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M. Lefèvre was invited to perform at International Festivals, among which Ravinia, Saratoga (SPAC), Wolf Trap, Cervantino, Istanbul, Epidaurus and Athens. With L’Enfant prodige in 2010, a film about Andre Mathieu’s life, he took part in his first motion picture as music director, composer and pianist. Mr. Lefèvre is a passionate advocate of Québécois composers; indeed, 2012 was also the year of the creation of François Dompierre’s 24 Preludes at the Lanaudière Festival, a concert and recording saluted as “Event of The Year“ and “Album of The Year“ by La Presse. In January 2013, he also gave the world premiere with the OSM of the Concerto de l’Asile composed especially for him by Walter Boudreau. In December 2013, Mr. Lefèvre was in concert at Carnegie Hall performing André Mathieu’s works, therefore contri buting to the promotion of Canadian music on the interna tio ­nal scene.

His recent album, Chopin: 24 Preludes, earned Alain Lefèvre a rave review in Fanfare magazine, where he was consecrated as being among the greatest romantic pianists; “With Lefèvre one gets the feeling of what a rare being Chopin was, not just as an artist but as a living soul.”

www.alainlefevre.com

ALAIN LEFÈVRE

M. Lefèvre a été invité entre autres par les Festivals internationaux de Ravinia, de Saratoga (SPAC), de Wolf Trap, de Cervantino, d’Istanbul, d’Épidaure et d’Athènes. En 2010, avec L’Enfant prodige, film sur la vie d’André Mathieu, M. Lefèvre signait son premier film en tant que directeur musical, compositeur et interprète. Ardent défenseur de la musique de nos compositeurs québécois, l’année 2012 aura également été marquée par la création des 24 Préludes de François Dompierre au Festival de Lanaudière, consacré « Évènement de l’Année » et « Disque de l’année » par La Presse. A suivi la création du Concerto de l’Asile en janvier 2013 avec l’OSM, que lui a composé Walter Boudreau. En décembre 2013, M. Lefèvre était en concert au Carnegie Hall dans un programme André Mathieu, contribuant ainsi au rayonnement de la musique d’ici sur la scène internationale.

Son récent album, Chopin : 24 Préludes, a valu à Alain Lefèvre une critique dithyrambique du maga­zine Fanfare, où on le consacre parmi les plus grands pianistes romantiques : « Avec Lefèvre, nous sommes saisis par le sentiment que Chopin était un être rare, non seulement à titre d’artiste mais aussi comme être humain »

www.alainlefevre.com

ALAIN LEFÈVRE

Ambassadeur artistique du Festival de Lanaudière, le pianiste et compositeur Alain Lefèvre a joué dans une quarantaine de pays et se produit régu­lièrement sur les scènes prestigieuses du monde. Il est récipiendaire d’un Prix JUNO (2010), d’un Prix Opus (2011), de dix Félix (ADISQ, 2001­2013) et du Prix André Gagnon (SPACQ). Il a été soliste invité entre autres du Royal Philharmonic Orchestra au Royal Albert Hall et au Royal Festival Hall, des London Mozart Players, de l’Orchestre National de France au Théâtre des Champs­Élysées, de l’Orchestre Philharmonique de Monte­Carlo, du China Philharmonic, du Guangzhou Symphony, du Shanghaï Symphony, du Malaysian Philharmonic Orchestra, du Komische Oper Orchester de Berlin, de la SWR (Stuttgart), de la Stattskapelle Sinfonie de Weimar, de l’Orchestre symphonique de Hambourg, du Philadelphia Orchestra, de l’Orches­tra of St­Luke’s de New York, du Detroit Symphony, du National Symphony à Washington, du Houston Symphony, de l’Orchestre symphonique national de Mexico, de l’Orchestre philharmonique de Buenos Aires et des Virtuoses de Moscou. Il a collaboré avec des chefs de renom, tels Matthias Bamert, James Conlon, Franz­Paul Decker, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, JoAnn Falletta, Claus Peter Flor, Lawrence Foster, Bernhard Klee, Kent Nagano, Yannick Nézet­Séguin, Jukka­Pekka Saraste, Vladimir Spivakov et Long Yu.

