Cinéfagos - Número 13
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No. 13 ene.-feb. 2015 Edición Bimestral Alimentándonos del séptimo arte El ingenio fílmico de Pablo Larraín Interestelar: la graduación de Christopher Nolan La Vida de los Peces, entre el amor y la pérdida Robin Williams: legado de vida y cine BIRDMAN (o la obra maestra de González Iñárritu) Especiales: Historia del Cine Chileno No Todo es Cine: Entrevista Tango VIP
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Enero-Febrero 2015
Transcript of Cinéfagos - Número 13
No. 13 ene.-feb. 2015 Edición Bimestral
Alimentándonos del séptimo arte
El ingenio fílmicode Pablo LarraínInterestelar: la graduación de Christopher NolanLa Vida de los Peces, entre el amor y la pérdidaRobin Williams: legado de vida y cine
BIRDMAN(o la obra maestra de González Iñárritu)
Especiales: Historia del Cine Chileno No Todo es Cine: Entrevista Tango VIP
¿Es realmente necesario recibir un
premio para saber si nuestra obra es
valiosa? Para el mundo actual,
heredero del estructuralismo del siglo
XX, parece que sí. Esto lo vemos
reflejado fuertemente en el cine, cuando las tapas de los DVD´s se
llenan del palmarés obtenido por las
cintas.
Más de una vez he escuchado frases
como “cómprala, estuvo nominada al
Oscar”. Ciertamente la calidad y los
galardones van de la mano, sin
embargo hay otro tanto de filmes que nunca recibieron un reconocimiento y
son infinitamente superiores en
contenido a las “multipremiadas”.
Otro efecto deleznable de este
fenómeno de la “premieitis” es la
facilidad con la que cualquiera se
“sube al carro” de los ganadores. Explico. Cuando un director mexicano
es nominado a los Oscars solemos
escuchar expresiones como “vamos
México” o “claro, es mexicano” o
“están dejando en alto el cine del
país”. Aclarar, el que sean mexicanos
no convierte a sus películas en parte
del cine mexicano.
Ejemplo de esto es Alejandro
González Iñárritu, recientemente
nominado a mejor director por
Birdman, la cual acaparó otras ocho
nominaciones. Salvo sus inicios como publicista y por la cinta Amores
Perros, su trabajo se ha llevado a
cabo fuera de nuestras fronteras ¿por
qué, ahora que está a punto de
llevarse la estatuilla, sí lo hacemos
parte de nosotros?
No es tabú ni mucho menos que la
gran mayoría de los cineastas
nacionales exitosos han tenido que salir del país para ver sus sueños de
filmar hechos realidad ¿no sería
mejor que las autoridades, en vez de
felicitar por Twitter, apoyaran a los
creadores? ¿Y no sería mejor que en
vez de tratar de apropiarnos de algo
que no es nuestro apoyemos a nuestros directores viendo nuestro
cine?
Editorial
DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresPaloma Cominetti
Fotografía Cortesía
DiseñoAndrei Maldonado
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Andrei Maldonado
Alimentándonos del séptimo arte
¿Qué tan necesario son los premios?
Contenido
Birdman... 3
ADEMÁS
Interestelar... 7La Vida de los Peces... 11Historia Cine Chileno... 13Robin Williams...17Pablo Larraín... 21Tango VIP... 25
Alimentándonos del séptimo arte
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por ANDREI MALDONADOfotografía CORTESÍA
HÉROE CON CONTRATO VENCIDO
La fama tiene un precio, siempre lo
ha tenido. Y no, no solo son las
apuestas, el alcohol o las drogas. No
es solo los sacrificios personales o
emocionales. El mayor precio que se
tiene que pagar por la fama es que
esta es efímera, conlleva al olvido y,
para el imaginario colectivo, nada o
poco tiene que ver con el arte.
BiRDMAN
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Este divorcio –entre lo artístico y lo
mediático- solamente podía ser
entendido por alguien como Alejandro
González Iñárritu, quien lo retrató de
manera sublime en Birdman (o la
inesperada virtud de la ignorancia),
cinta que sin temor a equivocarnos
será catalogada como la mejor del
2014.
