Almanaque historia

Almanaque Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial

Desde la creación de los derechos de autor al esencialismo orgánico

Por Jenifer Monje Aranda

Historia del Diseño 2011

Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial

INTRODUCCION …………………………………………………………………………………………………….. PAG 1

LINEA DE TIEMPO ………………………………………………………………………………………………… PAG 2

1- 1826- MOBILIARIO PATENTADO ……………………………………………………………………………... PAG 3-5

2- 1850- ART AND CRAFT …………………………………………………………………………….................... PAG 6-10

3- 1860- CRAFT REVIVAL ……………………………………………………………………………...................... PAG 11-14

4- 1870- MOVIMIENTOS ESTETICOS ………………………………………………………………………….. PAG 15-21

5- 1890- ART NOUVEAU ………………………………………………………………………………………….... PAG 22-25

6- 1897- SEZESSION ………………………………………………………………………………………………… PAG 26-28

7- 1897- JUGENDSTIL ………………………………………………………………………………………………… PAG 29-31

8- 1900- FORDISMO …………………………………………………………………………………………………. PAG 32-36

9- 1900- VANGUARDISMO …………………………………………………………………………………………. PAG 37-47

10- 1907- WERKBUND (DWB) ………………………………………………………………………………………. PAG 48-51

11- 1910- EXPRESIONISMO …………………………………………………………………………………………… PAG 52-56

12- 1914- CONSTRUCTIVISMO ……………………………………………………………………………………… PAG 57-60

13- 1915- READY MADE ……………………………………………………………………………………………… PAG 61-63

14- 1917- NEOPLASTICISMO (de stilj) ……………………………………………………………………………. PAG 64-67

15- 1919- BAUHAUS ……………………………………………………………………………………………………. PAG 68-71

16- 1920- INTERNATIONAL STYLE ……………………………………………………………………………… PAG 72-74

17- 1920- SURREALISMO …………………………………………………………………………………………... PAG 75-79

18- 1925- ART DECO …………………………………………………………………………………………………. PAG 80-85

Índice

Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 2

19- 1928- DYMAXION (RICHARD BUCKINSTER FULLER) ………………………………………………. PAG 86-92

20- 1930- DISEÑO ORGANICO ……………………………………………………………………………………. PAG 93-96

21- 1930- STREMLINE MODERNE ……………………………………………………………………………….. PAG 97-100

23- 1930- SWEDICH MODERNE ………………………………………………………………………………….. PAG 101-103

24- 1930- KITSCH ……………………………………………………………………………………………….…….. PAG 104-106

25- 1940- DISEÑO ITALIANO ………………………………………………………………………………………. PAG 107-110

26- 1950- DISEÑO ESCANDINAVO ……………………………………………………………………………….. PAG 111-114

27- 1950- POP ART ………………………………...………………………………………………………………… PAG 115-120

28- 1950- HARD EDGE …………………………………………………………………………….………………… PAG 121-123

29- 1953- ESCUELA ULM ………………………………………………..…………………………………………. PAG 124-127

30- 1958- OP ART ……………………………………………………………………………………………………. PAG 128-130

31- 1960- DISEÑO RADICAL (ANTIDISEÑO) ………………………………………….…..…………………… PAG 131-135

32- 1960- ARTE PSICODELICO …………………………..…………………….………………………………… PAG 136-139

33- 1960- SPACE AGE …………………………………………………………….………………………………… PAG 140-142

34- 1965- MINIMALISMO ……………………………………………………………………………………………. PAG 143-146

35- 1966- ARCHIZOOM ……………………………………………………………………………………………… PAG 147-149

36- 1966- SUPERSTUDIO …………………………………………………………………………………………… PAG 150-152

37- 1968- GRUPO 9999 …………………………………………………………………………………………….. PAG 153-154

38- 1970- GRUPO STRUM …………………………………………………………………………………………. PAG 155-157

Índice

Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial

39- 1970- DISEÑO RETRO …………………………………………………………………………………………. PAG 158-160

40- 1973- GLOBAL TOOLS …………………………………………………………………………………………. PAG 161-163

41- 1977- GRUPO ALCHIMIA ………………………………………………………………………………………… PAG 164-165

42- 1978- HIGH TECH ………………………………………………………………………………………………… PAG 166-170

43- 1978- POST INDUSTRIALISMO …………………………………………………………………….….…….. PAG 171-173

44- 1980- ECODISEÑO ………………………………………………………………….……………………….…….. PAG 174-178

45- 1980- GRUPO MEMPHIS ………………………………………………………………………………..……… PAG 179-182

46- 1988- DESCONTRUCTIVISMO ………………………………………………………………………………… PAG 183-186

46- 2000- ESCENCIALISMO ORGANICO ………………………………………………………………………. PAG 187-189

CONCLUSION ……………………………………………………………………….……………………………….. PAG 190-191

Índice


A través del paso de los años hemos sido los espectadores pudiendo sentir, ver, tocar, oler,

saborear y ser participes generadores de tendencias mediante ideas o las mismas acciones y desempeños de cada una de las culturas,

convergiendo e introduciendo en nuestras memorias estas experiencias y experticias; es lo que

conocemos hoy como Historia. Entonces es en este concepto de la historia donde día a día se producen cambios involucrando en ello todas nuestras formas

de vida, y las consecuencias de nuestros actos, dando paso así a nuevas tendencias y tecnologías

que con el paso de los años van acaeciendo modas y derogando las formas de ver y concebir la vida que van siendo un obstáculo para lograr llevar a

cabo las aspiraciones de las nuevas generaciones y las necesidades que la misma humanidad a ido

desarrollando y auto-exigiendo.

Es para el entendimiento y la envoltura del Ser en las delicias que expenden las genialidades de los

mentores, en este caso de las expresiones e invenciones del ser humano, entregando al lector

solo un ápice de lo que puede llegar a ser y de lo que ha sido la Historia del Diseño Industrial.

Introducción


Línea de tiempo del Diseño Industrial


1826 Mobiliario Patentado


El mobiliario patentado, procedente de inventores

anónimos, posee una larga cola de modelos. Ya en 1826, hubo una patente británica, para evitar mareos

en el mar. Entre 1850 y 1893 EE.UU. tendrá una gran profusión de patentes, entre 1850 y 1940 una serie de sillas de «máquinas de coser» (basada en principios científicos para evitar muchas dolencias

de la postura), sillas para máquinas de escribir, quirúrgicas, dentales, de barberos y dental-hidráulica.

Adaptables a la fisiología, todas ellas iban a la par de los «asientos reclinables de los ferrocarriles» (el

«pullman» es el sobreviviente de aquella larga historia). El vagón de ferrocarril en Europa, estaba

construido bajo el principio de que las masas merecían escasa consideración (más del 80% de los viajeros se sentaban apiñadamente en toscos

bancos de madera), tan solo los estratos más altos de la sociedad podían asegurarse un cierto nivel de

confort.

En el siglo XIX, gran parte de Estados Unidos era un territorio virgen, existían pocas ciudades

construidas. En el 1804 Chicago era un fuerte, más adelante se parcela y se empieza a construir, la ciudad avanzaba y se hacía más fuerte, el sueño

americano de libertad e individualismo se solidificaba.

Se comienza a crear un tipo de mobiliario catalogado como mobiliario patentado: muebles móviles, adaptables y funcionales, cada idea se

patentaba para no ser copiada. Los pioneros en crear este tipo de muebles, austeros y funcionales,

fueron los integrantes de la Comunidad Shaker, creada en 1840. Liderados por una mujer inglesa,

Ann Lee, los Shaker fueron una de las numerosas sectas utópicas que emigraron al Nuevo Mundo a

finales del siglo XVIII. Creían en un deseo de uniformidad de estilo en todas sus comunidades.

Los pueblos Shaker estaban caracterizados por la extrema simplicidad en sus construcciones,

edificaciones construidas en base a “una arquitectura sin adornos”.



Los Shaker construían muebles y utensilios no sólo

para su uso personal sino también para la venta. Era una forma de vida y de distracción junto con

su alto conocimiento sobre plantas, especialmente medicinales, jardinería, mermeladas y semillas. Impulsados

por sus creencias religiosas, los Shaker buscan la perfección a

través de la austeridad. Por ello, su artesanía adopta las formas sencillas, claras,

atractivas y útiles propias de la obra bien hecha, siendo la armonía de las

proporciones su característica más notable y peculiar. Son

muebles muy funcionales, sin adornos

superfluos. Crearon muebles adaptables con

nuevos “gadgets” como por ejemplo pequeñas ruedas en las patas para

facilitar su desplazamiento.

Se les considera los pioneros en crear muebles minimalistas. Se

puso de moda este tipo de mueble porque engloba la idea americana de comodidad, confort y el control de la silla, tú tienes el control y se

adapta ella a ti. Transmite una sensación de superioridad, a la vez que se crea una

silla única ya que cada uno tiene sus necesidades, la silla se adaptará a cada una de ellas y se

crearan diferentes modelos.



1850 Art and Craft


Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento social y estético surgido en Inglaterra a mediados

del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y

la producción en serie.

Este movimiento artístico tuvo sus bases en las ideas de John Ruskin (1819-1900), el crítico de arte más

influyente de su época, quien pertenecía a la corriente romántica en su concepción de artista como profeta y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento

del gótico y se puso en contra de los efectos de la revolución industrial. Influenciado por el arte gótico,

publico una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se

popularizaron a través de sus libros e influyeron en el movimiento modernista naciente llamado Arts and

Crafts, que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas,

delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves,

peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.

El mayor exponente e impulsador fue William Morris, poeta y diseñador

originario de Gran Bretaña quien se inspiró en la cultura de la edad

media. A través de su obra literaria, teórica y artística intentó la

renovación de la cultura recuperando el espíritu de las artes y oficios medievales. Como

diseñador y artesano, su obra ejercería gran influencia en el diseño de libros, en el arte de la impresión, en las artes visuales y en el diseño

industrial del siglo XIX. Su ideario social, de signo utopista, quedó recogido en escritos teóricos y en

novelas como Noticias de ninguna parte (1890).

1850 Art and Craft


Principios del Art & Craft:

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más

importantes:

1. Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

2. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

3. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

4. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.

5. Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

6. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Diversas asociaciones simpatizantes fueron creadas durante la segunda mitad del siglo XIX. Arthur

Mackmurdo fundó en 1882 la Century Guild (taller de interiorismo), la primera asociación en rebelarse contra los utensilios a la manera gótica. En 1908

crea una especie de reserva para artistas y artesanos labradores que no pudieron resistir la

competencia de las empresas con una producción en serie de gran calidad y menor precio.

1850 Art and Craft


Desde el punto de vista de la acción el Arts &

Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris,

Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company. En 1890

Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de

algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes

editoriales comerciales durante varias décadas.

Este movimiento pronto fue imitado y hasta plasmado en papel como fue el caso de la obra titulada “Consejos sobre el gusto doméstico en

mobiliario, tapicería y otros detalles”, escrita por el arquitecto, también originario de Gran Bretaña,

Charles Eastlake, cuyo libro se transformó en una joya de la historia de la decoración.

Mobiliario

1850 Art and Craft


Decorativo

Papeles tapiz

Joyería

1850 Art and Craft


1860 Craft Revival


Los inicios de esta tendencia, Craft Revival,

comienzan a mediados del sigo XIX con el retorno de la artesanía tradicional, la simplicidad y la

honestidad en los diseños, que busca un trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el

artista y su cliente; tras la industrialización de Gran Bretaña, proveniente del Art and Craft.

A mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el

diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales bajaron su

popularidad, generando productos de baja calidad, malas terminaciones debido a la fabricación

industrializadas de estos.

Grandes expositores del Craft Revival actual son John Makepeace y Wendell Castle, tendencia

que conservan las técnicas artesanales, trabajando la madera, manteniendo todas sus propiedades a través de sus obras como diseñadores y en sus

escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el Craft Revival se abrió paso estilísticamente con el

post modernismo, así algunos diseñadores como Fred Baler (1949) mezclaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos que

son completamente opuestos al “Mobiliario para Buenos Ciudadanos” que defendían William Morris y

Ruskin, grandes expositores del Art and Craft (artes y oficios).

1860 Craft Revival


" Como diseñador, mi papel ahora es comparable a la de un compositor y director de orquesta con instrumentistas de trabajo altamente cualificados para interpretar 'el resultado'”

John Makepeace

Su medio preferido es la maravillosa variedad de bosques que crecen en los bosques y jardines.

Trabaja con artesanos independientes

que han sido miembros del Estudio Pacífico en los

últimos 30 años. Las 3 actividades principales

para las que necesita muebles están sentadas en

la recolección y la protección de las cosas, donde cada uno presenta diferentes aspectos funcionales y estructurales.

Mientras que las maderas más comunes se producen en cantidades comerciales e

industrializadas, su interés para sus trabajos se centra en el uso de los árboles autóctonos de

carácter excepcional.

Su constante búsqueda de conceptos mas elocuentes para sus muebles; sus más libre, más

ligero, más fuerte y más esculturales formas más adecuadas para su función y más expresivo de lo

que es único acerca de cada comisión son sus principales principios para la creación de cada uno de sus diseños y que lo han llevado a ser uno de

los grandes diseñadores de los últimos tiempos.

1860 Craft Revival


Wendell Castle

Escultor, diseñador y educador dedicado al rubro por más de cuatro décadas. Influyente artista de trabajo prolijo y especialmente bello,

desarrollando muebles hecho a mano, de diseño moderno como

una forma de arte más importante. Sus piezas audaces

y elegantes, a menudo orgánicas, están hechas de maderas preciosas y bellas, plásticos,

chapas, metales y con acabados innovadores, presentes en éste, su estilo contemporáneo sin tiempo. Su

expresión de color y materiales exóticos han llevado al reconocimiento de Castle dentro de los artistas.

1860 Craft Revival


1870 Movimientos Estéticos


La característica fundamental del siglo XIX y principios del siglo XX son sus fuertes cambios

anunciados y gestados en el pasado pero que sin embargo se efectuarían en el futuro. Estos cambios se vieron envueltos en todos los ámbitos de la vida y el conocimiento del hombre; revoluciones de todas las índoles tendrían su lugar en ello. La ciencia y la

economía se retroalimentarían, el término " científico" , acuñado en 1833 por William Whewell, sería parte fundamental del lenguaje de la época; la

economía sufriría dos fuertes revoluciones industriales, la primera acaecida entre 1750 y 1840,

y la segunda entre 1880 y 1914. En política las nuevas ideas del anterior siglo sentarían las bases para las revoluciones burguesas, revoluciones que

se explayarían por el mundo mediante el imperialismo y buscarían alianzas con el movimiento obrero al que, para evitar su triunfo le cederían el sufragio universal; el arte demoraría en iniciar el

proceso de vanguardización pero quedaría

cimentado en movimientos como el impresionismo y en arquitectura y diseño el modernismo dentro de

todo sería la principal característica en el desarrollo de objetos y productos que lidiarían por

mucho dentro del área de los estilos y modas acrecentadas dentro de los futuros años de avance

de la industrialización.



REVOLUCION INDUSTRIAL

Es el periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX,

dividido en dos etapas: la primera del año 1750 hasta 1840, y la segunda de 1880 hasta 1914.

Inicialmente Inglaterra y luego el resto de la Europa continental, sufriendo el mayor conjunto de

transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia. La economía establecida en el trabajo manual fue remplazada por otra dominada por

la industria y la manufactura.

La Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el adelanto de los procesos del

hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente

por el nacimiento del ferrocarril.

