Art Book II
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pilar bermejo arceDOSSIER DE PRODUCCIÓN
2005-2010
StatementPilar Bermejo Arce se sirve principalmente de los formatos de la fotografía,
el vídeo y la instalación. Del mismo modo que utiliza diferentes soportes
para transmitir una reflexión, ésta se contamina y se abre en diferentes vías
temáticas, por lo que su trabajo artístico no sigue unas pautas teóricas cerradas:
“al abordar un concepto intento consumirlo y agotarlo, y una vez cerrado, abrir
un nuevo espacio de reflexión”. De este modo, mediante una temática abierta y
versátil, encuentra como eje conceptual principal de su producción artística el
sentimiento de privación dado por la condición humana consciente de sus límites
para controlar la realidad en la que vive.
“Parto de mi propia experiencia, desde mis obsesiones e incluso desde mi ámbito
privado, investigando mediante la formulación de preguntas, sin la necesidad de
encontrar respuestas categóricas, ya que considero que el arte es un encuentro
de interrogantes que nos ayudan a reflexionar sobre nuestra ubicación, no sólo en
la sociedad, si no en nuestra vida”.
Currículo ArtísticoNombre y apellidos: Pilar Bermejo ArceDirección: Calle Isla de Oza, 59-11ºD | 28035 | Madride-mail: [email protected]: http://www.pilarbermejoarce.com
Formación Académica:• Doctorado en Prácticas Artísticas y Teoría del Arte en la Contemporaneidad (en curso/Universidad
Europea de Madrid).
• Máster Universitario de Arte Contemporáneo (07/08-UEM).
• Licenciada en Bellas Artes (00/04-UEM).
• Formación complementaria:
* Talleres: Selección para un taller de creación con Guy Ben-Ner: “Doblar a lo largo de la línea”, (10/
Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M, Madrid). Daniel Canogar, Jota Castro, Daniel Gª Andujar,
Cabello/Carceller, Javier Chavarría, y Javier Codesal (07/08-UEM). Alicia Framis, Joanna
Vasconcellos, Mateo Maté, Pedro Galván, Carles Guerra y Rogelio López Cuenca (03/04-UEM).
* Seminarios: Seminario Mirar la guerra dirigido por Miguel Salvatierra, asistencia y presentación
de obra en mesa redonda Las imágenes toman posición (09/ Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M,
Madrid). Máquinas de afectos, Eulalia Valldosera (09/MNCARS), Mirar la Guerra, Miguel
Salvatierra y Yayo Aznar, (09/CA2M), I Congreso Internacional de estudios Visuales organizado
por la Asociación Amigos de ARCO y dirigido por José Luis Brea (ARCO/04, Madrid), y seminario de
Lecturas de Arte Contemporáneo: “La metrópolis contemporánea. Un espacio mestizo”, con un ciclo
de conferencias impartidas por: Esther Pizarro, Javier Mederuelo, Santiago Cirugeda, Angelique
Trachana, y Félix Duque, (Círculo de Bellas Artes/03).
Exposiciones colectivas:• (Próximamente, octubre) Download Us, en el espacio Utopic Us (Madrid).
• (Proximamente, febrero) VIDEOART Festival 100 Kubik, en el Instituto Cervantes de Hamburgo y de
Berlín, (Alemania).
• Videoart Festival 100 Kubik, galería 100Kubik (10/Colonia, Alemania).
• C.Viennale, A.VV. La Fraternidad de los Cármenes (09/Laguna, Madrid).
• MicroRelatos, Offlimits (08/Madrid).
• Encuentro cultural Tú a Hollywood y yo a Moratilla, secolectivoforzoso (08/Moratilla de los Meleros,
Guadalajara).
• XVI Edición de Circuitos de Artes Plásticas y Fotografía, (04/05-Centro de Arte Joven de la Comunidad
de Madrid y Univ. de León).
• BLOG, espacios abiertos para interferencias (04/C.A. Joven, Madrid)
• Spanish Paradise, galería Liquidación Total (03/Madrid).
Premios y Becas:• II Convocatoria Bienal para artistas españoles, 100Kubik (09/Colonia, Alemania).
• Preseleción en el Certamen Internacional EXPLUM’09, (08/Murcia).
• Beca de Humanidades y CC. Sociales y Jurídicas de la consejería de Educación de la Comunidad
Autónoma de Madrid (04/Madrid).
• Segundo Premio del I Concurso de Artes Plásticas celebrado por la UEM (03/Madrid).
Obra en colecciones:• El vídeo Que no olvide forma parte de la videoteca del Archivo de Arte Español en Alemania (Spanisches
Kunst-Archiv in Deutschland-SKAD).
• Pintura “Vigilante”, colección privada de Arte Moderno de Sylvan International Universities (Baltimore,
Maryland, EE.UU.).
• Pintura “Miradas Inertes”, colección privada de la UEM.
Proyectos:Miembro y fundadora de sécolectivoforzoso (www.secolectivoforzoso.km6.net):
• Picnic forzoso, Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M (10/Madrid).
• Presupuesto 6 €: Prácticas artísiticas y precariedad. Off Limits (10/Madrid).
• Convocatoria C.V. y exposición C.Viennale, A.VV. La Fraternidad de los Cármenes (09/Madrid).
• Arte emergente urgente!!!: Irrecuperables. Menosuno (09/Madrid).
• Tú a Hollywood y yo a Moratilla. Moratilla de los Meleros (08/Guadalajara).
Publicaciones:• “Una visita guiada: reflejo de impresiones”, en el catálogo Tú a Hollywood y yo a Moratilla,
sécolectivoforzoso y Ayuntamiento de Moratilla de los Meleros, 2009, pp. 44-47.
