Serie de losJóvenes Intérpretes

DÚO ZAITANIA, dúo de guitarras (Colombia)

Jueves 14 de marzo de 2013 • 7:45 p.m.San Andrés, Salón Alejandro Rankin de la Cámara de Comercio

Jueves 21 de marzo de 2013 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

1Juan Felipe Osorio y Alexander Bayona

Conformado por los guitarristas bogotanos Juan Felipe Osorio y Alexander Bayona, el Dúo Zaitania se estableció en 2006 durante los estudios musicales de sus integrantes en la Universidad El Bosque, bajo la dirección del maestro Fabián Forero. Su propuesta musical integra música tradicional con nuevas fusiones latinoamericanas.

El Dúo Zaitania obtuvo la máxima calificación en los exámenes de música de cámara de la Universidad El Bosque en 2007 y 2008, y fue seleccionado para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes de la Biblioteca Luis Ángel Arango en 2009 y 2013, y del Ciclo Jóvenes Talentos de la Música de la Alianza Colombo Francesa, en 2012.

Ha realizado presentaciones en los principales auditorios y salas de conciertos de Bogotá, San Andrés, Valledupar y Cali, y sus integrantes han actuado como solistas con la Orquesta Sinfónica de la Universidad El Bosque.

Han participado en clases magistrales con el Groningen Guitar Duo (Holanda), el Cuarteto Manuel María Ponce (México) y Katona Twins (Hungría).

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INTERMEDIO

FERDINANDO CARULLI (1770-1841)

CLAUDE DEBUSSY (1862-1918)

CO PFISTER

PAULO BELLINATI (n. 1950)

MÁXIMO DIEGO PUJOL (n. 1957)

ÁLVARO ROMERO SÁNCHEZ(1909-1999)

JAIME A. ROMERO(n.1966)

JUAN FELIPE OSORIO (n. 1985) / ALEXANDER BAYONA (n. 1985)

Nocturno de salón Allegro Largo

Allegro

Rêverie

Golliwogg's Cake-walk

Dúo flamenco

Jongo

Sonatina caótica Allegro

Andante Allegro

RocíoPasillo

Flor de romeroBambuco

Delirio y fuga

Zaitania Danza

Bambuco

CONCIERTO No. 13

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Inti VianaLa historia de la guitarra es larga: instrumentos similares han existido por al menos 5.000 años. Aparentemente, las primeras guitarras fueron elaboradas en España durante el Renacimiento, y ya en el siglo XVI se habían convertido en un instrumento popular entre las clases media y baja del reino, que la consideraban el equivalente de la vihuela, instrumento muy respetado entre las clases altas de la sociedad. La guitarra se hizo popular en el resto de Europa en los siglos XVII y XVIII; a partir de 1800 se empezó a modernizar su construcción y fue en este momento cuando apareció la guitarra tal y como la conocemos hoy en día. Los guitarristas del siglo XIX demostraban su ingenio y creatividad improvisando y transformando sus obras cada vez que las interpretaban. Este es el caso del italiano Ferdinando Carulli (1770-1841). Aunque este compositor italiano comenzó sus estudios musicales interpretando el violonchelo, al cumplir 20 años su interés se centró en la guitarra. Desde ese momento, Carulli dedicó su vida a consolidar el instrumento y la música para guitarra.

Ferdinando Carulli tuvo que aprender a tocar la guitarra por su cuenta, pues en su momento había pocos guitarristas en Nápoles. Por esta razón, logró desarrollar un estilo único como guitarrista y compositor.

En 1808 se mudó a París y allí comenzó su carrera docente. Con su Método, Op. 27 logró desarrollar una nueva escuela de enseñanza de la guitarra, y de esta manera ganó aceptación en Europa como instrumento clásico. Sin embargo, su interés en la guitarra iba más allá de la composición y la enseñanza: Carulli trabajó de cerca con el lutier francés René Lacote en la fabricación de guitarras, con lo cual ayudó a promover la evolución de este instrumento.

Aparte de la voz humana, ningún instrumento se ha integrado tanto a la música de cámara guitarrística como una segunda guitarra. El Nocturno de salón de Carulli es prueba fehaciente de ello: se trata de un dueto en tres partes, donde se desarrollan vivaces melodías que son acogidas fácilmente por el oyente.

El siglo XIX representa una época importante para la humanidad. Durante este siglo ocurrieron diferentes acontecimientos políticos, sociales, económicos y por supuesto, musicales que propiciaron nuevas reflexiones y consideraciones. Los compositores de finales de 1800 llevaron al límite el uso de cromatismos llegando hasta un punto de total ambigüedad tonal.

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Diversas estéticas, tales como el dodecafonismo, el nacionalismo y el impresionismo francés, coexistían en esta época, y todas buscaban lo mismo: una forma lógica de manifestarse en este momento de ruptura. Así, la música del siglo XX surgió a partir de nuevos principios de organización. El compositor-guitarrista era hasta el siglo XIX, el creador de música para su propio instrumento; por ello, el repertorio de esa época refleja básicamente aspectos técnicos. Pero al llegar el siglo XX aparecieron compositores que no necesariamente interpretaban la guitarra y que, al encontrarse con un instrumento ya maduro, se dieron a la creación de obras que no están limitadas por requerimientos técnicos sino que permiten desarrollar una nueva aproximación formal y estética.

