Corneta (instrumento)

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Corneta

Tesitura

Características

Clasificación Instrumento de viento-

metal

Instrumentos

relacionados

Trompeta

Trompeta pocket

Trompeta piccolo

Fliscorno

Músicos Cornetistas

La corneta es un instrumento musical de viento metal que imita la forma de un cuerno animal y es utilizada principalmente en el jazz y en la música clásica, principalmente en el siglo XIX en bandas militares europeas. El sonido se produce gracias a la vibración de los

labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Antiguamente se utilizaba para dar el toque a las tropas de infantería del ejército y en los carnavales.

Tal como la trompeta, la corneta está formada por 3 válvulas que permiten al músico ejecutar diferentes tonos.

En el jazz fue muy utilizado durante el estilo New Orleans, aunque luego fue suplantado de a poco por la trompeta, aunque aún se utiliza en el jazz.

Actualmente goza de gran popularidad en las Bandas de Cornetas y Tambores que principalmente participan en la Semana Santa en similitud a las bandas de carácter militar. En estos casos la corneta suele utilizarse sin pistones o válvulas, o con uno o dos traspositores.

[editar] Cornetistas destacados

Herbert L. Clarke Nat Adderley Bix Beiderbecke Bobby Hackett Don Cherry Enrique Norris Wild Bill Davison Louis Armstrong Graham Haynes George McCullum

Herbert L. Clarke

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Herbert L. Clarke con su corneta.

Herbert L. Clarke (12 de septiembre de 1867 – 30 de enero de 1945) fue un destacado cornetista estadounidense, director de orquesta y de banda de música y compositor.

El legado de Clarke incluye algunas de las más populares composiciones para el instrumento, muchas grabaciones definitivas, así como una escuela de interpretación que no sólo hizo hincapié en la extrema aptitud técnica, sino también una mayor calidez y lirismo del tono. También produjo varios métodos de interpretación que aún son ampliamente utilizados por los estudiantes de instrumentos de viento-metal.

Contenido

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1 Biografía 2 Obras destacadas

o 2.1 Composiciones para corneta solista o 2.2 Corneta y trombón o 2.3 Métodos de corneta o 2.4 Prosa

3 Véase también 4 Referencias 5 Enlaces externos

[editar] Biografía

Herbert Lincoln Clarke nació el 12 de septiembre de 1867 en Woburn, en el estado de Massachusetts. Era hijo del compositor y organista William Clarke. La familia Clarke se tenía que trasladar a menudo por los compromisos laborales de William, desde Massachusetts a Ohio, a Indiana, de regreso a Massachusetts y finalmente a Toronto en 1880.

Los inicios musicales de Herbert fueron con el violín y en 1881 fue segundo violinista en la Toronto Philharmonic Society. Sin embargo, según su autobiografía, uno de los momentos formativos en su educación musical fue asistir a un concierto de The American Band de Providence (Rhode Island) en el Horticultural Pavilion de Toronto en 1881 y la asistencia a una actuación como cornetista solista de Bowen R. Church. Posteriormente, comenzó a practicar con la corneta de su hermano y consiguió un puesto como cornetista en la banda Queen’s Own Rifle en 1882.

Entre 1884, cuando se graduó de la escuela secundaria, y 1887, Clarke alternó entre la interpretación de la viola y la corneta como segundo intérprete, cuando era necesario, en la orquesta English's Opera House de Indianápolis, donde su familia se había mudado. Trabajó en la tienda de John Kay en Toronto, mientras era el segundo corneta en el Queen's Own, y tocó orquesta Ontario Beach en el verano. Fue en 1887 cuando se incorporó como corneta solista a la banda ciudadana de Toronto, gracias a John Bayley. Pasó los próximos cinco años interpretando y dirigiendo en varias bandas en los alrededores de Toronto, como Taylor Safe Works Band, Heintzman Piano Company Band o Streetsville Ontario Band, y enseñando en el Toronto Conservatory of Music, donde también tocó en la Toronto Conservatory String Quartet, y en el Trinity College School de Port Hope, Ontario. En septiembre de 1889 se casó con Elizabeth (Lizzie) Loudon, con quien tuvo dos hijos: Vivian (Grace) en 1890 y James (Edward James Watkin) en 1892. En la primavera de 1892, salió de Canadá una vez más, después del éxito de audición con la Patrick Gilmore Band, con sede en Boston.

