APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 9. MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 9. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA

(II): MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

Ana Galván Romarate-Zabala

Fundamentos del Arte I

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TEMA 9. FUNDAMENTOS DEL ARTE I. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (II): MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI 1.Miguel Ángel Buonarroti, vida y obra de un artista total. 2. Miguel Ángel escultor. 3 Miguel Ángel pintor. 4. Miguel Ángel arquitecto. 1. MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI, VIDA Y OBRA DE UN ARTISTA TOTAL MICHELANGELO BUONARROTI (1475-‐ 1564) es uno de los grandes genios del Renacimiento: pintor, arquitecto, poeta y sobre todo se sentía escultor. En su época alcanzó un gran prestigio y sus obras, han sido durante siglos, fuente de inspiración para muchos artistas. Miguel Angel nació en Caprese en 1475, muy cerca de Florencia. Procedía de una familia culta, de clase media-‐alta. Desde muy joven quiso ser artista, a pesar de la oposición de su padre. Su madre, al parecer confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación.

De temperamento irascible, poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que están llenas de fuerza y dramatismo. Era un artista muy bien pagado, pero vivía sobriamente y murió con casi 90 años mientras estaba ¡trabajando! Muy religioso y sumamente culto –conocía a la perfección las fuentes mitológicas y las bíblicas, no sé casó nunca, -‐de hecho se cree que fue homosexual-‐ y fue muy amigo de la aristócrata y poeta Vittoria Colonna. Fue tan famoso y tan valorado que sus contemporáneos le llamaban “el Divino” y en vida se escribieron dos biografías sobre él (por Vasari y Condivi). Su precoz habilidad para dibujar le llevó a los trece años al taller de Doménico Ghirlandaio. De Ghirlandaio aprendió la técnica del fresco. Después de un tiempo en el taller citado, ingresó en la academia del Jardín de los Medici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos por Lorenzo el Magnífico, que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo de Medici fue su mecenas en sus primeros años. La dirección artística del Jardín de los Medici era a cargo del escultor donatelliano Bertoldo di Giovanni. Allí disfrutaba del arte y el humanismo de escritores como Poliziano y filósofos de la talla de Marsilio Ficino o Pico della Mirandola. Gracias a estos contactos con intelectuales, se convirtió en un erudito (persona muy culta)-‐. También allí tuvo ocasión de mostrar su genio en sus disputas con el escultor Torrigiano. Este último rompió de un puñetazo la nariz al genio caprese. Fueron mecenas1 de Miguel Ángel -‐aparte de los Medici especialmente en los inicios de su carrera como escultor-‐ nueve Papas consecutivamente. El Papa Julio II le encargó la decoración de la Capilla Sixtina en el Vaticano y además la elaboración de obras escultóricas como el proyecto para su sepulcro o mausoleo que quedó inacabado, pero del que destaca el genial Moisés –hoy en la iglesia de San Pedro in Víncoli-‐. Su relación osciló entre amor-‐odio, ya que se admiraban mutuamente pero las relaciones entre ellos eran difíciles. Julio II le apremiaba a que terminar las pinturas de la Capilla Sixtina y le preguntaba siempre: ¿cuándo lo vas a terminar? Y Miguel Ángel contestaba: ¡cuando lo acabe!

1 El banquero Jacopo Gallí le encargó varias obras como un Baco y un Cupido. 2 La Capilla Sixtina fue levantada durante el pontificado de Sixto IV (1471-‐1484) de donde recibe su nombre.

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La fama del Miguel Ángel alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida, siendo nombrado "jefe" de la Academia de Dibujo de Florencia. El artista de la "terribilità", que definiría el último Cinquecento, falleció en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo, antes de ser enterrado en Santa Croce. La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone en "El tormento y el éxtasis" sirviendo de base a una película con el mismo título. Con él desapareció uno de los mayores genios de toda la historia del Arte. 2. MIGUEL ÁNGEL ESCULTOR Miguel Ángel se sentía sobre todo escultor. Esa pasión por la escultura se traduce en su visión de la arquitectura y la pintura. Muestra un dominio total del movimiento y de la anatomía, una anatomía muchas veces andrógina. Su obsesión era representar el desnudo en el arte. De hecho, sabemos como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel diseccionaba cadáveres para conocer a la perfección el cuerpo humana.

