Martes 25 de febrero de 2014 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango

ALISON BALSOM, trompeta (Reino Unido)

CHAD KELLY, órgano (Reino Unido)Martes 25 de febrero de 2014 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango

ALISON BALSOM, trompeta (Reino Unido)

CHAD KELLY, órgano (Reino Unido)

RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA

Foto

: Mat

Hen

nek,

cor

tesí

a de

EM

I Cla

ssic

s

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

1

La industria de la música ha sufrido inmensas modificaciones en los últimos años. El disco compacto ha dejado de ser una de las principales plataformas para almacenar y escuchar música y lentamente ha sido remplazado por el mp3 y una variedad de servicios en línea que incluyen emisoras digitales o servicios de reproducción en línea por suscripción. Estamos en un mundo en el que la industria de la música lucha por desarrollar un modelo de negocio que le permita a sus protagonistas vivir del trabajo que tanto quieren y que con tanta pasión desarrollan.

Pero mientras todo esto ocurre, y mientras más se habla de experiencias virtuales en línea, también hay un espacio en el que la música, en su esencia más pura, real y emocionante aún se puede vivir. La sala de conciertos, con su aforo limitado, sus horarios definidos y sus presentaciones únicas, ha seguido brindando al público la experiencia de ver y sentir la capacidad artística de los músicos vivos. Hoy iniciamos una nueva temporada que sentimos refleja los 48 años de tradición de nuestra sala de conciertos, con recitales como el de la maravillosa trompetista Alison Balsom y los exquisitos Ensamble Jacques Moderne y Trío de Viena. Refleja también la variedad con formaciones e instrumentos desde el tradicional cuarteto de cuerdas (Cuarteto Quiroga, Cuarteto Mandelring) hasta el piano solista (Cristina Ortiz) y la música antigua (Il Gardellino, Pallade Musica, Consort de la Orquesta Barroca de Friburgo). Este año nuestro mundo actual estará representado en los sonidos del compositor estadounidense Marc Mellits, quien actuará en esta sala junto con el ensamble colombiano Als Eco y en la variedad de idiomas con artistas como We Banjo 3 de Irlanda, el Cuarteto de Guitarras de Brasil y la cantautora colombiana Marta Gómez.

La temporada 2014 incluirá artistas de Austria, Reino Unido, Irlanda, Francia, Alemania, Bélgica, Colombia, Suiza, Italia, Corea del Sur, Japón, Israel, Palestina, Estados Unidos, Hungría, Canadá, Brasil y España. Los invitamos a aprovechar nuestra programación y a continuar siendo parte de una comunidad que descubre el mundo y su historia por medio de sus sonidos, en vivo, en directo, sin problemas de conexión y, eso sí, de manera irrepetible.

BIENVENIDOS

2

Artista del Año Gramophone en 2013, tres veces ganadora del Classic BRITs y de los Echo Klassik Awards, Alison Balsom ha consolidado su reputación internacional como una de las grandes embajadoras de la música clásica y se le considera hoy uno los músicos más originales y reveladores de la escena internacional.

«Una virtuosa impresionante.»The Times, julio de 2013

«Balsom es sencillamente divina.»Sunday Telegraph, julio de 2013

«…y aquella música se levanta por encima de todo lo demás, interpretada por Balsom con elocuencia exquisita.»Financial Times, julio de 2013

Alison Balsom presentó su debut para la televisión norteamericana en The Late Show with David Letterman; también ha ocupado los titulares de The Last Night of the BBC Proms en vivo desde el Royal Albert Hall de Londres, se ha presentado en su propio South Bank Show for Sky Arts y ganó el PPL Classical Award de 2013 otorgado por los Nordoff Robbins O2 Silver Clef Awards.

3

En 2014 será curadora de diversos proyectos y se presentará en el Royal Albert Hall por primera vez con su espectáculo solista The Trumpet Sings (La trompeta canta), un programa ecléctico que está de gira por las principales ciudades y en los escenarios más destacados del Reino Unido.