A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las cuales las

más relevantes fueron:

1. La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los procesos productivos.

2. La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.

3. El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.

4. La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.

5. El surgimiento del proletariado urbano.



1870 Movimientos Estéticos Maquina a vapor

Ferrocarril a vapor

Producción en serie

Barco a vapor

Trabajo industrializado

Tendencias Estéticas

Arts and Crafts

La concepción de este movimiento se vio expresada en Inglaterra aproximadamente en las décadas de

mediados del Siglo XIX. Esta tendencia haciendo honores a su nombre es llamada Artes y Oficios,

defendiendo el diseño y la destreza manual. Siendo uno de los movimientos que renegaban la industrialización

de productos y de la producción en serie de la era victoriana, resultado de la Revolución Industrial.

Exponente más reconocido

Williams Morris

Mobiliario Arquitectura


Exponentes más reconocidos

Modernismo es el término con el que (en España e Hispanoamérica) se designa a una corriente de

renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. En distintos países recibió

diversas denominaciones:

- Art Nouveau (en Bélgica y Francia), - Modern Style (en los países anglosajones), - Sezession (en Austria), - Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), - Nieuwe Kunst (en Países Bajos), - Liberty o Floreale (en Italia).

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los

estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como

los rupturistas (realismo o impresionismo)

Modernismo

Por Víctor Horta Casa Taseel

Interior Casa Taseel

Henry Van de Velde Por Henry Van

de Velde Por Henry Van de Velde

Víctor Horta


http://es.wikipedia.org/wiki/Espa%C3%B1a

http://es.wikipedia.org/wiki/Hispanoam%C3%A9rica

http://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_art%C3%ADstico

http://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_art%C3%ADstico

http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%A9lgica

http://es.wikipedia.org/wiki/Francia

http://es.wikipedia.org/wiki/Pa%C3%ADses_anglosajones

http://es.wikipedia.org/wiki/Secesi%C3%B3n_de_Viena

http://es.wikipedia.org/wiki/Austria

http://es.wikipedia.org/wiki/Alemania

http://es.wikipedia.org/wiki/Pa%C3%ADses_n%C3%B3rdicos

http://es.wikipedia.org/wiki/Nieuwe_Kunst

http://es.wikipedia.org/wiki/Pa%C3%ADses_Bajos

http://es.wikipedia.org/wiki/Italia

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte

http://es.wikipedia.org/wiki/Nuevo

http://es.wikipedia.org/wiki/Joven

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_libre

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_moderno

http://es.wikipedia.org/wiki/Ruptura

http://es.wikipedia.org/wiki/Academicista

http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_historicista

http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_ecl%C3%A9ctica

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_del_realismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo


Sezession

Es el término con el que se conoce a varios movimientos artísticos de finales del siglo XIX,

identificados historiográficamente con el modernismo, y caracterizados por la voluntad rupturista de un grupo

de artistas que pretendían fundar un arte nuevo, moderno y libre, frente a las instituciones oficiales, que

veían como tradicionales y anquilosadas.



Gustav Klimt

No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos

condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su

obra. Los detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a

los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte

desarrollo orgánico.


Jugendstil

Richard Riemerschmid

http://es.wikipedia.org/wiki/Movimientos_art%C3%ADsticos

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_%28arte%29

http://es.wikipedia.org/wiki/Rupturista

http://es.wikipedia.org/wiki/Grupo_de_artistas

http://es.wikipedia.org/wiki/Grupo_de_artistas

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_moderno

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_libre

http://es.wikipedia.org/wiki/Academicismo


Nieuwe Kunst

Es la denominación que la historiografía del arte da al estilo local identificado con el modernismo, Jugendstil o Art Nouveau en los Países Bajos (finales del siglo XIX

y comienzos del siglo XX).

No se aplicó hasta los años 1960, y se restringe su uso para designar al modernismo típicamente holandés,

al que popularmente se da el nombre de Slaolie. La decoración más habitual del Nieuwe Kunst consiste en

el empleo de una figura geométrica en series de bloques, o bien plantas y animales muy estilizados.


Vanguardismo

Se puede reconocer a través de varios movimientos de vanguardia ya sea de representación o

expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores,

en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se

extendieron al resto de los continentes, principalmente América. Surgen diferentes ismos, tales como el

futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, entre otros.

Víctor Horta


Piet Mondrian

Dadaísmo

Expresionismo

Cubismo

Futurismo Fauvismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_%28arte%29

http://es.wikipedia.org/wiki/Pa%C3%ADses_Bajos

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Slaolie&action=edit&redlink=1


1890 Art Nouveau


Muchas fueron las influencias que contribuyeron a

su nacimiento, desde el Neogótico hasta el Exotismo y desde el Historicismo hasta el Simbolismo, pero

se considera relevante el Arts and Crafts, de William Morris, definido también como el primer Art

Nouveau inglés que desarrolló una personalidad claramente precursora.

Es un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos pero

particularmente en las artes decorativas, como reacción contra la industrialización y la tecnología dominantes durante las dos últimas décadas del

siglo XIX y la primera del siglo XX. Desde 1890-1893, se habló por toda Europa de Art

Nouveau que es como se le llamó en Francia, aunque se le denominó Modern Style en Inglaterra. Sezession o estilo secesión en Austria. En Bélgica este movimiento era denominado Coup de Fouet

(latigazo), por la fluidez de las líneas de los diseños. En Alemania y Austria se llamó Jugendstil, por la revista de Munich Jugend. En Francia también se

llamó style Guimard, por el arquitecto Henri Guimard, que diseño en 1899 las verjas

ornamentales de las bocas del metro de parís, aunque también se le aplicó el termino descriptivo

Style Noulle (estilo fideo o tallarín). En España se lo denomino modernismo, y los italianos lo llamaron

Lo Stile floreale, o Lo Liberty, por los almacenes Liberty de la regent Street londinense, celebre en la época por vender tejidos con diseños modernistas.

Características formales

Sus rasgos estilísticos más característicos fueron el

uso obsesivo de líneas sinuosas, ondulantes y flameantes, la ornamentación estilizadamente vegetal

y policromada, y el recurso a efectos decorativos cargados de refinamiento, historicismo y simbolismo.

Las formas vegetales onduladas, llamas, olas en movimiento y cabellos sueltos eran los motivos más

característicos.

Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores

(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo

siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el

cartelismo, la impresión...

1890 Art Nouveau


A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista

ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

Materialidad y aplicaciones

El modernismo se manifiesta en el diseño de

ilustraciones de libros, de tejidos, de cristalería y de muebles. De estos materiales decorativos se pasó al

empleo de la fayenza, los vidrios de colores, la terracota y los chapeados.

En arquitectura, el hierro y el vidrio sencillo eran materiales favoritos, así como las vidrieras de

colores y el estuco. Los ornamentos arquitectónicos y del mueble tal vez son los únicos que siguen una

simetría, impuesta quizá por una armonía estructural. Los arquitectos del Modern Style cubrían los muros en acero y cristal de sus

edificios con una decoración curvilínea, movida, que tomaba como modelo la flora o las cintas

ondulantes; pero, en cuanto a estructura, seguían los principios del funcionamiento formulado por Henry

Van de Velde (1863-1957), Víctor Horta (1861-1947) y Paul Hangar (1861-1901), y que querían romper,

de una vez por todas, con ese estilo

cosmopolita que se utilizaba para la arquitectura civil, un grecorromano recargado y para la

arquitectura religiosa, un neogótico. Se plasmaría especialmente en las construcciones utilitarias (fábricas, almacenes, estaciones, puentes),

sobre todo gracias a la amplia aceptación del nuevo material: el hormigón armado.


1890 Art Nouveau

Casa del Pueblo Mansión Solvay

Víctor Horta


1890 Art Nouveau

Henry van de Velde

Héctor Guimard

Antoni Gaudí

Otto Wagner

Karl-Ernst-Osthaus-Museum

Entradas al metro de París

Casa Batló

Sagrada Familia

Casa Milá


1897 Sezession


Modernismo en España Art Nouveau en Bélgica y Francia

Modernstyle en Inglaterra

Sezession en Australia Jugendstil en Alemania

Liberty o Floreale en Italia

El movimiento más conocido de la secesión es la Sezession de Viena capital de Austria formado en

1897, por un grupo de artistas, que aspiraron al renacimiento de las artes y artesanías optando por

formas más abstractas y puras en los diseños de los edificios, el mobiliario, el vidrio y el metal. Para ello trataron de reunir a los simbolistas, naturalistas y

modernistas de la época.

Movimiento que surgiría como protesta de la generación más joven hacia el arte tradicional de

sus antepasados, una “separación” del pasado hacia el futuro.


1897 Sezession

Gustav Klimt

Joseph Maria Olbrich


1897 Sezession Egon Shiele

Koloman Moser

Alfred Roller

Joseph Hoffmann


1897 Jugendstil


Modernismo en España Art Nouveau en Bélgica y Francia

Modernstyle en Inglaterra Sezession en Australia

Jugendstil en Alemania Liberty o Floreale en Italia

Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan, suben y bajan, mujeres transformadas en pájaros, formas asimétricas, arabescos que parecen volar por las esquinas de una mesa o por las fachadas

de los edificios; todo un mundo de formas exquisitas y bellas, estaba al alcance de una

sociedad en pleno auge. El descubrimiento de las artes decorativas infundía

un respiro de ligereza en la vida de cada día, no solo pretendían reformar el arte sino también

recuperar un estilo de vida mas sencillo y menos condicionado por imperativos comerciales.

Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su

obra.

El maravilloso juego de líneas ornamentales que se lanzaban a hacer ceramistas, cristaleros, ebanistas,

joyeros y artistas, los llevaba a construir obras con una estructura propia más libre, que les permitía

escapar del espíritu racionalista de los diseñadores precursores del Bauhaus.

Objetos de todo tipo que embellecen y facilitan la vida cotidiana, como un vaso o un tapiz, un reloj o un vitral, aparecen como testigos de una época de

grandes cambios y nuevas técnicas en el arte.

El Museo Bellerive de Zúrich consagra una novedosa exhibición dedicada a uno de los estilos

que mejor revelaron el sentir y las preocupaciones artísticas en Europa hacia finales del siglo XlX, el

llamado Jugendstil. La muestra que se lleva a cabo en el Bellerive está concebida a partir de las colecciones que, gracias a

donaciones o ventas, fueron enriqueciendo los acervos del Museo de las Artes Decorativas, hoy

Museo del Diseño de Zúrich.

1897 Jugendstil


En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde

Berlín, y muchas regiones de autonomía cultural, como desde Múnich, Darmstadt, Weimar y Hagen,

adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.


1897 Jugendstil

Richard Riemerschimd

Bruno Paul

Bernhard Pankok


1900 Fordismo


El Fordismo fue un suceso importante ocurrido en Estados Unidos en el siglo XX surgió gracias

a la Revolución Industrial que hizo posible la invención de la maquina a vapor, logrando

trabajar mejor el metal, y producir objetos en serie mejorando eficiencia en la producción y aumentando las ganancias por las ventas en

serie.

El término Fordismo, viene de Henry Ford, un fabricante de automóviles estadounidense, quien

con la producción en cadena logro una combinación y organización general del trabajo

altamente especializada y reglamentada a través de cadenas de montaje, maquinaria especializada,

salarios más elevados y gran número de trabajadores. Modelo de producción que resulta

rentable siempre que el producto pueda venderse a un precio relativamente bajo en relación a los salaros promedio. Estrategia

utilizada posteriormente en forma extensiva en la industria de numerosos países, hasta el año

1970 (cuando fue remplazada por el Toyotismo).

Historia del Fordismo En los tiempos antiguos antes del siglo XX el automóvil era un artículo de lujo, muy caro y solo estaba para el alcance de los ricos, su costo era equivalente al precio de una casa, y su mantenimiento también tenía

precios muy elevados.

Fue en este contexto donde Ford crearía una nueva idea de producción, ve la gran

oportunidad de sobresalir en administración de empresas y cambiar para siempre el mundo

occidental. Piensa que; al bajar los costos del producto aumentarían las ventas y recaudaría

más dinero, pero para esto necesitaría una producción en masa que le ayudara a ahorrar tiempo de producción (horas hombre), Dando paso él junto a 11 inversionistas a la FORD

MOTOR COMPANY en 1903.

1900 Fordismo


El 12 de agosto de 1908, la

fábrica de la Ford Motor Company de la ciudad

norteamericana de Detroit, fundada cinco años antes por el industrial Henry Ford, puso a la venta el primer modelo

Ford T

Causas del Fordismo. 1. La producción de autos con elevados precios 2. El poco alcance de la gente a adquirir un auto.

Objetivos de la producción fordista. 1. Aumentar la productividad. Otorgando mejores

salarios y dejando a los trabajadores en un puesto fijo.

2. Mayor producción en menos tiempo. 3. Incrementar la ganancia por medio de la

reducción del costo de producción.

Rasgos característicos del fordismo. Automatización de los procesos: Se fraccionan las etapas del proceso productivo para que sean lo más simples posible y se puedan ejecutar con la mayor velocidad de forma repetitiva. Economía de escala: El gran volumen de producción permite reducir costos en materias primas, así como vender el producto a menores precios. Salarios fijos: El trabajo se valora en función del tiempo, ya que no hay un factor de calidad o cantidad que pueda venir determinado por el trabajador, éste no puede producir más o menos que lo que marca el ritmo de la cadena de montaje, ni tampoco puede producir un trabajo mejor o peor que otros. En consecuencia, se establece un salario. Estandarización: Es más fácil optimizar la elaboración de un único producto con pocas o ninguna variante.

1900 Fordismo


Cadena móvil del montaje: El producto se va desplazando mediante la cadena por cada fase en la que los operarios realizan las tareas que corresponden. El concepto clave es el de ritmo de producción y viene determinado por la velocidad de la cadena.

Mercado nacional: Se expandió el mercado nacional, la construcción de una clase media capaz de acceder a la compra de los bienes de consumo fabricados.

Sindicalismo de clase: A pesar de que Ford prohibió los sindicatos en sus fábricas, el Fordismo proporcionó en la práctica un gran poder a los trabajadores, por la relativa facilidad para alterar o detener el ritmo de producción con una huelga y sus consecuencias para la empresa.

Crisis del Fordismo Este modelo entra en crisis en los años 70 del siglo XX, debido a que las empresas comienzan

la búsqueda de nuevas soluciones de organización que pudiesen afrontar las variables

de la sociedad por esos días.

El final del sistema de cambio fijo de moneda: Basado en la divisa del oro, se presenta la paridad variable en la economía, lo que introduce un factor de variabilidad en el precio de materias primas. La crisis del petróleo: La crecida del precio del petróleo condiciono el aumento de los costes de productividad.

1900 Fordismo


La internacionalización: El incremento del coste del trabajo aumento gracias a la conflictividad laboral, lo que dio paso a una búsqueda, por parte de las empresas, de mercados laborales menos costosos. Así mismo las empresas fordistas buscaban mercados laborales que no tuvieran relación con su empresa, llevando a la deslocalización y a la subcontratación. La fragmentación de la demanda: La saturación del mercado nacional y la perdida de la capacidad adquisitiva de los trabajadores, llevo a la producción orientada a la exportación hacia mercados no fordistas, es decir a empresas que no producían objetos para la venta.

1900 Fordismo


1900 Vanguardismo


Se manifestó a través de varios movimientos que

desde diferentes planteamientos, abordando la renovación en todos sus sentidos, desplegando

recursos que quiebren o distorsionen los sistemas mas aceptados de representación o expresión artística como el teatro, pintura, literatura, cine,

arquitectura, diseño, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores se produjeron en Europa en

las primeras décadas del siglo XX, desde ahí se extendieron al resto de los continentes,

principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.

La característica primordial del vanguardismo es la LIBERTAD DE EXPRESION, manifestándose alterando la estructura de las obras, abordando

temas tabú y desordenando parámetros creativos. Con una actitud provocadora atacaba todo lo

producido anteriormente que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo se reivindicaba lo

original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

En la pintura ocurría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la

personificación, expresando la agresividad y la violencia, violentando las formas y colores

estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultanea de varias configuraciones de un

objeto.