Realizó esculturas de temática profana y religiosa basándose en fuentes mitológicas y bíblicas. Iconográficamente, es decir, la forma de representar las imágenes y su valor simbólico, Michelangelo fue original e innovador, tanto en escultura como pintura. Sus influencias claramente procedían del arte grecorromano y a la vez realizada dentro de parámetros netamente manieristas. Una obra que le influyó muchísimo fue la escultura helenística El Laocoonte, descubierta en el siglo XVI. Como escultor dejará su impronta en la escultura barroca –especialmente en Bernini-‐, y en el siglo XIX en Rodin entre otros muchos artistas.

Fuente de la imagen: profesor Alfredo García (Algargos) https://es.slideshare.net/algargos/escultura-‐italiana-‐del-‐siglo-‐xvi

Su escultura evolucionará desde el clasicismo –como vemos en la Piedad del Vaticano-‐ hacia un mayor dramatismo, dinamismo y sentimiento: es la terribilità miguelangelesca. También emplea las curvas serpentinatas, esto es, giro helicoidal, y en ocasiones la técnica de non finito que otorga a las piezas un aspecto inacabado y muy expresionista. Utiliza preferentemente el mármol –italiano de Carrara-‐ que domina a la perfección.



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Entre sus obras destacan:


*El bajorrelieve de la VIRGEN DE LA ESCALERA: fue tallada en lámina de mármol cuando contaba unos dieciséis años y es una de sus primeras obras conocidas.


*La PIEDAD de San Pedro del Vaticano: Tallada en mármol entre 1498 y 1499, esta obra es una de sus obras más clasicistas e idealizadas de toda su producción. El recurso neoplatónico de representar a María con la belleza virginal de la edad juvenil, en vez de la madurez, sin apenas contraste con la edad del Cristo difunto, se enmarca en la ecuación perfecta de un triángulo equilátero que envuelve geométricamente al conjunto en un esquema racional, cerrado y simétrico. Los plegados del manto provocan contrastes de luces y sombras y se observa un cierto desequilibrio en el cuerpo del hijo, a punto de resbalar por el manto de la Virgen. Este tipo de iconografía no era habitual en el arte italiano.

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*La obra con la que se consagra Miguel Ángel como el superador de toda la estatuaria antigua es el colosal –mide más de 4 metros-‐ estatua del DAVID, esculpido en dos años, 1502-‐1504, en un solo bloque marmóreo. Fue un encargo de la Señoría de Florencia. Se colocó ante la portada del Palacio Viejo. La conciencia popular vio en el David el triunfo de la república sobre los Medici. Presenta una musculatura robusta, la mirada expectante y segura. Innova en la iconografía de este personaje bíblico: es muy diferente a los David adolescentes victoriosos, de serena y reposada gracia de los escultores del Quattrocento. Esta obra resultó descomunal, no sólo por las dimensiones, sino por la fuerza y rotundidad de la talla, que anuncia el carácter grandioso y heroico de Miguel Angel. El David tiene toda la belleza helénica del desnudo clásico. Muestra un ligero contraposto, una potente musculatura, y una expresión firme y segura. Más información sobre esta obra en: http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2012/03/el-‐david-‐de-‐miguel-‐angel.html


*La escultura sedente del profeta bíblico MOISÉS formaba parte del proyecto diseñado por Miguel Ángel para el mausoleo (sepulcro) del PAPA JULIO II. Pero esta obra nunca llegó a concluirse por presiones de todo tipo (económicas, políticas, etc.,) y solamente hizo algunas esculturas como las de Moisés, Raquel y Lía.


