Cinéfagos - Número 8
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Alimentándonos del séptimo arte Marzo-Abril 2014 No. 8 Edición Bimestral
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Marzo-Abril 2014
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Alimentándonos del séptimo arte
Marzo-Abril 2014No. 8 Edición Bimestral
Editorial La mejor convocatoriaes la convocatoria DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresDiana ReyesMario BermúdezXitlali CompeánBerenice Gurrola
Colaboradores Externos
Sac-Nicté Calderón
FotografíaDiana Reyes
DiseñoAndrei Maldonado
revistacinefagos.blogspot.com
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@revistacinefagos
Era el 21 de diciembre de 2012… no,
no comenzaré a narrarles una escena
post apocalíptica basada en el códice
maya y no, no es historia de película,
aunque sí de cine. Se trata de una
proyección que, precisamente, la hicimos un compañero –hoy
coordinador editorial de esta revista-
y su servidor, con la temática del fin
del mundo.
En aquella fecha decidimos proyectar
un par de películas y montar una
galería fotográfica que girara en el
mismo tenor. El día inaugural no
estábamos más que él y yo… ah, y la
dueña del café, que tuvo a bien
prestarnos el espacio. Al día siguiente
la audiencia mejoró a cuatro
personas más, dos de ellas familiares
míos.
El año pasado, por ahí del mes de septiembre, estuve a cargo de una
muestra de cortometrajes
duranguenses que se presentó de
manera ambulante en salas
alternativas, cineclubs y
universidades. Puedo decir que no en
todas las proyecciones se contó con
el mismo público, ni en cantidad ni en participación.
Precisamente en la última fecha la
concurrencia no era mala, aunque la
mayoría eran personas allegadas:
familiares, amigos y los mismos
realizadores de los metrajes. Cuando
una vieja conocida del medio –a la que dicho sea de paso le debo lo
mucho o poco que sé de cine- me
preguntó sobre cómo me había ido le
contesté que bien, pese a que la
audiencia no había sido la esperada.
Ella me respondió que la mejor
audiencia es, precisamente, la
audiencia misma.
Eso me hizo recordar todas aquellas veces en que, al realizar un evento,
deseamos que el auditorio esté
repleto, y que nos lluevan los
cuestionamientos, las felicitaciones y
los aplausos. No siempre será así,
pero eso no significa que el proyecto
no haya cumplido su objetivo. Es
importante recordar que en cualquier
función de cine, de teatro,
presentación de libro, en fin, en
cualquier manifestación, están los
que deben estar, entenderán los que
deben de entender y les llegará el
mensaje a quien estaba destinado
que le llegara el mensaje.
He ahí que en este punto muchas
personas suelen equivocarse, hasta
el grado de torcer sus proyectos para
que puedan ser del agrado de la
mayor cantidad de personas,
pensando que el éxito se mide en
cabezas o butacas llenas. A veces
conviene ser tercos, los más necios del mundo, y ser fiel a lo que
creemos, encaminándolo a que de
una u otra manera su esencia no se
pierda.
Andrei Maldonado
Contenido
3.
9.
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15.
17.
21.
22.
23.
25.
27.
el cine después de QUARÓN
NO QUIERO DORMIR SOLA la belleza de no olvidar
PLATAFORMA VISUAL 2014: muestra de cortometrajes
muestra 5 CORTOMETRAJES DURANGUENSES
¿qué pasó en los OSCARS?
documental ¡TOROS SI, TOREROS NO!
LAS LÁGRIMAS la nueva familia mexicana
mediometraje ENTRE RECUERDOS Y EL OLVIDO
DIEGO LUNA: viviendo bajo el recuerdo de sara
taller de cine EL SÉPTIMO ARTE EN OTRAS LATITUDES
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por MARIO BERMÚDEZ
Sin duda alguna Alfonso Cuarón recordará este 2014 como su mejor año cinematográfico en lo que va de su carrera como director, guionista y productor, ya que al convertirse en el primer latino en ganar el Óscar en la categoría de mejor montaje y mejor dirección habrá que ponerle mucha atención en sus próximos proyectos. De este modo, y para hacerle un pequeño homenaje, presentamos una breve reseña de su filmografía.
