Apuntes Historia del Diseño.

1-Arts&Crafts

Mientras la industria se empeñaba en fabricar objetos pretenciosos y faltos de una estética propia, el Arts&Crafts propuso un conjunto de normas basadas en la idea de honestidad y sencillez en diseño. Esta concepción también nos ayuda a situar a Morris y sus contemporáneos como pioneros del diseño moderno.

Según Campí, esto se conseguía mediante estas premisas:

1. Respetando la naturaleza de las superficies planas. 2. Respetando la naturaleza de los materiales. 3. Respetando los procesos de ejecución. 4. Logrando los efectos deseados mediante el color, la línea y la forma. 5. Preservando los ornamentos de inspiración naturalista.

Abogó por una reforma económica y social de carácter socialista, y puede considerarse como un movimiento antiindustrial. Como alternativa al mal gusto de los objetos fabriles y a la mala práctica de la industria, propuso la recuperación de la artesanía tradicional mediante formas simples, y estilos medievales, románticos o tradicionales.

El movimiento nació y se desarrolló fundamentalmente en Inglaterra, pero se extendió a Europa y a los Estados Unidos, manifestando un claro descontento en todos los países donde se estaba produciendo la Revolución industrial. Sus principales inspiradores fueron John Ruskin y August Pugin.

La base ideológica del Movimiento partía de que la industrialización estaba destruyendo la artesanía. Sus integrantes habían constatado que los objetos hechos a mano eran superiores a los industriales y que la calidad de vida del campo era a su vez muy superior a la que se sufría en la periferia de las ciudades industriales. Desde el punto de vista del diseño, estas ideas se demostraron claramente en la Exposición Universal de 1851 (para algunos, inicio del movimiento) al quedar claro que los objetos industriales no se adaptaban a la estética decorativa del momento. El Arts&Crafts duró desde 1860 hasta 1910, con influencia posterior en el Art Noveau y el Art Deco.

Sus principales miembros fueron William Morris y Charles Voysey

Siguiendo el modelo de la artesanía medieval, el movimiento se articuló entorno a una serie de cofradías de artesanos.

- La Century Guild

- La Guild of Saint George

- La Arts Workers Guild

- La Guild of Handicraft

- La Home Arts and Industries Association

El estilo:

La forma de los objetos del Arts&Crafts era simple, evitaba la decoración excesiva y quería enfatizar la calidad del material. Recuperaron la flora y fauna inglesa como elementos ornamentales. La influencia del movimiento se dejó sentir en todos los ámbitos del diseño, a arquitectura, el diseño gráfico, la ilustración, el diseño editorial e incluso la pintura, la escultura y la fotografía moderna deben su origen a los cambios que introdujo el Arts&Crafts.

Morris creía que la Naturaleza era el ejemplo perfecto del diseño de Dios, y en ese sentido proponía que todo el diseño debía basarse en la Naturaleza, que consideraba el remedio definitivo para superar los bajos estándares del diseño producido por medios industriales. Precisamente en esa continuidad de la Naturaleza, junto al florecimiento de los nacionalismos encontramos la base del Art Noveau.

2-El diseño postmoderno

Desde los años setenta, el auge de las nuevas tecnologías había venido acompañado de la aparición de movimientos revivalistas con resultados formales basados en la artesanía o en estéticas del pasado industrial.

Fue el inicio de la vuelta al diseñador artista. Un tipo de profesional al que no le interesaba el carácter científico del diseño que se enseñaba en Ulm y que no tenía nada que decir frente a la nueva situación tecno-económica. En Estados Unidos, fruto del interés por la ecología, también había resurgido el interés por la artesanía. El diseño radical italiano fue acogido de buen grado, mientras surgía el American Studio Craft.

Decididamente anti industrial, el American Sturio Craft emergió para convertirse en una influencia estética hacia 1980, mezclando los crafts tradicionales americanos con la estética de mediados de los 60 a 70.

Desde los setenta se venían detectando intereses muy distintos en los diseñadores. Mientras algunos profesionales buscaban la fama y el protagonismo en las revistas especializadas, otros se diluían en la estructura de las empresas y trabajaban de modo más colaborativo.

La arquitectura posmoderna: Todo empezó en la arquitectura. Siguiendo el camino marcado por Venturi, los arquitectos posmodernos empezaron a utilizar en sus obras referencias metalingüísticas formalmente alejadas de las premisas del Estilo Internacional. A las referencias al Pop se le añadían las de tipo semiótico o a la psicología de la Gestalt, muy en boga desde finales de los sesenta. Consideraban el edificio como un todo superior a la suma de sus partes. Como la catedral gótica, sobre la que Venturi afirmaba que “...en permanente reconstrucción y renovación, es un todo a un nivel y un fragmento de un todo mayor en un contexto más grande“. La arquitectura postmoderna de nuevo situaba al diseño de edificios a la vanguardia de la renovación formal. Para Venturi toda arquitectura era un lenguaje narrativo por encima de todo, y la arquitectura no pudo dejar de serlo desde entonces.

La nueva función social del diseño

La juventud de los ochenta sufrió un desencanto respecto a las tesis de los setenta. En la medida en que vieron que los desvaríos hippies no daban con soluciones concretas y parecían condenados a diluirse en comportamientos y estéticas esotéricas, se encerraron en el individualismo. Tomando como modelo los inicios de la revolución juvenil en los cincuenta, se vistieron de negro y volvieron a la austeridad y seriedad de las propuestas de la posguerra.

La industria, que había aprendido en los sesenta y setenta a estudiar los mercados y dominaba a la perfección las técnicas de persuasión orientadas hacia el usuario, detectó esta tendencia, y se dio cuenta de que podía utilizar el retro como una estrategia de ventas igualmente válida para dos generaciones: los padres y los hijos.

Viendo la orientación de los profesionales, determinados teóricos defendieron un ideal romántico del diseñador que corría el peligro de perderse para siempre, pero era demasiado tarde. El ambiente neoliberal de la época y los años de bonanza económica de principios de los ochenta hicieron que muchos profesionales pensasen más en beneficio inmediato que en la creación de un mundo mejor a través del diseño.

La arquitectura posmoderna

Todo empezó en la arquitectura. Siguiendo el camino marcado por Venturi, los arquitectos posmodernos empezaron a utilizar en sus obras referencias metalingüísticas. A las referencias al Pop se le añadían las de tipo semiótico o a la psicología de la Gestalt. rquitectura postmoderna de nuevo situaba al diseño de edificios a la vanguardia de la renovación formal. Para Venturi toda arquitectura era un lenguaje narrativo por encima de todo.