Este proyecto fue uno de los más ambiciosos de toda su vida, y su verdadera obsesión. El MOISÉS está representado en un momento pleno de furia, al bajar del Monte Sinaí con las Tablas de la Ley y advertir el carácter idólatra de los israelitas. Todo él se convierta en una representación de la rabia y cólera explosivas. Es una obra grandiosa en la expresión, en los ropajes, en el estudio anatómico, en la tensión psicológica, en el juego compositivo de verticales y horizontales… Quedaba así plasmada en mármol la grandiosidad de los Profetas y las Sibilas que acababa de pintar en la bóveda de la Capilla Sixtina. La mirada furibunda, la boca entreabierta, las



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barbas encrespadas… son indicio de la famosa terribilità miguelangelesca, caracterizada por su tremenda fuerza expresiva. Como el propio Miguel Angel reconocía, ¡sólo le faltaba hablar!

Fuente de la imagen de la izquierda: profesor Alfredo García (Algargos) https://es.slideshare.net/algargos/escultura-‐italiana-‐del-‐siglo-‐xvi

*Entre 1520 y 1534, esculpe los dos SEPULCROS DE GIULIANO Y LORENZO DE MEDICI en la iglesia de San Lorenzo de Florencia. Miguel Ángel se encontró con el reto de integrar escultura y arquitectura, como ya le había ocurrido con la tumba de Julio II. Estas esculturas asumen un carácter simbólico: Giuliano es la representación del hombre activo, mientras que Lorenzo representa la vida contemplativa, el hombre reflexivo, el “pensiero”. A los pies de la tumba de Giuliano encontramos las representaciones alegóricas de la Noche y el Día. La noche, como una mujer sensual, un tanto andrógina, y el día como un hombre musculoso. Es interesante resaltar el aspecto inacabado o non finito de los dos rostros masculinos, especialmente en el del Día. La representación así configurada viene a simbolizar el paso del tiempo. Es un ejemplo paradigmático del carácter manierista de la escultura miguelangelesca. Hay que subrayar que tanto Giuliano como Lorenzo van vestidos “a la antica”, esto es, como figuras grecorromanas e insertos en hornacinas entre pilastras clásicas y a sus pies se sitúan los sarcófagos curvos sobre los que se encuentran esculpidas figuras alegóricas que aluden a la brevedad de la vida y a la fugacidad del tiempo. Una vez más, es Miguel Ángel muy innovador iconográficamente al llevar a cabo sepulturas funerarias.


Al final de su vida realizó diversas piedades, con poses anteclásicas e innovadoras iconográficamente y técnicamente. Presentan alargamiento del canon de la figura y su característica línea serpentinata y non finito. Son muy expresivas y dramáticas, muy diferente a la serena y neoplatónica “Piedad” del Vaticano, que realizó en su juventud. Estas últimas esculturas son un paso más y se anticipan en 300 años a las esculturas del artista francés Rodin que veremos en el siglo XIX o al rumano Brancusi ya en el siglo XX. Son obras más espirituales, cargadas de intimismo. Iconográficamente fue lo nunca visto: la escena de la Piedad presenta una postura imposible, del cuerpo de Cristo que se escapa entre los brazos de su madre. Toda una metáfora, de una vida que se va… al menos temporalmente. florentina, de Miguel

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.ngel. Creative 3. MIGUEL ÁNGEL PINTOR. LA CAPILLA SIXTINA

La personalidad de Miguel Ángel no es menos sugerente y enigmática que la de Leonardo. No sólo logró destacar como arquitecto, escultor y pintor, sino que también fue un excelente poeta. Aunque Miguel Ángel no se cansaba de repetir que "la pintura no es mi arte", lo cierto es que sus frescos de la Capilla Sixtina son una de las obras cumbres de la pintura de todos los tiempos. Los frescos fueron realizados en dos momentos distintos: *La bóveda, con escenas del Antiguo Testamento, encargada por el Papa Julio II, entre 1508 y 1512. *Y la pared del altar o testero de la Capilla, hecha un cuarto de siglo después, entre 1536 y 1541.

