DISEÑO DE JOYERÍA Y BISUTERIA FINA EN ORNAMENTACIÓN Y ACCESORIOS DEL VESTUARIO

Entender la teoría y la ciencia del diseño no es entender lo que es diseño arquitectónico, diseño gráfico, diseño industrial, diseño de modas, diseño de joyas, etc, es mucho más que eso. Es comprender cómo es que se deben conceptualizar las cosas, planear, crear, administrar, elegir, configurar, analizar e inclusive calcular y controlar. La filosofía del diseño tiene como objetivo ayudarnos a reflexionar acerca de uno mismo como diseñador, del diseño mismo y del servicio e impacto que ese diseño pueda tener en el medio que nos rodea.

Estos estudios capacitaran al estudiante para personalizar proyectos de “joyería-vestuario o vestido-joya”, haciendo aportaciones creativas con los diseños de Autor, determinando su valor funcional y estético, resolviendo los problemas artísticos y técnicos que se planteen y habiendo realizado un seguimiento de las innovaciones y las nuevas propuestas en el ámbito del diseño y del arte.

Diseño de joyería y diseño de vestuario: dos caras de una misma moneda. Desde la antigüedad una de las principales funciones de las joyas es la de complementar el vestir, ya sea femenino o masculino. El diseño de vestuario ha encontrado en el diseño de joyería un aliado y viceversa, de forma tal que los diseñadores complementan con joyas de lujo y bisutería fina cada uno de sus diseños del vestir, tanto de las colecciones primavera-verano como las de otoño-invierno. La estrecha vinculación entre la joyería y el vestuario, exige del diseñador de hoy escuchar los dictados de la moda y las pautas de tendencias que tienen como finalidad construir la estética para cada temporada. Bien sabemos que el uso de joyas es una forma de manifestar externamente y sin palabras quién se es, cuál es su estilo, su personalidad, y sin lugar a dudas, es una pieza más que complementa su aspecto físico, el cual es factor clave en el éxito de sus relaciones interpersonales y profesionales. Para que las joyas luzcan espectaculares y realmente sepan destacar sus atributos naturales, deben preseleccionarlas, Incrustarlas y combinarlas adecuadamente en las prendas de vestir... en ese fluir del metal, la pedrería y los nuevos materiales en relación con las texturas táctiles de los textiles. Atendiendo a las características funcionales, ergonómicas y estéticas, y sin olvidarnos, claro está, de los Universos... entre algunas otras cosas... como la historia del vestuario... las tribus urbanas... y las tendencias del mercado.

Algunos consejos iniciales para combinar de manera adecuada la joyería en las prendas de vestir Es muy importante que a la hora de combinar la joyería en una pieza de vestir lo hagas atendiendo al tipo de tejido, a la forma de la prenda, al diseño de esta, así como a los colores o estampados. Para que lo hagas de manera correcta te brindo a continuación una serie de consejos, síguelos, y conviértete en un icono de la moda.

-Prendas de lana o puntos gruesos: Estas piezas lucen muy bien con joyería de gran relieve, sobre todo con metales de diseño con volúmenes significativos, o bien XL (Maximalismo). Este tipo de ropa conjuga a la perfección con broches o prendedores, es por ello que se integran perfectamente con la cadenería.

-Prendas de cuello redondo: Con este tipo de corte que puedes encontrar en blusas o vestidos no se recomienda llevar incrustaciones muy grandes, ni muy ajustadas al cuello, ya que no tiene un efecto estético positivo y hacen ver tu cuello más corto.

-Blusas o vestidos con escotes pronunciados: Si realmente deseas resaltar tu escote, lo mejor es usar pedrería de colores complementarios, que dirigirán todas las miradas más próximas, y ello sin lugar a dudas, te hará ver más estilizada y por supuesto, muy sexy.

-Prendas sobrias en textura y en color: Las prendas de vestir de colores sobrios como el negro o el café te regalan una amplia gama de posibilidades a la hora de aplicar la joyería o la bisutería fina, bien porque puedes recurrir a diseños que incorporen gemas de colores muy vivos jugando de esta manera con el contraste o puedes mantener la postura sobria eligiendo diseños sencillos, por ejemplo unos elementos de plata pequeños. -Blusas de mangas anchas y cortas: Son las prendas ideales para explorar los brazos y las manos... logrando los efectos visuales que buscas, a través del diseño de joyería de autor.

-Blusas de manga larga y vestidos largos: Para este tipo de ropa que ocupan todo el espacio que dejan para mostrar la piel, los diseño son la joyería minimalista y puntual, pues si no la concentras, estos quedarían tan solo un poco por encima de los diseños textiles de estampaciones, no luciendo de esta manera ni las joyas ni el vestido.

¿Cómo usar un vestido joya? Una tendencia llena de extravagancia y lujo que te hará brillar... Esta tendencia de los “vestidos-joya”, se ha impuesto y su origen proviene de la tendencia del Barroco en donde los apliques en pedrería son el comienzo a la exageración, que nos lleva a un lujo lleno de brillo. ¿Cómo lucir un vestido-joya sin llegar a la exageración de lo recargado? Estos vestido-joya, como bien su nombre lo dice se caracterizan por ser vestidos que NO necesitan complementos con apliques o adornos adicionales, es mejor siempre lucir junto a un vestido-joya complementos básicos que se caractericen por su sencillez.

Joyería textil Telas que visten desde lo accesorio o no tanto. Hoy los tejidos también son joyas.... Telas, retazos de géneros, tramas con hilos diversos tejidos según distintas técnicas hoy son Joyería contemporánea. Composiciones que incluyen piezas metálicas, pero en las que mandan los textiles. Se exhiben y llevan de manera diferente. Son protagonistas y marcan tendencia.

Joyería contemporánea: Piezas que nacen a partir de la recolección y reutilización de todo tipo de desechos textiles que, por medio de diferentes tratamientos como plegar, enroscar, teñir, tejer, recortar... son transformados en objetos para ser portados. Variedad de autores que se enfocan en el arte y la elaboración de piezas personales y escultóricas (Joyería de Autor); otros más relacionados de manera especial con la producción artesanal, y muchos tomando un poco de cada cosa. En común, todos experimentan con textiles. Armar rollos con hilos formando tentáculos, figuras orgánicas que remiten a seres marinos y criaturas que se enroscan en cuellos y brazos, o se aferran en forma de broches. Además experimenta otras técnicas en materiales poco convencionales, como collages de carpetas hechas al crochet o cuentas armadas con bollos de polar. En el área diseño de Vestuario, interesa cuestionar los contornos que delimitan lo que es una indumentaria y lo que es un accesorio. "Experimentando en la fusión entre vestidos y accesorios en telas y metales, con un nuevo concepto en joyería: mezclar joyas contemporáneas e indumentaria en un único cuerpo o para una misma silueta, para plantear la posibilidad de desdibujar los límites establecidos entre éstos", con un lenguaje creativo, original, personal, consolidado y representativo del diseño. Piezas que tienen cierta reminiscencia con lo orgánico. Se Llega a la tela buscando un elemento que le permita trabajar con el volumen. Usar géneros con cuerpo que son capaces de mantener una forma porque le interesan los drapeados, frunces y plisados. Los preferidos son el algodón al bies y la organza tratada con materiales que la endurecen. El tejido de chaguar es el elegido. Trabajar la fibra vegetal recolectada por mujeres wichi, que separan, secan, hilan y tiñen

con cortezas, raíces y frutos en un proceso tan artesanal como ancestral. Tejer en telar y combinar con plata moldeada con técnicas de orfebrería moderna. Los cierres maximalistas que se utilizan en indumentarias resultan en accesorios de autor. Jugar con las apariencias: esos cierres de lejos pueden parecer piezas talladas en plata, pero de cerca se descubre un objeto original fuera de contexto. La mayoría de los autores crean piezas únicas, importantes o de elaboración particular, que después recrean en versiones más sencillas. Vellones de lana rústica, metal, sobre los que se aplican técnicas de cestería, unas más planas tipo raping y otras más envolventes, coiling. Pero hay que ofrecer versiones más simples porque los clientes que se entusiasman con una pieza única no siempre se animan a usar algo tan imponente. La mayoría de los creativos o los nuevos joyeros textiles, claro, vende en su taller, en casas de diseño del país y del extranjero, y a través de sitios de Internet.

Collares con hojas y flores de cinta de algodón plisada. La mayoría de las piezas de los joyeros textiles están en tiendas de museos tanto del extranjero como locales e incluso exponen en sus salas. Otros están logrando instalar su propio local...

TRAMAS EN PLATA No sólo hay piezas realizadas a base de telas, sino también gran cantidad de propuestas tejidas en plata y otros metales. Es el trabajo de orfebres que trabajan con técnicas textiles, es decir, con hilos de plata tejidos a crochet en dos agujas o telar. También pueden verse piezas de metal que imitan las formas y los movimientos de la tela. "El tema en común entre estos trabajos es lo textil, ya sea por los materiales, las técnicas o la referencia de tipo simbólico o conceptual", colecciones de Texturas de Arte Popular con inspiraciones étnicas.

