Ábside the cool trends

NOVIEMBRE 04, 2010

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AÑO XVIEDITORIAL UNIVERSAL

CHILE $1.000ARGENTINA $a 50

VENEZUELA 2,5 REALES

ARQUITECTURA MARC KOEHLER

ARCHITECTS... y más

DISTORSIÓN DEL ARTE

ARTE

DISEÑO ANATOMÍA DE LA

TIPOGRAFÍA

ARQUITECTURAARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA, SUS ORIGENES...MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN.

ARTEJULIAN BEEVERFERNANDO JIMÉNEZENTRE OTROS...

DISEÑOEL DISEÑO GRÁFICO NO ES ARTE Y LA ENTREVISTA DEL MES...

PRÓXIMO NÚMEROFELIPE ASSADI / ARQUITECTODISEÑADORES POR CHILEESCULTORES DEL SIGLO XXIY LA ENTREVISTA DEL MES...

/

4/5 ARQUITECTURAArquitectura Contemporánea

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN (MUSAC)

12/13/14/15 DISEÑO

EL DISEÑO GRÁFICO NO ES ARTELA ANATOMÍA DE LA TIPOGRAFÍA

SUMARIOÁbside the cool trends

Comité Editorial

Ábside S.A The cool trends

Ádside Comunicaciones

Directora Editorial

Carmen Landeta Ginestar

Coordinador Editorial

Angus Kindley R.

Corrector de Pruebas

Carmen Landeta Ginestar

Periodistas

Carlos Orrego A.

Francisco Aldana O.

Fernanda Torres S.

Ignacia Segovia P.

Diseño

Felipe Kindley Routledge

Fotografía

Álvaro Ruiz Robles

Representante Legal

Felipe Kindley Routledge

Impresión

Gráficas Unidas

Derechos reservados

Ábside Magazine es una revista realizada

en forma bimensual por editorial Universal.

Prohibida la reproducción total o parcial del

material publicado en esta edición sin pre-

via autorización de los editores. Las opinio-

nes vertidas en esta revista no representan

necesariamente el pensamiento de Ábside.

El editor periodistico no se hace cargo

de las opiniones vertidas en esta edición,

siendo éstas responsabilidad de quienes

las emiten.

6/7 ARQUITECTURAArquitectura Contemporánea

M - MARC KOEHLERARCHITECTS

8 ARTEDistorsión del Arte

HEIDEGGER, M. El origen de la obra de arte

9 ARTEDistorsión del Arte

FRANÇOISE NIELLYQUÉ ES ARTE Y COMO DETERMINARLO

10/11 ARTEDistorsión del Arte

RESEÑAS DE: JULIAN BEEVER,FERNANDO JIMÉNEZ y TED VASIN

4

9

11

13Ábside / nro. Ithe cool trends

Henos aquí, luego de un tiempo seguramente más largo que el deseado, frente a un nue-

vo número de Ábside. En él, encontrarán cuatro artículos originales de primer nivel sobre

temas diversos, en particular diseño, arquitectura y arte. Además, encontrarán un artículo

sobre las tipografías y mucho más, que ha tenido una enorme repercusión en ocasión de

su publicación en francés e inglés. Su autor, Roberto di Cosmo, nos ha permitido publicar

la versión en español del mismo. Probablemente el tema genere polémica; si la reacción

de los lectores lo justifica, abriremos un debate al respecto en nuestra revista.

Tenemos importantes novedades en la sección Entrevistas. La hemos unificado con la co-

rrespondiente. De ahora en más, esa página será mantenida, en forma on-line, por Pilar Su-

ter. En ella intentaremos reflejar en la forma más completa y dinámica posible entrevistas

tan interesante como siempre, reuniones, exposiciones y otros eventos, especialmente

aquellos que se desarrollen en la región. Invito a todos aquellos que tengan informaciones

que comunicar, a hacerlo directamente a Pilar.

Finalmente encontrarán, como en el primer número, los abstracts de algunas de las obras de

los diferentes estilos expuestos acá. Quienes tengan conocimientos de otras, que seguramen-

te las hay, pueden enviarnos la información correspondiente.