Él se consideraba sobre todo escultor y su pintura –centrada en el ser humano-‐ acusará esta condición. Desde el punto de vista pictórico, hay una marcada diferencia entre la obra juvenil, que desarrolla en Florencia, y la obra madura de Miguel Ángel que tiene lugar en Roma. En Roma recibió el encargo de su mecenas Julio II de realizar los frescos de la bóveda de la CAPILLA SIXTINA2 que se encuentra en el Vaticano, en Roma. La mayoría de las pinturas son de Miguel Ángel aunque existe la participación de otros grandes artistas que se encuentran en escenas de los laterales de la nave (Botticelli, Perugino, Ghirlandaio...) La pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina la emprendió a disgusto3 y en ella trabajó hasta la extenuación entre 1508 y 1512, en total tres años. Fue una labor titánica, un gran esfuerzo intelectual, que le supuso inventar un programa iconográfico y resolver las mil dificultades técnicas que requería. Trabajó solo, sin ningún ayudante ni colaborador. La temática abarca distintos episodios del Antiguo Testamento, como los relativos al Génesis (creación de Adán, Eva…). También, representó diversos profetas bíblicos y sibilas4 de la mitología grecolatina, que a su vez, están acompañadas por impresionantes figuras de jóvenes desnudos, los llamados ignudi, una fantástica excusa para mostrar el cuerpo humano desnudo, con gran dinamismo y expresividad. En total, unos 300 personajes. 2 La Capilla Sixtina fue levantada durante el pontificado de Sixto IV (1471-‐1484) de donde recibe su nombre. 3 Tuvo enfrentamientos continuos con su mecenas, el Papa Julio II por la elaboración de estas pinturas. 4 Mujer sabia a quien los antiguos griegos y romanos atribuyeron espíritu profético.



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La técnica es al fresco. Recordemos que de jovencito había aprendido en el taller de Ghirlandaio esta técnica, que requiere gran pericia y trabajar muy rápido. La obra se ejecuta sobre la cal aún fresca. Los colores aplicados sobre el muro húmedo producen un efecto que se modifica cuando se seca. Lo que se ha trabajado al fresco queda para siempre, pero lo que ha estado retocado en seco se puede quitar con una esponja húmeda. Hizo continuos retoques. La superficie pintada en un día se llama «jornada»; la escena de La Creación de Adán, una de las más espectaculares de la bóveda, se realizó en dieciséis jornadas.

Fuente de la imagen: Redondus. https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteiessanisidro/home

Miguel Angel dividió la bóveda en compartimentos, utilizando arquitecturas fingidas de las que parecen flotar las figuras. En el tramo central desarrolló las principales escenas del libro del Génesis, desde la Creación hasta la vida de Noé. Mientras que, en los laterales, ubicó grandes figuras, profetas y sibilas, que anunciaron la llegada del Salvador. Con esta temática original unió el mundo grecorromano y la tradición judeocristiana, que era su segundo propósito. Esta idea simbólica de enlazar el mundo pagano y el cristiano tuvo su continuidad con la "cohabitación" y contraposición entre los jóvenes desnudos a la manera de esculturas helenísticas (ignudi) y los castos y vestidos antepasados de Cristo de los lunetos. El resultado fue un magnífico contraste entre la linealidad arquitectónica y la tensión de los cuerpos distorsionados de las figuras; entre la contención y el desenfreno; entre los narrativo y lo simbólico. No hay ni equilibrio ni serenidad. Los cuerpos se alejan del concepto de belleza clásica. No se trata de representar la belleza de las formas sino la fuerza que emana de las figuras. El lenguaje, es por tanto, más manierista que clásico. Su interés pictórico se centra en las figuras, por lo tanto deja de lado el paisaje. Son frecuentes los grandes escorzos y trampantojos. Es una pintura monumental y grandiosa.

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Fuente de la imagen: Redondus. https://es.slideshare.net/redondus/fundamentos9-‐miguel-‐angel