RECREAR, RECICLAR, RESIGNIFICAR Reutilizar materiales descartados, una costumbre in crescendo desde la crisis de 2001. No pocos lo hicieron, en parte, por la necesidad de trabajar con los elementos disponibles en el entorno. Y lo siguen haciendo por diversos motivos. Un buen ejemplo son los Reciclados con los que se hacen piezas únicas, capaces de combinar bordados recuperados con arandelas y cuentas antiguas. Valorar los materiales que tienen una historia y que pueden leerse a través de las marcas de su desgaste, objetos que en algún momento habrán estado de moda y en los que todavía se puede encontrar la belleza que los hace especiales... Diferenciando claro está, entre vintage y retro. Los materiales de descarte de fábricas textiles para contribuir con el cuidado del medio ambiente, comercializando "accesorios con conciencia ecológica". Hacer arte tiene que ver con lo sustentable: "Si creas cosas destruyendo otras, hay algo que funciona mal". Estar interesados en lo que pueden comunicar los accesorios. Hace un tiempo que se ofrecen collares de algodón de descarte estampados con láser con imágenes de naturaleza. Moda e identidad cultural En ésta primera parte se hablará de la identidad cultural en los individuos, de cómo esta ha prevalecido en el hecho de

adornarse en Colombia, y de la marcada influencia que ha tenido para generar nuevas corrientes de moda.

Identidad cultural Se parte por definir el término cultura, como el conjunto de rasgos propios, como valores, tradiciones, símbolos, creencias y modos de comportamiento que funcionan como elementos de una colectividad que los caracterizan frente a los demás. Desde el punto de vista de Leonor Arfuch (2005), la identidad sería una construcción sin fin, abierta a una posibilidad relacional que se establece mediante las diferencias. Tomando la noción de identidad de Arfuch, se coincide y diverge con ella acerca del mismo concepto, pues se está de acuerdo en el sentido que la identidad se forma mediante el

establecimiento de las diferencias, sin embargo se contrasta en cuanto a la negación de que la identidad es un conjunto de cualidades propias de un grupo o individuo, puesto que dentro del concepto de identidad que se emplea en esta Electiva, estas cualidades son de vital importancia, por no decir la base de la idiosincrasia de las culturas, por lo tanto los fieles representantes de la identidad cultural de los individuos. La identidad cultural de alguna manera representa “quienes somos”. Para establecerla, es necesario una serie de elementos: la historia de los miembros de la comunidad, el o los idiomas en que se expresan, las religiones, las tradiciones y las costumbres que se profesan. Al reconocer dichas características éstas van a ser corroboradas y reafirmadas al momento de establecer diferencias. Dicho establecimiento de las diferencias puede surgir mediante una actividad relacional. El objetivo es destacar el hecho de que la creación de una identidad implica el establecimiento de una diferencia, constituida a menudo sobre la base de una jerarquía, por ejemplo entre forma y materia, blanco y negro, hombre y mujer etc. Una vez que hemos comprendido que toda identidad es relacional y que la afirmación de una diferencia es una precondición de la existencia tal identidad, es decir, la percepción de un “otro” que constituye su “exterioridad”. (Mouffe, 2007 p.22). Entonces se puede decir que el carácter relacional es el canal adecuado y preciso para reconocer lo que poseen unos y lo que carecen otros, permitiendo reconocer la identidad de cada cultura. “En el campo de identidades colectivas, se trata siempre de la creación de un ‘nosotros’ que solo puede existir por la demarcación de un ‘ellos’.” (Mouffe, 2007 p. 22). En este sentido la construcción de la identidad cultural incluye un continuo rose entre culturas, y las relaciones entre culturas por lo general no son de equidad, siendo que nunca se expresan de manera solitaria. “Cuando hablamos de una identidad especifica nos referimos a la diferencia de esa identidad con otras identidades y cuando estamos hablando de la diferencia estamos hablando de su especificidad que a la vez cobra una identidad en sí”. (Lanza, 2004). El hecho de que la construcción de la identidad esté vinculada con las relaciones de condición desigual, conlleva a que esta pueda considerarse como simbólica, ya que al establecer su identidad, una cultura construye, reproduce o altera los intereses sociales, las normas de relaciones, costumbres y formas de comportamiento. El mismo hecho que dentro de una cultura haya conocimiento de una identidad determinada, significa que también hay un estímulo hacia la conservación de esta identidad, hacia la auto preservación de la cultura. Cuando la identidad es construida en contrariedad a los extraños, las intromisiones de otras culturas conducen a la pérdida de autonomía y por ende a la pérdida de identidad. En síntesis la identidad cultural se construye mediante características e ideas comunes, las cuales pueden ser claros indicios de una identidad compartida, pero básicamente se determina por medio de la diferencia: Se siente pertenecer a un grupo, y un grupo se reconoce a sí mismo, al apreciar y destacar las diferencias con otros grupos y culturas. Acorde con Arfuch y Mufee, cualquier cultura se define a sí misma en relación y comparación a otras culturas. Las personas que creen ser parte de la misma cultura, llegan a tener este pensamiento porque se basan en un conjunto de rasgos y características comunes. La identidad cultural, además de brindar elementos concretos de ratificación, comparación e identificación, resume el universo simbólico que caracteriza a la colectividad, porque establece comportamientos determinados de interpretación de la realidad, estilos de vida y pensamientos que influyen en la diversidad formas de expresarse, valorar y sentir. Sin embargo, en ocasiones no basta con ser parte de una realidad colectiva común, ni es suficiente que se posean rasgos étnicos de la colectividad o que se comparta la misma herencia en el ámbito social o cultural, para suponer la conciencia personal como representante de una identidad cultural determinada. Se requiere del sentido de pertenencia como forma de adjudicación al universo simbólico de dicha colectividad. El sentido de pertenencia, con toda la carga contextual y afectiva que conlleva, es un elemento arraigante y motivador de la actividad grupal, y lo que es más importante, constituye un generador de valencias y cohesión intergrupal. Por tal motivo la identidad cultural se fortalece en la medida que el sentido de pertenencia sea mayor, pues esta unión conlleva aún más a la preservación de la cultura, ya que cuando los miembros de una comunidad o grupo se sienten orgullosos de lo que son, se encargan de transmitirlo ya sea mediante la oratoria, vestimenta, o rituales típicos, para así demostrar su filiación. En la sociedad y en la vida en comunidad, sentirse parte de un grupo y poseer una identidad cultural que los diferencie o caracterice, es importante para los individuos, puesto que es de vital importancia para el ser humano sentir arraigamiento y saber que no está solo, que hay una comunidad como el, que lo entiende y valora de la misma manera en la que el individuo aprecia la vida. Esta necesidad de constituir un “nosotros” se intensifica cuando las intersecciones y los roces con otros grupos o culturas se hacen más frecuentes, dentro del marco de unos territorios cada vez más reducidos, de forma que la intensión de diferenciarse, contrariamente a lo que se suele pensar, no proviene de un exceso de aislamiento, sino de lo que se vive como un exceso de contacto entre los grupos.

