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Bitácora del Curso

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El proyecto ideAndo, toma su nombre de la importancia de idear día a día nuevas soluciones que faciliten el día a día mediante el uso de materiales reutilizados. Busca crear nuevas interpretaciones a desechos que pueden ser reutilizados para crear un objeto práctico y que facilite el día a día.   El producto final consta de un organizador para el bulto del universitario promedio que consta de un espacio para el cambio, otro para los audífonos y otro para el iPod o reproductor de música que tenga la persona. Los pasos para construirlo fueron vectorizados e incluidos en la propuesta final.  

Reuse es una iniciativa por proveer soluciones ecológicamente viables a los desechos que normalmente se tiran al basurero sin pensarlo. La propuesta se hizo utilizando rollos de cartón de la empresa NEVAX.  

Resumen

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Logos

Logo final con etiqueta  

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Producto

Organizador para maletín de un universitario  

Ayuda a ordenar el iPod, audífonos y cambio.  

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Cliente

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Resumen

El proyecto consiste en tomar el formato de una revista y fusionarlo con elementos de un libro-arte. La revista deja de ser tradicional e incluye elementos como el collage, ilustraciones y los pop ups. La revista Mosso, está inspirada en la estética que se manejó durante el Art Deco y se enfoca en crear uniones entre el arte y el diseño a través de la historia. Su nombre proviene del vocablo italiano mosso que significa movimiento, un concepto bastante importante en lo que es el diseño y el arte total.  

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Logo

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Publicidad

Muppie  

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Merchandising

Invitación al desfile cariblanco  

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Producto

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Artículos

La ciudad de la luz   La estética de cada época es distinta. En el clásico, el estilo rococó que era impulsado por la realeza francesa y las estructuras de la vieja escuela de Viena; en el romántico, el estilo victoriano inglés y el sentimentalismo que cambiaba según el origen de cada compositor. Pero cada cambio social causa un ruptura total de los cánones para crear arte y diseño. La Belle Époque corresponde al período entre 1890, año del fallecimiento de Vicent Van Gogh, y 1914 año en el que empieza la primera guerra mundial. La relativa paz de la época y el flujo de mercancías ayudó a que la economía francesa floreciera permitiendo el desarrollo de las artes y el diseño. Durante este tiempo se empiezan a dar los inicios de corrientes como impresionismo, cubismo y el abstraccionismo en el arte, el Art Noveau para el diseño y el apogeo del impresionismo musical con genios como Ravel y Debussy. París ostentaba el título de capital de la cultura para esa época, todos los eventos culturales de importancia se desarrollaban en la ciudad, y era imprescindible que el diseño se mantuviera al ritmo del arte. El parisino Paul Poiret logró situarse como el diseñador más importante de su época al crear ropa para las altas esferas sociales de la época y lanzar líneas de interiorismo, fragancias y cosméticos; siendo el primer couturier en comercializar el lifestyle total. Ideas exóticas que desafiaban lo común en la época hicieron que Poiret se consolidara como el rey de la moda a nivel mundial. Mientras el diseño florecía en París, las artes seguían innovando y explorando nuevas formas de plasmar los pensamientos de los autores. Se empezó a dar en París un movimiento que iba en contra de las enseñanzas de la Academia de Bellas Artes de París. Este grupo se concentraba en capturar la luz en sus pinturas y alejarse del realismo impecable y lleno de emoción que había preponderado durante el romántico. Este grupo recibió el nombre de impresionistas, que fue acuñado en modo de burla por un crítica que era afín a las costumbres de la Academia. Artistas como Monet, Renoir y Pissarro fueron cobrando fama bajo el ala protectora de artistas bien situados como Delacroix y pronto se convirtieron en los artistas más buscados de París.  