El JUICIO FINAL, también en la Capilla Sixtina, lo llevó a cabo unos veinte años más tarde, en torno a 1535 hasta 1541, reflejando la inquietud espiritual y el pesimismo que agobiaron al artista en sus últimos años.5 Lo realizó en la parte frontal de la capilla, en la pared del altar. Fue un encargo de otro Papa, Clemente VII y más tarde confirmado por el Papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. Este fresco es de enormes proporciones: incluye casi 400 figuras, de las que se han identificado aproximadamente 50 y el tema es el Juicio Final, un motivo habitual en el arte medieval pero no tanto en el renacentista. Las figuras se disponen en círculos ascendentes y descendentes que resaltan sobre un cielo azul intenso. Son numerosas las referencias y fuentes en las que Miguel Ángel se inspiró para realizar el Juicio Final según aluden los especialistas. Estatuas clásicas, pinturas de diversos artistas como Luca Signorelli o El Bosco entre otros. En el aspecto literario parece seguro el empleo de tres fuentes: la Divina Comedia de Dante, la bíblica Visión de Ezequiel y el Apocalipsis de San Juan. Con Miguel Ángel asistimos a una “vuelta de tuerca” de tan famoso asunto. Innova totalmente en la iconografía: la forma de representar a Cristo no es la habitual del arte medieval –un Cristo barbado, con el alfa y la omega y los Evangelios-‐. En este caso, es un Cristo imberbe en actitud de impartir justicia con su brazo levantado, en acusado escorzo. Parece un joven atleta victorioso. Además, es un Cristo desnudo, por lo que pronto fue considerado inadecuado, siendo tapado por el pintor Daniele da Volterra, al que denominaron por ello “el braghettone”. La Virgen María es también muy distinta tanto a las usuales en la Edad Media como en el Renacimiento. Muestra una silueta serpentinata y un cierto dramatismo.



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Todos los personajes de la obra parecen estar envueltos por un ambiente apocalíptico, que es penetrado por el dramatismo de la muerte y la vida: es la terribilità miguelangelesca.

La zona superior de la composición, más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial, presidido por Cristo como juez. Tanto él como la Virgen María aparecen rodeados por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y personajes de la Iglesia forman una segunda corona. Sobre todos ellos aparecen dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciendo las más variadas posturas y reforzando la sensación general de movimiento. A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado: San Lorenzo, que porta la parrilla de su martirio, y San Bartolomé, con una piel que alude a su muerte, apreciándose en su rostro un autorretrato del pintor. En la zona intermedia podemos encontrar tres grupos; en la izquierda, los juzgados que ascienden al Cielo mientras que en la parte contraria se ubican los condenados que caen al Infierno, ocupando los ángeles trompeteros el centro para despertar a los muertos de la zona inferior, que se desarrolla en el espacio izquierdo de este último tramo. En la zona inferior derecha hallamos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal Minos -‐la figura de la esquina con serpientes enrolladas alrededor de su cuerpo-‐ y la boca de Leviatán. Una vez más vemos como Miguel Ángel aúna la mitología clásica con el Cristianismo. La escena se desarrolla sin ninguna referencia arquitectónica ni elemento de referencia, emergiendo las figuras de un azulado cielo donde flotan con una energía y seguridad difícilmente igualables. Las figuras se retuercen con gran dinamismo y acusados escorzos. Las pinturas se han interpretado en clave neoplatónica. Recordemos que Miguel Ángel conoció a muchos escritores y filósofos neoplatónicos ligados a los Medici durante su estancia de estudios en el palacio de esta poderosa familia florentina.