En esta carta del editor que acompaña al primer número dije que hacer una revista no era

tarea fácil. Casi un año más tarde, no puedo sino confirmar esa opinión. Sin embargo, con

la gente de SADIO seguimos intentando hacerlo, y hacerlo bien. Si el proceso de revisión

de los artículos no mereciera tanto cuidado, si para nosotros no fuera tan importante la

calidad, seguramente hubiéramos podido tener un segundo número más rápidamente.

Pero asumimos un compromiso con la calidad, y creemos que esa es la única posibilidad

de éxito para una revista de este tipo. Seguramente el nivel de los artículos aquí presentes

servirá como incentivo para que los diseñadores, arquitectos y artistas profesionales de

la región puedan publicar sus aportes en Ábside. Espero sinceramente que no deba pasar

nuevamente un año antes de que nos encontremos nuevamente.

Como en ocasiones anteriores, reitero la invitación a toda la comunidad de Chile, Argentina

y Sudamérica a contribuir con sus ideas y colaboración para lograr que Ábside sea un me-

dio de encuentro y actualización permanente para todos.

Angus KindleyCordinador Editorial

/

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEAEl siglo XX. Inicio de la arquitectura con-

temporánea. La idea principal de la ar-

quitectura contemporánea, radica princi-

palmente en el rechazar aquellos estilos

históricos que anterior a este se utili-

zaban. Frente a las tendencias clásicas

utilizadas aun para el último tercio del

siglo XIX, surge la arquitectura contem-

poránea la cual viene con una propuesta

totalmente diferente a lo que ya existía.

Basándose en el empleo de nuevas téc-

nicas y nuevos materiales industriales,

durante el siglo XX. Como es notable, la

revolución industrial a ayudado en gran

medida a la transformación del contexto

tecnológico y social de la construcción.

La renovación estética propuesta por las vanguardias (especialmente por el cubis-

mo, el neoplasticismo, el constructivismo y la abstracción) en el campo de las artes

plásticas, se abre el camino para una aceptación más natural de las propuestas

de los nuevos pensamientos arquitectónicos. Estas propuestas se basaban en la

creencia en una sociedad regulada por la industria, en la cual la máquina surge

como un elemento absolutamente integrado en la vida humana y en la cual la na-

turaleza no está sólo dominada, sino que también se proponen nuevas realidades

distintas de la natural.

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Diseñado por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla. El MUSAC se alza en

una zona residencial al oeste de la ciudad de León y fue inaugurado en abril de 2005,

bajo la dirección de Rafael Doctor Roncero, un joven inquieto, sensible y culto que ya

había dado que hablar –algunos se escandalizaban– cuando a finales de los 90 curaba

el Espacio A del Museo Reina Sofía, el lugar por donde pasaba la vanguardia en el

prolijo centro con nombre de reina.

Gracias a Doctor y a su equipo de profesionales aguzados, el MUSAC se consolidó a

lo largo de los dos últimos años como uno de los centros artísticos de referencia en

España. El proyecto MUSAC trata de resolver constructivamente –según sus arqui-

tectos– un espacio para la cultura, entendida ésta como aquello que hace visibles los

vínculos entre los hombres y los pensamientos.

La edificación propuesta en su extensión por los arquitectos como edificio de una

sola planta posibilita la materialización de un espacio donde el arte se sienta cómodo

y ayude a borrar las fronteras entre el arte y la vida.

“Arquitectura contemporánea en España, presente en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).”

“Está fijada convencionalmente por los

historiadores del ámbito francés e hispá-

nico como el periodo posterior a 1789.”

Vista Frontal, MUSAC

Acercamiento

Vista Frontal, CASA GATICA

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Y aunque es difícil de aceptar, la revolu-

ción industrial fue causante de que los

antiguos preceptos arquitectónicos ha-

yan perdido importancia o valor. En pri-

mer orden es evidente el uso del hierro,

vidrio y el acero laminado, en este caso

el vidrio fue utilizado en grandes dimen-

siones. Estos materiales fueron fabrica-

dos masivamente y de esta manera se

generaliza su uso en la edificación.

Esta totalmente comprobado que el em-

pleo de estos materiales nombrados reside

en la claridad estructural, aparte de funcio-

nar enteramente como un elementos de

construcción prefabricados.