En 1893, se unió a la banda de John Philip Sousa como corneta solista. Después de realizar una interpretación en la Exposición Universal de Chicago de ese mismo año, realizó una gira con varias bandas y continuó haciéndolo durante los siguientes cinco años. Durante este período, ocupó puestos temporales como segundo trompetista con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y como trompetista principal en la Ópera del Metropolitan. También se divorció de Lizzie Loudon y se casó con Lillian Hause Bell, con quien tuvo dos hijos más, Ruby Bell y Herbert L. Clarke, Jr.

En 1898 regresó a la banda de Sousa, con quien realizó numerosas giras y más tarde se convirtió en asistente de director de Sousa, reemplazando a Arthur Pryor. Después de la salida de Pryor de la banda de Sousa en 1903 para formar su propia banda de concierto, Clarke dirigió la banda de Sousa en muchas sesiones de grabación para el sello discográfico Victor Talking Machine Company. Además, pasó el tiempo probando y desarrollando instrumentos para Conn Instruments en Elkhart, Indiana, y realizó un número considerable de grabaciones como solista para los sellos discográficos Victor, Edison, Columbia, y finalmente Brunswick. Renunció a la banda de Sousa en septiembre de 1917 y regresó a Canadá para dirigir a la Anglo-Canadian Leather Company Band en Huntsville de Ontario desde 1918 a 1923. Durante ese tiempo dirigió muy poco, centrado sus esfuerzos no sólo en dirección, sino también en la composición y la creación de su propia escuela de interpretación de corneta en Chicago.

En 1923, se trasladó a Long Beach (California), debido al estado de salud de su esposa y dirigió la Long Beach Municipal Band hasta 1943. En abril de 1934, fue elegido Presidente de la Asociación Americana de Directores de Bandas. Desde 1936 hasta su muerte en 1945, desarrolló una amistad y dio lecciones privadas a Claude Gordon. Sus cenizas fueron enterradas en el Cementerio del Congreso en Washington D. C., cerca de la tumba de John Philip Sousa. Sus documentos y recuerdos se conservan en el Sousa Archives and Center for American Music en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign.

[editar] Obras destacadas

[editar] Composiciones para corneta solista

Clarke compuso más de 50 obras para corneta solista, muchas de las cuales han tenido varias ediciones. Aquí están sus más famosas piezas, con la fecha de la primera publicación incluida.

Bride of the Waves (1904) Sounds from the Hudson (1904) Caprice Brilliante (1908) Southern Cross (1911) The Carnival of Venice (1912) Sounds from the Hudson (Valse Brilliante) (1914) The Debutante (1917) Stars in a Velvety Sky (1919) From The Shores Of The Mighty Pacific

[editar] Corneta y trombón

Cousins Side Partners

[editar] Métodos de corneta

Elementary Studies (1909) Technical Studies (1912) Characteristic Studies (1915) Setting Up Drills (1929)

[editar] Prosa

Herbert L. Clarke escribió en 1934 una autobiografía titulada How I Became A Cornetist.

Nat Adderley

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Nat Adderley

Datos generales

Nombre real Nathaniel Adderley

Nacimiento 25 de noviembre de 1931

Origen Tampa, Florida

Muerte 2 de enero de 2000

Información artística

Género(s) Hard bop

Soul jazz

Instrumento(s) Corneta

Artistas

relacionados

Cannonball Adderley, Johnny

Griffin, Ron Carter, Sonny Fortune

Nathaniel Adderley (25 de noviembre de 1931 en Tampa, Florida - 2 de enero de 2000 en Lakeland, Florida), fue un cornetista estadounidense de soul jazz y hard bop, hermano del saxofonista Cannonball Adderley.

Durante la década de los 50 fue parte del grupo de su hermano, en el que también estaban Lionel Hampton y J. J. Johnson. En 1959 se unió al quinteto nuevo que había formado su hermano, en el que permaneció hasta la muerte de Cannonball en 1975. En este grupo compuso sus primeras canciones: "Work song", "Jive samba" y "The old country".

Tras la muerte de su hermano formó sus propios grupos y se involucró activamente en la grabación de material nuevo. En esta época trabajó con Ron Carter, Sonny Fortune, Johnny Griffin, Antonio Hart y Vincent Herring, y ayudó al desarrollo del festival de jazz Child of the Sun, en la Universidad de Florida en Lakeland. Murió el 2 de enero del año

2000 en su casa en Lakeland, y fue enterrado al lado de su hermano en el cementerio Southside de Tallahassee, Florida. Su hijo, el teclista Nathaniel Adderley Jr., fue el director musical de Luther Vandross durante bastante tiempo.