El arte visual influyó fuertemente en las estructuras de la música. Uno de los compositores más influyentes de la época fue Maurice Ravel que se cautivó con las propuestas de los impresionistas, y en especial con Debussy (primer músico en romper con los dogmas de la vieja escuela) y empezó a crear música llena de atmósferas y colores distintos a los que reinaban en la época. Una de sus obras más importantes es Gaspard de la Nuit, una de las obras más oscuras del francés y una de las más difíciles para el repertorio de un pianista. Se concentró en crear música fría, lejana a ese romanticismo exagerado que había tomado control del gusto público. Es interesante comparar la estética en los estilos de Ravel y de Poiret, ya que ambos lograron cambiar la visión de la creación de nuevos materiales en el campo de cada uno. Poiret tuvo una gran influencia del Art Noveau, usando diseño muy orgánicos y fluidos que lograban un impacto visual desde el primer momento. La ropa de couturier del momento, logró llegar a altas esferas como la realeza rusa y los grande empresarios de Europa y Estados Unidos. Ravel, al igual de Poiret, se inspiró en una música más fluida que imitara las formas que se encontraban en la naturaleza. Su música posee un estilo bastante ecléctico ya que mezcla elementos arabescos y orientales con el fin de lograr texturas y sensaciones en el público. Obras como Jeux d’eau (Juegos de agua) y Daphnis et Chloé son icónicas a la hora de hablar del maestro del impresionismo, que logró evolucionar lo que había creado Debussy. En pocas épocas de la historia la música, el arte, y el diseño han estado tan unidos al punto en que es imposible entender uno sin tener una imagen clara de lo que fue el contexto socio-cultural de la época. La Belle Époque logró pasar a la historia como un momento de explosión artística que exploró nuevas formas de captar el espíritu humano en las obras maestras.

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Artículos

Chic   Si algo ha caracterizado a la legendaria pianista Martha Argerich es su elegancia y fluidez que tiene a la hora de entrar en un escenario. Argerich, de procedencia argentina, ganó fama mundial al conquistar los primeros de dos de las competencias más grandes del mundo con apenas 16 años y con 3 semanas de diferencia de cada una. En su juventud optó por usar vestidos de coctel con faldas un tanto voluminosas que lograban darle cierta aura de volatilidad a la hora de acercarse al piano. A esto se le sumaba su elegante francés y musicalidad lírica que puede convertirse en un virtuosismo pomposo y explosivo en solo cuestión de compases. Las nuevas generaciones de pianistas la consideran un modelo a seguir por su inteligencia, virtuosismo y musicalidad que han hecho que sus grabaciones sean consideradas puntos de referencia para el nivel de excelencia al que se debe llegar en el competitivo mundo de la música. Cuando el gran pianista Valdimir Horowitz escuchó por primera vez a Argerich tocando en el concurso Chopin, preguntó “¿Quién es el que está tocando?” y su esposa le contestó “es un ‘ella’”. Elegancia y fluidez, son cosas que tiene en común Argerich con una de las casas de moda francesas de mayor tradición: Christian Dior. Cortes un tanto románticos, pensados para resaltar la belleza de las mujeres, son los pilares del diseño de la línea couture (alta costura) de Dior. Música y diseño se encuentran de nuevo en Argerich, al usar un vestido de Dior para interpretar una de las obras más monstruosas y representativas del repertorio romántico: el tercer concierto para piano y orquesta del ruso Sergei Rachmaninoff. El negro sólido de la prenda la hace fusionarse con el piano y con la orquesta al mismo tiempo que los arcos y bronces crean una atmósfera sombría y siniestra que predomina durante toda la obra hasta llegar a un clímax triunfante donde el piano compite con la orquesta y logran crear una sonoridad titánica. Al terminar el concierto, la pianista se levanta para agradecer al público y al director de la orquesta y el vestido la acompaña igual que al inicio. El vestido le da a Argerich una silueta típica de Dior, una mujer fuerte y vencedora que celebra sus atributos y sus habilidades y que la hacen posicionarse como una autoridad en un gremio que hasta hace poco estaba dominado por hombres.