Artistic Ambassador to the Lanaudière Festival, Alain Lefèvre has played in more than forty coun­tries and tours repeatedly worldwide, performing in prestigious venues. He is recipient of a JUNO Award (2010), a Prix Opus (2011), ten Félix (ADISQ 2001­2013), and of the André Gagnon Award (SPACQ). He has been guest soloist of the Royal Philharmonic Orchestra at the Royal Albert Hall and Royal Festival Hall, the London Mozart Players, the Orchestre National de France at the Théatre des Champs­Élysées, the Orchestre Philharmonique de Monte­Carlo, the China Philharmonic, the Guangzhou Symphony, the Shanghaï Symphony, the Malaysian Philharmonic Orchestra, the SWR (Stuttgart), the Komische Oper Orchester in Berlin, the Stattskapelle Sinfonie in Weimar, the Hamburg Symphony, the Philadelphia Orchestra, the New York Orchestra of St­Luke’s, the Detroit Symphony, the National Symphony in Washington, the National Symphony Orchestra of Mexico, the Buenos Aires Philharmonic Orchestra and the Moscow Virtuosi, to name but a few. He has also worked with leading conductors such as Matthias Bamert, James Conlon, Franz­Paul Decker, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, JoAnn Falletta, Claus Peter Flor, Lawrence Foster, Bernhard Klee, Kent Nagano, Yannick Nézet­Séguin, Jukka­ Pekka Saraste, Vladimir Spivakov, and Long Yu.

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Cette Sonate en fa majeur ne fait pas exception. Un homme engage la conversation et tout ce qu’il raconte vous intéresse, vous intrigue, vous émeut. Vous en oubliez le temps. Il provoque vos questions et vous tire des confidences qu’une confiance instinctive vous autorise à divulguer tant l’intel­ligence, la curiosité, la bonté et la tendresse dis­crète voilée d’humour vous font croire, à nouveau peut­être, à la bonté de l’Homme.

C’est là un bien beau cadeau qu’Haydn nous offre.

MAURICE RAVEL (1875­1937)

La Valse

Encore aujourd’hui, la valse demeure le symbole de la joie de vivre. Mariages, bals de finissants, stations de radio en passant par Stanley Kubrick qui a transplanté le Beau Danube bleu jusque dans l’espace de son 2001, l’odyssée de l’espace ou Vienne qui lance chaque nouvelle année par une célébration planétaire de la danse à trois temps, ce rythme nous est aussi familier que notre battement de cœur. L’évocation de la cour de l’Impératrice Sissi reste à jamais l’image idéalisée d’un âge d’or de l’humanité. Et pourtant !

L’énergie débridée du premier mouvement s’empare du troisième pour un dernier round. Rachmaninov reprend le combat là où il l’avait laissé. Après une nouvelle vague d’affrontements sauvages alternant violence et tendresse, la coda – et c’est une première chez notre compositeur – ne débouche pas sur la lumière et il faut afficher match nul. Cette sonate, à la fois une des œuvres les plus sombres et les plus excitantes de son auteur, laisse l’auditeur simultanément épuisé et exalté.

JOSEPH HAYDN (1732­1811)

Sonate en fa majeur no 38, Hob. XVI :23

Le dicton voulant que « les gens heureux n’ont pas d’histoire » pourrait s’appliquer à Haydn tant sa musique est évidente, ancrée dans la tradition classique jusqu’à la définir et si saine que deux siècles après sa mort, nous y revenons encore et toujours.

La forme haydnienne est logique, rationnelle, par­faite. Nous pourrions être à deux doigts de l’ennui mais, et c’est là le génie de Haydn, sa capacité inouïe d’invention et de renouvellement investit de sens chaque formule et débouche sur une rhé­torique qui parvient à articuler toutes les nuances du langage, tant de l’esprit que du cœur.

dans Seven Year Itch (1955). Comment passer sous silence tous ces gymnastes et patineurs qui ont décroché des milliers de médailles grâce à lui, sa musique leur servant d’accompagnement et en en faisant ainsi l’ancêtre de la musak !