Surgieron diferentes Ismos, como propuesta contraria a supuestas corrientes envejecidas y

propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Provienen de diferentes

corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores

comunes como: la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad, innovación,

audacia y libertad de la forma, además del carácter experimental y la rapidez con que suceden las

propuestas.

1900 Vanguardismo


Impresionismo

Es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico, de hecho se considera como el punto de

partida del arte contemporáneo. Partió del desacuerdo de temas clásicos y escogieron la

pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana con una representación del mundo espontanea y

directa, para lograr esto se centraron en los efectos que produce la luz en los objetos, eliminando

detalles minuciosos y tan solo surgieron formas.


1900 Vanguardismo

Frédéric Bazille

Gustave Caillebotte


Expresionismo

Un movimiento dominante en el arte alemán desde 1910 hasta 1930 se aplicaba a un arte en que el

autor expresa con el mayor vigor posible su propia visión del mundo, abandonando las ideas

tradicionales del naturalismo, distorsionando y exagerando la forma y color que expresan las emociones del artista, pretendiendo conmover al

espectador para lo cual utiliza la figura y el trazo violento demostrando el ritmo de los sentimientos.


1900 Vanguardismo

Ernst_Ludwig_Kirchner

Erich Heckel

Karl Schmidt


Fauvismo

Movimiento pictórico francés se desarrollo entre 1904 y 1908 aprox. Desarrollado por un grupo de

pintores que creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento

condiciono su forma de pintar. No busca la representación naturalista, sino realzar el valor del color en si mismos. Por ello, rechazaron la paleta

de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para

crear mayor énfasis expresivo.

Exponentes más destacados

1900 Vanguardismo

Henri Matisse Andre Derain

Maurice Vlaminck


Cubismo

Movimiento significativo de la pintura occidental rompe con toda la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de ver la naturaleza,

conmocionando a todo el mundo del arte, el cubismo es un arte creado, un nuevo lenguaje y

estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Es un arte mental no solo en las

formas sino en la concepción de la obra.


1900 Vanguardismo

Pablo Picasso

George Braque

Juan Gris


Dadaísmo

Este movimiento surgió con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico,

antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se

presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda

tradición o esquema anterior.


1900 Vanguardismo

Kurt Schwitters

Tristán Tzara

Marcel Duchamp


Ultraísmo

Movimiento literario nacido en España en 1918, con la declarada intención de enfrentarse al modernismo,

que había dominado la poesía en lengua española desde fines del siglo XIX. La expresión

" trabajos ornamentales" era una clara referencia al modernismo rubendariano, al que los ultraístas

consideraban recargado de adorno y sin sustancia. El ultraísmo coincidía con las otras vanguardias en

eliminar el sentimentalismo.


1900 Vanguardismo

Guillermo de la Torre

Rafael Cansinos Assens


Surrealismo

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la

que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o

figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el

mundo de los sueños.


1900 Vanguardismo

Vladimir Kush

Salvador Dalí

Max Ernst


Estridentismo

El estridentismo movimiento literario poético, nació de la mezcla de varios ismos. Se dio

entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así

como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo antiguo. Su antecedente inmediato fue el futurismo

ruso.


1900 Vanguardismo

Manuel Maples Arce

Diego Rivera

http://es.wikipedia.org/wiki/1922


http://es.wikipedia.org/wiki/Esnobismo


Existencialismo

Movimiento filosófico que postuló fundamentalmente que son los seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Este movimiento generalmente describe la ausencia

de una fuerza trascendental; esto significa que el individuo es libre y, por ende, totalmente

responsable de sus hechos, sin la presencia de una fuerza superior que pudiera determinarle en su

actuar. Esto les atribuye a los humanos el crear una ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él. Esta articulación personal del ser es el único camino

existente para superar, generalmente, a las religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el

fin del individuo.


1900 Vanguardismo

Pascal

Friedrich Nietzsche

Martin Heidegger

Jean Paul Sartre


1907 Werkbund (DWB)


Alemania a fines del siglo XIX quería surgir en el

mercado del diseño industrial que competía con grandes potencias como Inglaterra y Estados

Unidos. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina con una importante teoría. Para

este fin envía a Herman Mathesius como un cazador de estilos, a Inglaterra a estudiar y

aprender sobre el movimiento de Artes y Oficios impulsado por William Morris.

Herman Mathesius fue un arquitecto, escritor y diplomático alemán que criticó el movimiento de

artes y oficios pero que impulsó sus ideas en Alemania al crear junto con Peter Behrens la

Deutscher Werkbund En el año 1903 en Inglaterra conoce y se ve

ampliamente influenciado por William Morris y lleva sus ideas a Alemania fundando en 1907 en Múnich la Werkbund, una asociación mixta de arquitectos,

diseñadores y artistas. Debe tenerse en cuenta que la Werkbund gozó del

privilegio de la polémica, del debate, de las contradicciones. Es más, en los primeros años del

siglo se señalaba que era una " asociación de íntimos enemigos" , en la que convivían artistas

como Henry van de Velde o Bruno Taut, tradicionalistas y artesanos como H. Tessenow y partidarios de la tipificación de la forma, de los

objetos, de la arquitectura, como H. Muthesius, Peter Behrens o Walter Gropius. La

Werkbund también presenció el conflicto entre el expresionismo y el racionalismo, anticipando y

coincidiendo así con la misma Bauhaus.

A pesar de que estaba inspirado principalmente en el movimiento de Morris, se distanciaba al admitir la

utilización de la máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una

encargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en la preservación de la

expresión artística industrial.

La Werkbund fue uno de los establecimientos que impulsó el Racionalismo en la forma, se basó en la producción en serie quitando la ornamentación pero

sin dejar de lado la estética en sus diseños.

1907 Werkbund (DWB)


La Deutscher Werkbund se fundaba en la filosofía

de Gesamkultur; una actitud para mejorar el mundo en función del hombre, el progreso social a través del uso de la máquina, del arte y de la artesanía.

Su principal lema era " Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la

construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. El grupo se dividió en dos partes: una que defendía la estandarización y la tipificación de

los productos (encabezada por Muthesius), la eliminación de todo ornamento, el desprendimiento de la individualidad artística y la forma-función y otra (encabezada por Henry Van de Velde) que

daba lugar a la primacía de la expresión individual.

Peter Behrens intentaba situarse entre los dos extremos pero sus trabajos se inclinaban a seguir a

Mathesius.

La Werkburn trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veía en las páginas de los anuarios de

la Werkburn reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras del

Maffeiwerke de Münich, ferrocarriles eléctricos, buques, reproducciones del avión de Rumper,

puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc. Esto hizo que se empezara a hablar ya de la “forma alemana” que despojaba a los objetos

de los agregados superfluos.

La Werkbund para la arquitectura representó la defensa de la construcción de acero, hormigón y vidrio. Fue clausurado por el nacionalsocialismo, pero sobrevivió hasta nuestros días con varias

transformaciones.

A partir de las ideas de la Werkbund nace la Bauhaus, escuela de artes y oficios de Alemania,

también se extendió prontamente a Suiza donde se fundó la Swiss Werkbund.

1907 Werkbund (DWB)


Caricatura de Karl

Arnold sobre la polémica del congreso del

Werkbund de 1914: Van de Velde propone la silla

individual, Muthesius propone la silla tipo, y el

carpintero hace la silla para sentarse.

1907 Werkbund (DWB)

Deutshe Werkbund

Cartel exposición Werkbund en Colonia

1914

Centenario de la Werkbund

Modelo con 16, Carl Pott, estilo clásico en el año 1935. Werkbund

Bruno Taut. Pabellón del Vidrio. Exposición del Deutscher Werkbund en Colonia, 1914

Teatro exposición Werkbund

Diseño de Peter Behrens


1910 Expresionismo Vanguardismo


El Expresionismo es un flujo artístico que busca la expresión de las emociones y los sentimientos del

autor más que la representación de la realidad objetiva, desarrollado principalmente en Alemania.

Muestra el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. El lado

oculto de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las

grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser

humano. La angustia existencial es el principal generador de su estética.

El objetivo es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través

de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.

No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, un conflicto interior. De aquí que los

personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también

supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

Precedentes del Expresionismo

Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las

convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Si n embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y

Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.



Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista,

limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos

subjetivos, las fantasías y los sueños.

El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el

noruego Munch.

Exponentes mas destacados.

1910 Expresionismo

Edvard Munch

James Ensor

Vanguardismo


Expresionismo en Alemania

En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), manifestantes con una técnica basada en la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, ahincando la plasmación de las angustias interiores del hombre

y sus preocupaciones existenciales.

En el grupo Die Brücke, influido por Múnich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas

comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

En 1911 Se formo en Múnich el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), recibió un importante aporte internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros.

Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a

Gabriel Münter entre otros.

El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el

cómo de la representación que el qué.

Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio

espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo

observa determinados sentimientos.

La Primera Guerra Mundial destruye las agrupaciones, pero el Expresionismo no se extingue,

al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor

provocado.

El austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la expresión a través

de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo puramente figurativo y anecdótico

para expresar contenidos interiores a través de sus composiciones.

En Francia, Georges Henri Rouault (1871-1958) es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo

al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la concepción.

A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán del nombre en lo que se ha conocido como el

Expresionismo Abstracto.



Expresionismo Abstracto.

Su principal representante es Jackson Pollock, quien recogió toda la tradición vanguardista europea y la combino con un cierto espíritu americano, creando un mundo pictórico nuevo, donde lo importante es

el acto de pintar. Sienta los principios de una nueva forma de entender la pintura.

Introdujo materiales que nunca hasta entonces habían sido considerados como propios del lenguaje pictórico: pasta espesa con arena, vidrios molidos….

La materia pasa a ser por si misma un elemento sustancial de la obra pictórica. Con Pollock concluye

un proceso en el que el lenguaje pictórico de la abstracción se desvincula totalmente del objeto real.

Características artísticas

Emplea la abstracción de forma absoluta. Pintura instintiva. Las obras carecen de un plan prestablecido en las que no parece haber ni principio ni fin.

Emplea la técnica del Driping, ya utilizado por los indios del Oeste americano, que consta en derramar, dejar gotear, o lanzar pintura sobre el lienzo sin tensar para que formara las más sorprendentes configuraciones.


1910 Expresionismo

Oskar

Kokoschka

Ernst_Ludwig_Kirchner

Vanguardismo


1914 Constructivismo


El constructivismo nace en Rusia imbuido en las

ideas de la revolución que, en nombre del proletariado, habían llevado a cabo. Este proceso se

salda con una profunda crisis social y económica como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial

y la propia revolución Rusa, cerrándose de esta manera una era de la historia y se abre una época

para la humanidad. Aunque la revolución plástica había precedido a la revolución política. El

rayonismo y el simultaneísmo se desarrollaron antes de 1918, abriendo el camino del constructivismo.

La Revolución Soviética buscó nuevas formas de expresión relacionadas con la aspiración de

suplantar el sistema capitalista por esquemas más democráticos de producción y distribución de

bienes. Con esta finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky

promovieron una estética y una aproximación al diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la

producción industrial y decía adiós al ornamento complaciente.

El término constructivismo aparece por primera vez en 1920 en el Manifesto realista de Gabo Diem y

Pevsner. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro “Constructivism”, impreso en 1922. Aplicó el constructivismo a su trabajo, mientras que

su abstracción geométrica se debió, en parte, al suprematismo de Kasimir Malevich.

A partir de entonces se dividen en dos tendencias: Una liderada por Tatlín y Rodchenko, la cual tiene un carácter utilitario. En 1921 lideraron, junto a 25 artistas, la renuncia al “arte por el arte” e hicieron

un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles, para dedicarse al diseño

industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad

comunista.

La segunda visión del constructivismo es simplemente estética y defiende la libertad de

creación. Esta llegó a Europa en 1921 y 1922 y estuvo representada por Kandisky, Malevich, Gabo y

Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte.


http://www.portaldearte.cl/terminos/estetica.htm


Características del movimiento

Del mismo modo que los futuristas, los constructivistas rusos se fijaban como meta una

“reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la

escenografía.

A partir de los años veinte, el arte en Rusia se convierte en una edificación, en un producto más. El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se

realice siguiendo métodos análogos.

Sus composiciones son construidas matemáticamente.

Los motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista.

La valoración del espacio y el componente espacio/tiempo eran fundamentales.

La inspiración estaba basada en la producción técnica desde un punto de vista estético.

Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.

Utilizaban colores como el naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (generalmente siempre en los mismos tonos, tanto en afiches como en objetos).

Las obras aludían a elementos modernos que simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y las formas pesadas.



Kasimir Malevich



Vladimir Tatlin

Alexander Rodchenko

Wassily Kandinsky

Naum Gabo


1915 Ready Made


El Ready Made (“ya hecho”) expresión que se

impuso en 1915 por Marcel Duchamp en nueva York, se logra definir como un arte o práctica

artística donde se crea una obra la que es realizada a partir del uso de los objetos cotidianos que

carecen de valor artísticos en sí mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual

toma otro sentido del arte. Es así como transforman este objeto cotidiano en una obra de arte casi inmediatamente, este objeto se modifica

pero no al extremo donde llegue a ser irreconocible pudiendo así clasificar al objeto encontrado como

modificado, interpretado o adaptado.

Los Ready-Mades nunca habrían existido de no ser por el movimiento dadaísta. Es un movimiento

antiartístico que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía

Dentro de este movimiento uno de sus exponente fue Marcel Duchamp (28 julio 1887- 2

octubre 1968), artista y ajedrecista francés quien en 1915 impuso la expresión de Ready-Made.

Según Duchamp, el Ready-Made es una manifestación perfecta del no-arte indiferente

visualmente y con una ausencia total del buen o mal gusto, para Duchamp lo importante al crear una

obra de arte es el gusto de quien la observa, no tanto si es bueno o malo ya que siempre habrá quienes encuentren buena a mala una obra, lo

importante es que le genere interés, gusto por verla lo que posteriormente determinará la calificación de

buena o mala dependiendo de la opinión de la mayoría de los observadores.

La obra de Duchamp ejerció una importante influencia en la evolución del movimiento Pop Art,

Surrealismo y Dadaísmo. En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre una banqueta de cocina, fue uno de los primeros ejemplos de arte cinético. Luego en 1915 presenta

un urinario de loza puesto al revés titulado Fontane.

1915 Ready Made


Obras de Marcel Duchamp

1915 Ready Made


1917 Neoplasticismo


Constituido en Leinden, Holanda el De Stijl fue un

movimiento integrador de las distintas artes que buscan una total renovación estética del entorno

humano basada en valores plásticos nuevos universales y más puros. Fue la sencillez del estilo

lo que dio el nombre a la revista “de Stijl” (El estilo).

Las bases teóricas de esta nueva estética fueron formuladas por Mondrian, lo que posteriormente fue

llamado neoplasticismo. Decretó dentro de la conceptualización, un arte objetivo, es decir,

revelador en la estructura interna de la realidad sensible, capaz de establecerse como un lenguaje

plástico, de validez universal.

El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en una frase de uno de sus

creadores, Doesburg, quien dijo: " Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el

estilo” en 1917 Teo Van Doesburg junto a Piet Mondrian fundaron la revista “De Stijl” principal difusor del movimiento en cuyo primer artículo salió publicado

el manifiesto neoplasticiano defendiendo la abstracción y la simplificación.


La intención del Neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la

naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una

regularidad absoluta.

Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.

Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).

Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

Planteamiento totalmente racionalista.

1917 Neoplasticismo


Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.

Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.

Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises).

Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.

Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.


1917 Neoplasticismo

Piet Mondrian

Theo Van Doesburg


1917 Neoplasticismo

Bart van der Leck

Vilmos Huszár

Georges Vantongerloo


1919 Bauhaus


El origen de la Bauhaus se

remonta años antes de su creación (antes de la Primera Guerra

Mundial), cuando desempeñando Henry Van de Velde el cargo de director de la Escuela Ducal de

Artesanía y de la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas, ambas en Sajonia,

dejo como sucesor, a Walter Gropius, el cual, consiguió plenos poderes para

reorganizar las dos escuelas.