Identidad cultural mediante los adornos en Colombia. Colombia es un país que culturalmente desde su historia ha estado ligado al desarrollo de la joyería. Desde los primeros pobladores indígenas el adorno corporal era fundamental en su significación cultural. El hecho de adornarse el cuerpo con pinturas y objetos hacia parte de sus rituales y creencias. Las formas, usos y significados de los adornos usados fueron muy diversos y estuvieron asociados a distintos tipos de contextos. Algunos significaron filiación étnica; otros rangos, oficios, sexo u otra condición social o individual, y varios fueron medios de transformación de la identidad de las personas durante ceremonias. La orfebrería precolombina en Colombia, fue la principal forma de adornar el cuerpo. Esta fue desarrollada primordialmente por los grupos indígenas, como fueron los Tayrona, los Sinú, los Quimbaya y los Muiscas. Estos grupos fueron bastante reconocidos, no sólo por la abundancia de los hallazgos, sino por el arte, la perfección y la elegancia de las piezas que elaboraban. La simetría de las partes tenía una gran elaboración; la igualdad de la concavidad de los collares era precisa, al parecer pequeñas gotas de oro soldadas unas con otras y calculadas con precisión admirable. Las labores de filigrana, el exacto ángulo de los bordes, el pulimento de las superficies planas, la exactitud de los aristas, la sencillez de unas líneas combinadas con la estridencia de otras, son elementos que demuestran el gusto estético y la persecución de la línea perfecta. Uno de los aspectos principales de la orfebrería precolombina en Colombia es la aleación del oro y el cobre que se desarrolló. “Su orfebrería consistía en objetos de adorno personal, fundidos en tumbaga, aleación de oro y cobre, posteriormente dorados”. (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). Como el oro no abundaba en todas las zonas del país como en las otras regiones de la Colombia Precolombina, estos grupos se vieron en la obligación de hacer uso de Aleaciones, en la cual crearon una combinación metálica de oro y cobre, conocida como "tumbaga", de la cual se sirvieron para dar a sus joyas diversas tonalidades. Gran parte de la orfebrería fue saqueada por lo españoles con su llegada a América, y junto con la colonización hubo muchos abusos en los que los aborígenes que habitaban la zona andina y sus alrededores tuvieron grandes pérdidas; el oro fue uno de estos, ya que los españoles lo llevaban a España, para fundirlo y así fabricar sus propios artefactos. La actividad de los orfebres se interrumpió sólo en el siglo XVI, cuando su trabajo, que cumplía antes una función mágico-religiosa, se limitó a la explotación de los yacimientos auríferos para fortalecer el físico de la corona española.” (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978) Como se ha expuesto, Colombia tuvo un gran desarrollo en cuanto la orfebrería. Hoy en día hay diferentes diseñadores, casas de joyas y comunidades artesanales que se basan en identidad cultural aborigen colombiana, fusionada con otras culturas que se sumaron en la colonización y después de ella. Por ejemplo los artesanos y orfebres de Mompox realizan joyas en filigrana cuyas raíces coloniales, son notables en las técnicas y formas ornamentales de Europa, las mismas cuentan con un importante aporte árabe y sumado a esto rasgos autóctonos propios de Colombia; dichas joyas desde hace varios años adornan a las personas de todo el mundo. Esta es la razón por la cual se crea esta Electiva, con el fin de proponer una nueva joyería, la cual retome los fines de los Quimbayas, Sinúes, Tayronas y Muiscas, la cual dota de adornar el cuerpo, para representar una cultura. Este valor identitario será fusionado con el materialismo de los metales, la pedrería y la creatividad de hacer del Reciclaje, piezas únicas y elegantes de vestuario, creando así una nueva propuesta en la que las mujeres de Colombia puedan hacer uso de un conjunto-joya que represente su idiosincrasia, viéndose a la moda con un excelente gusto. Moda étnica Las prendas étnicas cuentan una historia colectiva del país o región de donde proceden. La moda étnica es un etilo que está completamente relacionado con la cultura, tiene sus inicios en los años setenta cuando se comienza a democratizar la moda, es decir se abandona un único estilo impuesto o determinado por la sociedad para así posibilitar el hecho de llevar varios estilos al tiempo (Eclecticismo), como era el caso del movimiento socio-cultural Hippie, con el cual los jóvenes rechazaban la burguesía y se inspiraban en otras culturas, para crear un estilo más liberal y autentico. Desde entonces la gente empezó públicamente a experimentar formas de vida alternativas, y con esta fusión cultural el diseño de modas (Vestuario – Joyería – Marroquinería – Bisutería, Etc) incorporó muchos detalles de otras culturas en el corte, la hechura y los adornos de vestimenta actuales. Luego el término de moda étnica fue empleado por los diseñadores de moda para denominar las prendas inspiradas en los trajes de las comunidades indígenas no occidentalizadas, concretamente los de Sudamérica, África, Extremo Oriente, Asia, el Pacífico y aquellos países con numerosas comunidades étnicas.

El vestido hace y refleja las condiciones de la vida cotidiana. Imprime su sello en el modo de actuar en las diferentes circunstancias que tocan al individuo y actúa sobre su ser, hacer y parecer en el contexto de la sociedad. La indumentaria y la persona social se influyen mutuamente. La ropa presta sus atributos al personaje y el sujeto se enmascaran o desenmascara en sus atuendos. Así el vestido conforma hábitos y costumbres que se consolidan en normas vestimentarias típicas de una determinada cultura o grupo. Cuando se viste un complemento o una prenda de otro país, en cierta forma, hay una traslación a él, dándole valor, porque el hecho de decidir usar estas prendas inspiradas en características autóctonas de un lugar específico, da muestra de la importancia o respeto que se puede llegar a tener. En la actualidad, el mercado mundial de artesanías de exportación es muy alto y particularmente las artesanías de Sudamérica tienen un gran potencial de participación en el mercado. La tendencia étnica se está imponiendo en todos los ámbitos, particularmente en el de la moda, donde el uso de OTROS materiales para joyería y estilos artísticos personalizados, nos invitan a trasladarnos a otros lugares o a preservar los propios mediante novedosos diseños. Gracias a estos tiempos postmodernos se puede valorar aún más la moda étnica, y desde cada cultura es importante preservarla, pues fusiona las raíces culturales con la actualidad, conservando así costumbres, iconografía, formas, rituales y creencias que cada cultura profesa o profesó. Comunicación de moda Aquí se abordaran temas en los que se hace referencia a la comunicación que ejerce la moda en los individuos, como esta influye en la identidad de los mismos, y la importancia de expresarse mediante el vestuario sus adornos y complementos de joyería. Moda y comunicación Día a día, el hombre se mantiene en comunicación constante, siendo esta la herramienta que ha utilizado desde su existencia (en diferentes formas), para poder compartir e intercambiar información con otros. Dentro de la comunicación se encuentran diferentes tipos de información y un continuo intercambio de emociones, ideas, conceptos, advertencias, necesidades, órdenes, etc. Todo comportamiento humano, incluso el silencio y la inmovilidad, es siempre un vehículo informativo en el contexto de la interacción, no existiendo la posibilidad de permanecer en dicho contexto sin comunicar nada. En este sentido la comunicación se puede definir como cualquier intercambio de informaciones que se verifica en el interior de un sistema de relaciones, con independencia del medio que se utilice para comunicar y del hecho que los interlocutores tengan o no Conciencia de ello. Teniendo claro que la comunicación está presente en todo lo que representa y hace el ser humano, la moda no se convierte en la excepción, siendo que la misma permite que los individuos se expresen y comuniquen aquello que desean transmitir con el uso de ciertos elementos de moda, con los que crean identificación; cabe resaltar que no siempre esta identificación está presente, pudiéndose hacer uso de la moda y seguirse, con otras motivaciones y razones. Sin embargo, antes de validar esta afirmación, hay que tener en cuenta, que la moda ha sido motivo de muchas contradicciones en su forma de uso; es decir en el hecho de que el individuo verdaderamente exprese su ser, ya que se han planteado dudas sobre la libertad de expresión que la moda le otorga al ser humano. Nunca se consume el objeto en sí (por su valor de uso), siempre se manipulan los objetos (en el sentido más amplio) como signos que nos distinguen, bien afiliándonos a nuestro grupo, tomando como referencia ideal, bien desenmascarándonos de nuestro grupo por referencia a un grupo de estatus superior. Desde la forma en la que según Erner, Baudrillard describe la moda, los individuos que la siguen serian todos masas que ciegamente siguen un objeto, sin realizar cuestionamientos, lo cual los ubicaría como imposibilitados para tomar decisiones sobre lo que quieren o no. Este escenario, no es el que precisamente está vigente en la actualidad, o no de una manera generalizada. La moda se establece como un planteamiento de renovación, que en su defensa se puede decir que quienes lo desean la siguen, y quienes no, de una manera u otra también la estarían creando, ya que el hecho de no seguir la moda, puede llegar a dar como surgimiento un nuevo movimiento que otros pueden llegar a seguir, por lo tanto se estaría creando una “nueva moda”. De esta manera, no todos aquellos que siguen la moda abiertamente, son seguidores de lo impuesto, pero no se puede desconocer que hay un reducido grupo social de consumo de moda, que en vez de seguirla se convierten en víctimas.