Riggan Thomson (Michael Keaton) es
un viejo actor que vive atormentado
por el pasado de su único papel
memorable: Birdman, un súper héroe
de franquicia que se ha convertido en
algo más que su alter ego, ahora es
la voz de su conciencia o, mejor
dicho, de su intranquilidad, pues
constantemente le echa en cara su
nuevo propósito: abrirse paso como
actor y director en Brodway.
Es en ese punto cuando comienza el
verdadero conflicto: ¿qué es el arte y
quién tiene derecho a realizarlo?
Riggan pronto deberá hacerle frente
al peor de los villanos, más poderoso
que cualquiera de los cómics: el
orgullo actoral de Mike Shaner
(Edward Norton), quién no soporta la
idea de que un “movie star” pretenda
actuar en un escenario reservado
para los “verdaderos” actores.
Sin duda González Iñárritu trasgrede
con esta cinta ya que no solo
cuestiona la labor mercantil de la
industria fílmica de Hollywood –
muchas veces saturada de contenido
vacío- además se da tiempo de poner
contra las cuerdas también a los
puristas del arte que, exigiendo que lo
comercial no segregue a lo artístico,
segregan a su vez a quienes
despectivamente llaman
“celebridades”.
Todo exquisitamente decorado entre
marquesinas, proscenios y
escenarios teatrales de la gran
manzana y filmado con una técnica
impecable de parte de Emmanuel
Lubezki, en una delicada consecución
de tomas tan bien ensambladas que
parecen un solo plano secuencia.
Además la música de jazz que
pareciera, al igual que los momentos
y diálogos, total y absolutamente
improvisada.
Estamos ante un nuevo clásico, un
nuevo favorito del séptimo arte, que
nos da tiempo de reflexionar:
“¿queremos arte o queremos fama?”
y “¿qué estamos dispuestos a perder
por cada una de ellas?”.
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INTERESTELAR
por ERIC EDUARTE VILLA
el viaje soñado
Nostalgia por las estrellas no
exploradas, un viaje de millones de
años luz sin retorno, un amor por lo
desconocido. ¿Por qué esta
fascinación por el espacio infinito?
Una respuesta que quizá nunca
llegue, o más bien que tarde en llegar
cuando descubramos el enigma de
nuestra existencia. Un viaje
Interestelar no para encontrar esa
respuesta, sino más bien conocer
aquello que se encuentra más allá
incluso de nuestras creencias.
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La cuestión actoral complementa esta
obra de Nolan con un Matthew
McConaughey y una Anne Hathaway
quienes por estas interpretaciones no
se dudaría que tendrían una
nominación a los premios de la
Academia el próximo mes de febrero,
Al igual es destacable la participación
de Matt Damon tomando en esta
ocasión el papel de antagonista,
quién podría competir dentro de la
terna a mejor actor de reparto. No
sonará descabellado que esta cinta
se catapultara como una de la más
importantes sobre el tema del espacio
y de la ciencia ficción en la historia de
la cinematografía.
La nueva cinta del Christopher Nolan
nos traslada a temas espaciales,
adentrándonos en un tema que poco
a poco comienza a ser usado; ver lo
maravilloso y misterioso que es el
universo, viéndolo desde una parte
nostálgica, como si fuera el paraíso al
que quisiéramos ir y no regresar.
Pero lo que realmente sobresale en
esta producción cinematográfica es el
exquisito guión, su historia y como
está manejado este asunto espacial.
Con giros dramáticos sorprendentes,
donde sus personajes se envuelven
en situaciones perturbadoras para la
supervivencia de ellos mismos;
conectando al espectador y
manteniéndolo encajado al asiento. El
trabajo técnico es destacable, con
una fotografía y efectos especiales
que ensamblan junto a la historia de
uno de los mayores logros de Nolan.
La sonorización y la música le dan
aún más fuerza al film. Sus silencios
en el mismo espacio le dan mucha
credibilidad al tema de la película, y
esa credibilidad también se muestra
en como aborda las cuestiones
físicas y teóricas sobre la relatividad
de tiempo y la misma física cuántica,
que hace que esta película sea más
que sólo un atractivo visual y artístico,
sino que es sinónimo de estudio para
la ciencia, pero que también puede
generar un debate entre las creencias
religiosas y principios divinos sobre la
creación del universo.
