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JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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III
Jornada Nacional
del Color en las Artes 2013
y anteriores
Cuaderno de resúmenes
30 de agosto de 2013
Instituto Universitario Nacional del Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
Organizado por el Grupo Argentino del Color y el
Área Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA
Prólogo de
María Paula Giglio
Editorial
Mar del Plata Agosto de 2013
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
IV
Jornada Nacional del Color en las Artes 2013 y anteriores : cuaderno de resúmenes / María Paula Giglio ... [et.al.] ; edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de María Paula Giglio. - 1a ed. - Mar del Plata : Universidad Nacional de Mar del Plata; Grupo Argentino del Color, 2013. CD-Rom. ISBN 978-987-544-518-5 1. Arte. 2. Diseño. 3. Actas de Congresos. I. Giglio, María Paula II. Giglio, María Paula, ed. lit. III. Giglio, María Paula, prolog. CDD 701
Fecha de catalogación: 26/08/2013
En este libro se incluyen resúmenes de ponencias orales y conferencias a presentarse en la
Jornada Nacional del Color en las Artes 2013, el día 30 de agosto de 2013, en el Instituto
Universitario Nacional del Arte. Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. A su vez, se
incluyen las ponencias orales y de pósters presentadas en las anteriores ediciones:
- Jornada Nacional del Color en las Artes 2012, realizada el 22 de junio de 2012 en el IUNA
- Jornada Nacional del Color en las Artes 2011, realizada el 17 de junio de 2011 en la FADU/UBA
- Jornada Nacional del Color en las Artes 2009, realizada el 14 de abril de 2009 en la FADU/UBA
Encontraremos trabajos inéditos que fueron evaluados y aceptados por los miembros del Comité
de esta Jornada.
Los resúmenes están ordenados alfabéticamente por el apellido del primer autor, aclarándose la
forma de presentación (Ponencia Oral o Póster) y por año de Jornada en orden inverso.
© Grupo Argentino del Color
FADU-UBA, Ciudad Universitaria Pab. 3 piso 4
C1428BFA Buenos Aires, Argentina
Tel. (54-11) 4789-6328
E-mail: [email protected]
Web: http://www.fadu.uba.ar/sicyt/color/gac.htm
Diseño de tapa y edición: María Paula Giglio
1º Edición agosto de 2013
Editorial: Universidad Nacional de Mar del Plata
ISBN 978-987-544-518-5
Hecho el depósito que marca la ley 11.723
Impreso en Mar del Plata, Buenos Aires
Argentina
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Jornada Nacional
del Color en las Artes 2013 30 de agosto de 2013
Organizado por el Grupo Argentino del Color y el Área
Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA.
Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Comité Organizador Comité Científico Omar Burgos
María Eugenia Bravo
María Paula Giglio
Susana Temperley
María Sofía Vassallo
María Araceli Soto
Omar Burgos
María Eugenia Bravo
María Paula Giglio
Grupo Argentino del Color:
Presidente María Paula Giglio
Vicepresidenta Cristina Manganiello
Secretaria María Eugenia Bravo
Prosecretario Omar Burgos
Tesorera Laura Adela Quaintenne
Protesorera Anahí López
Vocales titulares Susana Geat
Lilia Garcén
María Luisa Musso
Vocales suplentes Silvia Estévez
Fernando Uribelarrea
Cristina Vadji
Órgano fiscalización Roberto Daniel Lozano
Silvia Barrios
José Luis Caivano
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Jornada Nacional del Color en las Artes 2013 y anteriores :
Cuaderno de resúmenes
ÍNDICE
PRÓLOGO 7
JORNADA NACIONAL DEL COLOR 2013 11
PROGRAMA / 2013 13
Resúmenes de CONFERENCIAS / 2013 15
BARDIER, Dardo: COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA 17
CUEVAS RIAÑO, María: PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE ESTRATEGIAS CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE SECUENCIAS
CROMÁTICAS
19
MELITA, Salvador: CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU
MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL
21
PANELES / 2013 23
Resúmenes de PONENCIAS / 2013 33
ACEBEDO, M.F: et. alT.: EL COLOR EN LA CERÁMICA ARGENTINA
CONTEMPORÁNEA, UN ESTUDIO DE CASO
35
BERMEO, Darío: DISCURSO AUDIOVISUAL Y COLOR 37
BURGOS, Omar: LA PALETA DEL PINTOR. LA INTUICIÓN EN LA
MEZCLA DE COLORES
39
BURGOS, Omar: LA VIRGEN DE LAS ROCAS, DE LEONARDO DA VINCI 40
ECHAGÜE, Leonard: COLOR, FIGURA Y FONDO EN LAS PINTURAS CLÁSICA Y MODERNA
41
GIGLIO, MAría Paula: EL COLOR EN EL GRAFFITI Y DOS TEMAS
IMPORTANTES: LA TRANSFORMACIÓN DEL MEDIO AMBIENTE CONSTRUIDO Y EL DESARROLLO SOSTENIBLE
43
LÓPEZ, Mabel: ROJO y NEGRO... y MUCHO MÁS: ¿QUÉ COLORES
PREFIEREN LOS NIÑOS PARA REPRESENTAR LA VIOLENCIA?
45
MANGANIELLO MANGARIELLO, Cristina: EL COLOR DE LA ANTIGÜA PÆSTUM. Color y efectos logrados en las pinturas ambientales, ceramios y
construcciones mortuorias, a través de los restos arqueológicos visualizados
en el museo de sitio de la pcia de Salerno, Italia
47
SÁNCHEZ PÓRFIDO, Elisabet y María Beatriz WAGNER: EL COLOR EN
LA OBRA DEL MAESTRO MIGUEL ÁNGEL ALZUGARAY Y SU
DISCÍPULA GERMAINE BONIFACIO
49
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2012 51
PROGRAMA / 2012 53
PANEL / 2012 55
Resúmenes de PONENCIAS / 2012 67
ACEBEDO, M. Florencia et alt.: EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS 69
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y anteriores : Cuaderno de resúmenes
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MODIFICADOS. Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y sus posibilidades.
ÁLVAREZ, Gabriel: ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS DE ARTE. FUENTES
DE LUZ.
71
BECERRA, P., et alt.: EL VÍNCULO ENTRE EL ARTE Y LA INDUSTRIA A TRAVÉS DEL LENGUAJE CROMÁTICO EN EL ARTE POP
73
BURGOS, Omar: LA GIOCONDA, estudio de color 75
BURGOS, Omar, et alt.: NUEVAS INVESTIGACIONES EN OYOLA,
PROVINCIA DE CATAMARCA. VARIACIONES EN LOS PIGMENTOS BLANCOS DE LAS PINTURAS RUPESTRES PREHISPÁNICAS
77
ECHAGÜE, Leonard: ACERCA DE LAS IMÁGENES INFORMÁTICO-
VISUALES COLOREADAS EN LAS EXPRESIONES MULTIMEDIALES
79
GARCÍA Anahí: SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN EL CINE 81
GIGLIO, María Paula: COLOR Y CESÍA, ENTRE PRESENCIA Y
APARIENCIA EN EL CONTEXTO DE LA ENSEÑANZA DEL ARTE
83
OYHANDY, Enrique Alberto: NOTAS PARA UNA HISTORIA DEL COLOR EN EL CINE
85
PAUS, Ana María y María Beatriz WAGNER: ESCALAS DE CHEQUEO
DE COLOR PARA USO DIDÁCTICO Y ARTÍSTICO
87
ROSOLIA, Elvia: LOS CAMBIOS EXPERIMENTADOS EN EL TRANSPORTE URBANO DE PASAJEROS DE LA CIUDAD DE BUENOS
AIRES EN RELACIÓN CON EL COLOR.
89
RUBÍN, Manuel: ARMONÍA TÉRMICA ABSOLUTA DEL COLOR 91
SERRA, M.F., et alt.: EL COLOR EN LA EVOLUCIÓN TÉRMICA DE UNA PASTA CERÁMICA NATURAL
93
VIGNOLO, Alejandra: IRIS SCACCHERI Y EL COLOR. 95
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2011 97
PROGRAMA / 2011 99
Resúmenes de PONENCIAS / 2011 101
ANTONIOLI, Gloria: EL COLOR EN LA MIRADA DEL ARTISTA E. ARRIGONI
103
BARRIOS, Silvia y KYONG WOO, Im: ESMALTES ORIENTALES DE
CENIZA
105
BARRIOS, Silvia: SERIGRAFÍA EN LAS ARTES DEL FUEGO. MONOCROMO-FOTOCROMO.
107
BRAVO, María Eugenia: LOS COLORES PUEDEN SER
COMPLEMENTARIOS SI ENTRE ELLOS VIBRAN
109
BURGOS, Omar, et.alt.: JAGUARES, GUERREROS Y SERPIENTES. PINTURAS RUPESTRES DEL ALTO ANCASTI. PROV. DE CATAMARCA
111
CABRERA SÁNCHEZ, Sara: COLOR EN EL VIDEO ARTE DE BILL VIOLA 113
COX, María Paz: EL COLOR EN TEXTILES PRE- COLOMBINOS DEL
NORTE DE CHILE
115
DE LEÓN, Marcela: APRENDIZAJE DEL COLOR Y SUS FUNCIONES EN
EL AULA
117
ESTEVEZ, Silvia: AZUL – LEJOS 119
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5
GIGLIO, María Paula: CESÍA EN EL GRAFFITI. LÍNEAS DE ESTUDIO 121
GRAMÓN, Rubén: ELECCIÓN DE COLORES 123
JOFRÉ, Varinnia: SEMIÓTICA Y RETÓRICA DEL COLOR Y LA CESÍA DE SERES FANTÁSTICOS EN EL ARTE
125
MADERO, Eliana y Lucía MAILLO PUENTE.: UN PRIMER
ACERCAMIENTO A LA PROBLEMÁTICA DEL COLOR
127
MAINERO, Norma: COLOR Y VIBRACIONES ELECTROMAGNÉTICAS DE OCTAVAS
129
MANGANIELLO, Cristina: EL COLOR EN LA PINTURA, TRATAMIENTOS,
EFECTOS Y ESTILOS
131
NISS, María del Carmen: EL PROBLEMA DEL COLOR EN LAS ESCUELAS
DE ARTES
133
OBERLANDER, Gabriela: EL COLOR LUZ EN EL DISEÑO DE TEJIDOS 135
SERRA, Marianella: COLOR COMO FORMA EN EL DESARROLLO
EVOLUTIVO
137
TOMBA, Brian: ARTEMIO ALISIO. EL COLOR EN SUS TRABAJOS
ARTÍSTICOS DE CERÁMICA
139
WAGNER, María: IDENTIFICACIÓN DE NIVELES Y OPOSICIÓN DE
VALOR
141
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2009 143
PROGRAMA / 2009 145
Resúmenes de PONENCIAS / 2009 147 BARRIOS, Silvia: SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHINA: “EL EJERCITO DE LOS 7000 GUERREROS DE TERRACOTA DEL
EMPERADOR QIN”
149
BRAVO, María Eugenia: LOS COLORES PUEDEN SER
COMPLEMENTARIOS SI ENTRE ELLOS VIBRAN
150
BURGOS, Omar: LA GIOCONDA, ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN 151
CARNERO, J.S.: “IMPRESIÓN EN CMYK DE UN GRABADO EN
RELIEVE” ORGANIZACIÓN DE LOS RECURSOS Y LA PREPRENSA.
152
CHERÑAJOVSKY, Nora: EL COLOR COMO VEHICULO DE LA IMAGINACION. PROYECTO DE CREACIÓN COLECTIVA.
153
ESQUIVEL, CARLOS A.: JÓVENES ARTISTAS ROSARINOS. UNA
MIRADA ACTUAL VINCULADA AL COLOR
155
FERRARI, Carina: EL COLOR EN LA OBRA DE LUCIO FONTANA 156
GRASSI, María Celia, Angela TEDESCHI y Norma Emma DEL PRETE
INTEGRACIÓN COMUNICACIONAL Y ESTÉTICA DE FRAGMENTOS DE
LUZ Y COLOR
157
GUERRI, Claudio F. y William S. HUFF: LOS MONOCROMOS DE YVES KLEIN O, PORQUÉ UN EJEMPLO FALLA EN TRANSMITIR UN
SIGNIFICADO CONGRUENTEMENTE
159
GIGLIO, María Paula: DESARROLLO DE TECNOLOGÍAS ARTESANALES SOBRE EL AEROSOL: AMPLIACIÓN DE LA PALETA
DE COLOR EN EL GRAFFITI HIP HOP DE MAR DEL PLATA
160
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6
JONES, Alejandra y María JONES: OBTENCIÓN DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHULUCANAS
162
MAROTTA, Graciela: EN LA OBRA CONCEPTUAL EL COLOR ES
SENTIDO. EL COLOR, EL ESPACIO Y OTRAS COSAS … EN EL DISCURSO
DE LA OBRA
163
MANGANIELLO, Cristina: COLOR Y FORMA: SIGNOS
ICÓNICOS PARTICULARES DEL TRANSCURSO DEL TIEMPO EN LA
PINTURA Y EN MI PINTURA
164
NISS, María del Cármen, JUAN GRELA G. UN PARADIGMA 165
PINTO, CARLOS: EL COLOR DIGITAL EN LA ILUSTRACIÓN: DEL
LAPIZ DE MADERA AL LÁPIZ ÓPTICO
167
RABUINI, Emilia: BENITO QUINQUELA MARTÍN Y LOS PINTORES DE LA BOCA. El color como medio de expresión de vida de un barrio.
168
RUBÍN, Manuel: TEORÍA DE LA OPOSICIÓN CROMÁTICA 169
TROISI, Roxana: EL USO EXPRESIVO DEL COLOR EN EL FILM "EL
COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE"
170
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PRÓLOGO
El presente cuaderno de resúmenes es una publicación de la Jornada
Nacional del Color en las Artes 2013 a realizarse el día viernes 30 de agosto
de 2013, en la sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso. Ciudad
Autónoma de Buenos Aires cita en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Tanto esta Jornada, como la del 2012, fueron co-organizadas por el Grupo
Argentino del Color (GAC) y el Área Transdepartamental de Crítica de Artes
del Instituto Universitario Nacional de Artes. Y sus objetivos son, como en
los anteriores, generar un encuentro de discusión e intercambio de ideas,
experiencias y opiniones, en el marco del vasto espectro disciplinar que
aborda la investigación del tema color en el campo de las artes: el color en las
artes dramáticas; el color en las artes multimediales; el color en el cine y el
video; el color en la teoría del arte; el color en la historia del arte; el color en
las artes visuales; el color en los lenguajes performáticos; enseñanza del color
en las artes.
Es por ello que el programa de la Jornada Nacional del Color en las
Artes 2013, además de las ponencias orales, cuenta en esta oportunidad con
conferencias de especialistas, dos paneles con temas específicos y un espacio
de reflexión e intercambio.
Los autores de ponencias son M.F. Acebedo, D. Bermeo, O. Burgos,
V.M. Cola, L. Echagüe, M.P. Giglio, M.A. López, C. Manganiello
Mangariello, E. Moyas, N.M. Rendtorff., E. Sánchez Pórfido, M.F. Serra,
M.B. Wagner.
En tanto, los paneles serán dos y estarán integrados por referentes en el
tema. Uno de los paneles está referido a las experiencias en el campo del
color, que estará integrado por Gracia Cutuli, en su carácter de artista
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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plástica de reconocimiento internacional, que nos hablará del color desde su
experiencia personal en el arte textil; y por Omar Burgos, en su carácter de
artista plástico, anterior presidente del GAC e integrante del grupo de los
Artistas del GAC, que reflexionará sobre la labor de los artistas del GAC. Y
otro, que incorporamos en la presente Jornada, referido a la enseñanza del
color en las artes, que estará integrado por Rodolfo Agüero, en su carácter
de docente y Decano de Artes Visuales / IUNA, María Cuevas Riaño, en su
carácter de Profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad
Complutense de Madrid, y Salvador Melita, en su carácter de Profesor de la
Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.
Los investigadores que están a cargo de las conferencias son: Dardo
Bardier (Uruguay) con el tema “Color, arquitectura y biología humana”,
María Cuevas Riaño (España) con su estudio “Pensamiento sistémico.
Desarrollo de estrategias creativas para la creación de secuencias
cromáticas” y Salvador Melita (Argentina) refiriéndose al “Croma y
saturación: sus diferencias y su manipulación en la corrección de color de la
imagen en el entorno audiovisual”.
Y como anticipamos, y porque creemos necesario encontrarnos no solo
para la difusión y actualización en el tema sino también para reflexionar,
intercambiar ideas tanto en lo referente a la investigación del color en las
artes como en la enseñanza del color en las instituciones de arte, es que para
esta Jornada se dispuso un espacio de reflexión e intercambio que nos
permitirá comenzar a organizar un mapa de situación desde lo disciplinar,
analizar los avances, requerimientos y necesidades en la formación, y
actualizar la agenda del color en las artes.
.Como aporte a este intercambio, la presente publicación digital, cuenta,
no solo con los resúmenes de los trabajos presentados en la Jornada Nacional
del Color 2013, sino también de las ediciones anteriores: 2012, 2011 y 2009.
Aprovechamos la oportunidad de comentar que el GAC es una asociación
civil sin fines de lucro creada en el año 1980. Sus fines son: estimular
estudios e investigaciones de problemas relacionados con el color y hacer
conocer sus resultados, divulgar información en todas las áreas relacionadas,
promover la vinculación e intercambio con asociaciones similares del
extranjero, mantener un centro de documentación especializada, lograr una
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integración de los distintos campos que abordan el estudio del color: ciencia,
tecnología, arte, diseño, arquitectura, industria, etc. El G.A.C. a su vez, forma
parte de la Asociación Internacional del Color (AIC) y es la entidad que
representa a la Argentina ante dicha asociación.
Regularmente el GAC organiza cursos, conferencias y congresos
nacionales cada dos años desde 1989, publica las actas con los trabajos
presentados en los congresos, así como una revista y boletín con artículos e
información sobre actividades e investigaciones sobre color que se realizan
en el país y en el exterior.
En lo que refiere a la labor del GAC en las Artes, se puede encontrar
información en la http://gac-artes.blogspot.com.ar/
Finalmente, queremos agradecer especialmente a las autoridades del Área
Crítica de Artes del IUNA la oportunidad y colaboración para realizar la
presente Jornada Nacional del Color en las Artes, ya que consideramos es el
ámbito idóneo para el desarrollo de la misma.
María Paula GIGLIO
Presidenta del Grupo Argentino del Color
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PROGRAMA / 2013
JORNADA DEL COLOR EN LAS ARTES 2013 Viernes 30 de agosto de 2013 Sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso. Ciudad Autónoma de Buenos Aires
9:00 hs ACREDITACIÓN
9:30 hs APERTURA
Oradores
SOTO, María Araceli Directora del Área Transdepartamental de Crítica de
Artes del IUNA
GIGLIO, María Paula Presidenta Grupo Argentino del Color.
Presentación GAC. Futuros eventos, jornadas y
congresos.
10:00 hs MESA 1 Moderadora: Susana TÉMPERLEY
Autores Ponencias orales Institución
10:10 hs BURGOS, Omar La virgen de las rocas, de Leonardo da
Vinci
10:30 hs ACEBEDO, M.F.
SERRA, M.F.
COLA, V.M.
MOYAS, Ernesto
RENDTORFF,
N.M.
El color en la cerámica argentina
contemporánea, un estudio de caso
CETMIC (CONICET-
CIC) Centro de
Tecnología de
Recursos Minerales y
Cerámica
10:50 hs MANGANIELLO
MANGARIELLO,
Cristina
EL COLOR DE LA ANTIGÜA
PÆSTUM
Color y efectos logrados en las pinturas
ambientales, ceramios y construcciones
mortuorias, a través de los restos
arqueológicos visualizados en el museo
de sitio
Facultad de Bellas
Artes, UNLP
11:10 hs GIGLIO, María
Paula
El color en el graffiti y dos temas
importantes: la transformación del
medio ambiente urbano y el desarrollo
sostenible
GEAP - FAUD /
UNMDP
11:30 hs BERMEO, Darío Discurso audiovisual y color Instituto Universitario
Patagónico de las
Artes
11:50 hs Preguntas
12:00 hs CONFERENCIA 1: Dardo BARDIER
Tema COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA Arquitecto-urbanista-
constructor.Cineasta.
Investigador.
Montevideo, Uruguay
12:45 hs PAUSA PARA EL ALMUERZO
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14
14:00 hs MESA 2 Moderadora: María Eugenia BRAVO
Autores Ponencias orales Institución
14:00 hs SÁNCHEZ PÓRFIDO,
Elisabet
WAGNER, María Beatriz
El color en la obra del maestro
Miguel Ángel Alzugaray y su
discípula Germanine Bonifacio
Facultad de Bellas
Artes, UNLP
14:20 hs BURGOS, Omar La paleta del pintor. La intuición
en la mezcla de colores.
14:40 hs LÓPEZ, Mabel Amanda Rojo y negro... y mucho más: ¿qué
colores usan los niños para
representar la violencia?
Programa Color,
Sec.Invest., FADU,
UBA
15:00 hs ECHAGUE, Leonard Color, figura y fondo en las
pinturas clásica y moderna
Instituto de la
Espacialidad Humana
- FADU - UBA
15:20 hs Preguntas
15:30 hs CONFERENCIA 2: María CUEVAS RIAÑO
Tema PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE
ESTRATEGIAS CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE
SECUENCIAS CROMÁTICAS
Fac. de Bellas Artes,
Univ. Complutense de
Madrid, España
16:30 hs CONFERENCIA 3: Salvador MELITA
Tema CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU
MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA
IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL
Depto de Artes
Audiovisuales, Fac.
Bellas Artes. UNLP
17:30 hs PAUSA
18:00 hs PANEL 1: EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR
Moderadora: Eugenia BRAVO
Gracia CUTULI Artista textil
Omar BURGOS Artistas del GAC
18:45 hs PANEL 2: ENSEÑANZA DEL COLOR EN LAS ARTES
Moderadora: María Paula GIGLIO
Rodolfo AGÜERO
Decano de Artes Visuales, del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).
Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
María CUEVAS RIAÑO
Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.
Madrid, España
Salvador MELITA Profesor titular de Dirección de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la
Universidad Nacional de La Plata. La Plata, Argentina
19:45 hs ESPACIO DE REFLEXIÓN E INTERCAMBIO
20:45 hs CIERRE
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Resúmenes de CONFERENCIAS / 2013
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COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA
Arq. Dardo Bardier
www.coloruruguay.bligoo.es
www.arielenlinea.wordpress.com
(Conferencia)
Las obras y servicios, realizadas y mantenidas por los humanos, interaccionan
intensamente con éstos y los integran sinérgicamente a unidades inclusivas.1 El ser-
humano, en sus plurales escalas de organización (órganos, personas, colectividades,
especie), siempre se complementa con otras partes de la realidad (su ámbito, su
equipaje, su equipamiento, su territorio) para formar unidades funcionales reales.2
Los proyectistas necesitan saber, pues, de obras, de servicios, de humanos (en sus
diversos niveles de organización), de sus interacciones y de las unidades concretas
resultantes. Es necesario no omitir ninguno de estos factores si se quiere evitar graves
errores que cuestan mucho dinero, trabajo, inconvenientes, accidentes y casi infinitas
disfuncionalidades y pérdidas de oportunidades, a las personas, a las instituciones y al
país.
¿Dónde nos enseñan cómo es el ser humano al que vamos a servir? ¿Cómo
hacemos orgánicamente para ver los colores?
La enseñanza e investigación de la Biología Humana relacionada con el uso que
se le va a dar a las obras y servicios, es creciente en muchos países. En Uruguay la
enseñanza de la arquitectura, que desde hace mucho tiempo estudia la ergonomía (de
medidas, movimientos y poco más), no profundiza suficientemente el estudio de la
biología del uso y de la percepción humana del color, y de sus consecuencias en todo
el hacer humano.
Conviene y urge investigar, entre los aspectos de la biología humana, los que más
inciden en la arquitectura, urbanismo, diseño, paisajismo y planificación territorial; y
sobre todo, los más relacionados con la percepción visual del usuario de a uno, de a
cien, de a mil.
Aquí sugeriremos la necesidad de criticar la fuerte relación entre la biología
humana de la percepción y del color, y el uso que la población hace normalmente de
lo que proyectan y construyen los especialistas.
Desplegaremos un breve y provisorio análisis (y síntesis) de varias situaciones en
las que el efecto de la arquitectura y del urbanismo sobre los usuarios depende
notablemente del cómo se ha previsto su percepción. Por este camino surgirán muchos
temas a investigar.
1 CRITICA A LA NOCIÓN DE UNIDAD, partes I, II, III, IV y V en la Revista de filosofía ARIEL, números 9, 10, 11, 12 y 13. 2 ESCALAS COOPERANTES, capítulo IX: Ética Entera.
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18
Dardo BARDIER Arquitecto-urbanista-constructor. Cineasta. Investigador del color y de la percepción
humana. Escritor. Filósofo.
(Montevideo 1944) ha aplicado sus ideas sobre escalas en muchas obras y proyectos
arquitectónicos, así como en su actividad docente en varios centros educativos.
Su interés por las técnicas y artes visuales se refleja en la realización de decenas de
películas de corto, medio y largometraje -algunas premiadas en festivales-, en la
fundación de la revista Fotocine y en sus investigaciones sobre percepción visual,
publicadas en su libro anterior De la visión al conocimiento y en múltiples artículos y
conferencias.
Siempre comprometido con su ámbito a escala local, ha realizado tareas gremiales y
vecinales en Uruguay, fundando la revista Solís y la asociación de vecinos Solyagua.
Texto extraído de su libro Escalas de la realidad
Libro ESCALAS DE LA REALIDAD Este libro, concebido como un desarrollo critico de desopilante rigurosidad, parte de la nocion de escala para elaborar una nueva concepcion general basada en el modo en que nuestras
percepciones modelan su lado cuantitativo. Las escalas expresan el lado cuantitativo de la
realidad. Ellas nos permiten percibir el mundo segun sus magnitudes. Muchas ciencias, tecnicas y ambitos culturales utilizan ampliamente la nocion de escala, pero en muy pocos lugares se
explica que son, y en menos casos se ha teorizado sobre ellas de modo general. En este trabajo,
Dardo Bardier comienza realizando un sencillo despliegue, al alcance de todo lector, de la nocion de escala. Luego se introduce en sus particularidades: las escalas asombrosamente
vacias, las escalas repletas, las realidades mono-escalares, las pluri-escalares y las omni-
escalares. Sin olvidar las sorprendentes imposibilidades que se encuentran al hacer maquetas reducidas a escala. El lector ira internandose, paso a paso, en el lado cuantitativo de la
realidad, descubriendo progresivamente la escasez de escalas que podemos contemplar
mediante nuestros sentidos, y sus consecuencias en la util concepcion del mundo que estos nos sugieren dia a dia. Texto extraído de http://www.librosenred.com/autores/dardobardier.html
Libro DE LA VISIÓN AL CONOCIMIENTO La investigación de la percepción visual humana y comparada descubre estrategias de la especie, la sociedad y la persona para lograr económicamente información de la realidad. Unas tienen
millones de años, otras milenios y otras años. La existencia de esas estrategias y sus capacidades denuncia qué proporciones hay entre el aporte de las cadenas causales provenientes del objeto y
las cadenas causales activas o pasivas aportadas por el sujeto. Ello permite desandar el camino
de los procesos perceptivos hasta la realidad misma. Y esto nos aporta nociones menos ingenuas de cómo es la realidad atendida.
El estudio de la evolución del conocimiento humano y de nuestros sentidos nos acerca a una
masa gigante de procedimientos orgánicos, normalmente hechos por los humanos, muy efectivos para la recepción y tratamiento de la información operativa como ser vivo. Ello es
extraordinariamente fructífero en el descubrimiento de temas de investigación relacionados con
la percepción, la realidad y sus interacciones Texto extraído de http://mec.gub.uy/innovaportal/v/20463/39/innova.front/bardier_dardo?carpeta=19844
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE ESTRATEGIAS
CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE SECUENCIAS
CROMÁTICAS
Maria CUEVAS RIAÑO
Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España
(Conferencia)
El objetivo de esta ponencia es presentar la complejidad conceptual del trabajo
cromático de un conjunto de artistas contemporáneos: François Morrellet, Max Bill,
Julián Gil, Ryszard Winiarski, Shizuko Yoshikawa, Manfred Mohr, Kenneth
Martin,… Abordo este trabajo desde el pensamiento sistémico. Desde la posibilidad
de observar una obra y simular un proceso creativo que nos lleve a pensar
sistémicamente la propuesta de su autor: cómo se ha generado el proyecto y qué áreas
de conocimiento lleva implícitas. El fin último de la presentación no es sólo conocer
la metodología y sistemas creativos que están utilizando este grupo de artistas
seleccionados sino contribuir al desarrollo de estrategias creativas para la generación
de secuencias cromáticas que puedan ser útiles a artistas o diseñadores emergentes.
Los sistemas generales de orden cromático, armonías y contraste, que a lo largo de la
historia del arte se han definido han jugado un papel muy significativo en la totalidad
del pensamiento creativo y el desarrollo de proyectos de sus protagonistas. Las obras
de todos los autores estudiados en esta presentación, aunque muy diferentes en sus
propuestas estéticas, tienen unas características comunes: manejan un conjunto de
conceptos, herramientas y variables que sirven para experimentar, aprender y
comprender las posibilidades creativas que les permite el color. Sus sistemas son el
resultado de observar, ordenar y estructurar su mundo de conocimientos cromáticos y
sus experiencias creativas personales. Conocer estos usos nos va a permitir ampliar
nuestro campo de disfrute del color tanto sensitiva como intelectualmente.
Cada sistema sujeto a análisis muestra una forma de configurar procesos de trabajo
que nos permiten gestionar estéticamente el color y responden al uso de unas
estrategias intelectuales que definen un proceso de trabajo complejo que combina
acciones intuitivas y racionales. Los procesos comienzan seleccionando el sistema
cromático adecuado para el desarrollo de un proyecto estético determinado y
realizando sobre él un conjunto de trazados, estructuras o redes de tonos relacionados
conocidos que sirva para subdividir el espacio cromático en superficies de color
relacionadas y proporcionales entre sí.
Los resultados obtenidos son un conjunto de sistemas generativos que nos ayudan a
comprender las propuestas cromáticas de cada uno de los autores estudiados y a
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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ampliar nuestro concepto actual del uso de las armonías y contrastes del color
utilizando un nuevo criterio que ya no solo atiende a las propuestas perceptivas sino
que busca encontrar estructuras en sistemas ordenados conocidos: contadores,
secuencias numéricas, órdenes geométricos,… para aprender en que se basa su mundo
de relaciones y aplicarlo al color. Estas nuevas formas de gestionar el color responden
a un uso creativo más acorde con el mundo complejo en el que nos encontramos hoy
día.
Maria CUEVAS RIAÑO Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España
Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid,
UCM, Madrid, España. Miembro del grupo de investigación de la UCM:
Investigación cromática: aspectos técnicos, formales y de significado en la expresión
del color a través del arte y del grupo de investigación de la UFV (Universidad
Francisco de Vitoria): Peregrinación Creativa: Fotografía, video y algo más... Ha
participado en congresos e impartido conferencias y seminarios relacionados con la
tecnología, el color y las poéticas constructivas del espacio de representación.
Autora del libro “Estructuras Lógicas en las Artes Plásticas” y co-autora de los
libros “Introducción al Color”, “Distorsión, equívocos y ambigüedades. Las
ilusiones ópticas en el arte”, “Matemáticas, arte y diseño”, “Arte, ciencia y
tecnología. Experiencias docentes y creativas”. Ha publicado artículos en catálogos
y sitios web sobre procesos constructivos y principios ordenadores de obras de
creadores contemporáneos; pensamiento sistémico y metodologías docentes en las
aulas de Bellas Artes.
Líneas de investigación: complejidad y orden; pensamiento sistémico; color; poéticas
estructurales: de las estructuras físicas a las estructuras conceptuales; ilusiones
ópticas; pensamiento conectivo: arte, ciencia y tecnología.
Ha coordinado las exposiciones “El diseño dice” y “Cartográfica, Madrid diseña”,
en la Central de Diseño, Matadero Madrid, y formado parte del Comité científico del
3er Encuentro BID de Enseñanza y Diseño.
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CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU
MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA
IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL
Salvador MELITA
Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.
Los términos croma y saturación son a menudo confundidos, ambos definen de alguna
manera la intensidad del color y puntualmente en algunos sistemas de orden, el
crecimiento de la intensidad de color son llamados indistintamente de una u otra
manera.
Baso este trabajo en la diferenciación que hace Munsell entre ambos conceptos.
Me sirvió para comprender esta diferencia, interpretarlo a traves de un sistema de
notación de color basado en el sistema zonal de Ansel Adams.
En el mismo, cada color es nombrado por la zona en que expone cada uno de sus
componentes (RGB) tanto en una pelicula como en un sensor de video. Asi un gris
medio sería 5,5,5 y un rojo 7,3,3. Trazando en una pagina de este atlas las lineas que
plantea Munsell como de croma y saturación constantes, encontré que la saturación,
de forma parecida a lo que plantea la química, sería el gris del fondo y el croma lo que
está por encima de ese gris.
Es decir que lo que indistintamente llamamos croma o saturación, y en la mayoría de
los casos saturación, deberíamos llamarlo croma, dado que es la variable que crece en
sentido horizontal si lo vemos en una página de un atlas.
