Dmitri Shostakovich • Chamber Symphonies op. 73a & op. 83a ...

CLASSICAL

Dmitri Shostakovich • Chamber Symphonies op. 73a & op. 83a (arr. Barshai)

Orchestre de Chambre de Lausanne, Joshua Weilerstein

MENU

FUG 769

2

EN FR DE

Credits Tracklist Programme note

The Romantic Viola IILouis Vierne, Ernest Chausson, Charles Tournemire, Hector Berlioz

Daniel Weissmann, Peter Petrov



MENU

3

Fuga Libera

Artistic Director

Charles Adriaenssen

Design

Stoëmp Studio

Executive Producer

Julien Lepièce

Cover

Ilya Serebryany (b. 1907), ‘Portrait

of Dmitry Shostakovich’ (1964),

State Tretyakov Gallery, Moscow.

© akg-images / Sputnik

Recording

30 June - 2 July 2019,

Salle Métropole (Lausanne)

Recording, mixing & mastering

Renaud Millet-Lacombe

Music producer

Elsa Desjardins

MENU

Fuga Libera FUG 769

4

Dmitri Shostakovich • Chamber Symphonies

www.ocl.ch

www.joshuaweilerstein.com



MENU

FUG 769

5

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

Chamber Symphony in F Major, op. 73a (arrangement of

the String Quartet No. 3 in F Major, op. 73 by Rudolf Barshai)

01 . Allegretto (Blithe ignorance of the future cataclysm) 07:45

02 . Moderato con moto (Rumblings of unrest and anticipation) 05:47

03 . Allegro non troppo (Forces of war unleashed) 04:24

04 . Adagio (In memory of the dead) 06:20

05 . Moderato (The eternal question: why? and for what?) 10:39

Chamber Symphony in D Major, op. 83a (arrangement of

the String Quartet No. 4 in D Major, op. 83 by Rudolf Barshai)

06 . Allegretto 04:23

07 . Andantino 07:28



Bonus

10 . Presentation of the Chamber Symphony in F Major, op. 73a by Joshua Weilerstein 04:48

11 . Presentation of the Chamber Symphony in D Major, op. 83a by Joshua Weilerstein 04:47

Published by

Musikverlag Hans

Sikorski GmbH

MENU

Fuga Libera FUG 769

6


ENShostakovich’s music has always been bound together with the story of his life in Soviet Russia. His two denunciations, the loss of so many of his friends, and the oppression he and his countrymen lived under have colored every assessment of his music. There are profoundly moving stories to tell about the pieces on this recording, and you can hear those stories on the explanation track included on it. These notes are designed to provide a more musical context for the two masterpieces, written at a time of extreme stress for Shostakovich and for the world at large.

Shostakovich’s Third Quartet is a piece that reveals its emotional content slowly. The character of the first movement might be surprising to those who know Shostakovich only through his symphonies, but Shostakovich was a man known for his sardonic sense of humor, which comes through in the silent-movie-score jauntiness of the music. The churning rhythm of the second movement is relent-less in its objective character, and the transformation of that same rhythm into an icy, almost skeletal state, is just one of the many examples of Shostakovich’s mastery. The legendary middle movement, initially titled “The Forces of War Unleashed”, is powerful not only for its sense of rage and terror, but also for its relentless humanism, a feature that I find unbearably heart-rending in all of Shostakovich’s “war” music. Shostakovich places you not as an observer of the violence and instability he writes into the music, but gives you instead the feeling that you might as well be a participant, living or reliving the horror of the scene. This movement forms the fulcrum of the piece, as it moves towards an agonized chorale in the fourth movement and an emotionally complex fifth movement that does not reveal its secrets easily. This is music that wanders in fits and starts, never seeming to fully settle until exorcising the demons of the chorale in a wailing climax that equals the power of the third movement. The folk song