Rachmaninov écrit la Sonate en si bémol majeur opus 36 à 40 ans en 1913. Schumann en parlant de la Sonate « funèbre » de Chopin commentait ses mouvements en parlant de « ses plus extra­vagants enfants (réunis) pour les faire passer en contrebande sous la sauvegarde de ce titre ». Car cet ouragan en trois mouvements rattachés les uns aux autres par une transition quasi­identique a toutes les allures d’une improvisation rhapso­dique. À la limite du supportable, le premier mou­vement s’ouvre par une spectaculaire avalanche qui sillonne tout le clavier comme un éclair un ciel de juillet, entraînant l’auditeur dans un maelström dont même le lyrisme du deuxième thème ne par­viendra pas à freiner la chute vers l’abîme, lais­sant dans son sillage une dévastation qui pose le décor du deuxième mouvement.

Du désenchantement bouleversant qui sous­tend cette fausse accalmie dont la sérénité n’est qu’apparente, surgit une nostalgie insoutenable qui devrait suffire à installer Rachmaninov au pan­théon des âmes tourmentées.

SERGUEÏ RACHMANINOV (1873­1943)

Sonate pour piano no 2 en si bémol mineur, op. 36

(version Horowitz)

Rachmaninov a toujours été aimé du grand public et méprisé par une certaine intelligentsia émi­nemment grise. Le grand pianiste Claudio Arrau lui­même n’a­t­il pas déclaré à un ami montréa­lais que Rachmaninov, c’était de la musique de nightclub ! Ostracisé de son vivant par les défen­seurs de la modernité et accusé de se cantonner dans un post­romantisme sentimental et racoleur au moment de la tabula rasa musicale d’après Hiroshima, il symbolisera la décadence de l’ancien monde qui avait mené la civilisation au bord de la dissolution.

L’intégrisme de l’avant­garde ayant rendu l’âme, nous pouvons maintenant survoler la création du 20e avec équanimité ; Rachmaninov y représente le dernier chaînon, anachronique peut­être, mais magnifique, d’une grande tradition.

Bien avant que le film Shine (1996) ne fasse du Rach 3 le concerto le plus célèbre du monde, Frank Sinatra s’était emparé du Rach 2 dès 1945 avant qu’il ne serve d’appât pour séduire Elizabeth Taylor dans Rhapsody (1954) et Marilyn Monroe

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Rachmaninoff wrote the Sonata in B­flat minor, op. 36 in 1913, at the age of 40. Robert Schumann, speaking of Chopin’s op. 35 Funeral March sonata, said that he “simply bound together four of his most unruly children” and called it a sonata. In much the same vein, Rachmaninoff’s sonata is a sort of hurricane in three movements, held together by two very similar transitions that dis­play all the hallmarks of rhapsodic improvisation. It opens with a spectacular avalanche that spills down the keyboard like a flash of lightning, draw­ing the listener into a maelstrom where even the lyrical second theme cannot prevent a fall into the abyss, leaving in its wake a devastation that sets the stage for the second movement.

From the disenchantment underlying this false respite, which only seems serene on the surface, arises an unbearable nostalgia that, by itself, should be enough to elect Rachmaninoff to the pantheon of tormented souls.

The unbridled energy of the first movement returns in the third, with Rachmaninoff renewing the combat where he left off. After a yet another wave of savage clashes in which violence and tenderness alternate, the coda, in a first for Rachmaninoff, does not lead toward the light, and the sonata ends in a draw. Simultaneously one of the composer’s darkest and most exciting works, the sonata is both exhausting and exhilarating.

paroxysme, inimaginable avant le déchaînement du carnage qui a signé la mise à mort du code d’honneur et des valeurs qui avaient régi l’Europe depuis des siècles. Avec comme décor la dispari­tion de la Russie et de l’Empire austro­hongrois, Ravel met en place, avec la même minutie que les articles du Traité de Versailles rageur et vengeur, les mécanismes qui vont déclencher l’éclatement final du monde civilisé. La course à l’abîme de ce carrousel hors contrôle présente à la conscience collective une coupe synchronique de l’Europe avant et après la drôle de guerre et résume en plus ou moins treize minutes plus d’un demi­siècle d’Histoire.

