manolo Millares, Rafols Casamada, Guinovart and other artists no less important. These and other authors, as the northamerican Moderwell, Clifford Still and the french Pierre Soulages, they form the referential substratum of María José de Simón.

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Volvamos atrás, al momento en el que Picasso en su fase analítica embosca con sus representaciones geométricas toda ve-rosimilitud. Para el obervador de la época, esta acción pictórica derivaba en una pér-dida de asidero con lo real, salvando sólo la tenue semejanza del rostro. Después, con las obras íntegramente abstractas de otros pintores, el desasimiento fue total. No ocu-rre eso en la actualidad: el informalismo y otras corrientes han entrado a la esfera de lo tradicional, y la pintura dividida en áreas, como la que realiza María José de Simón, también se acerca a los bordes del clasi-cismo.

Es entonces cuando emergen las distincio-nes sutiles entre lo legitimable y su contra-rio. Con sus grandes y pequeñas áreas, sus poéticos esgrafiados, su modo de combinar de manera muy libre y sin temor el color ne-gro con el verde turquesa y con encendidos rosas, y la modulación exacta de la gran forma negra que ocupa uno de los cuadros

Let’s rewind, to the moment in which Picasso while his analytic phase embushes with his geometrial representations all verosimilitude. To the observer of that time, this pictorical song is derivated on a grip loss of the real, saving only the faint resemblance of the face. Afterwards with the integrally abstract works of other painters, the detachment was total. It does not occur nowadays: the informalism and other currents have entered to the sphere of the traditional, and the paint divided by areas, just as María José de Simón performs it, it also comes close to the borders of clascisim.

It is then when the subtle distinctions emerge between the legitimable and its opposite. With its big and small areas, its poetic sgraffito, its way of freely matching black and turquoise with hints of pink, and the exact modulation of the great black shape that occupies one of the paintings of large format, they speak of a solid and singular work. Besides, the painting in these

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en gran formato, hablan de una obra sólida y singular. Además, la pintura en los últimos tiempos va, lentamente, ganando nuevos espacios en el controvertido territorio de la creación, después de décadas de predomi-nio de los formatos no tradicionales.

Vayamos, para concluir, al interior de algu-nos cuadros y aquí me permito cambiar el estilo de lo que estoy escribiendo: un se-ductor espacio de color lila se deja circun-dar por las líneas que componen el esgra-fiado. La grafía: una marca, una señal que viene de parajes remotos cuya huella se deposita sobre una gran mancha azul con acordes bajos, como si susurraran una len-gua desconocida. Otro: una contundente mancha negra, con contornos bien delimi-tados, recuerda levemente a Chillida; y en formato menor, otra vez la gran mancha ne-gra, uniforme, que no deja hablar al espacio porque recoge sobre sí todos los murmullos del agua. Esto y más, permite esbozar la obra de María José de Simón.

Leila Driben

times goes, slowly, gaining new spaces in the controversial territory of creation, after decades of predominance of the non-traditional formats.

Let’s go, to conclude, to the interior of some paintigs and here I allow myself to change the style of what I am writing: a seductive space of lila color allows be circled by the lines that composed the sgraffito.The symbol; a mark, a sign that comes from remote places and whose footprint is laid on a large blue spot with low chords, as if they whispered in an unknown language. Another one: a blunt black spot, with well-defined contours, slightly reminds us of Chillida; and in a similar format, once again, the great black stain, uniform, that does not let the space speak because it gathers on itself all murmurs of the water. This and more, allows us to sketch the work of María José de Simón.

Leila Driben

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Cat. 33

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Cat. 34

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Cat. 35

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Cat. 36

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tiempo residuaL

residual tiMe

“La línea se ha trazado/ la maldición ha sido lanzada/ lo lento ahora/ más tarde será rápido/como el presente ahora/ más tarde será el pasado./ El orden rápidamente/ se desvanece /lo primero ahora/ más tarde será lo último/porque los tiempos están cambiando”

Bob Dylan

Durante el día nos trasladamos apresura-dos, caminamos casi sin ver, casi sin es-cuchar, apenas respiramos para llegar a tiempo. Atrapados en la dictadura del tic-tac como el sombrerero de Alicia en el País de las Maravillas nos repetimos “se me hace tarde hoy” ¿acaso sabemos para qué?

Conocemos al tiempo por sus efectos, por los cambios que se producen en nosotros y en nuestro entorno, pero al punto de vista del mercantilismo no le interesa reconocer-los, mucho menos mostrar esos cambios, sino explotar sus efectos y acumular bene-

“The line it is drawn, the curse it is cast/ the slow one now/ will later be fast/as the present now/ will later be past./The order is rapidly fading/ And the first one now/ will later be last/ For the times they are a-changing.”