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Simbolizaría el camino del alma hacia Dios, pretendiendo unir la filosofía pagana con el misticismo cristiano. Hay que subrayar que Miguel Ángel era muy religioso y conocía a la perfección mitología grecorromana. La gran cantidad de desnudos presentes en los frescos de la Capilla Sixtina escandalizó a buena parte de la Iglesia, no solo por los desnudos, sino también por posturas consideradas poco decorosas. De ahí que se le encargara a Volterra, llamado “el Braghettone” tapar los órganos sexuales de muchas de las figuras. Todavía hoy, a pesar de las restauraciones llevadas a cabo en los años 90, hay personajes que presentan paños de pureza para que no se aprecien los desnudos. Sea como fuere, la fuerza escultórica de los personajes, la belleza de su dibujo, claramente inspirado en las esculturas antiguas, sus atrevidas posturas, el vivo colorido, la imponente expresividad de los rostros, el eficaz efecto teatral del conjunto, entre otros aspectos, convierten los frescos de la Capilla Sixtina en una obra única, jamás superada. Esta obra plenamente manierista, será fuente inspiración para los artistas de todos los tiempos (Manierismo, Barroco, etc.) 4. MIGUEL ÁNGEL ARQUITECTO El primer arquitecto en romper el lenguaje clásico fue MIGUEL ÁNGEL. Arquitecto, escultor, pintor y poeta, él será quien inicie estas nuevas formas, sometiendo los elementos clásicos a una interpretación personal. Miguel Ángel se siente ante todo escultor y trata a la arquitectura como si de una escultura se tratase; utiliza las formas clásicas con plena libertad. Entre las obras arquitectónicas que desarrolló Miguel Ángel la más grandiosa fue la CÚPULA DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO del Vaticano. La basílica de San Pedro del Vaticano en su origen fue una iglesia paleocristiana construida para conservar el cuerpo del apóstol San Pedro, el primer Papa de la historia. Pero, con el paso de tiempo amenazaba ruina. Durante el Renacimiento varios arquitectos presentaron diversos proyectos para reconstruir la iglesia: en primer lugar, Bramante, que planteó una iglesia de planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas. Pero su muerte interrumpió este proyecto. Intervinieron después Rafael –que prefería una planta de cruz latina-‐; Sangallo; y Miguel Ángel.

Fuente de la imagen: Wikipedia.com



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Miguel Ángel retomó la idea de Bramante de planta de cruz griega y diseñó la gran cúpula concebida sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol San Pedro. Proyectó una doble cúpula (una interior y otra exterior) según el modelo que ya había realizado Brunelleschi en Santa María de las Flores en Florencia en el XV. También tuvo en cuenta la cúpula del Panteón de Roma. La cúpula de Miguel Ángel, con 42 metros de diámetro y sobre un espectacular tambor, se eleva por encima de las colinas de la urbe, quedando como punto de referencia para toda la cristiandad. Tiene forma ligeramente apuntada. Realmente más que un tambor, hay dos. El que se levanta directamente sobre la cúpula está decorado con columnas pareadas o gemelas entre las ventanas. Sobre los ventanales cuadrados en forma de pórtico grecorromano –igual que los del Partenón-‐ alternan frontones triangulares y semicirculares. Sobre este tambor, se alza otro con decoraciones de guirnaldas. Los nervios recorren el exterior y el interior de la cúpula. Sobre la cúpula se eleva una linterna abierta a la luz, también entre pares de columnas. Todo ello dentro ya de un lenguaje plenamente manierista. Esta cúpula se terminó de construir varios años después de la muerte de Miguel Angel.6 Desde los Jardines Vaticanos y a lo lejos, la cúpula miguelangelesca es la cima por excelencia de todo el Cinquecento. Por último, conviene recordar que la configuración actual de la Basílica de San Pedro del Vaticano es posterior a Miguel Ángel. Fue Carlo Maderno durante el Barroco quien realizaría la fachada, la planta de cruz latina etc. Y Bernini, también en el Barroco, llevó a cabo la columnata y la bellísima plaza de San Pedro.

Fuente de la imagen: Wikipedia.com; fuente de la imagen de la derecha: https://www.slideshare.net/Meibel/cinquecento-‐arquitectura

Aunque la Cúpula de San Pedro del Vaticano es su obra más relevante en arquitectura, también realizó la Biblioteca Laurenciana de Florencia para guardar la maravillosa colección de códices de los Medici. Diseñó incluso los pupitres de lectura. Creó un vestíbulo de acceso espectacular con una majestuosa escalera. Y diseñó como urbanista la plaza del Campidoglio (Capitolio) de Roma, donde se encontraba la estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio. La que hay hoy en día es una copia, ya que la original está dentro de los Museos Capitolinos en la misma plaza. Creó un espacio trapezoidal con una gran escalinata de acceso. Diseñó también la trama del embaldosado y los pórticos laterales realizados con orden gigante. Genera un juego de perspectivas de gran belleza.

6 Los arquitectos que terminaron la cúpula diseñada por Miguel Angel fueron Doménico Fontana y Giacomo della Porta. Giacomo della Porta otorgó a la cúpula un perfil más agudo que el planteado inicialmente por Miguel Angel.

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