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Solo con tu pareja (1991). Filme que marca el inicio de Cuarón como director. Partiendo de temas delicados como los son el Sida y el suicidio, Cuarón realiza una comedia muy entretenida de principio a fin gracias al guión y a las actuaciones de sus protagonistas. Aunque la comedia no se mostraba en auge, recibió críticas muy favorables que le valieron reconocimiento a nivel nacional.
La princesita (1995). Con este largometraje Cuarón explotó todo su ingenio a nivel internacional que le valió un par de nominaciones al Óscar. La adaptación de la obra de Frances Hodgson aunque tuvo cambios notables en la pantalla, sedujo a la crítica por el tema esperanzador y mágico tratado como en un cuento de hadas.
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Grandes Esperanzas (1998). El tercer film del mexicano llegó con otra adaptación literaria, ahora la obra fue de Charles Dickens. Sin lograr demasiada crítica esta vez, con un argumento sólido de los amores imposibles, Cuarón realizó un gran trabajo.
Y tu mamá también (2001). Sin dudas, el nuevo cine mexicano tiene un ícono legendario con esta producción de Cuarón que le daría a la postre una nueva nominación al Óscar por el guión original. Con una trama “road trip” y con el tema de la amistad de por medio entre los ya reconocidos Gael García y Diego Luna, surgió el “Charolastrismo”.
Harry Potter y el prisionero de Azkabán
(2004). Para Cuarón llegó otra adaptación
qué dirigir y no una simple, sino una que
formaría parte de un éxito rotundo a nivel
cinematográfico y literario, ya que marcó a
toda una generación. El cineasta mexicano
tuvo la chance de presentar una cinta con
críticas positivas en su mayoría debido a
diversos ajustes al guión hecho por Steve
Kloves que, en un inicio, no gustó a los fans
del mago. Fue nominada a los premios Bafta,
Saturn y Óscar, en donde no tuvo mucha
suerte
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Niños del Hombre (2006). Un año después de haber contribuido con un corto para la atractiva París, je t’aime; Cuarón se encontró nuevamente con una adaptación literaria, The Children of Men de P.D. James. Con una secuencia fuerte y una excelsa fotografía e inigualables actuaciones, el mexicano logra atrapar al espectador con este largometraje sobre la reducción poblacional y los problemas sociopolíticos del mundo.
Gravity (2013). Película con la que Alfonso Cuarón se llevó la estatuilla al mejor director y al mejor montaje gracias a su estupenda realización. Ayudado por su hijo Jonás en el guión, en la fotografía por Emmanuel Lubezki y en los protagónicos por Sandra Bullock y George Clooney; esta gran producción ha marcado la consolidación del mexicano en el orbe cinematográfico.
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por DIANA REYES
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Tuve el placer en días pasados de visitar la cineteca y ver esta película que está
dentro del ciclo en honor al 60 aniversario del cine en nuestro estado. Ya había
tenido la oportunidad de verla cuando compitió en el 5° Festival del Nuevo Cine
Mexicano de Durango, y había leído algunas buenas críticas desde que éste filme
ganó en el Festival de Cine de Morelia.
Les diré qué fue lo que más me impresionó: es una historia simple, es decir, no hay muchas vueltas ni cosas complicadas que narrar, es la historia de una anciana
ex actriz que sufre de Alzheimer y su nieta apática se ve obligada a cuidarla.
Personalmente esta simplicidad me cautivó, la forma en que evolucionan los
personajes, en especial el de Amanda (interpretado por Mariana Gajá) quien no
esperaba este cambio de vida al tener que hacerse cargo de su abuela Dolores
(Adriana Roel), de visitarla al asilo de ancianos y darse cuenta que aunque parece
que el insomnio sea lo único que las una, pueda que tengan muchísimo más en
común y, sobretodo, mucho que compartirse.