Será un atrevimiento mencionar que
esta película se encuentra a la altura
de la obra cinematográfica de Stanley
Kubrick; 2001: odisea al espacio, que
si bien este trabajo de Christopher
hace un homenaje a la misma cinta
de Kubrick, con esta travesía del
agujero de gusano que lleva a otras
galaxias o hacia otras dimensiones,
también dentro del homenaje está la
incursión de una computadora
inteligente como lo hizo Kubrick en
Odisea del espacio con el robot
artificial ‘HAL 9000’. Pero no es el
único homenaje en la película de
Nolan, su banda sonora compuesta
por el músico Hans Zimmer nos
evoca a los sonidos y música de la
película Contact protagonizada por
Jodie Foster y dirigida por Robert
Zemeckis, misma película que
también hace debate sobre la ciencia
y la religión.
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por ANDREI MALDONADO
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Cuando hacemos un movimiento al
aire, quizá una caricia a un rostro
imaginario, ¿qué nos dice que aquella
persona a la que le dedicamos ese
gesto no ha sentido, en ese mismo
instante, el roce de nuestra piel? Esa
es la inmensidad de la pecera, una
pecera que llamamos vida, porque
irremediablemente creamos círculos
cuando creemos rasgar el universo,
porque quizá nunca salimos de la
misma habitación.
Matías Bize consigue en La Vida de
los Peces (2010) un discurso sencillo
pero elocuente sobre el amor y la
pérdida. La aparente superficialidad
que implicarían 90 minutos de un
encuentro entre dos viejos amores
durante una fiesta se rompe y se
convierte en una agridulce historia de
dos que nunca lograrán estar lo
suficientemente lejos para olvidarse
ni tan cerca para consumarse.
Andrés (Santiago Cabrera) y Beatriz
(Blanca Lewin) se separaron 10 años
atrás y en ese tiempo él se ha
dedicado a viajar por el mundo como
fotógrafo y ella encontró una pareja
con la cual tiene un par de gemelas.
A pesar de lo dispar de las
situaciones ni él ni ella han
encontrado hogar, viviendo cada uno
con el recuerdo del otro y todos esos
“hubiera” que se dibujan tras el adiós.
Lo que maravilla es la capacidad de
Bize de conjuntar un maravilloso
guión original con un gran trabajo
actoral y un tratamiento
prácticamente en tiempo real,
ambientado el relato de la ausencia
en las habitaciones de la casa –la
pecera- donde siendo jóvenes Andrés
y Beatriz compartieron sus dichas,
pero también sus desencuentros.
Adicional a ello resalta el armonioso
soundtrack post rock elaborado por
Diego Fontecilla (donde cada tema se
titula de acuerdo al momento del film)
y la banda Inverness, que dan como
resultado no solo uno de los mejores
largometrajes de la historia fílmica
chilena, sino también del cine latino y,
por qué no decirlo, de la
cinematografía universal.
La Vida de los Peces es grande
porque todos nos hemos enamorado,
todos hemos dejado ir al amor de
nuestras vidas, todos nos hemos
imaginado “el universo que no fue”.
Todos somos peces habitando la
misma pecera.
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por PALOMA COMINETTI
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El comienzo del cine chileno tuvo cita
el 26 de mayo de 1902, fecha en la
cual se estrenó la filiación del
"Ejercicio General de Bombas"
(Cortometraje documental. Duración
3 minutos) grabado tres semanas
atrás en la plaza Aníbal Pinto de
Santiago. Este acontecimiento dio
inicio a la “industria cinematográfica
nacional”, que ha tenido altos y bajos
a lo largo de su historia.
Entre 1910 y 1931 se vivió la primera
etapa del cine chileno, enmarcada en
la mudez de la industria. En esta
etapa se realizaron 78 filmes,
destacando el año 1925 en el cual se
llevaron a cabo 15 títulos.
Luego el cine nacional se reactiva
bulliciosamente en 1934, luego de
tres años de receso y a la película
"Norte y Sur" como el inicio de la era.
Las temáticas del cine en este
periodo eran predecibles y con
fórmulas importadas desde
Norteamérica. La historia del huaso
enamorado de la hija del patrón era
tan típica como la trama del "rotito" y
sus aventuras en la capital.
