RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA

Domingo 14 de septiembre de 2014 • 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

CUARTETO MANDELRING, cuarteto de cuerdas (Alemania)

Foto: Uw

e Arens

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por laDirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 071 del 14 de

febrero de 2014.

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Piensa diferente

Hace algunos años una reputada empresa fabricante de computadores lanzó una campaña en la que mostraba un video con grandes personalidades, incluyendo científicos y artistas a los cuales agrupaba bajo el slogan Think different (piensa diferente). Claramente lo que pretendía esta campaña era asociar los pensamientos de avanzada con la marca del computador y, por transitividad, hacerle sentir al comprador que si él quería ser como estas personas, debería tener un computador de la empresa anunciante. La campaña hacía uso de videos en blanco y negro y presentaba a personas como Alfred Hitchcock, Jim Henson (creado de los Muppets), Bob Dylan, John Lennon, la coreógrafa Martha Graham y María Callas.

El Cuarteto Mandelring visita Colombia con dos programas diferentes en los que harán una demostración de por qué el cuarteto de cuerdas es quizás uno de los aportes más grandes que se hicieran al desarrollo de la música. El formato, consolidado por Joseph Haydn (1732-1809) ha sido una plataforma para el desarrollo de ideas musicales que crecen, se transforman y permean no solo a otras composiciones para cuarteto de cuerdas sino a estructuras musicales más grandes como son sinfonías, oratorios u óperas. La economía de las cuatro voces del cuarteto ofrece una practicidad que no tiene una orquesta sinfónica a la hora de experimentar, al tiempo que la riqueza de sus texturas y colores ofrece algo que trasciende al piano o a cualquier otro instrumento solo.

Los compositores de las obras que el Cuarteto Mandelring va a interpretar durante su visita a Colombia podrían, sin lugar a duda, haber aparecido en el comercial de Think different si hubiese existido video de ellos o, en el caso de Ligeti y Shostakovich, si sus rostros fueran tan conocidos como los de Ghandi o Einstein. Beethoven rompió con la estética clásica, equilibrada y respetuosa para infundir criterio, ímpetu y decisión propia en sus obras. Mendelssohn le dijo a sus contemporáneos que se podía aprender del pasado y encontrar en la música de Bach un legado que hoy sigue brindando lecciones de ingenio en la composición. Shostakovich aguantó la represión del régimen soviético y fue una voz disidente que daba a entender que el sentimiento de impotencia de muchos de sus compatriotas era compartido. Schubert, muerto a la corta edad de 31 años, nos legó una inmensa colección de música de cámara que hoy día sigue siendo de obligatorio estudio para cantantes, pianistas y otros instrumentistas. Finalmente, Ligeti, compositor vanguardista del siglo XX, que fácilmente podría haber sido un compositor protegido por el círculo de compositores dodecafonistas o por el círculo de músicos fieles a Stockhausen, decidió ser él mismo con voz propia, forjando una música que lentamente ha ido consolidándose como una de las más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

El cuarteto de cuerdas, legado de Haydn, sigue siendo hoy, de manera paradójica, una plataforma para que muchos compositores encuentren la manera de pensar diferente. La solidez de esta tradición es la que escucharemos en los dos conciertos del Cuarteto Mandelring.

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Sebastian Schmidt y Nanette Schmidt, violines; Roland Glass, viola y Bernhard Schmidt, violonchelo

Años atrás, en 2008, el periódico Frankfurter Allgemeine declaró que el Cuarteto Mandelring era tan talentoso que lograba ser un digno sucesor del Cuarteto Alban Berg. Al escribir sobre su ciclo de Shostakovich en el Festival de Salzburgo, la revista de artes líder en Austria, Die Bühne, lo designó como el heredero del legendario Cuarteto Borodin; y la renombrada revista musical Fono Forum lo cuenta entre uno de los seis mejores cuartetos de cuerdas del mundo.

En ese deseo que comparten de hallar el punto más íntimo de la música y de permanecer siempre abiertos a la verdad misma de ella, los cuatro miembros de Mandelring llegan a convertirse en uno solo. Estos artistas exploran muy a fondo cada obra y, por tanto, logran revelar las múltiples capas de significado inherentes a ellas. Su acercamiento a la música es siempre personal y emocional. Su expresividad e increíble homogeneidad de sonido y estilo se volvieron sus características distintivas.