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En general, estas variables no se encuentran diferenciadas en los softwares de
corrección de color. Cuando uno modifica la “saturación” hay variación tanto arriba
como debajo de la señal, es decir si la aumentamos, crece el croma y la saturación
baja y viceversa. Esto puede producir en algunos casos que al elevar demasiado el
croma aparezcan distorciones o ruido electrónico en la reproducción. Si los
pudiéramos trabajar por separado, la intensidad del color, croma, podría aumentar
descendiendo la saturación, contenido de gris, sin alterar la señal en las altas luces.
La aplicación utilizada para las pruebas, con la que ejemplificaré en la presentación,
es el corrector de color Scratch de Assimilate, que posee diferentes herramientas para
realizar la corrección.
Este proceso se ha tornado de vital importancia en la producción actual y ha
aumentado notoriamente la cantidad de coloristas, los que en muchos casos carecen de
formación de teoría del color, lo que les facilitaría mucho su operación permitiendoles
conceptualizar de otra manera la tarea que realizan.
Salvador MELITA Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.
Curric: Director de fotografía, Docente. Se ha especializado en el tema del color y da
un curso de Introducción al Color (aplicado a la imagen audiovisual) en la UNLP,
UNICEN y EICTV (Cuba).
Actualmente completa su formación como instructor de Assimilate Scratch.
(corrección de color)
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PANELES / 2013
CURRÍCULUM DE LOS PANELISTAS
PANEL 1 EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR
Gracia CUTULI
Omar BURGOS
PANEL 2 ENSEÑANZA DEL COLOR EN LAS ARTES
Rodolfo AGÜERO
María CUEVAS RIAÑO
Salvador MELITA
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Rodolfo AGÜERO
Currículum Abreviado
Nació en Buenos Aires-Profesor Nacional de Grabado y Dibujo-E.N.B.A.
“Prilidiano Pueyrredón”. Se ha desarrollado en el campo del Grabado como
así también en objetos gráficos , libros de Artista ,instalaciones y desde los
años 90 en el campo digital.
Fue seleccionado mediante Jurados en 37 Bienales Internacionales de
Grabado en seis de ellas ganó Premios.
Desde el año 1974 realiza exposiciones individuales, llevando en la
actualidad más de 25 muestras en Argentina – Alemania- España –EEUU – y
últimamente en Rusia.
Participó en numerosos Grupos de Arte Gráfico: Grupo Gráfico Buenos
Aires-4 para el 2000 – y Gráfica Experimental- .
Pertenece a varios comités de publicaciones entre ellos a la Editorial y
Revista Cuatrimestral “Vacío de Perros”.
Ha obtenido 18 distinciones, siendo las más importantes para el autor:
1974- Gran Premio Nacional de Honor del X Salón Nacional de
Grabado y Dibujo.
1978- Premio de la Primera Trienal Latinoamericana de Grabado-
Asociación Internacional de Críticos de Arte- Asociación Argentina
de Críticos de Arte-
1997- Gran Premio de Grabado- Banco de la Provincia de Buenos
Aires.
2008- Premio Fundación “Alberto Trabucco” Académia Nacional
de Bellas Artes.
2011- Premio Municipal “Manuel Belgrano” - LVI Salón
Municipal- Ciudad Autónoma de Bs. As.
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Ejerce la docencia universitaria- Decano del Departamento de Artes
Visuales “Prilidiano Pueyrredón”, IUNA. -Docente de Grabado y Arte
Impreso-Facultad de Bellas Artes –Universidad Nacional de La Plata-
Docente Investigador Categoría 2 otorgado por el Consejo Interuniversitario
Nacional- Integra el Posgrado de Medios Combinados ,dictando
Introducción a los Lenguajes Combinados , Departamento de Artes Visuales-
IUNA-es invitado a seminarios del país y del extranjero.
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Omar BURGOS
Artista Plástico [email protected]
Prof. Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
Taller de dirección de cine con Hector Faber
Taller de dibujo de Roberto Páez.
Taller de Grabado de Aida Carballo.
Taller de Grabado de Stanley William Hayter en el ATELIER 17 en París.
Taller de Dibujo de Aurelio Machi
2003 / 5: Director del Espacio Cultural del Inst. Ciencias Ambientales y Salud, CABA.
2006 – 2008: Vicepresidente Grupo Argentino del Color.
2008 – 2012: Presidente Grupo Argentino del Color.
Como Presidente y miembro de la Comisión Directiva del GAC ha participado del Comité Organizador y
científico de Jornadas y Congresos realizados por el GAC años 2004, 2006, 2008, 2010 y 2012.
2010: Comité Organizador del Congreso Interino de la Asociación Internacional del Color (AIC)
2012: Comité Organizador del Congreso de la Asociación Internacional de Semiótica Visual. Facultad de
Derecho. Univ. de Buenos Aires.
EXPOSICIONES
Desde 1980 expone regularmente en forma
individual y colectiva en distintas salas y museos del
país.
Exposiciones desde el año 2008 en adelante:.
2008 Enero: CEMAV. Centro Municipal de Artes
Visuales. Villa Gesell. Prov. Bs. As.
Febrero: Museo Histórico del Banco de la Provincia
de Buenos Aires. "Dr. Arturo Jauretche" Ciudad de
Bs. As. Marzo: Casa dec la Cultura y Hall municipal
Las Toscas. Prov. Santa Fé. Abril: Salón Blanco.
Municipalidad de Esperanza. Provincia de Santa Fé.
Mayo: Sala Culturarte. Secretaría de Cultura. San
Salvador de Jujuy. Agosto: Dirección de Cultura.
Tres Lomas. Prov. de Buenos Aires. Julio: Museo
Provincial de Artes. Santa Rosa. Provincia de La
Pampa. Casa de Cultura. Saliqueló Provincia de Bs.
As. Septiembre: Sitio Cultura. Secretaría de Cultura
y Turismo. Prov. Tucumán.
Octubre: Museo Provincial de Bellas Artes. "Rosa
Galisteo de Rodriguez". Ciudad de Sta Fé. Casa de
Cultura. Las Flores. Provincia de Buenos Aires.
Noviembre: Museo de Artes "Juan Yaparí" Posadas
Misiones.
2009. Marzo: Centro de Cultura y Turismo Prov. de
Catamarca. Noviembre: Universidad Nacional de
Lomas de Zamora. Prov. de Buenos Aires.
2010: Octubre, Foyer del Teatro Auditorium. Mar
del Plata. Prov. de Buenos Aires. Octubre: Proyecto
Grupo Ancasti, Estación Central. San Fernando del
Valle de Catamarca.
2011: Junio, Centro Cultural Municipalidad de San
Fernando. Julio: Proyecto Grupo Ancasti, Museo del
Senado de la Nación Argentina “Domingo F.
Sarmiento”. Octubre: Proyecto Grupo Ancasti Foro
Cultural Universidad Nacional del Litoral, Santa Fé.
2012: Abril: Centro Metropolitano de Diseño,
CABA. Septiembre: Museo de Arte de la
Universidad Mayor de San Marcos, Lima Perú.
PERFORMANCES
2003: “LA VACA” Espacio Cultural ICAS, con
Santiago Atlante en actuación teatral, Paula Giani y
Jorgelina Herrero Pons en Artes Visuales, Hernán
Fernandez en música y Andrés Bercovich
información en biotecnología.
2004: ANTONIN ARTAUD. Espacio Cultural
ICAS. Con Carlos Piñeiro en actuación teatral,
Guido Fernandez Parmo en proyección de video y
Jorge Mallearel en discurso filosófico.
TEATRO
1989: Escenografía de “El hospital del universo” de
Talo Atlante, Aula Magna, Facultad de Medicina.
UBA.
1990: Escenografía de “El calor de la tetera” de Talo
Atlante, Teatro Parakultural, Teatro Medio Mundo
Varietè. Cap. Fed. 1996: Pintura en vivo de la obra
“Platero y yo” de Juan R. Jimenez, con la actuación
de Carlos Piñeiro, Teatro Colonial. Cap. Fed.
2012: Escenografía de “Agitamdo la bandera de la
libertad” de Talo Atlante. Teatro IFT.
FONDO NACIONAL DE LAS ARTES
Durante el año 2010 y 2012, como integrante del
Grupo Ancasti , el proyecto “Jaguares, guerreros y
serpientes. Historia y estética del arte rupestre de
este catamarqueño”, ha recibido subsidios del Fondo
Nacional de las Artes.
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Maria CUEVAS RIAÑO
Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España
Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid,
UCM, Madrid, España. Miembro del grupo de investigación de la UCM:
Investigación cromática: aspectos técnicos, formales y de significado en la expresión
del color a través del arte y del grupo de investigación de la UFV (Universidad
Francisco de Vitoria): Peregrinación Creativa: Fotografía, video y algo más... Ha
participado en congresos e impartido conferencias y seminarios relacionados con la
tecnología, el color y las poéticas constructivas del espacio de representación.
Autora del libro “Estructuras Lógicas en las Artes Plásticas” y co-autora de los
libros “Introducción al Color”, “Distorsión, equívocos y ambigüedades. Las
ilusiones ópticas en el arte”, “Matemáticas, arte y diseño”, “Arte, ciencia y
tecnología. Experiencias docentes y creativas”. Ha publicado artículos en catálogos
y sitios web sobre procesos constructivos y principios ordenadores de obras de
creadores contemporáneos; pensamiento sistémico y metodologías docentes en las
aulas de Bellas Artes.
Líneas de investigación: complejidad y orden; pensamiento sistémico; color; poéticas
estructurales: de las estructuras físicas a las estructuras conceptuales; ilusiones
ópticas; pensamiento conectivo: arte, ciencia y tecnología.
Ha coordinado las exposiciones “El diseño dice” y “Cartográfica, Madrid diseña”,
en la Central de Diseño, Matadero Madrid, y formado parte del Comité científico del
3er Encuentro BID de Enseñanza y Diseño.
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Gracia CUTULI
Tel/Fax +54 (11) 4783-7480
celular 011 15 3031 7480
Nace y vive en Buenos Aires. Graduada por las Escuelas Nacionales de Artes
Plásticas y por el IUNA, Buenos Aires. 1960/61 Becada por el gobierno francés,
estudia en Paris en la Universidad de la Sorbona, técnica del tapiz en las
Manufacturas Nacionales de Gobelinos y grabado con Jhonny Friedlaender.
Continúa sus estudios en la UBA.
En 1964 co-funda la primera galería de América especializada en Arte Textil, “El
Sol”, cuya dirección artística ejerce hasta 1970. Desde 1968 dicta conferencias en
museos y universidades del país y del exterior. Desde 1972 dirige cursos y seminarios
oficiales y privados en Argentina y en el extranjero y forma parte de jurados en
salones oficiales y privados. Socia fundadora en 1978 del Centro Argentino de Arte
Textil del cual es presidente por el período 1986-1988. Desde 1991 a 2002 es
profesora titular de Diseño Textil en la Facultad de Arquitectura, Diseño y
Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Directora de investigación UBACyT
1998-2000 “El Textil como transmisor de cultura”. Presenta ponencias en Congresos
como miembro del Grupo Argentino de Color de la UBA y del Comité Nacional de
Conservación Textil de Chile en ese país. Desde 1968 publica libros y artículos en el
país y en el extranjero, como corresponsal del International Tapestry Journal,
editada en Portland, Oregon y en la Universidad de Melbourne; continúa en
Textileforum, editada en Hannover.
Desde 1958 diseña y expone alfombras, al mismo tiempo realiza exposiciones de
pintura, dibujo, grabado y arte textil, en 52 muestras personales y 250 de grupo en
museos y galerías oficiales y privados de Argentina, Australia, Brasil, Canadá,
Colombia, Cuba, Chile, España, Francia, Estados Unidos, Hungría, Italia, Japón,
Lituania, México, Perú, Polonia, Senegal, Suiza, Uruguay y Venezuela.
Principales premios: 1972: Diez Jóvenes Sobresalientes del Año, Cámara Jr. de
Argentina, 1974: 1er. Premio en el Salón del Tapiz, Museo Eduardo Sívori, Buenos
Aires; 1978: Gran Premio de Honor, en el 1er. Salón Nacional de Tapices; 1980:
Primer Premio en “Las Artes del Teatro”, Secretaría de Cultura de la Provincia de
Buenos Aires, tapiz emplazado en el Anfiteatro de Mar del Plata; 1982: Premio
Konex de Platino al Tapiz; 1990: Primer Premio Museo Quinquela Martín, Buenos
Aires; 1992: Premio Konex al Arte Textil; 2000: 1er. Premio Pro-Arte de Córdoba.
En 2011 es elegida Miembro de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes de
la Argentina.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
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Su obra se encuentra en museos y colecciones públicas y privadas de América y
Europa y es citada y reproducida en Alemania, Argentina, Australia, Brasil, Canadá,
Colombia, Cuba, Chile, Estados Unidos, España, Francia, Gran Bretaña, Holanda,
Italia, Japón, México, Polonia, Senegal, Suiza, Uruguay y Venezuela.
Buenos Aires, julio de 2013
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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Salvador MELITA
Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.
Curric: Director de fotografía, Docente. Se ha especializado en el tema del color y da
un curso de Introducción al Color (aplicado a la imagen audiovisual) en la UNLP,
UNICEN y EICTV (Cuba).
Actualmente completa su formación como instructor de Assimilate Scratch.
(corrección de color)
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Resúmenes de PONENCIAS / 2013
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35
EL COLOR EN LA CERÁMICA ARGENTINA CONTEMPORÁNEA,
UN ESTUDIO DE CASO
M.F. Acebedo12, M.F. Serra12, V.M. Cola12, Ernesto Moyas2, N.M. Rendtorff2
1.Facultad de Bellas Artes, UNLP, La Plata Argentina.
2.CETMIC, Centro de Tecnología de Recursos Minerales y Cerámica (CIC-
CONICET), M.B. Gonnet, Argentina.
(Ponencia Oral)
A todos nos interesan los colores, forman parte de nuestra cotidianeidad, nos visten,
nos marcan las señales de tránsito, refuerzan las publicidades, nos alarman, nos
alivian. Estamos inmersos en un mundo de colores, con una simbología fuerte y
propia de cada cual en este lado occidental del mismo. Por lo tanto no es raro que la
elección del color de una obra implique una serie de complejas decisiones que tienen
que ver con la idea rectora en general; el color puede acompañar la forma, contrariar,
acentuar, puede afianzar el concepto o puede simplemente estropearlo, rechazarlo,
contradecirlo.
En el caso de las obras cerámicas la elección del color es doblemente compleja. El
color en la cerámica es dado por óxidos, pigmentos y esmaltes que son resultantes
luego de su trasformación en el horno a elevadas temperaturas e implican un proceso
que atraviesa los ejes de la elección de las materias primas, la formulación y
preparación del mismo, así como la suma de los procesos químicos y físicos que
suceden durante el tratamiento térmico dependiendo tanto de la temperatura como de
la atmósfera del ciclo de cocción. Cuestiones que poco tienen en común con el color
en otras artes visuales; por ejemplo en la pintura mientras pintamos podemos
observar instantáneamente el resultado final, podemos generar luces sombras y
reemplazar un color por otro al momento. En la cerámica recién observamos el
resultado final luego de su trasformación en el horno, ya que previamente sólo son
polvos en tonos pasteles, que difieren visualmente con el resultado real-final. Al
proyectar una obra, estas características del color en la cerámica, obligan al productor
a tomar la decisión de trabajar en la predictibilidad del color o librarse a los resultados
inciertos e inmanejables.
En este trabajo se analizarán obras cerámicas contemporáneas pertenecientes a una
muestra colectiva exhibida en el Museo de la Fundación Rómulo Baggio en la Ciudad
de Buenos Aires durante el mes de Julio de 2013 en donde exponen 32 artistas
ceramistas contemporáneos de reconocida trayectoria. Las mismas serán clasificadas
por el tratamiento superficial, el color, tamaño, morfología, temperatura de cocción
entre otras clasificaciones. Del análisis de los datos se intentará determinar o no las
tendencias de la producción en la cerámica contemporánea argentina. Siempre
teniendo en cuenta que los resultados se verán afectados por la elección del grupo de
obras estudiadas. Estos resultados permitirán encontrar o identificar las relaciones de
la tecnología con la producción cerámica artística contemporánea.
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y anteriores : Cuaderno de resúmenes
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DISCURSO AUDIOVISUAL Y COLOR
Darío BERMEO
Instituto Universitario Patagónico de las Artes, [email protected]
(Ponencia Oral)
La industria audiovisual estadounidense más importante, Hollywood, explota en sus
producciones una forma característica de ver el mundo, valiéndose de los recursos de
representación a su alcance. Según Eliseo Verón, La semiosis social (editorial Gedisa.
Barcelona 1996) “… solo en el nivel de la discursividad el sentido manifiesta sus
determinaciones sociales y los fenómenos sociales develan su dimensión
significante”.
En cuanto al discurso audiovisual, la iluminación (luz, sombra y color) potencia su
sistema de significación. De la película “Traffic” de Steven Soderbergh (2000) se
desprende con claridad la manipulación del color para potenciar una mirada
hegemónica. En el ámbito del discurso audiovisual, la iluminación posee un lugar
determinante, es decir, permite estudiar cómo se ve una película a partir del empleo
del color, por presencia o por ausencia. Este trabajo propone un análisis de “Traffic”,
y la confronta con otras producciones del mismo segmento de producción de la
industria. Se busca mostrar que la utilización del color (por presencia o por ausencia)
potencia la producción de sentido en el discurso audiovisual.
Darío Bermeo
Licenciado en Realización de cine, video y televisión.
Facultad de Bellas Artes. Universidad Nacional de La Plata. Argentina
Neuquén, Argentina
Antecedentes docente
2013Profesor de Laboratorio de Prácticas
Trasdisciplinares, ESBA
2011- 2013 Profesor de Arte y Tecnología III,
ESBA
2011- 2013 Profesor de Realización
Audiovisual IV, IUPA
2010 Profesor de Guión II, IUPA,
2009 Profesor de las Jornadas de
Capacitación en Iluminación de la
Tecnicatura Superior en Audiovisual,
IPES Caleta Olivia, Santa Cruz.
2009 Profesor del Seminario de Fotografía
Cinematográfica, IUPA (Instituto
Universitario Patagónico de las Artes)
2009- 2012 Profesor de Taller de fotografía y
cinematografía, IUPA (Instituto
Universitario Patagónico de las Artes)
2005- 2010 Docente de la Cátedra de
Tecnología III a cargo del Prof. Titular
Andrés Senderowicz.. Facultad de Bellas
Artes. UNLP.
2001- 2003 Docente del Curso de ingreso de la
carrera de Comunicación Audiovisual,
en el área Técnico- Realizativa. Facultad
de Bellas Artes. UNLP.
1998- 2004 Docente de la Cátedra de
Iluminación a cargo del Prof. Titular
Salvador Melita. Facultad de Bellas
Artes. UNLP.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
38
Antecedentes laborales
2012 Director de Fotografía del programa
piloto “Contando al sur”. Director
Roberto Echegoyenberry. Programa
Polos Audiovisuales.
2010-2013 Iluminador y camarógrafo en RTN
(Radio y Televisión de Neuquén)
2004- 2008 Iluminador y operador de video de
la Productora Claxson para programas
de las señales Infinito, I-SAT, Space,
Playboy, Much Music,
2007 Director de Fotografía “Toro verde” de
Laura Duran. 35mm color. INCAA
2005 Jefe de eléctrico del largometraje
“Nacido y criado” de Pablo Trapero. 35
mm color. INCAA.
2002- 2005 jefe de operadores de transmisión
del Aula Satelital de la UNLP, CeProM
2003 Dirección de Fotografía en el
cortometraje “El señor de los pájaros”
de Camilo Gómez, Historias Breves IV,
producido por el INCAA.
Investigaciones
2001- 1998 Colaborador en la investigación
«Medición y control de la luz para
registro, reproducción y percepción del
color», del Prof. Salvador Melita. UBA,
UNLP.
Seminarios y Cursos
2002 Seminario de Óptica Instrumental,
dictado por el Lic. Luis Martorelli.
L.O.C.E., Facultad de Ciencias
Astronómicas y Geofísicas. UNLP.
2002 Workshop de Kodak. Dictado por el
Director de fotografía Felix Monti
(ADF).
Seminario «El sonido en el espacio audiovisual»
dictado por Michel Chion. Facultad de
Bellas Artes. Universidad Nacional de
La Plata.
Seminario«La banda sonora en el
audiovisual»dictado por Carmelo Saita
Facultad de Bellas Artes. Universidad
Nacional de La Plata.
1998 Seminario de iluminación “Exponer una
historia”. Dictado por Ricardo
Aronovich, Facultad de Bellas Artes.
Universidad Nacional de La Plata.
1997 «Diseño y Discurso Audiovisual» La
televisión y sus miradas. Facultad de
Comunicación y Diseño. Universidad de
Palermo y Université París III. Sorbonne
Nouvelle.
Buenos Aires.
1996 «Diseño y Discurso
Audiovisual»
Facultad de Comunicación y Diseño.
Universidad de Palermo y Université
París III. Sorbonne Nouvelle. Buenos
Aires.
1996 Seminario«El sonido en el espacio
audiovisual» dictado por Michel Chion.
Museo Ricardo Rojas.
Becas
2001-2002 Beca de formación laboral en el
Aula Satelital de la Universidad
Nacional de La Plata
1997 Beca de formación técnica y estudio.
Otorgada por la Universidad
Internacional de Andalucía. Sede
Iberoamericana. LA RÁBIDA, Huelva,
España.
Filmografía
2011 Dirección de fotografía en el
cortometraje “Subjetividad” dirigido por
Néstor Berbel. Full HD Color. Ganador
del concurso nacional de cortos “El
fútbol y otras pasiones”,
2007 Dirección de fotografía en el
cortometraje “Toro verde” dirigido por
Laura Duran. 35 mm Color.
2004 Dirección de fotografía en el
cortometraje «El Chantaje» dirigido por
Leonel Compagnet, 16 mm Color.
2003 Dirección de fotografía en el
cortometraje «El señor de los Pájaros»
dirigido por Camilo Gómez, 35 mm
Color.
Premios y menciones
Tercer premio con el documental «La esquina de
los vientos» Concurso EDELAP, La
Plata.
1998 1° mención con el documental «La
esquina de los vientos» Concurso Museo
Dardo Rocha, La Plata.
1999 1° mención con el documental «El
jardín de la memoria» Concurso Museo
Dardo Rocha, La Plata
.
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y anteriores : Cuaderno de resúmenes
39
LA PALETA DEL PINTOR. LA INTUICIÓN EN LA MEZCLA DE
COLORES
Omar BURGOS
(Ponencia Oral)
Cuando hablamos de la paleta utilizada por un pintor en particular, entendemos de
manera sintética cómo utilizaba los colores, en general, ese pintor. Así cuando
decimos que M. Vlamink trabajaba con una paleta saturada o que G. Morandi
trabajaba con una paleta desaturada o que F. Zurbarán trabajaba con una paleta baja,
entendemos cómo utilizaban los colores esos pintores en sus pinturas.
Así mismo sucede cuando hablamos de la paleta utilizada por un pintor en una de sus
pinturas en particular. Así cuando decimos que P. Picasso en “La alegría de vivir” de
1946 trabajaba con una paleta de complementarios o que C. Monet en Les glaçons
utilizó una paleta alta, entendemos cómo utilizaron los colores esos pintor, en esas
pinturas en particular. Lo mismo sucede con algunos movimientos de pintura, así
decimos que el cubismo analítico trabajó con una paleta monocromática o que el
fauvismo trabajó con una paleta saturada.
Así entonces podemos definir una determinada estética cromática de un movimiento
de pintura, de un pintor en general o de una pintura en particular mediante la síntesis
gramática de su paleta.
Si bien la definición de una paleta no da precisiones acerca de los colores utilizados,
nos orienta hacia los colores que vamos a encontrar en dichas obras, movimientos o
pintores.
Pero la paleta en sí, como instrumento, tiene una funcionalidad singular y una relación
inalienable con la pintura y nuestra imaginación, esa relación es aquello que rige las
búsquedas de color en la paleta y es sobre lo que trata el presente trabajo.
Esta relación entre la imaginación, la pintura y la paleta, simple de comprender,
compleja y posiblemente innecesaria de racionalizar en la práctica de la pintura,
siempre me produce asombro.
Cuando la pintura que estamos haciendo necesita un color, suele ser muy específico,
muy preciso. Su búsqueda puede resultar sencilla o muy compleja, según cómo se
encuentre nuestra sensibilidad en ese momento; pero para hacer ese color que
necesitamos en la paleta, debemos hacer otro; porque uno es el color en la paleta y el
mismo es otro en la tela. El color que preparamos en la paleta, por efecto de contraste
simultáneo, indefectiblemente varía cuando lo ponemos en la tela. Varía el valor?
Varía la saturación? O varían ambos ? Si en la paleta lo percibimos distinto, cómo
sabemos si el color está listo?
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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40
LA VIRGEN DE LAS ROCAS, DE LEONARDO DA VINCI
Omar BURGOS
(Ponencia Oral)
En 1483 aparentemente, Leonardo habría recibido un encargo de la Confraternidad de
la Inmaculada Concepción de Milán, para pintar la imagen de la Virgen con el niño
Jesús y San Juan, que adornaría el altar de la Iglesia de San Francisco el grande de
Milán.
El cuadro ocuparía el panel central de un retablo que llevaría a los costados otras dos
obras con ángeles músicos y que fueron encargadas a los hermanos Ambrogio y
Evangelista da Predis y que se conservan actualmente en Londres.
La obra tiene dos versiones, una conservada en el museo del Louvre que se considera
la obra original de Leonardo y la versión de la National Gallery de Londres, que se
supone hecha en colaboración.
La escena tiene lugar en las montañas. Jesús sentado bendice a San Juan, que es
protegido por la virgen con su manto. La mano izquierda de la virgen, en perfecto
escorzo, se alza en suspenso; insinuando, con la mano del ángel, como estratos sobre
la cabeza de Jesús. Tras el niño Jesús, un ángel que señala a San Juan y San Juan
arrodillado acerca sus manos a Jesús en gesto de rezo.
La pintura plantea al espectador algunos enigmas. ¿Qué simboliza? ¿Qué encuentro
mítico representa, si no hay en la Biblia ningún relato de un encuentro de Jesús y San
Juan de niños? ¿Por qué el ángel que está atrás del niño Jesús involucra con la mirada
al espectador en la escena y señala a San Juan?
El presente trabajo presenta un análisis compositivo de la obra y su estética cromática,
así como una reseña del contexto histórico en el que fue realizada.
Omar BURGOS
Artista plástico.
Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley W. Hayter.
Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. –
Fue Presidente del Grupo Argentino del Color durante el período 2008-2012.
Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del
Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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41
COLOR, FIGURA Y FONDO EN LAS PINTURAS CLÁSICA Y
MODERNA
Leonard ECHAGUE
Instituto de la Espacialidad Humana - FADU – UBA
(Ponencia Oral)
1- El presente trabajo pretende introducir el tema de la figura y el fondo en las artes
pictóricas clásica y moderna respecto de los modos de manchar cromáticamente las
superficies pintadas, y notando que:
- En pintura clásica se hacen figurar elementos visibles de posibles escenas reales que
son representadas pictóricamente.
- En el arte pictórico moderno, se pintan formas de diverso tipo, sin la obligatoria
pretensión de representar, por imitación, alguna referencia externa al propio hecho de
apreciación pictórica sensible de las formas visibles en la obra, y también entendiendo
a las obras como propias críticas de la representación clásica.
Se tomarán como casos para la discusión de los temas propuestos a obras de:
Brueghel, Vermeer, Klimt, Seurat, Van Gogh, Cezanne, Duchamp, Mondrian,
Malevich, Espinosa, Lozza, Mele y Maldonado.
2- En el arte clásico la técnica de la perspectiva renacentista apunta producir la
ilusión perceptiva de la profundidad espacial de la escena, otorgando un soporte
geométrico para las ubicaciones de las formas que representan las escenas por medio
de trazados que regulan sus tamaños y ubicaciones sobre el lienzo.
Los modos de establecer figuras y fondos pintados como valores significativos de
conjuntos identificables de manchas coloreadas son observables en las pinturas
clásicas de escenarios naturales en donde, además, el concepto de paisaje de fondo
expresa:
- el conjunto cromáticamente manchado sobre el que se recortan las figuras visibles
frontalmente
- el espacio posiblemente real que contiene a la escena representada con objetos y
personas.
Los ejemplos representativos del arte clásico corresponderán a pinturas de escenarios
naturales.
3- En la segunda mitad del Siglo XIX hay autores que pueden ser considerados parte
del intermedio conceptual entre los artes clásico y moderno pues ellos pintan sin
perder aún la referencia a personas o escenas naturalistas posiblemente reales, pero
establecen notables cambios en las modalidades de producción pictórica, afectando
esto a los conceptos de figura y de fondo involucrados. En particular en las pinturas
de Seurat y de Van Gogh por medio del manejo cromático.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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42
4- El arte moderno intenta la producción intrínseca de sentidos pictóricos provocada
por la apreciación sensible de la composición, apelando al color de modo esencial en
los casos de Mondrian y Malevich, y por proceder a la ruptura del cuadro rectangular
en los casos del arte concreto argentino (Lozza, Espinosa, Maldonado, etc.). En estos
últimos casos ya quedan disueltos los valores diferenciales entre figura y fondo.
Leonard ECHAGUE
-Licenciado en Psicología - UBA
-Doctor en Diseño Gráfico- FADU - UBA - Directores de Tesis: Tomás
Maldonado y Gastón Breyer
- Posdoctor en humanidades - CEA - U.N.Córdoba
-Profesor Adjunto en Cátedra de Matemática II - FADU -UBA -1996 a 2005
-Profesor Adjunto en Cátedra de Morfología - FADU -UBA -1997 a 1999
-Profesor Adjunto en Instituto de la Espacialidad Humana. FADU -UBA -2004 a
2013
-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Arquit. Contemp. FADU -UBA -2009 a
2013
-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Tipos Construct.. FADU -UBA -2013
-Investigador Categoría II en el Programa de Incentivos del MCE.
-Integrante de Proyecto UBA-CYT A009 - 2008-2010 - Nuevos aportes a los estudios
interdisciplinarios sobre color en relación a la arquitectura y los diseños: el color en
prácticas del habitar , dirigido por José Luis Caivano
-Integrante de Proyecto UBA-CYT 100283 - 2011-2014 - El color y la luz en los
espacios urbanos, los diseños y el contexto de prácticas sociales y semióticas
humanas, dirigido por José Luis Caivano
-Director de Proyecto UBA-CYT AA26 - 2000.
-Director de Proyecto UBA-CYT A614 - 2003.
-Director de Proyecto UBA-CYT A006 - 2004 a 2008.
-Director de Proyecto UBA-CYT 200694 - 2010 a 2012.
PRODUCCIÓN PRESENTADA DE INVESTIGACIÓN –
35 Publicaciones con referato e ISBN/ISSN.
25 Presentaciones en reuniones científicas sin publicar.
PRODUCCIÓN PRESENTADA DE DOCENCIA –
6 Publicaciones con referato.
2 Publicaciones sin referato.
2 Presentaciones a congresos y otros eventos.
4 producciones de material didáctico sistematizado.
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43
EL COLOR EN EL GRAFFITI Y DOS TEMAS IMPORTANTES: LA
TRANSFORMACIÓN DEL MEDIO AMBIENTE CONSTRUIDO Y EL
DESARROLLO SOSTENIBLE
María Paula Giglio
Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, Facultad de Arquitectura, Urbnismo
y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata
(Ponencia Oral)
Esta ponencia se basa en el estudio del graffiti artístico vinculado a la cultura hip-hop
que se desarrolla en la ciudad de Mar del Plata, Argentina. En particular, nos
referimos al color en el graffiti desde la perspectiva de dos temas que forman parte de
la construcción social del graffiti: el primer tema se refiere a la transformación de la
apariencia visual del medio ambiente construido a través del color como una forma de
habitar la ciudad; y el segundo, se refiere al desarrollo de tecnologías artesanales,
elaboradas por artistas del graffiti, como aproximación al desarrollo sostenible.
En la ciudad de Mar del Plata, como en otras ciudades, existen grandes
tensiones entre las diversas formas de habitarla y cada una contribuye a la
construcción del medio ambiente.
Con respecto al primer tema, observamos que los graffiteros se reconocen a
sí mismos como "sujetos urbanos". Son productores de la ciudad y son, en tanto “son
en la ciudad”. Ellos hacen visibles los lugares donde han pintado y su forma de
habitar es a través del color.
Si bien, los muros urbanos son lienzos posibles de ser pintados, ellos no
seleccionan cualquier lugar. A menudo prefieren los muros deshabitados, ignorados,
abandonados, con caos visual, o invisibilizados, y por lo general, son lugares de
tránsito o paso. Piensan en la mirada del caminante, su espectador, en los efectos que
quieren lograr, y en la posibilidad de mostrar su arte de forma masiva a pesar de saber
que puede ser efímera.
Además, debido a que comúnmente los estilos de letras de la cultura hip-hop
son ilegibles, el color alcanza una gran importancia en el impacto visual, es decir,
predomina una estética colorística. Observan y planean sus estrategias. Y a través del
color, pueden modificar la apariencia visual del medio ambiente construido. Estos
lugares se convierten en "lugares para ser mirados".