Sue Jenkyn Jones afirma que “La víctima de la moda, que se adapta sin sensibilidad a las reglas existentes, es vista como una persona desesperada por ser miembro de un grupo y sin personalidad y gusto”. Sin embargo dentro de la noción de víctima de la moda, más ampliamente se comprenden como personas sin criterio ni identidad, ofreciendo su ser al servicio de la moda, al punto de ser inexistentes hasta para sí mismos. Esto no es una realidad generalizada ya que “Afortunadamente, los hechos desmienten esta pesadilla; el consumidor no es una criatura sometida a los deseos de los productores, tal como demuestran los fracasos sufridos por los productores, tendencias nacidas muertas y otros intentos que nunca alcanzaron el éxito”. Es por ello que la mayoría de consumidores gustosos de la moda hoy en día, se adaptan a ella siempre respetándose en su intimidad, creyendo firmemente en lo que son personalmente. La moda viste a la historia. Siempre que el individuo se respete a sí mismo, se va a generar una relación sana y satisfactoria para el mismo consumidor de moda. Por lo tanto es muy importante que antes de seguir ciegamente cualquier tendencia que surja en el escenario de la moda, se dé lugar a cuestionamientos tales como: “¿Qué queremos?”, “¿Quiénes somos?” y “¿Qué estilo refleja mejor nuestro interior?”. De este modo se logrará proyectar y comunicar una imagen más real de sí mismo. Teniendo en cuenta lo anterior, proyectar en la mente la imagen de sí mismo que se desea comunicar a los demás, y agregarle a esa misma imagen el vestuario, peinado, joyería-adornos y ambiente que desearía, y confrontarla con la imagen real que se percibe en el espejo, es lo que va a indicar si los hechos al momento de vestirse comunican al público espectante el verdadero ser. En la actualidad existe una gran diversidad de tendencias de moda, y cada persona o DISEÑADOR debe ser capaz de crear una tendencia propia que proyecte a los demás su verdadero “yo”. Elegir alguna de las corrientes en boga, o combinar varias de ellas según las preferencias particulares, es una manera de ejercer el derecho de expresarse. Por lo tanto, dentro de la noción de comunicación de moda empleada, se toma la moda como un sistema de signos que permite comunicar la identidad de las personas, en la que el emisor (quien emite el mensaje) es responsable y consiente de los signos e información que desea transmitir al receptor o receptores (quien recibe el mensaje). La moda, medio de comunicación no verbal Por ser un elemento creado por el hombre, el vestido puede ser considerado un signo, siendo que tiene la virtud de expresar diferentes tipos de sucesos, ya sean sociales, culturales e ideológicos; brindado también la posibilidad de expresar identidad; puesto que permite reconocer a los demás y de una manera recíproca darse a conocer. Es por ello que se puede afirmar que la moda es un comunicador. “Toda moda es vestido, aunque no todo vestido es moda…Necesitamos moda más que vestidos, no para vestir nuestra desnudez, sino para vestir nuestra autoestima”. En este sentido el vestido pierde su valor como objeto, pierde la función física que brinda, adquiriendo un valor centralizado en lo comunicativo. “La gente utiliza el vestido para diferenciar y reconocer una profesión, su filiación religiosa, nivel social o estilo de vida”. (Jones, 2005, p. 27). En el plano de los estudios semióticos, los distintos elementos de la indumentaria, precisamente porque están cargados de significados y más caracterizados por su valor simbólico que por su valor funcional, pueden considerarse como parte de un proceso de significación; es decir, asumen la función de signo, ya sea como vehículo del inconsciente o como vehículo de consumo. (Barreiro,1998, p. 110). Es por ello que solo con divisar una persona en la calle, inmediatamente esta brinda signos de lo que quiere transmitir con su forma de vestir o adornarse; sin la necesidad de llegar a hablar ya está comunicando información de sí mismo (a). La mayor información visual que se recibe en ese momento llega por medio de la indumentaria y adornos que el individuo porta. Esta información puede variar, ya que en algunos casos puede ser específica y en otros, un poco más general. Probablemente la información recibida no sea veraz, pero es lo que el espectador recibe como información inmediata de lo que ve, dando lugar a crear una imagen inconsciente, y haciendo una percepción de lo que se cree. Por lo tanto la moda y el vestuario como medio o canal de comunicación, están ubicados dentro de la comunicación no verbal. La comunicación no verbal es el proceso comunicativo mediante el cual se efectúa el envío y recepción de mensajes sin la utilización de palabras, es decir por medio de signos de comunicación que no poseen estructura sintáctica verbal. Nicola Squicciarino en su libro “El vestido habla” afirma que: La comunicación no verbal brinda un feedback, fenómeno por el cual el emisor comprende la forma en que los demás decodifican el mensaje. Se utiliza como soporte y refuerzo del lenguaje verbal, o como sustituto: es un instrumento primario que señala los cambios de características en el desarrollo de las relaciones interpersonales. (1990, p.19)22. Es precisamente el “feedback” una de las características más relevantes que puede brindar la moda como medio de comunicación no verbal, siendo que en la mayoría de los casos permite que los emisores, de una u otra forma comprendan lo que el receptor entiende, en este caso, con el vestido que portan.

En los tiempos actuales se ha dejado un poco de lado la palabra, cobrando una mayor fortaleza la imagen. Es por ello que se reconoce la importancia de la moda como medio de comunicación, ya que complementa la modalidad expresiva del cuerpo y la mente, con la función de comunicarse a los demás y a uno mismo. Signos voluntarios e involuntarios “Los adornos u ornamentos son signos que comunican, instrumentos que tienen una función en sí mismos y que poseen un fin determinado”. (Codina, 2006, p. 8). Al entender la moda como un sistema de signos, hay que tener en cuenta que estos se manifiestan de dos modos: voluntarios e involuntarios. Cuando la comunicación del vestido o adorno se realiza de una forma no intencional, los signos que se manifiestan son los involuntarios, es decir; son signos que el individuo exterioriza mediante su vestuario sin tener conciencia de su existencia, forma de uso o significación. Sin embargo para los efectos de esta Electiva, se hará foco en los signos voluntarios, los cuales son los que se manifiestan al momento de vestir de una manera precisa con la intención de transmitir información deseada a los demás; por ejemplo en ocasiones la vestimenta que se porta demuestra que se pertenece a una organización determinada, o cuando se es parte de un nivel socioeconómico alto, es necesario o pertinente que el vestir sea acorde al mismo, para así ratificar la posición social. Al intentar vestirse de una forma ajena a la que se pertenece, en algún momento, el individuo va a dar signos de lo que realmente es. “El signo es ajeno siempre en cierta medida a la voluntad individual o social, y en eso está su carácter esencial” (Saussure, 1994. p. 44).

Mediante la emisión de signos en el vestir, la moda puede llegar a comunicar aspectos además de culturales, políticos, económicos, sociales, contextuales, ambientales y hasta religiosos; por lo cual ciertas características determinadas en el “look” o estilo dan señales de las cualidades personales, permitiendo que se llegue a tener una percepción por parte de otros.

Es por ello que para hacer una exteriorización real de sí mismo mediante la moda, primero hay que tener en claro quien se es, y con más firmeza aún si la intención de lo que se quiere comunicar está basado en la cultura, ya que los signos voluntarios son los que predominan a la hora de querer exteriorizar o comunicar la cultura o identidad cultural. De acuerdo con lo anterior, es precisamente lo que propone la joyería-vestido o el vestido joya: “Identidad Cultural”, ya que el uso consiente de estas, proveerá signos que representarán a quienes las portaran. La moda en la sociedad La moda ha contribuido en la sociedad desde diferentes puntos de vista. En una primera instancia se hablará de la fuerte influencia que ha tenido para demarcar las diferentes etapas cronológicas de la sociedad, que permiten observar la identidad de las diferentes épocas (Historia). En una segunda instancia se hablará de la influencia que tiene la moda en la sociedad de consumo (Capitalismo), ¿porque se crea? Y ¿porque se le sigue?, y en una tercera instancia, desde un lado más subjetivo se hablará de cómo influye la moda en los grupos sociales e individuos (Tribus Urbanas) en cuanto a la identidad personal. En primer lugar, resulta un hecho evidente que la moda ha intervenido y ha construido actitudes sociales a lo largo del tiempo, debido a los grandes cambios y transformaciones de la humanidad. Por ello se puede decir que la moda se ha vinculado a la política, a la cultura, a la religión y a la mayoría de esferas en las diferentes sociedades, ya que precisamente este vínculo, es el que le ha permitido estar presente en el desarrollo de algunos de los más grandes acontecimientos de la humanidad. Dando lugar a mostrar el reflejo de la identidad de los tiempos vividos incluyendo el actual, “todas las modas están condenadas a coincidir con el espíritu de la época.” (Erner, 2010, p. 51). Así, que por medio de la moda se ha logrado reconocer con exactitud las condiciones y comportamientos de las sociedades. Sin embargo, más allá de la moda brindar una pantalla social que revele la historia; desde el punto de vista de la sociedad de consumo, la moda es en sí un fenómeno social, ya que sólo existe si existen las sociedades y las reacciones de éstas hacia un producto.

“Hoy en día, los constantes avances en la tecnología de la comunicación permiten que ideas e imágenes compitan alrededor del mundo en un segundo” (Jones, 2005, p. 51), permitiéndole a la moda alcanzar una mayor presencia en una gran cantidad de sociedades. Gracias a la rapidez de la comunicación, la moda ha logrado establecer breves ciclos de vida en los productos, influyendo directamente en la sociedad de consumo, al crear una necesidad de renovación. Esto debido al rápido y frecuente cambio de los productos; cambios que hacen que los consumidores sientan la necesidad de cambiar o tener el producto “nuevo”. La publicidad y los medios de comunicación intervienen y ayudan para que un producto se ponga de moda. La publicidad resalta mucho el sentido del placer y de la autosatisfacción, llegando a crear un modelo de vida que se vuelve deseable y atractivo para los públicos, lo cual los conduce a la búsqueda y adquisición de un producto o servicio determinado. En este sentido la moda le otorga a los productos un alto valor simbólico, más allá de su valor funcional, práctico o técnico. El semiólogo frances, Roland Barthes en su libro “el sistema de la moda”, afirma que “La moda es puro valor, no puede producir el vestido ni construir uno de sus usos” (2003, p.42). Lo que verdaderamente se comunica con la moda es una idea o concepto, ya sea de estilo, social, o de vida, mediante un bien o servicio. Siendo así, “No puede existir entre el vestido y la moda más que una relación de conformidad convencional y ya no funcional” (Barthes, 2003, p. 43). Es por ello que cuando se adquieren bienes de moda como vestidos, zapatos, o joyas, muchas veces no se adquieren precisamente por lo que son funcionalmente, sino por los significados que se le otorgan gracias a la publicidad o medios de comunicación, o lo que los mismos pueden llegar a significar para sus consumidores. La adquisición de cosméticos y determinadas prendas de vestir no está motivada por la consideración de su aspecto estrictamente funcional o práctico, sino más bien por su asociación inconsciente a un valor simbólico, como por ejemplo el de la juventud (Squicciarino, 1990, p.178). En este sentido, el porte de artículos de moda puede llegar a ser una tarjeta de presentación personal e interacción social. Es por esto que el consumo de productos de moda es una manera de construcción de identidad. Y como ya se ha mencionado, los productos en la sociedad actual pierden su valor funcional, para convertirse en un canal de comunicación. Entonces se puede decir que la moda es buscada y consumida por aspectos que esta otorga como: seguridad, aceptación y filiación a aquellos grupos que socialmente se presentan como deseables; sin embargo esta identificación está delimitada a partir de otro aspecto, que se refiere a la personalidad de los individuos. Las decisiones que un individuo toma en lo que respecta a la moda se van amoldando al cambiante contexto de la vida cotidiana. De ésta manera en ésta instancia se plantea una duda, si el continuo cambio de la sociedad es frecuente y constante, en cuanto a la moda, afectará esto que se modifique la identidad del individuo? La identidad de un individuo si está en un entorno sometido a cambios, podrá ir estableciendo modificaciones, sin embargo hay aspectos muy arraigados al ser que difícilmente se logren cambiar. Se puede traer a coalición casos muy puntuales de marcas, que a pesar de tener una identidad muy marcada, se han tenido que someter a cambios drásticos en la sociedad. Estas son: Chanel y Dior; si bien se han amoldado a las variaciones en la sociedad de consumo, son marcas que respetan con mucha fidelidad el concepto con el que fueron creadas. Y así mismo sucede en las personas, por más que se adapten a los cambios de la sociedad, aspectos como su idiosincrasia e identidad siempre van a estar vinculados a ellos. Para concluir se puede decir que gracias a la velocidad con la que se mueve la industrialización, los medios de comunicación y la tecnología, se generan cambios muy frecuentes en la moda, los cuales son moldeables a cada persona. Siendo que ante la diversidad de ofertas y posibilidades que brinda la sociedad consumista, cada persona debe tomar la decisión de cómo quiere ser visto ante la sociedad, la cual ya no distingue entre status o procedencia hereditaria, sino en virtud de los alcances personales y sociales de cada uno. Joyería: complemento clave del look A continuación se hablara de la joyería desde su historia hasta en la actualidad, como y desde sus diferentes técnicas, simbologías, materiales y formas de uso, ha influido en complementar y adornar el “look” de las personas. Historia y significación de la joyería “Desde tiempos inmemorables, y con diferentes intenciones, el hombre ha sentido la necesidad de adornar su cuerpo”.