MENU

Fuga Libera FUG 769

7


that seems to calm the wandering music in the last movement and to take us to a final peaceful rest is all the more moving for its simplicity.The Fourth Quartet was never going to receive a public performance because of its clear protest against anti-Semitism in the USSR. It would not receive a per-formance until after Stalin’s death, and it remains a curiously under-appreciated quartet. The first movement’s drone-like opening reveals the liturgical and religious basis for this music, another secret that will slowly reveal itself throughout the piece. The long solo in the second movement, transcribed here in these brilliant arrangements by Rudolf Barshai, for solo oboe, is an expression of loneliness that only Shostakovich could write. It combines a simplicity in the accompaniment part (a simple waltz rhythm) and both a searing sadness and nostalgic longing in the solo line that results in a crushing climax, one of the few in the piece. Uncertainty reigns throughout, especially in the mysterious and ominous third movement, which has sparked many disagreements about tempo ever since its first performance. It is unclear whether Shostakovich wanted a kind of mechanized straightness to the music or an anxious and almost cinematic rendering of this underground music. We have attempted to find a middle ground, sticking close to Shostakovich’s original metronome marking while also trying to find the underlying anxiety that pervades the music.

The mystery of the music’s character becomes clear in the final movement, which is dominated by Eastern European Jewish folk music. It was this kind of music that would have made it extremely dangerous for the quartet to be performed in public, and Shostakovich’s friends convinced him to withdraw it after a private perfor-mance. Written at the height of a Stalinist purge of Soviet Jews, it was a private protest piece, and as the sweet sadness of the folk music fades away at the end of this work, we are left with some of the same uncertainty that Shostakovich left us with in the third quartet.

MENU

Fuga Libera FUG 769

8


These pieces were intimate ones for Shostakovich, not necessarily designed to be heard by a large audience, and Rudolf Barshai’s arrangements of the quartets for a much larger ensemble nevertheless find a way to remain deeply intimate and personal. Barshai’s arrangements constantly thread the needle in this regard, giving the quartets a new size and scope while also remaining conscious of the context in which the quartets were written. In the arrangement of the Fourth Quartet there is a brilliant attention to detail, especially in his use of the trumpet and percussion in the third movement. In addition, the oboe solo in the second movement is so natural that you would not think that Shostakovich had ever intended it for another instrument. The Third Quartet arrangement is notable for its use of the harp, par-ticularly on the final peaceful chords of the piece.

All in all, I think that Shostakovich would have considered it a moral victory that these pieces were recorded at all, let alone as an orchestral arrangement. They are powerful works of protest, at the time private, and now public. In 2020, at a time of rising anti-Semitism and ethno-nationalism across the world, they can serve as a reminder of Shostakovich’s courage in even committing these notes to paper. In the Fourth Quartet, the ambiguity layered into it poses questions—essentially constituting a challenge—at the end of score: What is the future going to hold? Who will speak up when it matters?

Joshua Weilerstein

MENU

Fuga Libera FUG 769

9


Joshua Weilerstein

Born into a musical family, Joshua Weilerstein won both the First Prize and the Audience Prize at the Malko Competition for Young Conductors in Copenhagen in 2009. He was subsequently appointed as Assistant Conductor of the New York Philharmonic, where he served from 2012-2015.

Joshua Weilerstein is the Artistic Director of the Orchestre de Chambre de Lausanne, where his contract has been extended until the end of the 20/21 season. He is known for his clarity of musical expression, unforced manner and natural musician-ship. His enthusiasm for a wide range of repertoire is combined with an ambition to bring new audiences into the concert hall. Whenever possible, he presents a piece by a living composer in each of his concerts.

He enjoys aflourishing guest conducting career and has established a number of close relationships both in Europe and the USA, including the Oslo Philharmonic, NDR Radiophilharmonie Hannover, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Orchestre Philharmonique de Radio France, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Danish National Symphony Orchestra, BBC Symphony, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Detroit, Milwaukee, San Diego and Baltimore Symphony Orchestras and the New York Philharmonic.

In the 2019/20 season Weilerstein returns to Orchestre Philharmonique de Radio France, Tonhalle Orchestra Zürich, Finnish Radio Symphony Orchestra, Norrköping Symphony Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra and the London Philharmonic Orchestra. At the beginning of the season, Weilerstein leads the Orchestre de Chambre de Lausanne on a tour to Germany and makes his debut with the Chamber Orchestra of Europe and BBC National Orchestra of Wales.