• “El peso de la realidad”, en el catálogo MicroRelatos. Offlimits y UEM, Madrid 2008, pp. 30-35.
El papel que tienen actualmente las convocatorias
artísticas es clave a la hora de reclutar artistas
“emergentes” dentro del sistema institucional.
Juegan el papel de jueces de calidad, y ser
seleccionado en algunas de ellas se convierte
algunas veces en una meta, y así, la trayectoria
profesional en una verdadera carrera de fondo, en
la que cada éxito es una línea curricular más que
te empuja a ganar otra convocatoria, con el posible
objetivo de poder vivir de una profesión que precisa
tanta dedicación, y cuyo sueldo actual, no es otro
que el de dichas convocatorias con la fecha de
caducidad de 35 años de edad.
Las esperanzas volcadas en la elaboración de
cada proyecto, de cada dossier, en cada texto o
fotografía, fichas de inscripciones, currículums, o
papeles oficiales reclamados según la convocatoria,
son inmensas; y durante el día, o los días
próximos a la publicación del fallo del jurado, el
presentimiento de si vas a ser seleccionado o no, te
impiden separarte del teléfono móvil, ese aparato
que deseas que suene y que pregunten tu nombre,
al fin y al cabo, que se produzca “La llamada”: ese
colapso de sentimientos, de nervios, de esperanzas
volcadas con tantas horas de trabajo, explotan en
The callLa llamada
Técnica: VídeoMedidas o duración: 10 seg.Año de realización: 2010
The role of the art awards is ultimate to know new
artists inside institucional art system. The awards
have the role of quality judges, and to be selected
by some of them is a goal, and so, the career
converts in distance race, in which each success is
something to add to the curriculum for getting to
win another contest, with the possible aim of making
a living from this profession whose current salary
is the prize of this contests with expiry date: 35
years old.
The hopes invested in each project, each dossier,
each texto or photography, registration forms,
Technique: VideoinstallationMeasures or duration: 05 min.Year of production: 2008
curriculums, or official documents reclaimed by the
organization, are great; and during the day or the
next days to publication of winning entries, you
can’t separate from the mobile phone because you
don’t know if you can be the selected person. You
wish the mobile phone rings and someone asks for
you, finally you hope to occurs “The call”: a group
of feelings and emotions, nervous and hopes, while
you remember a lot of hours working, run inside of
the person who receive this call, and in less of
10 seconds hears the magic words: “you have been
selected…”.
A la izquierda se pueden
ver algunos fotogramas del
vídeo subtitulado al inglés.
El vídeo muestra una acción
en la que un número oculto
llama a alguien (la artista)
para decirle que ese mismo
vídeo es seleccionado en
una convocatoria.
///On the left, some
frames of the english
subtitled video. It
shows an action in
which a hidden phone
number calls to
someone (the artist)
for saying this same
video is selected in a
contest.
el interior de a quien le suene el teléfono, y con un
vuelco al corazón, en menos de 10 segundos, le digan
las palabras mágicas: “Has sido seleccionado en…”.
Durante 4 segundos se muestra la pantalla del
interfaz de un gestor de correo electrónico, en el
que el cursor se desplaza ligeramente al botón
de “actualizar” o “enviar y recibir” mensajes
pendientes/nuevos... El gestor se actualiza. No se
recibe ningún mensaje.
El vídeo comienza de nuevo. Durante 4 segundos
se muestra la pantalla del interfaz de un gestor
de correo electrónico...
«Loop» es un vídeo que representa una acción
propia de las actitudes sociales contemporáneas
en la era de las telecomunicaciones, en la que la
inmediatez de la comunicación de los hechos se
ha convertido no sólo en una característica de la
época dada por el avance tecnológico, sino en una
necesidad, e incluso exigencia. Es obvio que el
concepto del tiempo ha cambiado en los últimos
diez años, en la actualidad es absurdo “perder el
tiempo”, es inaceptable la espera. El vídeo dura
los 4 segundos que tarda en actualizarse el gestor
de correo electrónico sin éxito, sin recibir ningún
mensaje nuevo; un gesto que al reproducirlo
en bucle, reinterpreta la acción automática y
casi neurótica-obsesiva de actualizar el correo
electrónico con la frustración de no obtener
ningún mensaje nuevo reiteradamente.
De este modo, «Loop» reflexiona acerca
de la dependencia a la tecnología de las
telecomunicaciones, Internet fundamentalmente,
junto a la necesidad de estar continuamente
informados a tiempo real, lo cual más que
una posibilidad, se concibe como un derecho
(tal y como se pronuncia el slogan de la
campaña publicitaria de la compañía de
telecomunicaciones Orange: “Tienes derecho a
Internet”).
Arriba tres fotogramas del vídeo, que resumen gráficamen-
te la acción cotidiana reiteradamente repetida casi de forma
inconsciente, de actualizar el «e-mail».///
BucleLoop
Técnica: VídeoMedidas o duración: 4 seg.Año de realización: 2010
For 4 seconds the screen shows an interface of an
email software, in which the cursor clicks on the
button “update” or “send and receive” messages
pending or new… The software is updated. No messages
received.The video starts again. For 4 seconds the
screen shows an interface of an email software…
For playing, the video Loop has been repeated for a
minute to create the loop effect.
Loop is a video which shows a typical action
of the social contemporary attitudes in the
telecommunication age, in which the immediacy
of communication is not just a characteristic of
technological evolution, but a necessity and even
a requirement. It is obvious the concept of time
has changed for last ten years, as currently it is
absurd “to waste time” and to wait. The video lasts
four seconds, time that the email software have been
updated without success and without receiving new
messages. This gesture, when plays in loop, reflects
about the automatic and almost neurotic-obsessive
action of updating the email software with the
frustration of not receive any new message.