En 1942 el cine es empujado desde
el gobierno, a través de la recién
fundada CORFO, que dio nacimiento
a Chile Films. Siete años más tarde
los estudios presentaban un balance
desolador en términos económicos y
culturales. En la década del '50 la
producción fílmica decae
notoriamente, con apenas trece
películas. Sin embargo se deja
entrever los que vendría más
adelante, que sería un cine de corte
realista y social.
Cuando las universidades decidieron
involucrarse en el cine, se comenzó a
forjar el camino a lo que luego se
denominaría el "Nuevo Cine Chileno".
El Instituto Fílmico de la Universidad
Católica (1955) y la incorporación del
Centro del Cine Experimental a la
Universidad de Chile (1959),
impulsaron un género que hasta el
momento no había sido explorado en
profundidad: el documental.
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El cine chileno comenzó a enfocarse
en su mirada social, tendiendo hacia
un cine de corte neorrealista, en el
que los recursos no abundaban como
en generaciones anteriores. La
celebración del Primer Festival del
Nuevo Cine Latinoamericano,
realizado en Viña del Mar en 1967,
permitió a los autores nacionales
tener una mirada panorámica del
trabajo de sus pares continentales.
Instancia que se repetiría en el año
1969, en donde chile ya tenía
material para competir.
Desde 1973, y durante el gobierno
militar, la producción fílmica
desciende a los niveles históricos
más bajos. Los principales
representantes del cine nacional se
dedican a trabajar fuera del país,
haciendo un cine chileno tras sus
fronteras. El único que permaneció en
el país fue Silvio Caiozzi, quien logró
sacar adelante películas como "A la
sombra del sol" (1974) y "Julio
comienza en Julio" (1979). Estos
Films fueron un leve despertar en el
profundo estado de sueño en el que
se mantuvo la escena fílmica nacional
hasta 1988.
Tras acabarse el gobierno militar
vendría el despertar del cine chileno.
Se crea el FONDART, quien juega un
rol fundamental en el apoyo estatal a
la industria nacional. Pero el hecho
que sentó precedente fue la película
"La Frontera" (1991), dirigida por
Ricardo Larraín. Esta cinta cambió la
percepción del cine local, debido a su
gran factura técnica.
De ahí en adelante la industria
cinematográfica nacional vio nacer
películas que se han transformado en
los iconos de esta última década del
cine nacional. Decenio que
demuestra los nuevos aires del cine
chileno, que se atreve a superar
“tabús” históricos y morales, a reírnos
de nosotros mismos y a reflejar
nuestra realidad social. Todo esto
acompañado de una mejor calidad
técnica, que le ha permitido al cine
chileno abrirse más de una puerta,
tanto a nivel nacional como
internacional.
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Alimentándonos del séptimo arte
Invitamos a todos los amantes del cinea participar en nuestra próxima edición dedicada
especialmente al cine nacional.
La convocatoria quedará abierta desde el 18de enero y hasta el 22 de febrero. Podrán
participar todo aquel que esté deseoso de compartirun rasgo de nuestra cinematografía:
actores, películas, directores o momentos de la historia.
Como requisitos los textos deben tener como extensión máxima una cuartilla y media a letra
Arial 12 justificado. En cuanto al texto este serávalorado para revisar la originalidad y profundidad del contenido, así como veracidad de lo redactado.
Los editores de la revista estarán en contacto conlos colaboradores para retroalimentación. Los trabajos
serán recibidos a través del correo electrónico [email protected]
revistacinefagos.blogspot.com [email protected]/revistacinefagos @revistacinefagos
17por ANDREI MALDONADO
Un ángel con nariz roja, un viajero
enfrentándose a creaturas salvajes,
un ser extraordinario del país de
nunca más, un héroe con espinacas,
un científico, el disc-Jockey en
Vietnam, el genio de la lámpara, la querida Mrs. Doubtfire, el profesor
rebelde, el poeta muerto, el hombre
bicentenario, el hombre del año
dirigiéndose más allá de los sueños.
El actor, el ser que vamos a extrañar
ROBIN WILLIAMSMuchos personajes, un solo hombre
por ERIC EDUARTE VILLA
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¿Quién no creció con sus películas,
con sus personajes? Siempre ir al
cine a ver alguna película de él, y
más donde fue el protagonista, no
sólo nos garantizaba una muy buena
historia que nos hiciera reflexionar,
sino también un personaje que nos
enseñaría creer más en la
humanidad. La mayoría de sus
películas dejan un mensaje
esperanzador, quizá se debía por su
carisma, comicidad y un excelente
sentido del humor que no sólo
aparentaba en pantalla, sino que lo
era en persona.