En el verano de 2013 , Alison estrenó diferentes obras para trompeta natural, que incluyeron su actividad como productora creativa y protagonista de Gabriel, la nueva producción del Shakespeare’s Globe, en Londres, aclamada con cinco estrellas, y también su primera aparición en Latitude Festival (Latitude ganó Best Line-Up en los Festival Awards de 2013).

El sonido muy personal de Balsom le ha merecido gran reconocimiento desde los inicios de su carrera, cuando alcanzaba su audiencia principalmente gracias a las emisiones radiales patrocinadas por el programa New Artists Generation de la BBC Radio 3. En el tiempo en que la representaba la Young Concert Artists Trust, Alison atrajo la atención de EMI Classics, con quienes graba en exclusiva desde 2001. Encabezando listas con cada nueva producción, su álbum de los Conciertos Italianos, constituido por sus propios arreglos, se convirtió en el mejor disco vendido de EMI Classics en el 2010.

Además de transcribir y arreglar obras para ambas trompetas (natural y de válvula), Alison encarga nuevas obras para trompeta. Recientemente interpretó en Toronto Songs of the Paradise Saloon, de Bramwell Tovey, y en 2014 ofrecerá el estreno de una obra nueva de Qigang Chen en China y en los Proms. Actualmente trabaja junto a Guy Barker en una nueva obra sinfónica, proyectada para 2015.

Su estreno mundial de la obra Seraph, de James MacMillan, en febrero de 2011 en el Wigmore Hall, se convirtió en insignia de su producción discográfica del mismo año con EMI Classics. Su álbum de 2012, Sound the Trumpet, muestra a Balsom interpretando una serie de obras variadas de Purcell y Haendel, con Trevor Pinnock y el Concierto inglés, todo en instrumentos de época. Para su último lanzamiento discográfico, The Sound of Alison Balsom, la artista eligió algunas de sus grabaciones favoritas del pasado, incluyendo interpretaciones tanto en la trompeta natural como en la moderna.

Alison Balsom estudió trompeta en la Guildhall School of Music and Drama, el Conservatorio de París y con Håkan Hardenberger. Fue finalista de concierto en el concurso de Jóvenes Intérpretes de la BBC en 1998, y en 2001 recibió el premio de calidad sonora Feeling Musique Prize, en el Concurso Internacional de Trompeta Maurice André.

4

Chad goza de una carrera rica y diversa como intérprete y director, que se extiende por casi todos los géneros musicales: desde interpretaciones historicistas y música de cámara hasta ópera y teatro musical.

Antes de concluir su trasegar por la Chetham’s School of Music, Chad se vinculó al Royal College of Organists y se graduó en piano en el Royal School of Music. Más tarde inició formación como organista en el Girton College, en Cambridge, graduándose en 2011 con dobles honores de

primera categoría y alcanzó así la marca más alta en la historia de la universidad en Musicalidad práctica y habilidades al teclado. Chad continuó sus estudios de posgrado en la Royal Academy of Music, donde, en 2013, se graduó con distinciones y obtuvo el codiciado dipRAM.

En la actualidad, es el Lucille Graham Fellow en la Royal Academy of Music, donde funge como director asistente y repetidor para la Royal Academy Opera. Ha trabajado en más de veinte producciones en los últimos tres años, colaborando estrechamente con eminencias como Sir Colin Davies, Sir Richard Armstrong, Trevor Pinnock, Jane Glover y Lionel Friend.

En el mundo de las interpretaciones de época, Chad continúa viendo crecer su reputación como director e intérprete de bajo continuo, en colaboraciones frecuentes con intérpretes de renombre, como Rachel Podger, Margaret Faultless y Trevor Pinnock. Es director y cofundador del grupo Ars Eloquentiae, que ofrece regularmente temporadas de conciertos en la parroquia de St. Anne, Kew Green, donde es también director musical. El grupo lleva una intensa agenda de presentaciones, con invitaciones para tocar en el Clifton International Festival, el Goettingen Handel Festival y Resonanzen Vienna. Como director musical de St. Anne, recaen sobre él la responsabilidad de tres coros independientes, la coordinación de una exitosa serie de recitales semanales y la supervisión de la actividad musical de la iglesia.