Por otro parte, analizamos el desarrollo sostenible, desde el desarrollo de
tecnologías artesanales, en el rellenado de latas de pintura en aerosol, en la generación
de nuevos colores por mezcla, y en el rediseño de los picos a través de intervenciones
(cortes, adiciones, sustracciones, etc.), a fin de lograr ampliar la carta de colores,
mejorar la calidad de los trazos y efectos, tanto por el crecimiento artístico, la
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44
superación de las limitaciones económicas, y la escasez de insumos en el mercado
regional.
El desarrollo sostenible en términos ecológicos y el cuidado del medio
ambiente, está en manos de los fabricantes de pinturas en aerosol a través del
cumplimiento de los estándares de gestión de medioambiente, pero también recae en
los artistas del graffiti, aunque esto no siempre sucede por compromiso ecológico.
La investigación, que se lleva a cabo desde el año 2001, tiene diferentes
unidades de análisis, entre ellas, los graffitis, los elementos que se utilizan para la
actividad, y los propios graffiteros, a través de la observación de sus acciones,
estrategias y habilidades, tanto individuales como grupales, y del rastreo en sus relatos
acerca de las experiencias sobre el habitar la ciudad, y de los saberes construidos e
incorporados.
María Paula GIGLIO
GEAP / FAUD / UNMDP
Currículum abreviado
- Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes
Visuales), y Profesora de Artes Visuales (especialidad Pintura).
- Alumna de la Maestría en Educación Artística en la Facultad de Humanidades y
Artes de la Universidad Nacional de Rosario.
- Docente, investigadora y artista plástica
- Profesora Adjunta en la carrera de Diseño Industrial de la Facultad de
Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata.
- Co- Directora del Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, GEAP-
FAUD/UNMDP
- Directora del Grupo de Extensión desde el Arte, GEA-FAUD/UNMDP
- Integrante de Comités Científicos y Comités Organizadores en eventos vinculados
con el color y la forma.
- Ha participado numerosos eventos académicos.
- Actual Presidenta del GRUPO ARGENTINO DEL COLOR (GAC), período 2012-
2014.
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45
ROJO y NEGRO... y MUCHO MÁS: ¿QUÉ COLORES PREFIEREN
LOS NIÑOS PARA REPRESENTAR LA VIOLENCIA?
Mabel Amanda LÓPEZ
Programa Color, Secretaría de Investigaciones, Facultad de Arquitectura, Diseño y
Urbanismo, Universidad de Buenos Aires
(Ponencia Oral)
El trabajo se enmarca en el Proyecto: “Visión de la violencia de los niñ@s de
primaria de México y Argentina, a través uso del color y la representación gráfica”,
integrado por un equipo interdisciplinario de investigadores del Programa Color,
FADU-UBA y de la Facultad de Psicología, UNAM, México. Dentro de los objetivos
de la investigación, se procederá a identificar e inventariar los colores usados por los
niños para hacer visible la violencia y la no violencia. Se relacionarán los colores con
las objetos, símbolos y escenas representadas, y con el cuestionario respondido por los
niños autores de los dibujos. Nos preguntaremos: ¿Cuál es la representación gráfica de
la violencia en niñ@s de 11 años en México y en Buenos Aires? ¿Qué colores utilizan
para representar la violencia? ¿Hay diferencias entre ambos grupos, cómo se
interpretan? ¿Predomina un manejo realista del uso del color en los personajes y
objetos dibujados, o hay disrupciones retóricas, que manifiestan de modo simbólico el
color de lo violento?
La violencia en tanto problema social involucra a la niñez como víctimas y
victimarios. El temor se agudiza en la población infantil, que no puede canalizar su
angustia, generando estados de depresión, de agresión (bulling en las escuelas), de
desesperanza. Por eso se considera importante saber qué opinan los niñ@s de la
violencia, cómo la perciben y, si es posible, cómo la sienten, buscando sus respuestas
a través de un medio familiar y no peligroso: el dibujo. Cuando el niñ@ dibuja con un
tema específico, cuenta sus vivencias personales que emergen y se manifiestan a
través del mecanismo de la proyección, gracias al lenguaje del inconsciente que habla
de sí mismo y de su relación con el ambiente. Es un medio de comunicación
interpersonal (involuntaria y voluntaria) y por lo tanto es otro lenguaje no verbal,
silencioso, con información oculta.
Para esta presentación se focalizará el manejo del color en la representación de la
violencia y no violencia en un corpus de análisis conformado por 200 dibujos. La
muestra abarca unos 100 sujetos: niños escolares de 11 años de escuelas de la Ciudad
de Buenos Aires, a quienes se les solicitan 2 dibujos. Según lo observado, el negro
para expresar la muerte, o la violencia del color rojo para representar la sangre de
heridas son constancias en los dibujos; signos cromáticos codificados en la cultura.
Sin embargo, los sentidos atribuidos tanto a esos como a otros colores deben recrearse
en el análisis interpretativo de cada caso, y en función de la iconografía y el relato
escenificado para alcanzar la plenitud de su sentido.
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46
MABEL AMANDA LÓPEZ CV RESUMIDO
Doctora en Diseño, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urabismo, UBA y
Licenciada en Letras por la FFyL, Universidad de Buenos Aires.
Codirectora del Programa de Investigaciones Color, Luz y Semiótica Visual,
Secretaría de Investigaciones, Facultad de Arquitectura y Diseño,
Universidad de Buenos Aires.
Ha obtenido por concurso la categoría II en la carrera del docente-
investigador, Ministerio Nacional de Educación. Ganadora de Beca
Doctoral UBA (2002-2006).
Profesora co-titular de la materia Color, en el Postítulo en Comunicación
Visual (posgrado) en la Universidad de Rosario, desde 2002.
Profesora Adjunta de la asignatura Comunicación, cátedra Ledesma en la
carrera de Diseño Gráfico en la FADU-UBA, donde ejerce la docencia
desde 1993.
Profesora asociada de la asignatura Semiología de la imagen, en la carrera
de Diseño Gráfico en la Universidad de Belgrano, desde 1998.
Tiene 11 libros publicados (como autora, coautora y editora) y 43 artículos
en revistas y capítulos de libros. Ha presentado 66 trabajos en congresos y
jornadas nacionales e internacionales.
Actualmente desarrola una investigación interdisciplinaria binacional con
la Dra Georgina Ortiz de la Universidad Autónoma de México, analizando
el color y la representación gráfica de la violencia en dibujos infantiles en
México y Buenos Aires.
LÍNEAS DE INVESTIGACIÓN
comunicación en la enseñanza del diseño
interrelaciones entre lenguaje verbal y lenguaje visual
semiótica del color, semiótica visual, comunicación visual, retórica visual
color en relación con la comunicación y el diseño
enseñanza del color
lectura de la imagen fotográfica
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47
EL COLOR DE LA ANTIGÜA PÆSTUM
Color y efectos logrados en las pinturas ambientales, ceramios y construcciones
mortuorias, a través de los restos arqueológicos visualizados en el museo de sitio
de la Pcia de Salerno, Italia
Cristina MANGANIELLO MANGARIELLO
Universidad Nacional de La Plata, Facultad de Bellas Artes
(Ponencia Oral)
Objetivos: rescatar de lo expuesto y visualizado en el sitio y museo de Pæstum, en
cuanto al color y efectos empleados artísticamente por los antiguos greco-lucanos de
la zona, como sintaxis y Semiosis
Resultados:
Hace tal vez un poco más de 2500 años, se desarrolló una ciudad costera de la Magna
Grecia, en la actual Provincia de Salerno: PÆSTUM.
Ciudad de rituales místico-religiosos, que atraviesa varios períodos, finalizando en el
romano, para quedar cubierta por un pantano. A principios del s. XIX, en el período
napoleónico, comenzó a interesar, pero por la diferente estética con la pompeyana,
que se consideró superior, fue no tenida mayormente en cuenta. Hoy día puede
recorrerse y disfrutar lo mismo de su riquísimo museo de sitio, descendiendo apenas
del ferrocarril en la estación del mismo nombre.
Los colores empleados en este período con fines pictóricos, fueron el blanco, el
verdecían y una variedad de tierras que van del ocre amarillo, a las tierras sombra.
En los ceramios, a modo de engobe, van del ocre al negro.
Cuáles serían las características estéticas particulares en el uso del color?
En cuanto a lo pictórico, fondos plenos, blanco, ocre o rojo terracota, donde se dibuja
linealmente en modo sensible y se rellena en parte a tinta plena.
Esto a modo general. En este trabajo, se clasificaran las armonías en relación a su
Semiosis y efectos estéticos en una variedad de ejemplos que aquí excederían la
definición de abstract.
Aportes al color: se desconocen antecedentes desarrollados con el mismo criterio, en
cuanto a este sitio arqueológico
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48
Cristina MANGANIELLO MANGARIELLO
Universidad Nacional de La Plata-Facultad de Bellas Artes-
Email: [email protected]
Curriculum abreviado del autor:
Licenciada y Profesora en Pintura, UNLP.
Profesora de Lenguaje Visual, Universidad Nacional de La Plata, directora de
proyectos de investigación sobre color en comunicación visiva desde 1975, dentro del
programa de incentivos para docentes investigadores-SCyT-
Artista plástica.
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EL COLOR EN LA OBRA DEL MAESTRO MIGUEL ÁNGEL ALZUGARAY
Y SU DISCÍPULA GERMAINE BONIFACIO
Elisabet SÁNCHEZ PÓRFIDO y María Beatriz WAGNER.
Facultad de Bellas Artes, UNLP
[email protected], [email protected]
(Ponencia Oral)
El presente trabajo surge como transferencia de avances obtenidos en la investigación
“La paleta del pintor: un campo articulador entre la teoría del color y el diseño de la
imagen” dirigido por la Lic. María Wagner, acreditado por la Secretaría de Ciencia y
Técnica de la UNLP y Ministerio de Educación de la Nación.
Se analiza la obra del artista plástico Miguel Ángel Alzugaray. Su condición de
maestro nos llevó a explorar su producción y modos de hacer, exaltando el uso del
color como signo productor de significado. Se seleccionaron obras del pintor y
también de su discípula Germaine Bonifacio.
Los contenidos temáticos intentaran establecer ciertos correlatos de condiciones
cromáticas y efectos estéticos, con el objetivo de dar a conocer determinadas
condiciones cualitativas del maestro y la discípula en el empleo del color.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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50
Elisabet SÁNCHEZ PÓRFIDO [email protected]
Profesora Superior en Historia de las Artes Plásticas. Facultad de Bellas Artes de la
UNLP.
Magíster en Estética y Teoría de las Artes. Facultad de Bellas Artes de la UN LP.
Profesora Jefe de Trabajos Prácticos de la Cátedra de Arte Contemporáneo de la
Facultad de Bellas Artes la U.N.L.P.
Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Secretaría de Ciencia y Técnica
de la UNLP, Ministerio de Educación de la Nación.
Directora del Atelier Museo Luis Tessandori. Centro Artístico y Cultural del Valle de
Traslasierra, San Javier, Córdoba.
María Beatriz WAGNER
Licenciada y Profesora Superior de Pintura.
Profesora Titular de la Cátedra Dibujo 1 Turno Noche y de Seminario de Color,
Facultad de Bellas Artes de la UNLP.
Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Secretaría de Ciencia y Técnica
de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, Ministerio de Educación de la Nación.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
51
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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52
Los resúmenes que siguen a continuación, fueron publicados
anteriormente en el siguiente libro digital:
Jornada Nacional del Color en las Artes 2012 : cuaderno de resúmenes /
edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de Omar
Burgos. - 1a ed. - Mar del Plata :
Universidad Nacional de Mar del Plata, 2012.
E-Book.
ISBN 978-987-544-445-4
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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PROGRAMA / 2012
JORNADA DEL COLOR EN LAS ARTES 2012
Viernes 22 de junio 2012
Sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso.
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
9:00 hs INSCRIPCIÓN
9:30 hs APERTURA
Oradores
SOTO, María Araceli Directora del Área Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA
BURGOS, Omar Presidente Grupo Argentino del Color. Presentación GAC. Futuros eventos, jornadas y congresos.
10:00 hs MESA 1
Autores Ponencias orales Institución
ÁLVAREZ, Gabriel Iluminación de las obras de arte. IUNA – DAVS P. Pueyrredón
BECERRA, Paulina et al.
El vínculo entre el arte y la industria a través del lenguaje cromático en el arte
pop.
Programa Color, Luz y Semiótica Visual FADU-UBA
ECHAGÜE, Leonard
Acerca de las imágenes informático-visuales coloreadas en las expresiones multimediales.
Instituto de la Espacialidad Humana - FADU – UBA
GARCÍA, Anahí Simbología del color en el cine - los códigos en el Moulin Rouge de Baz Luhrmann.
12:00 hs ALMUERZO
13:30 hs SESIÓN DE PÓSTERS
Autores Ponencias en Póster Institución
SERRA, Ma. Florencia et al.
El color en la evolución térmica de una pasta cerámica natural.
CETMIC Centro de Tecnología de recursos Minerales y Cerámica. Cátedra taller complementario de cerámica FBA- UNLP.
ACEBEDO, Ma. Florencia et al.
EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS MODIFICADOS. Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y sus posibilidades.
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14:00 hs MESA 2
Autores Ponencias orales Institución
OYHANDY, Enrique A.
Notas para una historia del color en el cine.
Universidad Nacional de La Plata
PAUS, Ana M.; WAGNER,M. Beatriz
Escalas de chequeo de color para uso didáctico y artístico.
Facultad de Bellas Artes de la UNLP
BURGOS, Omar et al
Nuevas investigaciones en Oyola, provincia de Catamarca. Variaciones los pigmentos blancos de las pinturas rupestres prehispánicas.
GAC – Univ. Nac. de Catamarca - INTI – CONICET
VIGNOLO, Alejandra
El color en las artes dramáticas. Iris
Scaccheri y el color
UBA – IUNA
16:00 hs MESA 3
Autores Ponencias orales Institución
RUBÍN, Manuel Armonía térmica absoluta del color. Rubín Atelier
BURGOS, Omar La Gioconda, estudio de color.
ROSOLIA, Elvia Los cambios experimentados en el transporte urbano de la ciudad de Buenos Aires en relación con el color.
FADU / UBA
GIGLIO, María Paula
Color y cesía, entre presencia y apariencia en el contexto de la enseñanza del arte.
FAUD / UNMDP – GAC
18:00 hs PANEL: EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR
Panelistas Tema
Jorge Iglesias Objetos invisibles. Cuadros con luz. Esculturas y
pinturas realistas de movimiento virtual. Hacia una nueva teoría de la luz
Gustavo Aprea Cine
Eli Sirlin Iluminación
Gumersindo Serrano Gómez Artes multimediales
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55
PANEL / 2012
Resúmenes y/o currículum de los panelistas
EXPERIENCIAS
EN EL CAMPO DEL COLOR
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JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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57
Jorge IGLESIAS PANELISTA
RESUMEN
En esta charla me referiré al modo de volver invisibles los objetos, de pintar cuadros
con la luz y de realizar esculturas y pinturas realistas de movimiento virtual.
Luego haré referencia a una nueva teoría sobre la luz y el color que estoy elaborando
en los últimos tiempos.
Con respecto a las esculturas invisibles veremos esculturas monocromáticas, objetos
con color y el fenómeno de invisibilidad aplicado a distintas escenas complejas.
Me referiré no sólo a mi método de hacer invisible los objetos pintándolos sino que
mostraré una escultura que realicé que se hace invisible sin estar pintada, sólo por la
distinta orientación de sus planos con respecto al foco luminoso, logrando que todos
reciban el mismo grado de iluminación y al no haber contraste entre ellos se vuelvan
invisibles.
Los cuadros pintados con luz son obras figurativas que adquieren color sin utilización
de pigmentos, sólo empaste de pintura blanca que al recibir la luz de modo rasante
obligan a cada tono a ir al lugar que le corresponde, por ejemplo un cielo azul, un
campo verde, el techo de una casa rojo, etc..
Las esculturas de movimiento virtual son esculturas que siendo en realidad estáticas
cuando el observador se desplaza a su alrededor giran a 360º.
Con respecto a los cuadros de movimiento virtual son pinturas realistas
tridimensionales que al desplazarse el observador tienen movimiento como si se
tratara de una escena filmada.
Por último me referiré a las conclusiones que he llegado después de analizar los
experimentos realizados por Goethe y sus confrontaciones con Newton, en los que por
el momento encontré que si bien las conclusiones de Goethe no fueron las acertadas,
sus experimentos demuestran que la teoría de Newton tampoco lo fue, no sólo por su
interpretación corpuscular como ya se sabe, sino tampoco en lo que se tomó de ellas
para la interpretación ondulatoria de la luz.
ACTIVIDADES MÁS IMPORTANTES DE LOS ÚLTIMOS AÑOS
En 2010 “ARTMONACO 2010”, anuncia la presencia de sus obras en la publicidad
oficial junto a obras de Pablo Picasso, Joan Miró, Andy Warhol, entre otros.
En 2008 “EXPOARTMONTREAL” (CANADA), anuncia la presencia de sus obras
como publicidad exclusiva de la FERIA.
En 2004 viaja a Alemania invitado a realizar una conferencia-exposición en el
“KÜNSTLERHAUS STUTTGART”.
En 2000 expone Esculturas Invisibles en “ARTE BA”.
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58
En 1997 es convocado por ATC para recepcionar con sus obras al Barón Stig Ramel
(Presidente de la FUNDACIÓN NOBEL DE SUECIA).
En l995 el SENADO DE LA NACIÓN ARGENTINA resuelve declarar de interés
cultural el resultado de sus investigaciones sobre invisibilidad y auspiciar la
continuación y profundización de las mismas.
En 1995 expone Esculturas Invisibles en el “BUENOS AIRES DESIGN CENTER”,
Muestra que debido al éxito de público debe prolongarse por 5 meses consecutivos,
transformándose en récord de permanencia en muestras de arte en la Argentina.
En 1994 Realiza un seminario magistral sobre historia del arte junto a Mary Lewis
(curadora del “MUSEO DE ARTE MODERNO DE NEW YORK”), Jack Flam
(crítico de arte del “WALL STREET JOURNAL”) y Janis Tomlimson (profesora de
la “ UNIVERSIDAD DE COLUMBIA”).
En 1991 Auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Nación, realiza un viaje a
Nueva York, Washington, Madrid y París.
Sus esculturas invisibles aparecen publicadas y analizadas en las “ACTAS DEL
SIMPOSIUM OF THE INTERNATIONAL ASSOCIATION POR THE SEMIOTICS
OF SPACE”, BARCELONA, ESPAÑA.
El presidente de la “ASOCIACIÓN INTERNACIONAL DEL COLOR”, José Luis
Caivano (UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES Y CONICET), dicta una
conferencia sobre "Los aspectos semióticos de la obra de Jorge Iglesias" en el
“INTERNATIONAL SUMMER INSTITUTE FOR SEMIOTIC AND
STRUCTURAL STUDIES”, FINLANDIA.
Dicta una conferencia en la FACULTAD DE DISEÑO Y COMUNICACIÓN,
UNIVERSIDAD DE PALERMO, BUENOS AIRES.
Dicta seminarios en el CENTRO DE ARTE Y COMUNICACIÓN (CAYC).
Es Invitado a dar una conferencia sobre sus descubrimientos en el "INSTITUTO DE
INVESTIGACIONES BIOQUÍMICAS LUIS FEDERICO LELOIR", FUNDACIÓN
CAMPOMAR.
Es invitado especialmente a disertar sobre sus trabajos vinculados con el campo físico
de la óptica en el “CENTRO DE INVESTIGACIONES ÓPTICAS DE LA PLATA”
(C.I.O.P.)
Es invitado a disertar sobre sus descubrimientos en el campo perceptual de la visión
en el “Seminario de estimulación temprana y neurología de la percepción” por el
“Centro Lauretta Bender”.
Es invitado a disertar en el "CUARTO CONGRESO ARGENTINO DEL COLOR"
realizado en el "MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES".
Expone en la "BIBLIOTECA NACIONAL".
Realiza un obelisco invisible de 3mts. de altura como escenografía especial para la
obra de Ballet-Teatro "BUENOS AIRES LUZ", interpretada por la bailarina Estela
Erman, el actor Juan Vitali, y el primer bailarín del Ballet- Teatro clásico de Moscú
Alexis Bezborodob.
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ALGUNAS OTRAS EXPOSICIONES EN ARGENTINA:
“GALERIA FEDERICO URZOMARZO”, “SALAS NACIONALES DE
EXPOSICIÓN” (PALAIS DE GLACE), “ SALON NACIONAL” , “MUSEO
METROPOLITANO”, “SALON MANUEL BELGRANO”, “GALERIA EL
MENSAJE”, “GALERIA DE LA RECOLETA”, “ADRIANA INDIK”, “LOS
COLECCIONISTAS”, “RAJADELL GALLERY”, “DEL BUEN AIRE”, “MICHEL
DECOULT GALLERY”, “GALERÍA DANISH”, “GALERÍA CENTOIRA”,
“BANCO CIUDAD DE BUENOS AIRES”, “FERIA DEL LIBRO”, “RECOLETA
PLAZA”, “GALERIAS PACÍFICO”, “GALERÍA VELAZQUEZ” , “FONDO
NACIONAL DE LAS ARTES”, “ARGENTINA TELEVISORA COLOR”, “OPEN
PLAZA”, “ESPACIO ARROYO”, “ARROYO ARTE”, etc.
ALGUNOS COMENTARIOS CRÍTICOS:
“Jorge Iglesias tiene esa rara combinación de inteligencia, irreverencia y modestia que se puede encontrar solamente en aquellos que están avanzados para su tiempo.
Nunca conocí a Newton o a Picasso, pero estoy seguro que para ellos sus pioneras ideas eran
tan simples y necesarias como para otros atrevidas y descabelladas. Lo mismo pasa con Jorge Iglesias, un artista investigador que ha descubierto un proceso para volver invisibles los objetos.
Jorge Iglesias parece estar consciente de que aún si sus experimentos se desarrollaran con otros
propósitos mundanos, el cambio radical que implican afectará el modo en que entendemos el mundo y la manera en que nos expresamos en él, en suma, afectará el mundo del arte.
“El éxito de los experimentos asusta a algunos, porque se los acepta o se queda uno atrás”.
Lo mismo les pasó a los pintores realistas durante la segunda mitad del siglo pasado, ellos no querían aceptar el desafío que presentaba la fotografía y entonces sobrevivieron sólo los
impresionistas.
Estos descubrimientos en el reino de la luz y de la invisibilidad cambiarán - sin lugar a dudas - el modo en que concebimos el espacio y el arte.
Ya sea hablando con Iglesias o contemplando sus objetos innovadores, uno no puede sino darse
cuenta de que estamos siendo testigos del amanecer de una nueva era. Tenemos que dar a sus palabras y a su trabajo la dimensión y proyección históricas que
legítimamente merecen.”
Pablo Baler (crítico de arte)
Buenos Aires Herald
“Cuando se ha hecho un lugar común oír que “la pintura está en crisis” y que sus posibilidades estarían agotadas, nos encontramos con artistas como Jorge Iglesias que desde la
pintura; vale decir, desde sus planteos históricos esenciales, encuentra una manera de
transformarla y enriquecerla. Sus hallazgos permanentes lo sitúan en un lugar de avanzada y de reencuentro de los grandes públicos con el arte”.
Fermín Fèvre (crítico de arte)
“Clarín”
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“Jorge Iglesias, el artista plástico argentino que logró lo que no pudieron Da Vinci ni Dalí. Iglesias no es el primero en buscar la ilusión de tridimensión. Los primeros escritos pertenecen,
cuando no, al genial Leonardo Da Vinci, Salvador Dalí trató de conseguirlo con estereoscopía y
estereografía, pero sólo pudo realizar montajes con los hologramas de Denis Gabor. Hasta ahora todos los sistemas se basaron en el concepto de una imagen para cada ojo que
luego el cerebro procesa como una sola. El camino de Iglesias para descubrir cómo una sola
imagen puede verse tridimensional fue arduo”.
Raquel Roberti (periodista)
Revista “Veintitrés”
“Jorge Iglesias conseguía así lo que hasta entonces lindaba con lo imposible, sin ningún recurso mecánico, un objeto plenamente iluminado se volvía invisible al ojo humano directo”.
Alejandro Rapeti (Periodista)
“La Nación”
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Gustavo APREA PANELISTA
Departamento de Artes Visuales IUNA - Facultad de Ciencias Sociales UBA
Buenos Aires, Argentina
Investigador y docente del Instituto del Desarrollo Humano de la Universidad
Nacional de General Sarmiento donde coordinó la Licenciatura en Cultura y
Lenguajes Artísticos. Docente del Departamento de Artes audiovisuales del IUNA Y
de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos
Aires. Es representante argentino del Observatorio Iberoamericano de la Ficción
Televisiva. Autor de “Cines y Políticas en Argentina. Continuidades y
discontinuidades en 25 años de democracia” y compilador de “Filmar la memoria. Los
documentales audiovisuales y la re- construcción del pasado”, entre numerosos textos
sobre documental y memoria audiovisual, y diversas reflexiones sobre enunciación
cinematográfica y televisiva.
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Eli SIRLIN PANELISTA
Departamento de Artes Dramáticas IUNA – Facultad de Arquitectura, Diseño y
Urbanismo UBA
Buenos Aires, Argentina
Arquitecta, egresada de la Universidad de Buenos Aires, y de la Escuela Nacional de
Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", se ha dedicado en los últimos 20 años al diseño de
iluminación, trabajando tanto en el rubro de iluminación para arquitectura como en
espectáculos (teatro, ópera y danza) y eventos.
Con más de 20 años de trayectoria docente, actualmente es profesora titular de la cátedra
“Diseño de iluminación” en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos
Aires y Coordinadora de la carrera “Diseño de iluminación de espectáculos” en el IUNA
(Instituto Universitario Nacional de Artes), en la que dicta varias materias.
Ha publicado varios artículos sobre Iluminación arquitectural en revistas especializadas
y dos libros sobre iluminación teatral, uno editado por la Universidad de Buenos Aires
(“La iluminación escénica”, Libros de Rojas) y otro por el Instituto Nacional del Teatro
(“La luz en el teatro, manual de iluminación”), con reedición de la Editorial Atuel,
ganador del premio Teatro del Mundo 2005 en el rubro ensayística.
Actualmente miembro de la PLDA (Professional LightingDesignAssociation), ha
participado de numerosos congresos organizados por la ELDA
(EuropeanAssociation of LightingDesigners), LDI (LightingDimensions
International), y la IALD (International Association of LightingDesigners),
asistiendo a diversos workshops en Las Vegas, Miami, San Francisco, y a las
Broadway Lighting Master Classes en Nueva York, para perfeccionamiento de
iluminación tanto en teatro como en arquitectura.
Ha sido invitada a dar conferencias y exponer en mesas redondas en los congresos de
laEILD 2010 (Valparaíso, Chile), IESNA (México, 2008) Luxamérica (Montevideo,
Uruguay 2007), Philips Lighting Experience (Buenos Aires 2006), Mundo da Luz (Porto
Alegre, Brasil, 1999), Expolatina( Miami, USA. 1999), Biel Light and Building,
Universidad de Palermo, Universidad de Buenos Aires en Argentina. Ha dado
seminarios en México, Madrid, y en varias ciudades del interior del país (Rosario, Santa
Fe, Bariloche, Neuquén, Mendoza, Mar del Plata, entre otras).
En arquitectura ha realizado diseños de iluminación en templos, aeropuertos, casas,
shoppings (Abasto, Galerías Pacífico, Alto Rosario, Village Caballito), edificios de
oficinas (Torre Madero Harbour, Edificio Celebra, Banco Ciudad casa Matriz),
torres de vivienda (Torres Renoir, Torres le Parc en Puerto Madero), complejos
vacacionales (Greystone, Villa Brava), hoteles (Hilton Zárate, Iru, Iguazú, Alvear
Palace Hotel), y espacios recreacionales, tales como shows multimedia en Iguazú y
en ruinas de San Ignacio.
Trabaja en Argentina y en el exterior diseñando luces para teatro, ópera y danza.
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En ópera ha realizado diseños de iluminación para el Teatro Colón de Buenos Aires (“El
Conde de Luxemburgo”, “Idomeneo”, Buenos Aires Lírica (“Don Giovanni”,
“L’incoronazionne di Poppea”, “Cenerentola”, “Rodelinda”), en producciones del
interior del país y salas del circuito de ópera experimental (Proba, CETC). También ha
realizado el diseño de iluminación de la ópera “María de Buenos Aires” en
Albuquerque, Estados Unidos de Ameéica
En teatro ha trabajado tanto en el circuito oficial como el off, en obras tales como “El
enemigo del pueblo”, “Guardavidas”, “Psicosis 4,48”, “Harina”, “Ars higiénica”, entre
otras, muchas de ellas premiadas y con giras en Europa, Latinoamérica y Estados
Unidos de América. Entre sus últimos trabajos teatrales podemos citar “El cordeo de
ojos azules”, “Filosofía de vida”, “Todos felices”, “Estado de ira”, “Buena Gente”,
“Rainman”, “Las criadas”, actualmente en cartel en Buenos Aires.
Ha trabajado con varias compañías de danza, entre ellas Nucleodanza y El Escote, con
las ha que realizado giras internacionales en Europa, Asia y América. Desde 1999
realiza diseños de iluminación para coreógrafos nacionales y extranjeros con el Ballet
Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires. También ha realizado puestas
de luces para el Ballet Argentino, dirigido por Julio Bocca y para el Ballet del Teatro
Colón. Ha realizado además diseños de iluminación para varias compañías de danza en
el exterior (Royal Winnipeg Ballet, Cincinnatti Ballet, Singapore Ballet, Ballet de Lyon)
en obras del coreógrafo Mauricio Wainrot.
Ha sido galardonada con varios premios en iluminación de espectáculos: premio
Florencio Sánchez a la mejor escenografía año 2001 y mejor iluminación 2009, Premio
Teatro del Mundo en Iluminación2004 y 2006, Trinidad Guevara años 2006 y 2008,
ACE y María Guerrero año 2010. Recientemente le ha sido otorgado el premio Konex a
la trayectoria de la última década en el rubro iluminación.
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Gumersindo SERRANO GÓMEZ PANELISTA
Es profesor e investigador del Instituto Universitario Nacional del Arte.
Ha ejercido la docencia de grado y posgrado en diversas disciplinas teóricas y
proyectuales: lógica, estadística, programación y diseño multimedial, informática
telemática y procesamiento de datos, producción multimedial, morfología, diseño
gráfico, teoría del diseño, semiótica de la comunicación visual, lenguaje visual,
imagen y metodología de la investigación en las Universidades Nacionales de Buenos
Aires, Lanús y Rosario entre otras.
Durante 20 años desarrolló su actividad profesional el área del diseño, la producción
gráfica, la consultoría tecnológica y la dirección de arte en los ámbitos público y
privado. En los últimos ocho años se ha dedicado a la gestión universitaria, siendo
miembro titular del consejo de la carrera en representación de profesores por dos
periodos, responsable del área de difusión, miembro de diversas comisiones,
codirector de proyectos de investigación y director de programas de extensión y
producción. Actualmente es representante por Profesores en el Consejo superior del
Instituto Universitario Nacional del Arte y Coordinador a cargo de la dirección de
extensión y bienestar estudiantil del Área transdepartamental de Artes multimediales.
En la actividad docente se desempeña en la misma institución como profesor titular de
Proyecto Visual I y III, donde se experimenta e investiga con el uso combinado de
técnicas analógicas y digitales para la generación de imágenes, transitando la
fotografía, el video, la animación y otras modalidades mixtas de producción visual.
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Resúmenes de PONENCIAS / 2012
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EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS MODIFICADOS.
Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y
sus posibilidades.
PONENCIA EN PÓSTER
M. Florencia ACEBEDO, M. Florencia SERRA, Nicolás RENDTORFF
CETMIC Centro de Tecnología de Recursos Minerales y Cerámica. CIC-CONICET
(La Plata). Cátedra de Cerámica Complementaria. Facultad de Bella Artes. UNLP. [email protected]; [email protected]; [email protected]
El color es un elemento de composición fundamental en una obra artística. Por medio
del color podemos representar emociones, sentimientos y dar carácter a una obra.
Puede resaltar la forma, contradecirla, acentuarla, etc. El color de por sí implica una
simbología que dependerá tanto del colectivo social como del bagaje cultural de cada
individuo.
Cuando hablamos del color en la cerámica no solo nos referimos a una paleta de
colores; sino también al proceso físico químico del mismo. En la pintura, ya sea que
utilicemos oleos, acrílicos, acuarelas, etc. observamos mientras pintamos el resultado
final; se pueden generar luces, sombras, o reemplazar un color por otro
instantáneamente. Por otro lado, el esmalte cerámico es una composición de
compuestos inorgánicos, cristalinos o no, en polvo seco que se diluyen en agua para
su aplicación, sea a pincel, pulverizado, sumergido, etc. El resultado final se observa
luego de su transformación en el horno. Recién allí se visualiza el color; y sus
diversas propiedades, la textura, la superficie; mate, brillante, opaca, transparente,
cubriente, etc. Se descubre si su aplicación fue correcta, si no surgió ningún defecto
(grietas, chorreadas, cuarteaduras, etc.) debido a su aplicación o a la preparación del
bizcocho. (El esmalte debe aplicarse preferentemente en una pieza cerámica que
previamente fue horneada a temperaturas de 800 o 900ºC (bizcocho).