En la joyería, las piezas son algo más que adornos, ya que también hacen la función de complementos que a su vez suelen proporcionar información de su portador, como en reiteradas ocasiones se ha mencionado. Como complemento, su función es definir y potenciar el estilo e imagen personal. Por esta razón, la elección de la joya es muy importante, dado que al exponerse frente a la sociedad, de cierta manera estos objetos van a expresar aspectos característicos de quienes lucen la joya. Desde que la joyería surgió, la cultura e identidad han estado de la mano de ella, por lo cual seguidamente se describirá como desde diferentes épocas y culturas hubo siempre una gran presencia de joyas, y cómo éstas se han vinculado con el abastecimiento o refuerzo de la identidad cultural. Desde la antigüedad hasta los tiempos actuales, las joyas han comunicado y siguen comunicando información de tipo social, cultural, político y religioso, de los grupos sociales; aunque en los inicios, su significación no fuese exactamente como hoy en día. Como se verá, las funciones que cumplía y cumple la joyería han variado con el paso del tiempo. Se partirá por describir un poco acerca de la historia de la joyería desde dos estancias importantes, las cuales son las técnicas que se utilizaban anteriormente y el valor social que las distintas civilizaciones le dieron a la joyería. Respecto del valor social que tuvieron las joyas en el paleolítico, se destaca el uso que hacia el hombre de objetos naturales, minerales y animales, como ornamento personal, para el refuerzo de su imagen, función o ser. Sus alhajas primero fueron huesos, dientes, conchas, caracoles o piedras; por lo general, todos eran objetos sencillos de encontrar. Para ellos estos objetos los proveían de poderes mágicos. En el Paleolítico la representación pictórica perseguía un efecto más mágico que estético. El artista de paleolítico era cazador y el arte era para una técnica, mágica de caza; no diferenciaba entre la realidad y la ficción, entre cazar y pintar, la única intención era asegurarse de su subsistencia diaria. (Codina, 2006, p 8). Es decir, en esta época, así como la pintura, los fines de la joyería y ornamentación, tenían una connotación mágica y supersticiosa. “No es de extrañar, pues, que los objetos que el artista paleolítico utilizara para adornarse tuvieran un carácter mágico y estuvieran relacionados con sus funciones”. (Codina, 2006, p.8). Luego el hombre encontró y notó las diferencias entre las piedras, y al observar las disimilitudes de estas llegó a explotar minas para su extracción, separando las piedras de colores y brillo para su ornamento. Posteriormente vino la Edad de Bronce y con ella el hallazgo del metal. Esto le dio un giro radical a la tecnología de explotación, trayendo avances en las técnicas de extracción de gemas y metales. En esta instancia ya se comenzaron a utilizar las piedras fundamentalmente como joyas y talismanes, hecho que se ha mantenido hasta la actualidad. También se vieron los primeros avances en cuanto a técnicas, puesto que surgieron las técnicas de orfebrería, entre ellas el repujado, el granulado y la filigrana de metales como el oro o la plata.

Los metales y piedras preciosas más apetecidas como joyas fueron siempre las más escasas, por lo que su posesión confería valores simbólicos de status social, nobleza o riqueza a su poseedor. Es decir, el uso de la joyería se convirtió en un aspecto que permitía diferenciar los poderes adquisitivos.

Muchos siglos después hace su aparición la cultura egipcia. Para los egipcios el significado espiritual que le brindaban las joyas era lo más importante; por tal motivo, tenían la costumbre de enterrar a sus faraones y sacerdotes con sus ajuares y joyas. Esto ha posibilitado conocer la tecnología de la joyería egipcia así como los tipos de piedras preciosas más usadas, en lo que respecta a sus alhajas o amuletos, y el significado espiritual que estas gemas poseían. “Los adornos estaban confeccionados con métales preciosos y piedras tradicionales – oro, plata, lapislázuli, turquesa, jaspe rojo, feldespato verde, etc, o bien con imitaciones en pasta de vidrio que recordaban esos mismos colores rituales”. (Boucher, 2009, p.79) Los egipcios fueron una cultura muy avanzada y desarrollada en general, y la joyería no fue la excepción. Eran fanáticos de la ornamentación y del diseño, e introdujeron profunda renovación en la joyería. Las joyas que utilizaban comprendían dos funciones, las gemas eran valoradas tanto por su belleza como por la protección mágica que las mismas les brindaban, es decir, eran a la vez talismanes y joyas. Además identificaban los metales y minerales con los dioses que veneraban.

Luego se encuentra el gran avance que aportó la antigua civilización romana, ya que en ese período hace su aparición el anillo, precursor de la actual sortija de compromiso. Se trataba de un sencillo aro de hierro que en la antigua tradición romana, se entregaba como símbolo del ciclo de la vida y de la eternidad. La civilización romana también hizo otros importantes aportes en cuanto a desarrollo de la joyería. Sus artesanos introdujeron poco a poco no solamente sus técnicas (filigrana, granulación), sino también sus temas de ornamentación y la carga deslumbrante de piedras preciosas. Al régimen imperial, que otorgó el anillo de oro como una señal de distinción, se debe a la difusión del anillo – joya, que hombres y mujeres utilizaron con exceso (Boucher, 2009, p. 102). La religión cristiana acogió esta costumbre romana, convirtiendo al anillo en una parte esencial de la ceremonia matrimonial. Sus joyas también consistían en grandes y ostentosos collares, aretes y cinturones elaborados en oro y plata, con incrustaciones en piedras preciosas y perlas. “Estas tendencias de lujo y adorno exterior se acentuaron en los siglos III y IV, con el predominio de las modas sirias representadas por joyas grandes y de mucho peso.” (Boucher, 2009, p. 102). Durante la Edad Media, la cual estuvo comprendida entre de los siglos V y XV, las caravanas comerciales provenientes de Oriente, traían a Europa piedras preciosas y semipreciosas, tanto para su uso en la joyería de reyes y nobles, como para la joyería eclesiástica. Es decir que en esta época, también jugaba un papel muy importante la significación social, ya que sólo las personas más pudientes (nobleza, clero y burgueses), podían acceder a las joyas, representando y dando un lugar socioeconómico importante dentro de la sociedad. En 1492 llega a su fin la Edad Media. Las civilizaciones precolombinas antiguos pobladores de los países América del Sur, “re-descubiertos” ahora por los españoles, ya conocíamos y trabajábamos los metales nobles, particularmente el oro y la plata, que fueron profundamente explotados y utilizados, para la representación ornamental de nuestra idiosincrasia. Además, teníamos gran aprecio por muchas piedras preciosas, como la esmeralda, que abundaba en los territorios correspondientes a los actuales países de Colombia y Brasil. Los descubrimientos arqueológicos de pueblos y tumbas de las civilizaciones precolombinas, dan muestra de una utilización muy extendida del oro, sus aleaciones y de las piedras que utilizaban. Estos materiales eran utilizados para la fabricación y elaboración de sus ornamentos (principalmente en los jefes), y en los objetos sagrados de sus sacerdotes. El Renacimiento trajo consigo una revolución cultural muy importante, que llegó a influir en todas las artes, como también en las joyas y sus técnicas de elaboración. En esta época la tecnología y el avance en las joyas dieron lugar a realizar tallados en piedras preciosas más duras. Esta época tiene como cualidad un gran colorido y un gran interés en realzar la belleza humana, por el desarrollo que tuvo la moda en el diseño de la vestimenta, y en la joyería. “Este orgullo de la belleza física y este refinamiento del arte de gustar se ven magnificados por el traje, el lujo de los tejidos ricos y pesados, de los bordados voluminosos, de las joyas suntuosas y de los encajes etéreos.” (Boucher, 2009, p.182) 33 Años más tarde, entre los siglos XVII Y XIX el uso de joyas siguió estando firme dentro de las sociedades, y más aún ya que a comienzos del siglo XVII se desarrollan nuevas técnicas para la talla de las piedras preciosas duras. Otros elementos de joyería puestos de moda en el siglo XVII fueron relojes, estuches para los cigarrillos y sellos personales con piedras preciosas. En ese marco, el diamante fue la piedra más codiciada, de modo que las joyas se dividieron en dos categorías, la de joyas de diseño con diamantes, y la de gemas de menor categoría que seguían los estándares de la moda del vestir y de la joyería. También se pusieron en marcha nuevas técnicas de producción industrial de gemas que permitía fabricar cantidades de joyas con materiales inferiores y menor precio, imitaciones de las piedras preciosas más valoradas. En el siglo XIX, reaparece la orfebrería con importantes diseñadores de joyería y accesorios, los cuales propusieron empuñaduras de bastones, abanicos o marcos de cuadros con una explosión de colores, proponiendo también nuevos materiales, combinando el oro, el esmalte y las piedras preciosas. Y por último, para finalizar este breve recorrido histórico de la joyería, se llega a la actualidad, donde los avances en la tecnología, los nuevos métodos de tallaje, los innovadores métodos de tratamientos de las gemas y la propuesta de nuevos materiales, han generado que el comercio de las joyas haya aumentado notablemente. De este modo, personas de cualquier estatus social pueden tener acceso a las joyas más bellas, puesto que el concepto ya no es sólo de estatus, y los materiales también evolucionaron para satisfacer toda la demanda de quien decide adornarse.