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA

Marc Koehler Arquitectos es una oficina

de investigación impulsada por el dise-

ño con sede en Amsterdam, integrado

por un grupo internacional de jóvenes

arquitectos, diseñadores y urbanistas di-

rigidos por Marc Koehler (1977). El estu-

dio trabaja en una amplia gama de ideas

relacionadas con "diseño habitacional,

cruce la arquitectura con el diseño del

paisaje, el comportamiento humano y la

comunicación. El estudio cuenta con una

plantilla fija de 5 y colabora con un grupo

flexible de unos 15 consultores, socios

de la construcción y los diseñadores in-

dependientes. Arquitectos de origen ho-

landés, portugués, Marc Koehler estudió

Ingeniería en la Escuela Amsterdam de

orillas del río (2008) y el 1er premio en

el concurso de un centro comunitario en

Bélgica (2009). Una mención de honor se

le dio al diseño de la nueva residencia de

la Facultad de Arquitectura Universidad

Tecnológica de Delft (2009).

La oficina también diseñó varias casas ex-

perimentales en los Países Bajos, como la

casa de IJburg, el cual fue nominado para

el Premio de Arquitectura de Amsterdam

de 2008, los holandeses Fachada Design

Award 2008, Fritz Hoger Preis 2008, la

casa más bella 2008, WAN mejor casa

de 2008 de adjudicación, además de re-

cibir una mención honorífica en el Premio

World Architecture Festival 2008.

“Colorido, solidez y apéndice dominante como los valores estéticos que se expresa en la arquitectura contemporánea.”

contexto de la cultura de las masas y la

producción en masa están repitiendo los

temas en cada uno de los proyectos de la

oficina de toma.

Casa M, uno de sus proyectos estrella,

coloca la casa como si fuera un muro en-

tre el jardín frontal y el posterior, que se-

para una calle de una muy introvertida fa-

chada (en la parte trasera de la casa). La

cocina, comedor, sala de estar y espacio

de oficinas se encuentran en La cocina,

comedor, sala de estar y espacio de ofi-

cinas se encuentran en la planta baja, en

un espacio continuo que se abre hacia

el soleado jardín trasero. En el segundo

piso, tres dormitorios, el espacio de al-

Vista Frontal, Casa M

Acercamiento

Vista Lateral Vista Interior

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M - MARC KOEHLER ARCHITECTS

Marc Koehler ha sido seleccionado por

crítico de arquitectura Ibelings Hans para

la prestigiosa lista de Top 10 de los Arqui-

tectos Holandeses menores de 40 años.

En 2009, la Oficina también ha colabora-

do en varios proyectos de arte, como la

escenografía de “Patrones de comporta-

miento de un espectáculo de danza por

el Ballet Nacional de Holanda. Dentro de

una amplia gama de enfoques y activida-

des, la oficina desarrolla una línea conti-

nua y reconocible de pensar y de diseño.

La cuestión del papel de los arquitectos

como mediadores entre el reino de lo do-

méstico, lo urbano y lo natural y la bús-

queda de la autenticidad de diseño en el

macenamiento y el baño. En el segundo

piso, tres dormitorios, el espacio de al-

macenamiento y el baño. Desde la calle,

más bien parece una casa cerrada y mo-

nolítica creando un interesante diálogo

visual con las casas vecinas construidas

dentro de un estilo neoclásico.

Tecnología, Urbanismo en la Universidad

Técnica de Lisboa (Portugal) y Arquitec-

tura en la Universidad Técnica de Delft,

donde se graduó con honores en 2003.

Desde 2004 es profesor de diseño arqui-

tectónico en la TU Delft, donde coordina

el diseño y varios proyectos de investi-

gación tales como el taller internacional

“Explorando la Públicas de la Ciudad; es-

tratégicos espacios públicos, vitales para

el diseño de Ciudad Nueva” y un estudio

denominado “Política y Arquitectura.

El trabajo de la oficina a menudo ha sido

premiado y publicado extensamente. Re-

cientemente ganó competiciones incluyen-

do el primer premio en el concurso Oporto

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA

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DISTORSIÓN DEL ARTEMartin Heidegger (Filósofo s. XVIII) decía

que el origen de la obra es el artista y a su

vez la obra da origen al artista. Ninguno

de los dos puede ser sin el otro y a su vez

ninguno de los dos soporta al otro por se-

parado. El artista y la obra son en sí mis-

mos y recíprocamente por medio de un

tercero que viene a ser lo primero, aquello

de donde el artista y la obra reciben su

nombre: el arte. La obra es símbolo. Ese

símbolo es por donde la obra se mueve

y su carácter de cosa pareciera ser su ci-

miento. En esos cimientos es donde el ar-

tista pone sus manos. Sobre esa materia

el artista crea.