Por tanto, el resultado final de un esmalte cerámico deviene de un proceso que
atraviesa los ejes de la composición química, la técnica de aplicación, la atmosfera
(reductora u oxidante) y el tratamiento térmico.
El presente trabajo tiene como objetivo desarrollar una herramienta sencilla de
medición del color en el esmalte cerámico, para descomponerlo de manera cualitativa
y cuantitativamente y luego poder interpolar resultados.
Se estudiaron esmaltes cerámicos comerciales, que fueron modificados con óxidos
colorantes de cobre en distintas proporciones, y se hornearon en un rango de
temperatura de 800 a 1100°C.
El resultado visual fue una amplia paleta de tonos análogos realizados con una misma
base de esmalte; que nos permiten jugar con combinaciones, generando mezclas
propias con distintas cualidades que puedan ser utilizadas como recurso plástico de
una obra artística
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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70
Se elaboró una metodología de estudio sencilla para evaluar el color, descomponerlo,
constatar deducciones visuales de manera cualitativa y cuantitativa; e interpolar
resultados para poder reproducirlo, como así también compararlo con otros. Este
trabajo puede ser útil para la elaboración y estudio de materiales cerámicos, tanto a
nivel artístico, como industrial y semi-industrial.
María Florencia ACEBEDO
Nació en La Plata, en el año 1985. Egresó del Profesorado en Artes Plásticas con Orientación
en Cerámica (2003-2008) Actualmente se presenta cursando la licenciatura de la misma carrera en la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Obtuvo una beca de entrenamiento (2011-a la fecha )
otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC) obtenida por concurso. Se
desempeña como docente en área artística en escuelas de nivel primario y técnica de nivel secundario desde el año 2011 a la fecha .A cargo del taller personal “huma cerámica”(2007 a
la fecha) en el dictado de clases y creación de obra..Realizó producciones seriadas de cerámica
artística para la venta particular y semi-industrial. Participó de muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.
María Florencia SERRA
Lic. y Prof. en Artes Plásticas con Orientación en Cerámica. Ayudante diplomada ad-honorem
en la Cátedra de Taller Complementario Cerámica de la Facultad de Bellas Artes. Obtuve becas de entrenamiento (2010-2011) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica
(CIC) por concurso. Actualmente cursa el Doctorado en Arte Contemporáneo y
Latinoamericano (FBA) con beca de estudio otorgada por el mismo organismo. Desde el año 2009 participa como jurado en los torneos bonaerenses, en las disciplinas de dibujo, objeto
tridimensional, mural, pintura e historieta. Participe en congresos Relacionados al área de
Físico Química, modalidad póster. Realizó muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.
Nicolás RENDTORFF
Técnico Ceramista (Escuela de Cerámica de Berazategui) Lic. En Química y Doctor en Química
(UNLP). Investigador de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Provincia de Buenos
Aires (CIC-PBA) con lugar de Trabajo en el Centro de Tecnología en Recursos Minerales y
Cerámica (CETMIC) M:B: Gonnet Provincia de Buenos Aires. Docente del Departamento de
Química de la Facultad de Ciencias exactas de la UNLP. Dicta cursos y seminarios de Tecnología cerámica en diversas escuelas y seminarios del País. Ha publicado más de cuarenta
contribuciones en congresos y jornadas Nacionales e internacionales del área de química y
ciencias de los materiales cerámicas así como más de 20 artículos en revistas científicas de las mismas disciplinas.
Ceramista Independiente, Obras suyas se encuentran en colecciones privadas del país y del
exterior, Museos estatales nacionales y Extranjeros, Chile, Japón y China. Ha realizado obras cerámicas de gran formato emplazadas en espacios públicos.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS DE ARTE.
FUENTES DE LUZ. PONENCIA ORAL
Gabriel ÁLVAREZ
IUNA – DAVS P. Pueyrredón
alvarez19622hotmail.com
En mi experiencia pictórica y docente, durante más de 20 años, siempre estuvieron
presentes dos elementos esenciales que son: el color y la materia; (aparte de la
forma).
Estos elementos son tanto motivadores e interrogantes en mi producción artística
como también en mis balbuceos teóricos y prácticos.
La materia con su autonomía (forma-color), aporta no sólo un elemento significativo
por sí mismo, sino también una constante lucha por ser incorporada a la obra. Y el
color, considerado materia pigmentaria, su aplicación, incidencia e incorporación,
sólo o con otros materiales, también es un desafío constante tanto en mi labor
artística como docente.
En los últimos años a través de la experiencia docente, me di cuenta que era una
necesidad indagar más sobre el color y su relación con la luz. No alcanzaba sólo con
la lectura teórica y el trabajo en el taller.
Esta investigación originó muchos de los interrogantes, que algunos, van a
desarrollarse en este trabajo.
¿Por qué varia el color en una obra?
¿Acaso el color, aplicado como materia pigmentaria se ve influenciado en su
aplicación, por la incidencia de la luz en la superficie?
¿Cómo la iluminación puede aclarar, oscurecer o envejecer el color?
Si bien la estructura pictórica en cuanto tal, no puede ser descompuesta en partes, pero
en este trabajo, vamos a considerar aisladamente algunos elementos del lenguaje
visual.
Resulta extraño observar el considerable interés mostrado por el color y la
indiferencia hacia la luz que es quién lo revela.
Si entendemos al color como una sensación visual, simplemente como aquello que
vemos, entonces la luz cumple un factor importante en lo que a color se trate.
a) Modifica el tinte, porque se refleja en mayor o menor medida el color de la fuente
de luz.
b) Modifica el valor, porque se refleja mayor o menor cantidad de luz en una
dirección.
c) Modifica la saturación, porque hay mayor o menor difusión de la luz (la difusión
produce “blanqueamiento”, es decir desatura).
Hasta la percepción del espacio, en relación a profundidad varía con la luz:
Es decir, la sensación de profundidad disminuye con la difusión de la luz.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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72
Una superficie brillante parece que tuviera mayor relieve que una superficie mate.
Gracias al avance en investigaciones científicas – tecnológicas y de fabricación, con
relación a fuentes de luces artificiales y naturales, hace posible hoy, disponer de una
iluminación apropiada para observar obras de arte.
Gabriel ÁLVAREZ Ciudad: CABA Mail: [email protected]
Maestro Nacional de Dibujo. Profesor Nacional en Pintura. Licenciado en Bellas Artes, Sección Pintura del Ministerio de Educación y Ciencias de Madrid, España.
Docente Adjunto (Ordinario) Oficio y Técnica de la Pintura (Cátedra Lic. G. Marotta) e
Investigador (cat. IV) del IUNA – DAVS
Premios y Distinciones
2011 2º Premio XXI Salón Nacional de Pintura Museo de Bellas Artes Fernán
Félix de Amador – Municipalidad de Luján - Pcia. Bs. As. Jurado: Luis
Cabada, Salvador Costanzo y Jorge Rivara
2010 1º Premio Adquisición - 1er. Salón Bicentenario de Pintura – Concordia, Entre Ríos - Museo de
Artes Visuales Concordia – Entre Ríos Jurado: E. Iommi, H. Musser y D. Zelaya
1º Premio Adquisición - XLI Salón de Artes Plásticas “Felix de Amador” Pintura Secretarias de
Cultura de la Municipalidad de Vte. López Pcia. Bs. As. Quinta Trabucco. Jurado: S. Costanzo,
M.A. Bengochea y C. Scannapiecco
2º Premio XXV Salón del Tango Ilustrado “Sigfredo Pastor” Pintura Secretarias de Cultura de la
Municipalidad de Vte. López Pcia. Bs. As. Quinta Trabucco
2008 Mención especial del Jurado Bienal Premio Federal Centro Federal de Inversiones - Bs.As.
Argentina Jurado: Daniel Santero, Pedro Roth
2006 Mención del Jurado- Pintura- Lº Salón Municipal M. Belgrano – Museo de artes Plásticas E. Sívori.
Bs. As. Argentina - Jurado: S. Costanzo, M. A. Bengochea, J. Tapia, A. Petrina y J. Racioppi
2000 2° Premio Pintura –VI Bienal de Arte - Salón Universidad de Morón – Morón - Prov. Bs. As.
Argentina - Jurado: M. Santa María, J. Sapollnik, M. Torrallardona
Mención del Jurado - XXXI Salón Anual de Artes Plásticas Félix Amador - Pintura -
Municipalidad de Vte. López- Dirección Gral. de Cultura y Educación- Quinta Trabucco. Pcia. de
Bs. As. Argentina
1993 1ª Mención Pintura - VI Salón Anual Nacional - Fundación Banco Caseros. Pcia. de Bs. As.
Argentina Jurado: M. Dávila, M. Juri, y O. Smoje.
1990 Mención Premio Braque - Pintura - Otorgada por la oficina cultural de la Embajada de Francia en
Argentina. Museo de Arte Moderno. Jurado: M. Briante (Director C. C. Recoleta.), J. Glusberg
(Presidente A.A.C.A), C. Gorriarena (Artista plástico), J. Pietra (Artista plástico), F. Lebenglik
(Crítico de Arte), M. Pacheco (Crítico de Arte), C. Montet (Agregado cultural Embajada de
Francia) y R. Santana (Director del M.A.M.) - Bs. As. Argentina.
Desde 1986 participa en muestras colectivas como la Universidad Católica de Chile, Santiago de
Chile Galería de Arte del Centro Extensión y en distintas Ferias de Artes como ArteBA,
Expotrastienda. Subastas, Concursos y Salones como el III Premio Maimeri Brasil –
Latinoamericano, Premios, Bienales y Eventos del quehacer artístico a nivel Nacional e
Internacional, como Gallery Nights, B´ nai B´rith Argentina y Arte/Polo.
INSTITUCIONES y COLECCIONES PRIVADAS QUE POSEEN OBRAS SUYAS
COLECCIÓN PRIVADA MICHEL TORINO - Cafayate - SALTA, Argentina
COLECCIÓN PRIVADA Empresa LUNCH TICKET - Bs.As., Argentina
COLECCIÓN PRIVADA Dr. M. LOSOVIS - Bs.As.,. Argentina
COLECCIÓN PRIVADA Ing. A. COFONE - Bs.As., Argentina
COLECCIÓN PRIVADA Sra. AMALIA. L. de FORTABAT - Bs.As., Argentina
COLECCIÓN PINACOTECA EMBAJADA DE LA REPÚBLICA DE COREA, - Bs.As., Argentina
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73
EL VÍNCULO ENTRE EL ARTE Y LA INDUSTRIA A TRAVÉS DEL
LENGUAJE CROMÁTICO EN EL ARTE POP PONENCIA ORAL
Paulina BECERRA, Javier CASTILLO CABEZAS, Lucía MAILLO PUENTE y
Matías CASTELLÁ ESPLUGAS
Programa Color, Luz y Semiótica Visual FADU-UBA
[email protected]; [email protected]; [email protected];
Los sistemas de impresión en serie han producido a lo largo de la historia un cambio
considerable en los modos de representación de la imagen, y en especial en el uso del
color. Si bien, estos sistemas fueron desarrollados y evolucionaron a partir de la
necesidad de reproducción masiva de envases, publicaciones editoriales, anuncios
publicitarios, entre otros, también fueron utilizados por las artes plásticas en diversas
circunstancias.
Un ejemplo interesante es el movimiento del Arte Pop, que se caracterizó por el
empleo de imágenes de la cultura popular y la aplicación de técnicas de producción y
reproducción de la imagen tomadas de los medios de comunicación: especialmente el
sistema offset y la serigrafía como recurso para desarrollar sus obras. El objetivo de
esta corriente artística era plantear una crítica al elitismo de las Bellas Artes, y para
ello se valió de aquellos símbolos y herramientas asociados al consumo masivo,
descontextualizándolos al aislarlos y combinarlos con otras para resaltar el aspecto
banal o kitsch de los elementos culturales. Artistas como Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Robert Rauschenberg, exploraron en sus obras estos lenguajes
generando nuevas visualidades y nuevas significaciones para el color, apoyando al
mismo tiempo una mirada irónica de la sociedad de consumo.
Se pretende en este trabajo presentar y analizar las implicancias y consecuencias de la
integración a las prácticas artísticas de aquellos elementos asociados al uso del color
en este movimiento, poniendo especial atención en el hecho de que éstas partieron de
técnicas de reproducción industriales desarrolladas con fines comerciales.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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74
Paulina BECERRA
Diseñadora Industrial. Docente en las carreras de grado de Diseño Industrial (UBA),
Ingeniería Textil (UTN), y el Postítulo en Diseño de Comunicación Visual (UNR).
También dicta cursos y seminarios en el postgrado en Diseño Biomecánico y
Mecatrónica Avanzada (UBA) y la Especialización en Diseño Estratégico e
Innovación (UPB, Colombia). Forma parte de los equipos de investigación del
PROCLUS y el CIDI (UBA), y la Subsecretaría de Transferencia de la UNQ,
participando de diversos proyectos desde el año 2000. Actualmente se encuentra
cursando la Maestría en Ciencia Tecnología y Sociedad de la UNQ.
Javier CASTILLO
Diseñador Industrial. Docente en la carrera de Diseño Industrial (UBA) desde 1999.
Integra el equipo de investigación del PROCLUS, en el que se desempeñó como
becario UBACyT entre 2006 y 2009. Cursó la Especialización en Diseño de
Mobiliario y actualmente se encuentra finalizando la Maestría en Política y Gestión
de la Ciencia y la Tecnología (UBA).
Lucía MAILLO PUENTE
Diseñadora Gráfica y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de Filosofía y
Letras. Docente en la carrera de Diseño Gráfico (UBA) de la asignatura
Comunicación II, Cátedra Ledesma. Como becaria estímulo entre 2008 y 2010,
desarrolló el trabajo: "Saberes, concepciones y valoraciones sobre color en
estudiantes de Diseño Gráfico. Estudio comparativo entre ingresantes y avanzados",
dirigido por Mabel López.
Matías CASTELLÁ ESPLUGAS
Estudiante avanzado de Diseño Gráfico. Docente en la carrera de grado de Diseño
Gráfico (UBA) desde 2007, integrante del equipo de investigación UBACyT que
dirige José Luis Caivano. Trabaja en diseño y producción gráfica de modo
independiente. Socio fundador y co-director del Instituto Cultural y Artístico de Villa
Ballester.
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75
LA GIOCONDA, estudio de color.
PONENCIA ORAL
Omar BURGOS
Grupo Argentino del Color
Para conseguir un hermoso verde, toma ese verde y mézclalo con betún y haz las sombras más oscuras; mezcla entonces, para las más claras, verde y ocre,
y verde y amarillo si aún fueran más luminosas, y sírvete del amarillo puro
para las luces. Toma luego verde y cúrcuma y da por doquier una veladura. Para obtener un rojo bello, usa cinabrio, sanguina o un ocre quemado en las
sombras más oscuras; sanguina y minio en las más claras y solo minio en las
luces; da entonces una veladura de hermosa laca.
Así escribe Leonardo da Vinci una receta de mezclas de colores, presente hoy en el
folio 262ª del Códice Atlántico de la Biblioteca Ambrosiana de Milán y presente
también en el capítulo Los materiales del pintor, del Tratado de la Pintura de
Leonardo, en la versión compilada por J. P. Richter en 1939.
Este estudio presenta un análisis de color de La Gioconda tanto desde el punto de
vista de la composición y armonía de sus elementos plásticos, como desde la
definición material de los pigmentos utilizados por Leonardo en la obra.
Si bien el pintor no dejó constancia escrita de los pigmentos utilizados en La
Gioconda, los avances tecnológicos alcanzados en los últimos años con los análisis
por fluorescencia de rayos X y espectrofotometría Raman han logrado establecer la
base material de la mayoría de los pigmentos utilizados por Leonardo tanto en las
carnaciones, como en el paisaje y en el vestido.
Tomando como referencia estos estudios desarrollados en los últimos años por el
Centro de Investigación y Restauración de Museos de Francia, surge entonces como
objetivo del presente trabajo, la posibilidad de comparación de los mismos con
aquellos colores citados por Leonardo en sus escritos, así como también con los
colores citados por Cennino Cennini en el “Libro del arte”, en el cual establece la
nominación y naturaleza de la mayoría de los colores que eran de uso común en los
talleres del renacimiento y en el momento en que Leonardo pintaba el último retrato
salido de su mano.
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76
Omar Ernesto BURGOS
[email protected], [email protected]
Artista plástico.
Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley W. Hayter.
Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. –
Presidente Grupo Argentino del Color.
Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del
Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.
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77
NUEVAS INVESTIGACIONES EN OYOLA, PROVINCIA DE
CATAMARCA.
VARIACIONES EN LOS PIGMENTOS BLANCOS DE LAS
PINTURAS RUPESTRES PREHISPÁNICAS. PONENCIA ORAL
Omar BURGOS1, Marcos QUESADA2,3, Lucas GHECO2,3, Oscar DECHIARA4 y
Carlos BAROT3
1Grupo Argentino del Color, 2CONICET, 3Escuela de Arqueología, UNCa, 4Fotógrafo
Profesional.
En la Sierra de Ancasti, al Este de la Provincia de Catamarca, se encuentran una serie
de cuevas, bloques rocosos y aleros con pictografías y petroglifos de culturas
precolombinas que han legado a la actualidad una profusa iconografía. Desde hace
varias décadas, diferentes grupos científicos se han encargado de su estudio.
Dentro del marco del proyecto de investigación “Jaguares, guerreros y serpientes.
Historia y estética del arte pre-hispánico de Ancasti - El Alto”, el presente trabajo
propone el relevamiento de las variaciones y transformaciones presentes en los
pigmentos tomados de diversas muestras de color blanco de distintos aleros y cuevas
con pinturas rupestres de la localidad de Oyola. Entre ellos hemos reconocido pinturas
de tonos blanco, blanco amarillento, blanco rosáceo, blanco parduzco, blanco
verduzco, blanco grisáceo. El objetivo de este trabajo es determinar las causantes de
las variaciones tonales en los motivos blancos y reconocer los efectos de la acción del
medio ambiente sobre los pigmentos para posibilitar la conservación de estas
manifestaciones pictóricas de los pobladores originarios del actual oriente
catamarqueño.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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78
Omar Ernesto BURGOS
[email protected], [email protected]
Artista plástico. Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley
W. Hayter. Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. - Presidente
Grupo Argentino del Color. Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para
Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.
Lucas Ignacio GHECO
Licenciado en Arqueología de la Universidad Nacional de Catamarca. Integra
proyectos de investigación arqueológica en la Provincia de Catamarca. Desarrolla
sus trabajos de investigación sobre el arte rupestre de la Sierra de El Alto-Ancasti.
Ha participado en jornadas y congresos científicos sobre arte rupestre. Integrante del
Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de
las Artes 2009-2010-2012.
Oscar DECHIARA
www.oscardechiara.com.ar
Fue docente, Vicepresidente y Presidente del Foto Club Santa Fé.
Graduado en la escuela Leandro N. Alem, realizó trabajos como fotógrafo deportivo
free lance para revistas especializadas y diarios de esa ciudad, hasta 1982. En 1990
instala su propio estudio fotográfico. En 1995 ingresa al Foto Club Santa Fe,
realizando a partir de entonces y hasta hoy muestras individuales y colectivas en
distintos Centros Culturales y Museos. Obtiene premios nacionales e internacionales
por sus trabajos y ha dictado cursos en talleres de fotografía básica y laboratorio
blanco y negro de Institutos como Foto Club Santa Fe, Unidad Penitenciaria Nº 1 y
Nº 2, en Coronda y Santa Fe respectivamente.
Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del
Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.
Marcos Nicolás QUESADA. [email protected]
Es Licenciado en Arqueología (UNCa) y Doctor en Ciencias Naturales (UNLP).
Actualmente se desempeña como Profesor Adjunto en la cátedra de Arqueología
Argentina Regional en la Escuela de Arqueología de la Universidad Nacional de
Catamarca e Investigador del CONICET. Se interesa en el estudio de los procesos
históricos de formación de los paisajes campesinos durante los últimos dos milenios,
especialmente en los aspectos productivos y rituales. En relación a ese tema ha
publicado numerosos trabajos en libros, revistas y congresos nacionales y
extranjeros. Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos
Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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79
ACERCA DE LAS IMÁGENES INFORMÁTICO-VISUALES
COLOREADAS EN LAS EXPRESIONES MULTIMEDIALES PONENCIA ORAL
Leonard ECHAGUE
Instituto de la Espacialidad Humana. FADU – UBA.
La ponencia propuesta apunta a considerar críticamente la construcción de las
expresiones multimediales con producción informático-visual, en tanto modalidades
de construcción de imágenes visuales coloreadas.
Haciendo notar que son de carácter digital, significando ello en este contexto que cada
elemento constructivo de estas imágenes es un pequeño segmento lumínico coloreado,
ubicado dentro de una malla o cuadrícula planar extendida dentro del monitor o
pantalla informático-visual, y denominado pixel.
Entre los antecedentes artísticos más antiguos de esta modalidad expresiva se
encuentran los mosaicos romanos y bizantinos, y más recientemente, el puntillismo
pictórico del S. XIX. En el trabajo se exponen brevemente estos antecedentes que dan
un contexto razonado a lo propuesto.
Ahora, tomando en cuenta lo anterior es de interés considerar al problema de la
calidad de la imagen en el campo de las artes multimediales y que en el trabajo
presentado refiere tanto a:
1- la representación digital de obras de arte plasmadas por medios pictóricos y
en tanto esas representaciones posean mayor o menor fidelidad respecto de sus
referentes en la realidad tangible, atinando ello tanto a - la resolución pixelar de las
imágenes-, como a la -profundidad de color- esto último quiere decir con cuántos
colores diferentes puede iluminarse cada pixel.
2- la creación digital de imágenes que establece un campo de producción virtual
de espacios y de objetos, siendo estos construidos tomando en cuenta la mencionada
conformación pixelar de las imágenes digitales.
Tomás Maldonado ha sido un autor que refirió al tema de la calidad de las imágenes
informáticas en su obra "Lo real y lo virtual" y se toma a este texto como una de la
principales referencias.
En el primer punto (1-) se discute críticamente la calidad de las imágenes como
fidelidad significativa de las representaciones respecto de las obras originales
tomando en cuenta los mencionados valores de resolución y profundidad de color, en
casos determinados como el del puntillismo y el del impresionismo.
En el segundo punto (2-) se discute el tema de las imágenes de síntesis digital
correspondientes tanto a imágenes de expresión plana ( por ejemplo en el pixel-art
entre otros), como a imágenes de vistas de espacios tridimensionales virtuales
construidas por medio de algoritmos que se basan en la trama pixelar para producir
impresiones de profundidad, asignándose a los pixeles de la pantalla colores
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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80
correspondientes a partes de los objetos virtuales incididas por los rayos de
proyección de la perspectiva utilizada.
Leonard ECHAGUE
-Licenciado en Psicología - UBA
-Doctor en Diseño Gráfico- FADU - UBA –
Directores de Tesis: Tomás Maldonado y Gastón Breyer
-Profesor Adjunto en Cátedra de Matemática II – FADU/UBA -1996 a 2005
-Profesor Adjunto en Cátedra de Morfología – FADU/UBA -1997 a 1999
-Profesor Adjunto en Instituto de la Espacialidad Humana – FADU/UBA -2004 a
2012
-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Arquit. Contemp. – FADU/UBA -2009 a
2012
-Investigador Categoría II en el Programa de Incentivos del MCE.
-Integrante de Proyecto UBA-CYT A009 - 2008-2010 - Nuevos aportes a los
estudios interdisciplinarios sobre color en relación a la arquitectura y los diseños: el
color en prácticas del habitar , dirigido por José Luis Caivano
-Integrante de Proyecto UBA-CYT 100283 - 2011-2014 - El color y la luz en los
espacios urbanos, los diseños y el contexto de prácticas sociales y semióticas
humanas, dirigido por José Luis Caivano
-Director de Proyecto UBA-CYT AA26 - 2000.
-Director de Proyecto UBA-CYT A614 - 2003.
-Director de Proyecto UBA-CYT A006 - 2004 a 2008.
-Director de Proyecto UBA-CYT 200694 - 2010 a 2012.
PRODUCCIÓN PRESENTADA DE INVESTIGACIÓN –
32 Publicaciones con referato e ISBN/ISSN.
17 Presentaciones en reuniones científicas sin publicar.
PRODUCCIÓN PRESENTADA DE DOCENCIA –
6 Publicaciones con referato.
2 Publicaciones sin referato.
2 Presentaciones a congresos y otros eventos.
4 producciones de material didáctico sistematizado.
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81
SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN EL CINE
PONENCIA ORAL
Anahí GARCÍA
El color tiene una inmensa afinidad con las emociones, los Egipcios usaban el color
con fines curativos. Los Griegos de la Antigüedad hicieron del color una ciencia. El
color es una ciencia pero también una filosofía profunda, ambos aspectos deben de ir
de la mano. Isaac Newton fue otro pionero del color y trabajó mucho tiempo antes de
descubrir que mirando a través de un prisma, podían verse siete colores. "El lenguaje de los colores" significa que éstos no sólo se supeditan a representar la
realidad en imagen, sino que también pueden hablar. En la ponencia trataremos de establecer que cada color es un signo que posee su
propio significado, y es un importante componente dentro de la puesta en escena; a
través de ellos podemos conocer más en profundidad la historia, personalidad y futuro
de los personajes, muchas veces los decorados, el vestuario y utilería contienen una
gama de colores que luego varía según el desarrollo de la narración. (...)
El color nos ofrece un enorme vocabulario de gran utilidad en el alfabeto visual.
Ciertos colores tienen un valor simbólico. (...)
Analizando la película Moulin Rouge de Baz Luhrmann, trataremos de establecer la
manera en que tanto directores, escenógrafos y vestuaristas, utilizan las posibilidades
simbólicas del color, para otorgarle a los actores en su caracterización, una
codificación propia al rol, las características psicológicas y demás componentes del
personaje. Se tomaran escenas claves de la película para ejemplificar lo enunciado
anteriormente.
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82
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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83
COLOR Y CESÍA, ENTRE PRESENCIA Y APARIENCIA EN EL
CONTEXTO DE LA ENSEÑANZA DEL ARTE. PONENCIA ORAL
María Paula GIGLIO
Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, CIPADI, Secretaría de
Investigaciones. Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad
Nacional de Mar del Plata.
Para comprender la relevancia de la formación de la apariencia del color y la cesía, se
propone explorar la relación entre presencia y apariencia, a través de ejemplos de arte
y diseño, y de experiencias didácticas en contexto de la enseñanza del arte.
Tanto el color como la cesía, son fenómenos psicofísicos que involucran la
distribución espectral de la luz (color) y la distribución espacial de la luz (cesía). En
ambos intervienen tres elementos: objeto, luz y observador.
En esta presentación, se pretende potenciar la articulación de esos tres elementos y el
carácter mixto del fenómeno (físico y psicológico), en las distintas formas de hacer
artístico; a su vez, distinguir entre lo cualitativo y lo cuantitativo, entre lo dimensional
y lo extensional, en la relación presencia - apariencia.
Se profundizará en el análisis del tema desde distintas perspectivas, como la
fenomenología y la semiótica, teniendo como objetivo: favorecer el desarrollo de las
posibilidades expresivas y comunicacionales de la articulación del color y la cesía en
la práctica proyectual del arte.
Este avance de estudio se presenta en el marco del proyecto de investigación
“Apariencia de la luz, el color y la cesía en el contexto de las prácticas proyectuales
en arte, diseño y medio ambiente construido”, Grupo de Estudios sobre Acciones
Proyectuales (FAUD/UNMDP).
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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84
María Paula GIGLIO
Mar del Plata
Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, CIPADI, Secretaría de
Investigaciones. Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad
Nacional de Mar del Plata.
Currículum abreviado
- Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes
Visuales), y Profesora de Artes Visuales (especialidad Pintura).
- Alumna de la Maestría en Educación Artística en la Facultad de Humanidades y
Artes de la Universidad Nacional de Rosario.
- Docente, investigadora y artista plástica
- Profesora Adjunta en la carrera de Diseño Industrial de la Facultad de
Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata.
- Co- Directora del Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, GEAP-
FAUD/UNMDP
- Directora del Grupo de Extensión desde el Arte, GEA-FAUD/UNMDP
- Integrante de Comités Científicos y Comités Organizadores en eventos vinculados
con el color y la forma.
- Ha participado en eventos académicos.
- Ha presentado ponencias sobre color y cesía en los Congresos Argencolor 2006 y
2008, en las Jornadas Nacionales del Color 2005, 2007 y 2011 en Mar del Plata, en
la Jornada Nacional del Color en las Artes 2009 y 2011, y en el Congreso Interino de
la Asociación Internacional del Color 2010
- Desde el 2008 integra la Comisión Directiva del GAC y en la actualidad ejerce la
Secretaría del GAC.
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85
NOTAS PARA UNA HISTORIA DEL COLOR EN EL CINE. PONENCIA ORAL
Enrique Alberto OYHANDY
Universidad Nacional de La Plata.
La falta de color en 1933 constituye uno de los argumentos que señala Arnheim para
distanciar el cine de la realidad y postular el estatuto artístico de este medio.
Desde la ausencia de color en ese momento inicial, pasando por el entintado manual
de fotogramas hasta las técnicas actuales, el color constituye un elemento relevante en
la historia del cine, que más allá de la dimensión visual -usos, combinación y
exclusiones que devienen en estilo- pone en juego cuestiones tales como la impresión
de realidad.
En el presente trabajo nos proponemos analizar la relación que se establece entre el
cine y el color atendiendo a las distintas funciones y significaciones que asume este
último en las imágenes en movimiento.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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86
Enrique Alberto OYHANDY
La Plata, Buenos Aires, [email protected]
Enrique Oyhandy es Licenciado en Investigación y Planificación Audiovisual
diplomado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Es
Profesor Titular de la cátedra de Géneros y Estilos Audiovisuales de la Carrera de
Artes Audiovisuales en la misma casa de estudios. Sus trabajos audiovisuales han
participado en diversos festivales. En el 2005 obtiene una beca en el Concurso de
Investigación y Producción organizado por la Facultad de Bellas Artes Universidad
Nacional La Plata. En el 2007 es seleccionado en el Tercer Encuentro Internacional
de Producción Artística en Formato Digital. En el 2008 fue seleccionado para
participar del Talent Campus Buenos Aires 2008, organizado por el Festival de
Berlín - Berlinale Talent Campus y el Buenos Aires Festival Internacional de Cine
Independiente (BAFICI).
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87
ESCALAS DE CHEQUEO DE COLOR PARA USO DIDÁCTICO Y
ARTÍSTICO. PONENCIA ORAL
Ana María PAUS y María Beatriz WAGNER.
Facultad de Bellas Artes de la UNLP
[email protected], [email protected]
Se relata la producción por medios digitales de material didáctico para la enseñanza
artística del color, en esta oportunidad, escalas de valor e intensidad, en tanto
referentes visuales en el aula taller de plástica. Cuando son realizadas por los
alumnos, queda sustituida la construcción tradicional en modo manual, por la del
ordenador, sumando elementos para las comparaciones acerca de cómo se arman y
resultan los colores del monitor, de impresión y pigmentarios.
La obtención del color por medios digitales requiere del uso de un sistema que
asegure que el color deseado, se visualice tanto en el monitor como en la impresión.
Para ello existen herramientas de medición del color y protocolos de calibración de
los dispositivos de entrada y salida, que permiten la reproducción fiel del color que se
intenta obtener. Como son de muy alto costo, y por lo tanto de difícil acceso para un
estudiante, es que este trabajo se centró en la búsqueda de un sistema accesible, con
herramientas y materiales de fácil disponibilidad y también que aseguren un cierto
grado de fidelidad del color impreso por impresoras de uso cotidiano. Este plan de
trabajo permite a cualquier docente y estudiante, obtener un patrón de referencia de
color de manera rápida y sencilla por el cual explorar el abanico de posibilidades de
mezclas del color.
Estas escalas para exploración y chequeo de color, tienen un valor orientativo para
selección y mezcla de colores pigmentarios, ya que se ha de tener presente que tanto
las visualizadas en el monitor como las impresas resultan diferentes a las realizadas
con pinturas. En el mismo proceso de armado de las escalas y luego con su uso en el
taller, los alumnos pueden ir descubriendo los fundamentos distintivos del manejo y
resultados del color luz y del color pigmento, de las mezclas aditivas y sustractivas,
observando y analizando los distanciamientos y aproximaciones de la expresión de
los distintos medios en los marcos conceptuales de la teoría del color.
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88
Ana María PAUS
Diseñadora en Comunicación Visual.
Ayudante Diplomada de la Cátedra Taller de Diseño en Comunicación Visual
1ª.Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.
Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Integrante de la investigación
Teoría del color y práctica pictórica. Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.
María Beatriz WAGNER
Licenciada y Profesora Superior de Pintura.
Profesora Titular de la Cátedra Dibujo Complementario 1 Turno Noche y del
Seminario El color en las artes visuales, Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.-
Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Directora de la investigación
Teoría del color y práctica pictórica. Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.