Desde los diferentes puntos de vista que se describieron anteriormente, ya sean culturas, técnicas o épocas, la joyería en todas estuvo siempre presente con un valor simbólico, desde atraer poderes mágicos hasta connotar status social, dando signos propios de cada uno. En las épocas más antiguas, la identidad que proyectaban las joyas era más colectiva, porque representaba a un grupo socialmente establecido. Hoy en día no se ha descartado del todo esta idea ya que siguen habiendo grupos que se siguen identificando mediante el uso de cierto tipo de accesorios, sin embargo se tiene en cuenta que también está la posibilidad de crear una identidad un poco más personalizada, dado que con los avances y la variedad que existe tanto en materiales, culturas, técnicas, entre otros factores, se permite hacer una creación de la propia identidad, mediante el uso de joyas. A partir de este recorrido histórico, se observa la importancia social y funcional que trajo consigo el uso y avance de la joyería en las distintas civilizaciones. Teniendo en cuenta que éstas se dieron en tiempos y espacios diferentes, el valor social y las técnicas fueron de gran importancia para el delineado de las identidades particulares, pero también culturales; el valor social que se les daba a las joyas en cuanto la pertenecía y expresión de la cultura era fundamental. Joyería y materiales En todas las épocas el hombre se ha vestido y desde tiempos remotos, los accesorios y la joyería como vimos anteriormente han formado parte de su indumentaria e idiosincrasia. La joyería tiene una gran importancia en la historia de la humanidad, ya que la fabricación de joyas es uno de los artes más antiguos del mundo. Índice de ello es que para hablar de materiales característicos de la joyería hay que acudir al descubrimiento del metal en la Edad de bronce, época en la que se comenzó a tener conciencia del valor material de los metales. Desde entonces los metales nobles se convirtieron en sinónimo de poder. Por lo tanto el uso del oro, la plata y el platino, fusionado con las piedras y gemas preciosas, eran el complemento perfecto para la creación de joyas, por el brillo, la durabilidad y la escases, en su difícil forma de obtención. Por su mantenimiento del valor en el tiempo, estas joyas sólo podían ser adquiridas o heredadas por la burguesía y todas estas cualidades en los materiales eran los aspectos fundamentales que determinaban su valor. Sin embargo, la joyería de hoy maneja un concepto diferente, ya que nace de una representación si se quiere más creativa, la cual en la mayoría de los casos acude a otros materiales distintos a las piedras preciosas y a los metales nobles, fundamentándose en aleaciones de metales y la creación de materiales experimentales. La nueva joyería: El proceso de elaboración comienza con una idea. Una vez se tiene, se trata de darle forma a partir de la recolección o reutilización de todo tipo de materiales, orgánicos o inorgánicos, que a través de diferentes tratamientos se transforman en objetos para ser lucidos (“Diseño de accesorios de moda”, 2010, p. 178). El proceso experimental ha dado un valor significativo respecto de apreciar la acción del diseñador o artista al transformar y modificar objetos. Este nuevo concepto de joyería también ha democratizado la sociedad, pues permite que todo tipo de personas puedan acceder a estas joyas contemporáneas, siendo que el valor material es mucho más asequible para quienes actualmente les gusta adornar su cuerpo o vestimenta sin necesidad de pertenecer a un estrato social con fuerte poder adquisitivo. El alto valor de la creatividad e ingenio en la elaboración de estas piezas en todo tipo de materiales, en muchas ocasiones las convierte en una creación artística, resaltando que el uso de metales nobles y piedras sigue estando vigente y con una gran importancia en muchas sociedades, puesto que esta nueva forma de portar joyería no lleva implícito la desaparición de materiales tradicionales, los cuales se continúan utilizando. Por esta razón conjugar el valor material con la ingeniosa forma de crear nuevos materiales da un valor diferencial a la hora de fabricar o elegir una joya.

El objetivo final de este proyecto (Electiva) es proponer la elaboración de piezas creativas, artesanales, originales y finas que cuenten con la combinación de “metales nobles, como la plata” y materiales experimentales; es decir aquellos que mediante una intervención sufren modificaciones que los convierten o transforman en uno nuevo, proponiendo así un nuevo estilo, en el que las joyas se valoricen tanto perceptiva, conceptual y materialmente, al mismo tiempo dándole valor y representación física a una cultura como la Colombiana. Los adornos, el peinado, y el aspecto personal, se presentan en la sociedad como “las claves jeroglíficas” que habrán de revelar entre muchos otros factores, la identidad, la posición social, el carácter, la profesión, el ánimo o la situación Coyuntural de los individuos, cuando no su estampa o firma. Es decir, que los adornos como las joyas, también pueden entenderse como marca, sin necesidad de llevar un letrero que diga lo que se quiere expresar, es decir que no siempre el mensaje que se lleva a la hora de vestirse es evidente, muchas veces hay que decodificarlo puesto que pueden ser claves o signos que unos podrán entender u otros no. Sin embargo, la joyería como parte de los adornos es una fuente de expresión y reafirmación de la identidad. Así también lo entendió Erner, quien ha señalado que “muy probablemente la preocupación por el adorno acompañan muchos momentos de búsqueda de identidad”. (2005, p.183). Al momento de vestirse por lo general las personas buscan ropas y adornos con la que se sientan cómodas y confiadas en sí mismas. Los adornos como complementos, son parte indispensable del closet de una mujer, pues estos en muchas ocasiones son los que encabezaran el estilo que se quiera expresar. Se verán casos en las calles o en lugares de mujeres que llevan atuendos sencillos, puede ser una camisa blanca y un par de jeans o sin ir muy lejos el famoso vestido negro que internacionalizó Coco chanel, pero a pesar de la sencillez de la ropa, el “look” de estas mujeres puede ser fabuloso, porque verdaderamente lo enriquecen mediante los adornos; puede ser con un bello collar llamativo adosado al cuello del vestido con su respectivo juego de aretes o una hermosa cartera con unos zapatos fabulosos. Por brindar ese toque diferencial y enriquecedor en el “look” de la mujer, es que se puede decir que los adornos y en especial la joyería: son el elemento clave del “look”. Joyería contemporánea o Joyería de Autor “La joya como arte empezó a desarrollarse a la mitad de los años 50, como una vía de expresión personal tanto para el creador como para el portador de la joya”. (Codina, 2006, p. 10). La nueva joyería o joyería contemporánea es un tipo de práctica entendida como la descendiente moderna de una actividad creativa basada en la artesanía, que encuentra su origen en los talleres medievales. Tal definición hace foco en el pasado histórico de la joyería contemporánea, y encuentra antecedentes, por un lado, en los movimientos arts & crafts anglosajones (y el renovado interés de finales del siglo XIX en las habilidades manuales amenazadas por una industrialización que se posesionaba muy fuertemente), y por el otro en la aparición de movimientos de revolucionarios en los años 60: los cuales demarcaron las nociones de individualismo, artesanía y creatividad, y su disputa con la gran producción en serie. La base de la joyería contemporánea está completamente ligada al arte, ya que su función muchas veces, más allá de adornar, es la de expresar los pensamientos y creencias del artista o diseñador. Es pertinente decir que la joyería contemporánea o moderna toma de la joyería tradicional la técnica, estando ésta más ligada al posicionamiento de la cultura, al diseño y al arte, al distanciamiento actual de la joya con el cuerpo, y al uso de materiales no convencionales. En cuanto a los materiales, el cambio producido por la nueva joyería sobre la joyería tradicional, consiste en el uso de materiales no convencionales con vistas a la innovación. La joya se vuelve un objeto con una carga diferente en la que el material deja de ser la variable que definía el costo que la joya iba a tener. Así, el valor del diseño, idea, creatividad o desarrollo es lo que le da vida e identidad a la joyería contemporánea. El arte conceptual, del cual toma sus valores la joyería artística de autor o contemporánea, es responsable de que el objeto o joya entendido como una unidad sólida y perdurable se disgregue por completo, y de que el virtuosismo técnico, la valoración en la habilidad del oficio y, en general, todo lo que entendemos por el proceso e incluso el resultado pierda importancia en favor de la idea o del valor artístico del objeto en cuestión. (Codina, 2004, p. 9). El valor artístico se relaciona de manera directa con el trabajo realizado por “el artista y el diseñador”, para convertir materiales comunes en materiales novedosos. Los materiales utilizados son algunos que comúnmente se pueden ver