Chad es catedrático en música del Trinity College de Cambridge, heredero de la clase del desaparecido Richard Marlowe.

5

CONCIERTO No. 4

INTERMEDIO

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)

JEHAN ALAIN (1911-1940)

JOHANN SEBASTIAN BACH

NAJI HAKIM (n. 1955)

FELIX MENDELSSOHN (1809-1847)

JOHANN SEBASTIAN BACH

ALAN HOVHANESS (1911-2000)

GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759)

Concierto en re mayor, BWV 972Allegro

LarghettoAllegro

Trois pièces Variations sur

un théme de Clément Janequin JA 118, AWV 99Le jardin suspendu, AWV 63

Litanies AWV 100, Op. 79

Erbarm Dich Mein, o Herre Gott, BWV 721

Moderatode la Sonata para trompeta y órgano

Allegro con spirito de la Sonata para trompeta y órgano

Sonata en si bemol mayor, No. 4Allegro con brio

Andante religiosoAllegretto

Allegro maestoso e vivace

Sonata trío en mi bemol mayor para órgano solo, BWV 525

AllegroAdagioVivace

Oración para San Gregorio, Op. 62b

Suite en re mayor,HWV 349 de La música del agua

Overture (Allegro)Alla Hornpipe

MinuetLentement

Bourrée

PROGRAMA

6

NOTAS AL PROGRAMA

Por Jaime Ramírez Castilla

Es indiscutible la importancia de Johann Sebastian Bach (1685-1750) en la historia de la música. Si bien durante su vida fue más reconocido como instrumentista que como compositor, desde la primera mitad del siglo XIX y hasta nuestros días su amplia producción musical se ha considerado un paradigma de excelencia compositiva donde se entrelazan el manejo impecable del contrapunto con la más rica gama de pasiones, sentando al mismo tiempo las bases armónicas sobre las cuales se han desarrollado las demás fuerzas fundamentales de la música.

El programa de hoy abre con el Concierto en re mayor, BWV 972. Esta obra fue compuesta en 1713 y corresponde al periodo que Bach pasó en Weimar (1708-1717). Bach fue empleado en 1708 por el duque de Weimar, Wilhelm Ernst, como organista de la corte, y, posteriormente, desde 1714 hasta 1717, ocupó además el cargo de Konzertmeister (maestro de capilla). Gran parte de las obras para órgano de Bach corresponden a este periodo, y si bien este representa una etapa de intensa actividad como intérprete y compositor, también fue una época de fructífero aprendizaje. Se piensa que en Weimar Bach también gozó de cierto tiempo libre que le permitió fortalecer buenas relaciones profesionales y personales con otros músicos; de este periodo es notable la colaboración de Bach con compositores como Telemann y Pisendel; de hecho, la relación con Telemann creció al punto que este fue uno de los padrinos de Carl Philipp Emanuel Bach.

El príncipe Johann Ernst, sobrino del duque Wilhelm, fue un compositor y organista aficionado que estudió con Bach y posteriormente asistió a la Universidad de Utrecht. Al retornar a Weimar en 1713, el joven príncipe llevó numerosas copias de conciertos de los maestros italianos del momento y le pidió a Bach transcripciones y arreglos de estas obras. Esta solicitud permitió a Bach conocer en detalle los conciertos de Vivaldi y estimularon su apropiación de diferentes elementos. Dentro de estas influencias tomadas de los conciertos de Vivaldi se pueden mencionar el empleo continuo de un motivo rítmico que unifica las obras, el carácter monorrítmico de las composiciones y el esquema de modulaciones sumado al empleo de contrastes texturales entre tutti y soli para articular las formas.