De joven dejó sus estudios de una
carrera política para probar suerte en
la actuación. Se inició en teatro, tras
varias obras de comedia dio el buen
vito para saltar a la pantalla chica en
una serie de televisión en el que
interpretaba a un extraterrestre, de
inmediato se catapultó al éxito, pero
su fuerte se encontraba en la
comedia. Poco después haría su
debut en la pantalla grande con el
personaje de “Popeye” en la cinta de
homónimo nombre, el éxito de la cinta
no fue el esperado pero fue la que le
trazó el gran camino que recorrería
hasta sus 63 años de vida.
En su vasta filmografía se encuentran
cintas como Good Morning Vietnam,
Dead Poets Society, Hook, Toys, Mrs.
Doubtfire, Jumanji, Good Will
Hunting, Flubber, Bicentennial Man,
Seize the day, entre otras. Pero
donde más nos ha dejado una
enseñanza de la vida fue en su
sublime interpretación del Dr. Patch
Adams. Aquella escena entrando al
hospital, a la habitación de un
enfermo, disfrazado de ángel a
muchos se nos quedará en la mente
quizá por siempre. Pero son
demasiadas escenas icónicas que
nos ha dejado como legado en su
extensa lista de películas que nunca
nos cansaremos de reproducir.
En su estrella quedan los extensos
galardones y reconocimientos,
destacándose su premio de la
academia a mejor actor de reparto
por la película El indomable Will
Hunting; Los globos de oro por La
señora Doubtfire, The Fisher King,
Buenos días Vietman y Mork &
Mindy.
No está demás observar que toda su
vida no fue la que nos enamoró en la
pantalla, su destino final nos dejó a la
luz el lado oscuro de su vida,
llevándolo a una decisión que es
difícil entender cuando una persona
decide por cuenta propia traspasar a
otra dimensión de la cual no hay
retorno. Pero su herencia, su
maestría actoral, es más grande que
cualquier asunto adictivo ajeno a su
amor a la actuación, es más grande
incluso que su propia muerte.
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Pablo Larraín
por ANDREI MALDONADO
y la nueva mirada del cine chileno
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23
FUGA (2006)
La ópera prima de Larraín es un
ejemplo de que debemos
deshacernos de los eufemismos, ya
que en vez de encasillarla en el
género del drama Fuga merece ser
considerada una película de tragedia.
En ella se narra la vida de Eliseo
Montalbán, un músico atormentado
por la muerte de su hermana, que al
mismo tiempo va acompañada por la
ejecución de una fuga, un tono
musical que va a generar la
“Rapsodia Macabra”, tema que
acompaña cada desgracia del
concertista.
Subvalorada incluso entre los propios
chilenos, Fuga es una invitación a la
reflexión acerca del destino, y es aquí
cuando reiteramos que el cine de
Larraín es el de la tragedia, pues el
destino de Montalbán es finalmente el
mismo aquel que predijeran los
oráculos para Edipo y del que no
pudo escapar.
TONY MANERO (2008)
La línea entre la cordura y la locura
es tan delgada, tanto que a veces se
rompe al ritmo de “Fiebre de sábado
por la noche”. Alfredo Castro
interpreta en Tony Manero a Raúl
Peralta, un hombre obsesionado por
llevar más lejos su actuación como
doble del famoso personaje de John
Travolta en Saturday Night Fever.
En esta trama Larraín nos muestra un
nuevo y oscuro sitio de la psique
humana, con un hombre capaz de
sacrificar todo lo que tiene e incluso a
otros por un insignificante premio en
un programa de televisión, o bien,
obstinarse en ver en la pantalla a su
personaje favorito, aunque encima de
él esté el ejército de Pinochet.
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PÓST MORTEM (2010)
Seducido por el relato histórico pero
también por la ficción, Pablo realizó
en 2010 Post Mortem, película que
una vez más es protagonizada por
Alfredo Castro en el papel de Mario
Cornejo, un auxiliar forense que en
medio del golpe de estado en Chile
sufre un tórrido romance con Nancy,
una bailarina de un club nocturno.