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Artículos

Jinetes del alma   Mucho se ha dicho de la emociones, del romanticismo formal como movimiento artístico. Un movimiento que ha cautivado al mundo desde que empezó a inicios del siglo XIX, que sigue inundando la imaginación de las personas con visiones sublimes que logran transportar al espectador a un mundo paralelo creado por el autor de cada uno de los trabajos. La mala costumbre ha hecho que por romántico se entienda lo que tiene que ver con el amor, San Valentín, aniversarios, cupidos y demás cosas que caen un poco en el mal gusto a la hora de referirse a un género tan importante dentro del arte. Es importante reformar la concepción de romántico que reina hoy en día para lograr regresar a esa pasión desbordante por el humanos y sus emociones y no solo por el amor. El ser humano no vive solo en el amor, vive también en la tristeza, en la melancolía, en la ira, en la alegría, en un sinfín de cosas que son las que terminan de dar forma al espíritu humano y que lo dotan una fragilidad ante las inclemencias del mundo. En el arte, especialmente en la música y literatura escrita, el romanticismo ha logrado obras maestras que mueven el corazón del hombre y lo hacen crear las más sublimes obras que en su totalidad conforman una síntesis de la esencia humana. Romanticismo musical, en su pureza total, siempre es recordatorio del pianista y compositor polaco Frédéric Chopin. Creador de obras maestras que son pilares de la música hasta hoy en día, que abrazan la oscuridad y melancolía del alma de cada ser humano. Sus obras son capaces de transmitir el dolor que sentía el polaco por estar lejos de su patria, la alegría que le traía cualquier recuerdo de la misma y la delicadeza de un estilo un tanto afrancesado que se mezclaba con la crudeza del espíritu eslavo. Basta con escuchar las primeras frases del piano en cualquiera de sus obras para sentir el carácter con que el autor se acercaba a las ramas del alma más lejanas a la conciencia cotidiana. La obra más sublime del compositor es tal vez la Fantasía en Fa menor Op. 49, compuesta en memoria de todos aquellos soldados polacos que dieron su vida cuando su madre patria era atacada por fuerzas extranjeras que tristemente ganaron. Un introducción misteriosa y sombría a la que se le une el llanto de la voz superior con intervalos sumamente dolores y expresivos.

Lamentablemente, el espíritu romántico se ha perdido a través del tiempo quedando simplemente en una parte de la memoria popular. Aquel sollozo de felicidad intangible por los detalles más pequeños de la realidad queda flotando en una especie de limbo, y de vez en cuando, unos pocos afortunados logran tener un toque del espíritu que cautivó a Chopin. Uno de los pocos diseñadores contemporáneos que fueron contagiados por el espíritu romántico fue Alexander McQueen. Hombre de increíble talento, pasión desbordante que logró plasmar en sus prendas el alma de la humanidad con una intensidad que nadie ha conseguido imitar. Su última colección, Savage Beauty, es un himno a las partes más oscuras del espíritu del hombre. Un toque siniestro da a sus vestidos y prendas un toque de salvajismo y agitación que dota de una fuerza increíble a la colección entera. El mensaje: capturar las emociones más internas y primitivas del hombre que han sido lo que da pie a la cultura a través del tiempo. McQueen sin duda alguna pasará a la historia como el último gran diseñador romántico.