El movimiento Memphis

Fue fundado en Milán en 1981 para dar un impulso definitivo al movimiento radical italiano, que proponía un diseño caliente frente al diseño frío del estilo internacional.

A finales de los setenta, Studio Alchimia inventaron un tipo de diseño intelectual y alternativo con enfoques artísticos. Sottsass, que consideraba que esos enfoques historicistas restringían la creatividad, abandonó el grupo, para luego formar el grupo Memphis. Eran eclécticos, coloristas y se inspiraban en el Art Déco, el futurismo y el kitsch. Se burlaban a propósito de las intenciones del buen diseño.

Memphis fue un movimiento típicamente postmoderno, lleno de referencias a formas y temas del pasado. Fue tan político como estético. Como otros movimientos que se dieron durante los ochenta, Memphis era consciente de ser una moda efímera y Sottsass lo disolvió en 1988. Gracias a movimientos como Memphis, que lograron una gran proyección internacional, el diseño volvió a ponerse de moda, tanto en Europa como en los Estados Unidos.

En definitiva, el diseñador se convirtió en el nuevo artista del momento. En lugar de llenar las salas de exposiciones, los museos o los palacios de cuadros o esculturas, lo hacían con muebles u objetos.

2º El movimiento Arts & Crafts: En el año 1784 James Watt patentó la maquina de vapor y a partir de entonces se considera iniciada la Revolución Industrial, que cambiaria el modo de vida de la humanidad mecanizando la industria, la agricultura y el transporte. La idea de progreso empezaba a ser motor de la sociedad, aunque no todo el mundo vio bien el cambio. La percepción inmediata que tuvo el pueblo sobre la revolución industrial fue que había sido un cambio a peor; Se abandonó la comodidad de la vida rural, que en el siglo 19 daba a los hombres una gran calidad de vida, para pasar a vivir en las ciudades, que crecieron para dar espacio a la nueva industria y las ciudades dormitorios crecieron en la periferia en condiciones insalubres para acoger a los emigrantes de las zonas rurales que venia a trabajar en las fabricas. En la sociedad británica hubo entonces un debate muy fuerte hacia el desarrollo industrial. El Arts&Crafts surge como un movimiento que rechaza la industrializacón ya que esta no es capaz de producir objetos de calidad. Este Movimiento lo integraron diseñadores, artistas,arquitectos, artesanos y escritores, y su base ideologica fue que la industrialización estab destruyendo el entorno en el que antaño había prosperado la artesanía y había usurpado a los objetos hechos a mano, sus habilidades y formas, y también su orgullo. En la Exposicion Universal de 1851 quedo manifestado que los objetos industriales no se adataban a la estética decorativa imperante, por lo algunos autores consideran esta fecha el inicio del Movimiento. Sus integrantes habían comprobado que los objetos hechos a mano eran muy superiores a los industriales y que la vida del campo era superior a la que se vivía en las ciudades industriales. El

Arts&Crafts duró de 1860 hasta 1910 aunque algunos consideran que su influencia se extiende hasta 1930 con el Art Noveau y Art Deco. Es originario de Gran Bretaña y se extendería por todo el mundo, llegando a Estados Unidos, Australia y Asia, especialmente si consideramos el art Noveau y Art Deco como continuidad natural del movimiento.

Mientras la industria se empeñaba en fabricar objetos pretencioosos y sin una estética apropiada, el Arts&Crafts propuso un conjunto de normas basadas en la sencillez y honestidad en el diseño.:

1. Respetando la naturaleza de las superficies planas 2. Respetando la naturaleza de los materiales, de tal forma que un material no imitase a otro 3. Respetando los procesos de ejecución, hasta el punto de tolerar ciertos efectos accidentales 4. Logrando los efectos deseados mediante el color, la línea y la forma, no mediante complicaciones extrañas 5. Preservando los ornamentos de inspiración naturalista, bien copiando minuciosamente la naturaleza, bien esquematizando los motivos naturales

Tambien defendió una reforma económica y social de carácter socialista y puede considerse como un movimiento antiindustrial. Propuso la recuperación de la artesanía tradicional mediante formas simples, estilos medievales, románticos o tradicionales. Morris creía que la Naturaleza era el ejemplo perfecto del diseño de Dios, por lo que proponía que todo el diseño debía basarse en ella. Precisamente en esa continuidad de la Naturaleza junto al florecimiento de los nacionalismos encontramos la base del Art Noveau.

La influencia del movimiento se deja ver en todos los ámbitos del dieño, incluso antes de que estos puedan considerarse como tales: arquitectura, diseño gráfico, diseño editorial, ilustración, pintura, escultura, fotografía deben su origen a los cambios que produjo el Arts&Crafts y también consiguió que se hicieran un hueco en la industria: el diseño de objetos domesticos, mobiliario, el trabajo en madera, la artesanía en piel, el bordado, diseño textil, alfombras y tapices, joyería, trabajo en metal, esmaltados, cerámicas, vidrieras.

3-El Art Noveau: Nace en París en 1895 inspirado en el Arts & Crafts y en una serie de revelaciones científicas vinculadas con la naturaleza: La publicación del Origen de las especies de Darwin en 1859 Las ilustraciones botánicas de Ernst Haeckel (1834-1919) Las fotografías de flores de Karl Blossfeldt a finales del XIX El impacto del arte japonés en occidente contribuyó a eliminar el tabú impuesto por

las academias al naturalismo, y popularizó el interés por la botánica. El Art Noveau debe su nombre a una tienda de antigüedades abierta en París en 1895 por Samuel Bing, comerciante alemán conocedor del arte japonés. Constituye el arte burgués por excelencia. Afectó no sólo a la arquitectura y a las artes decorativas, sino al cartelismo publicitario, que fue el origen del diseño gráfico y la publicidad modernas. Desarrolló el nuevo lenguaje formal y ornamental basado en formas de la naturaleza que había inventado el Arts & Crafts y se postulaba sin ningún tipo de complejos como moderno. Surgió en un momento político de auge de los nacionalismos en toda Europa. Según Campí, la utilización subversiva de la historia local es una característica observable en todos los núcleos de producción del Art Noveau. Pone como ejemplo la Alianza de fabricantes de industria artísticas de Nancy, en Francia que insertaba la Cruz de Lorena en muchos de sus productos como reivindicación de la anexión de parte del territorio por Alemania.