So, Loop reflects about our dependence on the
telecommunication tecnology, mainly Internet, and
the necessity of being always reported in real-time,
something that is conceived more as a law than a
possibility (like the advertising campaign slogan of
the telecommunication company Orange: “You have law
to Internet”).
Technique: VideoMeasures or duration: 04 seg.Year of production: 2010
///Above, three frames of the video, which
explain graphicly the repeated everyday action
of updating the e-mail, once and anothee once,
almost unconsciously.
Para el diseño y la petición de datos del aviso se tomó como ejemplo un modelo de pegatinas oficiales que la
policía local procede a adhesivar en el parabrisas de ciertos vehículos para anunciar a los respectivos dueños
que se va a proceder a su retirada por considerar que se encuentran abandonados. De este modo, en el texto
solo se cambia la palabra vehículo por obra de arte.
Arriba, la imagen de la obra escalada redactada en castellano.
NoticeAviso
Técnica: Impresión láser sobre papel adhesivo amarilloMedidas o duración: Din-A5Año de realización: 2009
Seguridad ExpositivaOBRA DE ARTE EN TRÁMITE DE RETIRADA POR
ABANDONO
FECHA:___________________________TÍTULO:__________________________
AUTOR:__________________TÉCNICA:_____________TAMAÑO:____________
ESTA OBRA DE ARTE HA SIDO CALIFICADA POR SUS SIGNOS EXTERNOS, COMO OBRA DE ARTE EN ESTADO DE ABANDONO, POR ESTE MOTIVO CON LA FECHA ARRIBA INDICADA SE HA INICIADO EXPEDIENTE ADMINISTRATIVO PARA LLEVAR A CABO SU RETIRADA DE EXPOSICIÓN PÚBLICA Y TRATADA COMO RESIDUOS SÓLIDOS URBANOS (R.S.U.) SEGÚN LA LEY EXPOSICIONES/2009.
SI DESEA ACLARAR ALGUNA DUDA SOBRE LA SITUACIÓN DE ESTA OBRA DE ARTE PUEDE PERSONARSE EN LAS DEPENDENCIAS DE SEGURIDAD EXPOSITIVA O ESCRIBIR UN E-MAIL A [email protected].
SEGURIDADEXPOSITIVA
A la derecha, una imagen de las pegatinas oficiales usa-
das por la policia en las que se ha basado la pieza «Aviso».
/// On the right, a image of the official
stickers used by the police, about
themselves is based the work «Notice».
The origin of this work is the model of official
stickers are pasted by local police on windscreens
of some cars to advertise to the owners that the
vehicles are going to be removed because they seem
abandoned. So, in the text the only word that is
changed is “artwork” instead of “vehicle”.
The text fields that say which is the artwork the
notice refers to (date, title, author, technique,
size…), appears in white, so the spectator has total
Technique: InstalationMeasures or duration: Din-A5Year of production: 2009
EXPOSITIONAL SECURITYTHIS ARTWORK IS IN PROCESS OF WITHDRAWAL BY
ABANDONED
DATE:___________________________TITLE:______________________________
AUTHOR:__________________ TECHNIQUE:_____________SIZE:_____________
THIS ARTWORK HAS BEEN DESCRIBED BY ITS OUTWARD SIGNS, AS A WORK OF ART IN A STATE OF NEGLECT. FOR THIS REASON IN THE DATE ABOVE HAS STARTED ADMINISTRATIVE PROCEEDINGS TO CARRY OUT ITS WITHDRAWAL FROM PUBLIC EXPOSURE AND TREATED AS SOLID WASTE (MSW) UNDER THE LAW EXHIBITIONS / 2009.
TO CLARIFY ANY DOUBT ABOUT THE STATUS OF THIS ARTWORK MAY APPEAR IN PERSON AT THE EXPOSITIONAL SECURITY UNIT OR SEND AN EMAIL TO [email protected]
EXPOSITIONALSECURITY
freedom to imagine the words that should be there.
Notice tries to make us think about the current
situation of art: private property, as object, its
market, if it has expiry date and who stimates it,
the spectator, the owner, the artist, the society…
if the fashion exists inside of art, if the art
is always linked with an age, if the artworks are
abandoned by us or by themselves…
///Above, the image of the scaled work translated to english.
Los campos que indican a qué obra de arte se está haciendo referencia (fecha, título, autor, técnica, tamaño...),
aparecen en blanco, el espectador tiene total libertad para imaginar las palabras que deberían cubrir dicho
campo.
Aviso pretende incentivar una reflexión acerca del estado del arte: como propiedad privada, como mercancía,
si tiene fecha de caducidad y si es así, quien la estima, el espectador, el propietario, el artista... si existe la moda
dentro del arte, si el arte está ligado siempre a una época, si las piezas se abandonan o se dejan abandonar...
Multitud de máscaras nos rodean, las vemos en los
demás y muchas veces las sentimos sobre nuestro
propio rostro, otras veces estamos tan acostumbrados
a llevarlas que dejamos de apreciar su peso formando
parte de nosotros. Somos una construcción realizada
a base de superposiciones de máscaras. Algunas son
pesadas y aunque dibujadas tan bien como otras,
cargamos con ellas a pesar de que no funcionen,
porque las necesitamos para algo tan sencillo
como seguir con nuestra rutina diaria. A veces las
borramos cuando pasa la tormenta, otras durante
ésta porque no soportamos más su carga, otras
simplemente las hacemos nuestras y permanecen.