© Georges Nicholson

Les intentions de Ravel à la fin de l’automne 1919 sont transparentes puisque le titre de travail de l’œuvre est : Wien, Vienne. Ce n’est pas un hasard non plus si Ravel choisit ce rythme immortel un an après l’Armistice (11 novembre 1918) pour ce poème chorégraphique dans lequel il propose une allégorie et comme un télescopage de cette hécatombe qui a fauché plus de vies que toutes les guerres précédentes réunies.

L’œuvre s’ouvre par une pulsation claudicante, martèlement sourd de turbines d’usines qui subrepticement transforme le crapaud en prince charmant. Ce qui se passe à l’étage supérieur est tout aussi inquiétant. Des fragments de mélodies en lambeaux surgissent de ce magma menaçant et finissent par se reconnaître et s’unir pour qu’émergent les uns après les autres ces couples qui tourbillonnent, se disloquent, se reforment et finissent par se révéler les véhicules d’une mécanique de la Mort dont ils sont aussi bien les victimes que les instruments.

Ravel avait déjà abordé la Guerre 14/18 avec Le Tombeau de Couperin, chacune de ses six pièces étant dédiées à la mémoire d’amis tombés pour la France. Chaque mouvement était magnifié par l’émotion contenue à l’intérieur d’une forme ancienne issue d’un monde depuis longtemps éva­noui. La Valse au contraire exploite un langage du

SERGEI RACHMANINOFF (1873­1943)

Piano Sonata no. 2 in B­flat minor, op. 36

(Horowitz version)

Though popular with the general public, Sergei Rachmaninoff has always been disdained by a certain grey­haired intelligentsia. Even the great pianist Claudio Arrau once told a Montréal friend that Rachmaninoff was “nightclub music”. After the musical tabula rasa that occurred after Hiroshima, Rachmaninoff was ostracized by defenders of modernity and accused of limiting himself to sentimental, populist Post­romanticism, thus symbolizing the old­world decadence that had led civilization to the brink of destruction.

But with avant­garde integrism now behind us, we can look back upon the works of the 20th century with equanimity; Rachmaninoff represents the last link – anachronistic perhaps but no less mag­nificent – in a grand tradition.

Long before the film Shine (1996) turned Rach 3 into the world’s most famous concerto, Frank Sinatra used Rach 2 in 1945, even before it was used to seduce Elisabeth Taylor in Rhapsody (1954) and Marilyn Monroe in Seven Year Itch (1955). Not to mention the countless gymnasts and figure skaters who have won thousands of medals performing to his music, and in doing so, making him the ancestor of musak.

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melody arise from the magma below, meeting and combining into pairs that swirl around, split apart, and reform again only to show their true nature: agents of a death machine, of which they are both the victims and the instruments.

Ravel had already broached World War I in Le tombeau de Couperin, with each of its six move­ments dedicated to a friend who had fallen during the war and each magnified by the emo­tion conveyed by an ancient and elegant form. La Valse, on the other hand, employs a language of extremes that were unimaginable before the brutal carnage that accompanied the demise of Europe’s centuries­old code of honour and values. Against a backdrop of the fall of Russia and the Austro­Hungarian Empire, Ravel reconstructs–with the same meticulous detail as the harsh and vengeful articles of the Treaty of Versailles–the mechanisms that ultimately triggered the disinte­gration of the civilized world. In about 13 minutes, this out­of­control carrousel offers a glimpse of Europe both before and after the “Great War” and encapsulates over a half­century of history.

© Georges Nicholson Translation: Peter Christensen

MAURICE RAVEL (1875 – 1937)

La Valse

Even today, the waltz remains a symbol of joie de vivre. Whether it be at weddings and proms, on the radio, at the movies (Stanley Kubrick’s use of “The Blue Danube” in 2001: A Space Odyssey, for example), or in Vienna, which kicks off each new year with a worldwide celebration of this triple­metre dance, the waltz rhythm is as famil­iar as a heartbeat. The Viennese court of Empress Elisabeth of Austria will forever remain an ideal­ized image of a golden age, despite the tribula­tions of her life.