Bauhaus fue fundada en 1919 en Weimar, Alemania, Se desata la concepción de esta escuela por la fusión llevada a cabo por Walter Gropius, de la

Escuela Ducal de Artesanía y de la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas.

Bauhaus se basó en los principios de William Morris y en el movimiento Arts & Crafts. En la escuela se

buscaba la colaboración tanto de los profesores como de los alumnos para la proyección de

trabajos de diseño.

Entonces Bauhaus se basó en la experimentación, en que el artista y el arquitecto deben ser también

artesanos.

En 1928 Walter Gropius abandona la escuela y asume como director Hannes Meyer. Junto con él se implementa una

nueva organización de la escuela, compuesta por 4 departamentos

principales:

Arquitectura Publicidad Acabado (producción de madera y metal) Tejidos

Dos años mas tarde de la dirección de Hannes Meyer, asume la

responsabilidad Ludwig Mies van der Rohe, quien era el director de la

escuela de arquitectura.

1919 Bauhaus

http://carocostas.wordpress.com/2008/06/11/william-morris/

http://carocostas.wordpress.com/2008/06/11/william-morris/

http://carocostas.wordpress.com/2008/06/11/arts-and-crafts/


Bauhaus en Weimar 1919

Bauhaus en Dessau 1925, cambio de cuidad por problemas políticos.

Bauhaus en Berlín 1932, donde en 1933 se produce el cierre de la escuela por

el régimen nazi, produciendo un éxodo de

los diseñadores que trabajaban en ella, surgiendo nuevas escuelas en distintos lugares del mundo (La New Bauhaus).


1919 Bauhaus

Walter Gropius

Henry van de Velde


l

l

l

l

l

1919 Bauhaus

Marcel Breuer

Wassily Kandinsky

Paul Klee


1920 International Style


El Estilo Internacional fue un estilo más que nada

arquitectónico. Donde se produjo la formación de la arquitectura moderna surgiendo entre los años

1920 a 1930 fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles

Edouard Jeanneret, Peter Behrens.

Los autores identificaron tres principios:

La expresión del volumen en lugar de masa. El énfasis en el equilibrio y no de la simetría preconcebida.

La expulsión de la ornamentación aplicada.

Este movimiento comenzó en primer lugar por la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos que estaban en boga a finales del siglo XIX, pues se basaban en características y elementos de diversos estilos y periodos, sin obedecer la relación entre forma y utilidad de las edificaciones.


Además de la aparición acelerada de la industrialización, que comenzó a crear necesidad de nuevos tipos de edificaciones; por ejemplo: edificios

de oficinas, bloques de apartamentos, nuevas fábricas más espaciosas.

Como otro factor de importancia podemos nombrar los enormes avances técnicos de la ciencia de los

materiales y la construcción, permitiendo la invención del hormigón armado y avances en

aleaciones de acero.


Ludwig Mies van der Rohe


Walter Gropius

Charles Edouard Jeanneret – Le Corbusier

Peter Behrens



1920 Surrealismo Vanguardismo


¿Cómo puedo ser libre?

Es la gran pregunta que se hace este movimiento, muchas obras de arte son metáforas de libertad,

nos muestran el libre juego de la mente y los sentidos y son modelos de elección. Tomó del

Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazo su carácter negativo y destructivo, en

cambio el surrealismo aspiraba a ser el instrumento de libertad, quería ser como los revolucionarios y evangelizadores que prometen la salvación por un acto de fe. Por lo tanto, había algo más en el que simplemente una parodia solemne de las amenazas

revolucionarias tenía algo en común con una religión, tenía dogmas y rituales, tenia mártires y

santos, tenia un círculo de fieles y un papa.

Por esos días en París, cuna del surrealismo, vivía un joven estudiante de medicina convertido en

poeta su nombre era André Bretón y en los años 20 se transformo en una de las grandes

fascinaciones del arte moderno, inspiraba una

devoción fiel, en buena parte por que era muy inventivo, muy perceptivo y muy moral, actitudes no muy corrientes en los círculos culturales de Francia

o de cualquier otro sitio.

El sueño era el instrumento. El inconsciente nos habla en los sueños, la mente soñadora era la

verdad sin legislar y también era la neurosis la forma permanente y voluntaria de los sueños. En esto Bretón y su circulo formaban parte del gran movimiento intelectual cuyo motor era la obra de

Sigmund Freud, pero realmente no eran freudianos y no hay pruebas de que Freud los tomara en

serio, como tampoco de que Stalin llegara a tener noticias de los masoquistas esfuerzos de los

surrealistas para ponerse al servicio del comunismo en los años 30. Bretón era un jefe de clan natural

y pronto adquirió la devoción de un grupo amablemente caricaturizado por Max Ernst en

1922.



Se distinguen dos modos de hacer arte surrealista:

1. Una que defendía el automatismo, aquí las ideas y las asociaciones de imágenes surgen de manera rápida, espontanea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Se encontraban en boga los surrealistas abstractos como Joan Miró y André Masson, quienes creaban universos figurativos propios.

2. La otra forma de surrealismo era en donde creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de valido. Donde los surrealistas figurativos como Salvador Dalí, Rene Magritte, Paul Delvaux, Estefano Viu o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico.

Técnicas y métodos

La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos, tomadas del Dadaísmo.

El collage y el ensamblaje de objetos incongruentes.

El forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra papel o lienzo).

Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).

Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).

Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.



Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.

Decalcomanía (técnica pictórica, consiste en aplicar acuarela opaca negra sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, despegándolas antes de que se seque).

Grattage (técnica que consiste en raspar los pigmentos de pintura ya secos sobre la superficie de madera o lienzo).

Imágenes de la pintura surrealista Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Animación de lo inanimado. Aislamiento de fragmentos anatómicos. Elementos incongruentes. Metamorfosis

Máquinas fantásticas Relaciones entre desnudos y maquinaria. Evocación de caos. Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.

Realidades oníricas. Universos figurativos propios.


1920 Surrealismo

André Bretón

Vanguardismo


1920 Surrealismo

Joan Miró

Automatismo Surrealista

André Masson

Surrealismo Figurativo

Salvador Dalí

Rene Magritte

Vanguardismo


1925 Art Decó


El período llamado Art Decó se manifestó entre las

dos guerras mundiales, entre 1920 y 1939. Teniendo periodos diferentes correspondientes a

dos líneas estéticas de estilos; una es el ZigZag y la otra llamada Stream Line.

Este movimiento surge en la exposición

Internacional de las Artes Decorativas, Realizada en París en 1925. Conocido en general como un

movimiento artístico decorativo o diseño ilustrativo. Se utilizo principalmente en mobiliario, joyería,

vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y

sofisticación. El Art Decó se inspira en las corrientes artísticas

de principio del siglo XX, por ejemplo: el constructivismo, cubismo, futurismo, el racionalismo

de la Bauhaus y del propio Art Nouveau del que evoluciona.

En los años 20 se vivió una modernización en la sociedad; la igualdad de sexos, la emancipación de la mujer, sombreros encasquetados, hombreras en vestidos cortos, etc; alcanzando así una expresión

de mujer dinámica que al igual que el hombre despeña un nuevo papel en esta renovada sociedad.

El cambio también se avoco al estilo de esa época siendo característico en el Art Decó el uso de líneas rectas, con diferentes combinaciones, el

chapado, las curvas aparecen con frecuencia, se utilizan las líneas en sentido geométrico; el

hexágono y el octágono son las figuras geométricas mas utilizadas.

Aparecen nuevos materiales en la decoración del mobiliario y sorprendentes combinaciones; por

ejemplo: el cromo, la baquelita, resinas sintéticas y moldeables, plásticos utilizados de múltiples maneras,

en el chapeado de muebles se utilizan exóticas maderas, además de conchas de tortuga, pieles de serpientes, de tiburón o del pez espada. Productos enfocados para el consumo de la alta sociedad, sin

embargo, la población de clase media desea consumir estos objetos de diseño exclusivo, los talleres y la industrias empiezan a producir en masa, productos copiados e inspirados en los

originales que solo se vendían en grandes almacenes y boutiques, estos tiempos de consumo

provoca que el comercio sea decorado atractivamente para atraer la atención del

consumidor, la publicidad es una nueva ciencia donde el cartel toma gran importancia.

1925 Art Decó


El Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués, que a pesar

del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara

identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución

Industrial.


1925 Art Decó

Paul Poiret Louis Majorelle

André Groult


1925 Art Decó

Pierre Chareau

Jacques Émile Ruhlmann

Tamara de Lempicka


Dentro del Art Decó existen dos líneas estéticas:

1. El ZigZag

Mayormente desarrollado en Europa en la primera etapa entre 1920 a 1930. Se basó más en las

referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos. Egipto,

Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca. Resalta en su decoración los triángulos

encadenados, superpuestos, líneas y composiciones geométricas en movimiento.


1925 Art Decó

Claude Beelman

Donald Parkinson


2. El Stream Line Tuvo su origen en Estado Unidos, en la década de 1930 a 1940. El factor desencadenante fue la depresión económica de 1929. Todo empezó con los nuevos aviones de línea aerodinámica,

las locomotoras y los automóviles. El Lockheed Orion de 1930 se diferenciaba con

claridad de los pesados aviones de chapa ondulada, donde tuvo su apogeo en 1937,

representa la recuperación económica después del “crack” bursátil del 29.

Los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, horizontales y

abstractas.


1925 Art Decó

Raymond Loewy

Henry Hohauser

Lawrence Murray Dixon


1928 DYMAXION Richard Buckminster Fuller


Nació el 12 de julio 1895 en Massachusetts,

Estados Unidos y fallece el 1 de julio 1983 en Los Ángeles, California.

Sus años de formación coinciden con una época de gran innovación tecnológica y de expansión

industrial. Durante su juventud se instruyo sobre diseño analizando los barcos veleros y su

estructura, su pensamiento esta con la máxima utilidad con un mínimo de materiales, que queda

como la esencia de los trabajos de Fuller a lo largo de su vida.

De 1913 a 1915 estudia matemáticas en la Universidad de Harvard siendo expulsado dos veces de la institución, al no poder con la mente creativa

de Fuller.

En 1917 interrumpe su cotidianidad para enlistarse en la armada en la Primera Guerra Mundial.

Experiencia que contribuiría positivamente en su formación fortaleciendo sus conocimientos

marítimos, matemáticos y logísticos, y empezando a formar su “concepción teórica”.

Sin una educación formal en diseño, su acercamiento a este campo vino por medio del matrimonio, cuando se casa con una estudiante

de arte e hija del arquitecto James Monroe Hewlett.

Durante esos años muere su primera hija, hecho que Fuller atribuye a las condiciones poco salubres

que caracterizaban la vivienda de esa época. A consecuencia de esto, empieza a trabajar en el campo de la construcción, con la ambición de mejorar la calidad de la vivienda en general.



Su primer paso en dirección al diseño fue publicar dos ensayos, en los cuales presentó su filosofía de diseño al cual definía como, " Desarrollar soluciones

para satisfacer necesidades reales de la humanidad”, e incluyó unos esquemas para vivienda

industrializada que denominó Casa 4D.

Al igual que Le Corbusier, Fuller concibe la vivienda como una " máquina para vivir" , pero Fuller va

más allá y la define como “un sistema para satisfacer las necesidades humanas de protección

contra los elementos, privacidad e higiene”. En los mencionados ensayos, Fuller propone un

diseño específico para vivienda industrializada: una torre con las áreas habitacionales suspendidas de

un mástil central. La razón por la cual propone suspender los pisos es para lograr una estructura más ligera y fácilmente transportable de la fábrica

al sitio de elección. La planta de los pisos en la Torre 4D era hexagonal y todos los servicios

estaban incorporados al mástil.

En la selección de materiales Fuller demostró su gran capacidad para innovar con respecto a los

materiales que implementó:

Aluminio en el mástil. Plástico en ventanas Losetas inflables de hule para los pisos.

Con respecto a las estructuras; deseaba la utilización de ensambles en fábricas para el transporte completo

de las unidades a cualquier parte del mundo por dirigible. El concepto de transportar las unidades por

dirigible era una extensión de su interés en artefactos aéreos. En 1927 Fuller ya anticipaba cómo, en un

futuro próximo, las aeronaves facilitarían el transporte a cualquier punto del planeta, sin necesidad de

transbordos. Fuller estaba logrando su propósito de hacer de la

vivienda una máquina para vivir asequible a la población de su país, por lo que ofrece ceder las

patentes que tiene sobre la vivienda 4D al Colegio de Arquitectos de Estados Unidos para su mayor

difusión, pero la directiva del Colegio no sólo rechaza el ofrecimiento sino además pasa una resolución

estipulando que está en contra de cualquier diseño reproducible.



Fuller no se desanima y desarrolla la versión de

vivienda unifamiliar del edificio4D, a la que denomina la casa Dymaxion.

Aunque ninguno de sus diseños para vivienda pasa de la etapa de anteproyecto, el baño unitario de

plástico moldeado provoca el interés de la industria de sanitarios. En 1940 desarrolla un prototipo que incluye una regadera de agua atomizada e inodoro

seco. A pesar de que varias compañías habían apoyado las investigaciones del baño integral, ninguna se aventuró a lanzarlo al mercado. En 1940, se le da la oportunidad de realizar este concepto de vivienda.

El diseño fue bautizado Unidad Dymaxion Desplegable, pues el concepto era producir albergues

transportables. La producción llegó a ser de mil unidades por día, pero en la Segunda Guerra Mundial

la producción se limitó por la escasez de materia prima, sin embargo, estas unidades encontraron

múltiples usos durante la guerra.

Dinámica + máxima tensión

El concepto Dymaxion es una contracción de las palabras dinámica y máxima tensión en ingles,

acuñada en 1928. Fuller se entusiasmó con la palabra y la empleó para muchas de sus invenciones en las

siguientes décadas, como la casa Dymaxion, el coche Dymaxion y el mapa Dymaxion, pues refleja su

filosofía de diseño.

Auto Dymaxion

En concepto y diseño este automóvil era muy diferente a otros de la época. La primera versión fue

construida en 1934, el vehículo era totalmente aerodinámico. El sistema estructural, materiales y

modo de fabricación también simulaban los

de un avión de la época, el motor

estaba montado en la parte posterior con

tracción delantera. El coche tenía solamente tres ruedas. Esto le brindaba

un alto grado de maniobrabilidad.


http://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Dymaxion

http://es.wikipedia.org/wiki/Coche_Dymaxion

http://es.wikipedia.org/wiki/Coche_Dymaxion

http://es.wikipedia.org/wiki/Mapa_Dymaxion


Casa Dymaxion

Aproximadamente en 1944, Fuller se puso a trabajar con

la compañía Beech Aircraft Corporation en Wichita, Kansas.

Ahí diseña y construye un prototipo de vivienda que fue

denominado la casa Wichita. Este prototipo representa la maduración de los conceptos para

vivienda industrializada que Fuller había trabajado por casi dos décadas.

La casa Wichita era de forma circular y la estructura íntegra estaba suspendida de un mástil central, esta vez la vivienda estaba próxima al terreno y

anclada al mismo.

Los avances en metalurgia y plásticos permitieron que la

estructura fuera más fuerte y liviana que los diseños anteriores.

Mapa Dymaxion

En el ámbito universitario Fuller enfoca sus energías en la investigación de la geometría

estructural. El estudio de volúmenes lo lleva al tetraedro, el cual es la estructura más estable y más resistente a la compresión. Combinando 20

tetraedros se forma un icosaedro, el cual se aproxima a la esfera. Este tipo de estructuras

presenta la mejor relación entre volumen, contenido y resistencia, puesto que las fuerzas se reparten de manera pareja por toda la estructura. Fuller llamó a

este tipo de estructuras: estructuras geodésicas. Las estructuras geodésicas son un ejemplo por

excelencia de la máxima eficiencia en uso de materiales: la esencia de la filosofía de diseño de

Buckminster.