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Artículos

Fuera del tiempo   “Una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.”   Apollinaire, programa de música para el musical Parade, 1917   Una corriente que rompió con todas las normas de la época y creo nuevas formas para hacer arte: el surrealismo. El arte y diseño se volvieron a unir en esta época para crear objetos y piezas maestras totalmente distintas a lo que se había visto en el pasado. Aprovechaban elementos que no se relacionaban entre ellos para crear universos paralelos que flotan fuera del tiempo convencional, como si alguna mano casi divina los hubiese puesto ahí para ser descubiertos por genios como Elsa Schiaparelli y Sergei Prokofiev. Schiaparelli fue la mayor competidora de Coco Chanel, y sentía que sus prendas tenían un valor agregado (artístico), cosa que no tenían los diseños de la modista francesa según la opinión de la italiana. Sus prendas son exhibidas constantemente en museos como el MET (Mueso Metropolitano en Nueva York) como piezas de arte que rompieron las barreras entre el diseño y el arte plástico. Son obras que contienen elementos de fantasía humana que cautivan al espectador de una manera que pocos han logrados. Sus diseños tienen la intención de dotar a la mujer con una imagen impresionante para que logre conquistar un mundo machista que no tomaba en cuenta la opinión de genios femeninos. Son creaciones que parecen estar congeladas en un espacio atemporal, casi como si el cuadro de Dalí “La persistencia de la memoria” hubiese creado todo un universo en el que están contenidas las más alocadas fantasías humanas. En las que conviven los sombreros con forma de insectos con las melodías hipnotizantes de Prokofiev.

Sergei Sergyvich Prokofiev es uno es lo compositores contemporáneos de mayor peso. Desafió el sistema comunista que gobernaba Rusia y promovía un post romanticismo que seguía funcionando bajo los mismo cánones de la escuela de Moscú. Fue un hombre de increíble audacia e inteligencia que hizo burla de los sistemas sin que ellos se dieran cuenta, creo estructuras que se “acomodaban” a los gustos de los gobernantes pero en realidad eran totalmente innovadoras y refrescantes al oído. Una de sus obras más significativas es su segunda sonata para piano compuesta en memoria de su mejor, Maxim, que se suicidó en los bosques a las afueras de San Petersburgo. Una composición dotada de una tristeza inextricable y un luto infinito que en su desarrollo parece imitar los sucesos de la muerte de su amigo. El tercer movimiento está dentro del universo de las creaciones de Schiaparelli. Un canto en las voces medias hace que el oyente pierda todo sentido de temporalidad y se sienta en la cabeza de Maxim cuando ya estaba en el bosque con el arma apuntada hacia él mismo. Armonías que parecen no resolver, vestidos impactantes y voluminosos, relojes que van al contrario, sombreros con forma de insectos, son algunas de las cosas que dejaron al mundo los impresionistas, aquellos que dieron rienda suelta a la imaginación humana sin temor a los monstruos que pudiesen surgir de ella.

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Artículos

Femme Fatale   Empezaron los primeros acordes de la Consagración de la Primavera y Stravinsky jamás imaginó que entre las butacas iba a estar uno de los amoríos más famosos de la historia. Era mayo de 1913 y el gran estreno de su obra lo tenía nervioso y ansioso por ver cómo reaccionaría el público y la crítica ante el trabajo de monstruosas dimensiones que había consumido su tiempo durante los últimos tres años. Conforme se desarrollaba la obra, los bailarines hacían la coreografía que había ideado Monsieur Nijinsky, casi en un ritual pagano que iba consumiendo todo tipo de energía en la sala. Igor no se percató de que la sala iba quedando cada vez más vacía y que sólo había una elegante joven sentada en la tercera fila totalmente hipnotizada por el atonalismo de su obra. Los colores y texturas que asfixiaban a la audiencia “común” no tenían otro efecto en Gabrielle (o Coco como era mejor conocida) sino una especie de trance que la llevaba al borde el éxtasis espiritual. Terminó la obra con un cataclismo entre los instrumentos de la orquesta e Igor se dio media vuelta ara agradecer al público, mas se sorprendió cuando vio que la única que quedaba en el teatro, además de la orquesta y los bailarines, era Coco. Él bajó a para conversar con la coqueta mujer y se vio capturado de inmediato por su elegancia y su cautivadora mirada que lo sedujo desde el primer momento. O le importó en ese momento las críticas de su obra, ni cuánto iba a lograr recaudar con la taquilla; sólo tenía ojos para la misteriosa mujer que había logrado atravesar las barreras del arte convencional y apreciar la belleza inexplicable y un tanto bizarra de la Consagración.