Bob Dylan

During the day we move hurriedly, we walk almost without seeing, without listening, we barely breathe to be on time. Trapped in the tic-tac dictatorship like the hatter on Alice in Wonderland, we repeat to ourselves “I’m late today.” Do we even know what for?

We know time by its effects, by its changes produced in us and our environment, but it is not interesting to the merchandising point of view to recognize them, even less to show those changes, but to exploit its effects and accumulate benefits: their machine require our constant complicity. To consume, from this perspective, is to exists in time.

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ficios; su maquinaria requiere de nuestra complicidad constante. Consumir, desde esta perspectiva, es existir en el tiempo.

Agobiados por la tiranía del reloj, pocas ve-ces nos detenemos a reflexionar fuera de horario; María José de Simón Casuso lo hace, y a través de las piezas de su expo-sición Materia animada, nos ofrece una bi-tácora de su aproximación, un registro de pérdidas que muestra nuestras relaciones o afecciones como habitantes de un mundo trastornado y desde ahí nos propone una estética.

Una persona que ha visto la metamorfosis de su entorno también ha padecido esa transformación. A propósito de las carac-terísticas de esta sociedad, G. Lipovetsky, la define: “El problema general: la conmo-ción de la sociedad, de las costumbres, del individuo contemporáneo de la era del consumismo masificado, la emergencia de un modo de socialización y de individuali-

Overwhelmed by the clock’s tyranny, few times do we stop and reflect out of schedule; Maria José de Simón Casuso does, and through the pieces on her exhibition Animated Matter, she offers us a binnacle of her approximation, a record of losses that show our relationship or affections as inhabitants of a disturbed world and from there she proposes an aesthetic.

A person who has seen the metamorphosis of her environment has also suffered this transformation. About the characteristic of this society, G.Lipovetsky, defines it: “The general problem: the commotion of society, of costumes, of the contemporary individual of the overcrowded consumerism era, the emergency of a socialization way and the unprecedented individualization, which breaks with the instituted since the seventeenth and eighteenth centuries.”

María José not only builds a memory out of that commotion, but she gives life

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zación inédito, que rompe con el instituido desde los siglos XVII y XVIII.”

María José no sólo construye una memoria de esa conmoción, sino que devuelve a la vida, anima otra vida en la materia desecha-da: objetos rotos, restos inservibles, fierros, láminas oxidadas. Son los pequeños despo-jos de una sociedad afianzada en el consu-mo y -su consecuencia- el desperdicio, en donde ella, más que seleccionar, encuentra. Esa materia abandonada es insuflada de otro espíritu que cambia su propósito y, por lo mismo, el sentido. Construir un camino para que el observador reconozca con gran libertad la nueva significación es el propósi-to de la exposición.

La variedad del soporte en las artes visuales ha sido una de las fronteras que los artistas más arriesgados han tratado de extender. En este aspecto, la materia recuperada pro-duce en el que observa un sentimiento ambi-valente, porque instaura la ruptura temporal,

back to it, she animates another life in the disposed matter: broken objects, useless remains, iron, rusty sheets. They are the small remains of a society entrenched in consumption and -its consequence- waste, where it, rather than being selected, is found. That abandoned matter is breathed in by another spirit that changes its purpose and, therefore, its meaning. To construct a way for the observer to recognize with great freedom the new meaning is the purpose of the exhibition.

The variety of the support on visual arts has been one of the frontiers that only the most daring have tried to extent. In this aspect the recovered matter produces in the observer an ambivalent feeling, because it establishes the temporary rupture, it takes us to the continuous present of the material, this does not disappear, on the contrary it is reanimated, producing a contradiction before the premise to substitute rapidly, or the fast consumerism which is the “root”

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nos lleva a un presente continuo del mate-rial, éste no desaparece, por el contrario es reanimado, produciendo una contradicción frente a la premisa de sustituir con rapidez, o el consumo veloz que es la “raíz” de una época en la que la permanencia de lo efí-mero es su definición. El sentido útil de los objetos ha terminado para la sociedad que desperdicia, María José vive en un pliegue diferente en donde construye horizontes hechos de la merma, de aquello que ya no tiene valor para quienes alientan la acumu-lación. Es la materia que emerge transfor-mada dentro de una realidad distinta, en diálogo con los restos de otros objetos que han sido intervenidos, reubicados con un nuevo referente y otras coordenadas.