[editar] Discografía esencial

Work Song (con Wes Montgomery, Bobby Timmons, Percy Heath, y Sam Jones) (1960)

Mercy! Mercy! Mercy! (con el Cannonball Adderley Quintet) Country Preacher (directo con el Cannonball Adderley Quintet) (1969) Autobiography (1964) Soul Zodiac (1972) A Little New York Midtown Music (1978) Mercy, Mercy, Mercy! '95 (1995)

Bix Beiderbecke

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Leon Bismark Beiderbecke, "Bix" Beiderbecke, (Davenport (Iowa), 10 de marzo de 1903 - Nueva York, 6 de agosto de 1931), cornetista estadounidense de jazz tradicional. Se trata de una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores. Situado en plena época del swing, poseía un elegante y distintivo tono, y un espectacular y original estilo de improvisación. Fue el rival blanco de Louis Armstrong en

los años veinte, aunque la comparación no es factible debido a las diferencias de estilo y sonido entre los dos.

[editar] Biografía

Beiderbecke empezó en la música muy prematuramente; hay noticias de que ya a los tres años podía tocar algo en el piano. Influenciado por Nick La Rocca, a quien escucha tocar, Beiderbecke se dispuso a dedicarse al jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación una frivolidad; fue enviado a la academia militar Lake Forest en 1921, que afortunadamente se hallaba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época. Beiderbecke fue expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase. Tras un breve periodo en casa, se convirtió en músico profesional. En 1923, Beiderbecke se convirtió en el cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo.

A finales de 1924, abandonó el grupo para unirse a la orquesta de Jean Goldkette pero su incapacidad para leer música le obligó a abandonar. En 1925, estuvo en Chicago intentando aprender a leer música. El año siguiente estuvo con la orquesta de Frankie Trumbauer en San Luis. Enganchado ya al alcohol, no obstante 1927 sería el año más importante para Bix. Trabajó con la orquesta de Jean Goldkette, grabó su obra maestra al piano, "In a Mist" (uno de sus cuatro originales inspirados en Debussy), grabó algunos temas clásicos con un pequeño grupo liderado por Trumbauer (incluyendo sus grandes solos "Singin' the Blues", "I'm Comin' Virginia" y "Way Down Yonder in New Orleans"), y firmó con la importante orquesta de Paul Whiteman.

Con Whiteman, los solos de Beiderbecke tendieron a ser breves momentos mágicos; su brillante coro en "Sweet Sue" es un perfecto ejemplo de ello. Estuvo plenamente productivo hasta 1928, pero al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas. Beiderbecke tuvo que descansar, reapareció, y finalmente en septiembre de 1929 fue enviado a Davenport a recuperarse. En 1930 realizó grabaciones intrascendentes, las últimas que haría antes de morir. El 6 de agosto de 1931, Beiderbecke tuvo un ataque de delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York. Sin nadie alrededor para ayudarle, murió a los 28 años.

[editar] Selección discográfica

Bixology, 1924-30 (Joker)

Bix Beiderbecke, Vol. 1: Singin' the Blues (Columbia)

Real Jazz Me Blues (Sony)

Bobby Hackett

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Bobby Hackett

Bobby Hackett (de pie) y Bubba Kolb en Walt Disney

World

Nombre real Robert Leo Hackett

Nacimiento Providence (Rhode Island),

Estados Unidos

31 de enero de 1915

Fallecimiento Chatham, Massachusetts, Estados

Unidos

7 de junio de 1976

Ocupación Músico, trompetista, cornetista y

guitarrista

Familia

Cónyuge Edna Hackett

Ficha en IMDb

Ernie Caceres, Bobby Hackett, Freddie Ohms, y George Wettling, en el Nick's, en Nueva

York, en los años cuarenta.

Fotografía de William P. Gottlieb.

Bobby Hackett (31 de enero de 1915 – 7 de junio de 1976) fue un músico de jazz estadounidense, instrumentista de trompeta, corneta y guitarra, y que trabajó con las bandas de Glenn Miller y Benny Goodman a finales de la década de 1930 e inicios de la de 1940.