El éxito que obtuvieron al ganar algunos concursos importantes —El ARD en Múnich y el Evian y Reggio Emilia (Premio Paolo Borciani) — fue el impulsor de su carrera internacional. Además de varias presentaciones en Alemania, las giras de concierto del Cuarteto Mandelring los ha llevado alrededor de Europa —Ámsterdam, Bruselas, Londres, París y Viena—; anualmente a Norteamérica —Nueva York, Washington D. C., Chicago, Los Ángeles y Vancouver—; a Japón —Osaka y Tokio—; a Suramérica —Buenos Aires, Lima, Bogotá y Montevideo—, al Medio Oriente y Asia.

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Así mismo, ha realizado presentaciones altamente exitosas en festivales internacionales, entre los que se destacan los de Lockenhaus, Montpelier, Montreal, Ottawa, el Festival de Música Schleswig-Holstein, el Festival Enescu (en Bucarest) y el Festival de Salzburgo.

Numerosas grabaciones en discos compactos, la obtención del Premio de la crítica discográfica alemana en repetidas ocasiones y la nominación al Premio de Música Clásica Internacional confirman la calidad excepcional del Cuarteto Mandelring y su amplio repertorio. Su grabación de los cuartetos de cuerdas de Shostakovich ha sido alabada por la prensa como una de las grabaciones integrales más excepcionales de nuestros tiempos. Los discos de obras de Schubert y Schumann fueron seleccionados para marcar un nuevo estándar o punto de referencia en las presentaciones musicales, y su disco compacto de los cuartetos de cuerdas de Leos Janáček ha recibido varios premios. En la actualidad, el cuarteto se encuentra terminando la grabación de la música de cámara para cuerdas de Mendelssohn, con tres de los cuatro discos compactos de la colección ya lanzados.

Desde 2010, el cuarteto ha presentado periódicamente series de conciertos en el Salón de Música de Cámara de la Filarmónica de Berlín, y en su ciudad natal, Neustadt, en la Ruta del vino de Alemania. También ha presentado ciclos completos de los quince cuartetos de Shostakovich en Berlín y en el Festival de Salzburgo, entre otros.

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INTERMEDIO

FRANZ SCHUBERT (1797-1828)

GYÖRGY LIGETI (1923-2006)

FRANZ SCHUBERT

Cuarteto No. 9 en sol menor, D.173Allegro con brio

AndantinoMenuetto. Allegro vivace

Allegro

Cuarteto No. 2Allegro nervoso

Sostenuto, molto calmoCome un meccanismo di precisione

Presto furioso, brutale, tumultuosoAllegro con delicatezza

Cuarteto No. 14 en re menor, D.810 “La muerte y la doncella”

AllegroAndante com moto

Scherzo. Allegro moltoPresto-Prestissimo

CONCIERTO No. 61

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Ellie Anne Duque

SchubertLa música de cámara de Schubert fue un complemento importante de su fértil producción de canciones y música para piano. El compositor tocó violín durante sus años de formación musical en la Capilla Imperial en Viena y, en el ámbito familiar, ejecutaba la viola para así conformar un cuarteto en compañía de su padre chelista y sus hermanos violinistas. No cabe duda de que estas sesiones familiares con la lectura del repertorio disponible y existente hicieron gran mella en la idea que desarrolló el mismo Schubert con el repertorio de cámara con instrumentos de cuerda. En total, Schubert escribió quince obras en el formato del cuarteto (algunas inconclusas), los primeros siete, tímidos ensayos ante los logros avasalladores de su contemporáneo, Beethoven. El ordenamiento de estas obras y su subsecuente enumeración (aportada por Otto Deutsch, de allí el uso de la D), no obedece a un orden cronológico. Entre 1814 y 1815, Schubert se obsesionó con la composición de canciones, y en medio de este remolino de producción vocal, encontró tiempo para componer tres cuartetos, entre ellos el cuarteto en sol menor cuyo sonido, de proyección orquestal, anunciaba el poder que llegarían a tener sus próximas incursiones en el género.

Cuando se trata de resaltar los aportes de Schubert al devenir de la música del siglo XIX, es obligatorio mencionar sus logros en el repertorio de canciones o Lieder alemán. Pero este hecho no debe opacar el interés que ofrecen otras de sus obras, como por ejemplo, las escritas para piano, las sinfonías, las misas y las piezas de música de cámara.