Mapa mundial aire océano Dymaxion

El mapa que usa como base para presentar la distribución de factores alrededor del mundo es otra innovación. Se trata de una proyección de la esfera

terrestre sobre un icosaedro, lo cual minimiza la distorsión al aplanar el globo terrestre, por lo que la

representación de las masas terrestres es más exacta.

En 1956 Fuller diseña el Pabellón de los Estados Unidos para una exhibición industrial en Kabul,

Afganistán. La estructura era un domo de 30 m de diámetro, construido con tubos de metal y lona. El

domo fue diseñado y fabricado en un plazo de seis semanas, las partes transportadas en avión y fue

erigido por trabajadores locales en 48 horas.

Paradójicamente, la estética (cualidad menospreciada por Fuller en su filosofía de diseño)

contribuyo al éxito de las estructuras geodésicas. La calidad estética de las estructuras, es decir sus proporciones, simetría, textura, ligereza y volumen, no son el resultado del genio o capricho artístico del diseñador. Estas cualidades fluyen de la base

matemática que las conforma y los materiales utilizados.



Las características intrínsecas de las estructuras geodésicas en especial su economía, ausencia de

soportes internos, erección en corto plazo por mano de obra no especializada, ligereza y fácil

transportación, así como calidad estética, generan demanda para este tipo de estructuras en el ámbito

civil.

Estilos influenciados por Richard Fuller

Las influencias llegaron a diferentes estilos de diseño, tal como el High-Tech, que surgió en la

arquitectura de los setenta inspirada en el formalismo geométrico del movimiento moderno y

el diseño radical de Fuller. También fue un defensor más del eco-diseño, ya que en los años

veinte promovió una “ciencia del diseño” basada en la idea de ofrecer pureza estética gracias al

pensamiento; “lo máximo, con lo mínimo”.

Richard Fuller

“La función del diseñador es encontrar soluciones a necesidades humanas, soluciones que puedan servir

a la mayor parte de la humanidad posible”.

" El diseño debe resolver, no imponer”.



1930 Diseño Orgánico


Es un movimiento del diseño que en su primera

fase se desarrolló entre 1930 y 1960, y luego desde los años ‘90 al presente.

El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizado del diseño. En ese enfoque orgánico

fue crucial la manera en que los elementos, como objetos o muebles, conectaban visual y

funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio. También era importante cómo los interiores se integraban con la totalidad del esquema y cómo

el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones, los

materiales y el color. Donde las curvas suaves y sinuosas se opusieron al rígido formalismo

geométrico del estilo internacional. Uno de sus principales exponentes Alvar Aalto,

le preocupaban las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los

usuarios individuales. Sus ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando el rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico

moderno: de este modo, diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames crearon sillas, muebles

realmente revolucionarios, no sólo por la tecnología de punta que utilizaron en la estructura,

sino también por el concepto de contacto y soportes continuos, promovido mediante las formas

orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento.

A principios de los años noventa, impulsado por un mejor conocimiento de la ergonomía, la

antropometría, los avances en el diseño y la creación por computación, el diseño orgánico

emergió con más fuerza que nunca. Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda

su potencia cuando su sensual y emocional vocabulario formal conecta con el usuario de

manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato de la belleza natural.





Alvar Aalto

Ray Esmes

Eero Saarinen

Arne Jacobsen



Ross Lovegrove Frank Lloyd Wright


1930 StreamLine Modern


Movimiento también nombrado como Styling, fue una variación del estilo de diseño Art Deco, que surgió durante la década de 1930, que tuvo sus

inicios en el contexto histórico del período la crisis económica que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de

la década de 1920 Poseía un estilo arquitectónico, que fue el primer

estilo en incorporar luz eléctrica en las estructuras. El cual se enfatizaba en formas curvas, largas y

suaves líneas horizontales y la presencia de elementos y formas náuticas.

Si bien era considerado un gran estilo de arquitectura, también era un estilo importante en el diseño industrial, ya que fue aplicado a las formas de muchos productos de la época, por su lenguaje

conceptual claro y preciso. Con el objetivo de captar interés en los

consumidores y compradores, se apeló a un cambio en la estética y forma del estilo predominante en el

área de la arquitectura y el diseño industrial de aquella época.

Se propuso un cambio de formas que fuera acorde al nuevo mundo que estaba surgiendo en ese

entonces.

Este nuevo enfoque tuvo la influencia del futurismo, el cual glorificaba los conceptos relacionados con

velocidad y además estaba basado en investigaciones técnicas y científicas, orientadas a

lograr superficies y formas que ofrecieran una menor resistencia al avance para aplicaciones

ingenieriles.

En el área del diseño industrial se popularizó gracias a diseñadores como Norman Bel Gedes. El estilo se extendió tanto en los Estados Unidos que

ha llegado a ser considerado como sinónimo de diseño industrial estadounidense de las décadas de

1930 y 1940.



En la Arquitectura

Un ejemplo claro es el vestíbulo del Strand Palace Hotel (1930), salvado de la demolición del Victoria and

Albert Museum en 1969, marcó uno de los primeros usos de la luz interior del

vidrio arquitectónico, y casualmente fue el primer interior de estilo aerodinámico que se conserva en

un museo. A pesar de que el estilo se usó principalemnte en edificios comerciales, existen

algunas viviendas de este estilo. La Casa de Lydecker en Los

Ángeles, construida por Howard Lydecker, es un ejemplo de

diseño aerodinámico en arquitectura habitacional.

En el Diseño Industrial El Streamline se aplica a aparatos como relojes

eléctricos, maquinas de coser, pequeños receptores de radio y aspiradoras. Sus procesos de fabricación son mayormente desarrollados por materiales como

el aluminio y baquelita (primera sustancia plástica totalmente sintética).

En comparación con Europa en 1930, en EEUU había un mayor enfoque en el diseño como un

medio para aumentar las ventas de productos de consumo. La racionalización y un futuro

prometedor.

Esta esperanza resonó con la clase media norteamericana, el principal mercado para los

productos de consumo. Una amplia variedad de productos, desde neveras hasta sacapuntas,


http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Strand_Palace_Hotel&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Strand_Palace_Hotel&action=edit&redlink=1



Orientación horizontal. Bordes redondeados, ventanas esquineras y ladrillos de vidrio.

Ladrillo de vidrio. Ventanas ojo de buey. Uso de hierro cromado. Paredes de superficie lisa, generalmente estuco. Azoteas lisas con remate. Ondas o rectas horizontales en las paredes. Colores suaves y apagados: predominio de pinturas color tierra, blanco opaco y beige como base, y colores brillantes u oscuros en las molduras para contrastar.



Raymond Loewy

Norman Bel Geddes


1930 Swedish Modern


Suecia 1930

En la década de los 30, predominaba en EEUU formas y diseños estilizados paralelamente con el

estilo Art Decó, los que se propagaron a gran parte del mundo. Las tendencias en los países

escandinavos, lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los 40

y los 50, el apogeo de un estilo bastante distinto: Swedish Modern.

En 1930, la pintura, el diseño grafico y la arquitectura moderna entraron al país con la

corriente del funcionalismo y desde entonces las obras de pintores, diseñadores y arquitectos suecos han ganado una buena reputación. Sin embargo, su arte tradicional aun se conserva, siendo su mejor

ejemplo las artesanías fabricadas en las zonas rurales y comercializadas en las ciudades e incluso exportadas a otras partes del continente. Algunas

de las más populares incluyen las estufas de cerámica, obras hechas de vidrio y con tallas en

madera.

Estilo que promulgaba la minoracion de material, como material popular se dio el apogeo del plástico,

material que permitía gama de colores y formas, dando a luz objetos que oscilaban entre la función

y la diversión. Dentro de algunos años se le dio utilización, por ciertos diseñadores, a la fibra de

vidrio, material de gran diversidad formal, también se utilizaba la espuma de poliuretano.

Estilo predomínate de formas onduladas, alargadas y orgánicas, con un parecido exuberante al diseño orgánico, gracias al uso del material similar, de

hecho algunos de los más destacados diseñadores del diseño orgánico pueden verse además como

diseñadores del estilo Swedish Modern.


1930 Swedish Modern

Eero Saarinen


1930 Swedish Modern

Alvar Aalto

Eero Aarnio

Bruno Mathsson

Verner Panton


1930 Kitsch


Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto

estético empobrecido con mala manufactura, significando más la identificación

del consumidor con un nuevo estatus social y menos con una respuesta estética genuina. El sacrificio de una vida estética convertida en

pantomima, usualmente, con el interés de señalar un estatus social.

Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de formas y

productos característicos de la alta cultura moderna, ya socialmente aceptados y estéticamente

consumidos.

Tal vez un ejemplo clásico de ello es la arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el

área de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió un gran desarrollo económico debido a la agricultura

y el éxito de la industria cinematográfica de Hollywood, lo que creó una

generación de gente emigrada de Europa recién adinerada que intentaron recrear el estilo de los

nobles europeos.

Esto dio pie a la creación de mansiones en las que se mezclaban caóticamente estilos como

el barroco, florentino, gótico y el rústico. Este estilo fue llamado Californiano; en la decoración se crearon piezas estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros

de altura, falsos escudos nobiliarios, tapetes de oso, espejos gigantescos con marcos de falsa madera

tallada estofada realizados en plástico o cuadros idílicos de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos que eran trasladados piedra por piedra a los Estados Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.

La palabra se popularizó en los años 1930 por los

teóricos Clement Greenberg, Hermann Broch, y Theodor Adorno, que intentaban definir lo avant-

garde y el kitsch como opuestos. En aquella época, el mundo del arte percibía la

popularidad del kitsch como un peligro para la cultura.

1930 Kitsch

http://es.wikipedia.org/wiki/Consumidor

http://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica

http://es.wikipedia.org/wiki/Los_%C3%81ngeles

http://es.wikipedia.org/wiki/California

http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XX

http://es.wikipedia.org/wiki/Industria_cinematogr%C3%A1fica

http://es.wikipedia.org/wiki/Industria_cinematogr%C3%A1fica

http://es.wikipedia.org/wiki/Hollywood

http://es.wikipedia.org/wiki/Europa

http://es.wikipedia.org/wiki/Barroco

http://es.wikipedia.org/wiki/Florentino

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico

http://es.wikipedia.org/wiki/R%C3%BAstico

http://es.wikipedia.org/wiki/Californiano

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Estofada&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1930

http://es.wikipedia.org/wiki/Clement_Greenberg

http://es.wikipedia.org/wiki/Hermann_Broch

http://es.wikipedia.org/wiki/Theodor_Adorno


Los argumentos de los tres teóricos confiaban en una definición implícita del kitsch como una falsa

consciencia, un término marxista que significa una actitud mental presente dentro de las estructuras del capitalismo, que está equivocada en cuanto a

sus propios deseos y necesidades. Los marxistas suponen que entonces existe una

separación entre la situación verdadera y su fenomenología.

Theodor Adorno percibía esto en términos de lo que él llamaba la industria cultural, donde el arte es

controlado y planeado por las necesidades del mercado y es dado a un pueblo pasivo que lo

acepta. Lo que es comercializado es un arte que no cambia y que es formalmente incoherente, pero que sirve para dar a la audiencia ocio y algo que mirar.

El arte - para Adorno - debe ser subjetivo, cambiante y orientado contra la opresiva estructura

del poder. Él clamaba que el kitsch es parodia de la catarsis, y también parodia de la conciencia

estética.

Tendencia Kitsch

1930 Kitsch

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Falsa_consciencia&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Falsa_consciencia&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Marxismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Capitalismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Fenomenolog%C3%ADa

http://es.wikipedia.org/wiki/Theodor_Adorno

http://es.wikipedia.org/wiki/Catarsis


1940 Diseño Italiano


En la historia del diseño italiano, desde los años 40

hasta la fecha, se puede observar que ha ido reflejando todos los acontecimientos que han

sucedido en Italia, ya sea políticos, culturales, etc. Cuando uno habla de

diseño italiano hay muchos objetos de la vida diaria que son una muestra del éxito comercial que ha tenido,

como lo demuestran el Fiat 500, el sacacorchos de Alessi diseñado por Alessandro Mendini, la máquina de escribir Valentina de Olivetti diseñada por Ettore

Sottsass, las motos Vespa y Lambretta, y la cafetera Moka, que forma parte de todos los

hogares en Italia. Es por esto que los italianos hablan del diseño democrático, ya

que son capaces de diseñar objetos que, con la correcta elección de los materiales,

pueden venderse masivamente

En Italia también hay un diseño industrial que opera con excelentes resultados en sectores de la

industria manufacturera, medios de transporte,

electrónica de consumo, instrumentos de informática, comunicación y electrodomésticos.

Hay dos corrientes principales del diseño italiano:

1. Una es el diseño inteligente, rígido y

formalmente disciplinado que es El Bel Design 2. La otra es un diseño que elude cada vez más

la función de los objetos que serian los Movimientos de contracorriente.

1. El Bel Design Italiano

A principios de los 60 Italia arrebato el dominio al diseño escandinavo como estilo internacional.

A mediados de los 60 comienza el momento clave de experimentos con materiales nuevos por parte de arquitectos y diseñadores italianos por ejemplo los materiales sintéticos que tomaron la delantera

Mientras que en Alemania los diseñadores estuvieron más orientados hacia la economía en Italia adoptaron una posición crítica y distanciada

frente a ella.



El Bel Design italiano esta marcado principalmente

por innovaciones técnicas y creativas que han acabado tipificando algunas clases de productos.

2. Movimientos de contracorriente

En el diseño italiano también es importante el compromiso de los diseñadores en movimientos políticos. En los años 60 se formaron diferentes

grupos en Florencia y Milán que con sus proyectos conceptuales ejercieron una influencia decisiva en el

diseño. Esta época coincide con el movimiento Hippie en

Estados Unidos, el tedio por la creciente civilización alcanzo también a círculos artísticos que influidos

por los escritos de Freud abogaban por comunidades abiertas libres de represión e

intentaron vivir según esos modelos ideales. Fue un momento marcado por movimientos de protesta

estudiantiles entre ellos se encuentran: Studio Alchimia, Superstudio, Grupo Strum, Archizoom,

Grupo9999, Memphis.



Andrea Branzi

Ettore Sottsass


Andrea Branzi


Michelle de Lucchi

Gio Ponti


1950 Diseño Escandinavo


Es un estilo que se gestó y produjo

principalmente en Noruega, Suecia, Finlandia y Dinamarca sin dejar de ver la influencia que ejerció

el diseño holandés en los años 50.

El peso del aporte que genero el finlandés Alvar Aalto, es incuestionable. Porque además de

arquitecto, él se desarrollo como un excelente diseñador, con objetos, muebles, lámparas y

elementos para la arquitectura de gran valor plástico e innovador en cuanto a tecnología y

tipologías formales. El leguaje de lo orgánico es el que se le ha asignado a la obra de Alvar Aalto y

es tal vez esta corriente o manera de ver las formas; la que definitivamente ha puesto el sello al

diseño escandinavo.

Intentando definir al diseño orgánico podríamos decir que las características de todo organismo es

el hecho de dejarse percibir como tal, es decir como un sistema, con un crecimiento, con las

partes caracterizadas, pero con continuidad, sin ensambles o uniones, que se percibe como un

todo y en donde cada parte denota la función.

En diseño las continuidades formales, han sido posibles gracias al desarrollo de ciertas tecnologías,

ya que sugieren la construcción del objeto. Otra característica de lo orgánico en el campo del

diseño, parecía der el uso inteligente de materiales naturales, por ejemplo la madera maciza que

cuando puede ser curvada toma características orgánicas.