En la obra de arte se ha puesto manos

a la obra la verdad de lo ente. «Poner»

quiere decir aquí erigirse, establecerse.

Un ente, por ejemplo un par de botas

campesinas, se establece en la obra a

la luz de su ser. El ser de lo ente alcanza

la permanencia de su aparecer, nos dice

Martin Heidegger.

Martin se refería a la obra Zapatos de

Campesino de Vincent Van Gogh, obra

¿QUÉ ES ARTE Y QUE NO? EL MAL USO QUE SE LE DA A LA MANOSEADA PALABRA ARTE. TODO ES ARTE EN ESTOS TIEMPOS.

“Arte es siempre la gran verdad de la naturaleza vista a través del entendimiento humano.”

Auguste Rodin

Zapatos de Campesino, Vincent Van Gogh

CÓMO DETERMINAR QUE ES ARTE?Si buscamos la definición de arte en un diccionario convencional seguramente encon-

traríamos algo parecido a esto: Actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez

puede limitarse a una habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el

punto de incluir una visión particular del mundo. Aunque, por su puesto, dicha explica-

ción de este término no sea errónea, si puede ser considerada incompleta; al mismo

tiempo el arte implica un aspecto más subjetivo porque, desde ya es una disciplina

subjetiva. Cuando leemos la definición de arte al estilo “técnico” sólo estamos enten-

diendo que la misma es una actividad en la cual se requiere habilidad y aprendizaje,

pero el arte en sí mismo involucra muchas más características.

Si buscamos una definición de arte de

índole más “pura”, decimos que es un

medio por el cual un individuo expresa

sentimientos, pensamientos e ideas; es

así como vemos a este conjunto plas-

mado en pinturas, esculturas, letras de

canciones, película y libros. Las bellas

artes centran su interés en la estética,

nos referimos a la pintura, danza, músi-

ca, escultura y arquitectura; las artes de-

corativas suelen ser utilitarias, es decir

“útiles” específicamente. Aunque nos

resulte difícil creerlo, la definición de arte

hace un paralelismo con la ciencia; se

asegura que tanto el arte como la ciencia

requieren de habilidad técnica; tanto los

artistas como los científicos tratan siem-

pre de impartir un orden a partiendo de

sus diversas experiencias vividas. Am-

bos pretenden comprender el universo

en el que habitan y se desarrollan, hacen

una valoración de él y transmiten lo que

Françoise Nielly / El Color de la ExpresiónArtista francesa que vive en un mundo de imágenes, y que ha explorado los diferentes aspectos de la imagen a lo largo de su vida a través de la pintura, la fotografía, los bocetos, ilustraciones, y las generadas virtualmente por ordenador.

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que tiempo después simularía Andy War-

hol en sus series. ¿Qué es la verdad para

el arte que, debería ocuparse de la belle-

za y no de la verdad? Tranquilos, la verdad

sigue perteneciendo a la lógica y la belle-

za a la estética, pero no es esa verdad a

la que aquí quiero referirme, tomando a

Martin Heidegger.

“En la obra la que obra es la verdad, es

decir, no sólo algo verdadero. El cuadro

que muestra el par de botas labriegas,

el poema que dice la fuente romana, no

sólo revelan qué es ese ente aislado en

cuanto tal -suponiendo que revelen algo-,

sino que dejan acontecer al desoculta-

miento en cuanto tal en relación con lo

ente en su totalidad. Cuanto más senci-

lla y esencialmente aparezca sola en su

esencia la pareja de botas y cuanto me-

nos adornada y más pura aparezca sola

en su esencia la fuente, tanto más in-

mediata y fácilmente alcanzará con ellas

más ser todo lo ente.

interpretan a otros individuos; de todas

formas no podemos establecer una pari-

dad entre el arte y la ciencia, existe una

diferencia esencial entre ambas: los artis-

tas seleccionan las percepciones cualita-

tivamente y luego las ordenan de manera

que manifiesten su propia compresión

cultural como personal, mientras que los

científicos estudian las percepciones de

los sentidos no de manera cualitativa sino

cuantitativa y así es como descubren le-

yes que reflejen una verdad universal y

única. Otra de las principales diferencias

que separan al arte de la ciencia es la po-

sibilidad de refutar; mientras que los cien-

tíficos pueden invalidar leyes o teorías a

través de investigaciones, las obras de

arte poseen un valor permanente, aun-

que cambie el punto de vista del artista o

el gusto del público en general.