El proyecto «(Don´t) let me be sad», que actualmente
sigue completándose, parte de dos acciones: la construcción, el enmascaramiento, la ocultación, la ficción…
y la deconstrucción, el desenmascaramiento, el descubrimiento, la realidad. Muestra el proceso meticuloso
y doméstico de ponerse una máscara, y el doloroso y salvaje de limpiarla. Reflexiona sobre las máscaras que
utilizamos diariamente y sin embargo, son imperceptibles en la cotidianidad, aquellas que ocultan estados
de ánimo, miedos, sentimientos, aquellas que finalmente, ocultan y describen a un mismo tiempo, quiénes
somos.
De este modo, la artista realiza una acción de carácter privado en la que en primer lugar maquilla su rostro
con la máscara de clown, personaje dramático conocido por sus connotaciones de lo absurdo y cómico, y cuya
función es entretener y hacer reír a los demás, bien con sus risas, bien con sus desgracias. En segundo lugar,
una vez maquillado el rostro, la artista pasa a limpiarlo y desvanecerlo, siempre manteniéndose en un gesto
hierático, obteniendo la imagen final del proceso (arriba a la derecha), donde se encuentra la desafiante
afirmación que da título a la obra.
El proceso culmina con una imagen de un rostro de gesto
hierático y limpio de máscaras visibles, mirando a cámara
de forma desafiante. Un autorretrato que firmemente recla-
ma su libertad de decisión, su identidad.
/// The process finishes with an image of a face
with hieratic gesture and clean of visible
masks, a face is looking to camera defiantly.
A selfportrait reclaiming its freedom for
deciding, its identity.
Permíteme, o no, estar triste(Don’t) let me be sad
Técnica: Fotografía digitalMedidas o duración: 100x150 cm.Año de realización: 2008
A lot of masks are around of us, we can see them
on the other and, we feel them on our face often,
other times we are so used to carry them than we
help feeling their weight above us. Some of them are
heavy and properly drawn, we carry them despite they
aren’t useful, because we need them for something so
simple like to continue with our routine. Sometimes
we clean them when the storm finishes, other times,
while the storm happens, because we can’t stand more
their weight, and other times the masks stay with us
forever.
The project «(Don´t) let me be sad» continues
completing to itself and its origin are two actions:
the construction, masking, concealment, and fiction…
and the deconstruction, exposure, discovery,
reality. Both of them reveal the painstaking and
Technique: Digital photografyMeasures or duration: 100x150 cm.Year of production: 2009
domestic process of putting on a mask, and the wild
and painful process of cleaning it. The project
reflects about the masks we use everyday and however,
we cannot see them, they are masks that hide moods
which finally say how we are.
So, the artist makes a private action in which,
firstly she makes up her face with the clown mask, a
dramatic character known for making people laugh with
his jokes and misfortunes. Secondly, when the face
is made up completly, the artist cleans it, always
she keeps a hieratic gesture, and so, we get the
final image of all process (above on the right, in the
previous page), where we find the defiant assertion
that gives title to the work.
A la izquierda, podemos ver
una selección de imágenes
que documentan el carácter
procesual del proyecto.
/// On the left,
different photographs
documenting the
process to reach the
final image.
“Queda algo por contar de nosotros que todos estamos
esperando que se cuente (…) sabemos que somos explicables
y que aún no nos han explicado. Ya se han dicho muchas de
las cosas menores que nos atañen, pero las grandes siguen sin
haber sido dichas; y no hay nada que pueda ocupar su lugar.
(…) Hasta que se cuente la historia que falta sobre nosotros,
ninguna otra cosa que se cuente nos puede bastar: nuestra
ansiedad persistirá en silencio”. *Laura Riding Yackson.
Las sensaciones, los sentimientos, los pensamientos,
construyen nuestra identidad. Somos lo que son. No hay nada
más definitorio de nosotros mismos. El medio que utilizamos
para darles forma en nuestra cotidianidad es el lenguaje,
nuestra capacidad de comunicar mediante palabras lo que
pensamos y sentimos, en definitiva, transmitir con ellas lo
que somos. Cada palabra que empleamos, pronunciándola,
escribiéndola, nos define, nos dibuja en un papel, en definitiva,
nos construye como personas.
Necesitamos transmitir lo que sentimos, pero en ocasiones
esta necesidad no la satisfacemos porque no todo lo que
somos lo decimos, no todo lo que pensamos o sentimos lo
comunicamos. De este modo, esos recuerdos borrosos al no
ser dichos, saboreados, quedan grabados como marcas que
nos definen, heridas cicatrizadas, palabras que nunca se
dijeron, monólogos sin voz ni receptor.
Las cosas que nunca dije es una instalación compuesta por
una máquina de escribir tradicional y un pliego fotográfico
brillo de 21x207’9 cm, en el que se revelan autorretratos
de fracciones del cuerpo desnudo de la artista, y sobre el
que se ha escrito, con la misma máquina de escribir que lo
sostiene y sin tinta, sólo con los golpes secos de las manillas
unidas a las teclas, escritos personales de la artista dirigidos
a diferentes personas que nunca fueron mandados ni
entregados, finalmente nunca leídos por aquellos para quien
se escribieron, de esta forma quedan grabados como huellas
casi invisibles en la textura de la fotografía, sobre la piel que
ésta revela.
Words never saidLas cosas que nunca dije
Técnica: InstalaciónMedidas o duración: 200x30x35 cm.Año de realización: 2009
“There is something left to be told about us that
all of us are waiting for (…). We know we are
explainable but anybody has explained us yet. Many
minor things that concern us have already been
said, but great things keep on waiting for; and
there is nothing that can replace them. Until the
missing story about us will be told, nothing will
be enough: our anxiety will persist in silent”.