BIO

MENU

Fuga Libera FUG 769

10


The Lausanne Chamber Orchestra

The Lausanne Chamber Orchestra (OCL), founded in 1942 by violinist Victor Desarzens, has continued to spread its wings to become one of today’s most sought-after chamber orchestras in Europe. The first artistic director was Victor Desarzens (1942-1973) who founded the OCL, and left his mark on the history of the orchestra with his tireless commitment to promoting the work of Swiss composers (in particular the work of Frank Martin). He was followed by Armin Jordan (1973-1985) who brought the OCL to the world stage with his recordings (distributed by Philips and Erato). The following artistic directors include Lawrence Foster (1985-1990), Jesús López Cobos (1990-2000), and Christian Zacharias (2000-2013), the latter of whomrecorded an exceptional complete set of Mozart piano concertos released by MDG. Artistic director since 2015 Joshua Weilerstein has declared his intention to pursue the work of his predecessors while producing bold programmes and making more efficient use of new media to bring the OCL into the 21st century.

The OCL has a history of attracting the most compelling conductors and soloists of the time, under the baton of the likes of Günter Wand to Christoph Eschenbach; Paul Hindemith to Ton Koopman; or Jeffrey Tate to Bertrand de Billy, with pianists from Clara Haskil, Alfred Cortot, Walter Gieseking and Edwin Fischer to Murray Perahia, Radu Lupu, Martha Argerich and Nikolai Lugansky; violinists from Arthur Grumiaux to Frank Peter Zimmermann; cellists from Paul Tortelier to Truls Mørk; and flutists from Jean-Pierre Rampal to Emmanuel Pahud.

The OCL is housed in the Salle Métropole, is also a regular guest at the opera pit of the Opéra de Lausanne and is the preferred partner of many institutions in the

MENU

Fuga Libera FUG 769

11


region, including HEMU (the University of Music of Lausanne), the Manufacture (Haute Ecole des arts de la scène), the Pierre Gianadda Foundation in Martigny. Moreover, the OCL is a long-standing partner of the Swiss radio and television company Radio Télévision Suisse (RTS). Under this partnership, RTS’ cultural radio station Espace 2 records the OCL’s concerts and makes them available to the public.

MENU

Fuga Libera FUG 769

12


La musique de Chostakovitch a toujours été liée à l’histoire de sa vie en Russie soviétique. Toute appréciation en a toujours été teintée par ses deux dénoncia-tions, la perte de nombreux amis et l’oppression que subirent ses compatriotes et lui-même. Il existe des histoires profondément émouvantes à raconter au sujet des œuvres de cet enregistrement, que vous pouvez entendre sur la plage consa-crée aux explications. Les présentes notes sont destinées à présenter le contexte musical de ces deux chefs-d’œuvre, écrits à une époque de stress extrême pour Chostakovitch comme pour le monde entier.

Le Troisième Quatuor de Chostakovitch ne révèle son contenu émotionnel que lente-ment. Le caractère du premier mouvement peut surprendre ceux qui ne connaissent le compositeur que par ses symphonies, mais Chostakovitch était connu pour son sens de l’humour sardonique, qui transparaît dans le joyeux caractère de « film muet » de sa musique. Le rythme tourbillonnant du deuxième mouvement est impla-cable dans son caractère objectif, et la transformation de ce même rythme jusqu’à un état glacial, presque squelettique, n’est que l’un des nombreux exemples de la maîtrise de Chostakovitch. Le célèbre mouvement central, initialement intitulé « Les forces de la guerre sont déchaînées », est d’une grande puissance, non seulement par son sens de la rage et de la terreur, mais aussi pour son humanisme implacable, caractéristique insupportablement déchirante à mes yeux de toute la musique de « guerre » du compositeur. Celui-ci ne fait pas de nous l’observateur de la violence et de l’instabilité qu’il intègre à sa musique, mais nous donne le sentiment que nous pourrions être impliqués nous aussi, vivant ou revivant l’horreur de la scène. Ce mouvement forme le pivot de la pièce, se dirigeant ensuite vers un quatrième mouvement au choral agonisant et un cinquième mouvement émotionnellement complexe qui ne livre pas facilement ses secrets. C’est une musique qui progresse par à-coups, qui ne semble

FR

MENU

Fuga Libera FUG 769

13


jamais s’installer vraiment, jusqu’à ce que le compositeur exorcise les démons du choral dans un climax gémissant dont la puissance égale celle du troisième mou-vement. La chanson populaire qui semble venir calmer la tempête et nous mener à un dernier repos paisible dans le dernier mouvement est d’autant plus émouvante par sa simplicité.