La naturaleza no desecha, recicla, toda la materia está en permanente transformación con un sentido vital de renovación de los ciclos. El reconocimiento de esos ciclos fue la clave del desarrollo y asentamiento de las primeras civilizaciones; quienes han

of a time in which the permanency of the ephemeral is its definition. The useful sense of the objects is done to the wasting society, Maria José lives on a different pleat where she builds horizons made out of waste, of that which has no more value to those who encourage accumulation. It is the matter what emerges transformed within a new reality, in a dialogue with the remains of other objects what have been intervened, relocated with a new reference and other coordinates.

Nature does not discard, it recycles, all matter is in permanent transformation with a vital sense of renewal of the cycles. The recognition of these cycles was the key to the development and settlement of the first civilizations; those who have pushed unlimited industrial growth have ignored them for the sake of a mirage called progress. De Simón Casuso also recovers the remains left by the depredation of forests, bundles of sticks, trunks that are intervened

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empujado el crecimiento industrial ilimitado los ha ignorado en aras de un espejismo lla-mado progreso. De Simón Casuso también recupera los restos que deja la depredación de los bosques, manojos de varas, troncos que son intervenidos para acentuar otro sentido del diálogo entre ella y la naturale-za. Un poco druídico centrado en la magia de los bosques, en las redes que conectan desde el subsuelo a todos los individuos. Abrazar un árbol en silencio, de vez en cuan-do, es una experiencia que debiéramos incor-porar a nuestra lista de ritos. Los troncos aquí expuestos han sido signados, marcados, hay que diferenciar para no olvidar que todo está cambiando. Dejar huellas para sumar sentido.

Los lienzos que se presentan son la confir-mación del oficio de la artista, pero sobre-todo de la búsqueda y la experimentación características de la no figuración, explosio-nes cromáticas controladas sobre la super-ficie. Es el lirismo de esas piezas lo que nos abre la puerta a las emociones, son más

to accentuate another sense of dialogue between her and nature. A little druidic focused on the magic of the forests, on the networks that connect from the subsoil to all the individuals. Hugging a tree in silence, from time to time, is an experience that we should incorporate into our list of rites. The trunks here exposed have been marked, marked, we must differentiate so as not to forget that everything is changing. Leaving traces to add meaning.

The canvases that are presented are the confirmation of the artist’s trade, but above all of the search and experimentation characteristic of non-figuration, chromatic explosions controlled on the surface. It is the lyricism of these pieces that opens the door to emotions, they are more than suspicion, they are the affirmation of María José’s spirit: a compassionate look accompanied by a great vital force.

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que sospecha, son la afirmación del espí-ritu de María José: una mirada compasiva acompañada de una gran fuerza vital.

La tensión orgánica de los trazos contras-ta con el delicado equilibrio geométrico de algunas de sus piezas organizadas en polípticos. La exploración del color es de-terminante para la resignificación de lo en-contrado, como el caso del amarillo en la parrilla recuperada e intervenida, es el ca-mino de una mirada que ve otra perspectiva y que posibilita en el espectador la transfor-mación de su sensibilidad.

La contundencia del círculo y de la esfera ha sido una constante en el lenguaje visual, la fuerza de su pregnancia es, para muchos estudiosos, la mayor de todas las figuras geométricas. Por ello, las variaciones circu-lares de las piezas escultóricas, revelan los pacientes procesos de indagación formal y material de María José de Simón, búsqueda inagotable en el arte.

The organic tension of the strokes contrasts with the delicate geometric balance of some of her pieces organized in polyptychs. The exploration of color is decisive for the resignification of what is found, as in the case of the yellow on the grid recovered and intervened, it is the path of a view that sees another perspective and that enables the viewer to transform their sensibility.

The forcefulness of the circle and the sphere has been a constant in visual language, the strength of its pregnancy is, for many scholars, the greatest of all geometric figures. For this reason, the circular variations of the sculptural pieces reveal the patient processes of formal and material inquiry of María José de Simón, an inexhaustible search in art.

Perhaps their attention to the rubbish, the remains, the waste, bring it closer to a residual language that accentuates the weak balance of what we consider reality,

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Tal vez su atención puesta en los dese-chos, los restos, las mermas, la acerquen a un lenguaje residual que acentúa el débil equilibrio de lo que consideramos realidad, lo que queda de ese proceso de restar para encontrar lo esencial esta expuesto retando a las fuerzas del desperdicio.

Frente al vértigo permanente del vacío, el arte es el grito desafiante de la caída. Tal vez alguien lo escucha.

Laura Elena González

what remains of this process of subtraction to find the essential is exposed, challenging the forces of waste.

Facing the permanent vertigo of emptiness, art is the defiant cry of the fall. Maybe someone hears it.