Ravel’s intentions with this piece in the fall of 1919 are clear, since its working title was Wien, or Vienna. Nor is it a coincidence that Ravel used the waltz rhythm for this “choreographic poem” only a year after the Armistice of World War I on November 11, 1918. La Valse is an allegory and a synopsis of this slaughter that took more lives than any other war before it.

The work opens with an uneven pulsation, the dull hammering of factory turbines–a frog that stealthily transforms into Prince Charming. But this surface glitter is also disturbing; scraps of

JOSEPH HAYDN (1732 – 1811)

Sonata in F major, no. 38, Hob. XVI: 23

The French saying “les gens heureux n’ont pas d’histoire” (happy people don’t have stories) could easily apply to Joseph Haydn, so clear and rooted in the Classical tradition is his music that it could almost define the period, so wholesome that two centuries after his death, we still return to it again and again. Haydn’s form is so logical, rational, and perfect that at first glance it might seem boring. But Haydn’s incredible genius for invention and renewal infuses each formula with meaning, thereby creating a musical rhetoric that some­how expresses every nuance of emotional and spiritual language.

The Sonata in F major is no exception. A man engages you in conversation, and everything he says interests, intrigues, and moves you. Time dis­appears. An instinctive sense of trust elicits your questions and draws out your secrets, and such is his intelligence, curiosity, goodness, and discrete tenderness, veiled with humour, that it confirms (or perhaps renews) your faith in Humanity. This is the delightful gift that Haydn gives us.

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Enregistré en juillet 2014 à l’Église St­Benoît­de­Mirabel, Québec, Canada. / Recorded in July 2014 at Église St­Benoît­de­Mir abel, Québec, Canada.

Réalisateur ; Mixage et mastérisation / Producer; Mix and Mastering: Carl Talbot (Productions Musicom)Preneurs de son / Recording Engineers: Carl Talbot, Christopher JohnsTechnicien de piano / Piano Technician: Jean­Marc BeauchampYamaha Canada Musique / Yamaha Canada Music Ltd

Technicien de piano / Piano Technician: Jean­Marc Beauchamp

Agente de M. Lefèvre/Mr. Lefèvre’s agent: Johanne Martineau, Présidente / President SOLO Artiste Inc.

Producteur, Directeur artistique / Executive Producer, Artistic Director: François Mario LabbéDirectrice de production / Production Director: Julie M. FournierAssistante de production / Production Assistant: Kathleen DésiletsTraduction et révision / Translation and proofreading: Peter Christensen, Rédaction LYREPhotos Alain Lefèvre: © Caroline BergeronConception et production graphique / Graphic Design and Production: Pyrograf

Merci au Centre Phi de nous avoir gracieusement offert leurs magnifi ques espaces pour notre séance photo.Thank you to the Phi Centre for allowing us to use their beautiful facilities for our photo shoot.

Merci également à / Thanks to: M. Benoît Turcotte et / and M. Jim Welter de Yamaha Canada Musique / Yamaha Canada Music Ltd.

Groupe Analekta Inc. reconnaît l’aide fi nancière du gouvernement du Québec par l’entremise du Programme d’aide aux entreprisesdu disque et du spectacle de variétés et le Programme de crédit d’impôt pour l’enregistrement sonore de la SODEC. / Groupe Analekta Inc. recognizes the fi nancial assistance of the Government of Quebec through the SODEC’s Programme d’aide aux entre­prises du disque et du spectacle de variétés and refundable tax credit for recording production services.Nous reconnaissons l’appui fi nancier du gouvernement du Canada par l’entremise du ministère du Patrimoine canadien (Fonds de la musique du Canada). / We acknowledge the fi nancial support of the Government of Canada through the Department of Canadian Heritage (Canada Music Fund).AN 2 9296 Analekta est une marque déposée de Groupe Analekta Inc. Tous droits réservés. / Analekta is a trademark of Groupe Analekta Inc. All rights reserved. Fabriqué au Canada. / Made in Canada.

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JOSEPH HAYDN (1732­1811)Sonate en fa majeur, no 38, Hob. XVI : 23Sonata in F major, no. 38, Hob. XVI: 23

4. Moderato 7 : 305. Adagio 8 : 116. Finale : Presto. 4 : 06

MAURICE RAVEL (1875­1937)7. La Valse 11 : 44