Fragmento seleccionado y comentado por Valeria Casal Passion

de: Heidegger, M. “El origen de la obra de arte.”

DISTORSIÓN DEL ARTE DISTORSIÓN DEL ARTE

QUÉ ES EL ARTE?

La definición de arte establece que el mismo es una disciplina o actividad, pero en un

sentido más amplio del concepto, decimos que el talento o habilidad que se requiere

para ejercerlo está siempre situada en un contexto literario, musical, visual o de pues-

ta en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes

lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo inte-

lectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos. En la mayoría de las

sociedades y civilizaciones que conocemos, el arte ha combinado la función práctica

con la estética, pero en el siglo XVIII, el mundo occidental decidió distinguir el arte

como un valor estético que, al mismo tiempo, contaba con una función práctica.

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Julian Beever / Desafiando la PerspectivaArtista británico. Ha creado dibujos de tiza en 3D en el pavimento utilizando un método llamadoanamorfosis que crea una ilusión óptica. Sus dibujos en las calles desafían las leyes de la perspectiva.

Si buscamos una definición de arte exten-

siva seguramente encontraremos varias

descripciones sobre los tipos de arte y

las épocas en que éstos han sido prepon-

derantes; el arte abstracto es uno de los

más modernos, surgió en 1910 y llegó a

influenciar generaciones enteras durante

el siglo XX. El auge de este tipo de arte es

tal que, aunque muchos artistas conser-

vadores no tenían el más mínimo interés

de considerarlo como tal, no tuvieron más

remedio que darle un lugar entre los tipos

de arte más importantes.

El abstraccionismo significó un gran vuel-

co dentro de la percepción estética, se

deja de considerar justificada la necesi-

dad de representar figuras o formas de

Ted Vasin / Ilustración de otro Mundo Es un acojonante artista ruso afincado en California con un curro simplemente sublime. El año pasado, Ted fue galardonado con un Pollock-Krasner Foundation Grant.

Fernando Jiménez / Rostros HumanosPintor, Español, Destaca su gran manejo de colores y su gusto remarcado sobre el rostro humano, trabajando sobre ellos con diversas técnicas.

“El arte es maravillosamente irracional, no tiene el menor sentido, y, a pesar de todo, es necesario.”

Günter Grass

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objetos y se los tiende a sustituir por un

lenguaje visual autónomo el cual posee

sus propios significados.

Pero el abstraccionismo no ha nacido como

una rama independiente sino que fue el re-

sultado de varias influencias expresionistas

las cuales exaltan la fuerza del color; infor-

malistas y cubistas. El arte es una disciplina

que ha despertado varios enfoques muy

diversos sobre la realidad y situaciones so-

ciales; lo importante es que no pierde su

objetivo que es expresar, transmitir y, en

ocasiones, concientizar.

DISTORSIÓN DEL ARTE DISTORSIÓN DEL ARTE

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NO ES ARTEEsta fue la época en donde nacieron

grandes tipógrafos tales como los cono-

cidos Bodoni, Caslon, Baskerville, etc.

La diferencia entre el artista y el artesa-

no comenzó en el renacimiento al darle

un valor de inspiración a las actividades

como la pintura, escultura o poesía.

Para el siglo 19 el modernismo adoptó

nuevas formas o valores distintos en

la pintura, se comenzó a contradecir al

arte renacentista. Marcel Duchamp en

el siglo 20 declaró que cualquier obje-

to producido por un artista es arte, esta

posición ha complicado de sobremane-

ra el significado del Arte.Una definición

exacta de Arte jamás la hemos tenido o

existen infinidad de ellas que es difícil

quedarse con una: Actualmente cual-

quier cosa puede designarse como arte.