Salieron del teatro e Igor tuvo la delicadeza de invitarla a un café en los alrededores del conservatorio. Mantuvieron una conversación por más de tres horas en las que Igor se sentía cada vez más tentado a dejar ir sus inhibiciones y lanzarse a la mujer que cada vez los hechizaba más. Al final de la tarde, Coco se disculpó y le dio las gracias con un beso en la mejilla y le dijo que se encontraran la semana siguiente. Pasaron tres semanas antes de que Stravinsky supiera de Coco de nuevo. Cuando una tarde primavera, la ama de llaves le informó que había una joven en el pórtico de su apartamento en el centro de París. Fue como una visión divina para Igor, Gabrielle entró a su recamara y el tiempo se detuvo para ambos. La pasión los consumió totalmente, al borde de la locura; o al menos así fue para Igor. Siguieron saliendo y haciendo apariciones en todo París como la pareja del momento, Igor nunca se había sentido así antes. Todo aquello de lo que hablaba la gente mayor era cierto, aunque él no supiera que todo era una triste ilusión. A los dos meses del estreno de su obra, Coco le dijo que le prestara quinientos mil francos para comprar un apartamento para ambos. No lo pensó dos veces para dárselos, estaba cegado por una ilusión incandescente que resultó ser una tragedia. Luego de darle el dinero, Igor Stravinsky no volvió a saber de Coco sino hasta que vio el ícono de Chanel en una de las calles más concurridas de París. Había caído en la trampa de una empresaria ambiciosa, una femme fatale.

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Retículas

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Resumen

El proyecto consiste en rediseñar por completo la identidad corporativa del Comité Deportivo del Colegio Kamuk, ubicado en Llorente de Tibás, San José, Costa Rica. La mascota del comité es un halcón y se trabajaron varias abstracciones del animal hasta alcanzar un mascota, aplicable al logo y a la mercadería del cliente. También se busca una tipografía que dé la connotación de ágil, veloz, agresivo y ganador que es característica del halcón.

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Brief

Estrategia de comunicación: Escudo, banderines, toldos, camisetas, gorras, bultos. Cliente: Colegio Kamuk -> historia Marca o producto: indentidad corporativa del comité de deportes del Colegio KamukKamuk Hawks. (Deportes, colegio Kamuk) Medio: mixto. Audiovisual+hablado Duración o tamaño: 2:30’ minutos (1:30 minutos + 30 segundos de video promocional + 30 segundos porra) Objetivo de comunicación: comunicar a través de una nueva identidad corporativa los valores de la institución.

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Brief

Público objetivo: Generalmente los estudiantes que asisten al colegio y gente que tenga interacción con equipos del colegio. Beneficio al consumidor: obtener una nueva identidad corporativa creativa y diferente que represente los valores y características que identifican al colegio. Eje de Campaña: Comunicar los valores de fuerza y perseverancia integrados al deporte. // La integralidad entre los valores y los deportes con conciencia cultural. Concepto: Somos fuerza y perseverancia. Personalidad del producto: valiente, fuerte, dinámico, agresivo, perseverante. Slogan: “Educación Integral”

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Propuesta

Boceto

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Vectorización

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Logo Final

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Escudo

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Camisas

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Gorras

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Bulto

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Escudo

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Banderines

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Porra

CLIENTE: COLEGIO KAMUK CREATIVOS: SOFÍA FERNANDEZ MARIO JIMÉNEZ FEDERICO MORA VALERIA RODRÍGUEZ DURACIÓN: 15’’ TIPO: PORRA 30/11/12

Kamuk fans stand up and cheer ! Let’em know we are here C’mon Kamuk don’t be ashamed Hawks we’re gonna win the game! (TONO RÍTMICO X2)

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Monograma

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Caligrama

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Ilustración