Se extendió por toda Europa, y dado ese espíritu nacionalista, adquirió diversos nombres según el país:

Art Noveau en Francia y en Bélgica Modern Style en Inglaterra y especialmente en Escocia, a través de la obra del diseñador Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) en la Glasgow School of Art, que desarrolló el Glasgow Style Jugendstil en Alemania, por su difusión en la revista Jugend Secession en Austria Siguió los pasos del Wiener Werkstäte (1869-1939). Fue la versión austriaca del Arts & Crafts Modernismo en España (con un especial arraigo en Cataluña) Style Liberty o Style Floreale en Italia, en honor de los almacenes londinenses Liberty & Co., que promocionaban sus objetos Romántico Nacional en Finlandia, por coincidir con los años en que la Nación se independizó de Suecia

Incluso influyó en los Estados Unidos, especialmente en la Escuela de Chicago. Las exposiciones del momento contribuyeron enormemente a su difusión mundial:

Exposición de Arts & Crafts en Inglaterra Las Exposiciones de Bruselas Las exposiciones “Les XX” y “Libre Esthétique” en Francia La Secession vienesa La Exposición Internacional de París de 1900

En cuanto al ornamento, se sustituyeron los motivos tradicionales por otros de una inspiración más acorde con los tiempos modernos (de carácter naturalista, no maquinista). Su primitivismo se basa en la pretensión de generar un arte moderno a través de la invención de un nuevo lenguaje ornamental, no en el abandono del ornamento. A la profusión de estos nuevos motivos ayudó la aparición de nuevas técnicas de torsión de la madera o la frecuente utilización del hierro en la arquitectura y el mobiliario.

3.1-Art Noveau en Francia:

Existieron dos grandes focos de producción: París y Nancy. Emille Gállé, Louis Majorelle y Augusto y Antonio Daum fueron los máximos exponentes de la Escuela de Nancy, y en París fue muy destacable la obra de autores como Georges de Feure, Eugene Gaillard, René Lalique o Hector Guimard.

La importancia que tiene el diseño de joyería en el Art Noveau muestra hasta qué punto fue el estilo de quienes ostentaban el poder.

3.2-España. Modernismo: El Modernismo, como en toda Europa, floreció en las ciudades industriales españolas, y más si cabe en aquellas regiones con pretensiones independentistas, como Cataluña o el País Vasco, aunque podemos encontrar arquitectura Modernista en prácticamente todos los rincones de España, como Teruel, por ejemplo. Sin embargo, hay una figura que brilla especialmente por la singularidad y calidad de su trabajo, incluso por encima de otros arquitectos, también catalanes, cuya calidad está muy por encima de la media. Antoni Gaudí creó un universo personal basado en su profunda fe religiosa y su amor por la Naturaleza, y supo recuperar para el Modernismo lo mejor del estilo ecléctico que precedió al Arts & Crafts, y que él conoció de la mano de su maestro Josep Fontseré i Mestre.

3.3-Escuela de Chicago. Estados Unidos: Louis Sullivan fue el principal exponente de la Escuela de Chicago, que construyó rascacielos con elementos ornamentales próximos al Art Noveau. El estilo, de influencia Arts & Crafts que había llegado fundamentalmente a través de revistas y de la anteriormente citada Arts & Crafts Exhibition of America, organizada en Boston, cristalizó en Chicago a raíz de su reconstrucción tras el gran incendio de 1871, en un contexto en el que un sector de la profesión defendía una arquitectura de carácter neoclásico.

También se debe considerar la influencia que el Art Noveau tuvo en Frank Lloyd Wright y otros arquitectos de Chicago como George Washington Maher, que integraron la llamada “Escuela de la Pradera”. Podemos encontrar muestras del estilo incluso en Australia y Nueva Zelanda. Los diseñadores iban a convertirse en los portavoces del buen gusto de la sociedad, y su primera tarea era dar con una nueva estética parta los nuevos tiempos, algo bastante difícil, teniendo en cuenta que ésta no podía tener referentes en el pasado y todas las artes decorativas se habían basado precisamente en el revival. El Art Noveau supuso la solución a ese problema por un brevísimo espacio de tiempo. Además de su difusión a través de las exposiciones, los grandes símbolos tecnológicos del momento, que aun no contaban con un estilo propio (la aerodinámica vendría a suministrárselo en la década de los treinta) lo adoptaron de buen grado.

Las construcciones de hierro Los rascacielos Los grandes transatlánticos

Fue por tanto el primer estilo que asumió la tarea de encontrar el “estilo del Siglo”. Es evidente que en este sentido, fracasó, pero a pesar de su fracaso, el Art Noveau tuvo un importante sucesor en el Art Déco, que tomó el relevo en los años 20 a partir de

unas formas socialmente aceptadas y las democratizó definitivamente.

4- El diseño en 1960: La década de los 60 marcó una serie de cambios que concluirían con la puesta en critica del Movimiento Moderno y sentarían las bases del nacimiento de la Posmodernidad.

La presencia de la tecnología en la vida cotidiana se agudizo y se hicieron cada vez mas populares: la televisión en color, satélites de telecomunicaciones, relojes de cuarzo, teléfonos por tonos. Tambien fueron años de la consolidación de la industria del ocio y del turismo como motores de la economía hasta el punto de que la sociedad evolucionaba teniendo en cuenta el potencial de estas nuevas industrias.

El MOMA incluyo en su colección piezas de diseño audiovisual como las cabeceras de las películas de la serie de James Bond que se convirtió en otro exponente indudable de la estética del mundo.

Los sesenta supusieron la consolidación de las tendencias y avances formales alcanzados durante los cincuenta, tanto en las formas del diseño como en la sociedad, especialmente en lo que hizo referencia a la forma en que cambio el modo de vida de la juventud.