El 22 de agosto de 1862, en St. Germain-en-Laye (Francia), nació Claude Debussy. Ingresó al Conservatorio de París a la edad de 10 años y pronto fue contratado como pianista acompañante. Bajo la influencia de los impresionistas y los simbolistas, creó un nuevo estilo de composición que lograba nuevos efectos y se escapaba de las limitaciones tradicionales del contrapunto y la armonía.

Tal y como lo hacen los cuadros de Claude Monet, fundador de la pintura impresionista francesa, Debussy buscó la manera de capturar con sonidos los matices de luz y de sombra, lo cual hizo que su obra sea única en el mundo musical.

Los paisajes de Claude Monet son en realidad sinfonías de ondas luminosas, y la música de Debussy -la cual no está basada en una sucesión de temas sino en el valor relativo de los sonidos- tiene un parecido notable con esas pinturas; es impresionismo basado en retazos sonoros… (Camille Mauclair, Citado por Edward Lockspeiser en el libro Debussy: His Life and Mind).

Debussy compuso la suite Children’s Corner para su pequeña hija Claude-Emma. Se trata de una obra para piano, mágica y sofisticada, que nos lleva de vuelta a nuestra infancia. Algunos movimientos de la suite están inspirados en los juguetes de la niña. Tal es el caso de Golliwogg’s Cake-walk. Golliwogg es una muñeca negra, y Cake-walk hace referencia a un baile de pasos intrincados. Basada en una marcha (walk), esta danza era realizada por los esclavos negros de Estados Unidos con el objetivo de ganar como premio un pastel (cake).

La idea del reflejo es muy importante para los impresionistas, quienes consideraban que un reflejo es más auténtico que la realidad. Algunas de las

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obras maestras de artistas impresionistas como Renoir o Monet muestran la técnica que utilizaban para explorar este estado de ensueño. Por tanto, no es coincidencia que una de las obras para piano más populares de Debussy se titule Rêverie (Ensoñación). Esta obra evoluciona lentamente aunque con un ritmo que evoca el fluir y las burbujas del agua de una fuente. A medida que la obra se desarrolla, la música se torna más ondulatoria, para finalmente desaparecer tranquilamente.

Al igual que en Europa, las raíces de la guitarra en Latinoamérica son profundas y se remontan a la época de la Conquista: cuando los españoles llegaron a América trajeron consigo diferentes instrumentos musicales, entre ellos la vihuela, la cual se integró rápidamente a las manifestaciones culturales de los indígenas y los esclavos africanos. Desde entonces, la guitarra clásica ha estado unida a la historia y a las diferentes culturas del Nuevo Continente, las cuales crearon una gran variedad de formas y estilos musicales que lograron expresarse de forma natural en este instrumento.

Gracias a sus composiciones, arreglos e interpretaciones, Paulo Bellinati (n. 1950) es considerado uno de los guitarristas contemporáneos más importantes de Brasil. Bellinati estudió guitarra clásica en el Conservatorio de Sao Paulo y posteriormente continuó sus estudios en Suiza, donde también fue docente. Sus obras recrean diversos ritmos propios de la música brasilera tales como la samba, la mondinha y el lundu.

El jongo es una manifestación cultural directamente asociada con la cultura africana brasilera, pues llegó a Brasil con los esclavos africanos. Está constituido por cantos y bailes, con el acompañamiento de diversos instrumentos. Una característica esencial del jongo es el uso de símbolos a los que se atribuyen funciones mágicas. Entre los símbolos más evidentes se pueden mencionar los tambores, considerados los ancestros de la comunidad, y la danza en círculo con una pareja en el centro, lo cual se relaciona con la fertilidad.

Durante su estadía en Suiza, Bellinati compuso la obra Jongo e hizo varias versiones de la misma para diferentes ensambles. En 1988, la versión para guitarra sola ganó el Primer Premio de Composición en la octava versión del Carrefour Mondial de la Guitare, en Martinica. La versión para dos guitarras fue escrita en 1989 y dedicada al dúo de los hermanos Assad (se presentaron en la Sala de conciertos en 2012). Desde entonces la obra ha sido interpretada y grabada por muchos artistas alrededor del mundo y se ha convertido en una pieza importante del repertorio de la guitarra clásica.

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Dúo flamenco es una obra del guitarrista Co Pfister se trata de una serie de improvisaciones basadas en un ritmo que se asemeja a una milonga rápida. A su vez, la milonga es el resultado de una fusión de muchas danzas, entre las cuales se incluyen la habanera, la mazurca y la polka. Es la antecesora del tango moderno, y a finales del siglo XIX era una pieza obligatoria en los salones de baile de las clases bajas; solía interpretarse con guitarras, flautas y violines. Una de las razones que hacen difícil la transición entre la milonga y el tango es que, en este último, el bailarín puede dar un paso en cualquier pulso, mientras que en la milonga se deben dar pasos en cada pulso. La mayoría de las milongas, entonces, no solo son rápidas sino que tienen un acento claramente marcado.