(McEvilley) Después de Andy Warhol

nadie puede decir que es arte y que no

lo es. (Danto)

El Diseño Publicitario como tal ha esta-

do viviendo desde los años 1700s. Fue-

ron artesanos contratados por comer-

ciantes para producir un anuncio de lo

que vendían. La mayoría de la gente era

inculta, así que el diseñador se las inge-

niaba para representar las cualidades o

poderes del producto lo mejor posible,

de forma visual y con el texto en forma

de síntesis.

Fue hasta 1922 que William Addison

Dwiggins le dió nombre a la actividad

El debate siempre es intenso entre la relación de ser Diseñador gráfico o Artista

de darle forma y estructura a la comuni-

cación visual: Diseño Gráfico.

Diseño Grafico es un comunicador vi-

sual. Las habilidades requeridas son:

explorar ideas y conceptos, práctica vi-

sual para resolver problemas, atención a

los detalles, disponibilidad por aprender

producción gráfica, ya sea en forma tra-

dicional o en la computadora, estar listo

para aplicar todo esto en las diferentes

áreas de la comunicación visual. El dise-

ño Gráfico en nuestros tiempos es más

universal, la gente se da cuenta que un

logo o un buen diseño de paquete pue-

de ser la diferencia entre ser escogido o

pasar inadvertido. Un diseñador Gráfico

puede diseñar desde una invitación de

baile hasta la imagen corporativa de una

compañía transnacional. La mayoría de

los trabajos se basa en algún proyecto

determinado. En numerosas ocasiones

se trabaja bajo extremas presiones de

tiempo y con muy definidas especifica-

ciones en el presupuesto.

El diseñador tiene que sintetizar informa-

ción obtenida desde diferentes fuentes:

usar la información del mercado, especi-

ficaciones del costo del departamento de

presupuesto, etc. Producir una variedad

de bocetos o modelos para demostrar di-

ferentes posibilidades del producto, por lo

tanto se tiene que saber escuchar comen-

tarios referente a lo estético, al color y a

las necesidades del cliente. Ser diseñador

despachos de diseño contrataban de 10

a 20 personas, ahora solo hay 5 o 6 di-

señadores de planta. Por lo tanto existe

cada día más gente trabajando por su

cuenta. Los primeros años como gra-

duado son difíciles, se tiene que cons-

truir un portafolio de trabajo, ganar re-

putación, etc. en esta época tiene uno

que ser optimista, trabajar con muchas

ganas y lo más importante es ser hu-

milde y aprender de los demás.

El Diseño Gráfico

Al final nadie queda 100% conforme, este es un tema que crea una gran cantidad

de controversia. Estas líneas se las mandé a un colega que estaba haciendo su tesis

acerca de esta eterna inquietud, él elaboró ciertas preguntas, algunos de nosotros le

contestamos y esta fue mi respuesta:Mi respuesta requiere ciertas consideraciones

acerca de lo que es el arte y lo que es el diseño gráfico.

Arte como ahora la conocemos es un término moderno. Los objetos que percibimos

como arte, que fueron hechos por los griegos, egipcios, aztecas, incas, etc. “El arte

prehispánico no crea el arte por el arte su propósito es traducir en forma plástica

su sentir religioso? - (Vaillant) tenían usos prácticos, fueron admirados, reconocidos,

pero no como arte en el término que nosotros usamos. El término arte nace en el

siglo 15 o 16 en Italia.

Durante el Renacimiento el mundo del Arte emerge como Pintura Escultura y Arqui-

tectura, después se les unió Música y Poesía, desde el siglo 18 a estas 5 actividades

se les denomina Arte. Quedaron afuera las Artes Decorativas, como alfarería, trabajo

en hierro, la creación de muebles, el impresor, el ilustrador, etc. las cuales tenían una

utilidad como finalidad.

Antes que existiera Gutenberg y sus contemporáneos, la producción de libros era

totalmente artesanal, en esa época encontramos verdaderas maravillas en lo que se

refiere a ilustración y tipografía.

Para el siglo XVIII y XIX, comenzó el verdadero auge en lo que se refiere a la impre-

sión de libros y anuncios publicitarios, esto se debió a la rápida expansión de impren-

tas por todo el mundo. También la Revolución Industrial ayudó a que se imprimiera

cada vez un mayor número de copias por hora. Esto llevó a un conflicto laboral, cada

vez que salía una máquina se despedían a muchos trabajadores. (a veces los dueños

de las imprentas las escondían hasta el día en que decidieran despedir personal).