Según Larry Dobrow, en los sesenta, los americanos: - Eligieron al presidente más joven de la historia - Adoptaron a Los Beatles - Empezaron a rendir adoración a la juventud - Iniciaron la exploración del espacio

Esto ocurria en una América en la que aproximadamente el 50% de la población tenia menos de 25 años. Acabada la postguerra el centro social y cultural volvió a ser Europa, cuna de nuevas ideas que pondrían en dua los valores de los movimientos modernos del siglo 20. El diseño funcional y racionalista, premiado por el Good Design, se consolido como el diseño por excelencia, dando paso a una forma clásica de entenderlo, que adoptaba dos vertientes: La racionalista y la expresionista. Ademas de consolido la división de la profesión en ámbitos especializados:

- Diseño industrial - Arquitectura - Mobiliario e interiorismo - Diseño gráfico (publicidad, editorial, cartelismo e imagen corporativa) - Packaging

También maduraron disciplinas afines que en adelante no podrían separarse del diseño:

- La ilustración, como la ilustración, que tuvo una influencia determinante en otros ámbitos, como la animación - Las relacionadas con la imagen, como el cine, la televisión, los dibujos animados y la fotografía. La HfG de Ulm supone el referente de todas las escuelas modernas de diseño, ya que no sólo sus programas, sino su orientación hacia la enseñanza, el desarrollo de productos y la investigación en diseño han supuesto el modelo a imitar para todos los centros de educación superior en diseño que se crearon posteriormente. Reflejando lo que ocurría en el diseño a principios de los sesenta, sus alumnos podían estudiar en cinco ámbitos: Diseño industrial, Comunicación visual, Construcción, Información (dedicado a la formación de periodistas) y Cinematografía, en una estructura de Grado de cuatro años.El primer año era común, y los tres siguientes eran de especialización en uno de los cinco ámbitos o departamentos. Inventaron así materias y metodologías de enseñanza totalmente novedosas, la mayoría de las cuales están vigentes hoy en día, con una gran cantidad de talleres prácticos que los alumnos compaginaban con clases teóricas en una gran variedad de disciplinas, siempre alrededor del diseño y su implicación social. Además, se invitaba regularmente a conferenciantes de todo el mundo. Las clases empezaron en 1953 con 21 alumnos. Entre la plantilla de profesores habían antiguos profesores y alumnos de Bauhaus: - Josef Albers - Walter Peterhans - Johannes Itten - Helene Nonné-Schmidt

5-Diseño décadas 1950 El estilo de los 50 como revival: Durante los cincuenta el estilo moderno se convirtió en el estilo oficial de occidente. Finalizaron los debates sobre la tradición y la modernidad. Tras la Guerra Mundial, la hegemonía de Estados Unidos como potencia era indiscutible, y el diseño americano se utilizó como modelo para toda la producción industrial. El estilo de la época se ha convertido en el clásico moderno, y el hecho de que el primer estilo retro del Siglo XX fuese, en la década de 1980, el de la década de 1950 han convertido los productos fabricados tras las bombas atómicas arrojadas sobre Japón en auténticos objetos de culto.

Los cincuenta afloraron como revival en los ochenta y noventa en arquitectura, decoración, moda, música, diseño gráfico y diseño industrial. Los jóvenes de principios de los ochenta, cansados de una década anterior que consideraban de mal gusto, volvieron al estilo de los cincuenta. Los cincuenta representan la primera década de rebeldía juvenil. Los jóvenes de los ochenta se vistieron totalmente de negro, imitando a los primeros existencialistas franceses. El estilo de los cincuenta fue más influyente en la sociedad de los ochenta que

cualquiera de las anteriores porque tras la Guerra Mundial se produjo por primera vez en la historia el acceso de la juventud al ocio y a la cultura del consumo que, por primera vez, tenía más ganas de divertirse que de asumir responsabilidades.

El diseño después de 1949:

Existía una verdadera conciencia de comienzo del Siglo XX al hacerse realidad una serie de hechos tecnológicos que hasta entonces únicamente pertenecían al terreno de la especulación. La conquista de los hogares por parte de los aparatos electrodomésticos fue uno de tantos ejemplos que demostraban que ya eran posibles realidades soñadas en la Feria de 1939. La comunicación inició un auge que culminaría en los sesenta. Las formas se hallaban totalmente inmersas en la cultura: el cine, el diseño industrial, la publicidad o la televisión formaban parte del paisaje cotidiano. El estilo de vida americano (el american way) se generalizó. Fue el inicio de la globalización cultural. El estándar de gusto lo marcaban los objetos industriales, y el diseño, materializado en esos objetos, pasó a convertirse en símbolo de status.

Según Richard Horn, el estilo de los años cincuenta no fue en realidad un estilo, sino la mezcla de muchos estilos.

Este eclecticismo general afectó a muchos ámbitos del diseño, algunos de muy reciente creación: al diseño industrial y al gráfico, a la artesanía, el mobiliario y decoración, el interiorismo, la arquitectura y la moda. Además, los cincuenta fueron un momento crucial a nivel político. Acabada la Guerra, el enemigo pasó a ser cualquiera que amenazase el american way. Los aliados soviéticos durante la Guerra se convirtieron en enemigos de la Guerra fría. Ese miedo virtual se manifestó en fantasmas: proliferaron los platillos volantes y mitos de ciencia ficción. Fue una época de contradicciones, y surgieron dudas en la sociedad que se acentuarían en las décadas siguientes. A pesar de ser una era en la que la tecnología tuvo un protagonismo indiscutible, y a pesar de que todavía ejercía una gran fascinación, la supremacía de la máquina empezó a ponerse en duda. Mestizaje: Los cincuenta deben entenderse siempre como una época de contrastes. A la fría racionalidad del diseño de mobiliario se le oponía una nueva característica que enraizó principalmente en la música: el modelo a imitar se volvió ínter racial. La moda y los modelos de belleza ya no se fijaban en la palidez de los nórdicos, sino en el turista moreno del Sur. El tercer mundo empezó a verse como vigoroso y posible renovador de occidente, especialmente América Latina. En música, los ritmos centroamericanos y caribeños ejercían una poderosa influencia en los cincuenta que se incrementó aun más en los sesenta a través de la difusión de la Bossa nova. El diseño gráfico: Tal vez donde se manifestó mejor esa influencia del mestizaje y de las vanguardias fue en el diseño gráfico. Se caracterizó por un estilo, puro, limpio y claro derivado del desarrollado en Europa