La estrategia del diseño escandinavo en su etapa inicial, fue el uso de madera laminada curvada

esto le introdujo el grado de novedad necesaria para ser introducido; luego en una segunda etapa uso los plásticos encontraron en lo orgánico su

lenguaje.

La característica de lo orgánico esta planteada también en la relación entre las partes; si las partes

funcionan, funciona el todo y si funciona el todo este es armónico.



Este estilo de diseño se caracterizaba por ser simples y sencillos, con una clara inclinación al

minimalismo y la funcionalidad, siempre enfocándose a la producción en masa y costos poco elevados, democratizando el diseño industrial, es por estas cualidades que dice ser la base del modernismo.

Cabe destacar la necesidad de época y disponibilidad de nuevos materiales y métodos de

producción, en los cuales están la madera, plástico, vidrio, aluminio o acero.

Los diseñadores consiguieron introducirse en los distintos mercados con artículos que se convirtieron

en símbolos de modernidad y buen gusto, algunos de los cuales aún se fabrican y venden hoy en día

como clásicos o antigüedades.



Alvar Aalto

Arne Jacobsen



Verner Panton

Mats Theselius

Stefan Lindfors


1950 Pop Art


Para introducirnos en la época del Pop art y

comprender mejor el movimiento, podemos tomar como referencia, qué en los años 50’ la sociedad

pasaba por un periodo post guerra, pero que empezaba a recuperarse de la represión,

restricciones, falsedades y tragedias. A su vez los artistas reaccionan a los dominantes ideales

del Expresionismo abstracto. Aunque, el arte pop también continúa con algunos aspectos de este, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte,

sobre todo en obras de grandes proporciones. El pop se opone a lo abstracto mediante el realismo y lo racional. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el

objeto de arte final. Sin embargo el Arte Pop descarga de la obra de arte, toda la filosofía anti-arte del Dada y encuentra una vía para construir

nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho

con sus ready-mades.

Se refirió al arte popular que estaba creando la publicidad, carteles y revistas y el diseño, y que

tenía como objetivo principal los intereses colectivos del pueblo.

El Pop Art como estilo comenzó a ser avistado en pequeños vástagos de diseño en los años 50 en

Reino Unido, después de algunos años se divisó el estilo ya como un movimiento de diseño importante,

dándole el nombre de Pop Art a mediados de los años 50, teniendo su auge en los finales de estos

años.

.Es el resultado del estilo de vida, una manifestación plástica de una cultura caracterizada por la

tecnología, la moda y por el consumo donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en

serie. El pop art se apropió de las técnicas de la producción masiva, basadas en la fotografía, el

diseño y la imprenta.

1950 Pop Art

http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo_abstracto


Características del movimiento.

Rechazo al expresionismo abstracto, a este movimiento artístico lo consideraban excesivamente intelectual y apartado de la realidad objetual.

Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.

Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples " motivos" que justifican el hecho de la pintura.

Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al

empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitivo.

Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neo dadaísmo).

Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad, el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo. Formas y figuras a escala natural y ampliada. Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.

1950 Pop Art


Técnicas

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas. Mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.

Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.

Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

El grupo independiente

El grupo independiente fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del

movimiento pop art. Era un grupo de jóvenes artistas entre ellos pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que hacían frente a la visión modernista de la cultura así como la perspectiva

tradicionalista de ver las Bellas Artes. El pensamiento del grupo se centraba en la cultura

popular y la aparición de ellos en elementos comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción

y la tecnología.

1950 Pop Art



1950 Pop Art

Richard Hamilton

Roy Lichtenstein

Tom Wesselmann

Andy Warhol


1950 Pop Art

Eduardo Paolozzi

Otras Obras


1950 Hard Edge


La procedencia del movimiento pictórico

denominado “Hard Edge”, que significa pintura de borde duro, una tendencia desarrollada en la década

de 1950 y 1960, en el cual, el arte está estrechamente relacionado con la abstracción post-

pictórica y la pintura campo de color, en él se describe un estilo abstracto que combina la

composición clara de la abstracción geométrica con el color intenso, además de formas atrevidas de la

pintura de campos de color, cabe destacar que dentro de este movimiento se encuentra la

influencia de la Bauhaus (1919-1933), ya que se vislumbra en este movimiento ya destacado,

profundas raíces en la tradición de esta escuela alemana de arte, arquitectura y diseño.

A comienzos del siglo XX la urgencia de generar productos masivos, con el fin, de satisfacer las

necesidades de un mercado cada vez más globalizado impulsó que los talleres de arte se

interesasen y convirtiesen en diseñadores industriales, creando así productos que fueran

funcionales y atractivos para el mercado

manteniendo un costo de baja producción, producto de los problemas sociales y económicos que

amenazan en aquella época a Europa y al resto del globo. De este modo comienzan a ser utilizados materiales comunes y baratos como el vidrio, la

madera, el metal y formas tales como el círculo, cuadrado, triángulo, además de los colores básicos, elaborando un producto que representaba un costo

industrialmente bajo.

A esta innovadora producción industrial se le denominó como modernidad internacional,

predominando la función por sobre la forma y estrechando a la arquitectura con la industria, y las

ciencias con las necesidades humanas.

Es así como el objetivo de la escuela de Bauhaus fue obtener diseños para todos los niveles

económicos, creando objetos que escapaban de la clásica estética ornamental, siendo poseedores de

líneas y formas limpias, claras, geométricas, y sencillas, desarrollando así una serie de artículos

prácticos, baratos y atractivos, los cuales definieron las ciudades y los hábitos cotidianos.

1950 Hard Edge


El impulso técnico e industrial que extendió esta

escuela alemana, propagó un nuevo estilo renovador, desechando la ornamentación y priorizando de lleno

la sencillez, permitiéndole al diseño gráfico recibir influencias de nuevos movimientos culturales,

especialmente los cercanos a los años 60.


1950 Hard Edge

Frank Stella

Ellsworth Kelly

Morris Louis


1953 Escuela ULM


La HfG, Escuela Superior de Ulm fue una escuela universitaria de diseño radicada en ULM, Alemania.

Fundada en 1953, entre otros, por Inge Airche-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, este

último primer rector de la escuela. La HfG de ulm gano

rápidamente el reconocimiento

internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y

puestos en prácticas nuevos enfoques en el diseño, dentro de: Comunicación Visual, Diseño Industrial,

Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía. El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio

importante y funcional dentro del campus de la universidad de Ulm. La Escuela hfm de Ulm fue

una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las

décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.

La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en concordancia con la

propia imagen de si misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a

innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos

conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.

Max Bill, el primer rector

Max Bill fue arquitecto, pintor, escultor, diseñador grafico, tipográfico

e industrial, publicista y educador suizo.

Estudio en la Kunstgewerbeschule de Zurich y en la Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela

HFG de Ulm y formo parte del grupo “abstraction-creation” desde 1932 a 1937. Organizo la

exposixion circulante “Die gute From” en 1949.

1953 Escuela ULM


Desarrollo histórico

Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño,

dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y

más tarde de Cinematografía.

Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios, dieron lugar a una operación de

prensa en 1963 para atacar contra la HfG. El parlamento de Baden-Wuerttemberg, debatió

reiteradamente si la escuela merecía las subvenciones. Los problemas eran cada vez más frecuentes. Luego de la afiliación de la HfG a la

escuela de ingeniería, el precursor de la universidad, las subvenciones federales fueron suprimidas y la

situación financiera se volvió insostenible. Durante 1968 algunos profesores fueron despedidos

debido a la difícil situación financiera y el número de clases se vio reducido. En noviembre, el

parlamento regional votó a favor para retirar toda la financiación, en consecuencia, la escuela fue

cerrada en medio de protestas a finales de ese mismo año.

A pesar de su corta existencia de tan solo 15 años sus repercusiones tras su clausura fue similar a la

Bauhaus.

Hasta la fundación de la HfG de Ulm, no había ninguna sistematización del diseño. La escuela fue

pionera en la integración de la ciencia y el diseño, y de una pedagogía del diseño basada en la ciencia: la

reflexión sobre los problemas, los métodos de análisis y de síntesis, la elección y fundamentación

de alternativas proyectuales, el acento en las disciplinas científicas y técnicas y una estrecha

relación con la industria. Muchos de los criterios desarrollados en Ulm son todavía válidos, sobre

todo en el área de diseño tecnológico. Otros fueron poco prácticos y

fueron superados. Pero la HfG subsiste

como ícono de la historia del diseño.

1953 Escuela ULM


http://es.wikipedia.org/wiki/Baden-Wuerttemberg



Diseño Escuela Ulm

1953 Escuela ULM


1958 Op Art


La expresión Op Art corresponde a la abreviación del término Optical Art. El Op Art surge a finales

de la década de 1950, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Este consiste en efectos

cromáticos y formales dinámicos. Busca producir la ilusión de movimiento y vibración, mediante la

interacción de formas geométricas y colores puros, es más bien un estilo pictórico.

El Op Art, con sus sorprendentes propuestas ópticas, estimula la participación perspectiva del

espectador y añade a la abstracción geométrica de los años veinte un elemento lúdico que ha

conseguido hacer sus creaciones muy populares y aceptadas rápidamente por el público por sus

estudiadas formas que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.


Repetición de formas simples. Efectos vibrantes. Efectos de profundidad. Efectos de dinamismo.

Confusión entre el fondo y el primer plano.

Evolución matemática del arte abstracto. Resultado: espacio tridimensional en movimiento. Hábil uso de luces y sombras. Exagerado sentido de la profundidad.


1958 Op Art

Víctor Vasarely


1958 Op Art

Yaacov Agam

Bridget Riley

Carlos Cruz Diez

Zanis Waldheims


1960 Diseño Radical


El Diseño Radical (también llamado Antidiseño o

Contradiseño) fue un movimiento desarrollado entre los años 1960 y 1970 en Europa, representado

principalmente por el grupo inglés Archigram y los grupos italianos Archizoom, Superstudio, Grupo

Strum, Grupo9999 y Global Tools.

Estos grupos de Diseño Radical aparecen en respuesta al rechazo de las normas racionales del

movimiento moderno del estilo predominante de Italia llamado “Bel Design”, el cual esta orientado al

poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas.

Radicalmente crítico con la tecnología avanzada, el interés comercial, y el consumismo ya establecido en la sociedad, el movimiento de Diseño Radical

defendía el diseño de evasión.

Lo que planteó este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que

llevó a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas y

teniendo el uso libre de la historia. Esto lo hizo convertirse en un éxito popular y les dura mientras

produzca novedad.

En contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno se situó el antidiseño, una

tendencia que pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño.

Es la disciplina libre y satisfactoria de ejercer el diseño. Es no tener reglas ni normas para crear,

usando materiales que estén al alcance de nuestras manos y sin necesidad de hacerle estética al

mundo, si no que plasmando personalidad en ello.

El antidiseño tal y como se llamaba en aquella época se vio dentro de la corriente de la liberación sexual. Los modelos de la época fueron marcados

por líneas más locas, menos estrictas. El plástico se convierte en la forma favorita de los grandes

diseñadores que dan prioridad a las formas redondas y desmedidas y a los colores ácidos.



El Diseño Radical buscaba nuevas técnicas no industriales para validar y potenciar la creación

individual. Brindándole características exuberantes, tales como:

Estaban en contra del capitalismo y el consumismo.

En contra de utilizar el diseño como estrategia de ventas.

Cuestionaban la definición del “buen diseño”. Apoyaba la ornamentación y la decoración. Influencias del Arte Pop en la utilización de colores atrevidos y materiales novedosos.

Influencias del Art Deco, Kitsch y del Surrealismo.



Archigram

Archizoom



Superstudio

Ettore Sottsass

Alessandro Mendini

Andrea Branzi



Alessandro Guerriero

Michelle de Lucchi


1960 Arte Psicodélico


Definición de Arte Psicodélico.

Todos los esfuerzos artísticos van dirigidos a proyectar el mundo interior de la psiquis, que

pueden ser considerados " psicodélicos" . De todas formas en el lenguaje común la expresión Arte Psicodélico se refiere sobre todo al movimiento

artístico de la contracultura de los sesenta aunque después tuvo renacimientos especialmente en los

noventa retomado por el movimiento Rave y ayudado por las nuevas tecnologías de la

computación. Las artes visuales psicodélicas existieron paralelamente a la Música psicodélica.

Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales, revistas de historietas, periódicos

underground y más, reflejaban no sólo los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones en LSD, sino

también sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por estos estados

psicodélicos de conciencia. De todas formas en el lenguaje común la expresión.

Contexto histórico.

El Arte Psicodélico nace en un contexto histórico donde predominaban las drogas, el arte abstracto y

un sentimiento de liberación: los años 60. La época de los hippies, rock lisérgico y liberación de la mente. La música es importante a la hora de

contextualizar el movimiento del arte y diseño psicodélico. La música, así como el arte, en esa época estaba fuertemente influenciada por los

estados alterados de la conciencia que se lograban con las drogas alucinógenas de moda entre los

hippies y otros bohemios de la época: el LSD. Los artistas psicodélicos se ponían al servicio de la

música, queriendo explicar mediante su arte, lo que los músicos quisieron expresar con esa música, llena de sonidos letargosos y alucinantes. Todos

esos sonidos materializados, expresados mediante las técnicas del collage, repetición, patrones

caleidoscópicos, mutación y malversaciones de la realidad, todo conjugado en una expresión, una

forma de comunicar que fue llamada Psicodelia.



Cabe destacar que el arte psicodélico tiene una raíz

muy fuerte con el surrealismo que es un movimiento anterior a la psicodelia. El cual se trataba básicamente de lo mismo, deformar la

realidad basándose en sueños o la simple imaginación del autor. La diferencia entre el

surrealismo y la psicodelia es que en la psicodelia se aprecian ciertos detalles estéticos que son

logrados bajo las influencias de las drogas psicotrópicas.


Colores brillantes y/o altamente contrastantes. Patrones parecidos a un caleidoscopio, fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés como paisley pattern. Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.

Extrema profundidad del detalle, o estilización del detalle.

Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entrópicos.



Peter Max

Mati Klarwein



Storm Thorgerson

Alex Gray


1960 Space Age


La era espacial es un período de tiempo que abarca las actividades relacionadas con la carrera

espacial , la exploración espacial , la tecnología espacial y los desarrollos culturales influidos por

estos acontecimientos. La era espacial se considera en general que comenzó con el Sputnik (1957). Por

otra parte se argumenta que esta era una nueva dimensión a la Guerra Fría.

Esta locura por la conquista del espacio llego al diseño y la decoración, durante la década de los años 60 se desarrollo un modelo de decoración basado en el futurismo y en todo lo que tuviera que ver con las naves espaciales y las formas

geométricas. Surgió la domótica en el hogar y todo parecía tener un aspecto del año 3000.

Sin duda el Space Age resulta vistoso y visualmente espectacular, dándole estas

características los siguientes estándares de diseño:

Color blanco de base principalmente, combinando con rojo, negro o el naranja.

Muebles y objetos redondeados y con formas extravagantes simulando naves espaciales.

Uso de plateados y metal para lámparas y alguna decoración.

Usan materiales como el plástico y fibras de vidrio, por su gran capacidad formal y estilística.

1960 Space Age

http://en.wikipedia.org/wiki/Space_Race

http://en.wikipedia.org/wiki/Space_Race

http://en.wikipedia.org/wiki/Space_exploration

http://en.wikipedia.org/wiki/Sputnik

http://en.wikipedia.org/wiki/Cold_War



1960 Space Age

Anderson Horta

Karim Rashid


1965 Minimalismo


El surgimiento del minimalismo fue a finales

de la década del 60 en New York, con orígenes en Europa, gracias al prestigioso Arquitecto y

Diseñador Industrial Ludwig Mies Van Der Rohe.

Expresa sus primeras ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras de minimalismo), durante el

periodo en el cual fue director de la Escuela de Artes y Diseño Bauhaus, en Alemania a finales de

los años 30.