Laura Elena Gonzalez

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Nació el 17 de agosto de 1963 en Santander, España. Escultora, pintora y grabadora.Radica en México.

Exposiciones individuales

2016 Puro negro. Galería Arroyo de la Plata. Zacatecas, Zac., México.

2015 Caja de sueños. Torre del reloj. Polanco, CdMx, México.

2014 Fragmentos. X espacio de arte. CdMx, México.

2014 Estados de tensión. Centro Cultural Estación Indianilla. CdMx, México.

2014 Luto riguroso. Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez. Zacatecas, Zac., México.

2014 Realidades paralelas. Museo Joaquín Arcadio Pagaza. Valle de Bravo, Edo. de México, México.

2013 Realidades paralelas. Museo de Arte Moderno. Edo. de México, México.

2013 Estructuras y trayectos. Galería Traeger & Pinto. CdMx, México.

2012 Entre sombras. Fundación Sebastián. CdMx, México.

2011 Influencias. Fundación Sebastián. CdMx, México.

sembLanza

María José de siMón

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Exposiciones colectivas

2016 No Name. Museo Tamayo Arte Contemporáneo. CdMx, México.

2016 Colección soledad. Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez. Zacatecas, Zac., México.

2015/16 Miniprint. Galerie l’etangd’art. Bages, Francia.

2015 Miniprint Cadaqués. Taller Galería Fort. Cadaqués, España.

2015 Fundación tharrats d’art gràfic. Pineda del mar, España.

2015 Wingfield barns. Wingfield, Reino Unido.

2014/15 Los artistas responsables en defensa de la fauna. Museo Tamayo Arte Contemporáneo y otras sedes. México.

2014 Exposición gráfica. Arte hoy. Coyoacán, CdMx, México.

2013 Exposición Bienal José Guadalupe Posada. Museo José Guadalupe Posada. Aguascalientes, Ags., México.

2012/13 Miniprint Cadaqués. Taller gráfica fort. Cadaqués, España.

2012/13 Exposición gráfica Jesús Núñez. Betanzos, Galicia, España.

2012 Exposición colectiva de gráfica Tokio. Galería Le Laboratoire. CdMx, México.

2012 Art al vent x. Colectiva de arte público. España y Holanda.

2005 Colectiva taller Brita Prinz. Madrid, España.

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Actividades académicas

Actualmente - taller de materiales. Mtro. Viktor Martínez. CdMx, México.

2011/18 Taller de gráfica. Mtro. Roberto Turnbull. CdMx, México.

1990/94 Taller grabado y xerigrafía. Taller Brita Prinz. Madrid, España.

1986 Diplomada en diseño gráfico. Cei. Madrid, España.

1982 Diplomada en arte y arquitectura de interiores. iade. Madrid, España.

Obra en colecciones

2013 Museo José Guadalupe Posada. Aguascalientes, Ags., México.

2013 Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez. Zacatecas, Zac., México.

2013 Museo de Arte Moderno. Edo de México, México.

2011 Colección Fundación Sebastián. CdMx, México.

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seMblance


Born in August 17th, 1963. Santander, Spain.Sculptress, painter and engraver.Lives in México

Individual Exhibitions

2016 Pure black. Arroyo de la Plata Gallery. Zacatecas, Zac., Mexico.

2015 Dream box. Clock tower. Polanco, Mexico City, Mexico.

2014 Fragments. X art space. Mexico City, Mexico.

2014 Tension states. Cultural Centre Indianilla Station. Mexico City, Mexico.

2014 Rigorous mourning. Manuel Felguérez Abstract Art Museum. Zacatecas, Zac., Mexico.

2014 Parallel realities. Joaquín Arcadio Pagaza Museum. Valle de Bravo, Mexico St., Mexico.

2013 Parallel realities. Modern Art Museum. Mexico St., Mexico.

2013 Journeys and structures. Traeger & Pinto Gallery. Mexico City, Mexico.

2012 Within shadows. Sebastián Foundation. Mexico City, Mexico.

2011 Influences. Sebastián Foundation. Mexico City, Mexico.

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Collective Exhibitions

2016 No Name. Tamayo Contemporary Art Museum. Mexico City, Mexico.

2016 Loneliness collection. Manuel Felguérez Abstract Art Museum. Zacatecas, Zac., Mexico.

2015/16 Miniprint. Galerie l’etangd’art. Bages, France.

2015 Miniprint Cadaqués. Fort Workshop Gallery. Cadaqués, Spain.

2015 Tharrats d’art gràfic Foundation. Pineda del mar, Spain.

2015 Wingfield barns. Wingfield, United Kingdom.

2014/15 The responsible artists in defence of the wildlife. Tamayo Contemporary Art Museum and other venues. Mexico.