en el periodo de entreguerras, fundamentalmente por los constructivistas rusos, De Stijl, alumnos y profesores de Bauhaus y que estaba perfeccionando algunos diseñadores gráficos suizos de la postguerra. La publicidad: Los cambios en el diseño gráfico se hallaban directamente vinculados a la publicidad, que maduró como profesión en aquellos años. Incidiendo en el eclecticismo del momento, la ilustración figurativa mantenía vigente la tradición pictorialista del XIX, y en ella convivían perfectamente los planteamientos surrealistas con los estilos más abstractos. El surrealismo empezó a ponerse de moda a mediados de los cuarenta. Muchos de los anuncios del momento los utilizaron como referente. En algunos casos, esa imaginería se mezclaba con la ciencia ficción. Los dibujos animados y el fotomontaje sirvieron perfectamente a ese propósito. El triunfo de la imagen: La fotografía, el cine y la televisión cobraron un protagonismo sin precedentes a partir de la hegemonía del sistema de distribución de Hollywood, la presencia cada vez mayor de la televisión en los hogares y el abaratamiento de los costes en el sistemas de impresión Offset. También en estos medios se dejó notar la influencia del surrealismo, especialmente en el fotoperiodismo y la fotografía de moda. El auge del packaging: En los cincuenta el racionalismo se impuso también en el Packaging. Los encargados de inventar y desarrollar el packaging incipiente fueron los diseñadores industriales, como Raymond Loewy o Donald Deskey. Ambos supieron adaptar su estilo a los cambios tras la Segunda Guerra Mundial. La opulencia que se daba en el diseño de automóviles no se manifestaba en el diseño gráfico. El Packaging respondía más a la filosofía MAYA de Loewy que al barroquismo de un trabajo de Harley T. Earl en General Motors. Diseño de interiores: La tendencia a la simplicidad moderna se manifestaba especialmente en el interiorismo, que alcanzó su madurez profesional vinculado definitivamente al diseño industrial. Diseñar muebles modernos que se adaptasen a la nueva arquitectura del estilo internacional se hizo imprescindible, ya que en un mercado lleno de todo tipo de objetos fundamentalmente barrocos, el marco arquitectónico se había vuelto extraordinariamente simple. Del reino de la mujer en la casa se convirtió en lugar de descanso y de reposo, de conversación, de vida, donde a menudo podían encontrarse artefactos tan impensables para la anterior generación como un televisor. Se comía en la cocina, hasta el extremo de que restó protagonismo a una habitación tan fundamental en los hogares como el comedor. La cocina, por otra parte, se prestaba admirablemente a ciertas operaciones de fijación estética que resultaban más difíciles de llevar a cabo en otros lugares de la casa. El Mobiliario Los muebles también se debatían entre la simplicidad y el barroquismo. Algunas

características formales marcaron claramente el estilo de los muebles de la época. Fue fundamental el papel de algunas nuevas técnicas, como los laminados en madera, que, como Eames, todos los diseñadores adoptaron partiendo del trabajo de Alvar Aalto y los diseñadores nórdicos. La introducción de los plásticos de inyección en la industria del mueble fue revolucionaria, sobre todo en la medida en que el nuevo material cumplía a la perfección con las exigencias de coste efectivo del Good Design. A pesar de esta introducción generalizada de nuevos materiales, las técnicas tradicionales seguían presentes en el mobiliario, y fueron adaptándose al estilo moderno. Los cincuenta generaron por primera vez una gran industria del ocio: El ocio generó muchos objetos que, como los electrodomésticos de la cocina, ayudaron a completar la lista de artefactos innovadores. Fue la época del auge de la televisión, de las radios portátiles y de la popularización definitiva de las cámaras de fotografía familiar. Arquitectura: Los arquitectos europeos exiliados a América por la Guerra, como Mies van der Rohe influyeron en el diseño de edificios encajados en formas cúbicas, a imagen de sus interiores limpios. Mies supuso la admiración de la impersonalidad, llevando a América los ecos del trabajo del Gropius de la Faguswerke. Los cincuenta supusieron el inicio del gran cambio en imagen corporativa que acabaría consolidándose en los sesenta. Eliot Noyes fue nombrado asesor de diseño de IBM en 1956. Automóviles: De la necesidad de volver a producir en las fábricas que habían sido destruidas durante la Guerra y de poner en el mercado vehículos muy asequibles (un concepto similar al del “coste efectivo” en mobiliario) surgieron vehículos que, aunque eran totalmente innovadores, sólo tenían sentido como fruto de su época. Tal es el caso de los microcoches o “bubble cars”, de entre los cuales la Isetta fue el más emblemático. 6- Los padres del diseño moderno en América En América el perfil de profesional que surgio en los primeros años del movimiento moderno fue distinto del europeo. En Estados Unidos nacio una generación de diseñadores autodidactas y multidisciplinares que(como en Europa) iban incorporando ámbitos nuevos a la profesión a medida que el mercado se los demandaba. Esta demanda era mayor en America y mas variada de modo que se convertían en hombres integrales: fueron ingenieros, arquitectos, diseñadores graficos, interioristas, publicistas, escenógrafos y fundamentalmente empresarios. Los americanos estaban mas al margen de cualquier debate teorico generado por los prejuicios que en europa de derivaban de la escisión con el arte, pero compartieron la idea de que era necesario buscar un Estilo del Siglo que condujera por un camino de futuro mejor para una sociedad mejor.

En la década de 1920 se produjo en América una unión de intereses muy concreta que contribuyó a la génesis del diseño moderno: - La necesidad política de superar la recesión - La necesidad económica de promover el consumo masivo por parte de los fabricantes(especialmente por parte de los fabricantes de automóviles) - La necesidad social de oír que el nefasto presente tenía que cambiar Los productos industriales vinculados al transporte, ayudados por la extraordinaria potencia estética y conceptual de la velocidad: - Dieron trabajo a los primeros diseñadores industriales - Justificaron plenamente su labor - Los convirtieron en estrellas públicas - Les permitieron dar con el Estilo del Siglo que se venía buscando La utopía futurista tomaba forma a la perfección en las formas aerodinámicas: el mundo se llenaba de objetos distintos, modernos y bellos, y todos eran felices disfrutándolos. El futuro marcaba el camino: la utopía de Bacon se hacía realidad, y el mundo empezaba a tener el aspecto al que actualmente nos tiene acostumbrados. Los padres del diseño moderno trabajaron con la honestidad de quien sueña con algo en lo que cree firmemente. La Gran recesión empezó en 1927, cuando los grandes monopolios absorbieron o arruinaron a infinidad de pequeñas empresas. El crack de 1929 y la depresión que le siguió produjeron una intensa presión competitiva entre las empresas que subsistieron. Los padres del diseño industrial en América: En ese contexto de profunda fe en el progreso nació una nueva generación de diseñadores industriales. Su procedencia era muy diversa. Así como en Europa eran fundamentalmente arquitectos, en América la mayoría provenía de campos como la publicidad y la ilustración o el arte comercial, el escaparatismo o la escenografía teatral. Su experiencia los capacitaba para el diseño, porque - estaban acostumbrados a trabajar en un contexto comercial - a menudo trabajaban integrados en un equipo y - eran capaces de tomar decisiones que conciliasen puntos de vista contrapuestos 7-Walter Dorwin Teague: Procedía del campo de la ilustración y el diseño gráfico. Sus inicios en el diseño industrial fueron a mediados de los 20. En 1927, Kodak le contrató para diseñar cámaras y embalajes. 8-Raymond Loewy: Inmigrante francés, empezó en los EE.UU. como ilustrador y diseñador de escaparates. Loewy es el paradigma del diseñador industrial de la primera mitad del Siglo XX. En 1929, Sigmund Gestetner le encargó el rediseño de una máquina copiadora en un