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89
LOS CAMBIOS EXPERIMENTADOS EN EL TRANSPORTE
URBANO DE PASAJEROS DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES EN
RELACIÓN CON EL COLOR. PONENCIA ORAL
Elvia ROSOLIA
FADU, UBA
La ponencia se refiere a los cambios, que han sufrido las líneas de transporte urbano
de pasajeros de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en su exterioridad. Se abordan
sus aspectos visibles en cuanto al color, y la presencia de elementos ornamentales,
artísticos típicos de los vehículos de pasajeros y de carga, como el “fileteado,” que
fueron perdiendo su visibilidad a lo largo del tiempo. La temática es abordada desde
una perspectiva semiótica, en la cual los signos circulan en el marco de una cultura
A partir de la década del 90, en la Ciudad de Buenos Aires, comienzan a producirse
transformaciones en la fachada de los colectivos, como producto de la globalización,
al suscitarse una marcada concentración de empresas del rubro; pocos grupos
empresarios se adueñaron de la mayoría de las líneas de colectivos. Esta política de
concentración provocó cambios que repercutieron no solo en el nivel empresarial,
sino también en el objeto. Se sostiene la hipótesis de que el cambio considerable en el
exterior de los colectivos obedece a una transformación que va del aspecto indicial
que vinculaba su tonalidad con el recorrido, determinado tono correspondía a una
línea que tenía un itinerario establecido, de modo tal que el usuario podía reconocer la
línea por el número y el color, a la cuestión indicial por la cual el color dejó de ser
índice del recorrido para convertirse en índice del grupo empresario al cual pertenece:
varias líneas presentan colores idénticos. Se sostiene que el diseño del “objeto” fue
avanzando en cuanto a para hacerlo más amigable con los usuarios, en relación
inversa con el de la fachada.
Se hará un estudio diacrónico de casos de líneas de colectivos que circulan por la
Ciudad, relevante para demostrar la hipótesis.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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90
Elvia ROSOLIA
Elvia Rosolia, es Profesora de Letras, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras,
UBA,; actualmente se desempeña como JTP regular en las Cátedra de Comunicación,
Ledesma, Carrera de Diseño Gráfico, e interina en Semiología, Cátedra Arnoux,
CBC, UBA. Es investigadora categorizada, integra en dos proyectos de investigación
UBAcyt.; ha participado en congresos nacionales e internacionales.
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91
ARMONÍA TÉRMICA ABSOLUTA DEL COLOR PONENCIA ORAL
Manuel RUBÍN
Rubín Atelier
Se realiza un análisis comparativo de las sensaciones térmicas percibidas en los
colores pigmentarios. Se construye un círculo cromático donde cada componente de
las tríadas primaria y secundaria tiene tres versiones térmicas: armónica, cálida y fría.
Los colores utilizan material accesible del mercado, salvo cuatro casos que se
obtienen de la mezcla de los anteriores. Abajo se presentan los dieciocho colores del
círculo cromático descripto, ordenados por la secuencia horaria.
Amarillos: (1) Amarillo Dorado (cálido), (2) Amarillo de Cadmio (armónico) y (3)
Amarillo de Cadmio Claro (frío). Verdes: (4) Verde Cromo (cálido), (5) Verde de
Cadmio (armónico) y (6) Verde de Ftalocianina (frío). Azules: (7) Azul de
Ftalocianina (frío), (8) Azul Cobalto (armónico) y (9) Azul Ultramar (cálido).
Violetas: (10) Violeta Frío (frío), mezcla de azul de ftalocianina y magenta, (11)
Violeta de Dioxazina (armónico) y (12) Violeta Cálido (cálido), mezcla de azul
ultramar con carmín. Rojos: (13) Carmín (frío), (14) Magenta de Quinacridona
(armónico) y (15) Rojo de Cadmio (cálido). Naranjas: (16) Naranja Cálido (cálido),
mezcla de rojo de cadmio con amarillo dorado, (17) Naranja Permanente (armónico) y
(18) Naranja Frío (frío), mezcla de magenta de quinacridona con amarillo de cadmio
claro.
Los colores armónicos del amarillo y violeta definen un eje vertical que separa al
hemisferio cálido (izquierda) del frío (derecha). El eje horizontal atraviesa la zona
rojo naranja, de máxima calidez, y la zona verde azul, de máximo frío. En esta
organización de colores se observó que el Amarillo de Cadmio y el Violeta de
Dioxazina modifican su sensación térmica cuando se los compara con los colores
restantes del círculo. Se enfrían cuando se superponen a los colores cálidos: Amarillo
Dorado, Violeta Cálido, los naranjas y los rojos, es decir, son más fríos en relación
con su temperatura cuando están aislados. Encalidecen cuando se superponen a los
colores fríos: Amarillo de Cadmio Claro, Violeta Frío, los azules y los verdes, es
decir, son más cálidos respecto a su percepción cuando están aislados.
Como resultado se observa que el Amarillo de Cadmio y el Violeta de Dioxazina
representan al cero térmico absoluto del color y constituyen una referencia sensorial
para todos los colores existentes. Este estudio aporta una definición significativa para
las futuras líneas de investigación del color, ya que permite el diseño de distintas
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
92
métricas para la temperatura absoluta de los colores, donde los cálidos tendrían
valores positivos y los fríos valores negativos.
Manuel RUBÍN
Rubín Atelier
Currículum abreviado
Profesor y Licenciado en Artes Plásticas, Orientación Pintura, Facultad de
Bellas Artes, UNLP, Argentina. Recibió la distinción “Joaquín V. González”,
otorgada por la Municipalidad de La Plata a los mejores promedios de los egresados
de la Universidad Nacional de La Plata, y su tesis fue declarada “de interés cultural”
por la misma entidad.
Investigador de la temperatura del color pigmento en las artes visuales.
Autor de la Teoría de la Oposición Cromática.
Docente y codirector de trabajos finales en la Licenciatura de Artes
Plásticas, Orientación Pintura, Facultad de Bellas Artes, UNLP, y en la Licenciatura
en Artes Visuales, Orientación en Dibujo, del Instituto Universitario Nacional del
Arte (IUNA). Dicta clases en su taller particular Rubín Atelier, de la ciudad de La
Plata. Autor del Ciclo de Orientación Estética.
Jurado y curador de numerosos concursos y muestras individuales y
colectivas en la Argentina.
Expuso en más de 160 muestras individuales y colectivas, en Argentina,
España, Italia e Israel. Obtuvo premios en Argentina y España. Su obra forma parte
del patrimonio del MACLA (Museo de Arte Contemporáneo Latino Americano).
Artista de las galerías Isabel Anchorena, Holz, Aldo de Souza y Centoira.
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93
EL COLOR EN LA EVOLUCIÓN TÉRMICA DE UNA PASTA
CERÁMICA NATURAL. PONENCIA EN PÓSTER
M. Florencia SERRA; M. Florencia ACEBEDO; Nicolás RENDTORFF.
CETMIC Centro de Tecnología de recursos Minerales y Cerámica.
Cátedra taller complementario de cerámica FBA- UNLP. [email protected]; humacerá[email protected]; [email protected]
La cerámica es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre. Desde su
manejo fue usado con fines utilitarios, tanto para cultos como para la fabricación de
vasijas, haciendo referencia a su lugar de origen, puesto que cada pasta cerámica varía
su composición de acuerdo a la geografía, influyendo directamente en su color,
aspecto del cual se aprovecha el campo artístico contemporáneo; puesto que la
elección del proceso cerámico puede definir el carácter en si de una obra; utilizándose
como medio o vehículo expresivo. Los colores que se obtiene de la relación entre las
pastas, y su temperatura son propios de la disciplina cerámica.
El horneado es indispensable para concretar el proceso cerámico, pues ocasiona el
cambio estructural del material crudo, débil a otro rígido e inalterable; con
determinadas propiedades texturales, mecánicas y de color. El análisis de la
sinterización, nos brindará información acerca de los cambios químicos y físicos que
sufre una arcilla por la influencia del calor.
El presente trabajo tiene como principal objetivo desarrollar una herramienta
pertinente al estudio del color en función de la temperatura en una pasta cerámica
aplicable en el medio artístico como recurso plástico, dotando de sentido procesual al
color en una obra cerámica.
Se estudió el color de una pasta local con alto contenido de hierro, de las orillas del
río de la plata (la balandra) en función de su temperatura, la cual fue extraída
manualmente y sin algún proceso previo.
Se analizaron las propiedades texturales, mecánicas y estructurales en un rango de
temperatura de 800 a 1150ºC. determinándose el proceso de sinterización de la pasta,
correlacionándolo posteriormente con el color
La evolución del color en función de la temperatura jerarquiza el proceso de cocción
en la construcción de sentido. Esta metodología nos permite obtener diversas
tonalidades análogas a una pasta con diferentes temperaturas. Permitiendo tomar al
color como parámetro que permita manifestar los cambios sufridos en su interior, es
decir la materialización de un proceso, valiéndolo no solo como medio de decoración
y/o expresión, sino además como testigo y huella de sus cambios, revalorando así, la
importancia del concepto procesual en la obra de arte.
Se logro conformar una metodología de estudio del color de manera sencilla que
sirvió para constatar resultados visuales que nos permiten reproducirlos y compararlos
con otros.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
94
Cabe destacar el nuevo valor que toma el color en un material cerámico
comportándose como testigo de un proceso físico-químico ubicando la medición del
color como un parámetro de control del proceso cerámico y testimonio explicito luego
de haber realizado este trabajo.
María Florencia SERRA
Lic. y Prof. en Artes Plásticas con Orientacion en Cerámica. Ayudante diplomada ad-honorem
en laCátedra de Taller Complementario Cerámica de la Facultad de Bellas Artes Obtuve becas
de entrenamiento (2010-2011) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC)
por concurso. Actualmente cursa el Doctorado en Arte Contemporáneo y Latinoamericano (FBA) con beca de estudio otorgada por el mismo organismo. Desde el año 2009 participa como
jurado en los torneos bonaerenses, en las disciplinas de dibujo, objeto tridimensional, mural,
pintura e historieta. Participe en congresos Relacionados al area de Físico Química, modalidad poster. Realizó muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.
María Florencia ACEBEDO
Nació en La Plata, en el año 1985. Egresó del Profesorado en Artes Plásticas con Orientación en Cerámica (2003-2008) Actualmente se presenta cursando la licenciatura de la misma carrera
en la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Obtuvo una beca de entrenamiento (2011-a la fecha ) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC) obtenida por concurso. Se
desempeña como docente en área artística en escuelas de nivel primario y técnica de nivel
secundario desde el año 2011 a la fecha .A cargo del taller personal “huma cerámica” (2007 a la fecha) en el dictado de clases y creación de obra. Realizó producciones seriadas de cerámica
artística para la venta particular y semi-industrial. Participó de muestras individuales y
colectivas en la ciudad de La Plata.
Nicolás RENDTORFF
Técnico Ceramista (Escuela de Cerámica de Berazategui) Lic. En Química y Doctor en Química
(UNLP). Investigador de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Provincia de Buenos Aires (CIC-PBA) con lugar de Trabajo en el Centro de Tecnología en Recursos Minerales y
Cerámica (CETMIC) M:B: Gonnet Provincia de Buenos Aires. Docente del Departamento de
Química de la Facultad de Ciencias exactas de la UNLP. Dicta cursos y seminarios de Tecnología cerámica en diversas escuelas y seminarios del País. Ha publicado más de cuarenta
contribuciones en congresos y jornadas Nacionales e internacionales del área de química y
ciencias de los materiales cerámicas así como más de 20 artículos en revistas científicas de las mismas disciplinas.
Ceramista Independiente, Obras suyas se encuentran en colecciones privadas del país y del
exterior, Museos estatales nacionales y Extranjeros, Chile, Japón y China. Ha realizado obras cerámicas de gran formato emplazadas en espacios públicos.
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95
IRIS SCACCHERI Y EL COLOR
PONENCIA ORAL
Alejandra VIGNOLO
UBA – IUNA
En el nexo frágil que une las relaciones entre la danza y el color se encuentra el
análisis del vestuario y la escenografía como elementos, que por lo general, están
presentes en la obra de danza. El color es un extranjero en la danza que no forma parte
de los conceptos principales de análisis de este arte como lo son el cuerpo, el espacio,
el tiempo, el movimiento y la forma. El objetivo central de esta ponencia es exponer
el modo en que la bailarina Iris Scaccheri cuestiona los lugares legitimados y
consagrados del arte de la danza, desde el momento en que el color aparece ocupando
un lugar fundamental en la caracterización y naturaleza de la misma. En el transcurso
del trabajo nos proponemos desarrollar el rasgo distintivo del color que aparece en
tres niveles diferentes. El primero impreso en la figura corporal de Iris, su cabellera
rojiza y las añadiduras de color que en algunas ocasiones le imprimía a su vestimenta
escénica. El segundo en la visión que de la bailarina tiene la fotógrafa Sara Facio,
quien en su serie fotográfica Las Hechiceras, colorea tres de sus fotos blanco y negro
como una forma de plasmar el indicio de una vocación de instantaneidad, movimiento
y vida. En este aspecto será interesante analizar la coincidencia de los colores, verde,
rojo y amarillo que aparece en la elección de Facio y en el texto fundacional de
Scaccheri Oye Humanidad. Y, por último, el tercer nivel donde aparece el color del
que se sigue su concepción de la danza. Una de las frase centrales de Scaccheri que
analizaremos en profundidad es: “La danza tiene no sólo forma, la danza tiene color”
Para ello tomaremos los aportes de Arnheim que plantean que la preeminencia del
color remite a un “otro” arte romántico. Creemos que llevar esta discusión al territorio
de la danza y en el caso específico de Scaccheri, es sumamente justificable, ya que la
misma, siguiendo la genealogía de una danza de individuo (Isadora, Nijinsky,
Pavlova) plantea una matriz de pensamiento diferente al del intelectualista del ballet.
En función de los resultados, esperamos que los aportes del presente estudio se abran
en el sentido de una posible y necesaria hospitalidad entre danza y color, y que
puedan ser leídos desde una doble direccionalidad, como un aporte a los estudios
sobre el color, así como un aparte a de los estudios sobre danza.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
96
Alejandra VIGNOLO
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Docente de materias diversas en Teoría e Historia de la danza en Instituciones tales
como UBA, IUNA y el Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Profesora de
filosofía (Universidad Nacional de Córdoba), egresada del Taller de Danza
Contemporánea del TGSM y bailarina del Ballet Juvenil en el mismo Teatro durante
1997. Actualmente se encuentra realizando el Doctorado en Letras en la Facultad de
Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
97
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
98
Los resúmenes que siguen a continuación, fueron publicados
anteriormente en el siguiente libro en papel:
Jornada Nacional del Color en las Artes 2011 : cuadernos de resúmenes /
edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de Omar
Burgos. - 1a ed. - Mar del Plata: Universidad Nacional de Mar del Plata,
2011.
52 p. ; 21x18 cm.
ISBN 978-987-544-394-5
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
99
PROGRAMA / 2011 JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2011
Viernes 17 de junio 2011.
Microcine FADU – UBA. Ciudad Universitaria. Pab. 3 Piso 4º
APERTURA
09:00 hs
BURGOS, Omar. Presidente Grupo Argentino del Color
Presentación GAC. Breve reseña AIC 2010. Futuros eventos, jornadas y
congresos.
MESA 1 09:30 hs
09:30 hs MAINERO, Norma. “Color y vibraciones
electromagnéticas de octavas”.
09:55 hs CABRERA SÁNCHEZ, Sara. “Color en el video arte de
Bill Viola”
10:20 hs SERRA, Marianella. “Color como forma en el desarrollo
evolutivo”
10:45 hs MANGANIELLO, Cristina. “El color en la pintura,
tratamientos, efectos y estilos”
INTERVALO
MESA 2
11:00 hs
11:00 hs NISS, María del Carmen “El problema del color en las
escuelas de artes.”
11:25 hs BARRIOS, Silvia. “Serigrafía en las artes del fuego”
Monocromo-Fotocromo.
11:50 hs BARRIOS, Silvia. - KYONG WOO, Im “Esmaltes
orientales de ceniza.”
12: 15 hs TOMBA, Brian. Artemio Alisio:”El color en sus trabajos
artísticos de cerámica”.
ALMUERZO
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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100
SESIÓN DE POSTERS 14:00 hs
ANTONIOLI, Gloria. “El color en la mirada del artista E. Arrigoni.”
BRAVO, María E. “Los colores pueden ser complementarios si entre ellos
vibran”
DE LEÓN, Marcela. “Aprendizaje del color y sus funciones en el aula.”
MADERO, Eliana – MAILLO PUENTE, Lucía. “Un primer acercamiento
a la problemática del color.”
MESA 3
14:30 hs
14:30 hs COX, María Paz. “El color en textiles pre- colombinos
del norte de Chile”
14:55 hs OBERLANDER, Gabriela. “El color luz en el diseño de
tejidos”
15:20 hs GIGLIO, María Paula “Cesía en el graffiti. Líneas de
estudio”
15:45 hs BURGOS, Omar ; DECHIARA, Oscar; GHECO, Lucas;
YBARRA, Gabriel; POLISZUK, Andrea; QUESADA,
Marcos. “Jaguares, guerreros y serpientes. Pinturas
rupestres del Alto Ancasti. Prov. de Catamarca”
INTERVALO
MESA 4
16:00 hs
16:00 hs GRAMÓN, Rubén. “Elección de colores.”
16:25 hs WAGNER, María. “Identificación de niveles y oposición
de valor”
16:50 hs JOFRÉ, Varinnia. “Semiótica y retórica del color y la
cesía de seres fantásticos en el arte”
17:15 hs ESTEVEZ, Silvia. “Azul – lejos”
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
101
Resúmenes de PONENCIAS / 2011
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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102
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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103
El COLOR EN LA MIRADA DEL ARTISTA ENRIQUE ARRIGONI.
De la iconicidad a la exaltación.
Gloria L. ANTONIOLI
Universidad Nacional de La Plata.
(Póster)
Enrique Arrigoni, pintor argentino de larga trayectoria, ha transitado el color desde
sus comienzos, vinculándolo al hombre cotidiano, su entorno y su época.
La exaltación del color es el medio insustituible para subrayar en la obra su idea
constructiva del trabajo, nuestra tierra latinoamericana y sus habitantes.
Luego de un período de colores tierras, su paleta, siempre preferentemente cálida
se hace más atrevida y vibrante saturándose más allá de la realidad de sus paisajes.
En el trabajo presentado se aprecia la variación progresiva de los colores y
armonías utilizadas por el pintor desde sus comienzos hasta la actualidad.
Los colores responden a un ideal profundo, vinculado a la alegría inmanente de la
vida. La cromaticidad se expande tanto como su mirada, que abarca de norte a sur, no
sólo a la Argentina sino que incorpora la vitalidad del Perú, Venezuela, Bolivia, etc.
Si nos detenemos en este aspecto, podemos observar los siguientes estadios:
1. La paleta se ciñe a la observación del paisaje. El color acentúa su carácter
icónico.
2. La paleta se abre sutilmente como necesidad compositiva, más allá de lo
que ofrece la realidad.
3. Incremento de la saturación. El color acentúa su aspecto connotativo.
4. Expansión cromática. Dominante de cálidos.
5. El color saturado se extiende a casi todo el campo plástico.
6. Exaltación del color. Contraste de complementarios.
7. El color adquiere un fuerte poder de atracción y protagonismo.
Podemos concluir, que el color en Arrigoni, transita desde los neutros hacia los
altamente saturados, acompañando una necesidad de expresión.
Este camino no puede comprenderse solamente desde el punto de vista sintáctico:
Su paleta intensa, fuertemente atractiva, es además, un medio para enaltecer la virtud
del hombre y la belleza de los paisajes. Sus colores incorporan la esperanza y
sostienen lo positivo más allá de la “narración” de las formas.
Dentro del arte contemporáneo, descubrir las raíces y señales de todo un pueblo se
hace fácil en los paisajes y escenas que habitan la obra de Enrique Arrigoni. Una
lectura atenta de esta obra y en forma particular su color, nos aporta una mayor
claridad acerca de nosotros mismos, en relación a otras culturas y nos aproxima
fuertemente a los países vecinos.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
104
Gloria L. ANTONIOLI
Universidad Nacional de La Plata
Dirección: 54- 1027. La Plata, 1900
Profesora Superior y Licenciada en Pintura, UNLP. Realizó cursos de Filosofía,
Historia del Arte, Estética y Escultura. Es docente desde 1980 en la Fac. Bellas Artes
de La Plata.
Miembro del Grupo Argentino del Color. Investigadora del Color y la Textura en las
artes.
Expone sus obras hace más de 20 años, en salones Nacionales, Provinciales,
Municipales y Galerías privadas del país así como en el Uruguay; Italia; España y
Francia recibiendo premios y menciones en 7 oportunidades. Becada por la
Asociación Saint Henri de Toulouse, Francia, es integrante de un Encuentro
Internacional de Artistas en dicho país. En el año 1996 comienzan sus exposiciones
individuales.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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105
SERIGRAFÍA EN LAS ARTES DEL FUEGO, COLOR Y TÉCNICAS
APLICADAS.
FOTOCROMO Y MONOCROMO EN UN TRABAJO ARTÍSTICO.
TÉCNICA TRADICIONAL.
Silvia BARRIOS
Grupo Argentino del Color.
(Oral)
La serigrafía es un proceso de estampación conocido desde las antiguas culturas
orientales, su invención como técnica de grabado es de principios del siglo XX y la
utilización masiva se produce en la década de los años sesenta. Son los artistas más
representativos del arte Pop americano, quienes reivindican el procedimiento en un
trabajo artístico, con firma de autor ya sea con producción limitada e ilimitada.
Hoy día este método de grabado muy utilizado en la grafica, permite a través de
la tecnología digital la intervención de una imagen, que a partir de tratamientos de
fotomontaje y/o collage digital en forma virtual, se pasa a un trabajo artístico real y
de diseño original.
La técnica de Fotocromo es un método que requiere de la vectorización de la
imagen en los colores básicos de la grafica: Negro, Cyan, amarillo y magenta. De esa
forma se elaboran las matrices impresas en fotomecánica, resultando cuatro, una para
cada color base de la cuatricromía.
La técnica de Monocromo es la sectorización de tonalidades en una misma
matriz.
Si ambas técnicas de serigrafía se las requiere llevar a la tridimencion, se procede
a sectorizar la imagen de acuerdo a las dimensiones y forma del soporte requerido.
El proceso de seriación con tintas vitrificables en soportes de tercer fuego se
consigue con el grabado de sedas adecuadas, a la abertura que requiera la técnica
seleccionada.
A las pantallas, se le bloquea con una emulsión fotosensible que reacciona a la
luz, las áreas donde no habrá imagen, endureciendo y sellando la emulsión y
quedando libre la zona donde pasará el pigmento.
La seriación se consigue por el método de filtración de tintas vitrificables, las
cuales son tratadas en impresión directa sobre superficies lisas, esmaltadas o en forma
indirecta sobre papel, para luego transferir la imagen al soporte.
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106
ESMALTES CERÁMICOS, COLOR Y COMPORTAMIENTO.
ESMALTES ORIENTALES DE CENIZA – ALTA TEMPERATURA.
Silvia BARRIOS y Im KYONG WOO.
Grupo Argentino del Color.
(Oral)
El siguiente trabajo se basa en pruebas experimentales, tomando como referencia el
estudio de los esmaltes utilizados en la exquisita cerámica oriental de épocas
milenarias. En el mismo, se aborda la importancia de estos vidriados en la antigua
China, Corea y Japón, y su íntima relación con la cultura zen. Como a si mismo la
correspondencia de “La Ceremonia del Te” en la producción de cerámicas donde se
utilizaban los esmaltes tratados en este estudio, como el Denmoku, Shino, Irabo,
chulsa, Goold Mn, K10, Huangsedo, Oribe, Mostaza, Bizen y Bekcal.
Los temas enmarcados como referencia de estos exquisitos vidriados de alta
temperatura son:
- La variación de color y/o tonalidad aplicada sobre soportes en monococción
y bicocción, elaborados con cuatro fórmulas de pastas diferentes en gres.
- Tratamiento de superficie en una pieza realizada en modelado o bien
torneada para el posterior esmaltado.
- El comportamiento de los materiales formadores en estos vidriados al estilo
oriental.
- Proceso y utilización de las cenizas, fundente natural descubierto en épocas
milenarias de la antigua China.
- Temperatura para controlar la opacidad y brillo de dichos esmaltes.
- Atmósfera de cocción como modificadora del color y contraste a partir de
ciertos óxidos colorantes utilizados.
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107
Silvia BARRIOS
Estudia en Argentina: * Historia del Arte en Bellas Artes M.N.B.A. *Las Artes del Fuego y
Hist. Contemporánea I y II con Alicia Romero en el IUNA. *Producción y Circulación de Obras
de Arte con el Prof. Juan Carlos Romero, IUNA. Se forma con maestros destacados de la plástica Argentina, Jorge González Perrín, Ernesto Pesce, Vilma villaverde y Leo Tavela
Estudia en el Exterior: Italia: *Historia del Arte Renacentista Italiana en el Instituto
Michelangello en la ciudad de Florencia. – Dibujo, Pintura, Escultura y modelado en la Academia de Florencia. Italia. Residencia en el exterior: 2010º Cuba: Camaguey, Puerto
Príncipe, “Cerámica artística” 2007 – China: Becada en Sambao Art Institute, Jingdezhen.
Participa en Jornadas y congresos en el país y en el exterior. Participante de Simposios
Internacionales y nacionales de Cerámica. Dicta Seminarios-taller, teórico-práctico en
Argentina y en el exterior. Exposiciones individuales y colectivas en numerosos museos y casas
de culturas del país y del exterior. Dicta conferencias en el País y en el exterior. Declaración de Interés Cultural por sus trabajos artísticos e investigativos: 2011 * Otorga la Secretaria
de Cultura y el Honorable Concejo Deliberante de la Municipalidad de Concepción del
Uruguay, declaración de interés cultural y Municipal el Seminario de Serigrafía aplicado a la cerámica y el vidrio, y a la instalación de un Taller-Laboratorio de Serigrafía. Resolución 2637
2010 * Poder Ejecutivo Provincial de Buenos Aires Otorga de interés cultural provincial a las
investigaciones: “Bicentenario: Culturas Originarias; Cerámica y Artesanías del NOA – Tucumán: Valles Calchaquíes; Amaicha del Valle; Museo Pachamama y Ruinas de los Quilmes”
y sus “Estudios sobre la cerámica y el color en las culturas originarias del NOA”. Investigaciones
y publicaciones en Argentina y en el exterior: 2011: Universidad de Arquitectura de Buenos Airtes FADU_UBA. Investigación: Esmaltes cerámicos de ceniza, color y comportamiento.
(Trabajo compartido con el licenciado Im Kyong woo) 2011 FADU_UBA. Investigación
“Fotocromo y Monocromo en un trabajo artístico” (trabajo individual) 2010 * Universidad del Salvador, Congreso Nacional de ALADAA, Estudios Orientales. Investigación: “Transmisión
cultural de la Cerámica Oriental a la Cerámica Precolombina y su incidencia en el desarrollo de las Culturas Originarias del NOA” (Trabajo individual) 2010 * AIC, GAC y la Universidad
de Arte y diseño de Mar del Plata. Investigación: “El color y las técnicas en la vajilla primitiva
del Noa” (trabajo induvidual), 2010 *Bicentenario: Culturas Originarias; Cerámica y Artesanías del NOA – Tucumán: Valles Calchaquíes; Amaicha del Valle, Museo Pachamama y
Ruinas de los Quilmes. PARTE II. (Trabajo individual) *2009 FADU-UBA, Bs. As.
“Simbología del Color en la Cerámica China: El Ejército de los 7000 Guerreros de Terracota del Emperador Qin” (trabajo individual) * 2008 Universidad Nacional de Arquitectura, diseño y
urbanismo, provincia de Santa Fé “Algunas consideraciones del Color en una Muestra
Itinerante” (trabajo compartido con Omar Burgos y Maria Eugenia Bravo). El historial de sus
trabajos artísticos e investigaciones se encuentra en los archivos de: Argentina: * Museo
Nacional de Bellas Artes. Biblioteca MNBA; Asociación Técnica Argentina de Cerámica.
(ATAC), Senado de la Provincia de Buenos Aires; Consejo Provincial de las Artes Plásticas de Cuba y UNEAC, de Cuba.
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108
Im KYONG WOO
Nació en Seúl, Corea, en 1948.
En 1971 obtiene el título de Licenciado en arte Cerámico en la Universidad de bellas
artes de Hong Ik, Seúl, Corea.
Residencia en Japón desde 1972 a 1977 con el maestro Fukuca
En 1977 emigra a Argentina, abriendo su taller donde trabaja cerámica oriental
tradicional. Trabaja en Brasil hasta el año 1989.
En 1980 construye un horno Nobrigama y horno raku en la ciudad de Mogida
Cruces, San Pablo, Brasil.
Desde 1889 reside de forma permanente en la Argentina. Forma parte de la S.A.P.P.
(sociedad de artistas plásticos) y en 2011 es Presidente Asociación Artistas Coreano.
Trabaja en su taller, desarrollando su obra personal.
Actividad docente
2007. Dicta un curso de construcción de horno a leña Noborigama en el Instituto de
cerámica de Avellaneda y trabaja en la actividad cerámica de manera privada.
2009 y 2010 Profesor del taller de Alfarería extraprogramático en e Instituto
Municipal de cerámica de Avellaneda.
Otras actividades.
2010 jurado del XVIII Salón Municipal de Cerámica de Avellaneda
Participación en el Primer Encuentro Internacional del Colectivo Cerámica
de Uruguay
Curador en el centro cultural Coreano Latinoamericano
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109
LOS COLORES PUEDEN SER COMPLEMENTARIOS SI ENTRE
ELLOS VIBRAN
María Eugenia BRAVO
Grupo Argentino del Color.
(Póster)
¿Por qué pensar que solo hay tres maneras de ver los colores complementarios?
Todos sabemos que las parejas de complementarios se forman con un color primario y
otro secundario, donde tendremos un equilibrio de luminosidad, un equilibrio de
claro- oscuro y otro equilibrio de frio- cálido. Éstas son las ideas que todos
conocemos a través de las diferentes teorías del color.
Pero por qué no pensar que si un par de colores, ya sean uno primario y uno
secundario o algún análogo que no sean los complementarios convencionales vibran,
no pueden ser complementarios.
Para poder lograr esa vibración, no solo necesitamos de dos colores, que no van a
ser necesariamente uno primario y otro secundario, sino que necesitamos de la forma
y la combinación de ésta con el fondo, para poder lograr con formas simples una idea
de ambigüedad entre las figuras y el fondo. A esto hay que sumarle la percepción que
cada persona pueda tener sobre el color, ya que no todos vemos y percibimos los
colores de la misma manera.
Ésta idea de una nueva combinación de complementarios se muestra en diferentes
obras, donde se ve la vibración que se genera. Ésta vibración se ve al trabajar con
diferentes técnicas, y también al sacar fotos de las obras, la toma de ésta genera mayor
vibración y un tercer color de contorno de las formas.
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110
María Eugenia BRAVO
Tel: (011) 15-3209-8177
Estudios
2006 Licenciada en Artes Visuales, especialización Pintura, IUNA.
2006 Profesora universitaria de Arte, orientación Artes Visuales. IUNA.
2003 Especialista en Gestión y Administración Cultural, IUNA.
1992-1986 Profesora Nacional de Dibujo y Pintura. Escuela Nacional Superior de
Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón". ENBAPP
Exposiciones
Desde el año 1998 viene realizando exposiciones colectivas e individuales en
diferentes salas, museos y sedes de exposiciones de arte.
Experiencia profesional
- Coordinación de Salidas Culturales con extranjeros para practicar el Idioma
Español. Centro Alpha
- Organización de las Sig. Jornadas: *Iº, *IIº, *IIIº y *IVº Jornadas ALPHA de
Español para Extranjeros, y Iº Jornadas Internacionales Alpha de Español para
extranjeros.
- Organización para la presentación de ALPHA como representante Argentino de
español en el ENBRAPE (Encuentro Brasilero de Profesores de Español)-(Belo
Horizonte, Brasil).
- Organización de Exposiciones Artísticas en “Café de las Artes”, Buenos Aires,
Argentina)
- Cuadro para una tarjeta navideña a beneficio de la Fundación Carasucias
convocada por el portal. www.artevisualargentino.com.ar
-Realización de la Aldea de Pascua para el vivero Alparamis, Olivos, Pcia. de Buenos
Aires.
Docencia
Entre los años 1997 y la actualidad en instituciones públicas y privadas en los tres
niveles de educación, primario, secundario y universitario. Coordinación de talleres
particulares.
Integrante del Grupo Argentino del Color
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y anteriores : Cuaderno de resúmenes
111
JAGUARES, GUERREROS Y SERPIENTES.
Pinturas rupestres del Alto Ancasti. Catamarca
Omar BURGOS1, Oscar DECHIARA2, Lucas GHECO3, Gabriel YBARRA4, Andrea
POLISZUK5 y Marcos QUESADA6 1 Grupo argentino del Color, 2 Fotografía, 3 Escuela de Arqueología, Universidad
Nacional de Catamarca, 4 Instituto Nacional de Tecnología Industrial, 5 Instituto
Nacional de Tecnología Industrial, y 6 CONICET-Escuela de Arqueología,
Universidad Nacional de Catamarca.
(Oral)
En la sierras del Alto Ancasti, provincia de Catamarca ubicada en la región noroeste
de la Argentina, se encuentran una serie de cuevas, bloques rocosos y aleros con
pictografías y petroglifos, manifestaciones de culturas precolombinas que han legado
a la actualidad una profusa iconografía, que ha sido estudiada recién en las últimas
décadas.
El proyecto abarcó un total de 27 cuevas, aleros y rocas pintadas y grabadas en las
localidades de La candelaria; Oyola; Campo de las Piedras y Puesto la mesada.