El Concierto en re mayor, BWV 972 corresponde a una de estas transcripciones de conciertos de Vivaldi consecuencia de la solicitud del príncipe Johann. Es la transcripción del Concierto Op. 3, No. 9 RV 230, perteneciente al famoso grupo de concierto L’estro armonico. Este concierto se organiza por el esquema de tres movimientos que alternan

7

tempos rápido – lento – rápido. El primer movimiento no tiene un tempo determinado —como era la usanza en muchos conciertos italianos—, pero se asume que entra en el rango del allegro y se caracteriza por un elemento melódico constante que pasa por las diferentes terrazas de la textura. El segundo movimiento desarrolla un afecto mucho más introvertido, al tiempo que mantiene una marcada libertad melódica; en este movimiento, la flexibilidad de la línea melódica genera un carácter improvisativo que se enriquece con elocuentes ornamentaciones para el solista. El movimiento final es nuevamente un allegro, pero presenta un carácter festivo de alta vitalidad; en este movimiento, las diferentes secciones entre el solista y el acompañamiento se articulan a través de un particular esquema de modulaciones que desemboca en un final triunfal.

Interpolando el programa de este recital, reaparece otra obra de Johann Sebastian Bach: Erbarm dich mein, o Herre Gott, BWV 721. Este preludio coral es considerado una obra temprana de Bach, compuesta entre 1703 y 1709. Los preludios corales son elaboraciones virtuosísticas de tipo instrumental, compuestas generalmente a partir de corales de las que ya se habían apropiado las congregaciones religiosas. El coral Erbarm dich mein, o Herre Gott (Ten piedad de mí, oh Señor, mi Dios) está basado en el Salmo 51 y su melodía original fue compuesta por Erhart Hegenwalt en 1524. Sobre este canto se han escrito numerosos arreglos corales; incluso Bach empleó posteriormente la misma melodía para su coral BWV 305. En su formato de preludio coral, la obra presenta mayor flexibilidad melódica, la cual genera un carácter libre e improvisativo.

La Sonata trío, BWV 525 representa otra exploración de Bach a partir de géneros pertenecientes a diferentes tradiciones. Bach compuso las seis Sonatas a trío para órgano posiblemente en 1727, durante sus primeros años en Leipzig, para su hijo mayor, Whilhelm Friedemann Bach, quien estaba desarrollando una exitosa carrera como virtuoso organista. La sonata está compuesta en tres movimientos, emulando el formato tradicional de las sonatas a trío donde las dos líneas superiores presentan un intrincado contrapunto sobre la línea del continuo. El primer movimiento inicia con la presentación del tema en el registro grave, el cual transfiere su material a las voces superiores, que lo desarrollan imitativamente sobre una idiomática línea de bajo continuo. El segundo movimiento se encuentra en do menor (relativa menor de la tónica original) y parafrasea en las voces superiores una aria operística cuyo material es rápidamente imitado en los registros más bajos. Estos procesos de imitación desembocan en el Allegro final, caracterizado por su intrincada escritura contrapuntística.

El francés Jehan Alain (1911-1940) es reconocido como uno de los compositores más prolíficos de la Escuela Francesa de Órgano del siglo

8

XX, reconocimiento que se ha acentuado al tenerse en cuenta tanto la cantidad como la calidad de sus obras, escritas en un lapso de tiempo tan corto. Al igual que Pergolesi, Schubert y Mozart, Alain alcanzó a desarrollar un repertorio bastante amplio antes de cumplir los 30 años: para la fecha de su muerte —20 de junio de 1940, a comienzos de la Segunda Guerra Mundial— Alain ya había compuesto más de 120 obras y su repertorio incluía varias piezas para órgano, obras vocales, música de cámara y obras para piano.

Alain nació en Saint Germain-en-Laye, misma ciudad natal de Debussy; y, al igual que su predecesor, alcanzó su reconocimiento musical como estudiante de órgano y composición en el Conservatorio Superior de París. El lenguaje musical de Alain está muy influenciado por el legado de Debussy, así como por las exploraciones de su contemporáneo Olivier Messiaen; esta influencia es clara en su obra Le jardin suspendu, de 1934. La producción de Alain también se caracteriza por una apropiación de estilos bastante ecléctica: mostró un marcado interés por la música y la danza, así como por las filosofías de pensamiento oriental, influencia que se evidencia en obras como Deux danses á Agni Yavishta (1932) y Deuxiéme fantasie (1936). Alain fue asimismo influenciado por el lenguaje barroco, como lo muestra en Variations sur un théme de Clément Janequin (1937), y por el lenguaje del jazz, empleado en Trois danses (1939).