Índice

[ocultar]

1 Biografía 2 Vida personal 3 Selección discográfica 4 Actuaciones para el cine y la televisión

o 4.1 Cine o 4.2 Televisión

5 Referencias 6 Enlaces externos

[editar] Biografía

Su verdadero nombre era Robert Leo Hackett, y nació en Providence (Rhode Island).

Hackett se dio a conocer siendo un seguidor del legendario cornetista Bix Beiderbecke, contratándole Benny Goodman para recrear el famoso solo de Bix titulado "I'm Coming Virginia" en el concierto dado por Goodman en 1938 en el Carnegie Hall.1 En los últimos años treinta era primer trompetista de la Orquesta de Vic Schoen, la cual trabajaba con The Andrews Sisters.

En 1939 la agencia de talentos Music Corporation of America pidió a Bobby Hackett que formara una big band con su respaldo. Desafortunadamente la banda no tuvo éxito, y Hackett quedó con una sustancial deuda contraída con MCA. Para poder pagar esa deuda Bobby Hackett hubo de sumarse a las bandas de Horace Heidt y de Glenn Miller.2

Empeorando más las cosas, tras sufrir cirugía dental Hackett quedó con secuelas en un labio que le impedían tocar la trompeta y la corneta. Glenn Miller le ofreció trabajo como guitarrista en su banda. A pesar de estos problemas, Hackett todavía podía tocar breves solos, siendo uno de ellos el que llevó a cabo con la Orquesta de Glenn Miller en "A String of Pearls."

En 1947 se cumplió uno de los grandes deseos de Hackett al formar parte del Town Hall Jazz Concert de Louis Armstrong.3 En la década de 1950 grabó una serie de álbumes de baladas acompañando a una orquesta de cuerda bajo producción de Jackie Gleason. En 1965 Bobby Hackett hizo una gira con el cantante Tony Bennett, y en 1966 y 1967 le acompañó Hackett en dos giras llevadas a cabo por Europa. A principios de los años setenta hizo trabajos con Dizzy Gillespie y con Teresa Brewer.

[editar] Vida personal

Hackett estuvo casado con Edna Hackett desde una fecha no conocida hasta el momento de su muerte. La pareja tuvo dos hijos: Barbra Hackett y Ernie Hackett.

Bobby Hackett era un gran fumador, y falleció a causa de un infarto agudo de miocardio ocurrido en 1976 encontrándose en Chatham, Massachusetts. Fue enterrado en el Cementerio Seaside de Chatham.

[editar] Selección discográfica

A String of Pearls, Glenn Miller and His Orchestra, 1941, Bluebird records. Rhapsody in Blue, Glenn Miller and His Orchestra, 1942, Victor records.

With George Wein

Wein, Women and Song and More, George Wein Plays and Sings (Arbors Records)

[editar] Actuaciones para el cine y la televisión

[editar] Cine

Saturday Night Swing Club, 1938, Warner-Vitaphone production. Orchestra Wives, 1942, Twentieth-Century Fox.

A Bobby Hackett puede oírsele en la banda sonora de la película interpretada por Fred Astaire en 1940 Second Chorus.4

[editar] Televisión

Henny and Rocky Show, 1956. Air Times 57, 1957.

Don Cherry

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Don Cherry

Don Cherry

Datos generales

Nombre real Donald Eugene Cherry

Nacimiento 18 de noviembre de 1936

Origen Oklahoma City, Oklahoma,

Estados Unidos

Muerte 19 de octubre de 1995 (58 años)

Málaga, España

Información artística

Género(s) Jazz, Free jazz, World fusion music

Instrumento(s) trompeta, piano

Artistas Codona, Ornette Coleman, Paul

relacionados Bley, Sonny Rollins, Naná

Vasconcelos

Don Cherry (Oklahoma, 18 de noviembre de 1936 - Málaga, 19 de octubre de 1995) fue un trompetista estadounidense de jazz, uno de los principales representante de la vanguardia jazzística.

[editar] Biografía

Tocó de joven en grupos de blues y rhythm and blues en su ciudad natal y posteriormente se trasladó a Los Ángeles. A través de Billy Higgins, Cherry conoció a Ornette Coleman en 1957, y bajo las órdenes de Paul Bley formaron un quinteto junto con Charlie Haden. Tras la marcha de Bley, gracias al contrato de Coleman con Atlantic Records grabaron entre 1959 y 1961 varios discos como grupo independiente.