plazo de cinco días. A pesar de que la propuesta de Loewy fue únicamente una simplificación visual, Gestetner quedó tan satisfecho con el resultado del trabajo que le contrató para todos los modelos posteriores. Más adelante le siguieron Sears, Studebaker, Pennsylvania Railroad Co., Coca Cola y una interminable lista de clientes que le permitieron consolidar un imperio multinacional que le hizo ganar una gran fortuna. Se trabajó en dos sentidos para modernizar el ferrocarril: - El aumento de velocidad - El aumento del confort y los servicios internos A principios de los años 30 empezaron a aplicarse los principios de la aerodinámica a las locomotoras. Éstas eran probadas en túneles de viento y carenadas completamente. Precisamente era el carenado lo que dificultaba más el engrase, que debía efectuarse muy frecuentemente en múltiples partes. Los primeros carenados tenían que ser desmontados por completo para poder engrasar la maquinaria. Loewy comentó en The locomotive que ese fue uno de los problemas mayores a la hora de aplicar la aerodinámica a las locomotoras. En la Feria Mundial de Nueva York de 1939, la 3768 sería uno de los máximos exponentes del diseño y de la imagen de progreso hacia el futuro de los Estados Unidos. Era considerada una de las formas más bellas del momento y fue uno de los momentos cumbre del trabajo de Raymond Loewy. 9-Henry Dreyfuss: Empezó como escenógrafo de teatro, pero en 1929 cambió el rumbo y abrió una oficina de diseño industrial. Su primer trabajo importante fue el teléfono modelo 300 para la Bell Telephones. Gracias al éxito de éste, Bell nombró a Dreyfuss consultor y éste participó en la creación de todos los productos de la compañía, que en 1950 totalizaban 100 piezas diferentes. Una característica común a todos los diseñadores de este periodo fue su alto interés por escribir sobre la profesión. Todos ellos publicaron libros, conscientes de estar llevando a cabo un profundo cambio social con su trabajo. 10- Norman Bel Geddes: Es el cuarto de los denominados Big four. Fue casi un diseñador utópico, y sin duda el más visionario de los diseñadores de su tiempo. Popularizó la aerodinámica y su legado más importante fue el Futurama, la atracción más visitada de la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Para Geddes, los objetos industriales no sólo tenían que ser funcionales: tenían que parecerlo. Mumford, en Técnica y Civilización se refirió a la fase paleotécnica como un interludio necesario en la que el desastroso crecimiento de las máquinas provocó la explotación de los obreros, ciudades dormitorio y alienación, contaminación del aire y del agua, etc.

Esta veneración culpable de la máquina acabó en la Exposición Colombina de Chicago de 1893. A partir de entonces, un diseñador pasó de ser un inventor de nuevas formas a un auténtico buscador de formas perfectas. Todo valía para alcanzar el objetivo del progreso. -El Scientific American del 11 de enero de 1913 presentó una concepción del coche del futuro. Según el artículo, el modelo iba a reducir al mínimo la resistencia al viento y el peligro de derrapar. El artículo concluía aseverando que tras un análisis de la evolución de la forma del automóvil desde 1903 hasta 1913, la tendencia hacia la aerodinámica era clara. Imitando a las formas de la naturaleza, los ingenieros habían llegado a la conclusión de que la forma ideal era la gota de agua. Se empezó a investigar con túneles de viento. Los diseñadores americanos partieron de esta idea europea para desarrollar una gran campaña propagandística con el fin de convencer a la industria del automóvil para implantar cuanto antes el automóvil en forma de gota. Geddes (especialmente) y Loewy insistieron a sus clientes en que el futuro del automóvil era la forma de gota, (teardrop). Jamás consiguieron convencerles totalmente, pero las industrias empezaron gracias a ellos a probar sus diseños en túneles de viento, y de estas pruebas se beneficiaron todos los transportes, sobre todo el ferrocarril. Según Meinkle, Egmont Arens había publicado en 1931 un artículo titulado “The train of tomorrow”, en el que auguraba que un aumento en la velocidad de los transportes supondría también un aumento en el número de viajeros. La introducción de vagones de aluminio, junto con la invención de la aerodinámica y la prueba de las locomotoras en los túneles de viento supusieron el factor técnico necesario para que tuviera lugar ese aumento de velocidad. Arens fue, junto con Geddes, el gran propagandista del diseño aerodinámico. En enero de 1934 también se ofreció para promocionar el Airflow en la revista Speed. Todo ésto coincidió con la publicación por parte de Geddes de Horizons, que dió el impulso propagandístico necesario. Dentro de su estilo altamente visionario, Geddes propuso en Horizons un modelo de tren que acertaba plenamente en lo que iba a ser la concepción futura de los ferrocarriles. 11-Russel Wright: Estudió pintura y diseñó teatro antes de dedicarse a los muebles. Trabajó un tiempo en el estudio de Norman Bel Geddes hasta independizarse. Tras el éxito del diseño del comedor American Modern para Contant Ball en 1935, formó sociedad con Irving Richards, hombre de negocios muy interesado en el diseño moderno. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 12-Dieter Rams: Dieter Rams es un diseñador industrial alemán, cercanamente asociado a la compañía de productos de consumo Braun. Rams fue una figura clave en el renacimiento del diseño Funcionalista alemán de finales de la década de 1950s y 1960s