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Un punto más para la película es la excelente fotografía, la película en sí es muy
bella, aunque pueda abordar temas como el abandono a los ancianos, todo lo que
se ve en pantalla esta contado de forma bastante estética. Pero sin lugar a dudas
lo más disfrutable de la película son esos pequeños detalles que están
relacionados con el mundo del cine mexicano y la actuación, sobre todo la escena
de… no les diré cuál, mejor vayan a verla; solo les diré que se podría decir que
ésta escena sintetiza la película, que no es más que la historia de una vieja actriz
quien añora sus días de actuación y su nieta quien por primera vez ve en su
abuela la gran mujer que es.
La película es la ópera prima de Natalia Beristaín, quien en el 2012 ganó el
galardón al mejor largometraje del Festival de Cine de Morelia. Beristaín cuenta
que éste trabajo es una película basada en hechos reales, cuenta que ella fue la
única que asistió a su abuela cuando fue ingresada a un asilo para personas con
Alzheimer. Así que ya saben, esta es una historia honesta, y contada tan
bellamente que a pesar de tener sus momentos de tristeza y melancolía, te deja
un excelente sabor de boca.
13 porERIC EDUARTE VILLA
Durango busca alcanzar un renombrefuera de sus fronteras
en el mediocinematográfico.
Año tras año surgenjóvenes con la inquietud
de hacer cine.
Este año la capital duranguense
estará repleta de actividades
referentes al séptimo arte. Una de
estas actividades se ha dado por
parte de la Escuela de Pintura
Escultura y Artesanías (EPEA) en lo
que ha sido su primera muestra de
cortometrajes con trabajos realizados
por alumnos y ex alumnos de la
institución académica. Cabe destacar
el gran número de estudiantes y
egresados que han formado parte de
la exhibición, notando que cada vez
más existe interés por no sólo
apreciar, sino por realizar productos
cinematográficos. Al igual se
comienzan a reflejar el talento que
hay por las distintas disciplinas que
conllevan a la elaboración de un film;
entre las que sobresalen el diseño de
arte, animación y efectos especiales.
Y la búsqueda de interpretar
visualmente diversos temas: sociales,
políticos, ficticios y hasta la
experimentación del mismo arte.
Con respecto a algunos trabajos
presentados sobresale el
cortometraje ‘La ley de Rhine’ de
Jonathan Báez, donde se retrata un
concepto que no es muy citado en la
entidad duranguense, haciéndonos
entrar al mundo de la ciencia ficción y
temas futuristas. Cabe mencionar que
dentro de la muestra se observó
trabajos de animación con sus
diferentes técnicas, que van desde el
Stop Motion hasta el 2D realizado por
software. En los proyectados el corto
titulado ‘El sueño de la realidad
produce monstruos’, de Otón Rivera
Samaniego, que deja entre ver que
un tema recurrente como la violencia
y la inseguridad dentro de las
manifestaciones artísticas se puede
contar, comunicar y expresar de
muchas maneras, llevándolo hasta lo
bizarro a través de estas
animaciones. Una muestra de
cortometrajes que nos entrega
nuevas generaciones que desean
alcanzar el mundo del cine.
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por XITLALI QUIÑONES COMPEÁN
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“El arte te hace sentir vivo porque el arte te convierte en creador” comentó Andrei
Maldonado, director del cortometraje: “Alicia”. Se llevó a cabo la presentación de
cinco cortometrajes dirigidos por jóvenes duranguenses en el aula Laureano
Roncal del Edificio Central de la Universidad Juárez del Estado de Durango, en el
marco del XV Festival Cultural Universitario.