en las calles, los cuales van desde los orgánicos como la cascara de frutos, semillas y entre otros, hasta los inorgánicos como desechos plásticos o metálicos, como por ejemplo lo son los empaques plásticos de frituras o las latas de gaseosa. Estos materiales son sometidos a transformaciones mediante procesos de troquelado, cortado, rasgado, destripado, pintado, tinturado, secado, entre otros que permiten convertirlos en materiales novedosos. Existen diversas actitudes frente al valor de lo cotidiano, pero en la actualidad hay un renovado interés por El proceso, la elaboración y la transformación del objeto, la incorporación de nuevos elementos y técnicas, y por aprender de los propios materiales. (Codina, 2004, p. 9). Así, la joyería contemporánea se lanza a investigar y experimentar con materiales, conceptos y procesos. Su valor se desplaza del metal, o la gema, o el preciosismo de su engarce... a la forma, el concepto, el mensaje que comunica y su manera de hacerlo. Otro aspecto sobresaliente de esta joyería es la relación de la joya con el cuerpo. El cuerpo humano está abierto a nuevos materiales, pero complicado por el concepto de portabilidad. En muchas propuestas de joyería contemporánea, las piezas son más esculturas que joyas. Son difíciles de portar ya sea por su tamaño o diseño. Este concepto que se le proporciona a la joya, en muchas ocasiones hace referencia a lo que se le llama “joya arte”. El cual proviene de una joya que se expone en galerías o exposiciones artísticas y no necesariamente tiene que ser utilizada. Para concluir, si se habla de joyería contemporánea O JOYERÍA DE AUTOR, hay que tener en claro que es la que está comprometida en expresarse a través de los valores del arte, como forma de expresión personal para el artista mayormente. Esta es una joyería que le estampa originalidad e innovación a las piezas, que se compromete con el medio ambiente, que piensa al individuo en su contexto histórico y social, que tiene algo que decir para expresarse. Esta última es una joyería creada más por el placer estético que por intereses comerciales; una joyería que intenta adecuar los valores simbólicos y espirituales, que desde sus orígenes han caracterizado a la joyería, a una sociedad tecnológica que se enfrenta al nuevo milenio. (Codina, 2006, p. 11). La bisutería La bisutería proviene del francés bijouterie y la Real Academia de la lengua Española la define como la “Industria que produce objetos de adorno, hechos de materiales no preciosos”. (Diccionario de la Lengua Española, 2001). Se creó como una imitación de la joyería, con materiales no convencionales, que permiten el adorno del cuerpo. La bisutería también tiene gran afinidad con la moda, ya que se rige por tendencias actuales que le generan una mejor y mayor comercialización “El objetivo fundamental de la bisutería es estar al servicio de la moda”. (Brand y Teunissen, 2009, p.73). La bisutería nace en los años veinte del siglo XX, de la mano de la famosa diseñadora Gabrielle Chanel, más conocida como Coco Chanel y como hermana menor de la joyería. “La bisutería tuvo su origen en destacadas diseñadoras parisinas, como Chanel y Elsa Shiaparelli, quienes durante los años veinte desarrollaron líneas de joyería bajo su nombre…utilizaban gemas de cristal, perlas falsas y, en ocasiones, nuevos materiales sintéticos”. (Brand y Teunissen, 2009, p.73). Adaptable a la voluntad de la moda y al día a día, su condición cambiante le facultó el uso de nuevas formas, colores y materiales como la resina, el cristal, la madera, el cuero, el acero o las piedras no preciosas. Materias que han dado a la bisutería una entidad propia. Chanel dotó a la bisutería, que hasta entonces no había sido considerada como algo chic, de un toque de clase y, de pronto, sus joyas “baratas” se hallaron al alcance de un grupo más amplio de mujeres, que nunca antes pudieron permitirse adquirir joyas reales. (Brand y Teunissen, 2009, p.178). Nueva joyería La bisutería está arrasando con todo. Si se tiene en cuenta que los alambres y las cadenas son unos de los elementos preferidos al momento de elegir un accesorio, los metales, piedras preciosas y semi - preciosas, junto con los tallados y los fundidos están siendo olvidados por el común de la gente, al momento de querer o desear un objeto de adorno para su cuerpo. En la actualidad, el concepto de compra de joyería ha cambiado, ya que, anteriormente la mayoría de las personas se preocupaban por tener entre sus pertenencias algunas prendas de oro, ya fuese por crear un estatus o pertenecer a él, o también por el hecho de tener algunas pertenencias de valor, puesto que éstas significaban una inversión familiar. Hoy el concepto es distinto; el común de las personas eligen lo económico y abundante, ya que los presupuestos se encuentran

acortados y, en el caso de las joyas tradicionales no es la excepción. La moda y bisutería actual hacen que la gente seleccione y compre accesorios confeccionados con piedras plásticas, cadenas que muchas veces se oxidan, y con esta elección dejan de lado las joyas de diseños exclusivos que suelen ser mucho más costosas. También cabe mencionar algunos problemas comerciales que aqueja a la joyería tradicional hoy en día. Como primer obstáculo es el precio frente al costo, donde la bisutería es más fácil de elaborar y mucho más económica, dando también una buena terminación en los acabados. En el mercado, se ve una gran variedad en diseños y calidades de los materiales con que están confeccionados los artículos de moda, bisutería y joyas, dando lugar a diagnosticar otro de los problemas que afronta la joyería tradicional, el cual se basa en el saturación que la bisutería le relegó a la consumición de joyas como sencillamente anillos, dijes y cadenas, que son tradicionales. El común de las personas poseen pocas piezas de joyería, por los aspectos que se mencionaban, mientras que de bisutería poseen muchas más piezas. Dentro del mundo de la bisutería, se encuentran distintos niveles y clases de materiales. También varían los precios, el prestigio y los diseños que hacen que bisutería que se puede llegar a adquirir más fácilmente. El estilo que impone la bisutería en la moda. La bisutería de lujo o bisutería fina, es aquella que hace uso de materiales no preciosos, pero de buena calidad para una mayor durabilidad, que dentro del mundo de la bisutería de fantasía resultan ser las más codiciadas. También se engloban dentro de la bisutería, aquellas piezas que están elaboradas con piedras con cierto parecido a las piedras preciosas, sin llegar a serlo, gemas o materiales orgánicos no convencionales, y estos a su vez son engarzados con metales nobles. Sin embargo, el vacío que ha quedado por parte de joyería tradicional, se comprende en el hecho de convertirse sólo en artefactos tradicionales y simbólicos, ya sea como adquisición hereditaria o como simbología de un compromiso, dejando también de lado la innovación y nuevas propuestas en manos de la bisutería (la cual en la mayoría de las ocasiones está hecha de una forma estandarizada). Aquí es donde exactamente se quiere llegar a desarrollar en esta Electiva, agregando el valor conceptual y artístico que propone la joyería contemporánea, tomando también la propuesta de nuevos materiales que brinda la bisutería, así como la viabilidad comercial y conservando el valor material de los metales nobles de la joyería tradicional, ya que lo que se quiere promover es una línea de Joyas-Vestido (Integrando Accesorios femeninos o masculinos) y que no pertenecen directamente a ninguna de las categorías mencionadas anteriormente, pero sí toma lo mejor de cada una de ellas para crear esta nueva propuesta. No se trataría de Diseñar, ni de Armar joyería fina Tradicional, sino de su implementación directamente en el diseño de vestuario, es decir una fusión entre lo que es la joyería tradicional, joyería contemporánea y la bisutería... JOYERIA Y BISUTERIA FINA EN ORNAMENTACIÓN Y ACCESORIOS DEL VESTUARIO, utilizando materiales Reciclados y no convencionales, para transfórmalos mediante distintos procesos manuales, y así llegar a obtener una joya-vestido de moda, vinculada a una identidad cultural, y que se convierta en una gran muestra identificadora de la cultura Colombiana. Historia orfebre en Colombia La actividad de adornarse no es nueva ni reciente en Colombia, y el uso de adornos fue de gran valor en las diferentes culturas prehispánicas. Por tal motivo para sustentar una de las nociones que se plantean en esta Electiva, de que actualmente las personas de Colombia hacen un constante uso de los adornos entre estos la joyería, se hará un pequeño recorrido histórico en el que se verá cómo desde los antepasados el uso de adornos fue de vital importancia en la cultura colombiana, los cuales permitían una filiación y posicionamiento de la identidad cultural en cada uno de los grupos étnicos, de los cuales hoy precisamente se quiere rescatar el uso de adornos como ornamento y expresión cultural. El desarrollo orfebre fue amplio en Colombia, sin olvidar que el metal protagónico fue el oro, el cual ha sido extraído y explotado durante años, en las regiones andinas y zonas aledañas donde su yacimiento es mayor. La zona andina de Colombia, por su diversidad de clima y vegetación y por sus recursos naturales en general, generaba un ambiente apetecido y adecuado para los grupos culturales en tiempos precolombinos.