Los laboratorios de ideas de Ulm: Suponen el paradigma de la relación entre industria y estudios superiores de diseño. Los talleres funcionaron tan bien que dieron lugar a trabajos que con el tiempo se han convertido en clásicos, e incluso provocaron que algunas empresas se replanteasen su metodología de trabajo, como Braun. Después de la experiencia con los alumnos de Ulm (1953-55). El estudio de diseño de Braun funcionó como un thinking tank. Imitando lo que hicieron con los estudiantes, se convirtió en un ejemplo de diseño colaborativo en el que diferentes los diferentes perfiles de sus integrantes se podían adaptar a una amplia gama de productos. El SK4 (Ataúd de Blancanieves), con tapa de plexiglás, repetía la idea del AG Studio 1, que mostraba las partes tecnológicas integradas en su forma. Además, estaba igualmente terminado por los cuatro lados, de modo que al no ser importante sólo la fachada, podía colocarse, por ejemplo, en el centro de la habitación. Rams contó en su equipo de Braun con Wilhelm Wagenfeld, ex alumno de Bauhaus y con Otl Aicher, Hans Gugelot y Herbert Hirche, de la Escuela de Ulm. En la Expo de 1958 de Bruselas, Braun contó con un pabellón moderno y blanco acorde con su línea de productos. Para el Pabellón, Rams diseñó la estantería que posteriormente comercializaría la empresa danesa VISTOE, en la que participó como socio, creada expresamente para poder vender el producto. La Expo puso de manifiesto la vitalidad de los diseñadores que iban a protagonizar la siguiente Década. Resultó fundamental para la relación de Rams con Braun (ya que allí se conoció con Maldonado), sirvió a Maldonado para preparar su rectorado en Ulm y contó con el diseño de Brownjohn, Chermayeff & Geismar para el Pabellón de los Estados Unidos. Rams enunció los diez principios en los que se basa el buen diseño: - El buen diseño es innovador - El buen diseño facilita la usabilidad del producto - El buen diseño es estético - El buen diseño facilita la comprensión del producto - El buen diseño es honesto - El buen diseño es discreto (debe pasar desapercibido) - El buen diseño es duradero - El buen diseño debe ejecutarse hasta el último detalle - El buen diseño debe ser sostenible (amable con el medio ambiente) - El buen diseño debe tener el menor diseño posible (en referencia al estilo) 13-Los Eames: Charles Ormond Eames, Jr. (1907-1978) y Bernice Alexandra “Ray” Eames (1912 -1988) fueron probablemente los diseñadores más relevantes de la década en los Estados Unidos. Su obra resulta paradigmática de su tiempo porque, partiendo de la arquitectura moderna, juntos desarrollaron una labor colaborativa en múltiples disciplinas del diseño. Además, su trabajo abarcó la teoría del diseño, la enseñanza y la producción de cine experimental, lo que los convierte en pioneros de un modo de enfocar la práctica profesional totalmente nuevo. En las décadas posteriores, los diseñadores irían adentrándose en el diseño de gráficos animados y en la producción de cine, como

hicieron Saul y Elaine Bass en los sesenta y setenta, otro matrimonio de diseñadores cuya colaboración dio pie a un trabajo extraordinario. Charles Eames inició su labor como arquitecto en la década de 1930 en St. Louis, con un trabajo fuertemente influenciado por Eliel Saarinen (con cuyo hijo Eero establecería posteriormente una fuerte relación personal y profesional). Eero Saarinen dirigía la Cranbrook Academy en Bloomfield Hills, Michigan para la que Charles Eames recibió una beca en 1936. El paso de Charles por Cranbrook supuso el inicio de la relación entre ambos, pero gracias a ésta también conoció a Ray Kaiser, que se convertiría en su segunda esposa. Así, Eames supone el nexo entre el diseño nórdico y el norteamericano en los años de supremacía del estilo moderno. De Saarinen aprendió las técnicas nórdicas de torsión y moldeo de madera (desarrolladas inicialmente por Alvar Aalto en Finlandia) y juntos ganaron en 1942 un premio del MOMA en el concurso Organic Design in Home Furnishings. Eames desarrolló las técnicas nórdicas de trabajo de la madera en una gran cantidad de mobiliario (especialmente sillas) que diseñó en la década de 1950. Posteriormente, Charles sería profesor y director del departamento de Diseño industrial en la misma academia. En 1941 se divorció de su primera esposa y se casó con Ray, californiana nacida en Sacramento. 14-Charles y Ray: La colaboración entre ambos, especialmente en las piezas de mobiliario que diseñaron para Herman Miller en los cincuenta y sesenta, supuso grandes innovaciones, sobre todo en lo que a utilización de nuevos materiales se refiere. El matrimonio colaboró con Harry Bertoia, George Nelson y Eero Saarinen en la producción de piezas de plástico de inyección, espuma, piel artificial, poliéster, fibra de vidrio, rejilla metálica o aluminio. Algunos proyectos, sin embargo, resultaron excesivamente complejos desde el punto de vista técnico o simplemente inviables de cara a su comercialización, como la silla Chaise Lounge, de 1948, (inspirada en la escultura Desnudo reclinado de Gaston Lachaise) que no ganó el premio en el MOMA por su complejidad técnica y problemas de usabilidad, o un elefante de madera laminada de 1945. Charles y Ray produjeron también una serie de piezas de cine experimental, explotando el interés de Charles por la fotografía y el de Ray por el cine, del cual el más relevante es el cortometraje “Potencias de diez”1 realizado para IBM en 1977. En 2011, Jason Cohn y Bill Jersey estrenaron el documental “Charles y Ray Eames. The Architect and the Painter”, sobre la vida y obra del matrimonio.

15- El Movimiento Werkbund:

La Deutscher Werkbund fue una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.

El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses.

El Werkbund destaca a por aportar tres ideas clave para el desarrollo del diseño moderno: 1. Que la estética puede ser independiente de la calidad material, oponiéndose a las ideas primitivas, especialmente a las de Semper 2. La introducción de la normalización como una virtud: La imposición del DINFormat (Deutsches Institut für Normung). Llegado 1914, presionados por la necesidad militar y por la precaria situación económica, las normas DIN-Format se aplicaron a un número cada vez mayor de productos industriales

3. La necesidad de crear un programa educativo específico para el diseño.

Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie.

Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió a restablecer después de la segunda guerra mundial en 1950.

Hermann Muthesius se inspiró en el movimiento inglés "Artes y Oficios" preconizado por William Morris. Aunque tras una conferencia que generó gran polémica por condenar el historicismo del arte prusiano, se vio impelido a fundarlo sobre la base de sus viajes a Inglaterra donde conoció y se vio ampliamente influido por William Morris y su movimiento, el Arts & Crafts. Se distanciaba de este al admitir la utilización de la máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una encargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en la preservación de la expresión artística industrial.

La Werkbund manifestaba un interés tan amplio por la industria que se confió a Peter Behrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. La Werkbund trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veían en las páginas de los anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques,

reproducciones del avión de Rumper, puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc.