Realizados en su gran mayoría con pigmento blanco, el vasto universo de
imágenes encontrado en los distintos sitios muestra figuras humanas, escenas de caza,
figuras zoomorfas, antropo-zoomorfas, figuras geométricas, guardas, líneas y puntos.
La investigación, realizada a partir de una propuesta interdisciplinaria, fue llevada
a cabo en su primera etapa determinando por GPS la ubicación geográfica de los
diferentes sitios, debido al poco conocido y difícil acceso a los mismos, a través del
monte espinoso de la sierra de El Alto Ancasti. En una segunda etapa se realizó,
mediante un trabajo de campo, el relevamiento fotográfico y los análisis
arqueológicos y plásticos in situ y en una tercera etapa se hicieron los análisis
químicos correspondientes, para determinar pigmentos y aglutinantes presentes en las
pinturas y la producción plástica inspirada en las obras estudiadas.
Este trabajo presenta los primeros resultados obtenidos en las cuatro disciplinas:
fotografía, plástica, arqueología y química.
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112
Omar Ernesto BURGOS
- Artista plástico.
- Presidente Grupo Argentino del Color. GAC. www.fadu.uba.ar/sicyt/color/gac.htm
- Comité Organizador AIC 2010 Interim meeting. “Color and food”, NH Gran Hotel
Provincial. Mar Del Plata. Prov. de Bs. As. www.aic2010.org
- Integrante Grupo Ancasti. Pinturas rupestres del Alto Ancasti. Catamarca. Proyecto
Fondo Nacional de las Artes. 2010
Oscar DECHIARA
Fue docente, Vicepresidente y Presidente del Foto Club Santa Fé.
Graduado en la escuela Leandro N. Alem, realizó trabajos como fotógrafo deportivo
free lance para revistas especializadas y diarios de esa ciudad, hasta 1982. En 1990
instala su propio estudio fotográfico. En 1995 ingresa al Foto Club Santa Fe,
realizando a partir de entonces y hasta hoy muestras individuales y colectivas en
distintos Centros Culturales y Museos. Obtiene premios nacionales e internacionales
por sus trabajos y ha dictado cursos en talleres de fotografía básica y laboratorio
blanco y negro de Institutos como Foto Club Santa Fe, Unidad Penitenciaria Nº 1 y
Nº 2, en Coronda y Santa Fe respectivamente.
Lucas Ignacio GHECO
Estudiante avanzado de la Licenciatura en Arqueología de la Universidad Nacional
de Catamarca. Integra proyectos de investigación arqueológica en la Provincia de
Catamarca. Desarrolla sus trabajos de investigación sobre el arte rupestre de la
Sierra de El Alto-Ancasti en el marco de su tesis de licenciatura. Ha participado en
jornadas y congresos científicos sobre arte rupestre. Integrante del Grupo Ancasti en
el marco de Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-
2010.
Gabriel YBARRA
Graduado de Doctor en Ciencias Químicas en la Facultad de Ciencias Exactas y
Naturales de la Universidad de Buenos Aires. Lleva a cabo tareas de investigación y
desarrollo sobre química y ciencia de los materiales en el Instituto Nacional de
Tecnología Industrial. Ha colaborado en el análisis químico de materiales en
diversos proyectos de conservación y restauro de patrimonio cultural.
Andrea POLISZUK Licenciada en Ciencias Químicas por la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de
la Universidad de Buenos Aires. Desarrolla tareas de asistencia a la industria en el
área de recubrimientos orgánicos en el Laboratorio de Pinturas del Instituto
Nacional de Tecnología Industrial. Ha formado parte de equipos en proyectos de
conservación y restauro de patrimonio cultural, tales como los llevados a cabo en el
Teatro Colón y la Casa Rosada.
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113
EL USO DEL COLOR EN EL VIDEO ARTE DE BILL VIOLA
Sara CABRERA SÁNCHEZ
Universidad de Granada. España.
(Oral)
Bill Viola es un video artista caracterizado por la realización de video instalaciones en
las que usa la retórica hacia lo onírico, los ciclos vitales, y las emociones humanas son
su temática central.
Viola tiene un gran interés por el arte en periodos anteriores, y por lo espiritual de
éste en la pintura. La forma que tiene para articular el color en su obra, resulta
enormemente sugerente a la hora de evocar las emociones. El formato de vídeo que
utiliza es capaz de general imágenes hiperrealistas, usando colores nítidos y
contrastados. La gama cromática que nos encontramos es de gran expresividad, y nos
hace remitir directamente a la historia de la pintura religiosa de los flamencos e
italianos del siglo XV y XVI.
De manera sutil, el uso del color de esta manera lo que hace es profundizar sobre
la propia expresión de la emoción, se apoya en colores limpios, transparentes, puros,
que se adecúan perfectamente a lo que quiere contarnos con el gesto.
Se convierte Viola en un especialista en guiar los ojos del espectador por medio
de los contrastes y la resaltación de los colores según la emoción y el mensaje.
Su obra se trata de vídeos a color, pero que transmiten una relación de cercanía y
realismo alejados del video-arte corriente. Crea atmósferas envolventes que hacen que
el espectador se embriague. Es la profundidad, sutileza y complejidad del contenido
de las obras de Viola, esa búsqueda de la espiritualidad, de lo que nos es más cercano,
el autoconocimiento a través de las emociones, que ha estado presente en toda la
historia del arte.
Se mantiene la espiritualidad de los cuadros renacentistas, pero las vestimentas
contemporáneas y el movimiento en la expresión de las emociones contribuyen a la
cercanía y empatía con el espectador. El color de estas vestimentas se le da al
espectador de una manera muy cotidiana, la propia saturación y pureza de los colores,
hacen que la expresión también se convierta en más pura y de manera saturada.
Es de gran interés el análisis de su obra ya que vigila cada detalle de sus piezas.
Hace un uso del video arte muy pictórico en el que difumina los límites entre la
tradición pictórica e intelectual, e incita a una reflexión sobre ellos.
Nos encontramos pues, un artista que diverge y converge en conceptos ya
aprendidos, que se apropia de ellos y los elabora para que se aprehendan.
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114
Sara CABRERA SÁNCHEZ
Universidad de Granada. España.
Sara Cabrera Sánchez, artista plástica de nacionalidad española, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada.
Ha realizado intercambios en universidades de Grecia, Pais Vasco, y actualmente se encuentra
en Argentina continuando con sus estudios de Doctorado en Arte. En su trayectoria artística encontramos exposiciones en Grecia, Francia y España. Ha
participado en la Bienal de Arte Efímero Spora, en el Festival Bopart, y ha recibido premios de video arte y escultura urbana. Ha realizado estancias en becas para artistas, y ha desarrollado
proyectos con varios colectivos artísticos.
Su obra personal se basa en la vinculación de las relaciones interpersonales y lo cotidiano, en el medio urbano. Articula video, audio, pintura, e intervenciones y acciones.
FORMACIÓN Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Granada. Intercambio Universidad del Pais Vasco.2008/09
Intercambio Universidad de Thessaloniki. Grecia. 2006/07
Máster en Profesorado. Especialidad Dibujo, Imagen y Artes Plásticas.2009/10 Doctorado Lenguajes y Poéticas del Arte Contemporáneo. 2010/...
TRAYECTORIA ARTÍSTICA Exposición colectiva Alraso. Granada. Mayo 2010
II Bienal de Arte Efímero Spora Granada. Diciembre 2009.
Festival de Arte Urbano Bopart. Barcelona. Diciembre 2009. Exposición colectiva Pixeladas. Percepciones desde la locura. Granada. Diciembre 2009.
Exposición colectiva. Alraso. Valle de Lecrín. Julio 2009.
Beca de verano para estudiantes de arte Alraso 09. Valle de Lecrín. Julio 2009. Premio de Video-creación Eitb Kultura. Pais Vasco. Junio 2009.
Exposición colectiva. Solido/likido. Leioa. Bizcaia. Junio 2009.
Colaboración Festival Umore Azoka. Leioa. Bizcaia. Mayo 2009. Exposición colectiva. Solido/likido. Donibane Garazi. Francia. Mayo 2009.
Colaboración II Certamen Arte Hormonado. Bilbao. Mayo 2009.
Concurso de Proyectos escultóricos Artifice. Loja. Granada. Marzo 2009. Exposición colectiva. Artificios Inquietantes. Fuentevaqueros. Granada. Mayo 2008.
Exposición colectiva. Contempla. Sala Al Temple. Escúzar. Granada. Marzo 2008.
Exposición colectiva. Yperohi. Universidad de Thessaloniki. Grecia. Junio 2007. Performance. Festival de Arte Universitario. Thessaloniki. Grecia. Junio 2007.
Exposición colectiva. Estudio Fernando Alea. San Pedro Alcántara. Junio 2004.
Miembro de colectivo artístico AdeiO. Granada
Miembro de colectivo artístico ahojo. Bilbao.
Miembro del colectivo artístico numero8. Granada.
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EL COLOR EN LOS TEXTILES DE LAS CULTURAS ANDINAS
PRECOLOMBINAS DEL NORTE DE CHILE
María de la Paz COX I.
Escuela de Diseño/ Pontificia Universidad Católica de Chile
(Oral)
El trabajo corresponde a una investigación en curso desarrollada por las diseñadoras
pertenecientes a la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile e
investigadoras del Museo Chileno de Arte Precolombino: María Soledad Hoces de la
Guardia Chellew, Paulina Brugnoli Bailoni, Paulina Jelvez Herrera y María de la Paz
Cox Irarrázaval . Cuenta con financiamiento del Consejo Nacional de Ciencia y
Tecnología CONICYT, perteneciente al Gobierno de Chile.
En el mundo andino los textiles han sido los máximos exponentes de la capacidad
de comunicar contenidos culturales a través de formas estructuradas en colores. Los
textiles se pueden describir como color texturado, que organiza configuraciones
visuales significativas, apelando a nuestra percepción por sensaciones visuales y
táctiles.
Como base del trabajo se revisó un universo de 190 piezas textiles del norte de
Chile pertenecientes a la colección del Museo Chileno de Arte Precolombino
disponibles, para realizar una selección de 50 piezas que reflejen la variedad
cromática y modalidades de uso más representativas, considerando cubrir la variedad
tipológica y a la vez poder identificar el repertorio cromático de cada período y
culturas.
Se trabaja en la detección de los códigos cromáticos que identifican a los textiles
precolombinos andinos para el rescate de la memoria visual, comunicación eficiente y
utilización en diferentes espacios culturales contemporáneos mediante tecnologías,
procesos y sistemas adecuados.
Disponer de su registro de tonos, matices y modos de uso posibilitaría actualizar
su memoria visual, dando a conocer los logros tecnológicos de los tintoreros (as) y la
elocuencia del lenguaje táctil visual de los tejedores (as) andinos precolombinos para
su recreación y aplicación contemporánea.
Este proyecto va tras el rescate del repertorio de colores y códigos cromáticos que
identifican a estos textiles atendiendo a las nuevas tecnologías, procesos y sistemas
que actualmente se involucran en el manejo y comunicación del color. Esto implica el
traspaso de los colores a otros sistemas codificados de color existentes que permitan
su adecuada difusión en el espacio contemporáneo y su uso transversal por distintos
tipos de usuarios.
Luego se desarrolló un sistema de homologación que permita el traspaso del
repertorio cromático obtenido a través de mediciones espectrofotométricas y
reproducción con tintes artificiales a otros soportes, lo que implica realizar pruebas de
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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116
laboratorio con distintos iluminantes que permitan igualar y testear las muestras de
color provenientes de distintos sistemas, para generar una nueva organización y
clasificación del repertorio de colores.
Para el momento de la realización de la jornada se prevé exhibir resultados
preliminares de la investigación, que ya se encontrará al término del primer año de los
dos propuestos por la investigación.
María de la Paz COX I.
E-mail: [email protected]. /Estudios del Color/ Escuela de Diseño/ Pontificia Universidad
Católica de Chile/ El Comendador 1916/ Providencia/ Santiago/ Chile / teléfono (56-
2-3545665)/
teléfono celular (56-0-93330309).
Diseñadora por la Pontificia Universidad Católica de Chile, Magíster en
Humanidades por la Universidad Adolfo Ibañez. Académica de la Escuela de Diseño
de la Pontificia Universidad Católica de Chile, creadora de “Estudios del Color”
desde donde desarrolla docencia, investigación y difusión de temáticas relativas al
color y a su aplicación. Miembro de la directiva de la Asociación Santiago del Color
que forma parte de la Asociación Chilena del Color.
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117
TRABAJO EXPERIMENTAL “APRENDIZAJE DEL COLOR Y SUS
FUNCIONES EN EL AULA”.
Marcela Silvia DE LEÓN
Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata.
E-mail: [email protected]
(Póster)
El aprendizaje del color dentro del espacio áulico al color mediante la aplicación de
una experiencia llevada a cabo por alumnos de 1º de las materia Visión I, de la
Facultad de Arquitectura Universidad Católica de La Plata (U.C.A.L.P.) , en base a
Experiencias del color de Itten. Los alumnos analizan e investigan e interpretan el
comportamiento del color y su aplicación en una composición a través de un proceso
teórico y práctico.
Comportamiento del color como elemento visual de importancia en un mensaje
visual en base a las experiencias de Johannes Itten:
• Relevamiento y selección de muestras de colores: seleccionar variables de color,
tratando de generar una amplia gama de cada uno.
• Relatividad del color: recortar formas rectangulares pequeñas y ubicarlas sobre
fondos de diferentes tonalidades.
• Mezcla de colores: qué color daría como resultado la mezcla.
• Síntesis cromática aparente: seleccionar una imagen color y, por medio de la
observación, tratar de resumir la síntesis de color que presenta dicha imagen los
cuales serán identificados como la ¨gama¨ de colores representada.
Relevamiento: de piezas de color en revistas
Selección: discriminación del material;
Análisis: observación de dicho material;
Reflexión: conceptualizaciones;
Conclusión: evaluación final, confrontación y confirmación de lo
analizado.
Desarrollo de un trabajo personal a con técnica mixta (tipo
collage), teniendo en cuenta los conceptos del color.
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118
Marcela Silvia DE LEÓN
Diseñador en Comunicación Visual. UNLP. 12/12/1992.
Carrera Docente Universitaria. 30/8/2002. Consejo Superior Bellas Artes
Resolución Nº 219/02. UNLP.
Especialización en Informática Educativa. Instituto IDEI 1/8/1996 a 1/2/1998.
Resolución N º 6303/95.
Ayudante de Lenguaje Visual I-III. Fac. Bellas Artes. UNLP. Cargo actual
1994 Co-Participación “COLOREANDO”. ARGENCOLOR 1994
1996 “Estudio Comparativo de las Teorías de los Colores". ARGENCOLOR 1996
1998 “ANALISIS DE LA PRODUCCIÓN DEL DISEÑADOR DAVID CARSON A
PARTIR DE DOS TEORÍAS DEL COLOR". ARGENCOLOR 1998.
2003 Semiosis de relación color/ forma/ significado a través de las preferencias
visuales de la población de la ciudad de La Plata. DE LEON y otros. VII Congreso
de la Asociación Internacional de Semiótica Visual AISV. México
http://www.ccm.itesm.mx/dhcs/dcomunicacion/cprogramaj.html
2003 Semiosis de relación color/ forma/ significado a través de las preferencias
visuales de la población de la ciudad de La Plata, Argentina. DE LEON y otros.
2006 “Observaciones Diagnósticas en imágenes impresas en color visualizadas en
diarios, revistas y libros publicados entre los años 1882-1950 pertenecientes al
Museo y Archivo Dardo Rocha de la ciudad de La Plata.
2006 “Semiosis de relación color-forma-significado a través de las preferencias
visuales de la población de La Plata” I Jornada Internacional de Color. Marcela DE
LEON y otros. Córdoba.
Sitios Argencolor 2004 y 2006.
http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/argencolor04.htm y
http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/06/argencolor06.htm
Desarrollo - Diseño WEB Suprema Corte Provincia de Buenos Aires
http://www.scba.gov.ar http://www.scba.gov.ar/sitio/contacto/grupodesarrollo.asp
Juguetes para chicos Pequeños Sueños. Título otorgado Nº 1.999.416, disposición
M-1236/04, Disposición IMPI 72/97. Resoluciones Nº I-052/99.
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AZUL-LEJOS
Evolución del diseño en la historia del azulejo.
Silvia ESTÉVEZ de BROWN
(Oral)
El lenguaje de Oriente en las épocas más remotas fue la representación de la
Naturaleza.
Obedeciendo al mandato Divino: “Vivirás en un jardín rodeado de flores”, realizaron
dibujos reales o estilizados que se usaron en tapicería y revestimientos cerámicos
conformando la piel de los ambientes de la vida cotidiana.
Podemos ver también el uso del cuadrado superpuesto y otras figuras geométricas,
creando tramas en paneles de colores de gran variedad.
En el Siglo 16 reciben en la Península Ibérica el aporte de maestros Italianos, y se
incorpora la representación de seres vivos, personas, animales y ejemplares
fantásticos.
Algunos pintores realizaron grandes obras utilizando como soporte azulejos en lugar
de lienzos.
A los maestros de Flandes, debemos la delicadeza del trazo del pincel en el azul de los
pequeños paisajes marinos, bajo una cubierta transparente.
Los aportes de éste magnífico mix de artistas llegaron a Portugal, y se producen
diseños con el perfecto equilibrio entre la pasión y la serenidad, la oscuridad y la luz.
Ésa es la herencia que llegó al nuevo mundo, el resultado de la evolución del diseño y
el color desde Oriente hasta la Península Ibérica con los valiosos aportes de Faentinos,
Napolitanos, y Centro-Europeos.
En nuestro País encontramos tres importantes períodos que se expresan en
espacios arquitectónicos:
*Desde la cúpula, al aljibe, decorando espacios exteriores, siglo 19, Pas de Calais azul
y blanco.
*El zaguán, y el baño, la intimidad del hogar.1980 a 1919, Ingleses, Belgas y
Alemanes, se expresan en una amplia gama de colores y transparencias.
*El patio Andaluz, desde 1920 hasta 1959, Península Ibérica, sus raíces Árabes con
acentos italianos en los murales, profusión de color, brillos y el infaltable azul.
El azulejo fue creado para formar parte de un todo, hay muy pocos ejemplos de
piezas aisladas. Hay un claro ordenamiento de la totalidad de las partes. Cada azulejo
cumple una función y entre sí unidos comunican un mensaje.
El mejor modo de experimentarlos es verlos y tocarlos en uso, en un zaguán, baño
o patio, esa experiencia es necesaria para adquirir el concepto del azulejo que no fue
creado para estar solo, necesita de los demás para expresarse.
Arq. Silvia María ESTÉVEZ
Buenos Aires, Capital Federal, Argentina
(54)(011)1559082051 [email protected]
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Especialista en desarrollo de productos acordes a las tendencias de diseño que abran camino, e interpreten las necesidades del usuario.
Formación de equipos de diseño creativos, que investiguen y puedan retroalimentarse.
Complemento en las ventas cuando la decisión pasa por estética y de uso de materiales. Asesoramiento para la realización de nuevas colecciones, en color y diseño.
Desarrollo de diseños especiales y responsabilidad social empresaria, ligada al respeto por el
patrimonio natural, tangible e intangible, conectar la creatividad con nuestras raíces y con objetivos a corto, mediano y largo plazo.
Docencia
Creatividad y Diseño, en las empresas.
UBA ,Historia de la Arquitectura, Maisonave- Bernardelle
Diseño textil, Desarrollo de productos cerámicos, Ma Luisa Musso. UBA
UADE- Diseño cerámico, Cátedra Susana Conforti. Dictó talleres de extensión cultural abiertos a la comunidad de: Diseño de Interiores Diseño de
Vestuario en la Universidad Nacional del Centro en la ciudad de Tandil
Trabajos Presentados y publicados:
2011- “Historia del Azulejo en San Isidro”, Curadora de la Muestra en la Quinta Los Ombúes.
Trabajo en la Jornada del Color en las Artes.UBA, “Azul-Lejos”.
2010- Congreso AIC 2010, presentación de poster: Evolución del color en el entorno doméstico de los alimentos.
2006- Libro DARA 20 Años. Desarrollo especial, Ambientación y realización fotográfica.
2004- AIC Portoalegre-Color And Design Of Precolumbian Ceramics Today. 2001- ROCHESTER- NEW YORK Ponencia Oral En El Congreso Internacional del Color :
¨HOW DO WE TEACH COLOR¨.
2000- EXPOVIVIENDA- Auditorio- Conferencia- HISTORIA DE LA CERÁMICA. 2000-2002- Investigaciones Relacionadas Con Diseños Precolombinos- UNICEN.
1992- Mesa Redonda Salón DARA Palacio Errázuriz- Desarrollo De Colores-
1991-92 -CATÁLOGOS SAN LORENZO Idea y realización. Producción y Construcción de 20 Ambientes, Dirección de Fotografía.
1990-CONGRESO ARGENTINO DEL COLOR UNBA- Ponencia oral, Desarrollo de Diseños y
Colores. 1986- A.B.C. de la Cerámica- para Cerámica San Lorenzo- Idea, y realización.
1984-1987-Escribió diversos artículos para la revista SUMMA.
Trabajos : Ricardo Ospital, forma parte del equipo Comercial de la Empresa, desde Febrero 2011, para la nueva sucursal de Capital Federal.
Trabajó en las siguientes Empresas: Il Sole SRL, Quatro Stelle, Loimar, Cerámica Piú,
Universidad Nacional del Centro,Cerámicas Acuarela,Cerámica San Lorenzo.
Estudios: Universidad de Buenos Aires, Argentina · Arquitecta.
Fundación Ortega y Gasset, Argentina Posgrado en Gestión Cultural, Patrimonio y Turismo
Sustentable Taller de Escenografía Taller de prácticas escenográficas en el Teatro Colón de Buenos Aires,
Fotografía Horacio Cóppola, participó en numerosas exposiciones.
Pintura en Acuarela Eduardo Cervera Murales Nushi Montabsky
Diseño Industrial Seminario de Diseño Industrial, Domus Accademy, Milán
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121
CESÍA EN EL GRAFFITI. Líneas de estudio.
María Paula GIGLIO
FAUD, Universidad Nacional de Mar del Plata.
E-mail: [email protected]
(Oral)
El graffiti, además de desarrollarse en diferentes soportes los cuales responden a
distintas propiedades de cesía, se ha caracterizado por sus efectos de brillos y
destellos entre otras apariencias de la distribución espacial de la luz vinculadas en este
caso a la representación de superficies y volumetrías. Para ello, los graffiteros han
tenido que especializarse en el dominio de técnicas y estilos para lograr dicha
representación.
Por otro lado, en el principio del desarrollo de los aerosoles para graffiteros, las
empresas se dedicaron tanto a la mejora en la carta de colores que hasta ese momento
era muy limitada, como al de los instrumentos utilizados tales como latas, picos o
caps, accesorios para su mantenimiento, entre otros. Pero desde hace unos años, en
paralelo, fue creciendo el desarrollo de las pinturas e instrumentos en el campo de la
permeabilidad y de la difusividad.
Es por eso que el estudio de la cesía en el graffiti demanda diferentes líneas de
estudio, entre las que se encuentran:
- el estudio de los soportes utilizados para la elaboración de los graffitis, sus
definiciones en términos de cesías y su apropiación por parte de los
graffiteros;
- el estudio de la representación de la cesía en los graffitis, diferentes estilos y
épocas;
- el estudio del dominio de técnicas por parte de los graffiteros utilizadas para
lograr la representación de la cesía;
- el estudio del desarrollo tecnológico en la elaboración de pinturas e
instrumentos para tal fin.
La presente ponencia tiene por objetivo difundir estas líneas de estudio que
permite el desarrollo del tema de la cesía en el campo del graffiti.
Se intenta aportar al estudio que se viene realizando sobre el graffiti, reflejado en
anteriores presentaciones en Congresos y Jornadas del Color: “El color en el graffiti.
Un acercamiento a la problemática” (ARGENCOLOR 2004, Buenos Aires); “El
aprendizaje del color en el graffiti hip hop. Caso Mar del Plata” (JORNADAS
NACIONALES DEL COLOR 2005, Mar del Plata), “El color en el graffiti hip hop.
Tecnologías artesanales desarrolladas por artistas graffiteros para superar
limitaciones colorísticas y gráficas del aerosol. Caso Mar del Plata.”
(ARGENCOLOR 2006, Olavarría); “Desarrollo de tecnologías artesanales sobre el
aerosol: ampliación de la paleta de color en el graffiti hip hop de Mar del Plata.”
(JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES, 2009)
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122
María Paula GIGLIO Grupo de Extensión desde el Arte, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de
la Universidad Nacional de Mar del Plata.
Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. Argentina
E-mail: [email protected]
Es Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes
Visuales), y Profesora de Artes Visuales (especialidad Pintura).
Actualmente es alumna regular de la Maestría en Educación Artística en la
Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario.
Es la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional
de Mar del Plata, es Profesora Adjunta de la carrera de Diseño Industrial, Directora
del Grupo de Extensión desde el Arte (GEA); investigadora en el Centro de Estudios
de Diseño Industrial (CEDI).
Desde el 2008 integra la Comisión Directiva del GAC y en la actualidad ejerce la
Secretaría.
Ha sido Comité Organizador del Argencolor 2004 realizado en Buenos Aires, y
del Congreso de la Asociación Internacional del Color 2010 en Mar del Plata. Ha sido
Comité Organizador y Comité Científico en las Jornadas Nacionales del Color 2005 y
2007 de Mar del Plata.
Respecto del graffiti, ha presentado numerosas ponencias en diferentes congresos,
y sus trabajos han sido publicados en libros de actas. Su proyecto “Paseos artísticos-
graffiteros de Mar del Plata” ha sido declarado de Interés Cultural por la entonces
Sub-Secretaría de Cultura de la Municipalidad del Partido de General Pueyrredón, y
ha obtenido una Mención en el Concurso de Ideas de la Cortada del Tango (2004)
organizado por la misma Municipalidad sobre la base del proyecto antes mencionado.
Ha sido invitada a dar charlas y conferencias entre las que se destacan las realizadas
en la IV Bienal de Arte Joven (Mar del Plata, 2006), en el Palais de Glace en el marco
de la Muestra Ficus Repens (CABA, 2008), en el Museo Provincial de Bellas Artes
“Juan Yaparí” (Misiones, 2008), y en el Centro Cultural de España en Buenos Aires
en el marco de la Muestra y Seminario Sinvergüenza! Intervenciones Urbanas
Iberoamericanas (CABA, 2010).
Respecto de su hacer artístico, su desarrollo ha tenido que ver con el dibujo pero
desde hace unos años se dedica al videoarte. Ha realizado varias muestras, y a través
del Grupo Argentino del Color ha participado en exposiciones grupales realizadas en
todo el país bajo el título Muestra Itinerante de los artistas del GAC (Buenos Aires,
CABA, Catamarca, Jujuy, La Pampa, Misiones, Santa Fe, Tucumán).
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123
ELECCIÓN DE COLORES
Las armonías lógicas y los intervalos de transformación dimensional
Ruben Alberto GRAMON
FADU, Universidad Nacional de Buenos Aires.
E-mail: [email protected]
(Oral)
El sistema de color Munsell se organiza a partir de tres dimensiones: Tinte, croma y
valor. A través de estas tres dimensiones pueden definirse ocho relaciones posibles
conocidas como armonías lógicas.
Las armonías lógicas resultan insuficientes a la hora de seleccionar los colores en
la enseñanza artística. Frente a la alteridad es necesario reconocer cierta regularidad.
Se trata entonces de definir además de las armonías lógicas los intervalos de
transformación dimensional. Para ello podemos recurrir a un concepto muy difundido
en las escuelas de arte que se conoce como clave.
El concepto tradicional de clave define los intervalos existentes en una selección
de colores teniendo en cuenta la dimensión de valor. La definición de estos intervalos
puede aplicarse tambien a las otras dimensiones del color como son el croma y el
tinte. De este modo la selección de colores implica no solo la definición de las
armonías lógicas si no también los intervalos de transformación dimensional. Las
armonías lógicas dependen de las variantes y constancias dimensionales, los
intervalos de transformación dimensional dependen de la distancia entre nudos en el
modelo de color.
Existen dos tipos de intervalo de transformación dimensional: Los intervalos de
alto, medio y bajo nivel y los intervalos de mayor y menor grado. De la combinación
de ambos resultan dieciocho tipos de intervalo de transformación dimensional. De
esta manera no solo disponemos para la enseñanza artística de ocho armonías lógicas
sino también de dieciocho intervalos de transformación dimensional.
El disponer de un criterio de identificación objetiva es de gran utilidad para medir
la paleta de colores de una obra. Es difícil que la selección de colores que usa el
artista en su obra sea el resultado de la aplicación de las armonías lógicas y los
intervalos de transformación dimensional, sin embargo la identificación de estas
reglas pueden ser un modo de acercarse a la selección de colores de una obra a través
de una reflexión lógica.
A los fines explicativos procederé a la descripción de una serie de cuadros de
Joseph Albers llamados ¨ Homenaje al cuadrado ¨ a través del sistema de color HSV.
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124
Ruben Alberto GRAMON
Arquitecto egresado de la FADU UBA
Profesor adjunto en Sistemas de representación geométrica en la FADU UBA
Fue profesor de Morfologia en la UTDT
Fue Becado por la Secretaria de Ciencia y Técnica de la UBA
Fue premiado en varias ocasiones
Participó en Seminarios y Congresos
Intervino en Exposiciones individuales y colectivas
Publicó en diarios y revistas especializadas
Esta preparando su doctorado en la FADU UBA
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125
SEMIÓTICA Y RETÓRICA DEL COLOR Y LA CESÍA DE SERES
FANTÁSTICOS EN EL ARTE.
Aproximación a un modelo sistemático del color en la representación icónica
Varinnia JOFRÉ
Becaria de SecyT, Universidad Nacional de Córdoba
E-mail: [email protected]
(Oral)
Cuando en el cine, el video juego o el arte digital vemos un hombre de metal, de
fuego, de luz, un monstruo de agua, u otros seres extraordinarios que no existen en el
mundo real, el reconocimiento de que se tratan de figuras humanas o monstruosas que
tienen las características mencionadas es casi inmediata. En estas representaciones, de
modalidad Alfa, los efectos ilusorios de realidad se crean mediante estímulos que
reproducen algunas de las condiciones de la percepción del objeto, estímulos que
transcriben las condiciones de observación desde un punto de vista, que ponen en
juego las mismas inferencias perceptivas que se pondrían en juego para percibir el
objeto real: con la mediación de un contenido remiten a su objeto.
Este modo realista de representar, que ha alcanzado su máximo nivel con la
tecnología digital, surgió en la pintura del Renacimiento, cuando se tradujo el modo
en que percibimos los colores: modificados por el aire, la luz, la sombra y los reflejos
de unos colores sobre otros. Fue un hito en la pintura realista, al que se había llegado
tras un largo desarrollo. Para crear ilusión de realidad fue necesario observar y
representar detalladamente las cosas del mundo, atendiendo principalmente a la cesía
o al modo de apariencia del color.
El objetivo de esta ponencia es presentar sintéticamente un sistema de semiótica
icónica, con un marco teórico basado en las investigaciones sobre la cesía de José
Luis Caivano y las propuestas sobre semiótica de Umberto Eco y de semiótica y
retórica del G
La construcción de la representación visual mediante el color se aborda a través
del análisis semiótico y retórico de representaciones icónicas que muestran la
evolución de la representación del color desde la modalidad Beta (con bajo grado de
similaridad con el objeto), hasta el máximo grado de realismo visual, que permite la
representación realista en la pintura y el cine de seres que no existen. Estos seres son
decodificados por el receptor desde un punto de vista retórico, pues no tienen
pertinencia en la isotopía icónica del enunciado, aún cuando estén explicadas en la
diégesis las causas de su anomalía.
El aporte de esta investigación es la propuesta de un sistema de semiótica icónica
que posibilita una mejor comprensión de los modos de representación realista
mediante el color.
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126
Varinnia JOFRÉ
Curriculum abreviado
Artista plástica, docente e investigadora.
-Formación
Licenciada en Pintura por la Universidad Nacional de Córdoba.
Especialista en Video y Tecnologías Digitales Online - Offline
Tesista del Doctorado en Artes, director: José Luis Caivano; co-director: Fernando
Fraenza.
-Docencia
Profesora Asistente de Visión II en la Escuela de Artes, Facultad de Filosofía y
Humanidades, UNC.
-Investigación
Investigadora de SecyT Categoría V
Participación en varias investigaciones sobre color y cesía
Codirección en investigación sobre la recepción en el arte
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127
UN PRIMER ACERCAMIENTO A LA PROBLEMÁTICA DEL COLOR.
Análisis comparativo sobre el uso cromático en dos obras de arte.
Eliana MADERA, Lucía MAILLO PUENTE
E-mail: [email protected]
(Póster)
El siguiente trabajo lo hemos realizado como estudiantes en la asignatura Introducción
al Lenguaje de las Artes Plásticas, Cátedra Schuster, de la carrera de Artes en la
Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.
El color, muchas veces menospreciado en la historia del arte, constituye junto con
otros elementos formales – la línea, el espacio, la proporción y el tiempo – la esencia
misma de la obra3. El objetivo de este trabajo ha sido analizar la utilización del color
en dos obras de arte: “El tres de mayo de 1808 en Madrid” (1814) de Francisco de
Goya y Lucientes y “Jardines (Tunesinos) Sureños” de Paul Klee (1919).