Al igual que en Tony Manero, el
cineasta chileno brinda un ambiente
lúgubre cargado de pesadumbre
entre la violencia infligida por los
militares y la propia crudeza del ser
humano, que lo mismo puede besar
la mano de quien ama para después
arrancarla.
NO (2012)
Esta cinta, estelarizada por Gael
García Bernal, viene a ser el fin de
una trilogía acerca de la dictadura de
Augusto Pinochet. Si en las dos
anteriores retrató el golpe de estado y
el auge del régimen, en No Larraín
documenta y “ficciona” el fin del
mismo mediante el plebiscito de
1988, por el cual el dictador era
rechazado por el voto del pueblo.
Este hecho histórico –extrañamente
tan poco retratado por los propios
chilenos- no podía dejar de ser
aprovechado por el cineasta, quien
introdujo videos, programas,
comerciales y entrevistas de aquél
entonces con la colaboración de las
personas que participaron en dichos
materiales, aderezando el hecho de
que se filmó con cámaras originales
de los 80’s.
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Tango VIPEntre lo clásico y lo moderno
por ANDREI MALDONADO
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El tango, referente mundial de la
cultura argentina, no solo es un baile
ícono de la pasión y el romance,
también es un canto que remite a la
nostalgia, al dolor y al recuerdo, una
vía por la cual nos trasladamos hasta paisajes de calles y bares de Buenos
Aires que nunca hemos visitado.
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El dueto conformado por Javier
Ortega, vocalista del grupo Elefante,
y Ricky Requejo, productor musical,
experimenta al reversionar y dar su
propia aportación a una de las
expresiones más emblemáticas de la cultura universal, fusionándola con
elementos propios de la música
electrónica.
Bajo el concepto de Tango VIP, Javi y
Ricky buscan rescatar un elemento
que proviene de sus más profundas
raíces, de su patria, dotando de un
toque contemporáneo a un canto que, a su consideración, las nuevas
generaciones no escuchan ni siquiera
en Argentina, por asociarlo con
personas adultas.
“Nosotros no nos identificamos con el
tango de la vieja escuela, el que
escuchaban nuestros padres y
abuelos, por ello decidimos quitarle
ese aire dramático o aburrido al tango
y dotarlo de los elementos nuevos. Si Gardel o Piazzolla vivieran hoy,
teniendo todas estas herramientas,
seguro harían el tango como
nosotros”, afirma Javi.
Por otro lado Ricky resalta la pasión
como uno de los elementos básicos
que se conservan de los tangos
originales dentro del trabajo de Tango VIP; “nosotros lo que hacemos es la
integración de elementos del siglo
XXI en temas de los grandes del
género, respetando la esencia
pasional de los temas originales, así
como su armonía”.
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Javi reconoce que pese a que otros
proyectos como Bajofondo o Gotan
Project han experimentado con el
electro tango, lo que sobresale de su
labor con Ricky es que más que
electrónica con toques de tango, el
suyo es un tango con toques
eléctricos, al cual han llamado tango
moderno; “buscamos que sea el
tango original el que se enriquezca
del género electrónico y no al revés,
además de que le damos mucha
importancia a la voz”.
Actualmente cuentan con dos discos
maquilados, uno titulado “Grandes
Varones del Tango”, el cual incluye
nueve temas clásicos y uno
totalmente inédito, por el cual fueron
nominados al Grammy Latino, y
“Efecto Tango”, que incluye ocho
nuevos clásicos y tres tangos de
autoría propia.
Tanto Javi como Ricky reconocieron
que la aceptación de su propuesta ha
sido igual de buena por personas
jóvenes como por aquellas que
crecieron escuchando las versiones
originales, algo que los alienta a
continuar; “empezaremos a armar la
agenda de conciertos, en donde
integramos elementos visuales y
baile. Incluso hay interés de parte de
directores de cine para sincronizar
nuestra música con proyectos muy
importantes”, finaliza Javi.
Alimentándonos del séptimo arte
L O S E N T I M O S
B I R D M A N
N OPUEDE AYUDARTE
ESTÁ OCUPADO
L E Y É N D O N O S
NO