Las tres obras de Alain que componen el programa de este recital se caracterizan por la variedad de estilos y su exploración en la riqueza de timbres; si bien fueron compuestas para órgano solo, la exploración tímbrica es a su vez más aventurada en los arreglos para trompeta y órgano. Las Variations sur un théme de Clément Janequin se caracterizan por su sonoridad típicamente francesa; el tema empleado como base para la obra es L’espoir que j’ay d’acquérir vostre grace (La esperanza que tengo de obtener vuestra gracia) y sobre este se genera una exploración tímbrica de marcada claridad.

Tal exploración tímbrica continúa en Le jardin suspendu a través de sonoridades delicadas y, según el compositor, “de admirable ternura”. Esta obra, en general, proyecta un carácter hipnótico que permite que los timbres se desenvuelvan orgánicamente. En la adaptación para trompeta y órgano, la emancipación de los timbres se acentúa mediante el empleo de diferentes sordinas.

Litanies es una obra cargada de reflexión espiritual y se desarrolla como una antífona entre la trompeta y el órgano, en la cual se mantiene un carácter declamatorio dentro de un contexto rítmico más complejo. En el epígrafe de la obra, publicada en 1937, Alain describe el contexto espiritual

9

que la inspiró: «Cuando el alma cristiana no encuentra nuevas palabras en su angustia para implorar la piedad de Dios, repite interminablemente la misma invocación con su fe fortalecida. La razón tiene sus límites. La fe, por sí sola llega a las alturas.»1

Naji Subhy Paul Irénée Hakim, también conocido sencillamente como Naji Hakim, nació en Beirut en 1955 y actualmente es reconocido a nivel mundial como uno de los principales continuadores de la escuela francesa de órgano. Estudió en el Conservatorio Superior de París y en el Trinity College of Music de Londres. Ha obtenido más de quince primeros premios en competencias internacionales de órgano y de composición, y en 1991 ganó el Prix André Caplet de la Académie des Beaux-Arts. Entre los años 1985 y 1991 fue el primer organista de la Basilique du Sacré-Cour, en París, y de 1993 a 2008 fue el sucesor de Olivier Messiaen como organista de L’egliese de la Trinité en la misma ciudad. Actualmente se desempeña como docente, concertista y compositor. Su obra incluye composiciones para una amplia combinación de instrumentos solistas y de cámara, música sinfónica, cuatro conciertos para órgano y un concierto para violín, así como un prolífico repertorio vocal y coral.

La Sonata para trompeta y órgano fue compuesta en 1994 y está organizada en tres movimientos en los que se explora al máximo la versatilidad expresiva de la trompeta junto con la riqueza orquestal del órgano. Inicia con un Allegro con spirito de carácter burlesco, donde se entrelazan las formas del rondó y las variaciones. El segundo movimiento es un conjunto de variaciones sobre el tema de Sacré-Cour; en la primera variación desarrolla un carácter melodramático que conduce a la sección central, identificada como un mesto, tragico. En la cuarta variación, el órgano retoma el tema y lo entrelaza con el jocoso contrapunto de la trompeta. La última variación es una variación canónica en la cual, en una atmósfera serena, se genera el balance de la tensión característica de las variaciones anteriores. El movimiento final es un rondó a manera de saltarello, donde se retoma el carácter alegre del primer movimiento.2

Felix Mendelssohn (1809-1847) fue uno de los músicos más favorecidos por el destino en el siglo XIX. Niño prodigio en una familia acomodada, tuvo acceso a la mejor educación tanto humanística como musical de su época. En una posición completamente privilegiada, el joven Mendelssohn logró desarrollar sus capacidades artísticas impresionantemente rápido y consolidarse como uno de los mejores y más completos músicos

1 Tomado de las notas a la grabación escritas por Alain Cochard y Keith Anderson. Organ Encyclopedia: Alain-Organ Works. Vol 1. Intérprete Eric Lebru, órgano. Naxos 8.553632 La información bibliográfica, así como la descripción de la obra han sido proporcionadas por el compositor a través de su página oficial en Internet. Véase www.najihakim.com.