El cine, como forma de expresión artística, una vez más se ha hecho presente en
tan tradicional festejo donde universitarios de todas las Escuelas y Facultades de
la UJED y público en general han podido apreciar los trabajos realizados en su
país y, en este caso, en su estado. Los cortometrajes fueron proyectados en la
sala antes mencionada y, momentos después, bajo la dirección del profesor Luis
Abel Chávez Bermúdez, se generó un espacio de preguntas y respuestas en
donde alumnos de la Facultad de Psicología, de la Facultad de Contaduría y
Administración y de la Escuela de Lenguas, pudieron conocer más a fondo los trabajos realizados por todos los directores de producción.
“La fobia de Rosario”, de Othon Rivera Samaniego, "Alicia" de Andrei Maldonado,
“Entre recuerdos y el olvido” de Eduardo Torres Mireles, "Metástasis" de David Rodríguez Estrada, y “El blanco y negro” de Roberto Cárdenas Orona, fueron las
obras cinematográficas proyectadas.
Los artistas animaron a los oyentes a ir tras aquello que les causa satisfacción y a persistir en la realización de sus proyectos en cualquiera de las áreas que lo
deseen, hicieron una breve descripción sobre el largo camino que muchos tuvieron
que recorrer para llegar hasta el lugar en el que se encuentran y tener en sus
manos el proyecto concluido, motivando así a los jóvenes a ver más allá de los
obstáculos y, sobretodo, a contemplar el arte como algo que no es lejano a ellos.
por MARIO BERMÚDEZ
La fecha pactada llegó al Dolby Theatre bajo
un clima lluvioso y tempestuoso que dejaba
ver una compleja alfombra roja para los
famosos nominados y no nominados a la
entrega número 86 de los premios Óscar.
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El clima no impidió ver el desfile de personalidades del orbe cinematográfico y televisivo por la ya mencionada estera. La prensa local e internacional aprovechó cada instante de principio a fin para informar los acontecimientos que se llevaban a cabo minuto a minuto, no faltaron las fotos ni las críticas a los mejor y peor vestidos de la gala y no hubo quién retratara una segunda caída de la “chica en llamas” Jennifer Lawrence, pero no por ir a recoger otra estatuilla sino por bajar del coche que la llevó al teatro.
Pero después de todo, lo esencial vendría varios minutos más tarde, cuando la carismática y ahora legendaria comediante Ellen DeGeneres hizo acto de presencia ante la concurrencia que la recibió entre aplausos y buena vibra que se reflejó en el desarrollo de un evento de tal nivel. DeGeneres, con su humor ácido no tuvo pelos en la lengua y se dejó llevar; con diversos cambios de vestuario (incluido el de un hada madrina) su buen humor no decayó; hizo historia en twitter con una fotografía que batió el récord como la más retuiteada en esta red social. Igualmente a media ceremonia la comediante, en compañía de un repartidor de pizzas, se encargó de ponerle un toque inesperado a los invitados al darles una rebanada de estas. Ya hacía falta una conducción como la de DeGeneres en los Óscares, cuestión que no sucedía en varios años. Pasará a la historia, ténganlo por seguro.
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El primer premio de la Academia se lo llevó el favorito Jared Leto por su impecable trabajo en Dallas Buyers Club; Leto aprovechó en su discurso de agradecimiento para referirse a los problemas políticos que atraviesan Venezuela y Ucrania mientras en ambos países la transmisión solo estaba disponible en internet debido a la censura impuesta por su respectivos gobiernos. Posteriormente los Óscares fueron teniendo dueño categoría tras categoría; como mejor película animada Frozen ganó, entonces el primero de los siete premios que se llevaría Gravity a lo largo de la velada llegó a través de los efectos visuales, mención aparte para Emmanuel Lubezki, que luego de tanto tiempo recibió los honores con el Óscar a mejor fotografía; luego de ello, The Great Beauty puso en alto a Italia como mejor película extranjera, demostrando así su dominio en este rubro.