Cherry fue muy criticado (por Miles Davis, entre otros) por sus improvisaciones fracturadas y puntillistas, sin embargo, terminaría por ejercer gran influencia entre los músicos jóvenes de los años sesenta.

El grupo se disolvió en 1962 y Cherry se unió al Sonny Rollins Quartet, con el que estuvo dos años. En 1963, codirigió con Archie Shepp el New York Contemporary Five; después, en Europa, dirigió su propia banda, en la que trabajó Gato Barbieri, recién llegado de Argentina.

En la década de los 1970, Cherry fue a México y tocó con la banda de jazz Detrás del Cosmos por alrededor de un año por toda la república.

En sus últimos años, Cherry se inclinó al estudio de las llamadas músicas del mundo y la etnomusicología en general, uniéndose musicalmente a Collin Walcott y Naná Vasconcelos con quienes formó la agrupación Codona. Tiempo más tarde se juntaría con Milton Nascimento. También probó suerte en el rock y el funk, y formó parte del grupo New and Old Dreams, cuarteto compuesto con antiguos integrantes de la banda de Coleman, entre los que estaba el saxofón Dewey Redman.

[editar] Selección discográfica

1961: The Avant-Garde Bumping with meritxell (Atlantic)

1966: Symphony for Improvisers (Blue Note)

1968: Eternal Rhythm [live] (Saba)

1971: Don Cherry [1971] (BYG)

1975: Brown Rice (A&M)

1977: Don Cherry [1977] (Horizon)

1980: Yes We can with Endika

Louis Armstrong

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Louis Armstrong

Louis Armstrong en 1953

Datos generales

Nombre real Louis Daniel Armstrong

Nacimiento 4 de agosto de 1901

Origen Nueva Orleans, Luisiana

Muerte 6 de julio de 1971 (69 años)

Ocupación Trompetista, Vocalista

Información artística

Otros nombres Satchmo, Pops

Género(s) Jazz

Instrumento(s) Trompeta, Voz

Período de

actividad

1914–1971

Louis Armstrong1 2 (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901

3 – Nueva York, 6 de julio de

1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante

estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y,

probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante

personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces

folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su

fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista

la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme

influencia para el canto jazzístico.4

Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo

de la creatividad del negro americano.5

Índice

[ocultar]

1 Biografía o 1.1 Primeros años o 1.2 Comienzos de su carrera musical o 1.3 Los Hot Five y Hot Seven o 1.4 The All Stars o 1.5 Fallecimiento

2 Personalidad 3 Música 4 Influencia y legado 5 Discografía 6 Referencias 7 Bibliografía 8 Enlaces externos

[editar] Biografía

[editar] Primeros años

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios

marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong,

los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de

las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a

su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela,

Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac.

No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a

partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente

por las avenidas de la ciudad.

Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for

Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado

en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire

durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y

el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.

En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de

leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a

trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales

nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi

una figura paternal para él.6

Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la

ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk

Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.

Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por

el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había

dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas

orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por

ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de

vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con

Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme

experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en

1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de

swing más importante de la ciudad.

[editar] Comienzos de su carrera musical

En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia

Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole

Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años

veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que

la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong

empezó a incrementarse de forma exponencial.

En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh

Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda

corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo

del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo

animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó

amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva

York.

Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento,

Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher

Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a

la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó

con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras

decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar

de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie

Smith.6

Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los

arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por

ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos

con los Blues Singers.

[editar] Los Hot Five y Hot Seven

En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom;

empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos

formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como

«Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir

desde siempre) y «West End Blues».

El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del

jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado.7

Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y

Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como

«Ain't Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada

como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su

encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La

aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado

scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o

palabras sin ningún sentido.

Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y

después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en

1934), consiguiendo un espectacular éxito en París.6 La aparición de Joe Glaser en 1935

como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de

apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la

década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro

de la industria del entretenimiento en general.

En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a

nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947.

El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película

Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio

clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.

Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en

1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado

por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.

Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces

por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios

en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de

comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el

swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas

itinerantes de 16 músicos.

[editar] The All Stars

Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo

Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All

Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney

Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo).

Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de

Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy

Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond

Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó

muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.6

En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción

obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés

The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante

masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también,

otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».