En raison de son positionnement avoué contre l’antisémitisme en URSS, le Quatrième Quatuor ne fut pas joué en public jusqu’après la mort de Staline ; il res-terait curieusement sous-estimé. L’ouverture bourdonnante du premier mouvement dévoile la base liturgique et religieuse de la musique, qui se révèle lentement au fur et à mesure de la pièce. Le long solo du deuxième mouvement, brillamment arrangé par Rudolf Barshai pour le hautbois, est une expression de solitude comme seul Chostakovitch pouvait l’écrire. Il combine une simplicité dans l’accompagnement (un simple rythme de valse) et une tristesse brûlante couplée à un désir nostalgique dans la partie solo, jusqu’au climax écrasant, l’un des rares de la pièce. L’incertitude règne tout au long de la pièce, en particulier dans le troisième mouvement mys-térieux et inquiétant, qui, depuis sa première exécution, a suscité de nombreuses discussions au sujet du tempo. Il n’est pas clair si Chostakovitch voulait une espèce de rectitude mécanique ou une interprétation anxieuse et presque cinématogra-phique. Nous avons tenté de trouver un juste milieu en nous tenant à l’indication métronomique originale de Chostakovitch tout en essayant de rendre l’angoisse qui imprègne la musique.

Le mystère du caractère de la musique s’éclaire dans le mouvement final, dominé par la musique folklorique juive d’Europe de l’Est. C’est le genre d’élément qui aurait rendu extrêmement dangereuse la présentation publique de cette œuvre, et après une exécution privée, les amis du compositeur le convainquirent de le

MENU

Fuga Libera FUG 769

14

retirer. Écrite au plus fort de la purge stalinienne des juifs soviétiques, cette pièce se dresse en manière de protestation, et comme la douce tristesse de la musique folklorique s’estompe à la fin de l’œuvre, nous nous retrouvons avec la même incertitude qui demeure dans le Troisième Quatuor.

Ces pièces n’étaient pas forcément destinées à être entendues d’un large public ; les arrangements des quatuors par Rudolf Barshai pour un ensemble plus large trouvent le moyen de les conserver profondément intimes et personnelles. Ces arrangements donnent aux œuvres une ampleur et une portée plus larges tout en respectant le contexte dans lequel elles ont été écrites. Dans l’arrangement du Quatrième Quatuor, une attention nourrie est portée aux détails, en particulier avec l’utilisation de la trompette et des percussions dans le troisième mouvement. Le solo de hautbois dans le deuxième mouvement est si naturel que pas un instant, on ne peut deviner qu’il était destiné à l’origine à un autre instrument. L’arrangement du Troisième Quatuor se distingue par l’utilisation de la harpe, en particulier sur les derniers accords paisibles de la pièce.

Dans l’ensemble, il me semble que Chostakovitch aurait considéré le fait que ces pièces soient enregistrées comme une victoire morale, sans parler de la réalisa-tion d’un arrangement orchestral. Ce sont de puissantes œuvres de protestation, privées alors, publiques aujourd’hui. En 2020, à une époque où l’antisémitisme et l’ethnonationalisme sont en recrudescence partout dans le monde, elles permettent de se rappeler le courage dont Chostakovitch fit preuve pour coucher ces œuvres sur papier. L’ambiguïté qui règne dans le Quatrième Quatuor nous laisse avec des questions : que nous réserve l’avenir ? Qui prendra la parole quand cela importera ?

Joshua Weilerstein (traduction : Catherine Meeùs)

MENU

Fuga Libera FUG 769

15


Joshua Weilerstein

Né aux Etats-Unis dans une famille de musiciens, Joshua Weilerstein voit sa car-rière décoller suite à l’obtention du Premier prix et du Prix du public de la Malko Competition de Copenhague en 2009. Par la suite, il devient chef assistant du New York Philharmonic auprès d’Alan Gilbert jusqu’en 2015 et s’implique beaucoup dans les concerts pour jeune public. Il a aussi été premier violon solo du Discovery Ensemble, un orchestre de chambre de Boston dédié à présenter la musique clas-sique aux écoles de la ville.