Tomamos dos obras que comparten un mismo repertorio cromático, pero se
diferencian en cuanto al estilo pictórico, al tamaño (la superficie de la obra de Klee es
un 10% más grande en relación a la de Goya), a la disposición (teniendo en
consideración que una obra es vertical y la otra horizontal), y el manejo del color que
se realiza en cada uno de ellas. Si bien las obras de Klee y Goya a primera vista son
muy disímiles, analizando sus componentes cromáticos encontramos fuertes puntos de
comparación. Los tintes utilizados son prácticamente los mismos; esta similitud entre
ambas se evidencia en los gráficos correspondientes al círculo cromático (imagen A).
Todos los tintes, al estar trabajados con distinto valor y saturación y con diferentes
procedimientos, logran abruptas diferencias perceptivas que afectan a la totalidad de
la obra, considerando que “los colores no se perciben aisladamente, sino asociados
unos con otros, cada uno en estrecha relación de dependencia con los que le rodean”4.
En el caso de Klee la mayoría de los colores son saturados y resaltan a la vista y
las figuras se diferencian por relaciones de oposición y complementariedad que
forman una totalidad, más allá de que pueden distinguirse ciertas zonas por intervalos
de color. En Goya, en cambio, los colores son trabajados en su mayoría con
saturaciones medias a bajas y valores bajos para contrastar con la zona central donde
se trabaja con valores altos, y extremos en el caso del blanco. Estas diferencias de
saturación y valor entre ambas obras se hacen visibles en los gráficos de corte del
sólido de Munsell (imagen B).
Partiendo de muy similares parámetros de tintes, cada artista supo apropiarlos a su
modo generando particulares y únicos universos perceptivos.
3 Carbonell, Eduard. Introducción a la Historia del Arte. Fundamentos Teóricos y Lenguajes Artísticos.
Barcelona: Barcanova, 1990. “La Pintura” p. 169. 4 Carbonell, Eduard. Ibidem. p. 179.
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128
Eliana MADERA
Lic. En Publicidad (UCES) y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de Filosofía
y Letras. Redactora recibida en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios.
Actualmente trabajando en el área de Prensa y Comunicación de Casino Puerto
Madero.
Lucía MAILLO PUENTE
Diseñadora Gráfica (FADU-UBA) y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de
Filosofía y Letras. Integrante de equipo joven de investigación “Diseño, desarrollo y
producción de material didáctico para la enseñanza del color y la cesía (apariencia
visual)”. Docente de la asignatura Comunicación II, Cátedra Ledesma en la FADU-
UBA.
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129
EL COLOR Y LAS VIBRACIONES ELECTROMAGNÉTICAS DE OCTAVAS
El color y su relación con otras áreas del conocimiento
Norma MAINERO
E-mail: [email protected]
(Oral)
Aún en esta época de logros intelectuales y científicos, muy poca gente aprecia la
importancia de la luz, el color, y la energía que nos da el sol cada día.
Todo lo que existe tiene alguna clase de vibración, y es el grado de éstas lo que
determina si es visible, audible, o cómo es de perceptible para el ser humano.
Todos sabemos que el espectro de lo visible comienza con el rojo y finaliza con el
violeta y que el color está determinado por la longitud de onda, pero lo que no
consideramos es que esa frecuencia suscita sensaciones en la mente subconsciente y
en nuestro propio cuerpo físico al punto de modificar esquemas, reacciones, tejidos.
No sólo vemos el color, también lo sentimos sobre las células, los huesos, la sangre.
En este trabajo se expondrá un diagrama del espectro electromagnético, a manera
de un vasto teclado que contiene infinitas octavas, entre las cuales encontramos la
visible, la audible, los invisibles rayos cósmicos, las ondas de radio, los rayos x, etc.
hasta la mente humana, la cual proyecta fuerzas electromagnéticas que conocemos
como pensamientos, que son vibraciones transportadas a través del éter y que tienen
una existencia real en grados ultra elevados y físicamente invisibles.
Interpenetrados por una realidad electromagnética de la cual somos parte, es
oportuno considerar las huellas que dejan los colores, los sonidos o los pensamientos,
en nosotros y en el medio en el que vivimos. Estas vibraciones son para nuestras
células estímulos concordantes tal como una cuerda vibra empujada por las ondas que
genera otra cuerda cercana.
En síntesis, estas asociaciones siembran la curiosidad para seguir explorando este
universo apenas conocido, para la obtención de herramientas que nos posibiliten
servir al equilibrio y a la salud, así como comprender la vital importancia de la
elección del color en una obra de arte, el sonido justo o el pensamiento adecuado,
para uno mismo y para el resto de la humanidad.
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130
Norma MAINERO
Música, escritora, docente y artista plástica.
En el área de la música es Profesora Superior de Canto, Prof. Sup. de Dirección Coral
y Ed. Musical y Prof. de Piano. Docente en el Conservatorio de música J. Aguirre en
las cátedras de Práctica Coral, Canto e Instrumento armónico. Desarrolló una carrera
nacional e internacional como Soprano.
En el área de las artes plásticas es Maestra Duncan. Comenzó sus estudios de dibujo y
pintura de la mano de su padre. Más tarde, se formó en las artes plásticas con el
maestro Adrián Martins realizando numerosas exposiciones de sus trabajos de pintura,
grabados y esculturas en poliestireno expandido.
Realizó el montaje de obras para la Aldea ecológica de Burzaco y de Capital Federal,
interviniendo como artista invitada con series de pinturas compuestas por técnicas
mixtas.
Tomó clases de pintura sobre porcelana y cerámica Talavera, con la Prof. Haydeé
Amato.
Aprendió la técnica de serigrafía en soporte cerámico con la Prof. Silvia Barrios.
Realizó estudios de Cerámica en la Municipalidad de Lomas de Zamora, y
actualmente cursa la tecnicatura en cerámica en la Escuela Municipal de Cerámica de
ese distrito.
Como escritora tiene realizados los siguientes textos:
Antología poética de Esteban Echeverría.
La técnica pianística – Brugnoli – Traducción al castellano-
Método de lectura entonada para principiantes; Ed. Abedul -
Cuentos, canciones y poesía; Ed. Landeira
Cuentos, canciones y danzas tradicionales; Ed. Landeira
Efemérides, actos y carteleras, Ed. Landeira
Discursos, actos y carteleras, Ediciones Landeira,
Danzas, canciones y leyendas de raíz folklórica, LESA
Cancionero, recursos pedagógicos- LESA
Danzas, usos y costumbres- LESA
ECOVIAJE, texto declarado de interés educativo por el Ministerio de Educación de la
Nación, interés cultural declarado por la Secretaria de Cultura de la Nación y de
interés nacional decretado por la Presidencia de la Nación.- (inédito)
Cuentos de Mármol – Ed. Abedul.
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131
El COLOR EN LA PINTURA: TRATAMIENTOS, EFECTOS Y ESTILOS.
Cristina MANGANIELLO
Facultad de Bellas Aartes-Universidad Nacional de La Plata-
Grupo Argentino del Color
(Oral)
El maravilloso color de Van Gogh-las intensas vibraciones del color de Noe-las
sutilezas cromáticas de Morandi., la luminosidad del color de López Osornio, son
apenas pruebas de que el color en la pintura requiere de experimentación sobre bases
claras, para obtener efectos subyugantes, modestos o inexistentes.
Esta charla enunciara estas bases y facilitara la experimentación pragmática para
nuevos hallazgos y efectos, que apunten a subyugar al espectador de la pintura.
Observando los efectos planteados por los pintores nombrados y su construccion
significativa de dichos efectos.
Así, se recordaran efectos cromáticos tradicionales con materiales tradicionales,
como el óleo, la tempera o la acuarela, y un tanto mas nuevos como el acrílico. Y
algunos de los efectos contemporáneos logrados con técnicas mixtas o con pigmentos
no tradicionales, como en el caso de las pinturas de Noe.
Conocer y /o experimentar estos efectos, nos acercara al lenguaje compliejo de los
logros sensibles del arte pictórico, tanto desde el hacer, como desde el interpretar y
diosfrutar.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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132
Cristina MANGANIELLO
Nacida casualmente en La Plata, residió allí desde los 5 años, y hoy día vive en
capital desde hace ya seis años.
Graduada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata,
como Profesora y Licenciada en Pintura, fue alumna de los maestros Hector Cartier,
Bruno Venier, César López Osornio, Guillermo Martinez Solimán y Naum Goijman.
Actualmente allí es Profesora y directora de proyectos de investigación en el area de
la comunicación visiva y el color.
Dentro de nuestra institución, el Grupo Argentino del Color (GAC) es
actualmente su Vicepresidente.
Tiene numerosos trabajos publicados sobre el tema, desempeñándose desde 1969
como artista visual, mostrando su obra ininterrumpidamente. Esta es posible de verse
en varios museos del país y del extranjero, y en su web:
www.cristinamanganiello.com.ar
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133
EL PROBLEMA DEL COLOR EN LA ESCUELA DE ARTES.
Estrategias y conceptos pertinentes desde la perspectiva de su complejidad.
María del Carmen NISS
Institución: Facultad de Humanidades y Artes. U.N.R.
E-mail: [email protected]
(Oral)
Abordar la enseñanza de Teoría del Color en una escuela de artes impone la pregunta
sobre qué teorías o aspectos de éstas son útiles para el estudiante.
Aceptado que el color es un elemento del lenguaje visual, se pone al alumno en
contacto con su complejidad para despejar aquello que resulta ventajoso conocer.
El proceso se inicia con el análisis de situaciones donde el color es utilizado para
comunicar -señalizaciones, indumentarias, publicidades gráficas, paisaje urbano-;
aspectos de la naturaleza donde funciona como dato o señal, y obras artísticas de las
que se infieren usos cromáticos con diversas intensiones expresivas o comunicativas.
Al incluir el color entre los medios de expresión y de comunicación se sitúa al
alumno ante la pregunta del cómo y el con qué se manifiesta “lo que se dice”. Así
surge la necesidad del estudio teórico y práctico del color. Siguiendo la idea de Néstor
Sexe que “el color connota”, no significa, se aborda la producción del color a partir de
problemas formales a resolver, ya que “el sentido” surgirá de la misma producción y
la intención que se ponga en la tarea.
Inicialmente, se propone una serie de ejercicios con diferentes materiales cuyo
objetivo es aproximarse a las tres variables perceptivas: tinte, valor y saturación,
infiriendo que el contraste de color genera forma y por lo tanto se constituye en
elemento fundamental de la composición o “enunciado” visual. Los materiales
propuestos -translúcidos y opacos- dan lugar a explicar las tres modalidades de
producción del color - mezclas aditiva y sustractivas - y sus aspectos físicos y
fisiológicos.
Concluido que el color configura la imagen en todos sus niveles, se inicia el
estudio de la mezcla pigmentaria afianzando conceptos (especialidad del color, forma
abierta y cerrada, relación figura- fondo, equilibrio) e incorporando la idea de la
relación cromática como agente que, mediante el contraste o la semejanza, une,
separa, vincula, discrimina, unifica, disgrega, segrega, mimetiza, articula, desarticula,
grita, susurra, reclama la mirada, le proporciona reposo o la hace circular.
Posteriormente se ponen en práctica estos conceptos en trabajos tridimensionales
alcanzando el problema de color y contexto. Se finaliza el proceso con un trabajo
globalizador consistente en variar cromáticamente una misma imagen, en la bi y en la
tridimensión, analizando sus cambios formales y semánticos.
Nuestro objetivo es mostrar que este desarrollo converge en la construcción
teórica del color como verdadero elemento de expresión que permite la transposición
de ideas o intenciones del plano de los puros conceptos al plano de los objetos
artísticos significativos.
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134
María del Carmen NISS
Licenciada y Profesora en Bellas Artes egresada de la U.N.R.
Profesora Titular de Teoría del Color en la Escuela de Bellas Artes de la Facultad de
Humanidades y Artes de la U.N.R.
Profesora de Dibujo en Diseño y Producción de Objetos Decorativos; Diseño y
Confección de Indumentaria y Decoración de Interiores en la E.E.T. n 463 de Rosario.
Profesora del área Artística en el Nivel Medio.
Ha realizado Charlas y Ponencias sobre el Color en el Teatro de Sombras; La Pintura
de Juan Grela y El Color en la Enseñanza Artística entre otras.
Expone en Muestras individuales y grupales desde 1992.
Cursa la Maestría en Educación Artística en la U.N.R.
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135
EL COLOR-LUZ EN EL DISEÑO DE TEJIDOS.
Relatividad de los sistemas de colores.
Gabriela OBERLANDER.
Universidad de Buenos Aires.
E-mail: [email protected]
(Oral)
En el diseño de tejidos generalmente se trabaja con fibras y colorantes para generar
los colores-luz; sin embargo la percepción de los mismos es posible gracias a la luz-
color que los ilumina. La expresión “Color-Luz” alude a la idea de que el color
también es luz, y que la luz también es color. El juego de estos estímulos es quién
despierta nuestra percepción visual. Se considera “Color Primario” al color que no
puede ser obtenido por la mezcla de ningún otro.
Los colores espectrales pudieron explicarse cómo componentes de la luz blanca
solar. Y mediante el desarrollo de la actividad humana (el arte, las técnicas, la ciencia,
el diseño) la luz y los colores se generan. Técnicamente en la creación de luces y
colores, se llama “Colores Primarios” a los que permiten, mediante sus mezclas dar
origen al “resto”. En la actividad de diseñar con la materia “iluminante” se reconoció
al sistema llamado aditivo, la sumatoria de las distintas longitudes de onda forman la
luz blanca. Técnicamente, la sumatoria de la triada del color Rojo, Verde y Azul
generan la luz blanca artificial (también se demostró mediante el azul y el amarillo).
Por otro lado, los materiales que activan su color-luz frente a esa energía generadora,
lo hacen reflejando sobre su superficie. Cuando en las combinaciones hay absorción
de luz, hay sustracción, se retiene un poco y se refleja otro poco, el que se hace
visible. Los materiales que reflejan color-luz, pueden caracterizarse por diferentes
comportamientos según sus características, determinados componentes permiten una
mezcla íntima que genera una nueva apariencia material, por ejemplo la mezcla de
pigmentos, y otros se afectan por la superposición visible de los materiales
traslúcidos. Dos sistemas de colores primarios sustractivos fueron trabajados
resolviendo distintas situaciones técnicas. Por un lado se trabajo la idea de los
primario Rojo, Amarillo y Azul para las mezclas pigmentarias, y por otro lado el
Cyan, el Amarillo y el Magenta para el empleo de los materiales traslúcidos
superpuestos y yuxtapuestos.
En el diseño de tejidos, las mezclas características están formadas por pequeñas
superficies yuxtapuestas que provocan una mezcla óptica en el observador, quién
completa la lectura general. Sin embargo considerando el proceso productivo de un
textil y su utilización en un contexto, intervienen e interactúan constantemente los
sistemas aditivos y sustractivos, la presencia de la luz ilumina, los colorantes se
mezclan, se diluyen, se superponen y se yuxtaponen. Diseñar tejidos es imaginar el
color-luz material que se va a poner en juego.
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136
Gabriela OBERLANDER
Soy Diseñadora Textil egresada en el año 2002 de la Universidad de Buenos Aires, y
desde el año 2004 hasta la fecha ejerzo la docencia en la misma Universidad.
Actualmente me desempeño como Jefa de Trabajos Prácticos en la materia de Diseño
textil, habiendo cumplido también la misma función en la materia de Técnicas de Producción Textil, en las Cátedras de la Maestra Marisa Camargo.
El primer trabajo realizado en una fábrica textil fue en el año 2002, desarrollando los
coloridos en una estampería industrial, y descubriendo “la cocina del color”. A partir
de ese momento efectué diseños de ligamentos para telares semi-industriales y
estampados para alfombras; diseños para serigrafías de vajillas; diseño de tejidos para
tapicerías con tecnologías Ratier y Jacquard; asesoramiento en diseños de colección y
estudios de color para tejidos de punto en máquinas circulares; participé en tareas de
puesta a punto de un nuevo equipamiento de impresión digital para tejidos y continuamente genero diseños continuos.
De manera simultánea desarrollo mis propios diseños textiles; desde el año 1998 al
2009, junto a Mariana Oberlander, creamos “Ober”, accesorios textiles
/www.carterasober.com/; y actualmente estoy trabajando en “traspasar”, un concepto
de diseños para decoración /www.traspasar.com/.
En el año 2007 emprendí un viaje de investigación y formación profesional realizando
una pasantía en docencia en el área de Tejidos y Experimentación Textil en la
Universidad de Arte de Bezalel, en Jerusalem, Israel; y en un Taller de Batik en
Shantiniketan, West Bengal en India; para concluir y… Empezar con un trabajo de
investigación acerca de “El Color-Luz en el Diseño de Tejidos”, que sigue en curso y próximamente será publicado.
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137
EL COLOR VISTO COMO FORMA EN EL DESARROLLO EVOLUTIVO
Marianela SERRA
E-mail: [email protected]
(Oral)
Este estudio pretende resaltar el énfasis del color percibido como forma y como un
todo en el individuo.
Dado que la forma y el color pueden distinguirse entre sí y compararse, la idea
de sugerir la diferencia, resulta poco acertada, ambas se manifiestan desde su
concepción, como complementación: color-forma / forma-color.
El valor compositivo se manifiesta en un todo y posteriormente en la reflexión de
las partes, ambas son fácilmente receptivas y perceptivas, organizándolas, el individuo
según su personalidad.
Desde un enfoque pedagógico constructivista se abordará el color/forma a partir
de dicho concepto, con el fin, por sobre todas las cosas, de dar prioridad a la
capacidad creadora del ser humano en su puesta de utilizar e implementar el color.
En lo referente, citaré a desarrollo personal un proyecto pedagógico de educación
especial, en coparticipación con el proyecto “Jóvenes Artistas” de Argentina. Dicho
trabajo propone la posibilidad de re significar la individualidad y el desarrollo plástico
expresivo, mediante el quehacer de un mural en trabajo grupal. Se aborda la cerámica
escultórica y lineal como manifestación plástica en lo que refiere a la forma y color en
toda su abstracción. Dicho proyecto reúne a niños de distintas partes del país, como
así, de sus diferencias, las cuales, enriquecen y valorizan el trabajo artístico.
Finalmente este contexto, será enmarcado dentro de una referencia histórica. En
el manifiesto del arte concreto en 1930 se comenzaba a afirmar una forma de
abstracción, en donde se liberaba cualquier asociación simbólica con la realidad,
siendo las líneas y los colores concretos, por sí mismos, predominando la forma sobre
el color, utilizando en obras pictóricas los colores planos. Asimismo el arte Madi,
continuaría desarrollando el concepto, pudiendo apreciar hoy día, los legados que
nos dejaron.
Dicha referencia, la podemos apreciar desde el trabajo de una excelente artista
plástica, llamada Carola Zech, quien plasma en su obra una visión de esta lógica, en
la representación de un sistema magnético que intenta mostrar la relación que existe
entre el color, el espacio y la forma.
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138
Marianella SERRA
Escuela DE LA SALLE. Área Educación Especial. Profesora de Plástica.
Resido y trabajo en Buenos Aires. Mi formación artística se inicia en la escuela
Municipal de Cerámica nro.1, donde el barro fue motivo disparador para
concentrarme en el arte en lo consecuente de mis estudios. Maestros como Vilma
Villaverde, Leo Tavella, fueron grandes referentes, los cuales, marcaron mi pasión por
el arte y las ansias, no solo de él encause de una visión artística propia, sino también
de la transmisión y puesta de la misma. Asimismo, desde muy temprano, el ser
partícipe de una itinerante auspiciada por la embajada de Taiwán donde junto a un
grupo de excelentes artistas, propiciábamos dentro del denominado grupo de cerámica
contemporánea, una itinerante, que invitaba al encuentro entre ambas culturas, en el
recorrido de numerosos museos de la republica Argentina, donde el foco era puesto
en hacer conocer a la escultura cerámica, con la impronta expresiva que tiene en su
visión plástica.
El instituto de Bellas Artes Beato Angélico, me permitió darle una mirada más
amplia a lo pedagógico y al conocimiento plástico, recibiéndome como profesora en
Artes Visuales en dicho instituto. En mi labor profesional he puesto, un intenso
énfasis por sobre todo, en el trabajo con niños desde muy temprana edad, como así
también en niños con capacidades diferentes.
Para ello, este compromiso docente y artístico planteado, se enfoca desde edades muy
tempranas, como así también, en los diferentes niveles educativos , tratando de
generar espacios de intercambio donde miradas se complementen entre sí, para
potenciar los trabajos personales que cada uno transita ,en relación de uno con los
otros.
En lo referido a lo artístico, he participado en numerosas muestras, tales como:
Fundación Igualdad Ciudadana. Arte por la igualdad. España, Feria Internacional de
Arte Contemporáneo ARCO (Madrid), Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de
Extremadura. Consorcio Cáceres. "Di-versiones" museo casa de Yturria
,"Transformaciones "Galería de arte Budha Ba", "La encantadora Taiwán", miembro
del grupo de las jornadas internacionales de cerámica contemporánea, cuya muestra
itinerante recorrió numerosas provincias de la Republica Argentina, entre otras
muestra. Como he de mencionar su objetivo en el párrafo anterior.
Coordino exposiciones de artistas plásticos en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, en la
galería de arte "Axioma", arte, diseño & comunicación, donde ofrezco obras de
artistas de gran trayectoria tanto a nivel nacional como internacional. La misma se
presenta como un lugar de intercambio cultural, mostrando obras tanto de artistas
Argentinos como Bolivianos. La experiencia de dicho proyecto, se genera en un
ímpetu de generar espacios (al igual que en el ámbito educativo) de intercambio
cultural en donde el arte sea llevado en un modo de entenderlo a pesar de las
diferencias culturales como una mismo lenguaje expresivo que nos reúne a todos en el
arte.
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139
ARTEMIO ALISIO - EL COLOR EN SUS TRABAJOS ARTÍSTICOS DE
CERÁMICA. 1966-1990. CONCEPCIÓN DEL URUGUAY, ENTRE RIOS,
ARGENTINA.
Brian Edgardo TOMBA
E-mail: [email protected]
(Oral)
Por 1966 este artista plástico de reconocimiento internacional da a luz la primera
cerámica, pieza sencilla pero impactante, trabaja el contraste valiéndose del
desarrollo de la policromía con los elementos que le proporciona la sabia naturaleza.
Materia prima local para realizar sus engobes, paleta de colores terrosos que supo dar
vida a toda una serie de magníficos trabajos artísticos. Entre ellos el rojo, el marrón,
el negro y el blanco.
Unos años más tarde por el año 1967 pasa de un trabajo plano a la figura con
volumen, esculturas de pequeño formato, en las cuales se mantiene la gama de
colores tierras jugando con un significado figurativo, como lo son las lechuzas o
búhos, felinos, reptiles, entre otros.
Los primeros platos por el año 1974 continuo trabajando con la misma tonalidad,
colores escasos pero profundos en su combinación, destacando la figura.
Años más tarde por el 1979 realiza la introducción de guardas a sus diseños,
manteniendo aun la policromía.
Podemos decir que estos engobes entre su primer cerámica hasta sus trabajos de
1980 se destacan por la particularidad de la utilización de colores tierras, como así
mismo la sencillez del trabajo que mantiene en el estilo que lo caracteriza.
Para el 1982 comienza a utilizar un solo color de los engobes, salvo detalles
minuciosos realizados con blanco, acompañados de “esgrafiado”, técnicas que dio
contraste y relevancia a sus obras.
Durante este tiempo vemos la introducción de otros tintes a su paleta, el verde, el
azul cobalto, el celeste, sin desprenderse de los tierras tan apreciados en sus trabajos.
Para principios de 1990 se destaca la incorporación de nuevos diseños, rasgos
precolombinos, influenciado por sus viajes a Bolivia y Perú. Realiza relevamientos
fotográficos de Sitios Arqueológicos en Chancay y Pachacamac en la costa del
Pacifico, Cuzco, Pisac y Machu Pichu en el Perú Central. Este enriquecedor
intercambio de culturas influencia en sus trabajos notablemente, introduce el
puntillismo y el volumen que emerge de la superficie plana.
A mediados del 90 realiza trabajos dentro de una gama de azules intensos,
aplicando estallidos de color blanco. La observación de este periodo es que efectúa un
gran contraste de los colores entre las guardas del contorno de sus trabajos, con el
interior.
Hoy este estilo tal personal de Artemio Alisio se puede apreciar en los famosos
platos que nos ha dejado como patrimonio Cultural a la provincia de Entre Ríos,
Argentina.
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
y anteriores : Cuaderno de resúmenes
140
El presente estudio es solo una parte de la carrera artística de esta gran figura que
prestigia el Arte cerámico Argentino. Investigación abierta que continuará con el
análisis de sus últimos años de trabajo.
Brian Edgardo TOMBA
Actualmente cursando cuarto año de la Carrera de Ciencias Económicas en la
Universidad de Concepción del Uruguay (UCU).
Asistencia a la Esc. taller de cerámica de C. del U., a cargo de Guillermina Arrigo y
Leticia Moyano de Gradizuela. Realizado en Sociedad Italiana La Benevolenza.
Participación en la Feria Nacional de Artesanía de Colón, Entre Ríos. 2007.
Participación de la Convocatoria “Placas de Artistas” en Pasos de los libres-Corrientes
organizado por Cristina del Castillo. Curso de photoshop al servicio de la cerámica, a
cargo de la profesora nacional en cerámica artística y técnica en cerámica artística
Belén Alonso. Noviembre de 2009. Asistencia al VIII Seminario Bienal de Cerámica
realizado en Villa Gesell (Declarado de interés educativo por el consejo Escolar de la
Provincia de Bs. As.). Participación del XLVI Salón Anual de Artistas Plásticos de
Entre Ríos 2009, quedando seleccionado la obra “TERRA NOVA” en especialidad
cerámica. Dictando clases en la Esc. taller de cerámica de Concepción del Uruguay
(E.C.C.U) bajo la dirección de Graciela Díaz Vélez, desde el 2010, dictando
actualmente la materia Química I y II aplicada a la cerámica. Asistencia al IX
Simposio Internacional de Cerámica en el Instituto Municipal de Cerámica de
Avellaneda.2010. Participación en distintas Convocatorias de “Placas de Artistas”
(San Francisco – Córdoba 2010, Concepción del Uruguay – Entre Ríos, Escuela
Fernando Arranz Capital Federal – Bs. As., Almirante Brown – Bs. As., “Rawson en
el Bicentenario”, entre otras). Participación del 99° Salón Nacional de Artes Visuales
2010, “Palais de Glace, Palacio Nacional de las Artes”. Asistencia a las 8º Jornadas
Internacionales de Cerámica Contemporánea, realizada en el 2010. Participación
como Tallerista en el 2do. Encuentro Nacional de Ceramistas y 1er. Encuentro
Internacional del Colectivo Cerámica Uruguay, llevado acabo en la R.O.U –
Tacuarembó - San Gregorio de Polanco. Autor de la Obra en Cerámica recordatorio al
Homenaje a Miguel Hernández en el Centenario de su Nacimiento, realizado el
29/10/10 en el Rectorado de la UNER, Sala Teatro 1º de Mayo, Concepción del
Uruguay –Entre Ríos. Pasando hacer patrimonio de la Fundación Cultural Miguel
Hernández en Orihuela – España. Participación en la Convocatoria de “Placas de
Artistas” de Gualeguaychú – Entre Rios.2011
Asistencia al Seminario Intensivo de Serigrafía aplicado a la cerámica y vidrio dictado
por la Artista Plástica Silvia Barrios en la Esc. taller de Cerámica de C. del U. – E.R.
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141
Identificación de niveles y oposiciones de valor.
María Beatriz WAGNER
Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata
E-mail: [email protected].
(Oral)
Organización didáctica sobre el tema: valor del color, realizada dentro de la
investigación “Teoría del Color y Práctica Pictórica” cuya finalidad es indagar
sobre el aprovechamiento de los fundamentos del color en el taller artístico.
Partiendo de la rueda de valor realizada por Betty Edwards, se desarrollan
ejercicios para su comprensión y aplicación. La ampliación del archivo mental
referido a la categoría de valores y su ordenación de oposiciones, descubre su
potencia enriquecedora para la identificación, obtención y elección compositiva de
valores.
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y anteriores : Cuaderno de resúmenes
142
María Beatriz WAGNER.
Institución Facultad de Bellas Artes. UNLP-
Profesora y Licenciada Superior en Pintura. Facultad de Bellas Artes UNLP.
Es Profesora Titular de la Cátedra Dibujo Complementaria I turno noche, y Profesora
Titular del Seminario: El color en las Artes Visuales, ambos de la Facultad de Bellas
Artes de la Universidad Nacional de La Plata.
Directora de proyectos de investigación del Programa de Incentivos en la UNLP.
Dirige tesinas de grado, becas y tesis de posgrado en la UNLP.
Ha formado parte de Comisiones Evaluadoras de Becas y de Comisiones Asesoras de
Concursos docentes de la UNLP.
Es autora de varios artículos sobre la enseñanza del dibujo y la pintura.
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143
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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144
Los resúmenes que siguen a continuación no fueron publicados con
anteriormente.
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145
PROGRAMA / 2009 JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2009
Martes 14 de abril.
Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Aula de Teleconferencias.
Universidad de Buenos Aires.
Pabellon 3. Piso 4º. Ciudad Universitaria.
1º mesa: 10 hs. a 12 hs
- Perla Santángelo: El color refleja nuestro interior. La importancia de las leyes
cromáticas.
- Prof. Lic. Manuel Rubín. Teoría de la oposición cromática.
- Omar Burgos: El corazón de La Gioconda.
- Silvia Barrios: Simbología del color en la cerámica china: “El ejército de los 7.000
guerreros de terracota del emperador Qin”.
- Lic. Carina Ferrari: El color en la obra de Lucio Fontana.
Pausa almuerzo.
2º mesa: 13, 30 hs. a 15, 30 hs.
- Carlos Pinto: El color digital en la ilustración: Del lápiz de madera al lápiz óptico.
- Emilia Rabuini: Benito Quinquela Martín y los pintores de La Boca. El color como
medio de expresión de la vida de un barrio.
- María del Carmen Niss: Juan Grela G. Un paradigma.
- Carlos Alcibíades Esquivel: Jóvenes artistas rosarinos. Una mirada actual vinculada
al color.
- Roxana Troisi: El uso expresivo del color en el film ”El cocinero, el ladrón, su
mujer y su amante”.
- Graciela Marotta: El color, el espacio y otras cosas … en el discurso de la obra.
Pausa café.
Posters:
- María Eugenia Bravo: Los colores pueden ser complementarios si entre ellos vibran.
3º mesa: 16 hs. a 18 hs.
- Claudio F. Guerri y William S. Huff: Los monocromos de Yves Klein o, por qué un
ejemplo falla en transmitir un significado congruente.
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146
- Cristina Manganiello: Color y forma: signos icónicos particulares del transcurso del
tiempo en la pintura y en mi pintura.
- Juan Sebastián Carnero: Impresión en cmyk de un grabado en relieve. Organización
de los recursos y la preprensa.
- María Celia Grassi, Angela Tedeschi y Norma Emma del Prete: Integración
comunicacional y estética de fragmentos de luz y color.
- María Paula Giglio: Desarrollo de tecnologías artesanales sobre el aerosol:
ampliación de la paleta de color en el graffiti hip hop de Mar Del Plata.
- Alejandra Jones, María Jones: Obtención del color en la cerámica Chulucanas.
18 hs a 19 hs.
El color como vehículo de la imaginación
Performance participativa.
Coordinación: Nora Cherñajovsky
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147
Resúmenes de PONENCIAS / 2009
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148
JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013
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149
SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHINA: “EL
EJERCITO DE LOS 7000 GUERREROS DE TERRACOTA DEL
EMPERADOR QIN”.
Silvia BARRIOS
www.silviabarriosarte.com.ar
Verdadera obra escultórica considerada La Octava Maravilla del Mundo.
Su valor histórico-cultural ha dejado una interesante influencia en el mundo entero.
Motivo por el cual la UNESCO en 1987 declara al descubrimiento patrimonio de la
humanidad.
El Museo, de los 7000 Guerreros de Terracota que custodian al primer emperador de
la historia de china, Qin Shi Huangdi, es el único In situ de toda China
Se abordara como tema principal la simbología del color de uno de los más grandes
hallazgos del siglo xx.
Análisis del color en estrecha relación con la ubicación del Mausoleo.
El color como elemento de representación de la naturaleza basada en la teoría de los
cinco elementos.
Estudio del color en la vestimenta de la época
Elaboración de verdaderas piezas escultóricas a escala humana, del 246 AC.
Restauración de las Terracotas.
Preservación de la policromía en constante estudio.
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150
LOS COLORES PUEDEN SER COMPLEMENTARIOS SI ENTRE
ELLOS VIBRAN.
María Eugenia BRAVO
¿Por qué pensar que solo hay tres maneras de ver los colores complementarios?
Todos sabemos que las parejas de complementarios se van a formar mezclando un
color primario y otro secundario, donde tendremos un equilibrio de luminosidad; un
equilibrio de claro-oscuro y otro equilibrio de cálido- frío. Éstas son las ideas que
todos conocemos desde las diferentes teorías de color.
Pero por qué no pensar que si un par de colores, ya sean uno primario y uno
secundario o algún análogo que no sean los complementarios convencionales, vibran,
pueden ser complementarios.