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La nueva función social del diseño: La juventud de los ochenta sufrió un desencanto respecto a las tesis de los setenta. En la medida en que vieron que los desvaríos hippies no daban con soluciones concretas y parecían condenados a diluirse en comportamientos y estéticas esotéricas, se encerraron en el individualismo. Tomando como modelo los inicios de la revolución juvenil en los cincuenta, se vistieron de negro y volvieron a la austeridad y seriedad de las propuestas de la posguerra. La generación que nació en la década de 1960 se interesó especialmente por los años cincuenta, un periodo totalmente documentado y accesible que, en la medida en que 16-De la transición hacia la postmodernidad. Varios hechos destacables produjeron notables cambios en el diseño de los sesenta: - La confirmación de las tendencias clásicas - El fin de la postguerra - La consolidación de la juventud como fuerza de opinión - La tendencia a considerar los grupos de opinión como segmentos de consumo - La adopción del diseño como estrategia de negocio de manera generalizada La juventud toma el mando: Tras los hechos de mayo del 68 y el nacimiento del movimiento hippie, la juventud iba atener un papel fundamental en la década de los setenta. Desde mediados de la década, el movimiento juvenil se globalizó. Los hippies llevaron a cabo una revolución cultural en toda regla. Permitieron el nacimiento entre otros, del movimiento ecologista, el feminista y que tuvieran lugar cambios en nuestra concepción del mundo, como la teoría del caos. Pero la aplicación práctica de muchos de sus planteamientos quedó pendiente. El Pop Art vino a romper ese aburrimiento, eclosionando en la América de los sesenta tras sunacimiento en Inglaterra a finales de los cincuenta. Nació bajo múltiples influencias, que coincidían a la perfección con las del diseño: collage, fotografía, tipografía, cómics, publicaciones periódicas, revistas, mass media, etc. A raíz de los planteamientos del Pop, surgieron movimientos y diseñadores (que se iniciaron en Italia y algunos lugares de los Estados Unidos como Nueva York o California) que promovían un diseño diametralmente opuesto al funcionalismo clásico. Surgió una moda de antidiseño en prácticamente todos los ámbitos. La revista satírica británica Private Eye fue un ejemplo de la aplicación de estos principios al diseño gráfico. El liberalismo y la permisividad de la década de 1960 alentó el eclecticismo y durante los setenta el estilo internacional dejó de interesar. Según Peter Dormer, el mundo occidental estaba demasiado acostumbrado a ver los mismos edificios, las mismas cosas y, también el mismo diseño gráfico. La actitud permisiva de la época alentó un cierto “todo vale” que se veía justificado por los comportamientos de antidiseño, que se manifestó especialmente en arquitectura e

interiorismo. Los cambios en la imagen de algunos fabricantes de alta tecnología pueden ilustrar hasta qué punto cambiaron las cosas: Cuando los ordenadores representaban la modernidad e IBM era el líder en el mercado, sus rivales imitaron su estilo gráfico y su línea beige homogénea como identificadora de su diseño industrial. La crítica de los máximos exponentes formales de la Modernidad influyó notablemente durante los setenta. Todo fue puesto en duda. A principios de los ochenta, Apple Computer, para diferenciarse del estilo clásico moderno de sus competidores como IBM, dio a su producto el nombre de una fruta. La fruta del conocimiento, una broma hippie estilo californiano a la que se añadía un colorista y decorativo pictograma. Esa puesta en entredicho del diseñador moderno defendía una concepción más democrática del diseño con consignas como "hazlo tú mismo" o "todo vale". Se pusieron de moda soluciones prefabricadas de diseño al instante aptas para que los usuarios las llevasen a cabo fácilmente, como técnicas de teñido de ropa previamente anudada o sistemas de pintura centrífuga. Ambas daban soluciones psicodélicas acordes con el gusto del momento. La arquitectura: El sueño de los cincuenta fue conseguir una vivienda propia en un barrio periférico, seguro y cuidado. Desde finales de los sesenta, éste dio paso a visiones utópicas de modos de vida alternativos. Se estaba en plena era espacial, y ello influyó durante la primera mitad de la década en algunos diseños futuristas, con formas orgánicas, o en la construcción de casas modulares basadas en las previsiones de vida en el espacio. La arquitectura seguía básicamente tres tendencias: - el diseño radical - el brutalismo - la ecoarquitectura El diseño radical: Nació a mediados de la década, y se caracterizó por la utilización de materiales modernos, como plásticos de inyección. Fue un movimiento meramente experimental que proyectaba hábitats modulares inspirados en la era espacial, prácticamente irrealizables. El brutalismo: El brutalismo fue un movimiento esencialmente urbano. Se basaba en la utilización “cruda” del hormigón, las piezas prefabricadas y la geometría ortogonal, como la Hayward Gallery en Londres. La arquitectura ecológica: A mediados de los setenta los arquitectos se convencieron de que las torres de apartamentos construidas durante los sesenta no habían cumplido con las expectativas puestas en ellas, y diseñaron urbanizaciones con viviendas bajas semejantes a pueblos, donde pudiera desarrollarse el sentimiento de comunidad. El antidiseño y el buen diseño: Dentro de un contexto contestatario y radical que exigía constantemente nuevos

planteamientos, dejaron de ser relevantes los argumentos que defendían el “buen diseño”. El antidiseño, entendido como el opuesto formal y conceptual al Estilo Internacional, acabó imponiéndose. La crisis del petróleo radicalizó el eclecticismo. Se agudizó el espíritu contracultural de los años sesenta. Sin embargo, tal como apuntaron Charlotte y Peter Fiell, “la era psicodélica de Acuario fue abruptamente interrumpida en 1973 por la crisis general de la energía y la siguiente crisis económica que perduraría hasta finales del decenio”. La alta tecnología: El antidiseño no frenó el ritmo del progreso, que seguía avanzando a grandes pasos. Paradójicamente, las tentativas de volver al mundo preindustrial en las formas convivían con avances tecnológicos verdaderamente importantes, como la miniaturización. Cambios en las actitudes sociales: Religión: La sociedad se vio rodeada de guerras inhumanas y, en un mundo de gurús y fuerzas místicas sobrenaturales de todo tipo, dejó de tener sentido de repente creer en Dios como guía espiritual de la humanidad. El todo vale: La multiplicidad de la oferta cultural hizo que eclosionara casi todo. La apuesta era hacer lo que aun no lo se había hecho. Los Beatles se separaron, pero dieron paso a que la oferta musical se diversificase hasta el infinito: Brit Pop, Surf, Rock, Rock sinfónico, Heavy, Canción de autor, Música electrónica, Punk, Beat...