El descubrimiento de ricos filones auríferos en las cordilleras Central y Occidental y de los aluviones arrastrados por los ríos desde estos mismos yacimientos hasta los valles interandinos, impulsó la actividad minera de los aborígenes. La localización de depósitos de cobre nativo enriqueció su tecnología metalúrgica. Buriticá en Antioquia, Barbacoas en Nariño, Aipe en el Huila, Ataco en el Tolima, son entre otros, nombres que recuerdan los centros de explotación desde donde se llevó el oro para ser trabajado en las áreas que hoy se identifican como las principales zonas de orfebrería precolombina que se desarrollaron en el territorio colombiano. (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). Por la posición y variedad geografía del territorio colombiano fue tanto apta para el hallazgo del oro, como para el establecimiento de las diferentes etnias y culturas. Esto generó que las culturas cercanas a la zona hicieran un gran uso de metal en la mayoría de sus artefactos, y los que no lo tenían dentro de su proximidad o en su abundancia recurrían al trueque y a las aleaciones. Los principales orfebres en Colombia fueron los Tayronas, Sinúes, Quimbayas y Muiscas. A continuación se describirá profundamente la actividad orfebre de cada una de estas regiones y culturas. Tayronas: La orfebrería Tayrona tenía como característica la perfección técnica que lograron al elaborar sus trabajos; implementaban la fundición a la cera perdida, fusionada y complementada con el martillado, el repujado, la soldadura y la fundición en moldes abiertos o cerrados. “Su orfebrería consistía en objetos de adorno personal, fundidos en tumbaga, aleación de oro y cobre”. (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). En la metalurgia Tayrona, los objetos son variados en cuanto a la forma y a las técnicas empleadas en su elaboración. Sinúes: La orfebrería de esta región conocida como Zinú o Sinú tuvo un amplio avance y desarrollo. Se constituyó como una orfebrería sobresaliente por ser ostentosa, pesada, y por el naturalismo en las representaciones de animales, por las narigueras y orejeras de filigrana fundida. La filigrana fue utilizada, y se distinguió por una gran variedad de motivos decorativos que se combinaban para decorar orejeras de diferentes formas y tamaños. Se encuentran entre los diseños de orfebrería, una variedad colgantes que hacen referencia a figuras humanas esquematizadas con una fuerte carga de adornos, algunas veces con máscaras zoomorfas, fundidas en “tumbaga”. La manufactura del oro en Sinú y su zona de influencia estuvo al servicio de gobernantes y sacerdotes; los adornos realzaban su autoridad. El trabajo del oro estaba relacionado con los asuntos religiosos y ceremoniales. “Sus templos, adornados con ídolos de oro y las tumbas provistas de un rico ajuar funerario, fácilmente identificables por estar bajo montículos artificiales, fueron objeto de saqueo desde los primeros tiempos de la conquista.” (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). En los tiempos actuales, la orfebrería de Mompox en el departamento de Bolívar tiene un importante reconocimiento a nivel nacional e internacional, el cual es fruto de la fusión entre la herencia indígena Sinú y el aporte de las técnicas hispano-árabes incorporados durante la época de la colonia. Quimbayas: Esta sociedad realizó una de los principales trabajos orfebres en Colombia. Era muy reconocida por la perfección en la técnica y por la belleza de sus diseños. “La orfebrería de esta región muestra un avanzado desarrollo en las técnicas de manufactura, los objetos son de gran realismo y sencillos en su decoración”. (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). Como el oro no abundaba en la zona geográfica donde habitaban los Quimbayas, como en las otras regiones de la Colombia Precolombina, se vieron obligados a usar aleaciones como la famosa “tumbaga” y el trueque, que era fundamental también para la obtención del oro. El conjunto de esta orfebrería demuestra una marcada cohesión en el estilo. Se distingue por la sobriedad en el diseño y la decoración; las formas realistas con volúmenes esféricos, el brillo y la firmeza de las superficies, y los las tonalidades rojizas. Muiscas: Los Muiscas fueron también de los principales orfebres en la Colombia precolombina; “Los principales motivos decorativos son los calados y los relieves en hilos fundidos. Propio de esta zona es el uso de matrices de piedra para la producción en serie de piezas iguales, como las cuentas de collar”. (La orfebrería prehispánica de Colombia, 1978). Entre los más destacados objetos de adorno están comprendidos diademas, collares, pulseras, narigueras, pectorales, máscaras en hilos de oro y, en general, figuras antropomorfas y zoomorfas. Una de las más destacadas características en los muiscas fue la asequibilidad que tuvieron a las esmeraldas.

Habiendo realizado esta breve reseña histórica de la orfebrería en Colombia, la intención era observar la importancia que obtuvieron los adornos, en la mayoría de los grupos étnicos mencionados, siendo que su indumentaria constaba prácticamente solo de los adornos. Luego con el descubrimiento de América y la colonización por parte de los españoles, la multiplicidad racial que surgió en Colombia fue variada, compuesta principalmente por los aborígenes prehispánicos, los españoles y negros que eran esclavizados, y por esta misma conquista muchas costumbres y cotidianidades de los indígenas fueron prácticamente exterminadas. Sin embargo aún hay ciertas exterioridades que si bien no se siguen manteniendo en la sociedad con exactitud, hay pequeñas luces fugaces de lo que una vez fueron, entre estas el hecho de adornarse el cuerpo.

Especial: Vestidos JOYAS...

Los brillos y de las lentejuelas…de los tonos dorados, plata, rojo y negro. Si optas por comprar un vestido y complementarlo con joyería, a continuación mostramos las principales sugerencias de las marcas más reconocidas a nivel internacional: - Mango

La firma Mango nos propone vestidos ajustados, con faldas cortas, donde las lentejuelas son nuestros principales aliados para brillar en una mágica noche. Los principales colores por lo que apuesta es el negro y el dorado. - Blanco

La firma Blanco nos propone faldas de lentejuelas, algunas de estilo péplum y de vivos colores. En vestidos cabe destacar este vestido blanco paillette de espalda cruzada. - H & M

La firma sueca H & M nos propone vestidos de lentejuelas multicolor, leggings de lentejuelas y, sobre todo, destaca un vestido de malla recto con bordado con cuentas que, en cierta manera, nos traslada al glamour de los años 20. Si deseas conocer las propuestas de los grandes diseñadores te recomendamos: - Chanel

La actriz Kiko Mizuhara luciendo el vestido de Chanel. La casa de moda francesa nos propone este mini vestido en color crema y oro perteneciente a la colección crucero 2013. - Giorgio Armani Privé

El diseñador italiano Armani nos propone vestido que reflejan la luz de la noche. En esta colección de alta costura emplea transparencias, pedrería y materiales como la seda, el raso o la organza que nos ayudan a transportarnos a una bella noche parisina. - Elie Saab

El diseñador libanés creo una colección de alta costura llamada la estela de Constantinopla. Estos tres vestidos son un fiel reflejo del sueño de este creador de prendas mágicas. Trabaja sobre tonos dorados la mejor pedrería para poder otorgar ese brillo excepcional a cada una de sus prendas. Juega con las transparencias y marca las cinturas para ofrecernos una imagen sexy de la mujer. Si deseas conocer algún modelo de alta costura española les ofrecemos estas opciones: - Alvarnos

Este dúo de diseñadores Álvaro Castejón y Arnaud Maillard ( Alvarnos ) presentaron fuera de Fashion Week Madrid este maravilloso vestido largo ,con flores en tonos dorado ,plata y negro que nos ofrece una mujer acorazada pero sexy debido a la parte inferior transparente. - ALaLá

Primero de nada, perdonar la mala calidad de la foto, pero es un vestido que necesita verse desde todos los ángulos posibles. Este maravilloso vestido joya, de alta costura, está realizado por la firma Alalá. Su elaboración artesanal, los bellos detalles y las lentejuelas lo convierten en uno de los vestidos más acordes para este fin de año 2014. La última moda en vestidos de novia…joyas y collares incorporados

Bien Savy súper sexy con su escote con joya y encaje Una de las tendencias en las últimas pasarelas fue el de incorporar joyas a los vestidos de novia. Independiente del estilo, los modelos presentados llevaron esta nueva sugerencia bien elegante y útil, ya que las novias tienen el collar sumado al vestido. ¿Qué te parece esta tendencia?

Mark Zunino se suma a la tendencia de vestidos con cuellos de joyas

Hayley Paige en un vestido de encaje con un collar incorporado hermoso

Hayley Paige con un corte griego y un aplique desde el escote hasta los hombros increíble

Naeem Khan con un estilo griego donde el collar se une a la cintura

Bordados con abalorios