*Laura Riding Yackson (own translation).
Our feelings, emotions, thoughts… build our
identity. We are what they are. There is nothing
more characteristic of us. We use the language for
communicating them to people in our daily life,
because we can say our emotions with the words, and
so, transmit with them what we are really. Each
word we say, write… defines to us, draws to us on a
paper, finally, each word builds us like people.
Technique: InstallationMeasures or duration: 200x30x35 cm.Year of production: 2008
We need report what we feel, but sometimes we can’t
do it because we don’t say all we are, nor what we
think, nor what we feel. So, those fuzzy memories
keep themselves engraved like scarred wounds which
define us, because those words were never said,
monologues without voice nor receiver.
Words never said is an installation which has got
a traditional typewriter and a glossy photograph of
21×207’9 cm with de image of some selfportraits of
the naked artist’s body which has been written with
the same typewriter without ink, and so, engraved on
the surface of gelatin of the photo by the different
keys, personal letters which were never sent nor
delivered to their addressees. In the end, never
read by those whom they were written, so these words
are engraved like almost invisible traces on the
photograph texture, on the skin developed by it.
A la izquierda dos imágenes
de detalles de la obra, donde
se puede apreciar la sutile-
za de la huella del texto gra-
bado sobre la gelatina del
papel fotográfico que sirve
de soporte a la imagen.
/// On the left
two images of
details of the
artwork, where we
can appreciate the
subtlety of the
trace of the text
engraved on gelatin
of the photo paper
which developes the
image.
¿Qué es la vida?, ¿es una cadena
de tiempo que suma años uno
detrás de otro?, ¿es que nuestro
corazón lata, que nuestros
pulmones respiren?, ¿es un cuerpo
en funcionamiento?, ¿es nuestro
cuerpo?, ¿nos pertenece?
Sólo somos personas, y como
personas, como seres culturales,
rechazamos nuestra fragilidad
fisiológica, nos enfrentamos a la
enfermedad. Sin embargo el dolor es el sentimiento vinculado a nuestro cuerpo
que más huella deja en nosotros.
Un año sin sonreír es una breve historia que nace de la intimidad de la artista
desde la realidad más directa. Relata, en un silencio de respiraciones, un
recorrido realizado varias veces al día. El espectador, un voyeur que se introduce
poco a poco en una triste soledad dolorosamente serena.
Algunos fotogramas del ví-
deo muestran el recorrido
que se realiza desde una
máquina que fabrica oxíge-
no, siguiendo el cable que lo
suministra, y alcanzando a
la persona que lo necesita.
/// Some frames of
the video show the
travel from a machine
that produces oxygen,
following through the
cable which supplies
it, arriving to the
person who needs it.
One year without smilingUn año sin sonreír
Técnica: VídeoMedidas o duración: 1’59’’Año de realización: 2008
What is life?, is it a chain of time which sum
years, one after another?, is it that our heart
beats, our lungs breathe?, is it a body operating?,
is it our body?, is it ours?
We only are people, and as people, as cultural
beings, we reject our physiological frailty, we face
on illness. However,the pain is the feeling linked
our body which more trademark ourselves.
A year without smiling is a brief story that comes
from the intimacy of the artist and from the direct
reality. The work tells, in a silence of breaths,
the rut of a walk made several times a day at home.
The spectator becomes a voyeur who is gradually
introduced in a sad and painfully serene solitude.
Technique: VideoMeasures or duration: 1'59''Year of production: 2008
Enfrentemos en el espacio la causa y el efecto. El tormento del simulacro de la realidad producido por la
tecnología de las telecomunicaciones y las heridas digitales manipuladas electrónicamente. Enfrentemos
un vídeo y una imagen, y dejémoslo en el lugar donde la ley de la gravedad se hace presente. Sintamos su
peso por una vez y démonos cuenta de que lo soportamos todos lo días. Causa y efecto, realidad y dolor. Un
simulacro de la mercancía de la verdad proyectada sobre todos nosotros.
Descripción de la videoinstalación: un proyector situado en el techo, proyecta hacia abajo un video, con
multitud de imágenes de medios de comunicacion, sobre una imagen impresa en vinilo situada en el suelo,
imagen que refleja las heridas digitales invisibles en la cotidianidad.
El vídeo está editado con numerosas y parpadeantes dosis de información audiovisual de diferentes medios
de comunicación. El sonido y la imagen no se corresponden y saltan de una escena a otra cada tres segundos
de media, realizando un juego azaroso sin lógica en el que algunos casos, sonido e imagen se distorsionan
independientemente. De este modo se genera un caos informativo en el que todo lo emitido, la banalidad y la
información, se equiparan al mismo nivel.
The reality weightEl peso de la realidad
Técnica: VideoinstalaciónMedidas o duración: Medidas variables, 3 min.Año de realización: 2008
A la izquierda la imagen impresa en el vinilo adherido al suelo. Debajo, algunas fotografías de la instalación en su exposición en Off Limits (Madrid)./// On the left, the
image printed on
vynil sticked on the
floor. Below, some
photographs of the
installation in its
exhibition in Off
Limits (Madrid).
Confront the cause and the effect in the space.
The torment of reality simulacrum produced by
technology of telecommunications and digital wounds
manipulated electronically. Confront a video and a
image, and leave them in the place where the law of
gravity acts. Feel its weight for once and notice
that we endure all days.
Cause and effect, reality and pain. A simulacrum of
the merchandise of the truth upon us all.
Description of the video installation: a ceiling
projector projects down a video, with a lot of
audiovisual images of massmedia, on an image printed
on a vinyl situated on the ground, an image which
reflects the invisible digital wounds in everyday.