Directeur artistique de l’Orchestre de Chambre de Lausanne depuis 2015, Joshua Weilerstein a vu son mandat prolongé jusqu’en 2020-2021. Grâce à des programmes variés et à un très large répertoire, il souhaite encourager un nouveau public à franchir la porte des salles de concert. Il s’engage ainsi à présenter, aussi souvent que possible, une pièce d’un compositeur vivant dans chacun de ses programmes.

Au fil des années, Joshua Weilerstein a su développer un grand nombre de colla-borations musicales solides avec, par exemple, l’Oslo Philharmonic Orchestra, le NDR Orchester Hannover, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, le Royal Stockholm Philharmonic, le Danish National Symphony Orchestra, le BBC Symphony Orchestra, le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, les orchestres symphoniques de Detroit, Milwaukee, San Diego et Baltimore ainsi que le New York Philharmonic.

En 2019-2020, il retourne à l’Orchestre Philharmonique de Radio France, à l’or-chestre de la Tonhalle de Zürich, à l’Orchestre symphonique de la Radio Finlandaise, au Norrköping Symphony Orchestra, au Royal Liverpool

BIO

MENU

Fuga Libera FUG 769

16


Philharmonic Orchestra et au London Philharmonic Orchestra. Au début de la saison, Joshua Weilerstein emmène l’Orchestre de Chambre de Lausanne en tournée en Allemagne et en Autriche et fait également ses débuts avec l’Orchestre de chambre d’Europe et le BBC National Orchestra of Wales.

Orchestre de Chambre de Lausanne

L’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL) n’a cessé de grandir pour devenir aujourd’hui l’une des phalanges de chambre les plus demandées d’Europe. Au fondateur Victor Desarzens (1942-1973), qui marque l’institution par son engage-ment infatigable en faveur des créateurs suisses (Frank Martin en tête) succèdent Armin Jordan (1973-1985), qui par les disques (chez Philips et Erato) accentue considérablement le rayonnement international de l’orchestre, puis Lawrence Foster (1985-1990), Jesús López Cobos (1990-2000), Christian Zacharias (2000-2013) avec une exceptionnelle intégrale des concertos pour piano de Mozart chez MDG, pour arriver en 2015 à Joshua Weilerstein, qui d’emblée déclare son intention de poursuivre l’œuvre de ses prédécesseurs tout en inscrivant l’OCL dans le XXIe siècle par le biais de programmes audacieux ou l’exploitation plus efficace des nouveaux moyens de communication.

L’OCL a aussi toujours su attirer les baguettes les plus intéressantes du moment et des solistes de premier plan : de Günter Wand à Christoph Eschenbach, de Paul Hindemith à Ton Koopman, de Jeffrey Tate à Bertrand de Billy, de Clara Haskil, Alfred Cortot, Walter Gieseking et Edwin Fischer à Murray Perahia, Radu Lupu, Martha Argerich et Nikolai Lugansky chez les pianistes, d’Arthur Grumiaux à Frank Peter Zimmermann chez les violonistes, de Paul Tortelier à Truls Mørk

MENU

Fuga Libera FUG 769

17


chez les violoncellistes, ou encore de Jean-Pierre Rampal à Emmanuel Pahud chez les flûtistes.

Résident de la Salle Métropole, l’OCL est l’hôte régulier de la fosse de l’Opéra de Lausanne et le partenaire privilégié de nombreuses institutions de la région telles que l’HEMU (Haute École de musique de Lausanne), la Manufacture (Haute École des arts de la scène), la Fondation Pierre Gianadda de Martigny. Il est également un partenaire historique de la Radio Télévision suisse et ses concerts sont diffusés par Espace 2.