Es bien sabido que el impulso decimonónico romántico tuvo en la poesía alemana una chispa incendiaria en la obra de Goethe, acompañado de una ilustre nómina de recreadores de los estados más variados del mundo afectivo, con el uso de la palabra. Por otro lado, y de la manera más contradictoria, estaba la fuerza evocadora de la música que cuando se divorciaba de textos (en el caso de la música para piano solo) exacerbaba en los escuchas estados de ánimo profundamente personales en donde no mediaba palabra alguna. El gesto más romántico de todos fue el de fundir la palabra poética y la música en canciones y óperas, que dejaron al siglo XIX enteramente a la merced de figuras tan avasalladoras como Verdi y Wagner.

Apenas iniciado el siglo XIX Franz Schubert se involucró con la obra de Goethe (éste, no muy convencido de que la música le hiciera algún favor a su poesía) y a través de su práctica intensiva (más de 600

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canciones) estableció el Lied alemán como uno de los géneros obligados para los compositores de habla germana de su siglo. Schubert hizo del acompañamiento del piano y el cantante un dúo inseparable. Los poemas lo llevaban a escoger el ritmo adecuado, la textura del acompañamiento, su presencia discreta o evidente, el sentido melódico más indicado para el texto y el tipo de colorido armónico correspondiente al mensaje verbal. Todo esto lo logró en pocos años y de la manera más acertada y exquisita. En los salones de Viena, los aristócratas se deleitaban con banquetes de piezas para piano solo y con el matrimonio indisoluble de música y poesía, la expresión más sublime del romanticismo y el espíritu que permea la obra completa de Schubert, inclusive la instrumental.

El Cuarteto en sol menor

El Allegro inicial es sobrio, como lo exige su tonalidad, pero sin sacrificar su vocación melódica. La seriedad del movimiento no sólo está indicada por el unísono inicial, sino por el tratamiento polifónico dado al tema principal, fragmentado para ser utilizado en múltiples imitaciones. Este trabajo polifónico se extiende a lo largo de la sección media del movimiento. Por su parte, el Andantino ofrece un buen contraste al primer movimiento con su textura homogénea, sin imitaciones internas complejas y con su espíritu amable y agraciado. En medio del camino se escucha un breve episodio en tonalidad menor, a manera de desarrollo de las ideas iniciales, pleno de colores armónicos que señalan el camino al retorno del inicio del movimiento que seguido de otros contrastes dibuja un movimiento en forma de breve rondó.

El Menuetto nos invita a pensar en los primeros cuartetos de Haydn en los que usualmente se incluía este gesto cortesano anacrónico y ligero. En manos de Schubert el minué conserva sus dimensiones simétricas y adquiere algo del peso del laendler austríaco. En la sección media, o trío, se destaca el violín solista en conversación con los demás integrantes del cuarteto. El Presto en forma de rondó combina agilidad y gracia en un tema que recurre de manera variada y ornamentada y que evoca gestos de los primeros cuartetos de Beethoven.

Cuarteto La muerte y la doncella

En el cuarteto La muerte y la doncella hay una espléndida amalgama entre canción y música de cuerdas que ha hecho de esta obra (junto con el Quinteto “La trucha” y las variaciones sobre Trockne Blume) una de las favoritas entre los aficionados al género. Pertenece el Cuarteto en re menor al conjunto de obras “de madurez”, escritas por Schubert a partir de 1820, y toma su nombre de la canción Der Tod und das Mädchen que escribiera el compositor sobre el texto de Matthias Claudius y que sirve

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1 Traducción de Lewis Grenville en http://www.recmusic.org/lieder/get_text.html?TextId=70299

como material para un conjunto de tema y variaciones en el segundo movimiento. La canción de Schubert data de 1817, un breve pasaje sobre el eterno tema de la danse macabre. El ambiente del cuarteto es grave en todas sus secciones. El primer movimiento acusa una gran riqueza de temas y motivos, inteligentemente presentados y desarrollados en cada uno de los instrumentos del conjunto. El motivo rítmico y melódico predominante de la obra adquiere en el primer movimiento un carácter de amenaza inevitable. El Andante se inicia con una presentación oscura y trágica del trozo de la canción entonado por la Muerte, el motivo que sirve de elemento unitario para toda la obra. Este pasaje, presentado a manera de coral, es la base para construir cinco excelentes variaciones en donde se dan cita arte, inteligencia y oficio. El texto que la inspira dice:

Dame tu mano, hermosa y tierna creatura.Soy una amiga, y no vengo a castigarte.¡Anímate! No soy cruel,dormirás dulcemente en mis brazos.1

A manera de contraste, Schubert presenta un Scherzo de carácter dancístico, cuyo trío, en tonalidad mayor, aligera las cargas del segundo movimiento, si bien nunca deja de pulsar un ritmo ominoso. En el Presto final, se combinan movimiento con intranquilidad en una tarantela que retoma el discurso de la lucha y del contraste, presentados en los dos primeros movimientos de la obra.