10

del momento. Charles Rosen describe así la genialidad prodigiosa de Mendelssohn:

Mendelssohn fue el más grande niño prodigio que la historia de la música occidental haya conocido. Ni Mozart ni Chopin a los 19 años podrían igualar la maestría que Mendelssohn ya poseía a los 16. Más impresionante aun es la naturaleza del precioso talento de Mendelssohn: no solo un don para las líneas melódicas líricas y delicadas y las texturas transparentes, sino, sobre todo, un control de las estructuras a gran escala, que no pueden ser igualadas por ningún músico de su generación.3

El fascinante talento de Mendelssohn estuvo acompañado por estudio constante, así como por una prolífica producción musical. Este continuo estado de exploración aplicada a la composición se ve reflejado en el redescubrimiento de la obra de Johann Sebastian Bach para el resto de Europa y América, que en gran medida está en deuda con Mendelssohn. El grupo de las Seis sonatas para órgano, Op. 65, compuestas en 1845, son producto del estudio sistemático de la obra para órgano de Bach y evidencian claramente una influencia directa sobre el tipo de formas desarrolladas y las texturas empleadas a lo largo de cada obra.

La Sonata Op. 65, No. 4 en si bemol mayor emula claramente las sonatas y partitas de Bach para instrumento solo, organizadas a partir del modelo de una sonata da chiesa. En esta sonata, el allegro con brio inicial se caracteriza por un contrapunto exuberante que conduce al segundo movimiento, donde resuena la tradición coral desarrollada por Bach. El tercer movimiento es un allegro que retoma el carácter siciliano, muy común en los movimientos intermedios de las sonatas bachianas, y desemboca en el movimiento final, en que una marcha prepara la fuga que cierra toda la obra.

El compositor norteamericano de ascendencia armenia Alan Hovhaness (1911-2000) fue uno de los más prolíficos de nuestra era. Su catálogo de obras supera los 400 títulos a pesar de haber destruido él mismo varios de sus trabajos entre los años 1930 y 1940. Hovhaness mantuvo un ritmo de composición bastante intenso, que no se vio disminuido por la edad; de hecho, escribió más de 30 sinfonías después de los sesenta años. Fue un compositor bastante versátil y su obra cubre diversos géneros y fuerzas instrumentales: compuso para orquesta, ensambles de cámara y banda sinfónica, e hizo una cantidad considerable de obras para piano solo, para voz y piano, óperas y ensambles corales.

3 Charles Rosen, The Romantic Generation, Cambridge: Harvard University Press, 1995, p. 569.

11

El estilo de composición de Hovhaness contempla un alto nivel de eclecticismo a través del cual, manteniendo una aproximación completamente posromántica, logró incorporar elementos de diferentes culturas en un lenguaje propio y homogéneo sin caer en la tentación de la experimentación modernista. En los años 40, el compositor describió su estética musical de la siguiente manera:

Yo propongo crear un estilo de composición heroico y monumental, suficientemente simple para inspirar a todas las personas, completamente libre de modas, manierismos artificiales o falsas sofisticaciones; directo, poderoso, sincero, siempre original pero nunca antinatural. La música debe liberarse de la decadencia y del estancamiento. Se ha hecho mucho énfasis en las cosas pequeñas, mientras que las grandes verdades se han pasado por alto. Lo superficial debe omitirse. La música debe ser suficientemente viril para expresar grandes cosas. No es mi intención proporcionar el alimento para la brillante argumentación de los músicos pseudointelectuales y los críticos, más bien es inspirar a la humanidad con nuevo heroísmo y nobleza espiritual. Esto puede parecer sentimental e imposible para algunos, pero se debe recordar que Palestrina, Händel y Beethoven nunca lo habrían considerado sentimental ni imposible. De hecho, el arte creativo más valioso ha sido motivado consciente o inconscientemente por el deseo de la regeneración de la humanidad.4

La Oración para San Gregorio, Op. 62b fue escrita originalmente como un interludio para la ópera Etchmiadzin (Op. 62), cuyo nombre alude a la catedral y sede principal de la Iglesia armenia. La ópera fue compuesta en 1946 y se estrenó en Nueva York bajo la dirección del propio Hovhaness. En el mismo año, transcribió la Oración para San Gregorio para trompeta y órgano. Esta obra evoca una introspección espiritual que se desarrolla a partir de la textura de un coral; presenta un estilo modal con líneas melismáticas para la trompeta, la cual retoma el himno central después de haber sido presentado por el órgano.