The video is edited with a lot of flashing doses
of found footage in different media. The sound and
Technique: VideoinstallationMeasures or duration: varia-ble measures, 03 min.Year of production: 2008
La imagen impresa en vinilo, que actúa de pantalla de proyección del vídeo,
recibe sobre sí misma el tormento del simulacro de realidad que nos facilitan
las pantallas de ficción que consumimos. Por esto, la imagen interpreta un dolor
a caballo entre lo real y lo virtual, representado por heridas digitales, heridas
manipuladas electrónicamente, marcas invisibles en nuestra cotidianidad. Éstas
se manifiestan en una multiplicidad de autorretratos que parecen impasibles al
peso que soportan proyectado sobre sí mismas.
the image don’t correspond to each other and jump
from a scene to another every three seconds on
average, without a cause and in meaningless way, so
they are distorted independently. So, it’s produced
a information chaos, in which everything that is
showed, banality and information, become in the same
level.
The image printed on vinyl, which is the projection
screen, receives on itself, the torment of reality’s
simulacrum offered by the fiction screens we consume.
For this reason, the image performs a pain between
the real and virtual, represented by digital wounds
that are electronically manipulated, invisible
traces in everyday. These wounds can be seen in a
multiplicity of selfportraits which seem impassive
to the pojected weight on themselves.
Arriba, algunos fotogramas
del vídeo muestran la diver-
sidad de temáticas comuni-
cacionales.
/// Above, some frames
show the diversity
of communicational
themes.
“El vidrio, que nos permite ver, pero no tocar, es el
perfecto símbolo de la frustración”. *Enst Dichter
El reflejo de la pantalla es una instalación que
encierra una reflexión acerca de la relación que
mantiene uno mismo con las diversas y diferentes
pantallas de ficción que saturan la vida social
actual. Una relación que no es más que un reflejo
del aislamiento que producen las historias que
consumimos, absorbiéndonos en soledad. Un reflejo
de nuestra expectación.
Jugando con los conceptos de pantalla y espejo, en
un lenguaje de actitudes sociales contemporáneas, se
recrea un pequeño salón de estar acogedor en el que se sitúan dos sillones contiguos enfrentados a dos televisiones.
Así, las pantallas de éstos, actúan de espejo reflejando en sí mismas los sillones que se sitúan en frente.
En uno de los sillones hay un cartel de “ocupado”, por consiguiente, impide ser usado, y muestra en su
correspondiente televisión a la artista en actitud expectante, sentada en ese mismo sillón, como si de
The screen reflectionEl reflejo de la pantalla
Técnica: VideoinstalaciónMedidas o duración: medidas variables, 19’ 55’’Año de realización: 2008
///In the below images
can be seen how an
spectator tries out
the installation:
above, the spectator
sight of both TVs,
below, the sight
of the opposite
chairs. The spectator
see himself in the
opposite TV, like a
mirror. In front of
his the next chair,
with the busy poster,
other TV with other
spectator, (this is a
video which has been
recorded before).
En las imágenes inferiores,
se puede ver como un es-
pectador experimenta la
instalación: arriba, la vista
de lo que ve el espectador
en ambas televisiones, aba-
jo, la vista de sus sillones
opuestos. El espectador se
ve asimismo en su televi-
sión opuesta, a modo de
espejo. En frente del sillón
contiguo con el cartel de
"ocupado", la otra televisión
con otra espectadora, (un
vídeo previamente grabado
por la artista).
Technique: VideoinstallationMeasures or duration: 05 minYear of production: 2008
“The glass, which allows us to see but not to touch,
is the perfect symbol of frustration.”. *Enst
Dichter (Own translation).
The screen reflection is a video-installation which
thinks about the relation that someone has with
oneself and with the different screens of fiction
which full the current social life. A relation which
is a reflection of the isolation produced by the
stories we consume everytime more lonely. It’s a
reflection of our expectation.
Playing with the concepts of screen and mirror, in
a contemporary language of social attitudes, the
installation takes place in a small homely living
room, in which there are two chairs faced with two
televisions. So, the screens of these televisions
become in mirrors reflecting the opposite chairs.
In one of the chairs, we can’t sit down because
there is a busy cartel, opposite itself, a
un reflejo atrapado en la pantalla se tratara, un
espejismo. En cambio, el sillón contiguo invita a
sentarse al espectador por asociación de conceptos
contrarios, y al hacerlo, se ve a tiempo real reflejado
en la pantalla del televisor que le corresponda en
actitud expectante. Es espectador de sí mismo y
de la artista, de su reflejo y un espejismo, ambos
absorbidos por el cristal de la pantalla. De este modo
el espectador puede intentar comunicarse con la
artista por medio de las pantallas, un simulacro de
comunicación.
Algunos fotogramas toma-
dos del vídeo previamente
grabado (columna izquier-
da) y de algunos espec-
tadores en su exposición
en «Tú a Hollywood y yo a
Moratilla». Un simulacro de
comunicación entre las dos
televisiones.
television shows a girl with expectantly attitude
(the artist) seated in that same chair, like she
could be a reflex or even a mirage. However, when the
espectator sits in another chair, he sees himself
in the same attitude than the other girl of the
next televisión, he sees himself in that screen
like a mirror and in real time. He is spectator
of himself and of the artist, of his reflex and the
artist’s mirage, both of them inside the screens.
So, the spectator can try to communicate with the
artist through the televisions, it’s a simulacrum of
communication.
In these images, an spectator tests the
videoinstallation: on the left, the view of the
chairs, on the right, the image of what the
spectator watches in both televisions, its opposite,
which is like his mirror, and another television
which has got opposite the empty chair.