Acto seguido Lupita Nyong’o, en el ramo para mejor actriz de reparto, se llevó la estatuilla por su interpretación en 12 Years a Slave que a la postre, dicho filme conquistaría el Óscar como mejor película dejando en segundo puesto a la cinta del mexicano Cuarón. Después de escuchar a Pharrell Williams, Karen O y a U2, apareció una desentonada Idina Menzel en el escenario para interpretar “Let it go”, el problema no fue el Óscar sino la versión de la voz de Menzel que originalmente era de Demi Lovato.
En la categoría de mejor guión adaptado, 12 Years a Slave convenció y triunfó mientras que Her de Spike Jonze ganó como mejor guión original. Finalmente Cate Blanchet, por protagonizar a un personaje lúgubre venido en decadencia dentro de la cinta del talentoso Woody Allen Blue Jasmin, obtuvo el Óscar a mejor actriz dejando con las ganas a la histórica Meryl Streep; mismo caso el de Leonardo DiCaprio, quién tendrá que esperar a una nueva nominación como mejor actor y que, sobre todo la Academia se fije ya en él porque esta vez el galardonado fue un excelente Matthew McConaughey, quién ha vivido un gran año a causa de su desempeño en Dallas Buyers Club. Por otro lado Latinoamérica, concretamente México, hizo historia con Alfonso Cuarón, quién fue elegido como mejor director venciendo ahora sí al legendario Martin Scorsese y al fuerte candidato Steve McQueen.
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El pasado miércoles 19 de marzo, se llevó a cabo la Proyección del documental
¡Toros SI, toreros NO! estreno mundial que tuvo lugar en nuestro estado, evento
que se llevó a cabo en el Auditorio Universitario del Edificio Central de la UJED, en
el marco del XV Festival Cultural Universitario.
Se contó con la presencia del director de este documental Záizar Hábacuc, quien nos presenta el trabajo realizado a lo largo de tres años con el objetivo de
mostrarle a la gente la realidad sobre las corridas de toros en nuestro país.
Mediante el manejo de imágenes que pueden ser calificadas como fuertes, nos
damos cuenta de la crueldad que envuelve esta celebración de la fiesta brava y
nos hace reflexionar sobre la meta de esta práctica, cómo se puede disfrutar y
celebrar la tortura y sufrimiento de un animal, que no hace más que seguir sus
impulsos y que para la diversión de unas personas, que les complace ver este tipo
de espectáculo, un toro deba ser torturado por al menos 20 minutos para luego ser
asesinado.
Así el director de este trabajo señaló que el documental tiene la meta de
sensibilizar a la población sobre esta práctica y cómo esto sigue afectando el
desarrollo de nuestra sociedad, puesto que como él señaló “México no necesita
más violencia”. Un documental que busca sensibilizar y concientizar a la gente sobre la realidad que viven los toros, cuando deben enfrentarse a la espada de un
torero y donde el público solo espera ver cómo terminan con su vida. Una triste
realidad, que nos hace ver el lado inhumano de las personas y en estas
situaciones es preciso preguntarnos ¿Quién es el animal?
por BERENICE GURROLA
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por ANDREI MALDONADO
¿A alguien se le pueden terminar
todas las lágrimas? Bajo esta premisa
Pablo Delgado Sánchez realiza en
Las Lágrimas un discurso íntimo
acerca de la hermandad y la
integración de una nueva forma de
familia en nuestro país: la familia rota.
Fernando y Gabriel viven las
consecuencias de vivir en un hogar
fragmentado, con un padre ausente y
una madre envuelta en el dolor del
abandono. Un día de campo en un
bosque que aparece en su pasado
puede significar el último intento por
ser lo que no han sido por años y
soñar con poder ser felices.