MENU

Fuga Libera FUG 769

18


Schostakowitschs Musik war immer eng mit der Geschichte seines Lebens in Sowjetrussland verflochten. Die Tatsache, dass er zweimal denunziert wurde, der Verlust so vieler seiner Freunde und die Unterdrückung, unter der er und seine Landsleute lebten, prägen jede Auseinandersetzung mit seiner Musik. Zu den Stücken auf dieser Aufnahme gibt es zutiefst bewegende Geschichten zu erzählen, und Sie können diese in dem Erläuterungtrack hören, der auf dieser CD enthalten ist. Meine Anmerkungen sollen die beiden Meisterwerke, die in einer für Schostakowitsch und die gesamte Welt extrem belastenden Zeit geschrieben wurden, in einen musikalischen Kontext stellen.

Schostakowitschs Drittes Streichquartett ist ein Werk, dessen emotionaler Gehalt sich nur langsam enthüllt. Der Charakter des ersten Satzes mag diejenigen überra-schen, die den Komponisten nur aus seinen Sinfonien kennen, aber Schostakowitsch war für seinen sardonischen Sinn für Humor bekannt, der sich in einer Munterkeit zeigt, die an Filmmusik erinnert. Der aufgewühlte Rhythmus des zweiten Satzes ist in seinem objektiven Charakter unerbittlich, und die Verwandlung desselben Rhythmus in einen eisigen, fast skelettartigen Zustand ist nur eines der vielen Beispiele für Schostakowitschs Meisterschaft. Der legendäre Mittelsatz, der ursprünglich den Titel „Entfesselte Mächte des Krieges“ trug, ist nicht nur wegen seines Ausdrucks von Wut und Schrecken beeindruckend, sondern auch wegen seines nicht nachlas-senden Humanismus, ein Merkmal, das die gesamte „Kriegsmusik“ Schostakowitschs unerträglich herzzerreißend auf mich wirken lässt. Schostakowitsch macht aus uns keine Beobachter von Gewalt und Instabilität, die er in seiner Musik festhält, sondern gibt uns stattdessen das Gefühl, dass wir ebenso gut Beteiligte sein könnten, die den Schrecken der Situation erfahren oder noch einmal durcherleben. Dieser Satz bildet den Dreh- und Angelpunkt des Stücks, denn er bewegt sich auf den

DE

MENU

Fuga Libera FUG 769

19


qualvollen Choral im vierten Satz und auf den emotional komplexen fünften Satz zu, der seine Geheimnisse nicht so leicht preisgibt. Es handelt sich um Musik, die stoßweise voranschreitet, sich nie ganz zu beruhigen scheint, bis die Dämonen des Chorals in einer klagenden Steigerung exorziert werden, die der Wucht des dritten Satzes in nichts nachsteht. Das Volkslied, das die unstete Musik im letzten Satz zu beruhigen und uns zu einer letzten friedlichen Ruhe zu führen scheint, ist durch seine Einfachheit umso ergreifender.

Das Vierte Streichquartett wurde zunächst nicht öffentlich aufgeführt, da es sich eindeutig gegen den Antisemitismus in der UdSSR wandte. Erst nach Stalins Tod kam es auf die Bühne, und nach wie vor ist es ein merkwürdig unterschätztes Werk. Die bordunartige Eröffnung des ersten Satzes verrät die liturgische und religiöse Grundlage dieser Musik, ein weiteres Geheimnis, das sich im Laufe des Stückes langsam erschließt. Das lange Solo im zweiten Satz, das in der brillanten Bearbeitung Rudolf Barshais für Oboe solo transkribiert wurde, ist ein Ausdruck der Einsamkeit, wie ihn nur Schostakowitsch schreiben konnte. Es verbindet Einfachheit in der Begleitung (ein simpler Walzerrhythmus) mit ätzender Traurigkeit und nostalgischer Sehnsucht in der Sololinie, die zu einem niederschmetternden Höhepunkt führt, einem der wenigen in diesem Stück. Überall herrscht Ungewissheit, insbesondere im geheimnisvollen und unheilvollen dritten Satz, der seit seiner Uraufführung viele Dispute über das richtige Tempo ausgelöst hat. Es ist unklar, ob Schostakowitsch eine Art mechanisierte Geradlinigkeit der Musik oder eine ängstliche und fast an Filmmusik erinnernde Wiedergabe dieser Untergrundmusik anstrebte. Wir haben versucht, einen Mittelweg zu finden, indem wir uns eng an Schostakowitschs ursprüngliche Metronomangaben hielten und gleichzeitig versuchten, die unter-schwellige Beklemmung auszudrücken, von der die Musik durchdrungen ist.