Es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas

geométricas simples, tejidos naturales y un lenguaje sencillo, que pretende obtener del

objeto mediante la expresión elemental del arte en su cuidada y reducida aplicación, grandes

obras de gran funcionalidad y estilismo, propio de la sencillez y el no abuso de recursos.

El minimalismo como tal alcanza su madurez en la década del 70, como una forma innovadora a los

estilos recargados de la época (aludiéndose al POP ART) y la saturación comunicacional dentro del

universo estético.

El minimalismo no solo influencio en la decoración y la arquitectura, sino también en la pintura, la

moda y la música.

Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente

artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que

establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el

objeto y aleja toda connotación posible.

Las obras del minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y

centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio

circundante.

1965 Minimalismo



Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color superficie y formato.

Economía de lenguaje y medios. Producción y estandarización industrial. Uno literal de los materiales. Austeridad con ausencia de ornamentos. Purismo estructural y funcional. Orden Geometría elemental rectilínea. Precisión en los acabados. Reducción y síntesis. Máxima sencillez Concentración. Desmaterialización. Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.

Carácter “opaco. Superficies enfáticas monocromáticas.

Expositores más reconocidos

1965 Minimalismo

Ludwing Van Der Rohe


1965 Minimalismo Philippe Starck

Richard Serra


1966 Archizoom Diseño Radical


Asociación italiana de diseño y arquitectura fundada en 1966 en Florencia por los

arquitectos Andrea Branzi, Paul Deganello, Máximo Morozzi y Gilberto Coretti, éstos fueron acompañados por los diseñadores Dario Bartolini

y Lucía Bartolini en 1968.

Fueron influenciados inicialmente por las visiones utópicas de grupo arquitectónico inglés Archigram, su nombre es una clara referencia a

éste grupo, ya que su revista Nº4 se llamó ZOOM!

Su diseño refleja la búsqueda de un diseño urbano nuevo, flexible y tecnológico. Se

dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectónicos y diseño de objetos. Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la

función social y cultural de la arquitectura, transforma la tecnología en “fantatecnología” para ponerlo al servicio del Diseño Radical.

Opuesto al racionalismo y a la supremacía del diseño sobre la función social y cultural de la

arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio

de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch,

realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del

diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969). También concibieron proyectos de ciudades utópicas

del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.

Ellos trabajaron en las instalaciones de exposición y la arquitectura e interiores diseñados y productos.

Archizoom fue polémica en el discurso y la práctica en este período de radicalismo social. En 1972, se

declaró el " derecho a ir contra una realidad que carece de" significado " ... para actuar, modificar, la forma y destruyen el medio ambiente circundante

En resumen Estaban en contra del capitalismo y el consumismo. Cuestionaban la definición del «buen

diseño”. Continuaron con la tradición del pop art de usar colores atrevidos y materiales novedosos.

Utilizaron lo kitsch y lo pop para combatir las líneas elegantes por las que el diseño italiano era

reconocido mundialmente.



Influenciados por la arquitectura inglesa del grupo Archigram.

Su diseño refleja la búsqueda de un diseño urbano nuevo, flexible y tecnológico, utilizando nuevos materiales como poliuretano, ABS, y nuevas

técnicas en tapicería. Iban en contra de una realidad a la que faltara

«significado»

Actualmente, el aspecto más apreciado es la alta calidad gráfica de los proyectos. Se disolvieron

en 1974 para seguir carreras separadas.

Proyectos del Archizoom



1966 Superstudio Diseño Radical


En Florencia 1966, un grupo de arquitectos

radicales fundan SUPERSTUDIO. Adolfo Natalini y Cristiano Toraldo di Francia se conocieron en la

Facultad de Arquitectura en la Universidad de Florencia. Más tarde, se les unirían Piero Frassinelli

y Alessandro y Roberto Magris. En esa época, el diseño en Italia perdía su esencia, convirtiéndose en

un diseño vacío hecho para las masas. La arquitectura era la más afectada con el uso

descontrolado del espacio. Bajo el caos de la vida moderna, SUPERSTUDIO

se oponía completamente a los fundamentos de una cultura de consumo, se negaban a ser parte del

engranaje industrial y a convertirse en una máquina consumista. Sus propuestas de escape eran creaciones de ciudades sin la existencia de

jerarquías sociales, en las cuales todas las personas tenían un espacio simple y modesto para vivir sin necesidad de generar objetos en masa. Proponían

una interacción más directa con el medio ambiente.

SUPERSTUDIO criticaba a las masas modernistas a través de la foto collage, cortometrajes y

exhibiciones. En 1969, concibe los Histogramas de Arquitectura: diagramas elementales de una

arquitectura conceptual, generados a partir de la deformación de una cuadrícula, posibilitando sin

esfuerzo una arquitectura, un objeto, un mueble e incluso un entorno. Al poco tiempo, realiza la serie Il Monumento continuo, un proyecto de gran poder

crítico en el que reflejaba lo absurdo del planeamiento urbano contemporáneo.

Proyectos del Superstudio



1968 Grupo 9999 Diseño Radical


Organización de carácter didáctico establecida en Florencia, estaba interesada en el papel del teatro como escenario para el arte y la arquitectura se puso en marcha en colaboración con superstudio

1978. Se relaciona con el estudio publicado de Robert Venturi Learning en Las Vegas, que

consideraba que la choza decorada o las fachadas de los rascacielos podían colabora de manera efectiva al enriquecimiento de la imagen de la

ciudad. También con la Piazza di Italia de Charles Moore en Nueva Orleans.

En 1968, el grupo 9999 ya reivindicaba la

arquitectura virtual a través de una transformación profunda del Ponte Vecchio mediante proyecciones

varias utilizándolo de fondo. De esta manera cambiaban el paisaje urbano de una ciudad histórica como Florencia para transformarla completamente

mediante lo que ellos denominan como Arredo urbano (o Mobiliario urbano).

Imágenes de los proyectos de cambios

1968 Grupo 9999 Diseño Radical

Cambio en Florencia

Cambios en Venecia


1970 Grupo Strum Diseño Radical


Fundado en Turín a finales de los 60. Uno de los colectivos del diseño radical de Turín que ayudó a

sentar las bases del antidiseño y la aparición del postmodernismo de los ochenta por Giorgio Goretti, Pietro Derossi, Carla Giammarco, Riccardo Rosso y

Maurizio Vogliazo, su nombre corresponde a la abreviatura jocosa de uno de los objetivos

fundamentales del grupo, la creación de una arquitectura instrumental (architettura strumentale,

en italiano). Los miembros del Grupo Strum tuvieron una activa participación en la difusión teórica de las ideas del antidiseño, Protagonizando seminarios, conferencias

y escribiendo artículos que pretendían acercar al gran público las bases filosóficas de sus

innovadoras propuestas. El grupo tuvo una participación importante y recordada en la exposición " Italy. The New

Domestic Landscape" , celebrada en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde

presentaron el asiento " Pratone" (gran pradera), realizado en espuma de poliuretano e inspirado en

las monumentales esculturas de " Pop art" realizadas por Claes Oldemburg.

Esta pieza tuvo el destacado honor de ser una de

las pocas obras del antidiseño italiano que superó la etapa de prototipo y que llegó a comercializarse, ya

que fue fabricada por la empresa Gufran. El movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo

llevado al límite.



del racionalismo llevado g



1970 Diseño Retro


El termino diseño retro fue utilizado por primera

vez a mitad de los años sesenta el cual refiere a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de

otras épocas. En los años sesenta y a principios de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la

tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles pop y en las portadas de discos.

El estilo retro se basa en una vuelta a modelos y diseños del pasado, incorporando los avances

tecnológicos actuales. La fusión de lo “neo” y lo “vintage” produce el estilo decorativo retro.

Resurgen tendencias de épocas pasadas en el mundo de la decoración, y lograr unos interiores

logrado de estilo retro es una de las características de la alta decoración actual.

Diseño retro, una tendencia actual

El diseño retro se impone como una tendencia actual y surge en espacios y galerías dedicadas a recodar la esencia del mobiliario del pasado para

adaptarlo al estilo de vida moderno, actualmente se le rinde un homenaje por parte de algunos

coleccionistas que deciden recuperarlas del olvido para darles una nueva cara, por medio de la

restauración.

Este movimiento está muy influido por el “Mod”, que es una subcultura que aparece durante los

años 60 en Inglaterra. Los primeros “mod” fueron jóvenes cuyas familias trabajaban en la industria textil, y siempre se han caracterizado

por ir impecablemente vestidos. Se consideraban unos dandis modernos y tenían predilección por

las Vespas o las Lambrettas, el Pop Art, las películas de la Nouvelle Vague Francesa, los

trajes italianos de corte estrecho y la música de Small Faces o The Who.

1970 Diseño Retro

http://es.wikipedia.org/wiki/Mod

http://es.wikipedia.org/wiki/Pop_Art


Los grandes diseñadores apuestan por este estilo;

desde el diseñador gráfico en los anuncios publicitarios, el diseñador de moda en las

propuestas de los desfiles, el diseñador industrial en los ‘‘showroom’’ de automóviles y por supuesto el

diseñador de interiores en el mobiliario y los complementos decorativos.

Lo retro es sinónimo de ‘‘vintage’’ ó ‘‘revival’’. Es un ‘‘flash back’’ hacia las décadas de grandes éxitos

del pasado siglo, retomando lo relevante de esos tiempos y adaptándolo a los nuestros.

Son característicos de este estilo las formas geométricas, los círculos y los rectángulos con una combinación de colores vibrantes que se utilizan en

esmaltados, tapizados, alfombras e incluso en empapelados.

Los colores más representativos en un ambiente retro son las combinaciones de marrón - marfil, ocres - pasteles y las más atrevidas mezclas de

turquesa - fucsia - verde lima, utilizadas en estampados tremendamente psicodélicos.

El rojo ó el negro combinados con el blanco, también son utilizados comúnmente para recrear un

ambiente de este estilo.


1970 Diseño Retro

Jonathan Adler

Todd Oldham


1973 Global tools


Rechazando los proyectos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la expresión creativa individual a través del diseño.

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesentas, cuando se

formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y en el

habían dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estrategia

descarada del comercio consumista.

Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el

movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras súper estructuras intentaban

demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Los diseñadores y grandes artistas entre

ellos Ettore Sottsass y Andrea Branzi fueron unos de los fundadores de esta escuela, llamada

GLOBAL TOOLS creada en 1974, funcionando hasta 1978, es una escuela de antiarquitectura y

antidiseño que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño. Escuela donde aparecieron dos nuevas agrupaciones de

diseño radical; Grupo Memphis y Alchimia.

« La aldea global » Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva

tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo.

Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del siglo XX. La

era de los ordenadores había llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez

más complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que tradicionalmente se habían

dibujado o hecho a mano. Así como el disco compacto aparece revolucionando la industria

musical desde 1982. La nueva tecnología ofrecía también a los

diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composición y reproducción de imágenes. Surge el fenómeno del marketing.

1973 Global tools


Proyectos de la Global Tools

1973 Global tools


1977 Alchimia Global Tools


Studio Alchimia Agrupación fundada en Milán en 1977

por el arquitecto Alessandro Guerriero, el estudio tenía como objetico ofrecer a los

diseñadores una posibilidad de exponer proyectos que no se habían destinado a

la industria. Entre sus miembros se encontraba Alessandro Mendini, Michele

de Lucchi y Andrea Branzi. En 1979 por gestiones de este grupo, se presento la colección

Bauhaus, con trabajos de Mendini y Sottsass. Sottsass y algunos diseñadores de su entorno

consiguieron que el diseño italiano se convirtiera en una especie de fuegos artificiales de ideas. En

1976 se había creado en Milán Studio Alchimia, como estudio de diseño grafico; en 1978 se

convirtió en el centro de la vanguardia posradical en torno a Ettore Sottsass.

Estos experimentaron teorías y fundamentos artísticos e intelectuales del diseño, muy osadas

para aquel momento. Apostaban por el “rediseño” y

el “diseño banal” que proporciono numerosas ideas en el Studio Alchimia. Sottsass, quería llegar más lejos y considero que dichas teorías restringían la creatividad,

el buscaba ir más allá y por lo tanto abandono el grupo.

Proyectos del grupo Alchimia

1977 Alchimia Global Tools


1978 High Tech


Arquitectura High-Tech

En los años 70 surge un nuevo movimiento llamado arquitectura high-tech que se apoya en la Alta Tecnología que quiere incorporar la tecnología

moderna en las construcciones obteniendo como resultado un elemento estético.

Su Nombre es otorgado gracias al libro The Industrial Style and Source Book for The Home,

publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin.

La arquitectura futurista del Archigram dio paso al origen ideológico de este movimiento por que

utilizaba básicamente la misma tecnología del acero, el vidrio y el concreto pero aplicados de una

manera diferente.

Sus principales exponentes son Richard Rogers, Norman Foster, Nicolás Grimshaw o Michael

Hopkins, quienes lograron convertir los elementos tecnológicos del edificio en elementos estéticos

efectivos. La primera estructura high-tech data de 1779 fecha

de la construcción del primer puente de hierro forjado sobre el río

Severn en Inglaterra.

Otros ejemplos son la torre Eiffel y los edificios de cristal construidos para las exposiciones mundiales

de Londres en 1851 y de París en 1889.

Su mayor aporte fue el de crear elementos nuevos, evidenciando la complejidad de la técnica

constructiva de una forma ordenada pero con motivos funcionales, utilizando materiales sintéticos

tales como el plástico, paredes de cristales y estructuras de acero. El high–tech va tras la

búsqueda de una liviandad, movilidad y transparencia sobre sus estructuras.

Este movimiento se desarrollo principalmente en Europa y Norte América. Después de la destrucción

de muchos edificios durante la Segunda Guerra Mundial. Lo que el avance científico y tecnológico

provoco un gran impacto en la sociedad.

Lo que llevo a que surgieran instrumentos tecnológicos, que se implantaron rápidamente dentro de la sociedad lo que genero una mayor aceptación

por estas estructuras estéticamente fuera de lo común para la época con construcciones con sus elementos de construcción totalmente a la vista.

1978 High Tech


http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Joan_Kron&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Suzanne_Slesin&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Europa

http://es.wikipedia.org/wiki/Norte_Am%C3%A9rica

http://es.wikipedia.org/wiki/Segunda_Guerra_Mundial

http://es.wikipedia.org/wiki/Segunda_Guerra_Mundial


Uno de los

principales ejemplos del high-tech lo encontramos en

París en el edificio centro Georges

Pompidou, de los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. Que nos

muestra elementos auxiliares a la vista como escaleras mecánica, ductos de ventilación. Dando

nos como resultado que la ingeniería y la arquitectura están en un delicado equilibrio.

Con la crisis del petróleo de 1973, muchos de estos edificios se volvieron imposibles de mantener por el

Alto uso de materiales metálicos y vidrio que no solo implicaron en un veloz envejecimiento sino en

un enorme gasto energético.

En los años 90 en la Conferencia Internacional de Florencia sobre la energía solar en la arquitectura y

el urbanismo fundan el grupo READ generó un resurgimiento de la arquitectura high-tech que tenía

como una de sus finalidades, el uso de energías

renovables en la construcción, proponiendo proyectos amigables para el medio ambiente.

Dando a entender como la evolución del movimiento high-tech, pasando a renombrase como Eco-Tech, y

actualmente arquitectura sustentable.


Sus orígenes formales se encuentran en el Tardomoderno.

Afán por enseñar las estructuras, el acero, concreto, vidrio y mostrarlos como parte estética de la edificación.

Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo de sus predecesores.

Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.

Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos (no solo en los procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la arquitectura).