Lo logrado por Delgado no es un
filme moralista que deje reflexiones
complejas en el espectador sobre los
vicios, el amor y la unidad familiar, es
más bien una atrevida forma de
decirle al mundo lo que ya sabe y
quizá ignora: que en México ya no
solo se ve la familia en formato
tradicional, sino que es posible ver
familias donde uno de los padres ya
no está, de esa en la que el hermano
mayor debe lidiar con las funciones
de padre y donde los niños aprenden
a sortear la desgracia en un mundo
cada vez menos inocente.
Destaca sobremanera que la cinta no
posee un guión definido. Fernando
Álvarez Rebeil, protagonista del
largometraje, relata que en el
desarrollo de las actuaciones que
debería hacer su homónimo en
pantalla tuvo que guiar al pequeño
Gabriel Santoyo el cual, después de
ver la película, cuesta trabajo creer
que no poseía experiencia actoral
previa y que gran parte de los
diálogos fueron resultado de la
improvisación entre los dos, quienes
compartieron elenco con Claudette
Maillé.
Es así como en poco más de 60
minutos Pablo Delgado no solo nos
entrega su ópera prima, sino que nos
muestra cómo es posible ganarse al
público sin pretensiones, con una
historia humilde que no necesita salir
del pasado del director. Es, además,
un ejemplo para todos los que
desean hacer cine, pues en un
aparente anti proceso filmó en 15
días uno de los filmes más bellos del
cine mexicano en lo que va de la
incipiente segunda década del nuevo
milenio.
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por DIANA REYES
Los primeros semestres que cursé en
mi universidad (la Escuela de Pintura,
Escultura y Artesanías) supe de éstos
realizadores, se les llamaba “Lalo y
Diana”, la mancuerna que tenía un
proyecto siempre en puerta, incluso los maestros hablaban muy bien de
sus trabajos, desde entonces me
causó mucha curiosidad ver lo que
éstos dos chicos ofrecían y lo que
descubrí fue con un corto en stop
motion titulado “Metamorfosis”.
Me di cuenta que lo que ellos hacían
era un trabajo detallado, meticuloso, increíblemente bien cuidado y
planeado, en pocas palabras, son
unos realizadores muy completos y
profesionales, por eso cuando supe
que se proyectaría un mediometraje
animado de ellos, me emocioné y
quise saber de qué se trataba. En esta ocasión el trabajo presentado
lleva el título de “Entre recuerdos y el
olvido” y bajo la productora “Drex
Studio” el director de esta obra, el
artista visual Eduardo Torres Mireles,
en esta ocasión mezclaron la técnica
del stop motion con actores, la temática del mediometraje es sobre la
violencia y el secuestro y de cómo el
personaje principal trata con ello.
Siempre es un placer ver un trabajo
en esta técnica de estos realizadores,
es muy limpia, muy cuidada y en esta
ocasión vaya que le pusieron
empeño, mezclando exitosamente
toda la realización artesanal que ellos hacen desde cero (al final de la
proyección compartieron con el
público asistente los bocetos
originales, el story bord y en general
toda la carpeta del proyecto), hasta
softwares de edición de vídeo para
efectos impresionantes en fondos y
algunos detalles que le dan ese toque de profesionalismo. La fotografía es
buena, sobretodo en la parte del stop
motion, muy cuidada, mucho color y
logran buenas profundidades con el
correcto uso de ángulos.
El director nos cuenta que el trabajo
fue un proyecto del PECDA 2012
(Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico) del estado, y
que sobretodo es una idea que desde
hace tiempo tenía la intención de
realizar, y que si bien usaron todos
los recursos que el PECDA provee, le
invirtieron mucho más que eso, sin
contar el tiempo dedicado de los integrantes de esta productora. Al
final de la proyección también se
llevaron a cabo preguntas del público,
entre las cuales se tocaron temas
desde narrativa hasta los efectos
especiales y tiempo de realización,
preguntas que el director contestó hablando sobre la ambigüedad de
algunos personajes de la trama, que
tiene que ver con la introspección e
incentivar la imaginación del
espectador, sobre los diferentes
programas de edición que fueron
utilizados, que el trabajo fue hecho en
aproximadamente dos años, de los cuales la realización de guión fue una
de las etapas más tardadas.