MENU

Fuga Libera FUG 769

20


Das Geheimnis des Wesens dieser Musik wird im Finalsatz deutlich, der von osteu-ropäisch-jüdischer Volksmusik bestimmt ist. Aufgrund genau dieser Art von Musik war es äußerst gefährlich, das Quartett öffentlich zu spielen, und Schostakowitschs Freunde bewegten ihn nach einer privaten Aufführung dazu, es zurückzuhalten. Geschrieben auf dem Höhepunkt der stalinistischen Säuberungsaktionen gegen die sowjetischen Juden, war es ein persönliches Protestwerk, und während die süße Trauer der Volksmusik am Ende dieses Werkes verklingt, bleiben wir mit der gleichen Unsicherheit zurück, die uns Schostakowitsch in seinem dritten Quartett empfinden ließ.

Diese Werke waren für Schostakowitsch eher intime Stücke, die nicht unbedingt für ein großes Publikum bestimmt waren, und Rudolf Barshai fand in seinen Transkriptionen der Quartette für ein weitaus größeres Ensemble dennoch einen Weg, zutiefst innig und persönlich zu bleiben. Barshais Bearbeitungen gehen immer wieder in diese Richtung, indem sie den Quartetten eine neue Größe und einen neuen Umfang geben, ohne dabei den Kontext aus den Augen zu verlieren, in dem sie geschrieben wurden. In der Bearbeitung des Vierten Quartetts ist eine brillante Liebe zum Detail erkennbar, vor allem bei der Verwendung von Trompete und Schlagzeug im dritten Satz. Darüber hinaus wirkt das Oboensolo im zweiten Satz so natürlich, dass man kaum glauben kann, dass Schostakowitsch es jemals für ein anderes Instrument vorgesehen hatte. Das Arrangement des Dritten Quartetts ist wegen seiner Verwendung der Harfe bemerkenswert, insbesondere in den fried-lichen Schlussakkorden des Stücks.

Zusammenfassend denke ich, dass Schostakowitsch es als moralischen Sieg empfunden hätte, dass diese Stücke überhaupt eingespielt werden, von einer Orchesterbearbeitung ganz zu schweigen. Es sind kraftvolle Werke des

MENU

Fuga Libera FUG 769

21


Protestes, damals privat, und heute öffentlich. Im Jahr 2020, in einer Zeit, in der Antisemitismus und Ethnonationalismus in der ganzen Welt zunehmen, sollten sie als Erinnerung daran dienen, wie viel Mut Schostakowitsch bewies, indem er sie zu Papier brachte. Im Vierten Quartett wirft die mitschwingende Mehrdeutigkeit Fragen auf, die im Wesentlichen eine Herausforderung darstellen, insbesondere am Ende des Werkes: Was wird die Zukunft bringen? Wer wird seine Stimme erheben, wenn es darauf ankommt?

Joshua Weilerstein (Übersetzungen: Susanne Lowien)

MENU

Fuga Libera FUG 769

22


Joshua Weilerstein

Joshua Weilerstein ist in einer Musikerfamilie in den Vereinigten Staaten geboren und erlebte seinen Karrierestart nach dem Gewinn des ersten Preises und des Publikumspreises beim Nikolai-Malko-Wettbewerb von Kopenhagen im Jahr 2009. Danach war er bis 2013-1014 stellvertretender Leiter des New York Philharmonic Orchestra unter Alan Gilbert und engagierte sich sehr für die Konzerte für junges Publikum. Er war auch Konzertmeister des Discovery Ensembles, eines Bostoner Kammerorchesters, das sich der Vermittlung klassischer Musik an die Schulen der Stadt widmet.