[editar] Fallecimiento

Armstrong tuvo trabajo hasta poco tiempo antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus

últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de

demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba

perpleja a su propia banda.

Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo

el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande

que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch).

Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su

vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.

Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para

seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo

durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo

año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por

complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.

[editar] Personalidad

Autógrafo de Louis Armstrong.

El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth («boca de bolsa»). En

1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en

Londres diciendo «Hello, Satchmo!», abreviando Satchelmouth (probablemente, sin

intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como

Dippermouth («boca de cucharón»).

Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras

tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación,

surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término «Dippermouth». Esta hendidura

se puede observar en muchos retratos de Louis de ese periodo y tuvo que ver con la

orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora

de tocar la trompeta. En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su

forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos

músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía

normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba «George»).

El apodo «Satchmo» y la cálida personalidad sureña de Armstrong, combinados con su

apego natural al espectáculo y a la búsqueda de una respuesta en el público, condujeron a la

creación de un personaje público -la sonrisa, el sudor, el pañuelo- que terminó por ser al

final de su carrera un tanto afectado y, según muchos, casi una caricatura racista de sí

mismo.

Fue también criticado por aceptar el título de «King of The Zulus» (en la comunidad

afroamericana de Nueva Orleans, un título honorífico para el jefe del carnaval negro

Krewe, pero desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda

verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas) en el Mardi

Gras de 1949.

La aparente insensibilidad racial de Armstrong al aceptar el título y el disfraz de King of the

Zulus han sido vistos en ocasiones como parte de un defecto mayor de Armstrong: donde

algunos vieron una personalidad gregaria e introvertida, otros veían a alguien que se

esforzaba por atraer al público blanco aun a costa de convertirse en una caricatura de

artista. Algunos músicos criticaron también a Armstrong por tocar ante audiencias

segregadas y por no tomar una postura clara en el movimiento por los derechos civiles,

sugiriendo que era un Uncle Tom (véase para el concepto asociado al término el artículo tío

Tom). Billie Holiday, por su parte, siempre le disculpaba subrayando en él su gran corazón.

Con todo, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin

Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefiriese

trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su

trabajo como artista.

Las pocas excepciones en que no cumplió esta norma se convirtieron entonces en muy

efectivas: la crítica de Armstrong al presidente Eisenhower, llamándole «two-faced» (con

dos caras) y «cobarde» debido a su inacción durante el conflicto de la segregación racial

escolar en Little Rock, Arkansas, fue noticia nacional en 1957. También protestó

cancelando una gira por la Unión Soviética en nombre del Departamento de Estado

diciendo que «por la forma en que están tratando a mi gente en el sur, el gobierno podría ir

al infierno» y que él no podía representar a su gobierno fuera del país cuando estaba

manteniendo un conflicto con su propio pueblo.

Fue alguien especialmente generoso, hasta el punto de decirse de él que había gastado tanto

dinero en los demás como en sí mismo.

Por otra parte, Armstrong estuvo constantemente preocupado por su salud y por sus

funciones corporales. Utilizó con frecuencia laxantes como forma de controlar su peso, una

práctica que le llevó a fomentarla públicamente aportando su experiencia y opiniones en el

libro Lose Weight the Satchmo Way. El laxante favorito de Armstrong en su juventud era

Pluto Water, pero posteriormente se hizo un entusiasta del remedio natural Swiss Kriss, que

también publicitó siempre que se le quiso oír.

[editar] Música

Armstrong recibiendo un premio de manos de Joey Adams en Carnegie Hall.

En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta

y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus

Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre

estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han

resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con

cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores.

La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus

improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron

novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente

hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El

toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos

y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se

origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante

que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones,

Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo

que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes

posibilidades para la expresión individual.

La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus

habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores

y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por

unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta,

Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al

realizar esas ideas con perfeccionismo.

A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se

convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus

maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie

Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las

palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales

grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus

actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto,

acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan

creativa como lo hacía con su trompeta.

Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y

vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher

Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing

Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música

popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis

Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller

en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta

fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones

posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes.

En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.

Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus

interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When

The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'»,

«Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora

de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una

anuncio de 1994 de Guinness), etc.

En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello,

Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el

artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el

Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que

copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito.

La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de

1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad

en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.

Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los

arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a

sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus

interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista

se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll

Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus

solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues»

del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.

[editar] Influencia y legado

Louis Armstrong.

La influencia de Armstrong en el desarrollo del jazz es virtualmente inabarcable. Incluso se

puede decir que a causa de su desbordante personalidad, tanto como figura pública en sus

últimos años como intérprete, su contribución como músico y cantante ha podido ser

infravalorada.

Como trompetista virtuoso, Armstrong tenía un toque único y un extraordinario talento para

la improvisación melódica. A través de su toque, la trompeta emergió como un instrumento

solista en el jazz. Fue un magnífico acompañante y músico de grupo, aparte de sus

extraordinarias cualidades como solista. Con sus innovaciones, elevó el listón musical para

todos los que vinieron detrás de él.

A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz

extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus

improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos.

Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había

llegado a inventar él durante su grabación de «Heebie Jeebies» al verse obligado a

improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby

y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él.

Armstrong apareció en más de una docena de películas de Hollywood (aunque en pocas con

cierta relevancia), habitualmente de director de banda o como músico. Fue el primer

afroamericano en protagonizar un espectáculo radiofónico de ámbito nacional en los años

treinta. Realizó también apariciones televisivas, especialmente en los cincuenta y sesenta,

entre las que se incluyen apariciones en el The Tonight Show de Johnny Carson. Louis

Armstrong tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7601 Hollywood

Boulevard.

Muchas de las grabaciones de Armstrong siguen siendo populares. Más de cuatro décadas

después de su muerte, un gran número de ellas de todos los periodos de su carrera están

accesibles al público en una forma que no lo estuvieron en vida de él. Sus canciones son

emitidas y escuchadas habitualmente, y son honradas en películas, series de televisión,

anuncios, e incluso en anime y juegos de ordenador. «A Kiss to Build a Dream on» fue

incluida en el juego de ordenador Fallout 2, como acompañamiento de la introducción. Sus

grabaciones con Joe Oliver y su Creole Jazz Band continúan siendo escuchadas como

documentos del estilo grupal del jazz de Nueva Orleans. Demasiado a menudo, sin

embargo, de Armstrong sólo queda su toque sublime de trompeta en medio de orquestas

planas y convencionales. «Melancholy Blues», interpretada por Armstrong y sus Hot

Seven, fue incluida en el Voyager Golden Record y enviada al espacio como representante

de los más grandes logros de la humanidad.

Armstrong fundó una fundación no lucrativa para la educación musical de niños

discapacitados y legó su casa y lo sustancial de sus archivos de escritos, libros, grabaciones

y recuerdos a la City University del Queens College de Nueva York, todo ello una vez que

se hubiese producido también la muerte de su mujer Lucille. Los Archivos de Louis

Armstrong están abiertos a los investigadores y su casa fue abierta al público como museo

el 15 de octubre de 2003.

El principal aeropuerto de Nueva Orleans lleva como nombre Aeropuerto Internacional

Louis Armstrong.

[editar] Discografía

1923: Louis Armstrong and King Oliver (Milestone) 1923: Clarence Williams' Blue Five (CSB) 1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3 (JSP) 1931: Stardust (Portrait) 1933: Louis Armstrong Sings the Blues (RCA) 1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live] (Decca) 1949: Satchmo Serenades (Polygram Records) 1951: Satchmo at Pasadena [live] (Decca) 1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy (Columbia/Legacy)

1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live] (Decca) 1955: Ambassador Satch (Columbia/Legacy) 1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller (Sony) 1955: Satchmo the Great (Sony) 1956: Ella and Louis (Polygram Records) 1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz) 1956: High society 1957: Porgy & Bess (Polygram Records) 1957: Ella and Louis Again (Polygram Records) 1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson (Polygram Records) 1957: Louis and the Angels (Umvd Labels) 1959: The Five Pennies (Decca) 1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars (Omega) 1960: Satchmo Plays King Oliver (Varese Sarabande) 1961: Together for the First Time [With Duke Ellington] (Roulette) 1963: Hello, Dolly! (Mca) 1968: What a Wonderful World (Verve) 1968: Disney Songs the Satchmo Way (Disney) 1969: On Her Majesty's Secret Service (Capitol). BSO de 007 al servicio de su majestad. 2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings (Columbia/Legacy) 2002: Satchmo Live (Orpheus Records) 2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts (DeFinitive