2014 Graphic exhibition. Art today. Coyoacán, Mexico City, Mexico.

2013 Biennal Exhibition José Guadalupe Posada. José Guadalupe Posada. Aguascalientes, Ags., Mexico.

2012/13 Miniprint Cadaqués. Gráfica fort workshop. Cadaqués, España.

2012/13 Jesús Núñez Graphic exhibition. Betanzos, Galicia, Spain.

2012 Tokio’s collective graphic exhibition. Le Laboratoire gallery. Mexico City, Mexico.

2012 Art al vent x. Public art collective. Spain and The Netherlands.

2005 Brita Prinz collective workshop. Madrid, Spain.

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Academic Activities

Currently - Material workshop. Professor Viktor Martinez. Mexico City, Mexico

2011/18 Grapahic workshop. Professor Roberto Turnbull. Mexico City, Mexico.

1990/94 Engraving workshop and serigraphy. Brita Prinz workshop. Madrid, Spain.

1986 Graphic design diplomate. Cei. Madrid, Spain.

1982 Art and interior architecture diplomate. iade. Madrid, Spain.

Oeuvre in collections

2013 José Guadalupe Posada Museum. Aguascalientes, Ags., Mexico.

2013 Manuel Felguérez Abstract Art Museum. Zacatecas, Zac., Mexico.

2013 Modern Art Museum. Mexico State, Mexico.

2011 Sebastian Foundation Collection. Mexico City, Mexico.

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CatáLogo de obra


Cat. 1 Cat. 2 Cat. 3 Cat. 4

Modelo en metal2017

Lámina oxidada cal. 20 en espejo de agua35x35x21 cm.

Estructura X2017

Lámina negra cal. 1690x120x50 cm.

Tríptico2017

Técnica mixta110x160x20 cm. c/u

Tramando naranja y rojo2018

Acrílico sobre lienzo200x150 cm.


Tramando blanco2018


Escultura X2017


Modelo en madera y vaciado en concreto

2017Madera - concreto

38x31x10 cm.

Tramando naranja2018



Primer modelo2017

Técnica mixta35x35x21 cm.

Vaciado2017


Mermario I2017


Mermario políptico2017

Merma de placa intervenida

110x250 cm.

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Cat. 13 Cat. 14 Cat. 15 Cat. 16

Irving con pixeles2017

Rejilla recuperada y madera

77x87x9 cm.

Sin título2017

Tronco recuperado, pasta automotriz y resina

45x40x9 cm.

Tramando ocre y rosa2018


Tramando negro y ocre2018


Cat. 17 Cat. 18 Cat. 19 Cat. 20

Sin título2018

Acrílico sobre madera170x170 cm.

Tramando rojo y ocre2018


Tramando rojo2018


Tramando en negro, azul y naranjas

2018Acrílico sobre lienzo

150x160 cm.

Cat. 21 Cat. 22 Cat. 23 Cat. 24

Merengue2017

Madera y resinas45x60x24 cm.

Monolito2017

Concreto policromado17x17x11 cm.

Rubik2017

Collage de Madera30x25x25 cm.

Anuario2017

Tronco recuperado, pasta automotríz y resina

45x40x9 cm.

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Cat. 25 Cat. 26 Cat. 27 Cat. 28

Mermario II2017

Técnica mixtaMedida variable.

Anuario azul2017

Tronco recuperado, pasta automotriz y resina

45x40x9 cm.

Primer modelo2017


Merma favela2017

Collage - merma de madera

160x50x50 cm.

Cat. 29 Cat. 30 Cat. 31 Cat. 32

Orvital con tensores2017


Zonoducto 3B2017

Sonoducto 3B30x50x50 cm.

Mermario con punto blanco2017

Collage de merma, lámina negra

195x190x8 cm.

Mermario amarillo2017


188x196x8 cm.

Cat. 33 Cat. 34 Cat. 35 Cat. 36

Placa2017

Placa lámina al carbón policromada

173x56x6 cm.

Mermario con punto naranja2017


205x150x8 cm.

Vector I2017

Solera y pasta automotriz80x100x15 cm.

Placa I2017

Placa lámina al carbón policromada

100x56x6 cm.

Esta obra se terminó de imprimir en el mes de junio de 2018 en los talleres de JOVEN MULTIGRAPHIK, Independencia #1853, Col. San Miguelito, San Luis Potosí, S.L.P.

La impresión se realizó en papel couche mate de 150 g.Con un tiraje de 1050 ejemplares.

Edición: Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí ...

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