Seit 2015 ist Joshua Weilerstein künstlerischer Leiter des Lausanner Kammerorchesters, das sein Mandat bis 2020-2021 verlängerte. Dank abwechs-lungsreicher Programme und eines sehr breit gesteckten Repertoires möchte er ein neues Publikum in die Konzertsäle locken. Daher ist er auch bestrebt, in jedes seiner Programme so oft wie möglich das Werk eines lebenden Komponisten aufzunehmen.

Im Laufe der Jahre hat Joshua Weilerstein eine Vielzahl von soliden musikalischen Kooperationen entwickelt, z.B. mit dem Oslo Philharmonic Orchestra, dem NDR Orchester Hannover, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Orchestre Philharmonique de Radio France, dem Royal Stockholm Philharmonic, dem Danish National Symphony Orchestra, dem BBC Symphony Orchestra, dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, den Symphonieorchestern von Detroit, Milwaukee, San Diego und Baltimore sowie mit dem New York Philharmonic.

BIO

MENU

Fuga Libera FUG 769

23


In der Spielzeit 2019-2020 kehrt er zum Orchestre Philharmonique de Radio France, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem Finnischen Radio-Sinfonieorchester, dem Norrköping Symphony Orchestra, dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra und dem London Philharmonic Orchestra zurück. Zu Beginn der Saison unternimmt Joshua Weilerstein mit dem Orchestre de Chambre de Lausanne eine Tournee durch Deutschland und Österreich und gibt außerdem sein Debüt mit dem Chamber Orchestra of Europe und dem BBC National Orchestra of Wales.

Orchestre de Chambre de Lausanne

Das Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL) ist stetig gewachsen und hat sich zu einem der gefragtesten Kammerorchester in Europa entwickelt. Nachfolger des Gründers Victor Desarzens (künstlerischer Leiter von 1942 bis 1973), der die Institution durch seinen unermüdlichen Einsatz für die Schweizer Komponisten (allen voran Frank Martin) prägte, war Armin Jordan (1973-1985), der durch seine Einspielungen (bei Philips und Erato) den Internationalen Erfolg des Orchesters erheblich verstärkte. Sein Nachfolger war Lawrence Foster (1985-1990), gefolgt von Jesús López Cobos (1990-200), Christian Zacharias (2000-2013) mit einer herausragenden Gesamtaufnahme der Klavierkonzerte Mozarts bei MDG und schließlich ab 2015 Joshua Weilerstein, der von Anfang an seine Absicht erklärte, die Arbeit seiner Vorgänger fortzusetzen und gleichzeitig das OCL durch eine mutige Programmgestaltung oder auch durch eine effektivere Nutzung neuer Kommunikationsmittel im 21. Jahrhundert zu verankern.

MENU

Fuga Libera FUG 769

24


Das OCL konnte auch immer die interessantesten Dirigenten der jeweiligen Zeit sowie führende Solisten für sich gewinnen: von Günter Wand bis Christoph Eschenbach, von Paul Hindemith bis Ton Koopman, von Jeffrey Tate bis Bertrand de Billy, von Clara Haskil, Alfred Cortot, Walter Gieseking und Edwin Fischer bis Murray Perahia, Radu Lupu, Martha Argerich und Nikolai Lugansky unter den Pianisten, von Arthur Grumiaux bis Frank Peter Zimmermann unter den Geigern, von Paul Tortelier bis Truls Mørk unter den Cellisten und von Jean-Pierre Rampal bis Emmanuel Pahud unter den Flötisten.

Das in der Salle Métropole ansässige OCL spielt auch regelmäßig im Orchestergraben der Opéra de Lausanne und ist privilegierter Partner vieler Institutionen der Region wie etwa der HEMU (Haute École de Musique von Lausanne), der Manufacture (Haute école des arts de la scène) sowie der Stiftung Pierre Gianadda in Martigny. Außerdem ist das OCL ein langjähriger Partner von Radio Télévision Suisse. Seine Konzerte werden von Espace 2 übertragen.

(Übersetzungen: Silvia Berutti-Ronelt)

Fuga Libera FUG 769

26


For even more great music visit

www.outhere-music.com/en/labels/fugalibera

Dmitri Shostakovich • Chamber Symphonies op. 73a & op. 83a ...

Documents

Transcript of Dmitri Shostakovich • Chamber Symphonies op. 73a & op. 83a ...