1978 High Tech

http://es.wikipedia.org/wiki/Crisis_del_petr%C3%B3leo


http://es.wikipedia.org/wiki/Vidrio

http://es.wikipedia.org/wiki/Edificio_energ%C3%A9ticamente_eficiente

http://es.wikipedia.org/wiki/Florencia

http://es.wikipedia.org/wiki/Energ%C3%ADa_solar



Norman Foster

Sir Richard Rogers

Renzo Piano

1978 High Tech


El High-Tech en el Diseño.

La alta tecnología aplicada en los objetos, Busca que la estética y la funcionalidad encuentren un

equilibrio utilizando elementos propios de la industria. Es decir llevar el uso de materiales

prefabricados para ubicar de una manera rápida, segura y limpia, los sistemas modulares.

Características del estilo high-tech

Se destacan los colores puros y lisos, como el negro, blanco o rojo. Se restringe el uso de estampados, utilizando el crudo o gris para elementos estructurales.

Espacios luminosos, abiertos, prácticos y totalmente simétricos.

Funcional y versátil. Materiales limpios como el cristal, plástico o acrílico.

Uso de materiales amigables con el medio ambiente.

Uso de componentes técnicos y funcionales en la construcción.

Proyectos de diseño

1978 High Tech


1978 Postindustrialismo


Emergió en el Reino Unido después de la caída del “FORDISMO” (producción en línea) y la fabricación masiva de los años 60’s y 70’s.

De una economía industrial se pasó a una de servicios, donde los diseñadores comenzaron a

desarrollar diseños limitados y piezas únicas.

Libres de las restricciones del proceso industrial los diseñadores y creativos comenzaron a enfocar su trabajo de una forma totalmente diferente, ya que tenían mayor libertad de acción y apostaron por este concepto más libertino para el enfoque

de sus trabajos.

Sus más reconocidos exponentes son Ron Arad y Tom Dixon, donde sus obras se convierten en

íconos a medida de que se alejan de la estandarización industrial mediante la creación de

piezas inacabadas.

Dixon comenzó a producir y comercializar ediciones limitadas de muebles soldados, como la silla S-

Chairy PylonChair.

Opuestos a la organización y al orden inanimado del movimiento moderno, el postindustrialismo llegó con el concepto de “arte utilizable” y, en consecuencia,

hizo posible un nuevo tipo de diseño.

Caracteristicas del movimiento

Objetos producidos en lotes cortos para sectores e individuos determinados.

Diseño únicos sin miedo a homenajear su pasado industrial.

Opuesto al orden del Movimiento Moderno.





Tom Dixon


1980 EcoDiseño


El ecodiseño es una versión ampliada y mejorada de las técnicas para el desarrollo de productos, a

través de la cual la empresa aprende a desarrollarlos de una forma más estructurada y

racional.

El ecodiseño conduce hacia una producción sostenible y un consumo más racional de recursos.

El concepto de ecodiseño está contemplado en la agenda de negocios de muchos países

industrializados, y es una preocupación creciente en aquellos en desarrollo.

Desde que el hombre se separo del mundo natural y comenzó a crear el artificial, diseña y produce

artefactos y semiartefactos, que en sí mismos no pueden ser considerados ecosistemas, pero que

están destinados a formar parte interactiva de ecosistemas de la naturaleza al integrarse a ellos. Si ha ecodiseñado habrá previsto los impactos y

contra impactos ambientales que provocarán dichos productos; si sólo ha diseñado, probablemente no

habrá tomado en cuenta tales interacciones y sus consecuencias.

La historia del diseño ecológico parte de la revolución industrial. Antes todos los bienes de

consumo usualmente se hacían por artesanos con materia prima de la región; o sea eran sostenibles.

Con la revolución industrial esto cambia, se crearon centros urbanos y por primera vez la producción

en masa hizo que los productos estuvieran al alcance de la mayor parte de la población. Lo que trajo como consecuencia el uso indiscriminado de

los recursos naturales, así como la creación de derivados para sustituir estos recursos tales como

el plástico y el PET entre otros. Hay muchos productos que ocasionan daños permanentes como: los celulares, controles, cámaras (y el uso constante

de las baterías). Los empaques que se tiran a la basura en cuanto el producto es desempacado. Refrigeradores y sus sistemas de enfriamiento.

1980 EcoDiseño


Para que un producto sea sostenible debemos tener en mente que los recursos naturales sugieren tres

reglas básicas en relación con los ritmos de desarrollo sostenible:

Ningún recurso renovable deberá utilizarse a un ritmo superior al de su generación.

Ningún contaminante deberá producirse a un ritmo superior al que pueda ser reciclado, neutralizado o absorbido por el medio ambiente.

Ningún recurso no renovable deberá aprovecharse a mayor velocidad de la necesaria para sustituirlo por un recurso renovable utilizado de manera sostenible.

5Rs DEL ECODISEÑO (LAS NUEVAS 3 R)

En mayo del 2006, una discusión en on 2-Global acerca de cuantas Rs caracterizan el Eco-Diseño de un producto / servicio / embalaje / cosa, hecho

por el hombre, concluyo que las 3Rs ya no era suficientes para el ecodiseño y las aumentaron a 5 Rs. Esto significa que si un diseño tiene en cuenta

Reciclar, Reusar, Reducir, Recuperar y Respetar realmente merece la etiqueta ECO.

Recuperar: Uso de materiales que ayudan a invertir el daño eco-social, o añaden valor al capital natural.

Respetar: Se consciente de cómo un artículo repercute en las economías, sociedades y ecosistemas de origen, búsqueda del ‘todos ganan’.

Reducir: Reducción de la necesidad de materiales para una función, incluyendo: menos material usado, menos peso para el transporte, menos energía de fabricación, menos energía de almacenaje, menos energía de uso, reducción de la toxicidad.

Reusar: Reutilización de objetos o diseño de objetos de manera que sean fáciles de reutilizar.

Reciclar: Crear un artículo que se vuelva a la cadena de recursos, que tenga un sistema fácil y robusto para la recuperación de sus materiales, y que use materiales reciclados, siempre que sea posible. Bajo estos supuestos también podríamos añadir ‘RECICLA las cosas que RECUPERAS’.

1980 EcoDiseño


Metodología del diseño ecológico

Los proyectos de diseño ecológico requieren una visión organizativa donde todos los actores del

proyecto colaboren y realicen su trabajo simultáneamente.

La aplicación de los criterios de diseño ecológico afecta a todas las fases de producción: adquisición de

materias primas, producción y ensamblaje de componentes, distribución, venta, uso, reparación y

desecho.

Selección de materiales de bajo impacto. Reducción de la cantidad de material usado. Selección de técnicas de producción ambientalmente eficientes.

Selección de técnicas de distribución ambientalmente eficientes.

Reducción del impacto ambiental en la fase de utilización.

Optimización del Ciclo de Vida. Optimización del sistema de Fin de Vida. Optimizar la función (nuevas ideas de producto).


1980 EcoDiseño

Elsbeth joy Nielsen


1980 EcoDiseño Michael Young

Anke Weiss


1980 Memphis Global Tools


El grupo fue fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980, y se resolvió

que los integrantes se reunirían otra vez con sus diseños en febrero

de 1981. El resultado fue un debut altamente aclamado en el " Salone

del Mobile” de Milán, la feria de mobiliario más prestigiosa del mundo.

El grupo, que contó eventualmente con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco

Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Bárbara Radice, Martine Bedin,George J. Sowden y Nathalie

du Pasquier, se disolvió en 1988.

El movimiento era una reacción contra los diseños " caja negra" post-Bauhaus de los 1970s y tenía

un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa época. Una

época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir, edificios, cámaras, vehículos lucían todos parecidos y carecían de

personalidad e individualismo. En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes,

coloridas e impactantes.

Los colores que usaban contrastaban con los negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La palabra

Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el

diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa

aproximación al diseño.

El 11 de diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores

famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la

canción de Bob Dylan, " Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again" sonara repetidamente

durante esa tarde. Su inspiración estaba nutrida de otros movimientos

como Art Deco y Pop Art, estilos como el Kitsch de 1os 1950s y temas futurísticos. Sus conceptos estaban rígidamente en contraposición con el supuesto " Good Design" (Buen Diseño),

fuerte en Alemania.


http://es.wikipedia.org/wiki/Ettore_Sottsass



http://es.wikipedia.org/wiki/Mobiliario

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Michele_de_Lucchi&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Michele_de_Lucchi&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Matteo_Thun&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Javier_Mariscal

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Marco_Zanini&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Marco_Zanini&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Aldo_Cibic&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Andrea_Branzi&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Barbara_Radice&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Barbara_Radice&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Martine_Bedin&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=George_J._Sowden&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Nathalie_du_Pasquier&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Nathalie_du_Pasquier&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Bob_Dylan

http://es.wikipedia.org/wiki/Stuck_Inside_of_Mobile_with_the_Memphis_Blues_Again

http://es.wikipedia.org/wiki/Stuck_Inside_of_Mobile_with_the_Memphis_Blues_Again

http://es.wikipedia.org/wiki/Art_Deco

http://es.wikipedia.org/wiki/Pop_Art

http://es.wikipedia.org/wiki/Kitsch

http://es.wikipedia.org/wiki/1950s

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Buen_Dise%C3%B1o&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Alemania


Conceptos teóricos

El concepto de diseño de Memphis se basaba en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo

20. Se posicionó más como una moda que como movimiento académico y esperaba borrar

el International Style donde el Posmodernismo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y

continuación absoluta del Modernismo, que una mera relectura de éste.

El Grupo Memphis integró a diseñadores que crearon una serie de productos altamente

influenciadores de los años 1980s. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la

idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales.

El trabajo del grupo de Memphis se ha descrito como vibrante, excéntrico y ornamental. Fue

concebido por el grupo para ser un “capricho” que, como todas las modas, acabaría muy rápidamente.

En 1988, Sottsass disolvió el grupo.

Influencias y legado

Mientras que Memphis influenció a diseñadores tales como Philippe Starck, la continua subida

del Minimalismo en los años 90 consideró una vuelta a la “seriedad”.

En Argentina el fenómeno se sentiría más tarde, con la fundación por parte de Ricardo Blanco y

junto con otros diseñadores, el grupo Visiva, produciendo objetos que se alienaban con la

estética del Grupo Memphis.


http://es.wikipedia.org/wiki/International_Style

http://es.wikipedia.org/wiki/Posmodernismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)


http://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Ricardo_Blanco


Proyectos del grupo Memphis



1988 Descontructivismo


El descontructivismo, también llamado descontruccion, es una escuela de arquitectura que

nació a finales de la década de los 80. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también

llamado desconstrucción. El nombre también deriva del descontructivismo ruso que existio durante la década de 1920 de donde retoma alguna de su

inspiración formal.

Existen referencias adicionales en el descontructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo/postmodernismo,

expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo.

Exposición MOMA 1988: Deconstructivist architecture

Philip Jhonson, el creador y organizador de esta exposición, reunió a ciertos arquitectos de aquella

época, los cuales no guardaban grandes semejanzas, sólo algunos de ellos estaban relacionados a la

filosofía de Derrida*; pero tenían un hilo de conexión, su concepto de diseño respecto a la forma, deformaban y jugaban con el espacio, con

este grupo formó esta exposición nombrándola deconstructivista. Los arquitectos que presentaron sus trabajos fueron Peter Eisenman, Zaha Hadid,

Daniel Libeskind, Frank Gehry, Rem Koolhaas, Bernard Tschumi y la cooperativa CoopHimmelblau. En su momento ninguno de estos arquitectos quiso

ser llamado deconstructivista. Como tendencia, el deconstructivismo no llego más allá de la

imaginación comerciante de Johnson, por lo que se le cuestiona si es un verdadero movimiento y/o

escuela arquitectónica. Pero se podría decir que finalmente esta exposición logró materializar el

movimiento y ganar fama, y también dio aires de notoriedad para los participantes de esta.



Caracteristicas del movimiento

Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en

apariencia, de la geometría no euclídea, (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para

distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y

un caos controlado.

Súper Imposición en diagonal de formas rectangulares o trapezoidales.

Contrastes entre las imágenes retorcidas. Abandono de la vertical y la horizontal. Rotación de los cuerpos geométricos alrededor de ángulos pequeños.

La fragmentación.



Philip Johnson

Frank Gehry

http://es.wikipedia.org/wiki/Geometr%C3%ADa_no_eucl%C3%ADdea

http://es.wikipedia.org/wiki/Coordenadas_cartesianas



Zaha Hadid

Daniel Libeskind


2000 Esencialismo Orgánico


El esencialismo es un enfoque del diseño que se

ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmente necesarios para la realización

de un objeto concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en un concepto moderno:

obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próxima al diseño

ecológico. El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica

+máxima eficacia) que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus

innovadores proyectos subsiguientes basados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.

Una perspectiva esencialista del diseño se suele basar en una lógica de construcción de orientación

tecnológica, y por tanto tiene muchos puntos en común con las escuelas de diseño funcionalista y

racionalista.

El esencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores industriales del siglo XX, aunque el vocabulario formal de sus

diseños ha variado frecuentemente de forma considerable.

El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas geométricas como orgánicas; no existe un estilo

definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden

considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales

contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstantin Grcic, adopta una perspectiva

prácticamente utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética.

El esencialismo, esta cada vez mas ligado al diseño orgánico y aun nuevo naturalismo formal, como se

puede ver en la obra de Ross Lovegrove.

El esencialismo, que requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los

materiales y las técnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXl.





Ross Lovegrove


Por medio de la investigación y después del hundimiento y enfrascarme en este camino lleno de conocimientos, en esta gama de estilos, movimientos

y aconteceres que dan paso a lo que nosotros conocemos como historia y especialmente en este

extenso trabajo - a simple vista - sobre el “avance” y cambios que pudimos observar en la línea formal

y conceptual del Diseño Industrial, y van plasmándose desde hace millones de años y con

grandes proyecciones hacia el futuro.

La observación presente en el avance de las tecnologías y las nuevas proposiciones formales y

conceptuales de los conservadores del diseño durante esta larga línea de cambios, es de gran importancia por el desempeño que cumple en la

renovación de ideas, gracias a los personajes que hemos estado estudiando tenemos hoy en día

grandes capacidades de tratamiento de nuevos materiales, nuevas formas y una capacidad de

recepción nueva, que va de acuerdo con el progreso de la historia y los cambios

generacionales, de ideales, los cambios sociales, que se pueden observar en las acciones y

aconteceres que día a día vemos en todo el mundo. Surge la necesidad de las personas en

resguardarse en nuevas concepciones de objetos o nuevos ideales, lo que nos lleva a concebir esta

gran gama de estilos y movimientos de diseño, los que están estrechamente relacionados con los

movimientos sociales, aun cuando en este momento vemos un decaimiento de la importancia en la

concepción de objetos “artesanalmente”, con lo que me refiero a la producción individual o mas bien en

baja cantidad, producciones que sean con un sentido de expresión y proyección unilateral del

diseñador, que aquel forme parte de su diseño y se entregue en pleno hacia él.

Por el comportamiento de la sociedad que necesita del consumo, vemos el realce de la producción en

masa, de ventas en supertiendas, objetos uniformes e igualitarios para todos, donde no se ve reflejada

calidad, ni expresión 100% proyectada al usuario, si no que a una masa de usuarios, no dando opciones

Conclusión


en momentos a personas que buscan exclusividad,

no por un asunto de estatus social, si no, que muchas veces es por una búsqueda de

identificación, o de sentir que tal o cual diseño es especial, y en ese “especial” tener una importancia

como consumidor y usuario del producto.

Es por este acontecer, que el Diseño Industrial como acción de vida, necesita una reformulación,

además de los individuos consumidores, que necesitan una nueva capacidad de valorar este tipo de producciones, no solo ver los objetos como un producto, si no, que como una extensión de cada

cual, por la importancia del papel que cumplen en el espacio en donde nos desenvolvemos.

Almanaque historia

Design

Transcript of Almanaque historia