Para poder lograr esa vibración, no solo necesitamos de dos colores, que no van a ser
necesariamente uno primario y otro secundario, sino que necesitamos de la forma y la
combinación de ésta con el fondo, para poder lograr con formas simples una idea de
ambigüedad entre las figuras y el fondo.
A esto hay que sumarle la percepción que cada persona pueda tener sobre el color, ya
que no todos vemos y percibimos los colores de la misma manera.
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151
LA GIOCONDA, análisis e interpretación.
Omar BURGOS
En 1503, después de dejar improvistamente el mecenazgo de Cesar Borgia, Leonardo
da Vinci regresó a Florencia y se dedicó durante tres años a pintar el retrato de la
Gioconda.
El cuadro apenas terminado deslumbró a la comunidad artística florentina e influenció
directa e indirectamente en la pintura europea durante más de tres siglos.
La Gioconda expone parte de las propias ideas estéticas, científicas y filosóficas de
Leonardo, adquiridas a través de sus primeros 35 años trabajo e investigación.
Como dice Kenneth Clark, la Monna Lisa es una de esas obras de arte que por sus
contenidos, cada generación debe volver a interpretar.
En esta obra nada es casual o arbitrario, desde el color y la atmósfera del cuadro hasta
la forma de los pliegues de la ropa, desde su organización geométrica hasta el
claroscuro magistral del “sfumatto” perfecto, desde la mirada huidiza hasta la
enigmática sonrisa que cautivó al mundo, todos y cada uno de los elementos de la
imagen se conjugan entre si, superando el mero concepto del retrato y haciendo que el
cuadro fuera revolucionario en diversos aspectos.
Este trabajo intenta un análisis completo de la Gioconda desde el punto de vista
plástico (cromático, lumínico, formal y compositivo), presenta una interpretación
personal de su punto de vista filosófico y menciona en el campo científico, una
coincidencia que aparentemente no ha sido estudiada, entre su composición y algunos
párrafos de los manuscritos A, H e I de París, del mismo Leonardo.
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152
“IMPRESIÓN EN CMYK DE UN GRABADO EN RELIEVE”
Organización de los recursos y la preprensa.
Juan Sebastián CARNERO
www.grabadoscarnero.blogspot.com
El objetivo de la ponencia es explicar claramente la forma en que es posible imprimir,
a partir de la cuatricromía, una gama más amplía en la impresión manual, teniendo en
cuenta los recursos y la preprensa.
Los resultados obtenidos son a partir de la experiencia: realizando el boceto a color y
teniendo en cuenta las trasparencias de la fibra, es posible tener una visión previa del
resultado de dicha impresión.
Estandarizando los recursos, tales como tipo de rodillo, prensa, papeles y tintas, es
posible agilizar el proceso de impresión, analizando previamente la secuencia de
colores.
Según el tipo de trama que se superpone, luego de ser grabada, es posible obtener
diversos tipos de naranjas, verdes y violetas, los cuales surgen por superposición del
cyan, magenta, amarillo y negro.
Dichos resultados, aportan una gama más amplia de colores a la obra final,
enriqueciendo la imagen.
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153
EL COLOR COMO VEHICULO DE LA IMAGINACION
Proyecto de Creación Colectiva.
Nora CHERÑAJOVSKY
Arte Relacional
A partir de la elaboración teórica de Nicolas Bourriaud, podemos inscribir esta
experiencia en el campo de la Estética Relacional, donde la parte más vital del juego
responde a nociones interactivas, sociales y relacionales. Hoy la realización artística
aparece como un terreno preservado de la uniformidad de los comportamientos,
intentando una “utopía de proximidad.”
En relación al concepto de Color tomo como fuente a Pablo Palazuelo, maestro
catalán, que en sus Escritos* se pregunta sobre diversos temas de la creación plástica,
entre los que profundiza sobre el color.
Sostiene que la luz es energía que cuando se conjuga con otra energía más lenta, más
material, entra en resonancia con ella coloreándose las dos conjuntamente. Y
menciona a Goethe, que dijo: “los colores son los actos, los trabajos y las penas de la
luz”.
Piensa que los colores no son en sí mismos puros ni impuros, ni bellos ni lo contrario.
Todo depende de nuestra capacidad para imaginar, para pensar con ellos y de los
sentimientos y emociones que ellos evocan en nosotros.
El color impulsa a la imaginación en su capacidad visionaria tendida siempre más allá
hacia la percepción de siempre nuevas conformaciones de la energía substancial. De
todos modos, las formas nunca son definitivas,
están en constante transformación.
Lo imaginado es el vehículo de energías psíquicas primeras, dinamismos del alma,
expresados como una música de los colores.
En ese sentido se anima a decir que la vista y el oído están en muy intima relación,
los colores se pueden ver y sentir pero también se pueden escuchar. Nos invita a
imaginar un color que como una perpetua efusión resplandeciente, como un sonido sin
fin, impregnara todas las direcciones del espacio, toda una extensión sin límites, sin
horizontes. Pero allí también nuestra visión puede comenzar a oscurecerse con el
avance de las sombras de un crepúsculo en aumento, fundiendo poco a poco el color
en un negro, regazo de todos los colores.
Performance participativa:
Se propone un espacio-tiempo donde los participantes puedan experimentar la
creación de un collage colectivo sobre un soporte liviano, con diversos materiales
coloridos, jugando con estos elementos: conexión interna, armonías o desarmonías,
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154
luz y oscuridad, lo visible y lo escondido, las formas y su ser efímeras al
transformarse continuamente.
Poniendo el cuerpo en acción, con otros, como estímulo directo de la Imaginación
Creadora, para pasar por la experiencia sensorial subjetiva del color que propone
Palazuelo.
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155
JÓVENES ARTISTAS ROSARINOS. UNA MIRADA ACTUAL
VINCULADA AL COLOR
Carlos Alcibíades ESQUIVEL
Escuela de Bellas Artes.
Facultad de Humanidades y Artes UNR. Rosario Sta. Fe.
Es nuestra intención abordar el estudio del color con los diferentes modos de usos en
la representación de las artes visuales, a través de un recorrido sincrónico y
significativo de los últimos 50 años. En el planteo inicial se hace referencia a la
problemática de la pintura ilusoria, característico del plano, hasta llegar a expresiones
actuales que superan los límites de la bidimensión e interactúa con el objeto y el
espacio.
En lo específico, es nuestro objetivo hacer un recorrido teórico de artistas del medio
local rosarino: Mabel Temporelli, la artista centra su mirada en lo femenino, aquellos
pequeños rituales de lo cotidiano, que se inserta en el árido mundo de la mujer y de lo
privado; Daniel Oberti, que explora materiales nuevos y en el proceso de
descontextualización opera sobre los objetos para volverlos a codificar. Claudia
Raimondo se vale de la acción performática para disparar mediante la gastronomía su
hacer artístico; y Mabel Burel señala a objetos cotidianos y alimentos que, a manera
de escaparate, mediante carteles cambia los nombres en un idioma muy personal.
Para poder entender el hacer artístico actual es necesaria una mirada en las obras
representativas de los diferentes períodos seleccionados del arte. La investigación
mediará en el análisis teórico de obras y no será un desarrollo cronológico. En los
años sesenta hay una búsqueda de nuevos soportes y se produce un cambio de la
mirada del espectador. El Op Art y el Arte Cinético recurre al color y la luz mediante
la dinámica y el movimiento, proponiendo una mirada universal y un arte puramente
retiniano; paralelamente al Pop, en la Argentina, se gesta a partir de los ’60 la
Neofiguración que se opone a lo imperante, el Informalismo; desde aquí ya se habla
de medios mezclados.
En la actualidad la producción artística no tiene fronteras, es interdisciplinaria,
colectiva y hasta puede ser efímera; de todos modos, el color se manifiesta de
diferentes maneras, no existen límites para poder representar una idea, las obras
interactúan con el espacio real: las instalaciones, las acciones y las intervenciones
urbanas. En el aspecto virtual está el video, el arte de red e Internet.
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156
EL COLOR EN LA OBRA DE LUCIO FONTANA
Lic. Carina FERRARI
Instituto Universitario Nacional del Arte
Esta ponencia surge de la investigación llevada a cabo por el equipo dirigido por la
Lic. Graciela Marotta y radicada en el Instituto Universitario Nacional del Arte, cuyo
tema es El espacio topológico en la obra de Cándido López, Raúl Lozza, Lucio
Fontana y Víctor Grippo.
Es a partir de este análisis, que se basa en un estudio del uso del espacio cualitativo en
la producción de los distintos artistas, que se puede afirmar que en la obra de Lucio
Fontana esa indagación topológica no es dada solamente por las distintas situaciones
que plantea en el espacio real, sino también por el uso que hace del color.
El objetivo de la ponencia, entonces, es mostrar cómo Fontana, a partir de una
novedosa utilización del color y en especial del brillo, los reflejos y la luz, realiza
experiencias espaciales complejas primeramente en el espacio tridimensional virtual
de la tela, poniendo luego de manifiesto su tridimensionalidad real.
Partiendo de sus obras informales, donde comienza a utilizar colores tierras aplicados
con mucha materia, pasando por sus agujeros (con o sin aplicaciones de materiales
brillantes como el vidrio o las lentejuelas) hasta los tajos monocromáticos, toda su
obra es una investigación sobre el espacio. Este espacio, que trasciende los límites del
bastidor y que es puesto en evidencia por la obra de Fontana, se sustenta no sólo en
esas perforaciones y el avance y retroceso del plano soporte, sino también en el color
saturado y el tipo de pintura elegido, siendo muchas veces esmalte sintético.
Es desde este lugar que el análisis de su producción puede contribuir al estudio del
color, ya que éste en Fontana no es utilizado en combinación con otros. No pinta
figuras geométricas con distintos colores buscando que se modifiquen unos a otros, ni
los neutraliza; parecieran ser puestos tal y como salen del pomo: el color plano y
pleno en su máxima saturación, de manera monocromática. Las variaciones del color
están dadas por el espacio real. La diferencia de valor está dada por la sombra real que
proyecta la tela sobre el bastidor al ser perforada.
Y es en esa elección de la aplicación del color, dejando de lado los juegos de
interacción y poniendo el acento en la vibración de cada color por separado, como
logra toda la potencia en su indagación del espacio.
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157
INTEGRACIÓN COMUNICACIONAL Y ESTÉTICA DE
FRAGMENTOS DE LUZ Y COLOR
María Celia GRASSI , Angela TEDESCHI y Norma Emma DEL PRETE
Facultad de Bellas Artes, Cátedra de Cerámica, Universidad Nacional de La Plata
[email protected] [email protected]
El mosaico, pintura teselada, ofrece una amplia diversidad cromática y es estímulo
para la búsqueda de una paleta más sutil. El uso del color modelado y el modulado
caracterizan al pintor mosaicista.
Este proyecto de integración interdisciplinaria, interinstitucional , entre la Cátedra de
Cerámica Básica y la Empresa MURVI SA., revela la profunda relación analógica que
el arte musivo ha tenido y mantiene con el contexto en el que se inscribe. Su ajuste en
el mundo postmoderno es una de las determinantes de su análisis y revitalización.
Partiendo de los conceptos de luz y color el propósito de las experiencias realizadas
en la Cátedra de Cerámica Básica, combinando los componentes químicos específicos
de las artes del fuego, es destacar los materiales musivos, opacos (smalti), traslúcidos
(mosaico veneciano) y metalizados, que interactúan espacialmente. Los mosaicos
venecianos expuestos a una fuente de luz se resignifican en la traslucidez.
Por otro lado, la empresa fabricantes a nivel industrial en el país de mosaico
veneciano, propone un espacio de búsqueda y reflexión para experimentar propuestas
estéticas no convencionales. Un punto de encuentro en el que se eliminan las barreras
entre artista y artesano, entre material noble y material utilitario, para dar lugar a
expresiones que redefinen una milenaria forma de arte.
En una visión macro, los mosaicos muestran un todo armónico pero el fragmento
evidencia universos complejos, paradójicos y autónomos. La luz reflejada sobre la
superficie genera un espacio ciego alrededor del cual se ordenan los motivos y
pinceladas que en el desplazamiento del observador adquieren otra presencia. Si bien
cada fragmento de material musivo muestra un color, su sutileza, su elegancia, su
esencia, lo que surge como realmente protagónico es la iluminación, los reflejos de la
luz, aprovechando el contraste entre los claroscuros que provocan las sombras cuando
las texturas propias o provocadas, los Opus, las generan.
Múltiples y variados métodos y técnicas –romana, bizantina, moderna- combinados
con materiales de diferentes durezas y resistencias infunden color, ritmo y armonía
tanto a composiciones elaboradas siguiendo cánones tradicionales, como en libres
interpretaciones donde orden y desorden viven en sinergia.
Desdibujados los respetos hacia procedimientos muy pautados y, proclamados los
mixes materiales, el resurgir del mosaicismo salta de un extremo a otro, mantiene en
el siglo XXI respeto por la técnica clásica y conservadora y libera al mismo tiempo su
uso en círculo de artistas transgresores, audaces e innovadores.
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158
Hay rigor, calidad y creatividad en la integración comunicacional y estética de
fragmentos de luz y color, usar los materiales fuera de sus límites es una pasión que
enriquece la técnica ancestral.
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159
LOS MONOCROMOS DE YVES KLEIN O, PORQUÉ UN EJEMPLO
FALLA EN TRANSMITIR UN SIGNIFICADO
CONGRUENTEMENTE
Claudio F. GUERRI y William S. HUFF
Universidad de Buenos Aires - State University of New York at Buffalo
[email protected], [email protected]
Antecedente de este trabajo es el paper “A Comprehensive Treatment of Color,
Submitted to the Semiotic Nonagon” presentado en Argencolor 2004 y publicado en
inglés en las Actas (Buenos Aires: Nobuko, 2006). Posteriormente se presentó en el
Congreso de la AIC Colour05 en Granada, un póster con una síntesis conceptual. El
póster fue diseñado por el diseñador gráfico y tipógrafo suizo-alemán Helmut Schmid.
En esta Jornada se podrá ver también un re-diseño del póster en forma de leporello
realizado por el diseñador alemán Frank Hess. La problemática central de estos
trabajos era determinar los criterios lógicos para la elección y uso de un color, algo
que estaba pendiente desde los planteos de Goethe. La metodología utilizada fue el
Nonágono Semiótico (Guerri 2003) derivado de las categorías lógico-filosóficas
propuestas por Charles Peirce.
El trabajo actual demuestra que la elección de un sólo criterio de uso del color implica
en realidad –de alguna manera– también a los otros criterios lógicos posibles. Una
versión anterior de este trabajo fue presentada y publicada en inglés en las Actas del
7º Congreso de la Asociación Internacional de Semiótica Visual –AISV-IAVS– en
Estambul, Turquía, en 2007.
Es sabido que hubo a lo largo de los años muchos intentos serios para identificar –
incluso aislar– concretas funciones o usos posibles del color. El Nonágono Semiótico,
que fue utilizado para validar y cualificar los posibles y discretos criterios de uso del
color, es un modelo operativo compuesto por una matriz de nueve cuadros que ordena
los nueve sub-signos propuestos por Peirce.
El impulso natural subsiguiente es ilustrar cada criterio de elección del color
identificado conceptualmente con un ejemplo concreto. El criterio más elemental se
refería a la experiencia de un simple campo de color, donde no habría ni siquiera un
esbozo de contraste alguno. Los Monocromos de Ives Klein parecen ser un ejemplo
perfecto para este caso. Sin embargo, los Monocromos son toda una pintura y su
monocromaticidad no es más que una de las necesarias elecciones hechas por Klein.
Así es como los monocromos fueron hechos también en rojo y amarillo, lo cual
implicaba los colores primarios de una teoría del color. Los colores primarios a su vez
aluden a Mondrian y a una estética Moderna… En síntesis, un monocromo de Klein
es un signo completo y complejo que involucra de una manera u otra a todos los sub-
signos.
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160
DESARROLLO DE TECNOLOGÍAS ARTESANALES SOBRE EL
AEROSOL: AMPLIACIÓN DE LA PALETA DE COLOR EN EL
GRAFFITI HIP HOP DE MAR DEL PLATA
María Paula GIGLIO
Grupo de Extensión desde el Arte, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño,
Universidad Nacional de Mar del Plata.
[email protected], http://geamdp.blogspot.com
El aerosol, herramientas fundamentales del graffitero, cuenta con ciertas posibilidades
y limitaciones tanto tecnológicas, colorísticas y gráficas en la mayoría de las marcas
utilizadas en Mar del Plata. Cartas reducidas de colores, poco desarrollo tecnológico y
baja calidad son algunos de los problemas con los que se encuentran en el mercado
estos jóvenes artistas además de las limitaciones económicas.
Por ello, los graffiteros de Mar del Plata (y de otros lugares) generan, copian,
reformulan y adaptan tecnologías artesanales sobre el aerosol para ampliar la paleta de
colores que disponen. Al intervenir en los aerosoles construyen nuevos y diferentes
colores, generan gamas, colorean barnices, entre otros usos.
En anteriores ponencias correspondientes a los Congresos y Jornadas del GAC se
expuso una introducción al color en el graffiti desde un enfoque general
particularizando en el graffiti hip-hop como arte, reconocimiento de técnicas,
productos, materiales y marcas, etc.; se avanzó sobre el aprendizaje del color, sus
conocimientos teórico-prácticos y formación necesarios para hacer graffitis; y se
presentó el desarrollo incipiente de tecnologías artesanales graffiteras.
Si bien algunas de las formas de mixiado (mezcla de aerosoles) eran conocidas
con anterioridad por los graffiteros marplatenses, se analizó cómo un grupo en los
años 2005 y 2006, comienza a apropiárselas, adaptándolas a su realidad, las aplica y
las perfecciona con fines artísticos gracias a nuevos conocimientos sobre el color, los
resultados de mezcla, el intercambio de experiencias con graffiteros de otros lugares y
el propio crecimiento artístico.
En esta oportunidad se profundizará en dicho estudio y se mostrarán los avances
de los últimos años: resultados de nuevas mezclas, intervención de picos para lograr
distintas calidades de trazos, modos de adaptar picos especiales a latas comunes, la
reproducción, con colores de otras marcas, de ciertos colores de una carta de aerosoles
de marca especialmente diseñada para graffiteros; la previsión de la paleta de colores
personalizada con anterioridad a la producción de graffitis y la elaboración in situ. Se
analizará la importancia de las necesidades expresivo-artísticas que llevan a superar
barreras materiales y se mostrarán nuevos resultados de la aplicación de la tecnología
artesanal.
En esta ponencia se intenta aportar al estudio del color en el hacer artístico del
graffiti, y al conocimiento de la tecnología del aerosol y posibilidades de uso, a través
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161
de develar las estrategias y resultados de ciertos grupos de usuarios que superan las
limitaciones del producto y del mercado.
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162
OBTENCIÓN DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHULUCANAS
Alejandra JONES* y María JONES**
* Secretaría de extensión del posgrado en artes visuales Ernesto de la Cárcova. IUNA
** Escuela de Posgrado de Ciencias Sociales, Univ. Nac. Mayor de San Marcos,
Lima, Perú.
Quisiéramos presentar una manera particular de obtención de color (positivo-
negativo) que desarrolla una comunidad de artistas y artesanos ubicada en la ciudad
de Chulucanas y el caserío La Encantada, aproximadamente a mil kilómetros al norte
de Lima, Perú.
La decoración en negativo y positivo, obtenida a través del ahumado, proveniente de
la cultura Vicús (500 a.c. aprox.), le ha dado identidad a Chulucanas, conocida en
Perú por esta particularidad en sus cerámicas.
Para lograr esta decoración, en general bicromática, el color negro es obtenido a
través del humo que emana el quemado de las hojas de mango, abundante en la zona,
y el terracota es producto de una reserva5 realizada sobre la pieza una vez
bizcochada6.
A partir de las visitas a talleres y entrevistas realizadas en Chulucanas hemos visto
que las actuales decoraciones en positivo-negativo fueron retomadas con diseños
actualizados, luego de siglos olvidadas “Yo nunca hice huacos. Puedo hacer pero le
respeté la idea a mis antepasados. Dije: voy a hacer cosas contemporáneas aplicando
sus técnicas (…) como alfareros, artesanos queremos dejar un mensaje del tiempo
donde uno vive. Los antiguos que no sabían leer ni escribir nos dejaron así algo de su
época. Lo entendimos así”7
Por su parte, el paleteado (heredado de la cultura Tallán (500 d.c.) es la técnica con la
cual los artesanos y artistas de la zona dan forma a sus piezas golpeando la parte
externa rítmicamente con la paleta mientras por el interior, con una piedra a manera
de yunque, se va afinando logrando la forma buscada.
Finalmente la ponencia, a través de una presentación en power point, mostrará piezas
originales de las culturas Vicús y Tallán y el proceso actual mediante el cual los
artesanos elaboran la cerámica chulucana.
5 Reserva: técnica decorativa que consiste en cubrir un determinado sector de la pieza para que al aplicarse luego engobes,
pigmentos, humo, etc. el diseño se preserve. 6 Bizcocho: pieza de arcilla que ha sido horneada logrando su transformación química a cerámica. 7 Entrevista a Gerásimo Sosa Alache, uno de los principales responsables de la cerámica chulucana, realizada el 27 de septiembre
de 2005 en Chulucanas, Perú.
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163
EN LA OBRA CONCEPTUAL EL COLOR ES SENTIDO
EL COLOR, EL ESPACIO Y OTRAS COSAS … EN EL DISCURSO
DE LA OBRA
Graciela MAROTTA
IUNA
En ésta serie de obras que se presentan y se analizan, cada elemento constitutivo ha
sido pensado y utilizado, para construir un discurso visual que es la razón de haber
concretado la obra. Se trata de mi obra personal y ella está construida a partir de mi
necesidad, recurrente, de comunicar, de decir, de contar, cosas que no me puedo
callar, y que no digo en palabras sino en formas y color, ubicadas en un espacio
Se trata de una serie de aproximadamente 50 trabajos que considero objetos y que
como tales, provienen del mundo de la pintura, a partir de romper el plano de la tela y
salir al espacio real.
El color en las obras es fundamental hasta cuando aparentemente no lo parezca.
El trabajo teórico explica, como para una artista conceptual (ahí me ubico), color, hay
siempre en la obra y como, ese color en consonancia con el espacio pasa a ser un
significante en la construcción de la misma.
Se analizará la obra de arte como un elemento comunicativo porque así lo pienso
como artista y lo sostengo desde la teoría. Y la relación de ésta idea, la comunicación
en el arte, con el arte conceptual.
Se hará una breve reseña que ubicará al arte conceptual en el contexto del arte
universal y luego se analizará en las distintas obras como el espacio elegido, con el
color utilizado y las formas creadas constituyen un discurso que refleja una etapa de la
vida de la artista.
Esa artista que es quién escribe, hizo en el momento de mostrar la obra, una reflexión
en un texto que la ubica en un contexto regional y cultural comparable a otros artistas
argentinos a quienes siente, que de algún modo homenajea con la obra que muestra.
Esa lectura también nos dará la posibilidad de ver y entender el color y el espacio
como elementos constitutivos básicos constituyentes de sentido en la obra.
Resumiendo, se trata de una ponencia donde una artista presentará su obra en relación
de contexto en cuanto a su ubicación estética, su lugar en el mundo y su posición ética
frente al discurso del arte. Entendiendo que ese discurso se construye con cada uno de
los componentes de la obra. Demostrando en el trabajo que entre esos componentes el
color y el espacio son elementos fundamentales.
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164
COLOR Y FORMA: SIGNOS ICÓNICOS PARTICULARES DEL
TRANSCURSO DEL TIEMPO EN LA PINTURA Y EN MI PINTURA.
Cristina MANGANIELLO
Universidad Nacional de La Plata
www.cristinamanganiello.com.ar
Me propongo estructurar un análisis y clasificación de signos icónicos que hacen
referencia al “tiempo” en la pintura occidental y en mi pintura, significado que
aparece reiteradamente en el arte plástico y en especial en mi obra ya sea como
primero o segundo nivel de lectura, tal vez porque el tiempo junto la idea de dios, el
amor y la muerte son hitos dentro de los grandes interrogantes humanos. Estos signos
del “tiempo” en la pintura serán decodificados a través de signos formales y tonales
de atributo temporal con diversa apariencia y consecuente significado.
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165
JUAN GRELA G. UN PARADIGMA.
María del Carmen NISS
Facultad de Humanidades y Artes. U.N.R.
La obra de Juan Grela G. es paradigma de búsquedas en torno al color como medio de
comunicar diferentes intencionalidades en la producción del sentido de una obra. Mi
objetivo es mostrar cómo Grela, entre las décadas del 40’y el 80’, halla canales
expresivos en procedimientos y conceptos propios de estilos artísticos tomados de
referencia bajo una actitud de estudio que revaloriza al color: elemento de un
lenguaje.
Hacia 1933, en la “Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos de Rosario” habla
de vanguardia, política y sociedad; estudia al primer renacimiento, a Picasso, Dix y
Metzinger. Aplica recursos del naturalismo, el claroscuro escultórico y el color local
buscando “un realismo que el pueblo entendiese”.
Por 1940, nace su hijo Dante. El color de sus “naturalezas muertas”, saturado y
modulado se nutre de Gauguin, Vang Goh y Cézanne. En sus “maternidades”, las
figuras se retuercen y pliegan sobre sí mismas; luces y sombras abren contornos en un
espacio “abarrocado”, profundo. Surge un vínculo sensible con lo orgánico -vital.
Promediados los 40’ renace el deseo de denuncia social. Pero la “época de la
Basurita” trasunta equilibrio entre belleza, serenidad -apreciada en Musto y
Schaivoni- y testimonio acusador. La imagen toma cierta independencia del modelo
natural. El color modula y modela discretos volúmenes, la línea enfatizada exagera
rasgos con “realismo expresionista”.
El carácter abstracto y la geometrización aumentan junto al interés por la
especificidad pictórica. Entre1950 y 1970, la visión del mundo como unidad
armónica, la búsqueda del lenguaje universal y su temperamento reflexivo, convergen
en una “abstracción geométrica figurativa” sustentada en la proporción áurea. En el
período “de la paleta tierra” aplica texturas de pequeñas pinceladas en planos de
diferentes valores. Figuras emblemáticas y paisajes connotan americanismo en
relación a su estudio del arte precolombino. En los 60’ la voluntad de forma e
importancia dada a la estructura permite hablar de “constructivismo” en referencia a
Torres García. El color plano y saturado, en ajustado contrapunto de oposiciones, es
también estructura.
Hacia 1970, el ángulo recto da entrada a la fantasía. La curva geométrica se ondula.
Retorna lo orgánico-vital y la estructura surge de un trazado automático dando
nacimiento a un mundo que parece real, de formas volumétricas junto a planos. El
color es elegido al azar. Podría hablarse de “naturalismo -surrealista”. Su “maestro” es
Miró.
Ya en las últimas obras de Grela- “Polimaterias” y “Maderas”- realizadas desde los
80’, el devenir del inconsciente y el orden impuesto por la razón, el azar y el
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166
conocimiento del maestro confluyen en su fiel convencimiento de que el pintor no
pinta sólo con colores y formas, “pinta con la vida”.
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167
EL COLOR DIGITAL EN LA ILUSTRACIÓN:
DEL LAPIZ DE MADERA AL LÁPIZ ÓPTICO
Carlos PINTO
www.carlospinto.com.ar
www.pintocarlos.blogspot.com
Color directo y color digital en la ilustración.
Digitalización e intervención de imágenes con photoshop.
Tratamientos cromáticos con herramientas digitales en el campo del humor gráfico, la
ilustración infantil y periodística.
El relato de la experiencia como artista en el campo de la ilustración periodística e
infantil, atravesada por la digitalización de los medios gráficos desde la década del 90,
proceso que incidió en sus técnicas de dibujo y pictóricas.-
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168
BENITO QUINQUELA MARTÍN Y LOS PINTORES DE LA BOCA.
El color como medio de expresión de vida de un barrio.
Emilia RABUINI.
Centro Pampa de Arte y Diseño
La sensación de color y entorno cromático han sido y son presencia activa y parte de
la memoria colectiva del barrio de La Boca.
Su color surgió inicialmente como una necesidad funcional de protección de los
materiales de los característicos conventillos de chapa y madera que conforman el
entorno urbano, utilizando para ello los remanentes de las pinturas de los barcos. El
color se utilizó además como una necesidad de diferenciación social del grupo
inmigratorio europeo que le dio origen y que aún hoy perdura con las corrientes
inmigratorias de países vecinos.
Los pintores de La Boca en especial Benito Quinquela Martín se consustanciaron
con ese paisaje urbano incorporando en sus telas su riqueza cromática, a tal punto
que el propio Quinquela incorporará su impronta pictórica en el paisaje urbano
pintando con sus colores y criterios personales los edificios cuyos terrenos donó.
Con la convicción de que este patrimonio cromático tan importante para nuestro país
debe ser conservado y registrado, presentaré el análisis de las paletas históricas del
mismo.
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169
TEORÍA DE LA OPOSICIÓN CROMÁTICA
Manuel RUBÍN.
Es una investigación basada en el análisis cualitativo de la estructura constructiva del
color. La misma plantea un sistema de armonización de los colores, basándose en sus
opuestos complementarios y en la temperatura comparativa de la identidad cromática
de los 18 colores denominados básicos, según el autor.
La hipótesis postulada es: sostener que la oposición directa entre Amarillo de Cadmio
- Violeta de Dioxazina carecen de temperatura, debido a que cada uno de los colores
saturados que los componen, obtiene su identidad de temperatura oponiéndose con
respecto a las circunstancias cromáticas en que se encuentren.
Dentro de las familias de los colores primarios se hallan:
Los amarillos: Amarillo de Cadmio (armónico); Amarillo Dorado (cálido) y su
instancia Amarillo Limón (frío).
Los rojos: Magenta (armónico); Rojo de Cadmio (cálido) y Carmín (frío)
Los azules: Azul Cobalto (armónico); Azul Ultramar (cálido) y Azul de Ftalocianina
(frío).
Dentro de las familias de los colores secundarios se hallan:
Los violetas: Violeta de Dioxazina (armónico); Violeta Cálido y Violeta Frío.
Los verdes: Verde de Cadmio (armónico); Verde de Cromo (cálido) y Verde de
Ftalocianina (frío).
Los naranjas: Naranja Permanente (armónico); Naranja Cálido y Naranja Frío.
Los opuestos están dados por un color primario y el secundario resultante de la suma
de los dos primarios restantes de la triada de los colores primarios.
Dentro de las oposiciones se encuentran las directas denominadas a aquellas donde no
comparten ningún color en la estructura constructiva de los mismos. Se proyectan por
el centro del círculo. Se oponen dentro de las familias, los dos colores de instancia
neutral; el de instancia fría de una familia con el cálido de la otra y viceversa.
Dentro de las oposiciones indirectas denominadas a aquellas donde comparten algún
color entre los opuestos en su familiaridad o estructura constructiva de los mismos.
Las mismas están dispuestas en el círculo cromático de manera tal que no pasan por el
centro del círculo y a medida que su distancia es menor; su familiaridad es mayor.
El destino de esta investigación es llevar al consciente el análisis y empleo de los
colores como recurso expresivo; para librar al inconsciente y permitirle emplear el
color como herramienta de manifestación subjetiva.
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170
EL USO EXPRESIVO DEL COLOR EN EL FILM "EL COCINERO,
EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE"
Roxana TROISI
Centro de Formación Profesional del SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica
Argentina)
El objetivo del siguiente trabajo es analizar el uso expresivo del color, como recurso
cinematográfico y plástico convertido en herramienta formal arbitraria y decisiva para
la narración y propuesta estética de este film.
El mencionado análisis se divide en núcleos, ligados a aspectos narrativos-formales, a
saber:
Los decorados
El color se impone en la determinación de los escenarios, es una llave de ubicación
espacial, actúa como evidencia causalmente impuesta, logrando que cada
ambientación se asuma como entidad ante la presencia del color que la identifica.
El vestuario
El color en el vestuario contrae el compromiso de relatar a los personajes y su relación
con el entorno. Desobedeciendo leyes lógicas o naturalistas, se invoca con la
combinación cromática el reflejo psicológico e incluso moral de los sujetos, atentos a
un orden interno regido por la arbitrariedad dogmática colorista.
Las transiciones
El movimiento de los sucesos en esta historia se acusa remarcadamente por el uso de
la luz y el color. Ambos elementos subyacen como protagonistas dinámicos a lo largo
del relato.
Los amantes
Esta es la relación que destacamos en el análisis ya que en ella se conjugan todos los
elementos plásticos a disposición para amalgamar la estrecha relación entre la
gastronomía, la sexualidad y el crimen que se perpetrará. El color acentúa y señala
coincidencias visuales y sensoriales.
La escena final
La intensidad de la escena final se verá subrayada por el empleo de la saturación
incrementada, proporcionando el marco adecuado para la consumación de la
venganza.
Conclusión general: el color puede ser empleado en tono de código interno, incluso
caprichoso por su arbitrariedad, pero apelando a un criterio fundador coherente en
toda la estructura narrativa del film.
El color como llave maestra, poniendo en relación el espacio (ordenando analogías,
activando contrastes) y el tiempo (dando evidencias de lo que sucede y anticipando lo
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que sucederá) se emplea en este film no solo como un indicador visual, sino como un
personaje más, silencioso e integrador.
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