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por ANDREI MALDONADO
“Febrero 14 de 1990. La sonda Voyager, a una distancia de seis mil millones de
kilómetros, toma una fotografía de la Tierra…” bajo esa sencilla aseveración Diego
Luna da inicio a Cada Vez nos despedimos mejor, un monólogo dirigido por
Alejandro Ricaño, una obra que por espacio de poco más de 80 minutos
transporta al espectador desde el terremoto de 1985 hasta los disturbios de San
Salvador Atenco, y desde la Feria del Libro de Guadalajara hasta el sótano de una casa, el cuarto oscuro de revelado donde Mateo le rompe el corazón a Sara.
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Dos genios unidos, uno, el de Ricaño,
con una sensibilidad poética por la
cual se arma de un par de sillas,
cámaras fotográficas de diversas
épocas y cinco luces sobre el
proscenio para crear una danza de
claroscuros; y el otro, el de Luna, que
es capaz de interpretar no solo al
desdichado Mateo, sino también a su
solitario padre, a su fallecida madre,
a la mujer de sus sueños y a la de
sus pesadillas, en una suerte de
discurso que salta la temporalidad,
partiendo del presente al futuro y
viceversa.
El último día del año 1979 Mateo y
Sara nacen en el mismo hospital. Él,
desde la desgracia del destino que
terminaría por condenarle la vida, ella
en la primera de muchas
circunstancias que los llevarán a
conocerse y desconocerse una y otra
vez: la fotografía. Partiendo de la
premisa del deseo de una segunda
oportunidad a pesar de saberse
terriblemente desgraciado, y
valiéndose de un lenguaje coloquial
que mezcla hechos históricos del país
con lo cotidiano del día a día de dos
almas hechas el uno para el otro pero
no para vivir juntos, Luna y Ricaño se
vuelven una dupla deliciosa en esta
puesta en escena.
Un meta discurso que aborda la
nostalgia, la melancolía, el destino, el
infortunio y la soledad. Un diálogo
interno y externo que se adereza con
una deliciosa banda sonora en vivo, y
que nos lleva a la reflexión de
cuantas veces estamos frente al amor
de nuestra vida, y cuántas veces lo
dejamos partir. Una muestra de
belleza en todos sus sentidos que no
deja otro final que el interminable sin-
final que es la vida, un urdimbre de
emociones en donde se conjuga el
recuerdo, el olvido y la desolación. Lo
peor -o mejor- es que todo mundo
saborea su humor negro, quizá
porque por dentro el corazón no deja
de llorar.
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por ERIC EDUARTE VILLA
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Desde hace años se hacen talleres y
cursos en el estado para la
preparación de personal dentro de la
industria fílmica, pero siempre esta
preparación sucede en la capital y no
es frecuente al resto de los
municipios. Es por ello que el año
pasado se dio la iniciativa de
empezar a generar estos talleres
fuera de la ciudad de Durango, para
dar oportunidad a muchos jóvenes
que residen en el interior de la
entidad. Fue así que en octubre del
2013 en el municipio de Santiago Papasquiaro se impartió el primer
taller de cine digital con una etapa de
duración de 5 meses, concluyendo
este marzo, donde los participantes,
además de conocer el proceso de
elaboración de un guión para cine y
las distintas técnicas que conllevan a
la elaboración del mismo, lograron
trasladar esos conocimientos a la
práctica, realizando así, dos
cortometrajes para su graduación del
taller.