///Some frames of
the video which was
recorded before by the
artist (column on the
left) and some frames
with spectators of the
«Tú a Hollywood y yo a
Moratilla» exhibition.
A simulacrum of
comunication between
the two televisions.
«Que no olvide» es un vídeo que enfatiza la fragilidad de la memoria
mediante uno de los sencillos mecanismos habitualmente utilizados en la
vida cotidiana para no olvidarnos de cosas cuya ejecución consideramos
imprescindible: apuntárnoslo en el dorso de la mano. Sin embargo
no son citas, ni reuniones, ni teléfonos, ni e-mails lo que se escribe,
no son esas cosas que categorizamos de importantes, son acciones
y sentimientos que normalmente se pasan por alto y son difíciles de
rememorar porque las otras cosas, las “importantes” ocupan su lugar.
Sin embargo según se escriben se borran, una y otra vez, desaparecen,
evidenciando la fragilidad de la memoria y de nuestro sistema de
valores, nuestra memoria construida se convierte en un caos borroso
de cosas pendientes, se torna en un leve olvido difícil de recordar.
Arriba, una selección de fo-
togramas del vídeo subtitu-
lado al inglés. Se puede ver
como el dorso de la mano se
transforma en una lista caó-
tica y borrosa de cosas por
recordar.
///Above, a selection
of frames of the
subtitled to english
video. We can see how
the back of the hand
becomes a caotic and
I will not forgetQue no olvide
Técnica: VídeoMedidas o duración: 9’ 47’’Año de realización: 2005
«I will not forget» is a video which emphasizes the
fragility of the memory through an action often
used to not forget essential things: to write them
on the back of the hand. However, the things are
showed in the video, aren’t dates, nor phone numbers
nor emails, these things which we think they are
important normally, the actions that appear in the
video are linked with emotions and feelings often
forgotten because the “important” things occupy
their place.
However, while these actions are written, also are
cleaned, they dissappear showing the fragility of
Technique: VideoMeasures or duration: 9’ 47’’Year of production: 2005
En el vídeo la acción de escribir para no olvidar, es reiterada constantemente
al ser inevitable que se emborrone la tinta dibujada sobre el dorso de la
mano: sonreír, soy única, tengo amigos, descansar, no estoy sola, hay
momentos felices, centrarme, escuchar música, quererme, ir al cine, lo
que pienso, abrazar, llorar y buscar consuelo, besar, escuchar, decir no...
fuzzy list things
which have to be
remembered.
the memory and so, of our value system. Our built
memory becomes in a fuzzy chaos of pending things,
it’s a oblivion difficult to remember.
In the video, the action of writing to remember, is
constantly repeated because it is inevitable that
the text disappears on the back of the hand: to
smile, I am unique, I have friends, to rest, I’m not
alone, there are happy moments, to focus on myself,
to listen to music, to love myself, to go to the
cinema, to hug, to cry and to seek solace, to kiss,
to listen, to say no…
La serie fotográfica «Fiction Victims», realizando un
juego de palabras con la expresión popular “fashion
victims”, hace referencia a una identidad construida
combinada con el sistema de
representación documental de la
fotografía..
Cada una de las tres series
recoge una escena de una
muerte, en la que el cadáver
es fotografiado tal y como
hemos grabado en nuestro
imaginario colectivo que se
haría en una investigación
policial cinematográfica,
con la particularidad de que
es la misma identidad. Así
se evidencia la existencia
del mismo cuerpo, la misma
persona, deconstruida en
diferentes identidades sin
vida en distintas imágenes.
Víctimas de la ficciónFiction Victims
Técnica: Impresión digitalMedidas o duración: 3 series de 5 fotografías, DIN-A3Año de realización: 2004
The photo series «Fiction Victims», making a pun on
the popular “fashion victims” expression, refers to
a constructed identity combined with the documentary
representation system of photography.
Technique: VideoMeasures or duration: 3 series of 5 photos, DINA3Year of production: 2004
Every serie of the
three is a scene of
a dead, in which
the dead body is
photographied as we
are used to watch
in the movies in
the cinemas, but,
there is a special
characteristic: the
body is the same in
every scene, belongs
to the same identity.
So, the same person
becomes diferent
identities without
life in several
images.
«Entonces, cuando me siento observado por el objetivo, todo cambia: me constituyo en el acto de “posar”, me
fabrico instantáneamente otro cuerpo, me transformo por adelantado en imagen. Dicha transformación es
activa: siento que la Fotografía crea mi cuerpo o lo mortifica, según su capricho».
*Roland Barthes
El vídeo reproduce la acción de ser fotografiado, la imagen
de la artista es dañada mediante el flash de la cámara, hasta
que la hace desaparecer del estudio fotográfico.
/// The video plays the action of being
photographed, the image of the artist is
damaged by the flash of the camera until it
makes she dissapears.
Lucid cameraCámara Lúcida
Técnica: VídeoMedidas o duración: 2'22''Año de realización: 2004
“Then, when I feel sight by the camera lens,
everything changes: the act of “posing” is me,
instantly I fabricate another body, I transform
myself in advance into an image. This transformation
is active: I feel that Photography creates my body,
or she mortifies it, as she pleases”.
*Roland Barthes (own translation).
Technique: VideoMeasures or duration: 2'22''Year of production: 2004
«Patient Suit» toma una perspectiva terapéutica de la
identidad enferma que nos somete a todos.