Esta fue la época en donde nacieron grandes tipógrafos como Bodoni, Caslon, Bas-

kerville, etc. La diferencia entre el artista y el artesano comenzó en el renacimiento al

darle un valor de inspiración a las actividades como la pintura, escultura o poesía.

Para el siglo 19 el modernismo adoptó nuevas formas o valores distintos en la pintura,

se comenzó a contradecir al arte renacentista.

gráfico no es un solo trabajo o una sola

persona: se tiene que ser por lo menos

buen vendedor de ideas, comunicador,

trabajar en equipo ya sea con colegas,

clientes, impresores, programadores,

webmasters, etc.

La especialización viene con la ma-

durez. Evitar ser el diseñador con un

estilo definido, tal vez el próximo año

no sea del agrado del mercado. Capaci-

dad de aprender a escuchar y cambiar

cuando sea necesario (no casarse con

una idea).

La consistencia es crucial, solo pregún-

tese cuantos diseñadores gráficos se

gradúan cada semestre. Y lo que es

más algunas veces no se requiere obte-

ner un grado universitario para ser Dise-

ñador Gráfico, pero es necesario tener

cultura general, cultura visual y un cons-

tante estudio, para poder sobrevivir.

Un diseñador tiene que saber de las

nuevas tecnologías aunque todo su tra-

bajo se desarrolle en forma tradicional.

La competencia es cada día más fuer-

te. Hace algunos años los grandes

13

grafía del siglo XVIII y XIX, los libros

Celtas, Los carteles de Touluse Lautrec,

Los anuncios de José Guadalupe Posa-

da y algunos carteles del cine polaco.

8) Crees que exista alguna contra-

dicción entre el Arte y el Diseño Grá-

fico? Ninguna, ambas pueden ir de la

mano, solo que la desviación está al fi-

nal cuando en el diseño grafico se dice:

para este cartel los costos de produc-

ción fueron la mitad de los del año pasa-

do, el diseño es excelente y recibimos

un 50% más de público al concierto.

En el caso del arte se dice: para este

cartel le pagamos muy poco al artista,

hizo un esplendido trabajo y recibimos

un 50% más de público al concierto.

fuente: diariodiseño.cl

1) Diseñador Gráfico o Artista Plás-

tico? Si quiero hacer un buen diseño

grafico recurro a mi trabajo en equipo

y si quiero hacer arte me encierro en

mi mundo.

2) Qué es para ti el Diseño Gráfico?

El Diseño Gráfico es una actividad mul-

tidisciplinaria, el fin está determinado

por muchos factores, ya sean comer

ENTREVISTA

Andy Warhol / Pintura 3 Colores Andrew Warhola, más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

ciales, de comunicación, culturales, es-

téticas, creatividad, etc. pero el punto

principal es que los objetivos trazados

surtan efecto en el producto final.

3) Qué es para ti el Arte? El Arte, es

la libertad de expresarme sin tener que

dar explicaciones a nadie en absoluto.

4) Puede un diseñador hacer Arte?

Claro que sí, muchos diseñadores grá-

ficos hacen valer su libertad de expre-

sión, algunas veces a favor o en contra

del cliente

5) Puede un artista hacer Diseño

Gráfico? Infinidad de artistas producen

diseño gráfico como sustento, en tanto

su Arte es reconocida o rentable.

6) Crees que exista una frontera

entre el Arte y el Diseño Gráfico?

La frontera existe cuando se trata de

vender al arte como diseño gráfico y al

diseño gráfico como arte.

7) Conoces algún diseño que sea

considerado arte. Cuál? Las primeras

libros como la Biblia, manuales de tipo

EL DISEÑO GRÁFICO, NO ES ARTE EL DISEÑO GRÁFICO, NO ES ARTE

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1514

El arte de la tipografía consiste en hacer

legibles y atractivas visualmente las pala-

bras y los signos gráficos que las acom-

pañan. El diseñador trabaja con palabras

que ha de transformar en última instancia

en imágenes gráficamente sugestivas y

además ópticamente legibles.

Los orígenes de la palabra impresa se

remontan a los tipos móviles tallados

en madera inventados por Gutenberg

en Alemania, los cuales, a lo largo de un

rápido desarrollo, evolucionaron hacia la

impresión de tipos metálicos. En los sis-

temas de composición se ha producido

una evolución constante hasta desembo-

car en los actuales sistemas de composi-

ción, completamente electrónicos.