LigetiEntre los compositores europeos activos durante la segunda mitad del siglo XX, el húngaro György Ligeti es reconocido como uno de los pioneros de la música de las últimas décadas del siglo, luego de la crisis de las vanguardias a partir de 1980. Forjó un estilo basado en densas texturas de sonidos, rasgo estilístico que se convirtió en una de las mayores influencias sobre la música contemporánea. A diferencia de muchos de sus colegas en Alemania e Italia, no se apegó a un solo sistema de composición y más bien optó por experimentar el placer mismo del sonido. Introdujo armonías sencillas, repeticiones y melodías palpables. Encontró inspiración en músicas no europeas y en las sonoridades de su tierra natal.

Llegó a Viena en 1956, escapando de la invasión rusa de Hungría. Luego pasó a Alemania y allí conoció al pionero de la música electrónica, Karlheinz Stockhausen, y trabajó en el laboratorio de música electroacústica de Colonia. A partir de este momento inició la búsqueda de su estilo propio y el estreno de Apariciones en 1960 marcó el inicio de su carrera internacional. Atrás quedó su obra primera con influencia de la música folclórica húngara, aunque siempre conservó la inspiración otorgada por

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Bartók y el ritmo vibrante de Kodaly, en una Hungría en donde la música de Debussy y Stravinsky había sido proscrita en aras de una estética nacionalista.

Ligeti encontró su voz en un estilo a veces estridente, pero siempre dinámico, pleno de brío como el que se aprecia en el Segundo cuarteto para cuerdas. Su música se escuchó mundialmente cuando se emplearon apartes de Lux aeterna, Réquiem y Atmosphères (1961) en la musicalización de la película 2001: Odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick. Ligeti ha escrito obras para orquesta, voces, conjuntos de cámara, órgano, piano, el teatro, medios electrónicos y piezas de carácter experimental, como aquella concebida para cien metrónomos.

El primer cuarteto para cuerdas –Metamorfosis nocturnas– fue escrito entre 1953 y 1954 cuando Ligeti aún residía en Hungría y en él se aprecia la gran influencia de los cuartetos tercero y cuarto de Bartók. El segundo cuarteto, de 1968, experimenta con una gama novedosa de sonidos interpretados de acuerdo con las indicaciones de cada movimiento. Al inicio se oyen sonidos desapacibles como los producidos por los dedos que rayan un vidrio o los enjambres lejanos de insectos que baten sus alas. Los eventos sonoros ocurren sobre notas sostenidas, a manera de tapete. La narrativa inquieta avanza en su nervioso devenir hasta reposar en el silencio del final. Previo a la conclusión de cada movimiento se anuncia el efecto del siguiente, y es así como al final del primer movimiento, el tema de una calma siniestra y pulsante se convierte en la atmósfera predominante del segundo, en el que también tiene cabida lo contemplativo y extático, si bien interrumpido por movimientos de arcos agitados. Golpes de mecanismos que chasquean y producen chirridos entre acordes apenas audibles, son la materia prima del tercer movimiento, en donde los pizzicati simultáneos y desplazados imitan gotas de lluvia entre metrónomos descoordinados. En el cuarto movimiento crecen la densidad sonora y la actividad rítmica en medio de los silbidos de los armónicos, según las instrucciones: furioso, brutal y tumultuoso. La plétora de efectos culmina en el último movimiento con zumbidos lejanos, ecos de tormentas y trinos trémulos. Se encuentran lo mecánico con lo etéreo, lo espacial con el evento musical concreto y evidente. Una que otra interrupción sonora aúna este final con los movimientos anteriores hasta llegar al silbido del inicio. Todo el cuarteto parece ilustrar el credo artístico expresado por Ligeti: “Mi meta principal es la revivificación del aspecto sonoro de la forma musical. Aquellos factores de la composición contemporánea que no se manifiestan directamente como experiencia acústica me parecen de importancia secundaria. Sin embargo, esto no quiere decir que me voy a limitar enfáticamente a la invención de sonoridades y otros fenómenos sonoros. Es mucho más importante descubrir formas musicales nuevas y nuevas maneras de expresión.”

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