El vídeo muestra como la artista cose la costura rota de
un traje que cubre todo su cuerpo, desde los tobillos hasta
la cabeza. Cada puntada tiene un fuerte sonido, casi más
asociable al desgarro que a la unión, al atravesar la aguja
y el hilo la tela herida. La acción comienza en un tobillo,
ascendiendo por la pierna hasta la cadera, el vientre, el
pecho y la cara. El vídeo transcurre en planos muy cerrados
y temblorosos que siguen las puntadas de la aguja, para
abrirse en los últimos segundo a un plano general.
El traje del pacientePatient suit
Técnica: VídeoMedidas o duración: 11'31''Año de realización: 2004
«Patient Suit» takes a therapeutic point of view
of the identity which is treated as a illness that
everybody has got.
The video shows how the artist sews the torn seam
of a suit that covers her entire body, from ankles
to head. Each stitch has a loud sound, almost more
associable to break than to join, when the needle
with the thread passes through the cloth. The action
begins in a ankle, going up through the leg to the
hip, abdomen, chest and finally the face. The video
plays in very closed and trembling frames that
follow each stitch of the needle, to open the frame
in a long shot during the last seconds.
Technique: VideoMeasures or duration: 11'31''Year of production: 2004
Partiendo del concepto de identidad enferma de la obra «Patient Suit», se
presenta el cuadro « Mi Costura», en el que la acción de construcción ya ha
finalizado y simplemente se nos muestra la cicatriz resultante del proceso, como
huella definitoria o recuerdo de la herida.
My sewingMi costura
Técnica: Técnica pictórica oleosaMedidas o duración: 210 x 210 cm.Año de realización: 2004
Based on the identity concept of the artwork
«Patient Suit», the picture «My Sewing», treats the
action as complete construction and simply shows
us the scar resulting from the process, as defining
trace or the memory of the wound.
Technique: oil paintingMeasures or duration: 210 x 210 cm.Year of production: 2004
Un biombo que presenta un doble autorretrato de la artista, una identidad
desdoblada en la imagen, y segmentada en el espacio. Numerosas elecciones para
interactuar con la obra se abren y cierran sobre sí mismas.
En las imágenes podemos ver el biombo en diferentes
posiciones: arriba, abierto completamente, en la que
adquiere sólo dos dimensiones, a su derecha, cerrado
completamente, y a la derecha de estas líneas en una
posición intermedia. En estas dos últimas posiciones,
ya obtiene tres dimensiones.
///In the images it is possible to see the
folding screen in different positions:
above, completly opened, only with two
dimensions, on its right, completly
closed, and on the right of these words it
is closed in a middle position. In these
two last images, the work already gets
three dimensions.
Perdido en mi caminoLost in my way
Técnica: Instalación pictórica acrílica en forma de biombo.Medidas o duración: 150 x 150 cm abierto, 150 x 30 x 30 cm cerrado.Año de realización: 2004
A folding screen presents a double self-portrait of
the artist, a split identity in image, segmented
in space. Many choices to interact with the artwork
open and close on themselves.
Technique: Acrylic painting installation in the form of folding screen.Measures or duration: 50 x 150 cm opened, 150 x 30 x 30 cm closed.Year of production: 2004
A la izquierda, la artista
interactuando con el biom-
bo, ya que no es un objeto
creado sólo para su contem-
plación, si no para que el
espectador investigue y lo
posicione físicamente. Aba-
jo, un plano de la secuencia
de la acción simétrica del
biombo al plegarse sobre sí
mismo.
///On the left, the
artista interacting
with the folding
screen, as this work
hasn´t been created
for its comtemplation,
if not for the
spectator can look
into it and positioned
it phisically.
Below, a plane of
the sequence of the
symmetric action of
the screen when is
folded on itself.
El ser humano tiende a inmortalizarse en representaciones como la escultura, la
pintura o la fotografía, y de este modo superar una segunda muerte basada en el
recuerdo.
La serie fotográfica «Gum Faces» hace referencia a esta necesidad evidenciando
el carácter efímero que tiene nuestro cuerpo, y con éste nuestro rostro. Se sirve
de la representación instantánea para exteriorizar el proceso de desintegración
de a su vez una representación escultórica de chicle del rostro de la artista,
originalmente asumida como imperecedera. Amplía en escala el conflicto del ser
humano de ser efímero desechando toda representación como placebo de dicho
trance.
Caras de chicleGum Faces
Técnica: Fotografía RC FUJIMedidas o duración: 1 lienzo de 260×115 cm formado por 3 módulos, 2-85×115 cm y 1-90×115 cmAño de realización: 2008
Abajo, podemos ver tres
imágenes con más detalle
del proceso que tiene lugar
cuando la escultura del ros-
tro de la artista hecha en
chicle es sumergida en agua
caliente y se desintegra
paulatinamente. Más abajo
la composición final de la
pieza, con una selección de
45 imágenes del proceso.
Human beings tend to become immortalized in
representations such as sculpture, painting or
photography, and so, overcome a second death based
on the memory.
The photo series «Gum Faces» refers to this need,
proving the ephemeral character of our body,
and with it, our face. It uses the photographic
representation to show the process of disintegration
of a sculptural representation made of gum from the
artist face, originally assumed as everlasting. So
that, the human conflict as en ephemeral being is
increased, rejecting any representation as placebo
of this trance.
Technique: Fotografía RC FUJIMeasures or duration: A canvas of 260×115 cm made up of three modules, two of 85×115 cm and one of 90×115 cmYear of production: 2003 /// Below it is
possible to see three
images with more
detail of the process
of disintegration
produced to be
submerge in hot water
the sculpture of the
artist’s face made of
chewing gum. Below of
these three images,
another image of the
final composition of
the work, with a
selection of 45 images
of this process.
pilar bermejo arceTelf.: (+34) 665 820 366e-mail: [email protected]: httc://www.pilarbermejoarce.com