Esta evolución ha ido influyendo a lo lar-

go de todo su proceso en la apariencia

y en la estructura de la letra, tanto para

ganar calidad y legibilidad de su forma

como para evolucionar en un sentido

puramente estilístico, ya que la aparición

de nuevos y más avanzados sistemas

ANATOMÍA DE LA TIPOGRAFÍA

"Tipografía, arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto.”

de fotocomposición permitió ir matizan-

do los diseños, así como complicando

el trazado de la letra, avances estéticos

imposibles de conseguir con anteriori-

dad debido a problemas meramente téc-

nicos. Se trata de una evolución que es

necesario conocer.

Con la llegada de la fotocomposición elec-

trónica a mediados de los años setenta,

se produjo un gran avance desde el punto

de vista estilístico, ya que la propia capa-

cidad de la máquina permitía modificar

los trazos de una tipografía determinada

sin que ésta perdiera sus características

fundamentales. Permitió también poder

modificar el espaciado entre letras, pala-

bras y líneas de una manera mucho más

sencilla que como se podía realizar hasta

ese momento con los métodos de com-

posición de tipos móviles. Podemos decir

que las letras están constituidas por tra-

zos generales que definen en su conjunto

y que, una vez coordinados, determinan

las características principales de cada le-

tra en particular.

Los trazos se encargan además de dife-

renciarnos una letra de distintas familias

en función de cómo los ejecutemos.

Cada uno de ellos debe definirse especí-

ficamente en su grosor, inclinación y mo-

dulación para poder distinguir claramente

letras de diferentes familias. Por ejemplo,

haciendo referencia a trazos que distin-

guen distintas letras dentro de una fa-

milia tipográfica, podemos observar que

la letra “b” y la “p” minúsculas poseen

unos trazos muy similares, diferencián-

dose tan sólo por el sentido ascendente

o descendente del trazo vertical y por el

sentido del ojo de la letra. En frecuentes

ocasiones, una misma cosa en tipografía

se denomina de forma diferente según

el tipógrafo pertenezca a una escuela u

otra. En la T mayúscula, el trazo que esta

figura se señala puede llegar a denomi-

narse de tres formas diferentes: gracia,

remate o trazo terminal.

Si nos referimos con un ejemplo a una mis-

ma letra, pero de distinta familia, podemos

aludir a la “a” minúscula. Una misma letra

puede adoptar trazos radicalmente dife-

rentes sin ningún tipo de relación formal,

según pertenezca a una fámilia u otra. El

diseñador puede haber aprendido en la es-

cuela a distinguir las letras entre habilidad

de distinguir letras considerándolas como

caracteres tipográficos, con unos rasgos

claramente definidos según los hagamos

pertenecer a una familia u otra. Hay que

hacer una observación antes de ahondar

en el tema de la estructura anatómica de

una letra. Un primer problema al que nos

hemos de enfrentar es el de la nomen-

clatura con que vamos a designar las dis-

tintas partes de una letra. En ocasiones,

un mismo elemento en tipografía se de-

nomina de diferente manera según el ti-

pógrafo pertenezca a una escuela u otra.

Por ejemplo, la “T” mayúscula del alfabe-

to Bembo, puede llegar a denominarse

de tres maneras distintas: trazo terminal,

gracia o remate. Encontramos también

dentro del léxico usual en tipografía que

una misma palabra puede utilizarse para

denominar cosas absolutamente distin-

tas. Por ejemplo, la palabra REDONDA

puede adquirir distintos significados, ya

que puede referirse al tipo de letra que ca-

rece de inclinación en contraposición con

la letra cursiva, o puede referirse también

a un tipo de imprenta con rasgos clara-

mente definidos, la llamada letra redon-

da. definidos, la llamada letra redonda.

De todos modos, existe una terminología

absolutamente aceptada, basada en los

orígenes de la composición de tipos mó-

viles de metal, que todo diseñador debe

de conocer y manejar con soltura en su

trabajo, siempre que se refiera a la ana-

tomía de la letra. Aunque los métodos de

composición actuales hayan superado en

mucho los orígenes de esta nomenclatu-

ra, aún es perfectamente válida.

fuente: imageandart.com

T Gracia o remate

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