El programa de este recital abrió con un concierto de Johann Sebastian Bach, con el cual uno de los más grandes maestros del Barroco alemán rendía homenaje a Vivaldi, uno de los más grandes maestros del Barroco italiano. Ahora, el programa cierra de forma cíclica con una de las obras más reconocidas de otro de los grandes maestros del Barroco alemán: la Suite en re mayor de La música del agua, de Georg Friedrich Händel (1685-1759). La música del agua se considera más como una recopilación de suites cuyo número de danzas y orden es todavía variable. Las suites se estrenaron oficialmente el 22 de agosto de 1715; sin embargo, presentaban movimientos que habían sido empleados en obras anteriores. Posteriormente, en 1717,

4 Hovhaness escribió está descripción de su estilo compositivo en una de las tantas solicitudes a la Fundación Guggenheim para financiar su producción. El apoyo de la Fundación fue otorgado en 1953 y 1954. La cita aparece en la reseña bibliografica escrita por Marco Shirodkar para sitio web del compositor. Ver www.hovhaness.com.

12

por solicitud del Rey se llevó a cabo otra presentación pública de las suites, donde se intercambiaron algunos movimientos y se incluyeron danzas más recientes.

En 1715, el Rey Jorge I de Inglaterra invitó a Londres al Barón von Kielmansegge desde Hanover. Como parte de los eventos reales, figuraban un banquete y unas festividades que tendrían lugar en embarcaciones que recorrerían el Támesis desde Whitehall hasta Limehouse. Si bien se desconoce el orden en que se presentaron las obras en dicha ocasión, se asume que se mantuvo una división de tres suites organizadas de acuerdo con la división de las festividades en tres etapas: viaje río abajo, cena y viaje de regreso.

Las suites en fa mayor y en re mayor presentan una orquestación robusta, donde las maderas se refuerzan con los cobres; Händel buscaba una sonoridad de gran proyección para que pudieran escucharse desde las embarcaciones hasta las orillas del río a medida que avanzaban las festividades. La tercera suite, en sol mayor, tiene un carácter más recatado y sereno, por lo cual se asume que fue empleada para amenizar la cena real.

La Suite en re mayor presenta una selección de danzas de diferentes países, manteniendo en general un carácter abiertamente festivo y cosmopolita. Después de una obertura donde se contrastan diferentes terrazas instrumentales que mantienen un carácter solemne, se presenta una danza típicamente inglesa: Alla Hornpipe.

El minuet es una danza de origen campesino francés que se introdujo en el repertorio musical de las cortes del Rey Luis XIV desde el año 1650 aproximadamente; esta danza tuvo gran acogida y se popularizó por toda Europa hasta el punto de convertirse en una de las pocas que sobrevivió al cambio estético del Clasicismo, y aseguró su lugar en innumerables obras instrumentales de los siglos XVIII y XIX. Los movimientos restantes de esta suite, Lentement y Bourrée, también son de origen francés y, si bien mantienen un manejo muy similar de la textura, proporcionan contraste dentro de la obra en cuanto a su métrica y carácter: mientras que el Lentement es un movimiento en tempo lento con una métrica ternaria, el Bourrée es una danza relativamente rápida en una métrica binaria y mantiene una articulación en el fraseo por unidades de cuatro compases.

Programade

en elestudios

exterior

www.banrep.gov.co/estudios-exterior¡INICIA TU PROCESO DESDE YA!

CONVOCATORIAS EN:

Jóvenes talentos en música

Cierre de convocatoria: 9 de mayo de 2014

Posgrado en derecho económico

Cierre de convocatoria: 16 de mayo de 2014

Doctorado en economíaCierre de convocatoria:

23 de mayo de 2014