Máximo Diego Pujol nació en Buenos Aires (Argentina), en 1957. Como intérprete ha realizado presentaciones en su país natal y en diversos festivales de guitarra alrededor del mundo. Sus obras para guitarra han ganado premios de composición en países como Colombia, Francia y Martinica, y su obra en general está fuertemente influida por el estilo compositivo de Ástor Piazzolla. La Sonatina caótica no es tan aleatoria como podría llegar a pensarse en un primer momento. Es rigurosa en cuanto a su estructura y timbre, y exige de los intérpretes una gran compenetración para lograr articular y darle forma a cada una de sus partes, con estilo y sensibilidad.

El tiple y la guitarra han sido los ejes del folclor andino de Colombia. En el trío de cuerdas colombiano, son estos dos instrumentos los encargados de dar la base armónica a las melodías de la bandola. Hoy por hoy, la guitarra es uno de los instrumentos de mayor acogida en el país gracias a compositores que, como Álvaro Romero Sánchez (1909-1999), quisieron darle a esta el valor de instrumento solista, no solo de acompañante. Álvaro Romero Sánchez, además de guitarrista fue compositor y clarinetista. Desde pequeño hizo parte de los grupos que dirigía su padre, Julio César Romero. Fue integrante del trío Tres generaciones, junto con Benigno “El Mono Núñez” y Gustavo Rengifo, y fue el director del más importante de los tríos instrumentales colombianos: el Trío Morales Pino. En la tarde de hoy se escucharán dos de sus obras más difundidas: el bambuco Flor de romero -publicado originalmente por el Trío Morales Pino en su disco Recuerdos del pasado- y el pasillo Rocío.

Jaime Romero nació en Ibagué en 1966. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio del Tolima, y posteriormente estudió guitarra con el maestro Gentil Montaña. Como guitarrista y compositor ha ganado varias veces el Festival Mono Núñez. En su obra se dan cita diversas formas musicales, tanto básicas como complejas, que utilizan elementos rítmicos propiamente colombianos. La belleza de sus melodías y su manejo armónico son elementos muy apreciados por guitarristas de todo el mundo. Delirio

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y fuga es una mezcla de angustia y ansiedad, los cuales evocan en la primera parte una especie de delirio. La obra se transforma gradualmente en una pieza en la que no se siente tensión, para finalmente seguir con la fuga del final. Se trata de una hermosa composición, difícil de interpretar especialmente en su última parte, donde aparecen pasajes técnicamente complicados.

Finalizando el concierto, el Dúo Zaitania nos presenta una obra de su autoría. En palabras de los integrantes, Zaitania se trata de una

composición libre, estructurada desde módulos, recursos y gestos propios de la música andina colombiana. Algunos de estos elementos característicos son tratados como estructuras esenciales a partir de las cuales se exploran aspectos técnicos y de estilo de la guitarra en Colombia. Su estructura formal, si bien es libre se manifiesta la mayoría de las veces en secciones o partes definidas desde módulos repetitivos que buscan ser incidentes en aspectos técnicos y dar forma a rasgos estilísticos, como por ejemplo el estaticismo armónico de las secciones y un discurso sonoro ambiguo entre lo direccionado o lineal de la conexión de las partes y lo estático o cíclico que las conforma. El primer movimiento está fundamentado en elementos de la danza andina colombiana y explora la sonoridad espacial de la guitarra a través de ‘texturas transparentes’. El segundo movimiento está fundamentado en elementos del bambuco. Cuenta con dos partes cuyo lenguaje no posee direccionalidad armónica, pero muy dirigidas en la construcción de una energía cada vez más intensa en cuanto a textura, tesitura y dinámica. Se encuentran unidas por un pequeño puente, que sí se dirige armónicamente de un estaticismo hacia otro.

ESCUELA DE MÚSICA DE CHICORAL (Colombia)

Jueves 4 de abril de 2013. 7:30 pmBiblioteca Luis Ángel Arango, Sala de Conciertos

Desde 2006, en la vereda La Cumbre del municipio de Chicoral (Valle del Cauca) funciona la Escuela de Música del Chicoral - Musicoral, una fundación patrocinada por la empresa Té Hindú, que desarrolla programas de formación, interpretación y divulgación de música colombiana. Bajo la dirección y arreglos del maestro Fernando Salazar Wagner y con diferentes formatos que van desde solistas, duetos, ensambles o coros, la escuela ha incursionado con éxito en los más reconocidos festivales de música tradicional en el país, entre ellos, la Hormiga de Oro de Bucaramanga, el Festival Nacional de la Música Colombiana de Ibagué, Colombia Canta y Encanta de Medellín, el Festival Nacional de Pasillo de Aguadas y el Festival Mono Núñez de Ginebra. Su concierto en la BLAA presentará repertorio tradicional andino.

Biblioteca Luis Ángel ArangoCalle 11 # 4 - 14

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