Este proyecto fue posible gracias en
al Instituto Municipal de Arte y Cultura
de Santiago Papasquiaro y el
Instituto de Cultura del Estado de
Durango, bajo un programa
auspiciado por el Consejo Nacional
para la Cultura y las Artes
(Conaculta) a través de la dirección
de vinculación y del programa
Desarrollo Cultural para la Juventud
del ICED. El taller de cine digital fue
impartido por el cineasta
duranguense Julio Cesar Andrade
Ríos, llevado a cabo en la casa de la
cultura de Santiago Papasquiaro con
un numeroso grupo de participes, y
este pasado 29 de marzo se dio la
clausura con la entrega de
reconocimientos y exhibición de los
cortos realizados en presencia de
autoridades locales de Santiago, así
como el director del instituto de
cultura del municipio, Salvador
Dueñas Pérez; quien a su vez fue
parte de las clases como alumno e
incluso actuando en uno de los
cortometrajes.
En entrevista Julio cesar Andrade nos
habló de la importancia de llevar
estos talleres a distintas regiones del
estado.
¿Cuál fue la idea por traer un curso
cine a este municipio?
“Porque Santiago Papasquiaro tiene
en su historia la filmación de la
película “El Cavernícola” que vino a
grabarla Ringo Starr. Entonces yo
decía que porque en Santiago
Papasquiaro no ir a dar un taller de
cine, siendo un semillero de artistas.
Está Marlene Favela, que es
originaria de aquí de Santiago y los
más reconocidos, y con todo respeto
lo digo, los Revueltas. Que algunos
no nacieron aquí pero tienen orígenes
de Santiago Papasquiaro. Silvestre
Revueltas si nació aquí y digo,
habiendo tanta gente que ha
emanado de Santiago Papasquiaro
¿por qué no traer cine para acá? A lo mejor emana gente que haga cine de
aquí de Santiago y al rato lo estamos
viendo a nivel nacional”. 2128
¿Qué tan buena fue la
convocatoria y respuesta de los
jóvenes de Santiago para este
taller?
“La convocatoria fue muy buena,
hubo muchísima gente que se quiso
inscribir no sólo de aquí de Santiago
Papasquiaro, tenia gente que se
inscribió por medio de Facebook de
Nuevo Ideal, de Durango y yo
empecé a dar el curso a través de
esta red, ya cuando liberaron el
recurso de CONACULTA fue cuando
vine e hice la convocatoria en el
COBAED de aquí de Santiago.”
¿Qué tan grande fue el reto de
lograr un curso de cine en una
tierra que poco ha tenido
acercamiento con el séptimo arte?
“Fíjate que fue un reto muy grande,
porque empezamos todos de cero,
fue desde concebir una idea para
crear un guión y que ese guión se
transportará a la pantalla, fue muy
difícil y estresante para ellos porque
no sabían cómo era un guión y cómo
escribirlo. Entonces ahí fue donde
nos tardamos, en hacer el guión y las
adaptaciones para que quedarán los
resultados que se vieron en la
pantalla, ya después ellos se
acoplaron muy bien y fueron
autodidactas: ‘no se basen a lo que
yo les diga, busquen en internet, en
Youtube, en cualquier lado y ahí les
van a dar algún tip, parecido al mío y
mucho mejor’, entonces hicieron eso,
y fue cuando hicimos un despegue
más de lo que era el curso-taller.”
Para finalizar Julio Cesar mencionó
que tiene el deseo de volver a
Santiago a impartir un segundo taller,
donde esté más enfocado al actor
frente a la cámara; así mismo crear
talleres para programas de televisión
transmitidos desde el municipio de
Santiago Papasquiaro. Los trabajos
hechos por los alumnos de este taller
pronto podrán ser presenciados en la
capital, dentro de lo que será la sexta
edición del Festival de Cine
Mexicano.
El gran ánimo de los participantes de
este taller de cine digital no pasó
desapercibido y los jóvenes que
tomaron el curso se mostraron
motivados y dispuestos a continuar
con esta preparación. De esta forma
quedó clausurado el primer taller de
cine digital en tierras santiagueras y
dejando el conocimiento para futuras
generaciones que busquen
incursionar dentro del universo de la
cinematografía.
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